Завещание Огюст Роден

\"Молодые люди, желающие стать служителями красоты, вы будете, возможно, рады найти здесь резюме длительного опыта.
Благоговейно любите мастеров, которые предшествовали вам.
Преклоняйтесь перед Фидием и Микеланджело.

Восхищайтесь божественной ясностью одного и суровым страданием другого. Восхищение-это хорошее вино для благородных умов.
Остерегайтесь, однако, подражать вашим предшественникам. Уважая традицию, умейте распознавать то вечно плодотворное, что она таит в себе; любовь к природе и искренность - то, к чему страстно звали все гении. Все они обожали природу и никогда не допускали лжи. Таким образом, традиция вручает здесь ключ, который поможет вам избежать рутины. Она предлагает вам всегда вопрошать действительность, но запрещает слепо следовать какому-либо мастеру.
Пусть единственной вашей богиней будет природа.
Имейте к ней неограниченное доверие. Знайте, что она никогда не бывает безобразной; сохраните верность ей, не боясь поступиться своим честолюбием.
Для художника все прекрасно, потому что в каждом существе, в каждой вещи проницательный взор его открывает характер, то есть ту внутреннюю правду, которая просвечивает сквозь внешнюю форму. И эта правда есть сама красота. Благоговейно изучайте ее, и в этих поисках вы непременно найдете ее, обретете истину.
Работайте, отдавая работе всего себя.

Вы, скульпторы, развивайте в себе понимание глубины. Ведь наш разум лишь с трудом воспринимает ее. Он представляет себе явственно только поверхности. Вообразить себе формы в их объемности он не в состоянии. Но именно в этом и заключается ваша задача.
Прежде всего наметьте себе основные планы фигур, которые вы ваяете. В особенности акцентируйте направление, какое вы хотите придать каждой части тела-голове, плечам, тазу, ногам. Искусство требует смелости. Хорошо подчеркнутым бегом линий вы погружаетесь в пространство и овладеваете глубиной. Когда ваши планы определены, все найдено. Ваша статуя уже живет. Детали рождаются и размещаются затем уже сами собой. Когда вы лепите, никогда ле мыслите в поверхности, а только в глубину.
Пусть ваш рассудок воспринимает каждую поверхность как оболочку объема, выталкивающего ее изнутри. Представляйте себе все формы как бы обращенными к вам. Всякая жизнь возникает внутри себя, но затем развивается, раскрывается изнутри вовне. Равным образом и в хорошей скульптуре всегда угадываешь сильный внутренний импульс. В этом секрет античного искусства.

Вы, живописцы, также наблюдайте действительность во всей ее глубине. Взгляните, например, на портрет, написанный Рафаэлем. Когда этот мастер изображает человека в фас, он несколько скашивает его грудь: таким образом, он создает иллюзию третьего измерения.
Все великие мастера изучают пространство. Именно в знании объема и заключается их сила.
Помните об одном: нет линий, есть только объемы.
И когда вы рисуете, никогда не думайте о контурах, а заботьтесь только о, рельефе. Ведь именно рельеф и правит контуром
Упражняйтесь беспрерывно: нужно набивать себе руку в ремесле.
Искусство - не что иное, как чувство. Но без знания объемов, пропорций, цвета и без искусной кисти всякое живое чувство будет парализовано. Чего может ждать даже величайший поэт в чужой стране, язык которой ему незнаком? К несчастью, в новом поколении художников много таких поэтов, которые не хотят, учиться выражать свои мысли. Потому-то мы и слышим от них одно бормотание.

Больше терпения! Не надейтесь на вдохновение. Вдохновение вообще не существует. Единственные добродетели художника - мудрость, внимательность, искренность, воля. Выполняйте вашу работу, как честные труженики.
Будьте правдивы, молодые люди. Это не значит-\" будьте банально точными.Скрупулезная точность - это точность фотографии и муляжа. Но искусство возникает лишь там, где есть внутренняя правда. Пусть все ваши краски, все ваши формы служат выражению чувств.
Художник, который довольствуется точным изображением действительности и рабски воспроизводит даже самые незначительные детали, никогда не станет настоящим мастером. Если вы бывали на каком-либо итальянском кладбище, вы, несомненно, заметили, с какой наивностью стремятся создатели надгробных памятников скопировать в своих статуях вышивки, кружева или волосы, уложенные в косы. Художники, может быть, точны, но они не искренни, потому что их души здесь не затронуты.
Почти все наши скульпторы напоминают этих итальянских ваятелей. В памятниках, стоящих в общественных местах, ничего не увидишь, кроме сюртуков, столов, тумбочек, стульев, машин, баллонов и телеграфных столбов. В них нет внутренней правды, а значит, нет и искусства. Бойтесь подобного хлама.
Будьте глубоко и непримиримо правдивы. Никогда не бойтесь выразить то, что вы чувствуете, даже если ваши мысли противоречат общепринятым. Быть может, вы не сразу будете поняты. Но ваше одиночество будет очень непродолжительным. Скоро появятся у вас друзья, ибо то, что глубоко, истинно и для всех.
Никаких кривляний, никакого притворства для привлечения публики! Больше простоты и естественности!
Самыми лучшими сюжетами являются те, которые нам знакомы лучше всего.
Дорогой для меня великий Эжен Каррьер - он ушел от нас очень рано - проявил свой гений, изображая жену и детей. Он достиг вершин творчества, прославляя материнскую любовь. Настоящий мастер - тот, кто своими глазами смотрит на окружающее и кто умеет находить красоту даже в обычных, не останавливающих внимание явлениях.
А плохие художники всегда смотрят сквозь чужие очки.

Самое главное для художника - быть взволнованным, любить, надеяться, трепетать, жить. Быть прежде всего человеком и только потом- художником. \"Истинное красноречие смеется над красноречием\",- сказал Паскаль. Истинное искусство смеется над искусством. Здесь я вновь возвращаюсь к Эжену Каррьеру. На выставках большая часть картин - не что иное, как живопись: на этом фоне картины Каррьера - это окна, открытые в жизнь!
Принимайте справедливую критику. Вы легко ее распознаете. Справедлива та критика, которая подтверждает одолевающие вас сомнения. Но не поддавайтесь критике, которой противится ваше сознание.

Не бойтесь несправедливой критики. Она вызовет негодование у ваших друзей, заставит их задуматься над сочувствием, какое они питают к вам, и они еще решительнее будут выражать это сочувствие, когда глубже осознают мотивы его.
Если ваш талант нов, не рассчитывайте вначале на большое число сторонников; наоборот, у вас будет множество врагов. Но не падайте духом. Восторжествуют первые, ибо они знают, почему они любят вас, вторые же не думают над тем, почему вы им ненавистны; первые - страстные поборники правды и неустанно вербуют новых приверженцев, вторые не проявляют ни малейшего усилия, чтобы отстоять свое ложное мнение; первые твердо стоят на своем, вторые держат нос по ветру. Победа правды несомненна.
Не теряйте времени на завязывание светских или политических связей. Вы знаете, что многие из ваших собратьев путем интриг достигают славы и богатства; но это не истинные художники. Однако некоторые из них очень умны, и если вы вздумаете бороться с ними в их сфере, то, как и они, вы потратите на это массу времени, иными словами, всю вашу жизнь; у вас не останется ни одной свободной минуты на то, чтобы стать художником.

Страстно любите свое призвание. Нет ничего прекраснее его. Оно гораздо возвышеннее, чем думает обыватель.
Художник подает великий пример.
Он страстно любит свою профессию: самая высокая награда для него - радость творчества. К сожалению, в наше время многие презирают, ненавидят свою работу. Но мир будет счастлив только тогда, когда у каждого человека будет душа художника, иначе говоря, когда каждый будет находить радость в своем труде.
Искусство - прекрасный урок искренности.
Подлинный художник всегда выражает то, что думает, не боясь растоптать существующие нормы.
Тем самым он учит искренности себе подобных.

Представьте себе, какого огромного прогресса мы могли бы добиться, если бы люди были до конца правдивы!
Как быстро общество увидело и осудило бы свои ошибки, свои заблуждения, безобразные дела, и в какой короткий срок наша земля превратилась бы в рай!\"

У каждого из нас найдется причина почему мы чего-то не сделали, или продолжаем что-то делать. В этом проявляется удивительная творческая способность человека — всему находить оправдания. Но во всех этих оправданиях прослеживается одна важная закономерность: есть что-то вне нашего разума, что влияет на принимаемые нами решения и сдерживает нас. Как же победить это свойство? Есть одно качество без которого просто немыслимо достижение — ответственность.

Смысл эмоциональной ответственности в том, что нет никакого внешнего источника контроля нашей жизни. Всё зависит только от нашего выбора. Обстоятельства и другие люди влияют на нас ровно в той мере, в какой мы наделяем их властью влиять на нас. Конечно по своей сущности обстоятельства бывают и неконтролируемые (болезнь, пожар, война,), но выбирать как реагировать на эти обстоятельства зависит только от нас. Ведь все знают, что реакция на что угодно это прежде всего вопрос нашего мышления. Любое восприятие, любые эмоции и чувства возникают только у нас в голове. Зависть, злость, обида, тоска, радость, благодарность, восхищение... это все программы нашего мышления.

Нет ничего, что может повлиять на наш настрой без нашего согласия! Конечно, порой мы легко можем объяснить почему мы поступаем так, а не иначе. И когда нам приводят аргументы, что мы неправы и предлагают альтернативное решение мы часто используем фразу «ты просто меня не понимаешь!» и остаемся при своем мнении.

Конечно быть радостными или грустить, достигать цели или стоять на месте, наблюдая как нас засасывает этот мир, дело каждого. Но все мы в состоянии изменить мышление и отношение. Главное осознать это и прекратить наделять властью внешний мир.

Есть такое понятие, центр контроля. Это психологическая область, которая оказывает воздействие на наши решения и чувства. У ответственных людей этот центр находится внутри, у неответственных снаружи. Такие люди позволяют окружающему миру влиять на них. Но заметьте — «позволяют». То есть это опять же происходит с их разрешения.

Вот примеры такого внешнего влияния.

- Другие люди.

Порой кто-то нас злит или выводит из себя. Может быть оскорбляет или поступает несправедливо. Логичной реакцией на такие действия на первый взгляд является обида и злость. Ведь это его, а не наши действия. Но чьими чувствами являются вышеперечисленные качества? Правильно, нашими. Поэтому давайте не будем оказывать окружающим честь влиять на нас на расстоянии, но позволим себе решать как нам себя чувствовать.

- Непредвиденные обстоятельства.

Здесь схема та же. Только в роли агрессора выступают не личности, а вещи или события. Простим же и их. Обстоятельства мы не изменим, но отношение — это ведь наша привилегия.

- Личные недостатки.

Если отнестись к несовершенству как к неподдающимся влиянию обстоятельствам, все станет проще. Уметь прощать себя это тоже мастерство, которое должен освоить каждый. Не в смысле оправдать любой грех, а в смысле не позволять ему мешать нам обрести радость и мир. Кстати именно прощение самого себя позволяет меняться и избавляться от своих проступков и плохих привычек, тогда как вина топит нас в трясине бездействия.

- Прошлое.

Единственное место где оно продолжает жить — это память. И оттуда оно может контролировать нас. Так грустно осознавать, что несуществующие вещи и события воплощаются во вполне конкретные действия. Возможно какие-то события и были, но теперь их нет. Не наделяйте прошлое ответственностью за свое настоящее. Начните с нуля.

