Русский поэт и художник, один из основоположников русского футуризма. Брат Владимира и Николая Бурлюков. Родился в 1882 г., хутор Семиротовщина, Лебединский уезд, Харьковская губерния.
Творческая экспансия российских футуристов, достигшая пика своей активности в начале XX века, не обошла стороной, практически, ни одной области искусства и, вряд ли бы это авангардное движение получило столь широкую известность, не будь в его первых рядах Давида Давидовича Бурлюка – гениального самородка из глухой сельской глубинки.
Родился «первый футурист» России 9 (21) июля 1882 г. в многодетной семье, которая постоянно меняла место жительства и, наверное, поэтому Бурлюк на протяжении жизни придерживался этой «традиции». Живописи он обучался в Казанской художественной школе (1898-99), затем в Одесском художественном училище (1899-1901, 1909-11), где и получил диплом.
«В России возникло Новое Искусство. Его факторы: 1) Сама жизнь; 2) „гнилой“ Запад; 3) наше Национальное искусство (вывеска, лубок, икона)».
Давид Бурлюк
О названиях
«Мы с Ларионовым долго и много придумывали целый ряд названий и наконец решили назвать выставку „Бубновый валет“. Слишком много изощренных претенциозных названий: „Венок Стефанос“, „Голубая роза“, „Золотое руно“ и пр. Поэтому как протест мы решили: чем хуже, тем лучше, да и на самом деле, что может быть нелепее „Бубнового валета“?»
Аристарх Лентулов
О значении
«Это действительно первый бушующий вулкан на поляне векового почивания изобразительного искусства со спокойными лирическими пейзажами, пастушками, пасущими баранов, закатами солнца, восходящей украинской луной, воспеванием любви, с психологическим портретом, толкованием разных поучительных моралей, истин, прошлого быта с такой же луной».
Казимир Малевич
О содержании
Алексей Моргунов. Портрет Наталии Гончаровой и Михаила Ларионова. 1913 годArt Institute of Chicago
«Нас ожидал целый ад цинизма западных бездарностей — хулиганов, саврасов без узды, на полной свободе выкидывающих курбеты красками на холстах… Все эти мазилы, прежде всего, лентяи и холодные скопцы в искусстве».
Илья Репин
О методе
«Им свойственно… трактовать человека как „natuге mortе“, только несколько более сложный. Они стараются обобщить и упростить в основных плоскостях и очертаниях человеческое лицо совершенно таким же образом, как они упрощают яблоко, тыкву, лейку, ананас, хлеб. <…> …Так как они умеют передать в преувеличении все черты этой вещи, то в каждом портрете получается громадное карикатурное сходство».
Максимилиан Волошин
О новаторстве
«Кубизм — хорошая вещь, хотя и не совсем новая. Скифские каменные бабы, русские крашеные деревянные куклы, продаваемые на ярмарках, сделаны в манере кубизма. Это скульптурные работы, но и во Франции исходной точкой для кубизма в живописи послужили готические и негритянские скульптурные изображения. За последнее десятилетие первым во Франции в манере кубизма работал талантливый художник Пикассо, а в России ваша покорная слуга».
Наталия Гончарова
О западном влиянии
«Я инстинктивно почуял, что без каких-тоновых методов нет спасения, нельзя найти дорогу к настоящему искусству. Оттого и ухватился за Сезанна, как утопающий за соломинку».
«„Сезанн!“ на эту манеру живописи лучший ответ — моментальная фотография с осла, написавшего хвостом картину. <…>
Ослу привязали к хвосту кисть, подставили под хвост палитру с красками и холст. Осла кормиличем-толакомым: от удовольствия он махал хвостом, и вышла из-под хвоста его картина Сезанна».
Илья Репин
О расколе
«Основывая „Бубновый валет“, наша группа ничуть не думала „эпатировать“ буржуа, как теперь принято говорить. Машков, Куприн, Лентулов и я — мы относились к живописи с какой-тоюношеской страстностью и бездумностью, полнейшей незаинтересованностью в материальном смысле. А группа Ларионова и тогда уже мечтала о славе, известности, хотела шумихи, скандала. От этого произошел у нас так быстро раскол: Ларионов, Гончарова и другие вышли из „Бубнового валета“ и образовали свое более левое объединение — „Ослиный хвост“».
