К сожалению не нашла ничего об этом художнике на русском языке.
Поэтому делюсь сведениями из французской википедии
http://fr.wikipedia.org/wiki/Gaston_Bussi%C3%A8re_(peintre)

Все кликабельно
The Nereides


Читать далее

ДОНГЕН, КИС (КОРНЕЛИС) ВАН (Dongen, Kees van) (1877–1968), французский художник, представитель фовизма, мастер типажных женских образов и портретист.
Родился 26 января 1877 в Делфсхавене (Южная Голландия) в семье пивовара. Занимался в роттердамской Академии художеств (1892–1897). Зарабатывал на жизнь, публикуя ироничные, порой эпатажные зарисовки местного порта, злачных мест и притонов в местных газетах «Груне» и «Роттердам ньювсблад». В 1899 обосновался в Париже, примкнув позднее к кружку авангардистов, сформировавшемуся в студии «Bateau-Lavoir» («Лодка-прачечная»). Сотрудничал с парижскими сатирическими журналами («Асьет дю бэр» и др.) и символистским «Ревю бланш». Принял участие в знаменитой выставке фовистов в Осеннем салоне (1905). Был (с 1908) одним из иностранных участников дрезденского объединения «Мост».
Завоевал известность картинами, посвященными «современной женщине», погруженной в мир домашней неги, моды и развлечений. Наиболее значительны ранние полотна (Красная танцовщица, ок. 1907, Эрмитаж, Петербург; Дама в черных перчатках, ок. 1908, Музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина, Москва; и др.), где обобщенные фигуры и лица натурщиц и дам полусвета намечены броскими цветовыми акцентами и ритмами, впечатляющими не столько «эпатажностью», сколько мощным живописным новаторством, имевшим большой резонанс в искусстве Европы, в том числе России. Часто обращался к мотивам мюзик-холла и цирка, писал также яркие и красочные портреты (Д.-А.Канвейлер, 1907, музей Пти-Пале, Женева) и пейзажи.
С 1910-х годов делил время между Парижем и Лазурным берегом. В межвоенный период стиль ван Донгена значительно изменился, превратившись в своего рода «авангардный салон» или усредненный вариант «ар деко», где доминировали большие заказные портреты или символические картины, полные великосветского, иной раз почти китчевого шика (Танго с архангелом, 1930, Музей изящных искусств, Ницца). Не раз выступал как иллюстратор книг (в том числе эпопеи М.Пруста В поисках утраченного времени, 1947). В 1949 художник окончательно переселился на юг.
Умер ван Донген в Монте-Карло 28 мая 1968.


http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%94%D0%BE%D0%BD%D0...D0%B5%D1%81_%D0%B2%D0%B0%D0%BD


http://www.krugosvet.ru/articles/93/1009302/1009302a1.htm

Portrait of a Woman, ca. 1903


Читать далее

Часто в качестве модели он использовал свою жену. Он женился на Марте Мерье в 1883 году. За недолгую совместную жизнь она родила ему семеро детей. Свадебное путешествие они совершают по Бретани. Во время этой поездки он создает свои лучшие картины, моделью для которых становится Марта. Так на свет появляются интимные образы, часто окрашенные нежным юмором. Самые счастливые дни жизни Мориса Дени связаны с романтической природой Бретани. Она навсегда запечатлелась в сердце художника, он будет все время возвращаться сюда. А в 1908 году он купит здесь виллу «Силенсио» (тишина), где будет жить месяцами.
После путешествия в Италию (1895-1898 и 1907) искусство Дени все более приобретает традиционно-классический характер, проявившийся в больших декоративных композициях - стенных росписях, и лишается интимного обаяния. Его картины тяготеет к монументальным формам и декоративной гармонии и проникнуты религиозно-мистическими настроениями. Для этого периода характерны плоскостная стилизация, игра округлых вялых контурных линий, светлые, несколько слащавые краски.



Он охотно выполняет росписи зданий, создает рисунки для витражей и гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации. Среди наиболее известных его произведений - росписи церкви в Везине (1901-1903), и плафон Театра Елисейских полей (1913) с аллегориями Танца, Симфонии, Оперы и Лирической драмы.
В 1919 году после долгой болезни умирает его жена Марта. В 1922 году Дени женится на Элизабет Гратеролл. От этого брака у него будет еще двое детей. В творческом плане он уже не столь плодовит. В 20-е и 30-е годы Дени в основном оформляет церкви, пишет труды по теории искусств, читает лекции, путешествует. 13 ноября 1943 года жизнь мэтра неожиданно обрывается, он попадает под машину на бульваре Сен-Мишель и умирает в больнице.