Несложно придумывать для себя отговорки, но в таком случае мы сознательно соглашаемся на бессилие и внешний контроль. Быть ответственным - значит делать то, что необходимо тогда, когда необходимо. Откажитесь от отговорок. Возьмите ответственность за свою жизнь в свои руки. Только вы контролируете свои мысли.

http://www.render.ru/books/show_book.php?book_id=1868

Татьяна Ветрова\"От грязи к цвету\"

http://www.render.ru/books/index.php?book_cat=39
Как рисовать металл и стекло в фотошопе(море других уроков)

18 ЯНВАРЯ ВСЕМИРНЫЙ ДЕНЬ СНЕГОВИКА:
Это замечательный повод повеселиться с друзьями, семьей или всем классом: устройте конкурс на самого симпатичного снеговика, устройте фотосессию со снеговиком - будет очень хорошая память о таком морозном дне.

Снеговик стал символом зимних каникул у детворы и новогодних праздников у взрослых. И никто не задается вопросом, кто, как и когда вылепил первого снеговика? И не многим известно, какой сверхъестественный смысл был у снеговика в прошлом.
Первые снеговики изображались недобрыми свирепыми снежными монстрами впечатляющих размеров. Это не случайно, ведь в те давние времена безжалостные зимы с лютыми морозами и промозглыми вьюгами приносили немало хлопот. Скорее всего, именно тогда и появились поверья, согласно которым снеговики представляют реальную угрозу для людей. Думали, что опасно лепить их в периоды полнолуния: для человека непослушание может обернуться навязчивыми кошмарными сновидениями, ночными страхами, да и вообще всяческими неудачами. А в Норвегии существовало предание о том, что снеговиков опасно разглядывать поздним вечером из-за шторы. К тому же, дурным знаком считалось встретить снежную фигуру ночью: ее рекомендовалось обойти стороной. Только со временем снеговик стал символом зимних праздников

На Руси же снеговиков лепили с древних языческих времен и почитали как духов зимы. К ним, как и к Морозу, относились с должным уважением и обращались с просьбами о помощи и уменьшении длительности лютых морозов. Кстати, снежные бабы и Снегурочка – это наше, русское достояние. Наши предки верили, что зимними природными явлениями (туманами, снегами, метелями) повелевают духи женского пола. Поэтому, чтобы показать им свое почтение, лепили снежных баб.

По старинной европейской притче, святой Франциск Ассизский считал создание снеговиков своеобразным методом борьбы с бесами. А по другой христианской легенде, снеговики – это ангелы. Ведь снег – это дар неба. А значит, снеговик – не кто иной, как ангел, который может передавать Богу просьбы людей. Для этого маленького снеговичка лепили из свежевыпавшего снега и тихонько шептали ему свое желание. Верили, что как только снежная фигурка растает, желание сразу будет доставлено на небеса и вскоре исполнится.

В Европе снеговиков всегда лепили рядом с домами, щедро украшали гирляндами и домашней утварью, укутывали в шарфы, а в руки вручали ветвистые метлы. В деталях их «одеяния» угадывается мистический характер. Например, нос в виде морковки прикрепляли, чтобы умилостивить духов, посылающих урожай и плодородие. Перевернутое ведро на голове символизировало достаток в доме. В Румынии издавна известен обычай украшать снеговика «бусами» из головок чеснока. Считалось, что это способствует здоровью домочадцев и оберегает их от проказ темной силы.

Согласно старинному преданию, в конце XV века, примерно в 1493 году, итальянский скульптор, архитектор, поэт Микеланджело Буонарроти впервые слепил снежную фигуру.

По данным исторических исследований, первое письменное упоминание о снеговике встречается в книге XVIII века: там говорится о «красивом снеговике» гигантских размеров.

Только в XIX веке снежные создания «подобрели» и вскоре стали незаменимым атрибутом Рождества и Нового года. Поздравительные открытки с изображением милого улыбчивого снеговика в окружении веселых детей быстро завоевывали популярность. Любопытно, что в представлении европейских народов снеговик – это всегда существо мужского пола, снежных баб и снегурочек у них никогда не было. В английском языке для его обозначения есть только одно слово – «snowman».

Слово «schneeman», то есть «снеговик» изначально возникло в немецком языке. Изображение снеговика впервые появилось в качестве иллюстрации к детской книжке с песнями, изданной в Лейпциге.

Прикрепленное изображение
20 ЯНВАРЯ Всемирный день снега (Международный день зимних видов спорта)
В 2012 году в мире появилась еще одна хорошая традиция. Начиная с зимы 2012 года, в предпоследнее воскресенье января по инициативе Международной федерации лыжного спорта (FIS) отмечается новый праздник — Всемирный день снега (World Snow Day). Другое его название — Международный день зимних видов спорта. Цель праздника — повысить интерес к зимним видам спорта и вовлечь молодежь в активный образ жизни. По замыслу FIS, в этот день должны проходить «снежные фестивали», во время которых дети и взрослые смогут принять участие в соревнованиях на коньках, лыжах или сноубордах. Как задумывают организаторы, «этот день даст всем возможность насладиться снегом, познакомиться с кем-то и окунуться в светлое будущее зимних видов спорта, которые будут восприниматься не только как соревнование, но и как развлечение». — Сегодняшние дети зачастую смотрят в будущее с пессимизмом, и мы надеемся, что благодаря этому мероприятию мы сможем показать им и их семьям, сколько удовольствия они могут получить благодаря снегу, сохраняя при этом здоровый, безопасный и экологичный образ жизни, — заявил президент Международной федерации лыжного спорта Джан-Франко Каспер. Организация этого праздника стала вторым шагом в реализации программы FIS «Выведем детей на снег». Дата проведения Дня снега выбрана неслучайно: в конце января, когда заканчивается сезон рождественский и новогодних каникул, важно привлечь внимание к горнолыжным курортам. Если в первый год проведения праздника участие в нем приняли более 20 стран мира, среди которых США, Канада, Австралия, Швейцария, Финляндия, Германия, Великобритания, Норвегия, Польша, Турция, Казахстан, Украина и другие, то ко второму году готовность поддержать международный фестиваль выразили уже около 40 государств. Что интересно, в их числе не только традиционные «горнолыжные» страны (Швейцария, Финляндия или Норвегия), но и менее известные в этом смысле Венгрия, Япония, Эстония и даже Пакистан. В России первый Международный день снега отмечался всего в нескольких регионах. К нему присоединились такие известные на всю страну горнолыжные курорты, как «Бобровый лог» (Красноярск), «Абзаково» (недалеко от Магнитогорска), «Роза Хутор» (Сочи) и другие. Праздник отметили народными гуляниями, спортивными соревнованиями, зимними карнавалами, игрой в снежки и катанием на лыжах. Кстати, именно в этот день в 2012 году жители Магнитогорска постарались попасть в книгу рекордов Гиннеса, скатав самый большой в мире снежный ком.


Прикрепленное изображение
21 ЯНВАРЯ ВСЕМИРНЫЙ ДЕНЬ ОБЪЯТИЙ
21 января не стесняйтесь обнимать друг друга. Будем отмечать, чуть ли не самый странный праздник - Всемирный день объятий. Именно в этот день парни и девушки заключали в свои объятия друг друга безо всякой интимной подоплеки.
В этот день можно обнимать даже незнакомцев. Хотя праздник и молодой, никто уже истинно не помнит, откуда он взялся. Поговаривают, что придумала его предприимчивая молодежь, только бы безнаказанно обнимать, кого захочется – тем более, что это не только приятно, но и полезно.
Во время дружеских объятий люди обмениваются положительной энергией. А ученые даже выяснили, что для полного счастья каждый должен обниматься, по крайней мере, 8 раз в день.
По своеобразной легенде, во время дружеского объятия люди обмениваются душевным теплом.
По мнению итальянского профессора медицины, Винченцо Мариньяно объятия являются эликсиром жизни. Именно эти эмоциональные проявления не только укрепляют здоровье, но и продлевают жизнь.
стремление прикоснуться к другому человеку, обнять его - это проявление доверия. Если же доверия нет, то, обнимаясь, можно испытать чувство тревоги и неприязни.
Ощущение прикосновений являются наиболее ранними ощущениями человека, которые он испытывает еще будучи младенцем на руках матери. Еще в раннем возрасте материнские объятия закладывают в человеке чувство привязанности и комфорта.
Поэтому, обнимая кого-то во взрослом возрасте, мы хотим реанимировать эти детские состояния доверительности и безопасности.

Прикрепленное изображение
11 ФЕВРАЛЯ ВСЕМИРНЫЙ ДЕНЬ БОЛЬНОГО
Всемирный день больного был учрежден 13 мая 1992 года папой Иоанном Павлом II. Отмечается католиками в день Лурдской Богоматери. В специальном послании папы говорилось о том, что ежегодное празднование Всемирного для больного имеет свою цель: дать почувствовать сотрудникам многочисленных медицинских католических организаций, верующим, всему гражданскому обществу необходимость обеспечения лучшего ухода за больными и немощными, облегчения их страданий.
В этот день католики вспоминают явление Пресвятой Девы Марии в Лурде. Верующие вспоминают всех страждущих, выражая тем самым солидарность со всеми немощными. "Истоки всех учреждений здравоохранения, основанных и опекаемых христианами, сокрыты в милосердии; они продолжают на земле миссию Иисуса, исцелявшего слабых и больных. Благодаря тому, что в них поддерживается и защищается культура жизни, они отвечают чаяниям всех страждущих", - писал Папа в своем пасторском послании.

Прикрепленное изображение
1 МАРТА ВСЕМИРНЫЙ ДЕНЬ КОШЕК
1 марта, отмечается мало кому известный, но все же официально зарегистрированный праздник – Всемирный день кошек. У этого праздника нет каких-либо особенностей. Единственное, к чему призывает людей Международная фелинологическая ассоциация - создать каждой кошке свой дом.
В этот день почти в каждом зоопарке страны поклонники тигров, львов, рысей смогут сфотографироваться с самыми любимыми представителями и даже угостить их специальными лакомствами. Причем поздравить таким образом можно будет даже самых грозных хищников. Домашние питомцы сегодня тоже в большом почете.
Фелинология – наука о кошках, подчеркивает, что кошки – это умные животные, и если, в отличие от собак, они не приносят брошенную хозяином палку, то лишь потому, что «кошка не считает себя обязанной выполнять глупые приказы человека».
«Собака думает так: если хозяин меня кормит, заботится обо мне, значит, он бог. А кошка уверена: хозяин меня кормит, заботится обо мне, значит я бог», - отметила президент Международной фелинологической ассоциации.
В связи с этой кошачьей особенностью она советует людям с властным характером заводить не кошек, а собак, что, по ее словам, делают чаще всего в Германии.
Кошки особенно любят, когда их гладят за ухом и под подбородком. Причем более ласковые и общительные именно коты, а кошки более капризны.
кошки, пусть даже мартовские, редко когда проводят время подолгу парами - гулять любят сами по себе. Исключение - львы. Их зовут самыми социальными животными.
Десятки интересных фактов из жизни тигров, львов и прочих гепардов развешивают по зоопаркам в международный день кошки.
Стишок «не подходите слишком близко - я тигренок, а не киска» слышали все. Но мало кто знает, что лучше всего приручаются как раз крупные представители семейства кошачьих.
А вот самыми дикими оказались кошки, по размерам чуть больше домашней мурки. Например, степную кошку или камышового кота не приручить, даже если кормить его из соски с рождения.
Дикие кошки распространены на всех материках и крупных островах, кроме Австралии, Антарктики, островов Новой Гвинеи, Сулавеси, Гренландии и Мадагаскара. В большинстве своем обитают в тропическом и субтропическом, реже в умеренном климате. В таёжную зону проникли только тигр, пума и рысь, отчасти дальневосточный кот (в Приморье). Все кошачьи ведут наземный образ жизни, населяя преимущественно леса, отчасти пустыни, саванны и горы вплоть до верхнего их пояса.

