«Музыка - способ беседы с человеческой душой»

12 декабря 2017 года в одном из лучших залов мира  Музикферайн в Вене пела несравненная
Чечилия Бартоли 

Венский Музикферайн был открыт императором Францем Иосифом 6 января 1870 года и до сих пор считается одним из лучших концертных залов в мире. 

Помимо благородной красоты, в чистом виде воплощающей венский архитектурный стиль второй половины XIX столетия, Музикферайн славится своей уникальной акустикой. Здесь в Золотом зале выступают только самые выдающиеся музыканты.

Такой является и Чечилия Бартоли.

Ее голос сравнивают со скрипкой Страдивари. Чечилия Бартоли – настоящий самородок, петь и выступать начала с детства. Чечилия Бартоли родилась в Риме 4 июня 1966 года в семье музыкантов, и первые уроки пения получила у своей матери, Сильваны Баццони, которая осталась ее единственным учителем. Она никогда не строила карьерных планов, а лишь следовала страстному желанию исполнять музыку.

Чечилия Бартоли обладает феноменальной техникой. Чтобы убедиться в этом, достаточно прослушать арию из оперы Вивальди «Гризельда», запечатленную на компакт-диске Live in Italy, записанном во время концерта певицы в театре Олимпико в Виченце. Эта ария требует совершенно немыслимой, почти фантастической виртуозности, и Бартоли, может быть, единственная певица в мире, способная исполнить такое количество нот без передышки.

Вот как описывает ее одна из многочисленных статей в New York Times: «Это очень живая личность; много думающая о своей работе, но никогда не бывающая напыщенной. Она любопытна и всегда готова рассмеяться. В двадцатом веке она кажется дома, но не нужно большого воображения, чтобы представить ее в блестящем Париже 1860-х годов: женственная фигура, кремовые плечи, волна падающих темных волос заставляют вспомнить о мерцании свечей и очаровании соблазнительниц минувших времен». Много лет встречалась со швейцарским оперным певцом Чечилия Бартоли. Личная жизнь певицы претерпела изменения в 2011 году. Она и её бойфренд официально поженились. Супруг Чечилии – бас-баритон Оливер Видмер. Он лауреат конкурсов в Штутгарте, Мюнхене и Люцерне. 

Долгое время Чечилия жила со своей семьей в Риме, но несколько лет назад официально «прописалась» в Монте-Карло (подобно многим vip, остановившим свой выбор на столице княжества Монако по причине слишком сильного налогового давления на родине). Вместе с ней проживает собака по кличке Фигаро. Когда Чечилию спрашивают о ее карьере, она отвечает: «Моменты красоты и счастья — вот то, что я хочу дать людям. Всевышний даровал мне возможность делать это благодаря моему инструменту. Направляясь в театр, я хочу, чтобы мы оставили привычный мир позади и устремились в мир новый».

Чечилия Бартоли(Cecilia Bartoli) выделяется из всех известных оперных исполнителей. Она обладает поистине уникальным голосом, колоратурным меццо-сопрано. Оперная дива поражает всех своим необыкновенно чистым голосом. Он настолько пластичен и гибок, что дает возможность исполнить сложнейшие произведения в полной мере, передав все настроения и интонации пьесы.

На концерте в Музикферайн Чечилия пела в сопровождении виолончелистки Соль Габетта, которая входит  в десятку самых популярных музыкантов Германии и, наверное, всей Европы. Причина популярности Габеты  - не только внешность очаровательной кареглазой и золотоволосой аргентинки с русскими корнями, но, прежде всего, талант, усердие и удача: Соль Габетта играет до 170 концертов в год, преподает и дает мастер-классы, выступает с лекциями для детей и взрослых и охотно принимает приглашения на ток-шоу. И при всем этом у Габетты остается время для музыкальных изысканий и экспериментов с ее ансамблем Cappella Gabetta.

Соль Габетта – выдающаяся виолончелистка аргентинского происхождения. Ее необычайные музыкальные способности проявились еще в глубоком детстве. В три года она научилась играть на скрипке, а в четыре – на виолончели. 

Соль Габетта – лауреат конкурса имени Чайковского, который проходит в Москве. Виолончелистка выступает с ведущими оркестрами и дирижерами мира. Благодаря швейцарской стипендии Rahn Kulturfonds Соль Габетта играет на уникальном инструменте, сделанном самим Джованни Батистой в 1759 году.

