Рыжеволосым женщинам, эпохе модерна, и символизму Фернанда Кнопфа посвящается

Биографию Кнопфа на русском языке я к сожалению не нашла,кроме совсем коротенькой в википедии, поэтому просто предлагаю вашему вниманию статью. (биография будет ниже)

Алексей Парщиков.На алтаре Гипноса
Бельгийский художник Фернанд Кнопф (1858-1921) показался мне узнаваемым артистическим характером, чьи грани так или иначе проступают в психологическом облике и наших со­временников. Он интернационален и замкнут, он вы­сокий профессионал с багажом из немногих гени­альных произведений, но он и дилетант в силу широ­ты своего дара, он исследователь границ искусства и провокатор, смешивающий живопись, фотографию и архитектуру. Он интравертный неврастеник, денди и мистик: Кнопф искал союза со всеобщим в овеще­ствлении трансцендентного и этим отличается от эшелона современников, которые для выражения универсального предпочли массовые медии, идео­логию и т.п. Однако именно в его случае нет отчет­ливого противопоставления в выборе средств -Кнопф использовал массовую печатную продукцию - открытки - как оригинал пространства, с которым он работал. Переворачивая известную беньяминов-скую гипотезу о том, что запечатленный образ теря­ет ауру, выходя в тираж, можно сказать, что Кнопф занимался возвратом этой ауры матричному изобра­жению.



Кнопф считается символистом. Хотя он участво­вал в первой выставке Венской сецессии в 1898 го­ду, влиял на Густава Климта и был признан молоде­жью, его язык лишен декоративных экстрем стиля модерн, - он не пошел в этом направлении. Он со­здал сотни лиц, варьируя физиономический тип, идущий от прерафаэлитов (тяжеловатый подборо­док, копна волос, широко раскрытые глаза, полные, очерченные губы, флористский орнамент украше­ний), введенный Данте Габриэлем Россетти и Уилья­мом Моррисоном, развитый Густавом Климтом, Аль­фонсом Мухой, Францем фон Штукой и Обри Бердс­леем и в конце концов ставший штампом стиля модерн. Эта маска пережила широкий диапазон ро­лей, от символа непосредственной чувственности «роковых женщин» до холодных муз паравосудия с весами и восхищающего ужаса гарпий и медуз. Но «Спящая Медуза» Кнопфа выпадает из канона сецес­сии, она глубже соотносится с мифом уже тем, что меньше следует ему (у нее отсутствуют змеи в воло­сах, у нее птичье оперение на теле, она смежила гла­за и показана в полоборота). Это разработка симво­ла, трактовка с новой загадкой, а не аппликация ус­ловного образа.

Читать далее

Поразительно человеческое чувство ритма у липицанеров – лошадок из испанской школы верховой езды, расположенной с приснопамятных времен в Вене. Порой создается впечатление, что на арене выступает подобие кентавров – настолько сливаются всадник и лошадь в неделимое целое и танцуют, танцуют, танцуют...
Наследие Гэриньера вряд ли дошло до наших дней, если бы не Венская испанская школа верховой езды, история которой начинается одновременно с историей выездки в Европе вообще. Эта школа впервые упоминается в 1572 году. В 1580 году учрежден конзавод «Липпица», где была выведена липпицанская порода лошадей, очень способных для выездки. Известно, что предками липпицанов, которыми была укомплектована Венская школа, были испанские лошади. Отсюда и название Венской школы — испанская. «Испанский шаг» и другие искусственные упражнения в школе не культивировались и с ее названием не связаны.



Вот уже на протяжении более четырех веков в Вене верховую езду и выездку лошадей совершенствуют и доводят до уровня искусства, которое можно справедливо назвать классическим верховым искусством.
Кроме классического метода и своеобразного конского материала, Венская школа располагает прекрасным манежем, построенным в 1735 году по проекту известного архитектора Фишера фон Эрлаха. В этом белоснежном здании когда-то выступал Бетховен и заседал парламент. Сейчас раз в неделю дается представление белоснежных коней, которые несут золотые оголовья, белые седла. Всадники в длинных черных сапогах, коричневых фраках и белых бриджах.
Берейтер – специальность чаще всего потомственная, передающаяся из поколения в поколение. Профессионал готовится 8 лет. Четыре года – учеба, а затем – такой же продолжительности практическое обучение. С учетом того, что школа рассчитана всего на пятерых учеников, берейтер – профессия действительно редкая.