Прикрепленное изображение
10 мая Всемирный день астрономии.
Астрономия – одна из старейших дисциплин на нашей планете. Профессиональный праздник всех тех, чья деятельность связана с этой наукой, всех, кого интересуют тайны звездное небо – медународный день астрономии.

С начала 19 века любители астрономии, астрономические кружки и клубы устраивали открытые показы звездного неба для популяризации науки. Такие мероприятия были приурочены к разным астрономическим событиям: метеоритным дождям, затмениям Луны и Солнца, вспышкам на звездах, появлением комет и прочее.

Для того, чтобы упорядочить подобные показы, и появился этот праздник в 1973 году в Соединенных Штатах Америки. Инициатором стал любитель астрономии – Дуг Бергер, активно занимающийся вопросом популяризации этой науки. У праздника нет определенной даты, каждый год она меняется, его отмечают в день, когда Луна находится в фазе первой четверти, или близка к ней. Это положение весьма удобно для наблюдения, Луна находится вечером высоко в небе. Каждый год это происходит в разный день, с середины апреля и до середины мая. Ну, а с середины сентября и до середины октября – период времени, когда проходит неделя астрономии. В это же время отмечают так называемый «осенний» День астрономии.

Спонсируют праздник 14 самых влиятельных международных астрономических организаций. Определяет дату праздника, а как правило это суббота, и играет решающую роль во всех событиях, связанных с наукой астрономией – Международный астрономический союз (МАС), созданный в 1919 году в Бельгии. В состав МАС входит более 60 национальных академий, свыше 10 тысяч индивидуальных членов. С 1935 года членом МАС стала Россия. МАС – высшая международная инстанция во всем, что касается астрономии. Во время празднования дня астрономии и недели астрономии МАС организует коллоквиумы и симпозиумы, проводит Генеральную ассамблею раз в три года.

Последние годы праздник приобрел огромную популярность по всему миру. На телевидении, радио и интернете проходят конференции, на которых выступают космонавты, проходят выставки и тематические занятия в школах, где школьникам даже предлагают попробовать «космическую еду». И, конечно же, традиционные показы звездного неба в музеях, обсерваториях и планетариях, на улицах, крышах торговых центров, парках отдыха и развлечений, где собираются тысячи людей, чтобы для себя открыть тайны этого необъятного пространства и понаблюдать за небесными телами.

Приемы китайской живописи



Художник изображает природу, чтобы уловить в ней что-то "существенное".

Работая над картиной, художник использует характерные (им самим открытые) признаки объектов природы, чтобы создать новый объект. И эта перекличка реальности и изображения дает чувство причастности к ритму дыхания природы, к ее животворящей силе. Древняя китайская натурфилософия предлагает понимание мира как смену энергий-"стихий", которых всего пять. (Эта "космобиоритмология" и ее определяющее влияние на человека, его судьбу, здоровье и образ жизни, очень подробно и понятно описана в книге М.М. Богачихина "Ветры-воды. Фэн-шуй практический".) Мы же , с помощью основных схем, рассмотрим основные приемы традиционной китайской живописи, их соответствие "стихиям", возможности для творчества и понимания природы.

1. Почва - первичная "центральная" стихия. Качества почвы - "бесформенность", фактурность, видимое бездействие - проявляются в самом простом приеме - отпечатывании кисточки. Прием этот очень разнообразен: можно аккуратно приложить кисточку к бумаге, можно, держа ее вертикально, слегка ударять по бумаге, получая "следы" разных форм и размеров (рис.3). Так можно изображать поверхность камня, кору старого дерева, "метелки" травы и даже мелкие или не совсем раскрывшиеся цветы. Действительно, например, кора старого дерева не имеет качеств молодых веток (рост) или листьев (временность, "бесплотность" кроны), а приобретает фактурность благодаря старению и растрескиванию.

Качество"дерева" как стихии - поэтапный рост. Кисточку надо приложить к бумаге (в точке А) и разом плавно передвинуть ее в точку Б и только потом оторвать ее от бумаги или, не отрывая, сделать еще один "рывок" и продолжить изображение ветки или стебля. В зависимости от наклона кисточки и силы нажима ветка получится той или иной толщины и формы. Кроме веток, стеблей травы и цветов, стволов бамбука этим приемом можно изображать контуры домов и любых ровных предметов искусственного происхождения (мебель, посуда и т.п.)

Металл - твердый, острый и "вечный". Его прием - "взлетающая" кисточка. Приложив кисточку к бумаге в точке А, совершите "взлет" - так, как будто точка Б находится в воздухе над листом бумаги или, может быть, за его пределами. "Металлом" изображаются молодая трава, иглы и шипы, иногда листья и лепестки цветов. Представьте себе силу травы, прорезающую землю; к тому же трава живет гораздо дольше, чем листва деревьев, сохраняя зелень даже под снегом.

Огонь - бесплотный, трепещущий и "временный", т.е. постоянно возобновляющийся. Кисточка оставляет след "огня", пролетая над бумагой и как бы случайно задевая ее, т.е. точки А и Б находятся над бумагой. Огонь - это листья, лепестки, бутоны. Выполняя приемы "дерево", "металл" и "огонь", можно не только менять силу нажима, наклон кисти и протяженность движения - можно это движение изгибать в любую сторону. Можно также совершать движения, не имеющие четкой "стихийности", например, лепестки хризантемы изображаются приемом "дерево", но кисточка, двигаясь из т.А в т.Б, может менять силу нажима, как бы приобретая свойства "огня" (дерево порождает огонь).

Вода - особый прием. Время воды - ночь (дерево, огонь и металл - соответственно утро, день, вечер). Выполняя этот прием, кисточку нужно вращать пальцами, как бы раскручивая волчок. Волоски кисточки при этом перекатываются по бумаге ("окатить водой"), оставляя текучий незапрограммированный след. Этим приемом можно изобразить лепестки некоторых цветов, например, ириса, поверхность гладких, отполированных водой камней, пар, поднимающийся от чашки с чем-нибудь горячим, отображения в воде, волны.

Необходимо понять, что приемом "вода" изображается не вода, или не только вода; приемом "дерево" - не только дерево и т.д. Приемом "воды" изображают лепесток ириса, камень - не угловатый обломок, а сырой, гладкий, обкатанный; водяной пар - меняющийся и исчезающий,- то есть то, что обладает качеством воды как стихии - текучестью и изменчивостью форм. Рассмотрим изображение цветка ириса в качестве иллюстрации к действию стихий. Рост "дерева" стебля перешел в "огонь" бутона. "Вода" преодолела "огонь" - лепестки раскрыли бутон. Травянистые стебли ириса по мере роста сгибаются - кисточка ослабляет нажим, а затем усиливает - "металл" преодолевается "огнем". То есть природный объект конструируется из составляющих его энергий-качеств, вырастая на бумаге как нечто, имеющее не только внешние пространственные, но и временные характеристики, соответствующие этапам его жизни. Это сочетание внешнего вида и внутренней жизни есть результат поэтапности работы и энергичности движений руки с кисточкой (перекатывание "воды" естественно медленнее следа "огня"). Изображая какую-либо часть цветка, пейзажа, насекомого, птицы и т.д., вы чувствуете своеобразие, дыхание, энергию его жизни, потому что этому соответствует специфика, энергия того или иного выполняемого вами приема.

Рисование камней под водой

Техники лессировки (с использованием прозрачной краски)
У многих моих студентов существуют трудности с рисованием камней под водой, и я думаю, что это упражнение с использованием техник лессировки (нанесение жидкой, прозрачной краски) может быть полезным. Я использую такие техники. Надеюсь, вам понравится это упражнение.
Рис. 01


О жидкой краске (прозрачная лессировка)
Если вы будете смотреть через лист желтого или синего пластика, все будет казаться желтым или синим. Если вы наложите листы друг на друга, желтый и синий вместе визуально смешаются, и все будет казаться зеленым. Это простой закон наложения прозрачной лессировки.

Для заключительных слоев лессировки нужны полностью прозрачные краски. Каждый предыдущий слой краски должен полностью высохнуть перед тем, как последующий слой будет нанесен. Я иногда наношу очень тонкий слой изолирующего лака между слоями лессировки, но это не всегда необходимо. Слой с изолирующим лаком - это просто слой жидкого прозрачного лака между слоями краски, для создания большей глубины. Изолирующий лак должен состоять из более плотного лака, а не из более мягкого даммарного лака. Копаловый лак (Copal varnish) использовался годами, но теперь он недоступен, т.к. копал стал полудрагоценным и его крайне сложно добывать. Некоторые производители сейчас производят синтетические лаки, чтобы заменить копаловые. Смотрите сами, что вам доступно. В этом упражнении зелень воды сделана при помощи комбинации Индийского желтого (Indian yellow), циановой синей (сине-зеленая) (phthalo blue) и сиены жженой (burnt sienna). Эти краски могут быть наложены по отдельности со слоями изолирующего лака между ними или в качестве смеси.

Если вы хотите, чтобы ваша вода была синее в отдельных местах, нанесите сильнее лессировку синей краской или используйте несколько жидких слоев синего (чтобы был зеленый цвет, добавьте индийскую желтую). Эти техники позволяют лучам света отражаться от белой основы (грунта), проходить через слои краски и отражаться обратно в глаз, достигая визуально эффекта смешения.

Палитра цветов и кисти, необходимые для этого урока:

Белила титановые (Titanium White),
Циановая синяя (Thalo Blue®),
Ультрамарин (Permanent Blue (Ultramarine Blue)),
Умбра (Raw Umber),
Охра желтая (Yellow ochre),
Сиена жженая (Burnt Sienna)

Кисти используются где-то 1/2" (1,27 см ) шириной. Щетина равна или немного длиннее ширины металлического ободка. Причина, почему я называю размер в 1/2" - это то, что у разных производителей кисти по размеру нумеруются по разному.

Шаг 1: размещение объекта
Рис. 2

Во-первых, загрунтуйте холст или доску. Старайтесь насколько возможно загладить текстуру поверхности, потому что любая шероховатость может привести к тому, что во время лессировки краска будет собираться в этих местах. И на финальном изображении могут появиться темные пятна. Когда вы будете наносить лессировку, если ваша поверхность не гладкая, возьмите мягкую сухую кисть и размажьте все пятна, которые вы видите.

Когда поверхность таким образом подготовлена, наметьте расположение и форму самых больших камней, используя белый, умбру, ультрамарин и охру желтую.

Набросайте легкие линии, добавляя совсем немного разбавителя в краску. Это позволяет краске стекать с кисточки и делать тонкие линии.
(Я использую чистый разбавитель, только чтобы намечать рисунок, и никогда не разбавляю краску в процессе рисования). Это размывает связующие материалы и масла, оставляя тусклые пятна на работе. Используйте хороший растворитель или масло, немного разбавленное разбавителем.