Петр Кончаловский
Об отказе от западничества
«Мною пройдено все, что мог дать Запад до настоящего времени, а также все, что, идя от Запада, создала моя родина. Теперь я отряхаю прах от ног своих и удаляюсь от Запада… На Западе цивилизация, а на Востоке — культура, и мы, русские, к этой культуре ближе, чем Запад. Теперь нужно бороться против Сезанна, Пикассо и западничества».
Наталия Гончарова
Об отказе от прошлого
«Нужно староваторов спихивать на дно морское с музами, медузами и лирами, пусть перламутровые раковины покроют их тело своими переливами, а постелью им будут мягкие губки».
Казимир Малевич
Об отказе от настоящего
«Довольно „Бубновых валетов“, прикрывающих этим названием свое убогое искусство, бумажных пощечин, даваемых рукой младенца, страдающего собачьей старостью — Союзов старых и молодых!
Нам не нужно пошлых счетов с общественным вкусом — пусть этим занимаются те, кто на бумаге дает пощечину, а фактически протягивает руку за подаянием.
Довольно этого навоза, теперь нужно сеять! У нас скромности нет, мы это прямо и откровенно заявляем: мы себя считаем творцами современного искусства».
Из манифеста лучистов и будущников
О футуризме
«— Вы, раскрашеннорожие, стремительные мастера, непостоянные, — вы футуристы?
— Да, мы футуристы.
— Но вы — всёки, вы против футуризма?
— Да, мы против футуризма.
— Вы противоречите самим себе?
— Да, наша задача — противоречить самим себе.
— Вы шарлатаны?
— Да, мы шарлатаны».
Из «Да-манифеста» Ильи Зданевича и Михаила Ларионова
«В лучизме живопись свободна. Мы видим лишь сумму лучей, исходящих от предметов. Поэтому надо писать не предметы, а лучи между нами и предметами. Таким образом, импрессионизм дал цвет, кубизм — третье измерение, футуризм нашел стиль движения, а лучизм все это синтезировал».
Илья Зданевич
О свободе от ярлыков
«Мы не желаем устраивать художественного общества ввиду того, что до сих пор подобные учреждения вели только к застою».
Из предисловия к каталогу выставки группы «Мишень»
О свободе от манифестов
«Моя задача — не утверждать новое искусство, так как тогда оно перестает быть новым, а стараться поскольку возможно двигать его вперед».
Михаил Ларионов
О свободе от границ
«Не ставить себе никаких границ и пределов в смысле художественных достижений. Всегда пользоваться всеми современными завоеваниями и открытиями в искусстве».
«Почти в каждой вещи, если даже отнять присущую им всем по преимуществу живописную трактовку, применяетсякакой-либоновый прием или разрешается особая красочная задача, причем забота о фактуре, т. е. о состоянии поверхности картины, является одной из самых очевидных».
Варсонофий Паркин (псевдоним Михаила Ларионова)
Об одиночестве
«Ларионов и Гончарова, несмотря на свою более чем десятилетнюю работу, несмотря на то, что все решительно, что интересует сейчас в современном русском искусстве, было создано ими, несмотря даже на то, что из их мастерской буквально не одна, а несколько плеяд вышло молодых художников, начиная с того времени, как они участвовали в выставках „Золотого руна“ и даже ранее, до сих пор не нашли для себя ни критика, ни ценителя их искусства, задумавшегося над исключительным значением его».
Варсонофий Паркин (псевдоним Михаила Ларионова)
О признании
«Кстати, я вполне одобряю некоторых благоразумных финансистов, покупающих произведения этих „талантов“, хотя бы это делалось „на всякий случай“ — авось, вырастут в цене. Едва ли покупатели и ошибутся. Положим, настоящего наслаждения эти картины сейчас им и не доставляют, но раз уже привлекают, значит —какая-то„магия“ им свойственна. Нарочно, если это не дано, не привлечешь. Я даже думаю, что… со временем их будут покупать на аукционах за „большие тысячи“ с тем, чтобы вешать на тех самых стенах, где прежде красовались всякие „Боярышни“ и т. п.».