Вот  такой концерт мне удалось послушать в прекрасном Золотом зале Музикферайн в Вене 12 декабря 2017 года

В ДК им. Ленсовета сегодня звучал ОРКЕСТР ШЕНБРУНСКОГО ЗАМКА под управлением маэстро Гвидо Манкузи. "ВЕЧЕР ВЕНСКОГО ВАЛЬСА", так назывался этот концерт, который мы посетили. С оркестром выступили артисты венской оперетты Себастьян Хаппман (баритон) и Патрисия Несс (сопрано),

Венский вальс – это самый старый и самый элегантный из стандартных танцев. Годом создания венского вальса считается 1775 год.
А знаете ли Вы историю создания вальса?

Музыка, по ритму и характеру совпадающая с современными мелодиями венского вальса, появилась в 1770 году. Танцы, «похожие на вальс», впервые исполнялись в Париже в 1775 году.
«Waltzen», как и вольта, не соответствовал нормам морали того времени, в 1779 году появился памфлет некоего «Волка» (Wolf) под названием: “Доказательства того, что вальсирование – основной источник слабости тела и вырождения нашего поколения”.

Танец вальс австрийского происхождения, хотя он был известен как народный еще в XVI в. Бальная публика заинтересовалась вальсом после того, как в 1787 г. в поставленной в Вене опере "Редкая вещь, или Красота и добродетель" композитора В. Мартин-и-Солера его станцевало несколько пар. "Испанский Моцарт", как в Вене называли  Висенте Мартин-и-Солера, был замечательным композитором, мастером своего времени, собственно Моцарт "цитировал" его Редкую вещь в своём "Доне Жуане" и не просто так, тут действительно есть что цитировать, это блестящая опера, знаковая для своего времени и очень популярная в Европе того времени. Мартина-и-Солера пригласили в Петербург, где он прожил до самой смерти.

Первоначально вальс танцевали довольно медленно; постепенно ритм его ускорился. То, что во время танца кавалер брал даму за талию, было очень необычным на взгляд человека XVIII в. - ведь в большинстве танцев той эпохи партнеры соприкасались лишь кончиками пальцев. Из-за этого поначалу многие сочли вальс "безнравственным" танцем.

Когда вальс появился в России, ни Екатерина II, ни Павел I, ни особенно его жена Мария Федоровна его не одобрили. Взойдя на престол, Павел специальным указом запретил танцевать вальс в России, и вплоть до самой смерти его жены (а умерла Мария Федоровна только в 1830 г.) дорога вальсу к русскому двору была закрыта. Оба сына Марии Федоровны - и Александр I, и Николай I - не осмеливались перечить матери.
   Зато на частных балах после Отечественной войны 1812 г. вальс стал одним из любимейших танцев. В особую моду его ввел Венский конгресс {1814-1815), на котором решалась судьба Европы, Днем дипломаты решали важные проблемы послевоенного устройства, а вечерами вели активную светскую жизнь и танцевали на балах, где вальс был коронным танцем. Много людей съехалось тогда в Вену: короли и императоры, целые европейские дворы, журналисты и писатели, великосветские красавицы, и все с упоением вальсировали. Естественно, что участвовавшие в Конгрессе русские привезли вальс в Петербург.

Молодежь, была от вальса без ума, и к этому времени без него не обходился уже ни один провинциальный, а тем более столичный бал.

Однообразный и безумный,
Как вихорь жизни молодой,
Кружится вальса вихорь шумный,
Чета мелькает за четой.

                             (А.С. Пушкин. "Евгений Онегин")

После 1830 г, вальсировать стали и на придворных балах, а вскоре мода на этот танец обрела второе дыхание. В Вене появился "король вальса" Иоганн Штраус, музыка которого облагородила и усовершенствовала хореографию танца. Он стал исполняться более красиво и грациозно, а темп его еще ускорился.
   К середине XIX в. европейские путешественники признавали, что русские - настоящие мастера вальса и танцуют его с такой быстротой, ловкостью, почти воздушностью, каких не выдержат ни англичанин, ни немец, ни француз.

"Король вальса" Иоганн Штраус неоднократно посещал с гастролями Россию в 40-50-х годах XIX в. и давал концерты в Павловске и Петербурге.

Вот как много я ждал от встречи с Венским вальсом.

Я ожидал встречи с большим Венским филармоническим оркестром, который летом играет прямо у стен замка в Шёнбрунне.