Затем смешайте белила и умбру для получения мягкого серого оттенка. Чтобы получить более холодный и голубоватый оттенок серого, добавьте немного ультрамарина. Чтобы получить теплый оттенок, добавьте сиену жженую, а белила - чтобы получить более светлые тона. Напишите камни основным цветом, как показано на рисунке 2.

Шаг 2: работаем дальше над формами и цветовым тоном
Рис. 03

Используйте те же цвета, как и в шаге 1, и напишите дно ручья. Создайте текстуру дна, накладывая краску широко и небрежно, темнее сверху, а светлее - снизу. Это создаст замечательную игру света в сцене.
Удалите часть краски с более светлых камней, позволяя просвечивать белой основе.
Начните прорисовывать формы камней, используя комбинации белил, умбры, желтой охры и ультрамарина.
Когда будете удовлетворены тем, что получается, отложите картину, чтобы она высохла. Когда все высохнет, переходите к шагу 3.

Шаг 3: работаем над глубиной цвета и формой
Рис. 04

Продолжаем работать над формой камней и цветовой глубиной. Начните писать текстуры и тени на камне, используя умбру в технике лессировки - разбавьте масло со скипидаром (приблизительно 2 части масла на 1 часть скипидара). Если вам нравится, вы можете использовать только льняное масло.
Наносите лессировку сильнее для темных областей и послабее для светлых.
Лессировка обычно накладывается немного шире, чем нужно, и затем ее смягчают, вытирая или накладывая штрихи мягкой кистью, тряпочкой или пальцем. В живописи могут использоваться как непрозрачные техники, так и лессировочные техники, как показано в этом упражнении.
Обратите внимание, что иллюзия прозрачной воды начнет появляться, когда вы напишете темные места на камнях. Камни обычно темнее вокруг линии соприкосновения с водой и там, где они влажные. Возьмите кисть за рукоятку и процарапайте острием маленькую светлую гальку. Дайте картине высохнуть, прежде чем переходить к шагу 4.

Шаг 4: нанесение лессировки для достижения эффекта воды и поверхности, финальная лакировка
Рис. 05

Теперь начнем рисовать воду, нанося лессировочно смесь Индийского желтого, сине-зеленой и жженой сиены или нанося каждый слой с лессировкой из индийского желтого, сине-зеленой и жженой сиены по-отдельности. Продолжайте накладывать лессировку, чтобы достичь желаемой глубины и цвета. Между слоями дайте работе высохнуть.
Нанесите лессировку на камни и особенно в те места, где они соприкасаются с водой. Создайте трещины и тени на камнях под водой. Пусть они соответствуют трещинам и теням на поверхности.
Дайте работе высохнуть и приступайте к финальной деталировке поверхности. Используйте смесь белил, ультрамарина, жженой сиены и напишите поверхность над водой. Сохраняйте эту смесь прозрачной, чтобы камни и галька сверху просвечивались.
Когда будете удовлетворены результатом, дайте работе полностью просохнуть. Покройте картину заключительным слоем блестящего даммарного лака. Это финальное покрытие добавит единообразие к поверхности и глубину.

Человеческий глаз способен различать около десяти тысяч оттенков хроматических и ахроматических цветов. Ахроматические цвета - чёрный, белый и оттенки серого. Хроматические - вся цветовая шкала. Посмотрим на цветовой круг. Он имеет тёплую (красный-оранжевый-жёлтый) и холодную (фиолетовый-синий-зелёный) части. Основные цвета: красный, синий, жёлтый. Дополнительные цвета: фиолетовый, оранжевый, зелёный.Смотрим на цветовой круг. Смешав основные цвета: красный с синим, получим дополнительный - фиолетовый; смешав основные цвета жёлтый с синим, получим дополнительный - зелёный.

При смешении основных цветов можно получить все остальные оттенки. Цвета, которые в цветовом круге располагаются напротив друг друга, называют контрастными. Так к зелёному цвету контрастным будет красный. Используя эти знания, художник может добиться большей выразительности, например, жёлтый лимон написать на фиолетовом фоне.
За счёт контраста этих цветов, каждый из них "зазвучит" сильнее. Ещё надо знать, что хроматические цвета различают по трём характеристикам: цветовому тону, насыщенности и светлоте. Цветовой тон - это качество цвета, которое определяет его как красный, синий, зелёный и т.д. Насыщенность - степень цветового тона, т.е. чем выше степень, тем ярче и сочнее цвет. Светлота проще сказать это то, что темнее-светлее, по научному степень яркости отражённого излучения. Вспоминаем, что солнечные лучи, отражаясь от предметов, попадают на сетчатку глаза, раздражают определённые рецепторы, которые подают сигнал в головной мозг и человек начинает различать цвет. Например, глиняный горшок отражает охристую гамму и мы видим именно эту гамму. Видимые нами цвета, становясь светлее, становятся менее насыщенными и иногда меняют даже цветовой тон. Каждый предмет мы воспринимаем как сочетание маленьких поверхностей, которые по разному освещены. Свет, распределяясь по поверхности приобретает градации от самых светлых до самых тёмных пятен. Условно говоря, по формуле: "блик, свет, полутон, собственная тень, рефлекс, падающая тень". В живописи понятие "тон" надо расценивать как степень светосилы цвета. Мудрёно звучит? Тогда скажем по-другому: как количество света, заключённого в данном цвете. Чувтвительность глаза к многообразию оттенков тренируется практикой. В природе множество цветовых различий и они объединены световой средой, а у художника только краски и холст. Перенести все цвета природы на холст не представляется возможным, к тому же холст освещается только с одной стороны. Ещё один факт, с которым не поспоришь: цвета в природе находятся в пространстве, а у художника - в одной плоскости, на холсте. Поэтому простое механическое повторение натуры не обеспечит передачу всех цветовых отношений, которые имеются в природе (например, яркость освещенных солнцем предметов). Живописное решение пейзажа должно основываться на внутренней логике художника, хотя эта логика и вытекает из натуры. Всегда художник, рисуя натуру, всё "пропускает через себя", т.е. делает осознанно, выражая своё личное отношение к ней, работая "большими отношениями", "большим объёмом". Цвет воспринимается по разному, в зависимости от соседства с другими цветами и это нужно учитывать (вспоминаем цветовой круг). По сути это законы, которые должен знать каждый художник. Если поверхности окрашены в контрастные цвета, они выглядят яркими. Тёмная поверхность рядом со светлой поверхностью будет казаться ещё темней - это явление одновременного контраста. Обратите внимание на участки рисунка, обведённые кругами. В рисунке сравнивают один тон с другим, т.е. что темнее-что светлее, а в живописи сравнивают цветовые отношения, т.е. цветовые тона. Есть ещё одна статья о цвете, если интересно, читайте. http://alnicpon.ru/2011/12/20/tsvet-v-zhizni-cheloveka/ В следующей статье поговорим о рефлексах и какое значение они имеют в живописи.

Китайская живопись У-СИН

В Японии искусство каллиграфии именуют «Сёдо», что значит «Путь письма». Для меня живопись У-Син превратилась в «путь кисти и красок», «путь живописи», «путь рисования».

Вроде и не так много лет прошло с тех пор, как я получил от моего учителя ценный дар живописи У-Син. Однако за эти три года живопись поменяла меня кардинально. Я сразу понял, что это больше чем рисование, но не мог даже представить, насколько глубока и объёмна эта практика. Я не побоюсь этого слова и назову живопись У-Син уникальной техникой духовного и психофизического развития.

Живопись У-Син покоится на двух столпах: сильных, уверенных движениях рисующего и глубокой метафизике «встроенной» в процесс рисования. И это в корне отличает данный вид живописи от других изобразительных искусств. Здесь огромное значение придаётся тому, как художник рисует, а не тому, что он изображает. На первое место становится процесс, отодвигая полученный результат на второй план. По сути эта живопись более похожа на Ушу, чем на рисование в европейском понимание этого слова. Особенно много сходств с Синъицюань, (одним из внутренних стилей Ушу). Как и Синъицюань, эта живопись основана на пяти движениях, соответствующих первоэлементам У-Син. Впрочем, У-Син объединяет не только живопись и ушу. Среди практик, рождённых в древнем Китае, вы с трудом найдёте ту, где философия У-Син не оставила бы свой след.

Система У-Син берёт начало в учениях древних даосских учителей. Даосская натурфилософия предлагает понимание мира как смену энергий - "стихий", которых всего пять: «Дерево», «Огонь», «Земля», «Металл» и «Вода». Каждая из этих стихий являет собой определённое качество бытия:
Дерево – настойчивость, прямота
Огонь – переменчивость
Земля – структурированность
Металл – утончённость,
Вода – обманчивость, изощрённость

Каждое из движений живописи У-Син несёт в себе качество одного из первоэлементов. Гармоничный человек – тот, в котором влияния 5 элементов уравновешивают друг друга. Именно к этому и стремится практикующий, работая с кистью и бумагой. Изображая окружающий мир, художник познаёт его качества, через кисть и тем самым учится у природы быть гармоничным. Таким образом, живопись У-син становится новым способом познания, восприятия окружающей реальности в чём-то сходном с магическими методами, которые практиковались в древнем шаманизме. Так же как шаман при помощи танца перевоплощается в медведя, художник при помощи краски, кисти и движений У-Син «осваивает» энергию изображаемого объекта.

Художественная задача при этом сводится к тому, чтобы достоверно передать энергию объекта, а не его форму и внешний вид. Однако если все движения сделаны правильно, то любой узнает в рисунке изображаемый объект.

Впрочем, живопись У-Син включает в себя не только 5 движений У-Син, но другие важные элементы:
- сопоставление пустоты (Инь) и наполненности (Ян) на рисунке
- синхронизация движения кисти и дыхания
- прямая спина, помогающая движению вертикального потока энергий
- осознанность и предельная концентрация в каждом действии
- пребывание в состоянии недеяния (У-цзи) во время рисования

Всё это помогает практикующему художнику проникнуться духом того, что он изображает. Конечно же и эти детали покажутся знакомы тем, кто практикует различные Даосские упражнения. Начиная с Цигун и заканчивая Даосским Сексуальным Гунфу. Именно поэтому Живопись У-Син может для многих стать способом приобщения к вселенской гармонии Дао.

Чтобы ощутить эффект от занятий живописи У-Син вовсе не обязательно быть китаистом или вообще что-то знать про древний Китай. Так Живопись У-Син стала отличным инструментом для решения задач очень многих и очень разных людей. Сегодня при помощи живописи У-Син я провожу и бизнес-тренинги для работников офисов, и арт-терапевтические сеансы по решению личных проблем, и помогаю многим людям научиться профессионально рисовать, при том, что большинство из них раньше не брало в руки кисть ни разу.

Андрей Щербаков,взято отсюда



http://prana-art.ru/articles/55

Рисование прежде всего

На протяжении истории лучшие художники были прекрасными мастерами рисования, это сама основа. Учитесь рисовать лучше и вы усовершенствуете свою способность смотреть на мир творчески.

Носите с собой блокнот для зарисовок. А еще лучше иметь несколько – один в машине, один возле кровати и один в кармане постоянно с собой.