Живопись модерна
На живопись и скульптуру модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.
Густав Климт. "Поцелуй". 1907—1908 годы
Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала «Понт-авенская школа» с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна
В 1892 году на выставке в Берлине было показано 55 полотен норвежского живописца Эдварда Мунка, и среди них первые картины его большого цикла «Фриз жизни». Эта экспозиция вызвала большие споры, в которых столкнулись мнения приверженцев кайзеровского режима, а с другой стороны — прогрессивных художников. Не успела выставка открыться, как некоторые тут же потребовали ее закрытия: «Из уважения к искусству и честному имени художника». Первым потребовал закрытия выставки живописец кайзеровского режима Антон фон Вернер, против чего решительного выступили Макс Либерман и некоторые другие художники. Первому трудно было согласиться с самостоятельностью Мунка, который смело перешагнул рамки натурализма, и немецкая пресса писала о норвежском художнике, как о сумасшедшем. Его ругали в большом городе и пока было мало тех, кому нравилось его искусство. Но вскоре число друзей стало быстро увеличиваться, а особенно хорошо писали о Мунке молодые поэты. Разыгравшаяся вокруг его имени буря подняла Мунка на ступеньку выше на лестнице славы, а последовавшее вскоре закрытие выставки только способствовало широкой известности Мунка за рубежом.
Магический реализм картин художника, которого не признавали критики и обожала публика: Эндрю Уайет
Всемирно известный и один из самых любимых художников консервативной части американского общества, Эндрю Уайет вошел в число самых дорогих современных художников XX века. Однако одновременно с этим он был одним из самых недооцененных американских живописцев. Его творения, написанные в реалистичной манере, в эпоху взлета абстракционизма и модерна вызывали бурю протеста и негативных откликов у влиятельных критиков и искусствоведов.Зато американский зритель толпами шел на выставки работ, кураторы музеев втихаря покупали его картины, дабы не прослыть ретроградами, и только коллеги-художники точно знали, что Эндрю Уайет представляет собой мощный и загадочный талант.
1872г. Холст, масло. Размер: 48 × 63 см. Музей Мармоттан-Моне, Париж
Картина Клода Моне, написанная с натуры в старом аванпорте Гавра, дала название художественному направлению "импрессионизм". Картина "Впечатление. Восходящее солнца"впервые была представлена на независимой выставке импрессионистов в 1874 году. Критика Луи Леруа так вдохновило название творчества Моне, что он написал высмеивающию экспозицию статью, в которой обозвал художников – импрессионистами. Что в переводе на русский означает впечатленщики.
Статья Леруа была напечатана в газете "Le Charivari" и называлась – "Выставка впечатленщиков" или другими словами: "Выставка импрессионистов". Сейчас она никак не заинтересовала бы народ, но тогда всем казалось такое название очень смешным. В знак протеста, художники выбрали это слово в качестве названия группы.
Моне, как и другие импрессионисты, большое внимание уделял цвету. На картине „Впечатление“ художник изобразил и солнце, и небо одинаково тусклыми, что перелает зрителю ощущение сырости воздуха и утренние сумерки. Но что удивительно, Моне написал это яркими красками, ничуть не ослабив их насыщенность, что не смогло бы так удивить и заинтересовать зрителя.
Объектом изображения стал порт Гавра, который лишь слегка обозначен легкими мазками. Благодаря чему, зритель может не только наслождаться его красотой, но и предполагать продолжение таинственного образа.
Хочется отметить, что отражения солнца в воде и непосредственно само светило изображены одними цветами. Если сделать картину черно-белой, то эти образы почти исчезнут с холста.