Но звучал сегодня почти камерный оркестр Шёнбруннского замка. Играли неплохо, Примерно также, как во время итальянских гастролей.

И под конец В исполнении этого оркестра прозвучал Голубой Дунай

Должен заметить, что про этот оркестр и дирижера в Интернете написано мало, зато разнообразие информации о королях вальсов.

В 19 веке существовала целая династия венских композиторов. и дирижеров, авторов оперетт и множества вальсов, полек, маршей, галопов, кадрилей. Ну, конечно это династия Штраусов. Самый известный среди них Иоганн (сын), так.как отца тоже звали Иоганном.

Иоганн(отец), прежде чем стать скрипачом, перепробовал несколько профессий, и в конце концов именно на музыкальном поприще добился больших успехов. Женившись, Штраус-отец организовал собственный оркестр, игравший танцевальную музыку для увеселения богатых жителей Вены, при необходимости сам сочинял, стал знаменит и получил титул "короля вальса". Штраус-отец много гастролировал со своим ансамблем - выступая в Берлине, Париже, Брюсселе, Лондоне. Своими вальсами он оказывал магическое действие на публику - даже такие маэстро, как Лист и Берлиоз выражали ему свое восхищение.

Тем временем жизнелюбивый Штраус-отец стал жить на две семьи, и к семи детям от первого брака у него прибавилось еще семь.

Но известность получили только трое Иоганн-сын, Йозеф и Эдуард.

Отец был для Иоганна-сына кумиром, и все-таки юноша лелеял мечту когда-нибудь подняться еще выше. В девятнадцать лет Иоганн Штраус-сын собрал небольшой ансамбль и получил в венском магистрате официальное право зарабатывать на жизнь дирижированием. Его дебют состоялся 15 октября 1844 года в качестве капельмейстера и композитора в знаменитом казино в предместье Вены. Публичное выступление молодого Штрауса с собственным оркестром стало для венской публики настоящей сенсацией. Само собой разумеется, что все увидели в честолюбивом сыне конкурента отцу. На следующее утро газеты написали: "Добрый вечер, Штраус-отец. Доброе утро, Штраус-сын". Отцу же в ту пору было всего лишь сорок лет. Поступок сына привел его в ярость, и вскоре для сына, еще упивающегося своим триумфом, начались жестокие будни - борьба за выживание. Отец по-прежнему играл на светских балах и при дворе, на долю же сына во всей Вене оставалось лишь два небольших заведения - казино и кафе. К тому же, отец затеял бракоразводный процесс со своей первой женой - история эта на все лады смаковалась прессой, и обиженный сын не удержался от публичных нападок на отца. У этой истории был печальный конец - отец, пользуясь своими связями, выиграл судебный процесс, лишив первую свою семью прав на наследство и оставив ее без средств к существованию. Оркестр Штрауса-сына влачил довольно жалкое существование. Однако осенью 1849 года отец неожиданно умирает, и для сына все разом переменилось. Знаменитый оркестр Штрауса-отца без лишних разговоров избрал Штрауса-сына своим дирижером, и почти все увеселительные заведения столицы возобновили с ним свои контракты. Проявляя недюжинные дипломатические способности, зная, как польстить сильным мира сего, Штраус-сын вскоре стремительно пошел в гору. В 1852 года он уже играл при дворе молодого императора. Летом 1854 года к И.Штраусу явились с деловым предложением представители русской железнодорожной компании, владевшей пригородной линией, связывавшей С.-Петербург с Царским селом и Павловском. Маэстро получил приглашение выступать вместе со своим оркестром в роскошном Павловском вокзале и в парке, где располагались дворцы царя и великого князя Константина. Деньги предлагались немалые, и Штраус немедленно согласился. 18 мая 1856 года начался его первый сезон под русским небом. Публика сразу же была покорена его вальсами и польками. На его концертах бывали члены императорской семьи. В Вене же Штрауса не без успеха заменял его брат - Йозеф, тоже талантливый дирижер и композитор. В России Штраус пережил немало романов, однако супружеское счастье нашел в Вене, женившись в августе 1862 года на Етти Трефц, уже имевшей до него трех дочерей и четырех сыновей.