2. Великое искусство – это тяжкий труд

Искусство требует усилий и думать, что все должно получаться абсолютно легко – большая ошибка. Каждый раз, когда я бросаю какую-то картину или рисунок, я потом смотрю на нее и понимаю, что причина моей неудачи это лишь мое нежелание пожертвовать для нее больше времени, усилий или внимания.

Будьте готовы пожертвовать всем, что у вас есть, чтобы стать великим.

3. Используйте эталонное изображение

Пользуйтесь эталонным изображением как можно чаще, а также учитесь сами придумывать себе эталон.

Несколько лет назад мне нужно было нарисовать для книжной обложки спички, разбросанные на снегу. На улице было +26, поэтому я скомкал несколько бумажных полотенец, воткнул спички и снял фото на фоне белой стены. Немного поколдовав в Photoshop я получил желаемое изображение.

4. Каждый бывает отвергнутым

Игнорируйте негативное отношение других людей или по крайней мере смотрите на это с иронией. Только те художники, которые прорываются сквозь критику могут достичь успеха.

Верьте в себя и работайте над своей уверенностью – вам как художнику она очень понадобится.

5. Уникальность означает успех

Это правда, что копирование популярных трендов в искусстве способно принести кратковременный успех, тогда как собственный творческий путь займет больше времен.

Но лучше делать то, что вам нравится, ведь популярные веяния не длятся долго, в отличие от вашей уникальности.

6. Нет незыблемых истин

В жизни нужно все ставить под сомнение, в том числе искусство. В том числе этот список.

7. Искренность объединяет людей

Не беритесь за то, в чем не сможете преуспеть.
Искусство – это не только отражение мастера, но также и людей, которые им наслаждаются. Будьте собой и к вам потянутся люди.

8. Беритесь за новые проекты сразу же

Отлагательство – враг креативности. Чем раньше вы начинаете, тем чаще дойдете до финиша.

9. Всегда продолжайте учиться

Чем больше у вас знаний об искусстве, тем больше глубины и многомерности будут иметь ваши работы. Посмотрите на свои старые работы и вы увидите, как изменилось ваше творчество.

Попробуйте изучить предмет, в котором вы совсем не разбираетесь, и вы расширите свою кретивность. Этот сайт – еще один способ улучшить ваше понимание искусства.

10. От взаимопомощи выигрывают все

Каждый раз, когда у вас есть возможность – делитесь советами безвозмездно и рассказывайте другим об интересных приемах. Все мы много выиграем, если каждый отдаст хоть чуточку своего мастерства.

По материалам www.emptyeasel.com10

Мы рады пригласить вас на уникальный мастер-класс по медитативной живописи от известной санкт-петербуржской художницы Саши Товстик

Эта мастерская - не только возможность лично пообщаться со знаменитой художницей и посетить в ее же сопровождении выставку удивительных полотен, неоднократно выставлявшихся в России и за рубежом. Вы сможете поучиться ее самобытному мастерству и зарядиться мощным творческим потенциалом.

Это действительно необычный курс необычного мастера – чтобы убедиться в этом, достаточно лишь взглянуть на ее картины, выставка которых проходит в настоящее время в Студии на Тимирязевской.

Для кого этот мастер-класс?
Мастер-класс рассчитан на любой уровень подготовки – от вас не потребуется никаких особых навыков и умений, и в то же время, обладая ими, вы сможете в полной мере раскрыть их все.

Что же в нем такого необычного и особенного?
В процессе рисования вы задействуете не только мелкую моторику, но и все тело, что поможет переключиться на правое, творческое полушарие мозга. Наверняка вы слышали что-то об этом правополушарном методе рисования, но вряд ли можете представить себе всю радость и весь восторг от того, как неожиданно волшебно заиграют в ваших, может быть даже и неумелых, руках такие, казалось бы, обыкновенные кисти и краски.

авторская экскурсия по выставке картин (до мастер-класса) – рекомендовано всем участникам
знакомство с материалами и основными принципами рисования, при которых ты позволяешь рисунку проявляться, а не контролируешь его появление сам.
небольшая активная медитация - разминка для подготовки к творчеству (медитация, расслабление, свободный танец, дыхание)
рисование акриловыми красками на специальной акварельной бумаге большого размера
создание двух самостоятельных работ (ориентировочный формат 50 х 70 см), передающих ваши настроения и состояния (при поддержке Вселенной и ведущей мастер-класса)
ваши работы в процессе рисования будут лежать на полу, а вы будете проливать на них краски, танцевать вокруг них, выражать то, что хочется выразить!
для работы лучше всего подойдет удобная одежда, которую можно немного испачкать, и в которой комфортно сидеть на полу.

Главное – особый творческий настрой и медитативное состояние.
Основное, чему мы будем учиться – это не строгая академическая техника и не какие-то определенные правила рисования, а умение отпустить себя на свободу настоящего творчества и самовыражения. И как показывает практика, именно это зачастую оказывается самым сложным и в то же время, самым важным при создании своего произведения.

Поскольку Саша сама пишет свои картины в особом медитативном состоянии, то и своим ученикам она помогает достичь его, хотя бы на какое-то время. Все, что для этого нужно - это освободиться от вечно довлеющего эго, мешающего видеть мир во всей его полноте и красоте и войти в состояние особого творческого потока.

И именно Саша, как никто другой, умеет не только творить в этом потоке в соавторстве со Вселенной, но и сообщать эту способность своим ученикам.

Попробуйте, и вы сами убедитесь в том, как это легко, просто и приятно! В соавторстве со Вселенной

Недавно у гостях у нашей студии побывала Саша Товстик, известная художница из Санкт-Петербурга, путешественница и наш большой друг. Напомню, что в настоящее время в студии на Тимирязевской проходит выставка ее удивительных картин, а в эти выходные она проведет мастер-класс по медитативному рисованию.

Мы поговорили об искусстве, путешествиях, и о ее уникальном стиле медитативного рисования.

Студия Прана: Саша, как известно, Вы много путешествуете и в этих путешествиях черпаете свое вдохновение. Какое место на планете Ваше любимое и больше всего помогает в творчестве?

Саша: Я изъездила почти всю Юго-Восточную Азию, и буквально везде находила что-то особенное, что находило отражение в моих картинах. Индия, Индонезия, Китай, Суматра, Таиланд, Непал – везде красиво, хорошо и здорово. Но больше всего мне нравится на острове Бали, где есть настоящий город художников. Это Убуд - действительно особенное место. Сюда съезжаются художники со всего мира – американские, европейские, австралийские. И местных очень много. И по всему городу - бесконечные галереи, стенка в стенку, невероятное количество. Это одно из самых моих любимых мест, оно очень удобно именно для художников, там все можно купить – кисти, краски, подрамники, холсты. В Китае, например, с этим сложно, они рисуют совсем в других техниках, и даже профессиональные художники не понимают порой, что такое, например, акрил. Зато в Китае я отлично позанималась каллиграфией.

Да, про Убуд. У этого города интересная история. После войны, когда Индонезия освободилась от голландской колониальной зависимости, перед ней встал вопрос – чем жить? И решили, что туризмом, а как, если там ничего толком нет? Долго думали и в итоге сообразили, что можно привлечь именно в это место художников со всего мира, создать для них все условия. И так это место постепенно раскрутилось, и стало по-настоящему знаменитой на весь мир меккой для художников и отчасти хиппи. Туда даже Битлз приезжали.

Да и жить там, если честно, гораздо лучше и комфортнее, чем , скажем, в Индии.

Студия Прана: А что Вы можете сказать про местных художников? Вы с ними общаетесь?

Саша: Конечно, там есть своя этническая школа живописи, самобытная, очень интересная. Я училась у балийских художников балинезийскому искусству, настоящих мастеров в своем стиле. Мы даже подружились, поэтому за свои поистине ценные уроки денег они брать не хотели. Я привозила им в благодарность печенье, сигареты. Так что вот училась буквально за еду J.

Кроме того, я там и преподаю – учу местных деток рисовать, бесплатно, конечно. Бывает, что меняю свои уроки по бартеру – на массаж, например. Там как-то все проще и легче. Жить и творить там – настоящее удовольствие.

Таким вот образом получается, что больше всего времени я провожу на Бали, тем более, что там живет мой мастер по цигуну. После этих занятий особенно хорошо рисуется.

Студия Прана: Саша, а как Вы пишете свои картины? Ведь такой необычный результат наверняка происходит из какого-то не совсем обычного процесса?

Саша: Главное, что я делаю – это прислушиваюсь к себе и к тому, происходит внутри и снаружи.

И всегда все происходит по-разному. Например, я понимаю, что хочу нарисовать что-то конкретное – гору или пруд. А бывает, что это просто какое-то ощущение, и я понятия не имею, как именно в итоге выражу его. Но даже если изначально есть что-то конкретное, то это не значит, что я изображу это именно так, как задумывалось. Скажем, вот совсем недавно - хотела нарисовать лес, а в итоге получается озеро в Непале. Как? Непонятно.

Иногда я даже делаю промежуточные фотографии, и сама потом диву даюсь, насколько процесс меняет изначальную задумку. Все происходит само, что-то неожиданное появляется, это разворачивает работу в ту сторону, которую ты даже и не подозревал. И в итоге получается такая вот красота.

Это учит с любовью и благодарностью принимать все, что появляется, и даже если возникло что-то неожиданное и поначалу непонятное. Мои картины буквально учат меня – не зацикливаться на своих идеях, прислушиваться к тому, что происходит вокруг и принимать это.

Бывает, что в процессе работы наступает какая-то пауза, когда я не понимаю, что и как делать дальше. Тогда я откладываю это картину, занимаюсь чем-то другим – и по прошествии времени как будто ниоткуда приходит новое понимание – и возникает что-то совершенно фантастическое.

Это очень важно – доверять пространству и верить, что оно помогает - а оно именно это и делает… Порой я даже не могу с полной уверенностью назвать картину своей – потому что я как будто не сама ее писала, а только выражала то, что само хотело быть выраженным, помимо моей воли и разума. Я называю такую работу соавторством со Вселенной.

Студия Прана: Да, действительно впечатляет. Так и хочется спросить - откуда у Вас столько идей и вдохновения? И как Вы это все успеваете? Ведь это такой трудоемкий процесс!

Саша: Я действительно много работаю, это моя жизнь, и я по-настоящему люблю свое дело. И идей меня в сто раз больше, чем я могу написать, потому что не могу работать больше 12-и часов в день. Обычно 8 – 10, максимум 14 часов. Спать иногда тоже хочется. Медитировать… Танцевать!

Студия Прана: Танцевать? Вокруг картины?

Саша: Да, танцую с кисточкой. Прыгаю, кружусь, делаю что в голову взбредет – одним словом, настраиваюсь. Это на самом деле очень динамичный процесс, и я получаю от него море удовольствия. И все, кто рисует со мной, тоже очень быстро приходят к тому пониманию, что удовольствие от процесса работы также важно, как и ее результат.

Студия Прана: Кстати, об учениках. Вы же проводите мастер-классы, на которых люди, до этого практически не рисовавшие, делают какие-то невообразимые рывки. Как это происходит? Что Вы с ними делаете?

Саша: Все довольно просто, на самом деле. Главное – это настрой и намерение. Как правило, мы собираемся на полных два дня и полностью погружаемся в процесс. Мы правильно настраиваемся - танцуем, дышим, медитируем – чтобы за 2 дня получилась действительно стоящая картина.