На данный момент картина «Впечатление. Восходящее солнце» находится в музее Мармоттан, где хранится большое количество картин Клода Моне. В 1985 году плотно было похищено из музея вместе с другими работами художника, а также картинами Огюста Ренуара и Берты Моризо. Вернуть холст удалось лишь через 5 лет. С 1991 года шедевр снова радует зрителей на своем прежнем месте.
Под мостом Мирабо вечно новая Сена.
Это наша любовь
Для меня навсегда неизменна,
Это горе сменяется счастьем мгновенно.
Снова пробило время ночное.
Мое прошлое снова со мною.
И глазами в глаза, и сплетаются руки.
А внизу под мостом -
Волны рук, обреченные муке,
И глаза, обреченные долгой разлуке.
Снова пробило время ночное.
Мое прошлое снова со мною.
А любовь — это волны, бегущие мимо.
Так проходит она.
Словно жизнь, ненадежно хранима,
Иль Надежда, скользящая необгонимо.
Снова пробило время ночное.
Мое прошлое снова со мною.
Дни безумно мгновенны, недели мгновенны.
Да и прошлого нет.
Все любви невозвратно забвенны...
Под мостом круговерть убегающей Сены.
Гийом Апполинер
Перевод Павла Антокольского
Эдгар Никитин(саксофон), Сергей Колесник(гитара)
31 августа 1880 года неизвестная женщина в сопровождении двух свидетелей явилась в одно из римских отделений полиции и сделала заявление, что нашла на улице подброшенного младенца. Она готова была усыновить мальчика. 29 сентября того же года найдёныша крестили и дали ему имя Джульемо Альберто Дульчини. А 2 ноября объявилась настоящая мать ребёнка — обедневшая польская аристократка Ангелика Костровицкая (1858 — 1918). Она потребовала вернуть ей сына. Где женщина была всё это время и как мальчик оказался у порога чужого дома, осталось невыясненным. По заявлению матери, ребёнок родился 25 августа 1880 года. Эта дата и считается днём рождения великого французского поэта, отца-основоположника современной европейской поэзии (это можно утверждать с полным правом), выдающегося теоретика искусств Вильгельма-Альберта-Владимира-Александра-Аполлинария Костровицкого, более известного под избранным им псевдонимом Гийом Аполлинер.
Дочь Петрова-Водкина: «После смерти отца все его картины ушли задарма»
Дочь Петрова-Водкина:
«После смерти отца
все его картины ушли задарма»
Трехкомнатная квартира Кузьмы Петрова-Водкина в Ленинграде была забита его картинами. Но жене и дочери элементарно не на что было жить. И они расстались с бесценным наследством...
5 ноября 1878 года родился художник Кузьма Петров-Водкин. Сегодня сложно представить коллекцию Третьяковской галереи без его работы «Купание красного коня».
Однако в пятидесятые годы, когда картину удалось вернуть на родину из Швеции, ни один советский музей не изъявил желания ее купить...
Эротические мотивы картин Густава Климта, перенесенные в реальность
Эротические мотивы картин Густава Климта, перенесенные в реальность
Инге Прадер - Густав Климт.
Работы Густава Климта известны на весь мир, но фотограф из Австрии решила вдохнуть в них новую жизнь, напомнив о шедеврах мировой общественности. Для этого она воплотила известные полотна мэтра из его "золотого периода" в жизнь - воссоздала все, изображенное на картинах в реальности, используя моделей, большей частью обнаженных, и яркие декорации.
Фриз Бетховена. Густав Климт. 1902г.
Фриз Бетховена. Inge Prader. 2015г.
Густав Климт (Gustav Klimt) был президентом Венского сецессиона - объединение венских художников, скульпторов и архитекторов той эпохи. Это был коллектив, который который позже вдохновил организаторов благотворительной акции The Life Ball, в рамках которой, собственно, фотограф Инге Прадер (Inge Prader) и выставила свои фотографические интерпретации полотен Климта.
Даная. Густав Климт. 1907г.
Даная. Inge Prader. 2015г.
