Давно скопилось некоторое количество картин с изображением кардиналов.Не парадные портреты, а небольшие бытовые сценки.На эту тему давно написано огромное число полотен, тут конечно малая толика, но мне хотелось бы рассказать вам- почему же именно такой наряд носили монсеньоры. Не могу сказать,что это "модная" тематика, но все же,многие из них ведь в рубище не ходили,а одежду шили из самых дорогих материалов.Итак- "кардинальская" мода- прошу !

Художников я поделила по авторам, выделила курсивом фамилии

Кардинал — высшее (после Папы) духовное лицо Римско-католической церкви, принадлежащее к любой из трёх степеней священства. По-латински: Cardinalis sanctæ romanæ Ecclesiæ (Кардинал Святой Римской Церкви).
История кардиналов восходит к семи древним диаконам, избранным апостолами и поставленным заботиться о малоимущих христианах (Деян.6:1-6). При Римском епископе долгое время сохранялась традиция избирать семерых привилегированных архидиаконов, которые вскоре сосредоточили в своих руках огромную финансово-административную и даже духовную власть, так как подчинялись только папе, причём, папы сами часто зависели от своих ближайших и могущественных подчинённых (архидиаконов), которых стали почтительно называть кардиналами. Титул кардинала архидиаконы не утрачивали даже тогда, когда их повышали по службе, рукополагая во пресвитеры и во епископы. Позже, все кардиналы стали возводиться во епископское достоинство, но при этом они получают двойной (параллельный) духовный сан. То есть, те католические епископы, которые носят титул кардинала, в какой бы части света они не возглавляли свои епархии, обязательно приписаны к одному из приходских храмов города Рима в качестве простого священника или даже диакона.

Jean Georges Vibert


Традиционной одеждой всех клириков, а также т. н. поставленных служителей (чтеца и аколита), является сутана – черное разрезное платье с застежками до пола. Цвет сутаны зависит от степени клирика: черная – от чтеца и выше, черная с малиновыми (фиолетовыми) пуговицами – у монсеньоров и епископов, малиновую (фиолетовую) могут носить епископы, красную – кардиналы, белую – Папа.
Епископ носит поверх сутаны широкий полотняный епископский пояс, конец которого свисает вниз: у епископа пояс малинового цвета (подобные же пояса могут носить и монсеньоры), у кардинала – красного, у Папы – белого. На плечах поверх сутаны епископ носит пелерину, именуемую мантией

Читать далее

Жена хана. 1901


Читать далее

В женских образах этого художника отчетливо проявилось увлечение Востоком (Япония,Китай) на рубеже 19-20 веков. Кимоно, зонтики,яркие экзотические узоры на тканях, прически

Ги Орландо Роуз (англ. Guy Rose, род. 3 марта 1867 г. Сан-Габриель, Калифорния — ум. 17 ноября 1925 г. Пасадена) — американский художник, один из крупнейших представителей калифорнийского импрессионизма.
Ги Роуз родился в семье калифорнийского сенатора Леонарда Джона Роуза и вырос на ранчо отца. В 1876 году вследствие несчастного случая на охоте был ранен братом выстрелом в лицо. Во время длительного лечения начал рисовать акварелью и маслом. В 1884 году Роуз оканчивает Высшую школу в Лос Анжелесе и поступает в Калифорнийскую школу дизайна в Сан-Франциско. С сентября 1888 года он учится в парижской Академии Жюлиана, вместе с Ж.-Ж. Лефевром и Ж.-П. Лораном. В 1888-89 годах получает стипендию Академии Делаклюз. В 1890 году художник впервые выставляет свои работы в Парижском Салоне; этой выставке следуют другие в 1891 и в 1894 годах.


The Lavalier


Читать далее

Удивительно светлые и веселые работы у Карелли, и их очень очень много ! Я постаралась отобрать для своего дневника лишь те,которые более-менее относятся к тематике моего дневника. 20-е годы 20 века, и немного конца 19 века.

Fred Calleri was born in Maryland and moved to Flagstaff, Arizona in 2001. Fred has been interested in art throughout his life as well as a gifted draftsman since childhood. Early influences were Renaissance painters and the Masters of the early 20th century. Calleri’s son Brodie has the middle name of Wyeth, taken from the great illustrator N.C. Wyeth.
Calleri’s experience at The Maryland Institute College of Art from 1988-1993 was a watershed event for him. There he was an Illustartion and Graphic design major. The excellent training he received opened the window to all fields of art. Ironically, Fred took one painting class in college (the smell of turpentine made him ill) and only became seriously interested in professionally painting after the birth of his son in 1997.
After and extensive period in Graphic Design and Marketing, Calleri decided to move to Flagstaff and take advantage of the history, scenery, people and especially the astounding light offered in the western regions of the U.S.



Читать далее

Читать далее

Уже много раз мне встречались на различных блогах подборки акварелей этого художника. Не смогла и я пройти мимо таких изящных головок и элегантных туалетов.Конечно это только небольшая часть.