Читать далее

Дени Морис (Denis, 25.11.1870 г., Гранвиль, Нормандия, - 03.11.1943 г., Сен-Жермен-ан-Ле, близ Парижа), французский художник-символист.
С семнадцати лет Дени учился в Париже в академии Жюлиана и в Школе изящных искусств. Испытал влияние Поля Гогена.
С 1888 года принимал участие в создании группы «Наби». Вместе с Пьером Боннаром, Полем Серюзье и Эдуаром Вюйаром Морис Дени основал художественную группу Наби и считается самым видным её теоретиком. В соответствии с идеями этого художественного направления Дени писал картины, отличавшиеся простотой форм, мягкостью линий и бледностью красок. В эти годы Дени получил прозвище «Наби красивых икон», данное ему по упрощенному и слегка архаичному характеру его живописи. Участвовал в создании "Мастерских религиозного искусства" (1919 год), глава "неотрадиционалистского" течения во французской живописи. Часто в качестве модели он использовал свою жену. Эти интимные образы, часто окрашенные нежным юмором, вплоть до конца жизни Дени считались одними из самых счастливых его картин. Вскоре он переходит к светлой живописи в стиле модерн.



Искусство Дени, тесно соприкасающееся с символизмом и стилем "модерн", тяготеет к монументальным формам и декоративной гармонии и вместе с тем проникнуто смутными, зыбкими, подчас религиозно-мистическими настроениями; для него характерны плоскостная стилизация, игра округлых вялых контурных линий, светлые, несколько слащавые краски. После путешествия в Италию (1895-1898 гг. и 1907 год) его искусство приобрело традиционно-классический характер, проявившийся в больших декоративных композициях – стенных росписях.
Дени писал религиозные и мифологические картины, портреты, пейзажи ("Марфа и Мария", 1896 год, 11 панно "История Психеи", 1908-1909 гг., - в Эрмитаже, Ленинград), выполнял росписи зданий, рисунки для витражей и гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации. Как теоретик утверждал главенство декоративного цветового начала в живописи ("Теории", 1912 год, "Новые теории", 1921 год).

Читать далее

Имя Бориса Зворыкина сегодня известно специалистам-книжникам и людям, увлекающимся искусством особенно эпохой XIX-XX веков. Но рядовому читателю, пожалуй, это имя ничего не скажет. Борис Зворыкин был одним из основоположников "русского стиля" в книжной иллюстрации и, пожалуй, лучший график-орнаменталист начала XX века. Самобытное творчество художника до недавних пор могло быть оценено лишь немногими знатоками-коллекционерами – счастливыми обладателями редких и дорогостоящих изданий, выпущенных в дореволюционной Москве да в эмигрантском Париже.
Причина такого забвения коренилась, с одной стороны, в изначально принятом этим художником сравнительно узком диапазоне творческой практики, ограниченном, по преимуществу, сферой книжной и прикладной графики, а с другой – в избранном им пути независимого построения художественной карьеры, выразившемся в последовательном неучастии в каких-либо "групповых стратегиях".

Василиса Прекрасная
Жар-птица



Зворыкин остался в стороне от таких этапных для отечественного искусства коллективных выступлений, как выставки Московского товарищества художников, "Мир искусства" и "Голубая роза". Сотрудничество Зворыкина в другом символистском органе – роскошном крупноформатном журнале "Золотое руно", этом детище московского мецената и художника Н. П. Рябушинского, оказалось эпизодическим и ограничилось несколькими виньетками, выполненными им в 1906-1909 годах. Все это привело к тому, что талантливый и оригинальный мастер был обойден вниманием газетно-журнальной критики, которая всегда влияла на общественную оценку значимости того или иного художественного явления.

Читать далее

Сегодня я хочу рассказать о судьбе и творчестве одной удивительной женщины- Лидии Чарской,о несоменнном таланте , рожденном и расцветшем в переод Серебрянного века России.
Сделаем так- я пост разделю на две части- пеовая- биография Чарской, вторая- собственно отрывки из ее произведений. В качестве иллюстраций будут Смолянки Д. Левицкого (Всего Левицкий создал семь портретов смолянок: в 1773 году — Ф. С. Ржевской и Н. М. Давыдовой , Е. И. Нелидовой , Е. Н. Хованской и Е. Н. Хрущевой ; в 1775 — А. П. Левшиной ; в 1776 году — Г. И. Алымовой , Н. С. Борщовой , Е. И. Молчановой),и просто фотографии девушек- гимназисток, курсисток.