Читать далее

Рубеж столетий, конец XIX – начало XX века, время чрезвычайно сложное и противоречивое, в художественной жизни отмечено поисками нового большого стиля, способного воплотить желанную гармонию искусства и действительности. Модерн, ставший таким стилем, акцентировал внимание на проблемах декоративного искусства и создал новый тип художника – универсального мастера, призванного всем своим творчеством создать единую цельную эстетическую среду для человека. Такими художниками были Анри ван де Вельде, Чарльз Макинтош и Йозеф Ольбрих. Эти же тенденции ощущаются и в попытках русских мастеров расширить круг своего творчества – в России начало деятельности такого рода связано прежде всего с объединением «Мир искусства», одним из ярчайших представителей которого был Лев Бакст – разносторонний художник, прославленный театральный декоратор, один из самых интересных деятелей модерна.
Процесс становления Бакста как художника был сложным и длительным, манера его, складываясь в течение долгого времени, претерпела множество изменений. Он пробовал свои силы в различных жанрах, достиг известности как тонкий рисовальщик, за ним закрепилась репутация признанного портретиста, однако особое, самое важное и неповторимое место в его творчестве занимал театр.






Игра и фантазия – черты, столь характерные для искусства перелома веков, неизбежно подводили к театру, где эти качества узаконены и необходимы, где стилизация (играющая значительную роль в творчестве всех мирискусников) и воссоздание забытых эпох обоснованы. Казалось, что именно в театре – области, соединяющей многие искусства, можно достичь единства, синтеза искусств. В представлении человека того времени все пронизано театральностью – жизнь, искусство, театр смыкаются в видении мира как вечной игры.
Именно в театре Бакст полностью «обрел себя», именно здесь пригодились его вкус, образованность, тонкое знание стилей. Он стал центральной фигурой первого периода прославленных «Русских сезонов» Сергея Дягилева, создателем живописного спектакля, в котором роль художника была едва ли не доминирующей, а единство спектакля – преимущественно оптическим. Он был одним из создателей балетов, которые были приняты в Париже с огромным энтузиазмом. Феерическая красочность, магия цвета, страстность и артистичность увлекали и одурманивали зрителя. «Во всем цвела, играла и пела единая буйная живописная стихия. Я помню знаменательный 1909 год и ошеломляющее впечатление новизны, исходившее от всех спектаклей. Париж был подлинно пьян Бакстом», – вспоминал позднее один из критиков. Другой автор призывал на помощь Рембо, чтобы описать красочный алфавит Бакста.

Читать далее

Взято от gzhelka11 (странно, не видно что это цитата)

КОРОЛЕВСКИЕ ОСОБЫ В ЖИВОПИСИ

Читать далее...

Замок Нимфенбург-бывшая летняя резиденция баварских властителей на западе города лежит посреди одной из красивейших парковых зон Мюнхена. В постройке замка в стиле барокко принимали участие пять поколений Виттельсбахов. История строительства замка Нимфенбург начинается с курфюрста Фердинанда Марии, который приказал построить для своей супруги в связи с рождением наследника трона Макса Эмануэля среднюю часть здания в стиле итальянских вилл (Агостино Барелли, 1664-74). При Максе Эмануэле в 1700 году архитекторы Энрико Цукалли и Антонио Вискарди расширили этот комплекс галереями и павильонами.




Свой сегодняшний облик средняя часть приобрела благодаря Йозефу Эффнеру, который спроектировал пилястры, сводчатые окна и бюсты. Несколькими годами позже возникла южная часть замка - Маршталь; в противовес ему на севере была заложена оранжерея. Внутренние помещения (по выбору): Средняя часть: каменный зал (1755-57 гг.) с потолочными фресками И. Б. Циммермана и Ф. Циммермана (Преклонение перед богиней Флорой); лепнина в стиле рококо сделана по проектам Кювилье.

галерея красоты Людвига I Баварского

Эрте (1892-1990) – один из самых ярких персонажей художественной сцены ХХ века. Русский по происхождению и совершенно забытый в России. Им восхищались Жорж Баланчин и Энди Уорхол. Художник моды, график, автор театральных костюмов и скульптор, он остался в истории искусства нашего столетия как ярчайший представитель стиля арт-деко.
Эрте – это псевдоним. Настоящее имя одного из самых успешных художников ХХ века – Роман Петрович Тыртов. Потомок старинного русского рода, берущего начало от татарского хана Тырта, он стал известен всему миру под псевдонимом Эрте, который взял, «чтобы не позорить семью».




Он начал с балета и некоторое время брал уроки танца у дочери знаменитого хореографа Мориса Петипа. Затем стал учиться живописи у Ильи Репина. Ради искусства Эрте пришлось отказаться от традиционной в семье карьеры военно-морского офицера: несмотря на недовольство отца-адмирала, в 1912 году Эрте уехал из Петербурга в Париж, чтобы никогда больше не вернуться в Россию.

Читать далее