Акварельный портрет — один из наиболее изящных видов искусства. Он привлекает прозрачностью и легкостью письма, камерностью и, особенно, общей поэтичностью художественного и образного строя.
В первой половине XIX века этот жанр получил самое широкое распространение и вошел в бытовую культуру русского общества. В дворянских домах небольшие портреты украшали гостиные и кабинеты, их дарили на память в знак сердечной дружбы и любви.
В Музее В. А. Тропинина и московских художников его времени хранится большая и интересная коллекция русского акварельного портрета первой половины XIX века. Многие произведения были подарены музею его основателем Ф. Е. Вишневским. Значительную часть графического собрания составляют портреты замечательного акварелиста Владимира Ивановича Гау.
Владимир Иванович Гау родился 4 февраля 1816 г. в Ревеле в семье художника Иоганна Гау (1771-1838). Первые уроки рисования В. Гау получил у отца.
Акварельный портрет не был принадлежностью исключительно русской культуры. Этот жанр был распространен по всей Европе в очень небольших формах, что объясняется общим развитием искусства и практическими потребностями общества в портретах небольшого размера. При каждом европейском дворе работали акварелисты, писавшие портреты, которые затем часто тиражировались литографическим способом.

Портрет великой княжны Александры Николаевны(1825-1844


В.И.Гау легко примкнул к немецкой традиции, так как между русским и немецким искусством 1830-1850 годов существовали тесные связи. Непосредственными его учителями были художники из Прибалтики.
В изображениях Гау как бы выведена формула аристократизма во внешнем проявлении и определены составляющие ее элементы. Они постоянны и переходят из портрета в портрет — ясное и спокойное выражение лица, осанка, поворот головы, модная одежда. Но индивидуальность совсем не обязательно теряется за внешним стереотипом. Портретная концепция 1840-х годов предполагала точное до натурализма портретное сходство. Лица на портретах Гау всегда индивидуальны.
В. И. Гау был ведущим мастером портретной акварели на протяжении трех десятилетий. Ему подражали многие мастера, его оригиналы использовались для гравюр и литографий. Творчество художника определяло развитие акварельного портрета в 1840-1860 годы, пока этот жанр не был почти полностью вытеснен более доступной фотографией.

Читать далее

Эскиз костюма Купавиной. "Волки и овцы" 1915


Читать далее

В подборке только женские портреты

Иван Силыч Горюшкин -Сорокопудов (1873-1954 гг.)1873, село Наши, Тамбовской губ. — 1954, село Ивановка, Пензенской обл.) родился в семье бурлака. Рано осиротел. Воспитывался в се­мьях долекой родни Сорокопудовых. Жил сначала в Саратове, затем в Астрахани. Первые навыки в искусстве будущий художник получил в Астрахани от П.А. Власова, который под­готовил его к поступлению в Петербургскую Академию художеств. В 1895 Горюшкин поступил в Высшее художественное училище при Академии, а через два года — в Академию. По окончании натурного класса он работал в мастерской И.Е. Репина. Горюшкин-Сорокопудов окончил Академию в 1902. К этому времени определились его основные творческие интересы — исторический и портретный жанры, а также пейзаж. Художника привлекала жизнь Древней Руси, патриархальные традиции, народный быт. Среди картин на историческую тему удачнее других полотно «ПЛАЧ ЯРОСЛАВНЫ» (1907, Астрахан­ская картинная галерея), в котором большую роль в эмоцио­нальном плане играет пейзаж. На события революции 1905 года художник откликнулся со­зданием ряда рисунков и акварелей («Баррикады. 1905 год»; «Разгром барской усадьбы», 1905). В 1908 Горюшкин-Соро­копудов переехал из Петербурга в Пензу, где преподавал в Пензенском художественном училище. Наиболее интересны портреты этого периода, хотя и прежде художником были ис­полнены оригинальные по ком­позиции и мастерству работы, например «СКРИПАЧ» (1902). Особое место занимают портреты, написанные на пленэре, лучшие из которых — «ПОД СОЛНЦЕМ» (1910-е) и «ПОРТРЕТ Н.В. МАНСЫРЕВОЙ» (1915). Обе работы привлекают красотой колористического решения, ощущением свежести и чистоты. Художник уловил черты характера моде­лей, сумел отразить их в выражении лиц и в позах. Эти качества, запечатленные здесь уверенной кистью, были намечены еще в «ПОРТРЕТЕ МАТЕРИ» (1904).