Студия Прана: Да. Действительно, многие их этих работы выглядят впечатляюще. Неужели это можно сделать с нуля? Вы профессионал, у вас знания, умения, навыки. Образование, в конце концов. А как быть тому, кто вообще ничего не умеет? Нужна же какая-то техника, наверное?

Саша: Никакой техники не нужно. Важно начать, сделать первый шаг. Его можно было сделать 10 лет назад, его можно сделать сегодня. И неважно, что ты раньше этого не делал. Если чего-то сильно хочется – то это нужно сделать, нельзя себя подавлять. Мы и так слишком многое в себе подавляем. Например, все, кто приходит ко мне на мастер-классы, вспоминают школу очень недобрым словом. Практически всех в школе, образно выражаясь, били по рукам. Школьные учителя, друзья, родители. У всех есть какой-то негативный опыт - кто-то что-то сказал, не так посмотрел, раскритиковал. Такая критика бывает очень злой и обидной, и очень редко когда оправданной. И все, человек не в состоянии заставить себя что-то делать. Такой опыт есть у всех, и у меня в том числе. Да и сейчас, бывает, что кто-то не понимает и говорит – ну что это за фигня такая? Просто я на не обращаю внимания на негатив. И продолжаю делать свое дело. И я точно знаю, что оно стоит того. И дело даже не в том, что кто-то не понимает именно моей манеры. Даже когда мои картины были еще более классическими и привычными для восприятия, критиков было ничуть не меньше. И они будут всегда, не обращайте внимания.

Студия Прана: Хорошо, а какой главный критерий того, что ты работаешь хорошо и правильно? Вдруг и в самом деле ерунда какая-то?

Саша: А нет критериев. Просто бери и делай то, что тебе подсказывает свое нутро. И если ты получаешь удовольствие от процесса, то это правильный процесс. Ну, на своих занятиях я еще помогаю, если это мастер-класс. Самое сложно ведь – это преодолеть этот давний, ничего на самом деле не значащий негативизм.

И поверить в себя. И чем дальше, чем больше заниматься – тем лучше будет получаться. Все блоки и проблемы в голове, как всегда.

Студия Прана: Расскажите, как это все происходит.

Саша: О, это на самом деле увлекательный и долгий процесс. Настоящее путешествие. Начинаем мы обычно с того, что разливаем краски на холст, не думая, спонтанно - те цвета, за которые зацепился глаз. Потом это чуть подсыхает – и начинаем работать с тем, что получилось, развиваем образ, который возник.

Иногда применяем трафареты (бабочки, цветы, подсолнухи), тоже получается очень интересно. Где-то я помогаю, подсказываю. Если что-то не идет – можно переключить внимание, потанцевать, сесть, лечь, подумать о чем-то отвлеченном – глядишь, и откуда ни возьмись, пришла совершенно гениальная идея.

Однажды мы провели такой эксперимент – в какой-то момент все поменялись своими картинами, прям по кругу, по часовой стрелке. И каждый нарисовал что-то свое на картине соседа. Это непростой прием, потому что нарисовать можно что угодно - то, что на своей картине, например, не отважишься, а на чужой – легко. А потом меняемся обратно и принимаем то, что нам намалевал сосед, как подсказку Вселенной. И вписываем эту деталь в общую канву картины. Это очень необычный и полезный опыт для того, что бы научиться принимать то, что происходит само собой, без нашего участия, не зацикливаясь на своих идеях и желаниях. Отказаться от мысли, что это ТВОЯ картина.

Потому что если ты настроен на то, чтобы писать в действительно медитативном состоянии, надо по-настоящему позволить, чтобы это просто случалось. И в этом состоит главный секрет того, как это моим ученикам удается ТАК рисовать буквально с нуля. Мы просто отпускаем себя, вот и все. И тогда может появиться то, чего вы от себя никак не ожидали. Вот тогда-то и происходят настоящие чудеса.

Все статьи
Жизнь студии
Интервью с преподавателями
Рассказы о художниках
Рассказы о картинах
Направления в искусстве
Интересное в искусстве
Материалы для творчества
Уроки online
Арт-выставки в Москве
Другое

Что такое арт-терапия



Арт-терапия - это метод лечения посредством художественного творчества.

Арт-терапия - один из самых мягких и в то же время глубоких методов в арсенале психологов и психотерапевтов. Рисуя, занимаясь лепкой или описывая в литературной форме свою проблему или настроение вы как будто получаете закодированное послание от самих себя, из собственного подсознания. Метод арт-терапии можно отнести к наиболее древним и естественным формам коррекции эмоциональных состояний, которым многие люди пользуются самостоятельно - чтобы снять накопленное психическое напряжение, успокоиться, сосредоточиться. Всякое представление, возникающее в психике, всякая мысль заканчивается движением.

Если реальное движение по какой-либо причине не осуществляется, то в соответствующих группах мышц суммируется определенное напряжение энергии, необходимой для осуществления этого движения. Практически арт-терапия применяется для более ясного, тонкого выражения своих проблем, для стимулирования общения, для самоосуществления этого движения выражения и самоутверждения. Рисунок в арт-терапии - способ познания и особый вид коммуникации, уникальный способ избежать внутренней цензуры: сообщение о себе того, на что не отважился бы словом. Форма, цвет, размер и многие другие характеристики продуктов творчества могут раскрыть истинные, глубинные желания, страхи, надежды, истинное отношение к кому-то или чему-то, настроение в данный момент времени (возможно, скрываемое и не осознаваемое).

Кроме предоставления возможности понять самого себя, арт-терапия в силах помочь изменить что-то в жизни в сторону гармонизации, развития глубинной уверенности в себе, повышения гибкости мышления и восприятия. Арт-тарапия привлекает к себе в последнее время всё большее внимание во всём мире. Трудно назвать ещё какое-либо направление в современной психотерапии, которое имело столь же большие возможности не только для "исцеления" отдельных лиц и групп, но и для "социального врачевания".

Арт-терапия использует "язык" визуальной и пластической экспрессии. Это делает её незаменимым инструментом для исследования и гармонизации тех сторон внутреннего мира человека, для выражения которых слова мало пригодны. С развитием арт-терапии связываются надежды на создание такой гуманной, "синтетической" методологии, которая в равной мере учитывала бы достижения научной мысли и опыт искусства, интеллект человека и его чувства, потребность в рефлексии и жажду действия, план телесный и план духовный. И, конечно же, интерес к арт-терапии может быть связан с тем, что она в эру "аппаратурной медицины" и фармакологии апеллирует к внутренним, самоисцеляющим ресурсам человека, тесно связанным с его творческими возможностями. В арт-терапии принят запрет на сравнительные и оценивающие суждения, отметки, критику, наказания! Таким образом, арт-терапия позволяет каждому участнику оставаться самим собой, не испытывать неловкости, стыда, обиды от сравнения с более успешными, на его взгляд, людьми, продвигаться в развитии сообразно своей природе. При этом гуманистический подход не декларируется, а реально воплощается на практике. Причем, чем меньше психолог вмешивается в художественную деятельность, тем выше полученный терапевтический эффект, тем быстрее устанавливаются отношения эмпатии, взаимного доверия и принятия. Занятия могут быть структурированными или неструктурированными. Для первых характерна заданность темы и/или изобразительных средств. Однако содержание творческой деятельности, форма воплощения задуманного, темп работы определяются самим участником. На неструктурированных занятиях участники самостоятельно выбирают тему, материалы, инструменты. На занятиях зачастую используются музыка, пение, движение, танец, драма, поэзия, сочинение историй и т.д.

Такие формы, когда одновременно сочетаются различные способы творческого самовыражения, принято называть мультимедийными. Арт-терапевтическая работа может помочь наладить более тесный контакт с маленькими детьми, научить лучше понимать и принимать их, ведь практически все техники, используемые в ней, сродни детским играм и детским способам самовыражения, будь то рисование красками, лепка разноцветных гномов из пластилина или сочинение собственной сказки. Попросите сочинить ребенка сказку, и вы сразу узнаете все о том, как ваш ребенок ощущает себя в этом мире, что его волнует, а что совершенно не трогает, чего он боится, чему радуется.

Самое трудное для родителей при выслушивании сказки - это дослушать ее до конца без того, чтобы вносить свои коррективы и замечания. Постараться дать возможность ребенку сочинить СВОЮ сказку. Для ребенка сказка - совершенно особый мир, позвольте ему развернуться перед вами. Потом вы можете проанализировать сочиненное, обсудить персонажей, выразить свое мнение по их поводу. Попросите ребенка вылепить или нарисовать персонажей сказки. Если же вас что-то смутит и насторожит в творчестве вашего ребенка, проконсультируйтесь с психологом. Таким образом, арт-терапия позволяет: Развить в себе спонтанность и совершенствовать внимание, память, мышление (когнитивные навыки); Изучить свой жизненный опыт с необычного ракурса; Решать проблемы легко и красиво; Научиться общаться на экзотическом уровне (используя изобразительные, двигательные, звуковые средства); Просто само выражаться, доставляя удовольствие себе и другим. Цель арт-терапии, как и любой психотерапии, помочь человеку понять в чем заключается проблема и, рассмотреть возможные варианты выхода из нее, выбрать для себя оптимальный.

Живопись акварелью. Первый этап.



Если вы хотите учиться живописи, отнеситесь к занятиям с максимальной серьезностью и вниманием, запаситесь терпением и настойчивостью. Занятия должны быть регулярными и сознательными, чтобы обеспечить постоянное нарастание профессиональных знаний.
Некоторые педагоги, к сожалению, распространяют мнение, будто делать искусство легко, мол, дети все художники и учить их ничему не надо. А так ли это? Вспомните картины любимых мастеров, за каждой стоит огромный, кропотливый труд.
Ремесленной стороной искусства может овладеть любой желающий.
Психологи утверждают, и из опыта видно, что серьезно заниматься художественным творчеством можно уже с 11-13 лет.
Начинающие часто не знают, как приступить к работе, не умеют ставить конкретную задачу, достигать ее решения. Об этом пишут в редакцию многие школьники. На начальном этапе неудачи закономерны, но целенаправленная, продуманная учеба непременно даст хорошие результаты.
Давайте проследим последовательность заданий по живописи на примере первого года обучения в Ленинградской художественной школе.
Учебный год начинается со знакомства с материалами и принадлежностями для живописи, начальных упражнений в технике акварели. Затем выполняется относительно простое задание: этюды нескольких живых листьев. Осенью великое множество интересных, красивых листьев. Засушивать их не надо, так как они становятся жухлыми.
Задание рассматриваем как упражнение для знакомства с техникой акварельной живописи. Листья закрепляем портновскими булавками на белой бумаге. Рисующий садится так, чтобы видеть натуру без искажений (фронтально), закомпоновывает 3 или 4 листика на бумаге под акварель размером примерно 30x40 см. Карандаш для рисования под акварель - ТМ или М, линии рисунка должны быть легкими, не просвечивающими сквозь красочный слой.
В старых руководствах по акварели рекомендуют покрывать изображение несколькими прозрачными слоями краски, постепенно перекрывая один слой другим. Но при таком наслоении часто теряется сочность цвета, свежесть. Листики получаются мертвые, как бумажные. Попробуйте писать иначе: на палитре найдите нужный основной цвет; обратите внимание на особенности листика, как и под каким углом идут у него прожилки центральные, толстые и боковые. Постарайтесь не просто залить цветом, а подчеркнуть движением мазка промежутки между прожилками, точнее найти угол прикрепления тонких прожилок к основной. Если в листике есть переход из цвета в цвет, например из зеленого в желтый, то, не дожидаясь, пока высохнет зеленое, рядом вписывайте желтое, чтобы они слились мягко, по-сырому.
Характер листьев подскажет метод технического исполнения.