Ценности авангардного движения, возглавляемого Густавом Климтом вполне соотносимы и с сегодняшними реалиями. Красота женского тела все так же подлегает табуированию, а искусство вынуждено балансировать на тонкой грани социальных стандартов. Однако в рамках the Life Ball многие темы перестают быть запрещенными. Это самое большое благотворительное событие в Европе, все средства от которого идут в помощь больными СПИДом. И здесь перед творческими людьми не ставят преград - до тех пор, пока искусство прославляет жизнь, все возможно, все разрешено.
Интересно, что музой Густава Климта была Эмилия Флёге, которая действительно создавала эти причудливые узорчатые платья, кажущиеся настолько сложными, что легче приписать их богатому воображению художника, чем действительности. Однако Эмилии действительно было чем удивить окружающих.
Анри Матисс/ Henri Matisse:«Я просто хочу, чтобы усталый человек, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой»
Биография и информация
В то время как авангардисты стремились лишить зрителя спокойствия,разбудить его,оторвать от созерцания салонных слащавых херувимчиков и вывести в неприукрашенную действительность,французский художник Анри Матисс заявил: «Я просто хочу,чтобы усталый человек,глядя на мою живопись,вкусил отдых и покой». Неужели кому-то еще есть дело до человека,честно говоря,отчаянно уставшего от этого«прекрасного и яростного мира»? И неужто кто-то захочет подарить ему«роскошь,покой и наслаждение», не скатываясь в банальные заигрывания в духе салонной живописи? Да,кое-кто захочет и сделает это так,как,пожалуй,не удавалось никому ни до ни после. Анри Матисс.
«Он упростит живопись!»
Сыну торговца зерном и модистки прочили карьеру юриста. Мало ли,что ему рисовать нравится — всем что-нибудь да нравится,а заниматься следует делом,от которого толк будет. Такова позиция отца,и Анри нечего было ей противопоставить. Случай вмешался в виде… аппендицита,который Матиссу удалили в 21 год. Операцию он перенес не очень хорошо,долго восстанавливался. Чтобы развлечь сына,мать принесла ему коробку красок и альбом. «Когда я начал рисовать,мне казалось,что я попал в какой-то рай», — вспоминал позже Матисс. Да и отец неожиданно смягчился — кто-то подсказал ему,что сына можно отдать учиться к самому Бугро!
Салонный живописец казался Эмилю Матиссу олимпийским небожителем,поэтому он снабдил отпрыска средствами для переезда в Париж,где Анри должен был готовиться к поступлению в Школу изящных искусств в мастерской Вильяма Бугро. «Жирным бордосцем,розовым,как поросенок» называет Бугро Раймон Эсколье,автор монографии об Анри Матиссе. У Бугро с Матиссом с первой же встречи возникла взаимная антипатия. К великому разочарования папеньки Анри ушел из мастерской и продолжил подготовку в Школе декоративных искусств. Впрочем,в святая святых,Школу изящных искусств,его не приняли,зато Анри обрел первого настоящего учителя — Гюстава Моро. Тот отправлял своих учеников в Лувр — копировать классиков,нарабатывать технику,говорил: «о цвете нужно мечтать», и предсказывал Матиссу,что тот«упростит живопись».
В 1898 году в жизни художника произошло сразу несколько знаменательных событий. Умер его учитель Гюстав Морро — Матисс сразу же ушел из Школы. Он женился на красавице Амели Парейр и отправился в свадебное путешествие в Лондон. Почему Лондон? Ну как же,чтобы смотреть Тёрнера! В Лувре Матисс знакомился с классиками,теперь пришла пора поближе узнать того,кто стал мостом между классикой и импрессионизмом.
Импрессионизм(скорее,неоимпрессионизм) — важный этап становления мастера. Он осваивает цвет,пробует технику пуантилизма. Но в этом направлении Матисс надолго не задержится. Ему предстоит дать цвету абсолютную свободу,вывести его на главную роль,отбросив детали. Это произойдет в 1905 году,поворотная картина Анри Матисса,наделавшая много шума и знаменовавшая рождения искусства«диких» — «Женщина в шляпе».