Портрет Собольщиковой-Самариной


Читать далее

В 1890-х годах Европу охватила мода на тиары в духе русской императорской короны. По дизайну они походили на кокошник и состояли из градуированного ряда поставленных вертикально ланцетовидных мотивов листьев.
Характерной чертой такого типа тиар является то, что они могут быть ношены как колье. О популярности таких тиар говорит тот факт, что практически все Великие княгини России имели по такой тиаре. Не была исключением и Великая княгиня Мария Павловна-старшая. Она очень любила ювелирные украшения. Ее любимыми ювелирами были Faberge, Bolin (Болин), Cartier.
После смерти Марии Павловны все ее бриллиантовые украшения унаследовала дочь Елена, принцесса Греции и Дании по мужу. Среди ювелирного наследства была и эта тиара. Она была сделана, возможно Bolin, в 1880 году. Мастера этого ювелирного дома славились тем, что в их работе даже крупные камни выглядели очень элегантно. Возможно, такой эффект достигался из-за использования серебра. Как например, в этой тиаре. Благодаря использованию серебра, металл не затмевает блеска бриллиантов и тиары выглядит легкой и изящной.

Романова Елена Владимировна (Елена Греческая и Датская). Русские кокошники

Дочери Елены Владимировны-Ольга,Елизавета, Марина


Тиара, в которой Елизавета (дочь Елены Владимировны) была на своей свадьбе, принадлежала её бабушке Марии Павловне, а затем матери — принцессе Елене. Её младшая сестра Марина также шла под венец в этом украшении. Затем тиара перешла дочери Елизаветы — Елене (1956). В ней же выходила замуж её внучка София Габсбург в 1990 году и невеста правнука Максимилиана Сара Майя аль-Аскари в 2005

Читать далее

Небольшая подборка театральных костюмов русского художника Сергея Судейкина

Анна Ахматова
Сергею Судейкину (1914)

Спокоен ход простых суровых дней,
Покорно все приемлю превращенья.
В сокровищнице памяти моей
Твои слова, улыбки и движенья.


Родился в Петербурге в семье жандармского офицера. В 1897 г. поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, откуда в 1902 г. был отчислен за показанные на ученической выставке работы «непристойного содержания».
Творчество Сапунова оказалось близко художникам-символистам. Судейкин сотрудничал с журналом «Весы», иллюстрировал драму М. Метерлинка «Смерть Тентажиля» (1903), участвовал в выставках «Алая роза» (1904), Московское товарищество художников (1905), Союза русских художников (1905, 1907 - 1909), «Голубая роза» (1907, являлся одним из создателей одноименного объединения), «Венок» (1908).
В 1909 г. поступил в Санкт-Петербургскую Академию Художеств, где с 1910 г. работал в мастерской Д. Кардовского. В это же время состоялось знакомство художника с А. Бенуа и другими «мирискусниками». В 1911 г. Судейкин становится членом объединения «Мир искусства» и постоянным участником организуемых объединением выставок. Особенно тесная дружба связывала его с К. Сомовым, мотивы творчества которого проявляются и в работах Судейкина. Романтические сюжеты, излюбленные К. Сомовым и другими художниками «Мира искусства», зачастую получали у Судейкина лубочную трактовку, содержащую элементы гротеска и театрализации. Театр, балет, итальянская комедия становились темами его работ.
В последствии именно работа для театра стала главным делом его жизни. Художник сотрудничал со многими известными театральными деятелями. С. Мамонтов первым привлек Судейкина к оформлению оперных спектаклей в московском театре «Эрмитаж». В 1905 г. Судейкин вместе с Н. Сапуновым оформлял для Театра-студии на Поварской в Москве «Смерть Тентажиля» в постановке В. Мейерхольда. В 1909 г. в Петербурге в Новом драматическом театре Ф. Комиссаржевского создал декорации к пьесе Б. Шоу «Цезарь и Клеопатра». В петербургском Малом драматическом театре в 1911 г. оформлял балетные спектакли и комическую пьесу М. Кузмина «Забава дев». В 1913 г. Судейкин участвовал в «Русских сезонах» в Париже, оформляя спектакли.

Саломея


Павлова и Нижинский в Павильоне Армиды


В 1910-х г.г. Судейкин становится одной из центральных фигур петербургской литературно-художественной жизни. Тесные отношения складываются у него с М. Кузминым. Художник оформляет для своего друга книги стихов — «Куранты любви» (1910) и «Осенние озера» (1912), помогает В. Мейерхольду в организации Дома интермедий (1910-1911), в 1911 г. расписывает стены театра-кабаре «Бродячая собака», в 1915 г. создает декоративные панно для «Привала комедиантов».
В 1917 г. Судейкин переезжает в Крым, затем, в 1919 г., в Тифлис. В 1920 г. уезжает в Париж.
В эмиграции работа в театре продолжает оставаться основным делом художника. Во Франции Судейкин сотрудничал с Н. Балиевым и его кабаре «Летучая мышь», с «Русской оперой», театром «Аполло», оформлял балет «Спящая красавица» для труппы А. Павловой. После перезда в 1923 г. в США Судейкин много работал для «Метрополитен-опера» (балеты И. Стравинского «Петрушка» (1925), «Соловей» (1926), оперы «Садко» Н. Римского-Корсакова (1930), «Летучий голландец» Р. Вагнера (1931) и др.), сотрудничал с труппами М. Фокина и Дж. Баланчина, написал декорации к кинофильму «Воскресенье», снятого в Голливуде в 1934-1935 г.г. по роману Л. Толстого.
Последние годы жизни Судейкин тяжело болел. Умер в августе 1946 г. в Нью-Йорке.