Начинаем работу со светлых тонов, в которые добавляются более темные. Если прожилки листа темнее основного фона, то они прорисовываются в последнюю очередь, осторожно, не грубо тонкой кистью. Чтобы края не получились резкими, можно выбрать лишний тон кистью или смягчить край влажной кистью. Бывают и такие листья, у которых прожилки светлые, в этом случае сначала прописываются светлые места легким прозрачным цветом, а потом более темный фон. Прожилки промойте кончиком упругой колонковой кисти.


Можно провести два подобных задания, подбирая листья всевозможных форм, которые позволят ознакомиться с различными техническими приемами: растяжка цвета от светлого к темному, и наоборот, мягкий переход от одного цвета к другому, приемы работы по-сырому и по-сухому, перекрытие одного слоя другим - лессировкой.


В процессе исполнения следите, чтобы на кисти не было много воды, лишняя влага образует потеки, ненужные пятна, работа будет испорчена. В то же время кисть не должна быть сухой. Старайтесь накладывать мазки не кончиком, а плоскостью - боком кисти по "движению" листика. Не следует мазать по одному месту несколько раз - получится грязь; смешав краски на палитре и найдя нужный цвет, положите его так, как ощущаете его в натуре. Бывает, что и после второго задания качество этюдов вас не удовлетворяет, потренируйтесь дополнительно дома, пока не получится.
Очень важно запомнить: работа в акварели начинается со светлых тонов. Бережно, легко, почти водой прописываются светлые места, так как роль белил в акварели выполняет бумага.


Уточняем, что же такое тон и что такое цвет. Цвет с технической стороны - это краска - синяя, зеленая, красная и различные их смеси. Тон - это цветовая насыщенность. Возьмем синюю краску и, разбавляя ее водой, сделаем выкраски прямоугольничков от светло-голубого до синего и глубоко-синего - это и будет разница в тоне. Две или несколько различных красок могут быть одинакового тона, то есть одинаковой светосилы (способность отражать или поглощать световые лучи). На черно-белой фотографии однотонные различного цвета краски выглядят одинаковыми серыми или черными пятнами.


В первый объемно-пространственный натюрморт берем 2-3 предмета, не более. Начинающий рисовать не в состоянии еще видеть цельно несколько объектов сразу. Постепенно количество предметов в натюрмортах увеличиваем, к концу первого класса они состоят из 3-4 предметов.


Начните с микронатюрморта из овощей или фруктов. Например, однотонное желтое или зеленое яблоко, помидора, слива, лежащие на однотонной светлой цветной бумаге или ткани без складок. Цвет ткани надо подобрать таким образом, чтобы на предметах снизу был хорошо виден. цветной рефлекс от драпировки. Свет верхний, вертикальный, лучше холодноватый, близкий к дневному. Задание выполняется на небольшом листе бумаги, примерно 20x30 см, изображение не должно быть больше натуральной величины предметов.


Следующий этап - в наш микронатюрморт вводим один предмет очень простой из домашнего обихода, это может быть эмалированная или керамическая кружка цилиндрической формы, без рисунка и орнамента, соразмерная овощам или фруктам, не очень большая, с гладкой, отражающей окружение поверхностью, но не слишком блестящей, она должна пробуждать желание искать богатые цветовые и тональные нюансы. К этой кружке поставьте два предмета - овощи или фрукты, все это на фоне драпировок без складок. Фон нейтральный, спокойный по тону и цвету. Предметы надо хорошо закомпоновать в группу.


После предварительной прикидки композиции в листе, если она вас удовлетворяет, прорисовывайте форму предметов. Именно форму, а не внешний контур ее, так как контур складывается из внутренней формы предмета. Отметьте место блика, легкой линией обозначьте овал - границу полутона и тени, но не путем штриховки, она может просвечивать сквозь акварель. Все это надо держать в голове и помнить, каким образом свет охватывает форму.
Перед живописью легко смочите все краски. Для палитры начинающим лучше использовать плотную бумагу, на ней точнее виден цвет, полученный при смешивании.


А теперь самое главное, с чего и как начинать писать. Если вы внимательно изучали краски, то обратили внимание, что прозрачных, лессировочных в акварели не так много (золотисто-желтая, голубая ФЦ, кармин, изумрудно-зеленая), в большинстве своем это полупрозрачные краски и даже кроющие. Если взять пиг мента больше, они оставляют мутные пятна, сильно меняются в цвете при высыхании. Исходя из этих качеств акварели, многократное перекрытие одного слоя краски другим не совсем удачный прием, "забивается" бумага, глохнет цвет. Получается скорее отмывка цветом, где его тончайшие нюансы превращаются в пятна неопределенных оттенков.
В студиях ребят учат писать весь натюрморт сразу. Неопытный ученик покрывает цветными заплатами весь лист и потом не в состоянии собрать все воедино, так как не понимает еще, зачем это надо, не осознает разницу между "смотреть" и "видеть". Поэтому желательно, чтобы уровень задач, поставленных учителем, был доступен первокласснику, не противоречил бы природе его видения, а постепенно развивал ее.


Начните живопись с первого плана, с самого яркого предмета, пусть он будет эталоном яркости. Посмотрите на весь натюрморт: какими кажутся цвета остальных двух предметов по отношению к самому яркому, друг к другу, фону. Внимательно проанализируйте: на верхнюю часть падает свет, отражается холодноватым светлым оттенком, блик белый, а вот в полутоне самый понятный цвет, он близок к локальному цвету предмета, взятого без окружения, теплее, чем цвет в ярко освещенном месте предмета, и плотнее по тону, ведь свет скользит по этой части предмета. Область собственной тени еще плотнее, тоже теплая, многоцветная, и в ней хорошо видны рефлексы от горизонтальной плоскости, которая отражает падающий свет. Рефлексы сродни цвету горизонтальной плоскости плюс цвет предмета в тени, но темнее полутона. Падающая тень очень сложна для живописи. Под самим предметом она темнее, у переднего края четче, по мере удаления контраст ее ослабевает - изменяется тон, цвет же зависит от освещения, цвета ткани, на которой лежат предметы, и от окраски предметов, они также отражают легкий свет на горизонтальную плоскость.
Рассмотрев внимательно натюрморт и разобравшись в световой и цветовой его характеристике, можно начать писать со света на самом ярком и самом близком предмете первого плана, около блика положить в полную тональную силу цвет полутона. Мазки накладывайте по форме предмета, как бы ощупывая кистью его в пространстве.
Свет, полутень и тени - все это пишется цветом, постарайтесь красиво, гармонично увидеть всю натуру и правильно определить цвет и тон. Старайтесь не смешивать более трех красок; если цвет и нужный тон не получился, ищите на палитре другие сочетания красок и пропорции их смешивания.
После прокладки самого яркого предмета первого плана пишите предмет, на фоне которого он находится, проще говоря, пишите окружение этого предмета таким, каким оно кажется. Такой способ ведения работы от центрального,

самого яркого пятна можно назвать работой "от куска".
Этот яркий предмет является цветовым центром вашей композиции, постарайтесь подробнее разобрать его. Предметы второго плана пишутся несколько шире, более крупным мазком по сравнению с первоплановыми. При работе над объемом сравнивайте ближайшие к вам части предмета с его краями.
Почему мы видим уход формы от нас, как при этом меняется цвет и тон, какими средствами это передать? Края предметов часто принимают рефлексы рядом лежащих. Тональный контраст - блик-полутон, и его теплота и яркость дадут ощущение выступающей формы. Ведь то, что теплее, звонче по цвету и контрастнее по тону, кажется ближе, а то, что холоднее, спокойнее по цвету и мягче по тону,- дальше.


Сделаем вывод: чтобы передать пространство, надо по мере удаления предметов в глубину снижать яркость цвета и тоновой контраст относительно первого плана. Добиться иллюзии пространства на плоскости трудно. В натюрморте пространство маленькое, и объяснять его законы при помощи воздушной перспективы не совсем верно. Здесь срабатывают особенности восприятия нашего глаза. Так же воспринимается и горизонтальная плоскость: та часть, которая ближе к нам,- ярче, светлее и, постепенно уходя в глубину, становится темнее, сдержаннее по цвету, мягче по тону.
В процессе работы вы поймете, что цвет подчинен форме. Свет выявляет форму, но лепится она сложным цветом определенной тональной насыщенности.


Итак, мы рассмотрели метод подхода к работе с натуры. Последующие задания - второе и третье - будут подобны описанному выше.


Поскольку в каждом из них приходится решать комплекс задач: освещение, цвет, тон, пространство, форма, первые работы могут получиться вялыми по тону, крашенными по цвету, мозаичными, жесткими по контуру.


На каждое из этих заданий дается по три академических часа, то есть задание выполняется целиком за один сеанс. Вы спросите: "Почему так мало?" Дело в том, что длительную работу тоже надо научиться вести, правильно начинать, продумывать последовательность, уметь видеть и исправлять ошибки. Если на первых порах вы научитесь грамотно, по форме класть мазки, если акварель прозрачна, есть попытка разобрать цветовые и тональные отношения, передать пространство - это уже хорошо, пусть ваша работа выглядит как короткий этюд. Не стремитесь сделать ее законченной картинкой, загладить и замазать шероховатости, на этом этапе работу лучше не доделать, чем переделать.

"Юный художник" №8 , 1989г.

Приемы китайской живописи



Художник изображает природу, чтобы уловить в ней что-то "существенное".

Работая над картиной, художник использует характерные (им самим открытые) признаки объектов природы, чтобы создать новый объект. И эта перекличка реальности и изображения дает чувство причастности к ритму дыхания природы, к ее животворящей силе. Древняя китайская натурфилософия предлагает понимание мира как смену энергий-"стихий", которых всего пять. (Эта "космобиоритмология" и ее определяющее влияние на человека, его судьбу, здоровье и образ жизни, очень подробно и понятно описана в книге М.М. Богачихина "Ветры-воды. Фэн-шуй практический".) Мы же , с помощью основных схем, рассмотрим основные приемы традиционной китайской живописи, их соответствие "стихиям", возможности для творчества и понимания природы.

1. Почва - первичная "центральная" стихия. Качества почвы - "бесформенность", фактурность, видимое бездействие - проявляются в самом простом приеме - отпечатывании кисточки. Прием этот очень разнообразен: можно аккуратно приложить кисточку к бумаге, можно, держа ее вертикально, слегка ударять по бумаге, получая "следы" разных форм и размеров (рис.3). Так можно изображать поверхность камня, кору старого дерева, "метелки" травы и даже мелкие или не совсем раскрывшиеся цветы. Действительно, например, кора старого дерева не имеет качеств молодых веток (рост) или листьев (временность, "бесплотность" кроны), а приобретает фактурность благодаря старению и растрескиванию.