Младший брат Иоганна, Йозеф первоначально не рассчитывал стать музыкантом: он учился в Венском политехническом институте, получил специальности инженера-строителя и архитектора, сделал ряд изобретений. Среди этих изобретений известна машина для уборки улиц. Весной 1853 брат Иоганн, чувствуя переутомление, попросил Йозефа присмотреть на некоторое время за оркестром. Тот согласился неохотно, но в итоге посвятил музыке всю оставшуюся жизнь. Йозеф написал 250 музыкальных произведений. Я представлю вам польку-мазурку Йозефа Штрауса, которая называется Мельничка.

Младший из братьев, Эдуард, родился 14 февраля 1835 и дирижировал Капеллой Штрауса в течение трех десятилетий, вплоть до ее роспуска в 1901. У Эдуарда не было сколько-нибудь заметного творческого дарования, однако он сочинил около двух сотен танцевальных пьес. В 1906 он опубликовал воспоминания – весьма субъективную, мстительную и недостоверную хронику семейства Штраусов. Вальсы ему мало удавались: он жил в другом ритме, имел другой темперамент нежели Иоганн и Йозеф.

У Эдуарда было три сына, но они не обладали никакими талантами и вели разгульный образ жизни, оставив отца почти без средств к существованию. И Эдуард лишил их наследства. Но самое низкое, что он совершил перед всем человечеством - он уничтожил нотный архив семьи Штраусов. Дело было так.

Пережив обоих своих братьев, окончательно порвав с семьёй и прекратив свою концертную деятельность, Эдуард вспомнил о договоре, заключённом в далёкое время, когда ещё все три брата здравствовали и обсуждали своё будущее. Согласно этому договору, если в семье Штраус не оставалось достойного наследника для продолжения дела, то последний, остававшийся в живых должен был уничтожить весь нотный материал, по которому играла штраусовская капелла. Этим последним стал Эдуард и посчитал, что именно ему выпала эта тяжёлая обязанность. Он был человеком строгим и аккуратным, очень решительным и не знающим сентиментальных слабостей, так что вся операция по уничтожению нотного архива капеллы была им хорошо продумана и организована. Для этого были выбраны две венские фабрики по обжигу керамических изделий, - фирмы Карла Рауса и Бернхарда Эрндта. Ими была определена и цена: две кроны за сжигание каждых 100 кг макулатуры. И вот в осенние дни 1907 года в печах этих обеих фабрик, находящихся в сердце Вены, было уничтожено 2 547 пакетов подлинников нотных партитур и оркестровых голосов капеллы семьи Штраус. Этот архив, собиравшийся в течение 80 лет ещё со времён отца Иоганна, включал в себя произведения 270 композиторов, среди них находились и уникальные аранжировки, начиная с народной музыки и кончая симфоническими сочинениями. И всё это богатство, находившееся в употреблении вплоть до 1901 года,- до момента, когда Эдуард окончательно прекратил свои выступления,- было уничтожено за несколько часов в печах под личным наблюдением последнего оставшегося в живых свидетеля былых триумфов семьи. Всё это время Эдуард сидел в отдалении от печи на складном стуле и наблюдал, как музыкальные сокровища целой эпохи превращались у него на глазах в пепел и пыль. Как говорят музыковеды, это было самым большим самосожжением музыки, известным за всё время её существования.

А дотошные музыковеды, до сих пор разгадывающие удивительный феномен трёх братьев и их отца, путешествуют по всему свету и собирают по крупицам копии того, что некогда по их мнению могло входить в те 700 000-1 000 000 листов нотной бумаги, сожжёных сто с лишним лет назад в городе на голубом Дунае.

В России всегда любили вальс.

Это из кинофильма "Адмирал"

Закончим мы наше повествование замечательным стихотворением Евгения Евтушенко, которое
навсегда связано с именем великой Клавдией Ивановной Шульженко.
 

"Вальс о вальсе"

Вальс устарел, говорит кое-кто смеясь,
Век усмотрел в нем отсталость и старость,
Робок, несмел наплывает мой первый вальс,
Почему не могу я забыть этот вальс?
Твист и чарльстон, вы заполнили шар земной,
Вальс оттеснен, без вины виноватый,
Но затаен он всегда и везде со мной,
И несет он меня, и качает меня, как туманной волной.

Смеется вальс над всеми модами века,
И с нами вновь танцует старая Вена,
И Штраус где-то тут сидит, наверно,
И кружкой в такт стучит,
На нас не ворчит, не ворчит.