Читать далее

Закончилось многолетнее господство фонтанжа , служившего отличительной особенностью женской прически начала 18 века.На смену ему приходят более гладкие формы.
Восемнадцатый век прославлял женщину как источник наслаждения и красоты. Галантным дамам приходилось прибегать ко многим макияжным хитростям, чтобы соответствовать нравственным представлениям эпохи.
Темп времени, облик дам и кавалеров эпохи, осознание идеалов, к которым стремятся люди, задает, бесспорно, культура. Один из интересных периодов в развитии моды - галантный восемнадцатый век. Во многих сферах человеческой деятельности это время отмечено культом фарфора.
Европа долгие годы страстно мечтала о создании своего собственного фарфора - необыкновенного материала, который завораживал своей дивной и загадочной природой: вечной красотой при удивительной внешней изящности и хрупкости. Фарфоровые изделия были символом прочности и надежности: не портились от огня, легко выдерживая очень высокие температуры, не боялись холода. Их можно было при неосторожном обращении только сломать - все остальные "испытания" фарфору были не страшны.



Многие десятилетия европейские мастера пытались изобрести свой фарфор, ориентируясь на известные китайские образцы. Долгожданное открытие, которое сразу же окрестили чудом, свершившееся в начале восемнадцатого века, подарило галантной эпохе второе название - фарфоровый век.
Женские и мужские одежды, прически и макияж, пластические манеры: походка, жесты, умение садиться и вставать, гордо "нести" голову, - вся стилистика жизни была продиктована изяществом фарфоровых произведений. Прежде всего - нежными фарфоровыми скульптурными парами. Пасторальные пейзане, маркиз и маркиза, пастух и пастушка в разных ситуациях - кормящие собак, гуляющие по саду или сидящие на скамейках - были возведены в ранг культа. Их вычурная пластика, с нашей точки зрения не совсем естественная, белоснежные волосы и лица с нежнейшим румянцем на щеках, открытая женская грудь - стали теми образцами для подражания, которые копировали "жители" восемнадцатого века.

Читать далее

САРДЖЕНТ, ДЖОН СИНГЕР (Sargent, John Singer) (1856–1925), американский художник, мастер портрета, совместившего черты импрессионизма и модерна.
Родился во Флоренции 12 января 1856 в семье американцев. Учился во флорентийской Академии художеств (1870–1873) и в Париже, в мастерской модного портретиста Э.О.Каролюс-Дюрана (с 1874). Впервые побывав на исторической родине в 1876, в дальнейшем лишь постоянно наезжал в США, живя в основном в Париже (до 1885) и Лондоне. Испытал большое влияние Э.Мане, а также (после того как побывал в 1879 в Испании и в 1880–1882 в Нидерландах) Д.Веласкеса и Ф.Халса.

Madame Paul Poirson, 1885
Madame Gautreau, 1884


Выдвинулся как выдающийся мастер светского портрета, написанного бравурным, крупным мазком и великолепно оттеняющего «кастовые» черты модели (Мадам Х (Готро), 1884, Музей Метрополитен, Нью-Йорк; Р.Л.Стивенсон, 1884–1887, Музей Тафта, Цинциннати; Миссис Дайер, 1890, Художественный институт, Чикаго; Миссис Суинтон, 1896–1897, там же; Лорд Риблсдейл в охотничьем костюме, 1902, Галерея Тейт Бритейн, Лондон). Его колорит, первоначально более темный и контрастный, с годами светлел, приближаясь к палитре импрессионизма. Острота композиционных ритмов, тонкое декоративное чутье вносили в его творчество черты модерна, которые особенно ярко проявились в жанрово-типажных вещах мастера (Халео, –анадалусский танец, – 1882, Музей Гарднер, Бостон; и др.), среди которых наиболее известна картина Гвоздика, лилия, лилия, роза (1885–1886, там же) – с двумя девочками, зажигающими китайские фонарики в саду. Выступал и как живописец-монументалист (настенные композиции в Публичной библиотеке и Музее изящных искусств в Бостоне, 1890–1915, созданные в русле романтического историзма).
После 1910 не писал заказных портретов, обратившись в основном к жанрам (Симплонский туннель: урок, 1911, Музей изящных искусств, Бостон) и пейзажам по швейцарским и итальянским мотивам. Его красочные гаммы стали в этот период еще более свободными, в ряде случаев напоминая о палитре экспрессионистов.
Умер Сарджент в Лондоне 15 апреля 1925.