Когда-то среди читающей молодежи не было человека, не знакомого с этим именем. Ее сказки для малышей, детские рассказы, повести для юношества, романы для взрослых, стихи и пьесы мгновенно исчезали с прилавков магазинов. Она была самой популярной детской писательницей начала XX столетия. И никто не мог сказать, откуда вдруг появилось столь значительное явление в литературном мире.
Лидия Алексеевна родилась в дворянской семье. Ее отец, Алексей Александрович Воронов, был военным инженером. До сих пор спорным остается дата ее рождения. По одним источникам, это 1878 год, Петербург, по другим - 1875, Кавказ. Но как бы то ни было, в 70-е годы XIX века появилась на свет девочка, которой суждено было более 20 лет владеть умами и чувствами самого широкого круга читателей.




Семья жила в достатке, родители любили свою дочь, и все, казалось, было радостным и безмятежным. Но не под счастливой звездой родилась маленькая Лида. Вскоре умерла ее мать. И всю свою любовь девочка перенесла на отца. Возможно, это помогло им обоим перенести тяжкую потерю. Ведь ушла из жизни не только мать, но и жена. Вдвоем они проводили дивные вечера. И Лиде казалось, что так будет всегда.
Но однажды все переменилось. Отец женился. В дом вошла чужая женщина. Мачеха. Какое холодное и бездушное слово! И как холодно и бесприютно стало в душе у девочки. Отношения с новой хозяйкой дома настолько не сложились, что Лида несколько раз убегала из дома. Тогда было решено отвезти дочь в Петербург в Павловский женский институт. В то время семья жила в Шлиссельбурге, этого требовала военная служба отца. Дорогу Лида не помнила, но зато в памяти навсегда осталось тяжелое воспоминание от первой встречи с обстановкой института, который жил по строгим, раз и навсегда установленным правилам. Для живого впечатлительного ребенка институт показался казармой, тюрьмой, в которой ей предстояло теперь жить.
Несхожесть с другими детьми ее возраста проявилась довольно рано. Уже в 10 лет она писала стихи, а в 15 лет взяла за привычку вести дневник, записи которого частично сохранились. К этому времени она уже сознавала свое отличие от других и мучилась этим. "Почему я переживаю все острее и болезненней, чем другие? Почему у других не бывает таких странных мечтаний, какие бывают у меня? Почему другие живут, не зная тех ужасных волнений, которые переживаю я?" - писала она в дневнике.

Читать далее

Агитационный фарфор - прежде всего следствие более чем 10-летнего взросления русского авангарда. Даже не следствие, а скорее логическое продолжение - художники ГФЗ, а позднее ЛФЗ создавали русский авангард наравне с футуристами, кубистами, конструктивистами, супрематистами и другими представителями радикального направления в искусстве.
Авангард - это совокупное название сложившихся в 1900-е годы художественных тенденций, для которых характерно программное, выраженное в полемически-боевой форме (отсюда само имя, взятое из военно-политической лексики) противопоставление себя прежним традициям творчества, равно как окружающим социальным стереотипам в целом. Авангард, как и революция - был нацелен на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию, которая разрушила бы духовную косность существующего общества, при этом его художественно-утопические стратегия и тактика были очень решительными, даже анархически- бунтарскими.



В начале ХХ века преобразования охватили все виды творчества, но изоискусство постоянно выступало инициатором новых движений. Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие тенденции авангарда; его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Футуризм укрепил интернациональные контакты авангарда, ввел новые принципы взаимодействия искусств (изоискусства, литературы, музыки, театра, фотографии и кинематографа). В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим в широком географическом диапазоне от России до Нового Света (с Москвой, Берлином, Нью-Йорком и другими центрами, которые все решительнее оспаривают ведущую роль Парижа как законодателя художественных мод). Экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм с их чуткостью к бессознательному в человеческой психике обозначили иррациональную линию авангарда, в конструктивизме же, напротив, проявилась его рациональная, строительная воля.