Вальс воевал, он в шинели шел запылен,
Вальс напевал про Маньчжурские сопки,
Вальс навевал нам на фронте "Осенний сон",
И как друг фронтовой не забудется он.
Вальс у костра где-то снова в тайге сейчас,
И Ангара подпевает, волнуясь,
И до утра с нами сосны танцуют вальс,
Пусть проходят года, все равно никогда
Не состарится вальс.

Поет гармонь, поет в ночном полумраке,
Он с нами, вальс, в ковбойке, а не во фраке,
Давай за вальс поднимем наши фляги,
И мы ему нальем, нальем,
И споем, и споем.

Робок, несмел наплывает мой первый вальс,
Никогда не смогу, никогда не смогу
Я забыть этот вальс.

Вы узнали Клавдию Ивановну Шульженко?

Уникальная исполнительница!
За три с небольшим минуты - сыграть спектакль длиною в жизнь... Не просто певица, великая актриса!
Вечная слава и любовь зрителей!

А закончить я хочу самым моим любимым Домбайским вальсом в исполнении Юрия Визбора

Прогулки по Вене - 9

Я полюбил Вену с первого взгляда. Ее называют по-разному: Уютная, импозантная, музыкальная... И, конечно же, имперская. В последнем определении нет ничего негативного. Столичный лоск, респектабельность, достоинство, которое Вена не потеряла, превратившись из главного города могучей империи в столицу небольшого государства. Вена имперская - это прежде всего Ринг, не кольцом, а скорей подковой окруживший старый центр. На Рингштрассе можно увидеть не только многие из известнейших достопримечательностей Вены – например, Хофбург, Музей истории искусств и Естественно-исторический музей, Государственную оперу и Парламент. «Витрину» бывшей Дунайской монархии также обрамляют роскошные дворцы, обширные парки и важные памятники. С этой улицы и надо начать знакомство с Веной.

 В 1857 г. как раз на Рождество Христово император Франц Иосиф озадачил своих подданных неожиданным сюрпризом. Он объявил о снесении всех крепостных стен вокруг старой Вены и создании современного широкого проспекта. Елисейские поля в Париже не давали покоя европейским правителям. Что ж, не только плохой пример заразителен. Император решил соединить центр с окрестностями назло непокорным аристократам, которые категорически не хотели выбираться за крепостные стены в плебейские предместья, по территории во много раз превысившие размер старого города. Так на свет появился Ринг. 

Знакомство с бульваром мы начнем с площади Юлиуса Рааба. Добраться до нее можно  проехав на метро до Шведенплатс, выйти на набережную канала, поесть вкусное итальянское мороженое, которое любят все венцы, и пойти , выйдя из мороженицы вдоль канала направо. 

 Первым зданием на Ринге (хотя у кольца не должно быть начала) считают элегантную Уранию с характерным для обсерватории куполом.

На самом берегу канала и в устье речки Вена стоит похожее на большой корабль здание "Urania". Его для нужд народного образования построил в 1909 - 1910г.г. архитектор Макс Фабиани / Max Fabiani. Сейчас здесь Планетарий. Далее пойдем направо. С левой стороны мы увидим здание военного министерства, перед ним памятник герою в битвах с Наполеоном - графу Радецкому.

Меломаны вспомнят музыку «Марша Радецкого», написанную Иоганном Штрауссом старшим. Пожалуй, это и все, что русские читатели знают о Радецком. Как ни странно, до недавнего времени (конца 80-х годов прошлого века) большинство чехов знало о своем соотечественнике немногим больше. А ведь это - храбрый кавалерист, фельдмаршал австрийской (1836) и русской (1849) армий и величайший полководец за всю историю Австрии. Участвовал в турецкой войне 1790 г., и в Австрийских Нидерландах с 1792 по 1795. В 1795-м участвовал в Рейнской кампани, а в следующем году - вместе с Больё сражался против Наполеона в Италии. Радецкий проявлял недюжинную отвагу в боях. В Лейпцигской «битве народов» под ним убило 2-х лошадей. Радецкий был награжден русским орденом св. Георгия 3-й степени «в воздаяние отличнаго мужества и храбрости, оказанных в сражении против французских войск 6 и 7 октября под Лейпцигом». На Венском конгрессе 1814 года он служил посредником между Меттернихом и императором Александром I. С 1831 года он командовал австрийской армией в Италии, где приобрел широкую известность, с одной стороны, как образцовый организатор армии и стратег, с другой - как жестокий и холодный реакционер.  В 1836 году Радецкий был произведен в фельдмаршалы. Николай I произвел Радецкого в генерал-фельдмаршалы русской армии и назначил его шефом Белорусского гусарского полка (получившего название «Генерал-фельдмаршала графа Радецкого гусарский полк»), а также присвоил Радецкому 1-ю степень ордена св. Георгия &laquo...за взятие Милана 6 августа 1848 года&raquo. Кстати, за всю жизнь Радецкий получил 42 ордена и медали, среди них орден Св. Андрея Первозваного 1-й степени, а в 1846-м году - алмазный крест ордена Андрея Первозваного. Австрийский император пожаловал ему высшую награду империи - орден Золотого Руна.