Читать далее

Френсис МакДональд (1873 - 1921) родилась в небольшом городке Вулвергемптоне, в 1890 году вся её семья переехала в Глазго. Там Френсис и её старшая сестра Маргарет поступили в живописный класс Школы искусств Глазго, где они познакомились со студентами архитектурного отделения Чарльзом Макинтошем и Гербертом МакНейром. Это была встреча, определившая как личную, так и творческую жизнь всех четверых. Близкие по эстетическим воззрениям, вместе они основали творческий союз «Группа четырех». Их стиль был основан на прямых протяженных линиях и сильно отличался от причудливой изощренности французского ар-нуво.
В середине 1890-ых сестры МакДональд открытии собственную независимую студию. Они занимались графикой (в том числе и для «The Yellow Book» Бердсли), книжными иллюстрациями, дизайном изделий из металла, текстилем. Рисунок, разработанный ими, основывался на национальных традициях кельтской орнаментики. Сестры даже возрождали искусство иллюминированных рукописей, украшенных миниатюрами и орнаментами, которые в Средние века создавали кельтские монахи.
В 1895 году прошла её первая персональная выставка в Лондоне.
В 1899 году Френсис вышла замуж за МакНейра, и они уехали в Ливерпуль, где художник преподавал в Школе Архитектуры и Прикладного Искусства. Со временем Френсис тоже стала там работать. Вместе они занимались дизайном интерьеров. Особенно известен их собственный дом на Оксфорд-стрит 54, который они полностью декорировали сами. Ещё один знаменательный проект – «A Lady’s Writing Room» для Всемирной выставки современного искусства в Турине 1902 года. Это разработанный дизайн интерьера, полностью отвечающий стилистике «модерна Глазго».
В начале 1900-х пара показывала свои работы в Ливерпуле, Лондоне, Вене и Дрездене. Однако в 1905 году Школу закрыли, и из-за финансового краха МакНейры в 1909 году были вынуждены вернуться в Глазго. Герберт так и не смог восстановить карьеру, но именно в это время были созданы лучшие работы Френсис – серия символических акварелей, посвященных женственности, выраженной через мотив незаполненной окружности. В этих поздних ярче всего проявляется творческая индивидуальность художницы.
Френсис МакДональд умерла в 1921 году. Герберт МакНейр после смерти жены уничтожил часть её работ, но и сам он перестал творить, хотя прожил долгую жизнь.



Читать далее

Анкетен Луи (1861-1932)
Французский живописец и рисовальщик, представитель постимпрессионизма.
Учился в мастерской Ф. Кормона в Париже, где познакомился с А. де Тулуз-Лотреком, Э. Бернаром и В. Ван Гогом. В ранний период своего творчества был подвержен влиянию Э. Делакруа и Э. Дега. В 1883 г. работал в Живерни в обществе К. Моне, стремясь понять суть его творческого метода. Разочарованный в кумире, Анкетен возвратился в Париж. Увидев холсты Ж. Сёра на выставке импрессионистов, был очарован пуантилизмом и увлечён новой теорией цвета, в которой, как ему казалось, обрёл твёрдую теоретическую основу.
Анкетен, как и его друзья, увлекался японской гравюрой. На основе стиля японской гравюры Анкетен в 1887 г. совместно с Э. Бернаром сформулировал основные принципы клуазонизма - нового направления в искусстве, основанного на сочетании жесткой контурной линии и декоративного контрастного цвета внутри неё, развитого впоследствии художниками совместно с П. Гогеном (понт-авенская группа). Анкетен один из первых представил свои работы, выполненные в этой технике, сначала в 1888 г. на выставке “Группы двадцати” в Брюсселе, а затем в парижском Салоне Независимых.
В позднем творчестве художник отказался от прежних исканий и писал картины в манере Рубенса. Всю жизнь находящийся в поиске своего стиля, Анкетен утверждал, что не нужно “никаких теорий, никаких школ”, в художнике “важен только темперамент”.

Женщина в шляпе
Девушка с газетой
Woman in a Barouche




Когда Луи Анкетен выставил свои работы в начале 1888 г . с „Группой двадцати" в Брюсселе, а затем вместе с „Независимыми" в Париже, его бывший школьный товарищ Эдуард Дюжарден приветствовал в „ La Revue independante" появление новой формы искусства, которую он назвал „клуазонизмом" и за которую воздал должное только одному Анкетену. „На первый взгляд, — писал он, — эти работы производят впечатление декоративной живописи; подчеркнутый внешний контур, интенсивный и убедительный цвет неизбежно наводят на мысль о народном искусстве и японских гравюрах. Затем под общим иератическим характером рисунка и цвета обнаруживаешь поразительную правдивость, которая освобождается от романтизма страсти; и, наконец, перед нами понемногу раскрывается продуманное, волевое, рациональное и систематическое построение, требующее нашего анализа". Дюжарден писал, что согласно этой новой концепции „художник вычерчивает свой рисунок замкнутыми линиями, накладывает между ними различные цвета, сопоставление которых создает ощущение единого заранее задуманного колорита, так что рисунок подчеркивает цвет, а цвет подчеркивает рисунок. Таким образом, работа художника становится похожа на перегородчатые эмали и техника его сводится к своего рода „клуазонизму".