Читать далее

Петроград. Первые послереволюционные годы. Разруха, холод и голод. Естественные потребности человеческой жизни сведены к минимуму. Но всякое утеснение материального начала неизбежно влечет за собой подъем духа, и чем первое сильнее, тем больший простор получает дух. Так случилось и в этот раз. С той лишь разницей, что вышедшая из берегов стихия бушевала так, как, может быть, никогда в истории цивилизаций.
Все было отменено: государство и власть, законы и деньги, традиции и авторитеты, искусство и быт, отношения между мужчинами и женщинами, да что там — царь и сама история!
Сравнить это состояние можно только с духовным прозрением, когда все бывшее прежде вдруг становится ненужным, уводящим от цели, и рождается неистовое желание сбросить его и идти только вперед и вверх.
Любое событие представлялось прежде всего творческим актом, поскольку утверждался новый миропорядок. Ни один способ смотреть на мир не отрицался. Со временем из огромного арсенала опробованных возможностей были выбраны наиболее удобные и экономичные, прямые, как правда, пути, и уж тогда закреплены в качестве обязательных для всех. Но это будет позже.



В те же годы все казалось чудом. Реальность была фантастичнее самого изощренного вымысла. На Дворцовой площади росла капуста и прыгали кролики, не работал городской водопровод. Те, кто не понял, оплакивали блага цивилизации, для посвященных же было ясно, что честнее начать все с самого начала. При этом — уцелел фарфоровый завод в Петрограде. Еще совсем недавно — Императорский, он состоял в придворном ведомстве, выполняя высочайшие заказы, обеспечивая посудой и предметами роскоши царские резиденции, изготавливая драгоценные подарки, в том числе дипломатические. Изделия выпускались уникальные, они не тиражировались и не предназначались для свободной продажи. Кажется, скомпрометированный таким прошлым, фарфор вообще должен был исчезнуть как некая категория старого мира, как исчезли графы и князья, а с полок — фарфоровые маркизы. Но он не просто выжил, а стал одним из символов наступившего нового времени.
Ни в бронзовом, ни в мраморном, ни в ином варианте эта эпоха не интересна так, как в фарфоровом. Памятники «царям и их слугам» легко заменялись памятниками «вождям революции», даже их места на карте города оставались прежними, — так, новая одежда. Здесь, напротив, все было иначе. Камерный по своей природе, фарфор, создававший уют в будуарах и гостиных, как будто преодолел себя, выйдя из замкнутого круга примет частной жизни, и стал летописью времен, самой хрупкой и самой долговечной.

Читать далее

"Агитационный фарфор" не нуждается в специальном представлении. Тем не менее, коротко напомним историю появления этого, своего рода, феномена, не имеющего аналогов в мировом искусстве. Разве что можно провести лёгкую параллель с французскими фаянсовыми изделиями, выпускавшимися во время буржуазной революции 1789 года, на которых в карикатурной форме стали изображать символы трёх сословий, прославленного Мирабо, бдительного галльского петуха, сидящего на пушке... А когда стала сказываться усталость от нескончаемых войн, появилось изображение "Тихой пристани" с надписью "стремлюсь сюда".



Со значительной натяжкой к агитационным можно присовокупить русский фарфор и стекло, выпускавшиеся в России по следам Отечественной войны 1812 года, с воспроизведением карикатур И. Теребенева на французскую армию и графических листов с портретами российских героев.
Последнее упоминание об Императорском фарфоровом заводе (ИФЗ) поместила газета "Свет" 17 февраля 1917 года. Изделия, выпускавшиеся ИФЗ в период Временного правительства, маркировались особой отметкой в виде тёмно-зелёного двуглавого орла в круге с датой "1917". Предметов этого периода было выпущено очень небольшое количество, и их коллекционная значимость несомненна. В марте 1918 года решением Коллегии Отдела изобразительных искусств завод был передан в ведение Народного Комиссариата просвещения как испытательная керамическая лаборатория республиканского значения. С этого времени предприятие стало именоваться Государственным фарфоровым заводом в Петрограде (ГФЗ).

Читать далее

Удивительный материал для рукоделия - перья. Изделия из перьев издавна были популярными в Китае, Индии.
Их ценили на Востоке и Западе,
в Европе, Америке и Азии. Перья некоторых птиц стоили очень дорого. Страусиные, например, продавали от 5 до 10 рублей за перо. Из перьев делали искусственные цветы, веера, абажуры, ширмы, они использовались как украшение
в шляпках, на сумочках.
С особым искусством применяли перья в вышивке для изображения птиц, цветов и узоров. Их раскладывали по узору, закрепляли тонкой проволокой, нашивали шелком.