Памятник Радецкому

А напротив здания Министерства знаменитый архитектор Отто Вагнер построил здание Почтовой сберкассы, При  строительстве здания Почтовой сберкассы Отто Вагнер использовал инновационные материалы – железобетон и алюминий. Здесь ему удалось добиться особенно тесного сочетания функциональности и эстетики: мраморная облицовка закреплялась нагелями, что создавало впечатление декоративного орнамента. Интересна Почтовая сберкасса и с точки зрения внутренней отделки, для которой Вагнер спроектировал, например, деревянные стулья с алюминиевой обивкой. Здание являлось цельным произведением искусства, что типично для стиля модерн. Исторически стиль модерн располагается между эпохой бидермайер, которая с 1820 года в Вене привнесла ряд заметных новшеств, в частности, скромную элегантность в мебельный дизайн (была знаменита, например, фирма Thonet, выпускавшая мебель из гнутой древесины) – и модернизмом с его строгим функциональным языком форм.

Далее с левой стороны мы увидим Музей прикладного искусства и один их крупнейших выставочных залов – МАК. Музей прикладного искусства, второй в мире после лондонского, представляет в своих стенах все стили и направления от готики до венского сецессиона, до дизайна XXI века. Для поклонников декоративного искусства это обязательная доминанта в достопримечательностях Вены. В МАК выставляют работы лучших художников XX и XXI столетий, например Родченко.

Музей прикладного искусства (МАК)

 Здесь интересную информацию я подчерпнул о Михаэле Тонете, авторе знаменитой гнутой венской мебели. У нас дома до сих пор функционирует венский стул.

За МАК протянулся первый (но не последний) городской парк на Ринге. Когда создавали новый проспект, сразу же решили, что цепочку правительственных, культурных и прочих совершенно необходимых новой улице зданий необходимо разбить зелёными островками. Большому городу нужны лёгкие! Сейчас лёгкими Вены называют Венский лес, но и город с тех пор сильно вырос.

Венский городской парк (Stadtpark) – это одно из самых посещаемых и красивых мест австрийской столицы. В 1860 году после сноса городских сооружений и стен на бывшем гласисе перед Каролинешштадттор возник прекрасный Штадтпарк (Stadtpark). Он был высажен городским садовником Р. Зибеком по проекту специалиста садово-парковой архитектуры Й. Зеллени в старинном английском стиле. Через парк проходи река Вена, давшая название городу.

Это река Вена, давшая название городу.

Парадоксально, но факт. Вообще, не смотря на то, что Вена стоит на Дунае, самого присутствия реки в городе вообще не ощущается. Ни Дуная, ни Дунайского канала. Можно часами бродить по городу и натолкнуться только вот на этот ручеек с громким названием - река Вена.

В Штадтпарке (Stadtpark) большое количество скульптур: это памятник И. Штрауссу-сыну, Ф. Шуберту, Врукнеру, Шуберту,Ф. Леару и Р. Штольцу.

Это здание куссалона

Курсалон был построен в стиле итальянского ренессанса, Иоганном Гарбеном, по заказу Венских городских властей.

Он сразу же привлёк всеобщее внимание тем, что своим удачным расположением в Венском городском парке, выгодно отличался от других исторических зданий. Однако, не смотря на свое величие, он привлекал не многих, так как был предназначен сугубо для водолечения.

Концерты и другие развлечения были строго запрещены. Запрет просуществовал не долго и вот уже через год, после открытия «водолечебницы», 15 октября 1868, в Курсалоне состоялся первый концерт Иоганна Штрауса. После этого грандиозного события музыкальные мероприятия в Курсалоне стали неотъемлемой частью Венской музыкальной жизни.

Странный памятник стоит около курссалона На нем написано Канон.