Читать далее

Итак, женщины в белом начала 20 века.
Эти прекасные дамы от ХОАКИНА СОРОЛЛА - У - БАСТИДА

27 февраля 1863 Валенсия - 10 августа 1923 года

Испанский художник, преуспел в написании портретов, ландшафтов и монументальных произведений на социальные и исторические темы.
Хоакин Соролла был старшим ребенком, родившимся у коммерсанта Хоакина Сроллы и его жены Консепсьон Бастида. Его сестра Кончитта родилась годом позже.
В августе 1865 дети остались сиротами, их родители умерли, возможно, от холеры. Они воспитывались родственниками со стороны их матери.
Он получил первоначальное художественное образование, в возрасте четырнадцати лет, в своем родном городе у учителя Салустино Асеньо Кайтано Капуц.
В возрасте восемнадцати лет он перебрался в Мадрид, активно изучал коллекцию картин в музее дель Прадо.
Завершив военную службу, в двадцать два Соролла получил грант, что позволило четыре года провести в Риме для изучения живописи. В Италии он находился под покровительством Федерико Прадилья, директора испанской Академии в Риме, который обнаружил у Сороллы талант.
В 1885 году он побывал в Париже, где состоялось его первое знакомство с современной живописью. Он находился под огромным впечатлением от выставок Жюля Бастьен - Лепажа и Адольфа фон Менцеля. Вернувшись в Рим, он продолжил обучение вместе с Бенллиуре Хосе Эмилио Сала и Хосе Вильегасом.
В 1888 году Соролла вернулся в Валенсию и женился на Клотильде Гарсиа дель Кастильо, с которой впервые познакомился в 1879 году, когда она работала в студии отца.
В 1895 они уже имели трех детей: Марию, родившуюся в 1890 году, Хоакина, родившегося в 1892 году, и Елену, родившуюся в 1895 году.
В 1890 г. они переезжают в Мадрид, и следующее десятилетие Соролла сосредотачивается на работе. Он рисует множество полотен на мифологические, исторические и социальные темы, для участия в парижских Салонах и международных выставках в Мадриде, Париже, Венеции, Мюнхене, Берлине и Чикаго.
Его первый поразительный успех была достигнут с картиной «Маргарита» (1892), получившей Золотую медаль на выставке в Мадриде, а затем первое место на Чикагской международной выставке, где она была приобретена, а затем передана в дар музея Университета Вашингтона в Сент-Луисе, Миссури.



Он сразу был признан главой современной испанской школы живописи. Его картина "Возвращение с рыбалки» (1894) была восхищенно принята на Парижском Салоне 1894 года и приобретена для Люксембургского музея. Она показала кисть уже зрелого мастера.
Поворотным моментом в карьере Сороллы была отмечена картина «Сад наследования» (1899), чрезвычайно большое полотно, которое он вынес на суд общественности. На картине изображено купание парализованных детей на море в Валенсии под присмотром монаха.
Картина получила официальное признание, а также Гран-при и медаль Всемирной выставки в Париже в 1900 году и медаль национальной выставки в Мадриде в 1901 году.
После этой картины художник никогда не возвращался к социальной теме.
Два рисунка-эскиза к этой картине он подарил своим американским друзьям-художникам Джону Сингеру Сардженту и Мэри Уильям Чейз.
После Всемирной выставки в Париже 1900 года он получил звание кавалера Почетного легиона, и в течение ближайших нескольких лет Соролла стал почетным членом Академий изящных искусства в Париже, Лиссабоне и Валенсии.
Специальная экспозиция его работ была выставлена в Галерее Жоржа Пети в Париже в 1906 и затмила все его предыдущие успехи. Были показаны почти 500 произведений -залитые солнцем пляже, пейзажи и портреты.
Хотя последующие крупномасштабные выставки в Германии и в Лондоне были встречены более сдержанно, но в Англии в 1908 году Соролла встретился с критиком Арчером Милтоном Хантингтоном, который предложил ему сделать выставку в Америке. Выставка прошла в Нью-Йорке в 1909 году и включала 356 картин, 195 из которых проданы. Соролла провел пять месяцев в Америке, где нарисовал более двадцати портретов.
В начале 1911 года Соролла посетил Соединенные Штаты во второй раз, были выставлены 161 картин в Институте Искусств в Чикаго. В том же году художник встретился с М. Арчером Хантингтоном в Париже и подписал контракт на серию картин о жизни в Испании.
Хантингтон предполагал работы, изображающие историю Испании, но художник
предложил картины о регионах Пиренейского полуострова и называл серию «Провинции Испании». Рисовал художник полотна на пленэре, отправляясь на поиски натуры в
Наварру, Арагон, Каталонию, Валенсию, Эльче, Севилью, Андалусию, Эстремадуру, Галицию, Гуипускоа, Кастилию и Леон. На каждой картине люди были одеты в местные науциональные костюмы. В 1917, по его собственному признанию, сюжеты и темы картин были исчерпаны. Он окончил работу к середине 1919 года.
В 1920 году, рисуя очередной портрет в своем саду в Мадриде, его разбивает инсульт.
Находясь парализованным в течение более трех лет, он скончался в 1923 году.
После его смерти вдова Сороллы из картин художника сформировала коллекцию, которая в настоящее время носит название Музей Сороллы и находится в доме художника в Мадриде. Музей открыт в 1932 году.
Работы художника представлены также в музеях по всей Испании, в Европе и Америке,
а также во многих частных коллекциях Европы и Америки. В 1933 году Поль Гетти купил десять импрессионистских картин с пляжными сценами, в настоящее время они размещаются в Музее Гетти.
В 2007 году многие из его работ были выставлены в Малом дворце в Париже/