Качество"дерева" как стихии - поэтапный рост. Кисточку надо приложить к бумаге (в точке А) и разом плавно передвинуть ее в точку Б и только потом оторвать ее от бумаги или, не отрывая, сделать еще один "рывок" и продолжить изображение ветки или стебля. В зависимости от наклона кисточки и силы нажима ветка получится той или иной толщины и формы. Кроме веток, стеблей травы и цветов, стволов бамбука этим приемом можно изображать контуры домов и любых ровных предметов искусственного происхождения (мебель, посуда и т.п.)

Металл - твердый, острый и "вечный". Его прием - "взлетающая" кисточка. Приложив кисточку к бумаге в точке А, совершите "взлет" - так, как будто точка Б находится в воздухе над листом бумаги или, может быть, за его пределами. "Металлом" изображаются молодая трава, иглы и шипы, иногда листья и лепестки цветов. Представьте себе силу травы, прорезающую землю; к тому же трава живет гораздо дольше, чем листва деревьев, сохраняя зелень даже под снегом.

Огонь - бесплотный, трепещущий и "временный", т.е. постоянно возобновляющийся. Кисточка оставляет след "огня", пролетая над бумагой и как бы случайно задевая ее, т.е. точки А и Б находятся над бумагой. Огонь - это листья, лепестки, бутоны. Выполняя приемы "дерево", "металл" и "огонь", можно не только менять силу нажима, наклон кисти и протяженность движения - можно это движение изгибать в любую сторону. Можно также совершать движения, не имеющие четкой "стихийности", например, лепестки хризантемы изображаются приемом "дерево", но кисточка, двигаясь из т.А в т.Б, может менять силу нажима, как бы приобретая свойства "огня" (дерево порождает огонь).

Вода - особый прием. Время воды - ночь (дерево, огонь и металл - соответственно утро, день, вечер). Выполняя этот прием, кисточку нужно вращать пальцами, как бы раскручивая волчок. Волоски кисточки при этом перекатываются по бумаге ("окатить водой"), оставляя текучий незапрограммированный след. Этим приемом можно изобразить лепестки некоторых цветов, например, ириса, поверхность гладких, отполированных водой камней, пар, поднимающийся от чашки с чем-нибудь горячим, отображения в воде, волны.

Необходимо понять, что приемом "вода" изображается не вода, или не только вода; приемом "дерево" - не только дерево и т.д. Приемом "воды" изображают лепесток ириса, камень - не угловатый обломок, а сырой, гладкий, обкатанный; водяной пар - меняющийся и исчезающий,- то есть то, что обладает качеством воды как стихии - текучестью и изменчивостью форм. Рассмотрим изображение цветка ириса в качестве иллюстрации к действию стихий. Рост "дерева" стебля перешел в "огонь" бутона. "Вода" преодолела "огонь" - лепестки раскрыли бутон. Травянистые стебли ириса по мере роста сгибаются - кисточка ослабляет нажим, а затем усиливает - "металл" преодолевается "огнем". То есть природный объект конструируется из составляющих его энергий-качеств, вырастая на бумаге как нечто, имеющее не только внешние пространственные, но и временные характеристики, соответствующие этапам его жизни. Это сочетание внешнего вида и внутренней жизни есть результат поэтапности работы и энергичности движений руки с кисточкой (перекатывание "воды" естественно медленнее следа "огня"). Изображая какую-либо часть цветка, пейзажа, насекомого, птицы и т.д., вы чувствуете своеобразие, дыхание, энергию его жизни, потому что этому соответствует специфика, энергия того или иного выполняемого вами приема.

Художник вправе выбирать основу, на которой будет работать, что напрямую определяет сохранность будущего произведения. Случайная бумага для рисунка или живописи может послужить поводом для отказа в приобретении работы галереей или музеем. Они предъявляют строгие требования к сохранности бумаги и ее цвета, к влиянию компонентов, входящих в бумажную массу, на изобразительные материалы.

Фирмы, традиционно производящие материалы для художников, стараются максимально удовлетворить эти требования. Они обязательно подчеркивают, что для отлива бумаги используется хлопковое волокно, а если добавляется сульфитная целлюлоза, то указывают ее точное количество в процентах. Самые дорогие и уникальные бумаги отливают ручным способом, а основной ассортимент - на тихоходных бумагоделательных машинах, которые позволяют выпустить продукт, не уступающий сортам ручного отлива по многим параметрам, тем более в мастерских, специализирующихся длительное время на производстве высококачественных товаров для художников. Каталоги торговых фирм художественных материалов и прилавки отечественных магазинов представляют богатый выбор бумаги. Чему отдать предпочтение?

В торговых каталогах чаще всего распределяют бумагу по нескольким условным категориям: акварельная, печатная, цветная пастельная, а также восточная, отлитая из местного экзотического сырья мастерами из Китая, Японии и Юго-Восточной Азии. Чем они отличаются?

АКВАРЕЛЬНАЯ БУМАГА - характеризуется минимальной впитываемостью, прочностью при работе во влажном состоянии, что достигается желатиновой проклейкой и незначительным короблением листа. Достаточная толщина листа позволяет писать акварелью без наклейки его на планшет. Вес квадратного метра акварельной бумаги составляет от 170 до 850 г. Толстые листы часто делают двухслойными, лицевую, рабочую сторону - из высококачественного хлопкового сырья, несущую основу - из менее дорогой древесной целлюлозы. В России бумагу плотностью свыше 250 г принято называть картоном. При работе на пленэре вместо отдельных листов акварельной бумаги более удобны готовые твердые папки-альбомы, в которых 10-15 листов проклеены по периметру во временный блок и легко отделяются по окончанию живописи. Некоторые сорта бумаги выпускаются с двумя или тремя вариантами поверхности:
естественное грубое зерно, оставшееся от сукна при формировании листа, легкий рельеф зерна, сглаженного холодным прессованием, или с ровной поверхностью при гладком горячем прессовании. Свойства бумаги после прессования остаются прежними, и художник, привыкший работать на определенной марке бумаги, может выбирать необходимый вариант шероховатости в зависимости от детализации изображения или конкретных творческих замыслов. Зернистость бумаги изменяет распределение красочного пигмента по поверхности и по-своему обогащает визуальные впечатления от живописи.

Такая бумага часто рекомендуется не только для акварели, но и для гуаши, различных типов темперы (акрила, ПВА и т.д.), т.е. для красок на водной основе, а также для рисунка. Проклеенная поверхность не ворсится от исправлений изображения резинкой.

Множество названий акварельной бумаги у разных производителей подтверждают мысль о том, что универсальной акварельной бумаги не существует, тем более что есть и различные акварельные техники, и акварельные краски отличаются по составу у разных фирм. Самый правильный путь - приобрести несколько листов разных акварельных бумаг, провести тестовые пробы своими красками и найти для себя наиболее оптимальную поверхность. Тем более что бумажные и торговые фирмы предлагают различные наборы бумаг небольшого формата для предварительного ознакомления.

ПЕЧАТНАЯ БУМАГА определяется мягкостью поверхности, которая должна легко деформироваться и плотно прижиматься к форме, хорошо впитывать печатную краску и не коробиться при увлажнении водой для печати офорта или литографии. Отсутствие сильно выраженной зернистости позволяет при минимальном давлении получить максимальный контакт листа с печатной формой. При рыхлой структуре печатная бумага должна сохранять прочность во влажном состоянии.

Некоторые производители создают бумагу для конкретной печатной техники и отражают это в названии. Например, German Etching - «немецкая офортная» для глубокой печати, но торговый каталог рекомендует ее и для литографии. Прочтем другую аннотацию бумаги из Германии Frankfurt White and Cream и узнаем, что она пригодна для печати прекрасных книг, небольших офортов и гравюры на дереве, а также для рисования. Широкое применение не означает ее универсальности. Пористая и шероховатая поверхность такой бумаги легко принимает печатную и офортную краски, хорошо удерживает частички мягких рисовальных материалов (уголь, сангина, пастель), но работать на ней твердыми карандашами и применять твердую резинку нельзя. Зерно легко деформируется острием карандаша, и штрихи образуют вдавленные линии. Но такая пластичность может использоваться для рельефного бескрасочного тиснения.

Бумаги для печати шелкографии или офсетной литографии имеют плотную, гладкую поверхность и также позволяют рисовать любыми карандашами или пером. Кроме белого естественного цвета целлюлозы печатные бумаги могут иметь палевые, кремовые и другие светлые оттенки. Вес листа от 120 до 360 г/м2 и более.

Для имитации черно-белой гравюры или для работы над эскизом к ней изготавливают специальные бумаги, покрытые двухслойным грунтом. Верхний черный слой легко проскабливается различными скребками до получения белых штрихов.

ПАСТЕЛЬНЫЕ БУМАГИ - это цветная разновидность рисовальных бумаг. Необходимость их окрашивания вызвана тем, что пастельные карандаши содержат мел, который часто менее белый, чем поверхность основы. На белом листе такая пастель теряет свою прелесть, и только на тонированных бумагах выявляется вся гамма нежных «пастельных» переходов. Разнообразие цветной бумаги позволяет подобрать для конкретной работы подходящий оттенок, который будет близок колориту будущего произведения. Например, французская фирма Canson Montgoltier выпускает пастельную бумагу Canson Mi Teintes более 35 цветов, а итальянская Fabriano некоторым оттенкам даже присвоила имена своих знаменитых земляков: зеленоватый - «Веронезе», светло-охристый - «Рафаэль», белый - «Микеланджело» и др.

Красивая фактура поверхности и благородные оттенки этой категории бумаг часто используются не только художниками, но и полиграфистами для изготовления подарочных печатных изданий. При этом неровно отлитые края не обрезаются, что придает особый шарм, а водяной знак на итальянской бумаге - изображение «капитолийской волчицы» - без всяких слов обогащает впечатление от такой книги. Водяные знаки, образовавшиеся от переплетения проволоки формовочной сетки, в некоторых случаях придают бумаге дополнительную полосатую шероховатость, которая проявляется при рисовании мягкими материалами: углем, сангиной, пастелью. Такой тип бумаг называют «верже», в отличие от веленевых бумаг, которые не имеют при просматривании на просвет сетчатой структуры, и шероховатость остается только от прессования сукном.

Для повышения абразивных свойств пастельной бумаги на некоторые сорта дополнительно напыляют легкий порошок пемзы. Изображения пастелью, другими мягкими рисовальными материалами легко смазываются и требуют обязательного закрепления на поверхности бумаги. Для этого применяют лак-фиксатив на водной или спиртовой основе. Во времена расцвета пастельной живописи как основу использовали замшу, хорошо удерживающую пастель без фиксатива. В настоящее время выпускают цветную бумагу со специальным покрытием, имитирующим натуральную замшу или бархат.

ВОСТОЧНЫЕ БУМАГИ - экзотика и разнообразие исходного сырья: папирус, банан, джут, луб некоторых деревьев, пальмовые листья и различные травы. Одни фирмы имеют древнюю традицию, другие только недавно начали осваивать рынок. От тонких и нежных на ощупь до грубых, от белых до очень темных и пестрых. Комбинированные бумаги содержат вкрапления длинных волокон, частей растений и листьев, а то и целых бабочек. Бумаги ремесленного производства используются в основном для изготовления раз личных местных сувениров.

В поисках новых композиционных решений современные художники стали включать такие своеобразные материалы в свой арсенал изобразительных средств.
В.В Аверьянов, зав. лабораторией графических материалов и технологий МГАХИ им. В.И. Сурикова
Справочник художника, графика, дизайнера по АРТИНДУСТРИИ 2005г.