«Дикими»(фр. fauve) работы молодых французских художников назвал критик Луи Воксель и вошел в историю как автор названия«фовизм» для арт-течения,ставящего цвет и декоративность изображения во главу угла. Вместе с Матиссом на том Осеннем салоне выставлялись Дерен и Вламинк.
Путешествия Матисса
Известность Матисс приобрел быстро,а вот его финансовое положение оставалось стесненным. И только знакомство с русскими меценатами и коллекционерами Сергеем Щукиным и Иваном Морозовым позволит ему выйти из бедности — уже навсегда.
В 1908 году тонкий ценитель искусства Сергей Щукин заказал ему два панно,которыми намеревался украсить свой московский особняк. Именно тогда появилась первая картина с названием«Танец» Анри Матисса. Щукин пригласил французского художника в Россию,где мастер был совершенно потрясен русскими иконами.
Одалиски,арабески и другие восточные мотивы — результат проведенных в Марокко зим 1911−1913 годов. Одалиски Матисса сопоставимы с одалисками Энгра. На Востоке художник превзошел рамки фовизма,хотя приверженцем основных его положений остался навсегда. Но теперь картины Анри Матисса стали менее кричащими и демонстративными,взамен пришла глубина и тонкость.
В конце 1917 года мастер приезжает в Ниццу. Многим ли удается изобразить лики счастья посредством хоть какого искусства,при этом не скатываясь в слащавость? А Матисс сумел. Ницца,любовь к которой французский художник сохранит на всю жизнь,увековечена сияющим цветом и светом,синевой бездонного неба и бесконечными и знаменитыми«открытыми окнами».
По следам Гогена Матисс отправляется в Океанию. Он хочет тоже отыскать таитянский рай… Безуспешно. В Океании он проведет три месяца,насыщаясь экваториальным светом(«Он совсем золотой,а у нас он серебряный…») и понимая,что писать здесь невозможно,Таити и работа — антонимы. Анри Матисс приходит к выводу,что рай на земле может создать только художник на своих картинах.
После Океании он отправился в США. Доктор Альбер Барнс,известный коллекционер,заказал для своего центра в Мерионе огромное панно. Выбор тематики он предоставил самому художнику. Матисс остался верен себе и снова пожелал изобразить танец. В работе над 13-метровым панно он впервые применил технику декупажа — вырезанные из цветной бумаги фигуры перемещал по холсту до тех пор,пока не возникало ощущение завершенности.
Об отдыхе для усталого человека
Матисс был далек от снобизма,свойственного как академикам,так и многим авангардистам. Он не из тех,кто предъявляет потенциальному зрителю длинный перечень,в котором каждое предложение начинается словом«должен». Он считал,что это как раз искусство«должно» быть понятно и доступно любому человеку. Редкое отношение художника к потенциальному зрителю,не так ли? «Искусство не должно беспокоить и смущать. У меня нет никакой теории». Подарить отдохновение усталому человеку — вот достойная задача. Тот,кто умел писать счастье и изображал его в каждой своей картине,имел право так говорить: таким художником был Анри Матисс.
Кстати,о счастье в жизни французского художника
Брак мастера был заключен по большой любви. И его можно описать словами«Амели очень старалась». У Матиссов было двое сыновей. Кроме того,внебрачная дочь французского художника Маргарет,которую до встречи с Амели родила одна из его натурщиц,тоже жила в семье. Амели мечтала помогать мужу во всем,быть с ним рядом,она хотела,чтобы и в творчестве Анри Матисса,и в их доме звучало«мы». Но если в начале их брака так и было,то со временем она поняла,что не сможет занять в сердце мужа место хотя бы такое же,какое занимает живопись. А уж если у него что-то не ладилось в работе,то мало не показывалось никому… Увлечения Матисса«одалисками» тоже брак не укрепляли.