Читать далее

В 1921 г. один из представителей английской консервативной партии Тори предложил добавить к Закону об уголовной ответственности 1885 года, запрещавшего мужской гомосексуализм, пункт «Непристойные поступки женщин».
В Палате общин он заявил, что лесбиянство угрожает рождаемости, развращает молодых девушек и приводит к неврастении и умопомешательству. С этим все согласились, и поправка к закону была передана для утверждения в Палату лордов.
Ее не утвердили. Было постановлено, что молчание лучше, чем информация. Лорд-канцлер заявил, что из тысячи женщин 999 «ни слова не слышали о таких поступках». Об «этом пагубном и ужасном подозрении», как он выразился, открыто говорить нельзя.
Семь лет спустя, в 1928 г., когда Рэдклифф Холл опубликовала «Колодец одиночества» (“The Well of Loneliness”), глава Общественного уголовного преследования сказал ей следующее: «Я бы скорее дал физически здоровому молодому человеку или физически здоровой девушке пузырек синильной кислоты, чем эту книгу».


1924: Una, Lady Troubridge
1924: Peter, a Young English Girl



Лондон был не лучшим местом для лесбиянок. Те, кто там жили, либо выходили замуж, чтобы сохранить уважение общества, и при этом тайно встречались с женщинами, как Вита Сэквилл-Вест, либо открыто заявляли о своем отличии от других, что приносило им известность и в то же время осуждение, как Рэдклифф Холл и Уна Траубридж.
Совсем иной была ситуация в Париже. Начиная с 20-х гг. и вплоть до Второй Мировой войны Париж был пристанищем для художников и свободомыслящих. Пабло Пикассо предпочитал Париж Испании, Джеймс Джойс – Ирландии. Здесь открыла свой популярный книжный магазин «Шекспир и Компания» американка Сильвия Бич. Многие известные представители литературного модернизма того времени – Элиот, Паунд, Хемингуэй – время от времени посещали парижские литературные салоны и кафе.

Читать далее

Скажи, откуда ты приходишь, Красота?
Твой взор - лазурь небес иль порожденье ада?
Ты, как вино, пьянишь прильнувшие уста,
Равно ты радости и козни сеять рада.
Заря и гаснущий закат в твоих глазах,
Ты аромат струишь, как будто вечер бурный;
Героем отрок стал, великий пал во прах,
Упившись губ твоих чарующею урной.
Прислал ли ад тебя иль звездные края?
Твой Демон, словно пес, с тобою неотступно;
Всегда таинственна, безмолвна власть твоя,
И все в тебе - восторг, и все в тебе преступно!
С усмешкой гордою идешь по трупам ты,
Алмазы ужаса струят свой блеск жестокий,
Ты носишь с гордостью преступные мечты
На животе своем, как звонкие брелоки.
Вот мотылек, тобой мгновенно ослеплен,
Летит к тебе - горит, тебя благословляя;
Любовник трепетный, с возлюбленной сплетен,
Как с гробом бледный труп сливается, сгнивая.
Будь ты дитя небес иль порожденье ада,
Будь ты чудовище иль чистая мечта,
В тебе безвестная, ужасная отрада!
Ты отверзаешь нам к безбрежности врата.
Ты Бог иль Сатана? Ты Ангел иль Сирена?
Не все ль равно: лишь ты, царица Красота,
Освобождаешь мир от тягостного плена,
Шлешь благовония и звуки и цвета!
Всегда таинственна, безмолвна власть твоя,
И все в тебе - восторг, и все в тебе преступно!
(Шарль Бодлер)

Ромейн Брукс-фотография и портрет


Париж начала века — это особая эпоха, которая во многом подготовила дальнейшее развитие изобразительного искусства, провозгласила новые художественные стили и формы, возвела на Олимп новых героев. Париж начала века — духовное пристанище талантов, споривших, ненавидящих, конкурировавших, но одинаково одержимых творчеством, страстно любящих и упоенных сладким «парижским ядом». Каждый стремился попасть в эту «волшебную страну цветов и дивных ароматов», обретая или изобретая Париж для самого себя.
Париж Ромейн Брукс рождался на левом берегу Сены — в этом царстве прекрасного порока и свободной любви, в декадентской атмосфере авангардных арт-кафэ и бурной ночной жизни «розовых» баров. Здесь в окружении «цветов зла», Ромейн обрела свой духовный дом, здесь она черпала вдохновение и написала лучшие полотна.
В начале прошлого века весьма популярным в узких кругах был анекдот про Роумейн Брукс, к которой после написания портрета с жалобами подошла представительная дама и заявила: «Дорогуша, вы не приукрасили меня на этой картине». На что Брукс ответила спокойным тоном: «Да, но я облагородила вас.»