Boze Joseph (1744/1745-1826)


В Древнем Египте знак, изображавший перо страуса, был символом справедливости. Дело в том, что у всех птиц опахало пера справа и слева от стержня неодинаковой ширины. Лишь у страуса стержень делит перо на две равные половинки.
С этой же целью широко использовались дорогие шкурки райских птиц. Большую ценность представляет «птичий мех» — шкурки гагар, которые идут на изготовление шапок, воротников и отделку платьев. Люди также всегда высоко ценили светлое оперение и уникальное качество пуха лебедей.
Но мода на перья страусов, лебедей, белых цапель в конце XIX — начале XX вв. способствовала резкому сокращению этих когда-то распространенных видов.

Читать далее

Когда-то в одном из постов моего дневника возник вопрос о перьях на шляпах дам эпохи модерна. Какие использовались, как изготовливались сами шляпы. Ни к чему по-моему существенному, мы тогда не пришли. Я решила немного расширить тему, ведь украшения в виде перьев на шляпах, и вообще птичьи перья как аксессуар, использовались человеком в течении столетий.Поэтому,вашему вниманию два небольших поста. Модерн,столь любимы мною, тоже естественно будет на изображениях, но ,следую хронологии, в конце второго поста.

В религиозной атрибутике, сформировавшейся в период правления древнеегипетских фараонов, корона из перьен, венчавшая голову бога Амона-Ра, символизировала луч и Солнца. Вера египтян в сушествование загробной жизни была основана на постулате, который гласил, что каждый человек помимо своего тела обладает еше и бессмертной душой. Эта душа (bai) изображалась в виде птицы с человеческой головой. Бог мертвых Осирис судил души умерших, взвешивая человеческие сердца и используя в качестве противовеса «перья Истины». Крылатого греческого бога Гермеса почитали и в Древнем Риме, дав ему новое имя — Меркурий. Он являлся покровителем всех, кто занимался торговлей. Меркурия всегда изображали держащим в руке жезл-кадуцей, обвитый двумя змеями и увенчанный двумя крылышками, который являлся символом торговли. Шлемы греческих лучников и воинов римских когорт украшали пучки пестрых перьев, которые обозначали их принадлежность к определенному воинскому подразделению. Каждый римский легион нес, как знамя, водруженное на древко изображение орла с расправленными крыльями.

Henri, roi de Navarre (vers 1575)


Немаловажную роль играли украшения из перьев у первобытных народов Северной, Центральной и Южной Америки - Океании, используемые и и ритуальных танцах, и во время междоусобных войн. В период Средневековья перья служили роскошным декором для мужских головных уборов. Пышные перья украшали рыцарские шлемы и бархатные береты сановников, авантюрные шляпы с широкими полями времен Тридцатилетней войны и традиционные треуголки, которые были обязательным галопным убором офицеров высокого ранга, служивших при дворе короля Людовика XIV. Эти разноцветные плюмажи красовались на парадных головных уборах высшего офицерства до начала XIX века.

Читать далее

Alberto Vargas (1896 - 1982)


Как и любое другое творческое или общественное явление, Pin Up породил массу легенд, фантазий и наворотов вокруг себя, начиная с появления названия, приоритетов, техник и прочего. Разобраться во всем этом ныне уже нет никакой возможности (да и особой нужды тоже нет).Чего стоит придумка о раскраске фотографий (один из подобных вариантов прямиком звучит в русском издании альбома-монографии Б.Вальехо, весьма посредственном по качеству печати). Дескать, снимает модель, печатает большую фотографию, а затем темперой и маслом дорисовывает антураж, дракончиков и остальное, что по жанру положено.
Бред... Во-первых, после прокладки первого слоя от фото ничего не останется. Во-вторых, художники более бережно относятся к результатам своего труда, а следовательно, и к технологии исполнения работ, и рисовать на отфиксенной фотобумаге маслом (пусть даже темперой) придет в голову только самым недальновидным. В третьих, если человек не умеет рисовать - то его не спасет даже такая придумка... Если он сумеет сохранить силуэт, то форму обязательно порушит...

Читать далее

Gene Pressler.


Корни этого явления имеет смысл искать в детском мировосприятии-Помните старый фотоальбом своих родителей, заботливо разукрашенный детскими руками. Папе - красивые гусарские усы, маме - красивую красную шляпу - Совершенно напрасно ругали вас родители за содеянное - в 30-е годы на подобных действиях немало безвестных художников сделало себе имя и состояние. Gil Elvgren, Harry Ekman, Paul Corfield, Pearl Frush, Peter Driben - имена лишь немногих из них.
Читать далее