Когда в 1932 году порог их дома переступила претендентка на роль помощницы и секретаря,русская эмигрантка Лидия Делекторская,мадам Матисс оставалась совершенно спокойна — светловолосая голубоглазая Лидия совсем не в его вкусе. Художник всегда предпочитал брюнеток,такой была и сама Амели,и многочисленные«одалиски». Когда через некоторое время мадам Матисс понадобилась компаньонка и сиделка,она сама вспомнила об этой русской. Лидия за ней ухаживала,а Амели жаловалась на разлад отношений с мужем. Однажды Матисс зашел в комнату жены,что-то говорил,о чем-то спрашивал,взгляд его привычно скользнул по Лидии,и вдруг… «Не двигайтесь!» Вышел за альбомом и начал рисовать. Он словно впервые увидел ее,а мадам Матисс — впервые ощутила опасность от присутствия этой голубоглазой красавицы.
…Жена художника долго,очень долго молча смотрела на портрет Лидии. Затем тихо сказала: «Или я,или она». Анри Матисс выбрал семью. Лидия ушла. А художник обнаружил,что без нее уже не может. Лидия вернулась,и тогда ушла Амели. В 1940 году они развелись. Лидия была рядом до последнего его дня. Она вспоминала: «На протяжении 20 лет я была светом его очей,а он — смыслом моей жизни…». На момент их знакомства Лидии исполнилось 22 года,Матиссу — 62.
Капелла Четок и что ей предшествовало
Передавая на картинах исключительно радость,в жизни французский художник Анри Матисс сталкивался с болью и физической,и душевной. Во время Второй мировой войны его дочь Маргарита как участница французского Сопротивления были угнана в концентрационный лагерь в Германию,мадам Матисс за печать листовок приговорена к шести месяцам тюрьмы. Сам Анри во время войны жил в Вансе и сходил с ума от беспокойства за родных. Все они остались живы.
В 1941 году французский художник перенес тяжелейшую операцию,у него обнаружился рак кишечника. Как выяснилось после — шансов на удачный исход было крайне мало. Матисс просил доктора подарить ему еще года 3−4 — столько планов хотелось реализовать! Он прожил еще 13 лет. Во время болезни за ним ухаживала монахиня,которая и попросила подправить ее эскизы витражей для монастырской Капеллы Четок в Вансе. Матисс увидел в этом предзнаменование и разработал полностью оформление капеллы. «Верю ли я в бога? Да,когда работаю!», — заявил он. Когда состояние здоровья более не позволило вставать к холсту,он прикреплял уголь к палке и работал таким образом. Оформление капеллы он считал своим главным достижением и сбывшейся мечтой.
1 ноября 1954 года у французского художника случился микроинсульт. А на следующий,предпоследний день его жизни,Лидия Делекторская,свет очей его,пришла к нему в высоком тюрбане и,глядя на осунувшегося Матисса,с грустью и бесконечной нежностью пошутила: «В другой день вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу». Мастер улыбнулся и велел: «Давайте карандаш и бумагу».
Автор: Алена Эсаулова
Сегодня вспоминаем Анри Матисса – художник умер 3 ноября 1954 года.
Норвежские ученые выдвинули новую версию относительно того, что послужило источником вдохновения для художника Эдварда Мунка при написании картины «Крик». Об этом сообщает портал Artnet.
Согласно результатам исследования научных сотрудников Университета Осло, живописец во время создания полотна находился под впечатлением от феномена, известного как перламутровые облака.
«Танец»: почему картина Анри Матисса доводила публику до белого каления
Танец. Анри Матисс, 1910 год. | Фото: artelio.ru.
Анри Матисса называли «диким» художником, упростившим законы живописи донельзя. Публика возмущалась, критиковала новаторство художника, но при этом постоянно заказывала ему полотна. «Танец» (1910) года считается самой провокационной картиной художника. Обнаженные тела, «примитивное» изображение, широкие мазки – все это эпатировало и, в то же время, привлекало зрителей.
Страхи и страсти Эдварда Мунка - одного из самых дорогих художников в мире
Эдвард Мунк. Крик. Версии 1893 г. и 1895 г.