Автопортрет 1923год


Читать далее

Работы конца 19- начала 20 века.Более широко этит художник представлен в дневнике La_belle_epoque

Стани́слав Выспя́ньский (также Выспянский, польск. Stanisław Wyspiański; 15 января 1869, Краков — 28 ноября 1907, там же) — польский поэт и драматург, театральный деятель, художник, архитектор.
Родился в семье скульптора Францишека Выспяньского. Учился в краковской Школе изящных искусств (1884—1895, с перерывами) у Яна Матейки и в частной Академии Коларосси в Париже (1891—1894). В 1887—1890 и 1896—1897 в Ягеллонском университете слушал лекции по истории, истории искусства и литературы.
Один из основателей (1897) и руководителей краковского художественного объединения «Sztuka» («Искусство»). В 1902 стал доцентом Академии изящных искусств, с 1906 — профессором. Избирался гласным краковской городской думы (1905).
Тяжело болел сифилисом и последние годы жизни провёл в деревне Венгжце.
В изобразительном искусстве стремился к реализации национального начала в стиле модерн. В эскизах витражей для реставрировавшегося францисканского костёла и собора на Вавеле в Кракове (1896—1906) использовал как средства выразительности гибкие, контурные линии и пятна чистых цветов, комбинируя растительные, геральдические и геометрические мотивы.

"Józio Feldman", 1905


Читать далее

Я снова в 18 веке :) На этот раз небольшая подборка картин художника Jean-Frederic Schall.
Небольшой экскурс в тогдашние расцветки. Франция как никто другой наверно умела находить удивительные названия для оттенков цвета. В 18 в. в моде были коричневые цвета различных оттенков шелка, которые назывались, например, «блоха в молочной лихорадке», цвет «молодой блохи», «старой блохи», «спинки блохи», «брюшка блохи»
В Париже не осталось ничего,вплоть до уличной грязи,что не дало бы названия какому-либо оттенку шелка -"сточная канава" или цвет вышивки "парижская грязь",который мадемуазель Ленорман отделала "турецкое платье",произведшее настоящую сенсацию в обществе. Никто не сомневался в правильности названия цвета "кака дофина"-оно появилось в связи с рождением наследника в королевской семье.И объяснялось это не просто капризами вкуса,но и лихорадочным,страстным желанием перемен,что само по себе есть ритм времени,бегущего навстречу своей гибели. Общетство правящего класса отыгрывало последний акт пъесы, заявляя право на фривольный образ жизни,в то время как страна разрушалась,государственная казна стремительно пустела,а миф о королевской власти распадался на глазах (с)

Portrait of a lady, said to be Marie-Madeleine Guimard, called Mademoiselle Guimard, ballerina of the Paris Opéra.


И еще хотелось бы в этой связи обратить ваше внимание на интересны список значений цветов и оттенков.Кликайте по ссылке
Аделаида – красный оттенок лилового. По другим источникам, темно-синий. В 40-50-х годах XIX в. употреблялось в печати: встречается у Тургенева ("цвета аделаида, или, как у нас говорится, оделлоида") и Достоевского ("Так этот галстух аделаидина цвета? — Аделаидина-с. — А аграфенина цвета нет?").
Адрианопольский - ярко-красный, от названия краски, которую производили из марены.
Адского пламени, адского огня – лиловый оттенок красного. Или перламутрово-красный. Или черный с красными разводами.
Алебастровый - бледно-желтый с матовым оттенком.
Ализариновый - цвет красных ализариновых чернил.
Альмандиновый - темно-вишневый.
Акажу - цвет "красного дерева", от франц. аcajou.
Амарантовый - цвет, близкий к пурпурному, фиолетовому. От названия растения "амарант" – красота, бархатник, бархатка, петуший гребень (щирец - красная трава). Или же цвет древесины розового дерева, сиренево-розовый, светло-лиловый.
Амиантовый — цвет амианта (разновидности асбеста): белесый, грязновато-белый. Чаще всего - о цвете неба.
Бакановый (баканный) - от «бакан» - багряная краска, добываемая из червца; поддельная, из марены и др.
Багор — густо-красный с синеватым оттенком.
Базарного огня - определение оттенка почти невозможно ввиду сложности ассоциаций, возникающих в связи с этим названием: огненно-красный с примесью желтовато-синего или серого. Название возникло в конце XIX в. – в память о страшном пожаре на благотворительном базаре в Париже в мае 1897 г., когда в огне и дыму погибло немалое число народу.
Барканский - один из оттенков красной гаммы (от баркан 'плотная прочная шерстяная ткань, узорчатая и гладкокрашеная, применявшаяся для обивки мебели вместо дорогого шелкового штофа)
Читать далее