Работы знаменитого норвежского художника сегодня входят в перечень самых дорогих в мире – в 2012 г. картина «Крик» была продана за 119,9 млн долларов. Причина неугасающего интереса к творчеству экспрессиониста Эдварда Мунка (Edvard Munch) – не только в высоком уровне мастерства, а и в том заряде невероятных эмоций, которые несут его картины. Во всех работах повторяются лейтмотивы, заставляющие психоаналитиков делать выводы о страхах и страстях, всю жизнь преследующих автора.
Эдвард Мунк. Расставание, 1896 г.
Эдварду Мунку пришлось пережить немало потрясений, сформировавших его характер. В пятилетнем возрасте он потерял мать, после чего замкнулся в себе и почти год не разговаривал. Через несколько лет умерла от туберкулеза его сестра. В живописи он находит для себя утешение и отдушину.
Эдвард Мунк. Улица Карла Иоганна вечером, 1892 г.
Первая же выставка работ Мунка в Норвегии принесла ему скандальную славу. Его называли «зарвавшимся анархистом», а пресса писала: «Эти картины – не что иное, как просто мазня». Тем не менее, популярность художника росла и на родине, и за ее пределами.
Эдвард Мунк. Три периода жизни женщины, 1895 г.
Друг Мунка писатель Стриндберг часто изображал конфронтацию полов, представляя женщин как «ненасытных тварей» и «узниц порока». После череды неудачных романов Мунк разделяет мнение друга. Бурный роман с Туллой Ларсен не привел к браку, и девушка пыталась шантажировать художника, угрожая ему пистолетом. Она нечаянно нажала на курок и повредила ему руку, в результате пришлось ампутировать палец. Художник впал в затяжную депрессию и начал пить. Частые нервные срывы и злоупотребление алкоголем привели к тому, что Мунк проводит несколько месяцев в клинике для душевнобольных.
Эдвард Мунк. Ревность, 1895 г.
Темы страсти и тревоги, страха и отчаяния повторяются в большинстве работ Мунка. Он часто изображает женщин, истязающих мужчин, как на картине «Вампир»: рыжие волосы вампирши словно опутывают и поглощают мужчину. Психоаналитики утверждают, что художник испытывал страх перед сексом и видел в страсти смертельную опасность. На картине «Прах» мужчина угнетен и подавлен, он сидит, закрыв лицо руками, а волосы женщины, как длинные щупальца, тянутся к нему: «Так тоска и отчаяние овладевают душой человека, затягивая ее в свои сети», – комментирует Мунк.
Эдвард Мунк. Вампир, 1893 г.
Эдвард Мунк. Прах, 1894 г.
Двойственное отношение к женщине – как к существу желанному и опасному – просматривается во многих работах Мунка. Картина «Поцелуй» вопреки теме производит гнетущее впечатление. Один из друзей художника писал: «Это две фигуры, лица которых сливаются. И место это напоминает гигантское безобразное ухо, оглушенное напором пульсирующей крови».
Эдвард Мунк. Поцелуй, 1898 г. Мадонна, 1895 г.
Апофеоз тревог и страхов, мучавших Мунка всю жизнь, – это самая знаменитая его картина, «Крик». Художник создал около 50 ее версий после того, как услышал крик самоубийцы, бросившегося с моста. Цветовая гамма настолько точно передает ощущения автора, что, кажется, кричать начинают сами краски. К этой картине постоянно апеллируют в современной живописи и самых неожиданных видах искусства: например, Эдвард Мунк и его «Крик» в рекламе
Всемирно известный и один из самых любимых художников консервативной части американского общества, Эндрю Уайет вошел в число самых дорогих современных художников XX века. Однако одновременно с этим он был одним из самых недооцененных американских живописцев. Его творения, написанные в реалистичной манере, в эпоху взлета абстракционизма и модерна вызывали бурю протеста и негативных откликов у влиятельных критиков и искусствоведов.Зато американский зритель толпами шел на выставки работ, кураторы музеев втихаря покупали его картины, дабы не прослыть ретроградами, и только коллеги-художники точно знали, что Эндрю Уайет представляет собой мощный и загадочный талант.