Памятник портретисту, историческому и жанровому художнику Гансу Кэнону  (Hans Canon) находится на пересечении Ринга (Parkring) и Johannesgasse. Ганс Кэнон не имеет никакого отношения к одноименной фирме по производству фотоаппаратов и копировальной техники. Однако эту фамилию художник носил не с рождения. Ганс Кэнон (1829 – 1885) - это псевдоним Иоганна вон Страсирипка. Он родился в марте 1829 года в современном 2-ом районе Вены – Леопольдштадт. Кэнон учился в художественной академии под руководством Валдмуллера и Раля. В течение года он служил офицером в австрийской армии. Несколько лет художник путешествовал по западной Европе. Жил в Италии, учился в Штутгарде. В 1874 году Кэнон вернулся в Вену.

Портрет Шопенгауера, Ганс Канон

Рубенс и Тициан служили для него примером для подражания. В качестве специализации он выбрал историческую и жанровую живопись. После себя он оставил несчетное число портретов как частных лиц, так и официальных заказов.

Большое число поклонников и покровителей Канона, в том числе Граф Иоанн Непомук фон Вилсцек были инициаторами идеи памятника. На их средства ведущий скульптор Рудольф Вэур изваял бронзовую статую. Открытие памятника состоялось 27 октября 1905 года. Памятник художнику не случайно стоит на Ринге. Этому есть особая причина. В последние годы своего творчества Канон активно занимался оформлением зданий на этой кольцевой дороге. Сохранилось большое число сооружений, украшенных его картинами и фресками. Среди наиболее известных – университет, художественно-исторический и природоведческий музеи. Его творения можно встретить в Народном театре, художественном и военно-историческом музее, а также в академии художеств.

Отель Империал

Здание отеля было построено в 1869 году как резиденция герцога Вюртемберга. Архитектор Дзанотти выполнил фасад дворца, который похож на массивное правительственное здание. Отель ведет свою историю с 1873 года, когда здание было перестроено при подготовке Вены к Всемирной выставке. Imperial всегда был и будет отелем, где предпочитают останавливаться известнейшие политики, члены королевских семей и деятели искусства. Королева Елизавета, Андрей Громыко, Ричард Никсон, Михаил Горбачев, Отто фон Бисмарк; Рихард Вагнер, Чарли Чаплин в разные годы останавливались в этом отеле.

Пройдя по улице слева от отеля метро 200, мы окажемся на площади Шварценберг (Schwarzenbergplatz). Шагов пятьдесят, не больше. Интересный факт из истории Вены. Эта, одна из центральный площадей австрийской столицы когда-то носила имя Сталина. Ровно одиннадцать лет с 1945 по 1956 годы Шварценбергплатц, на которой стоит памятник советскому солдату, называлась Сталинплатц. Именно в том направлении поспешила японка и куда рекомендую прогуляться и я. Памятник войнам советской армии, погибшим при освобождении Австрии от фашизма (а именно так называется этот памятник) выглядит очень величественно. На постаменте высотою в двадцать метров стоит двенадцатиметровая статуя русского солдата с щитом и флагом. Обрамляет памятник полукруглая, высотой в 8 метров, баллюстрада. По краям баллюстрады стоят два сражающихся солдата. На мраморном пьедестале выбиты имена павших за взятие Вены, а также высечены слова Сталина. Перед памятником бьет высокий фонтан, летом щедро освежая все вокруг.

Потрясают сроки создания памятника. Только-только закончилась война, а 19 августа 1945 года в Вене состоялось торжественное открытие грандиозного сооружения, которое явилось первым памятником, увековечивающим победу советской армии над Гитлером и национал-социализмом. Политическое значение памятника было ясно: Красная Армия освободила Вену. Еще в апреле 1945, вскоре после окончания военных действий, был поручен заказ на героический памятник неизвестному русскому солдату. Из более чем четырехсот работ выбирали совместно австрийские и русские деятели искусств вариант скульптора М.А. Цитеразьяна под общим руководством архитектора Г.Г. Яковлева. Со дня своего открытия памятник был взят на попечение города Вены. Мэр города Вены Теодор Кеорнер подписался от имени города, что, чтобы не случилось, памятник будет стоять и, в случае необходимости, охраняться. Однажды это понадобилось. В августе 1962 года была попытка взрыва. Приятно, что развал СССР ни как не сказался на судьбе «венского» советского солдата. О нем до сих пор любовно заботятся. Вовремя чистят и подкрашивают золотой краской слова: «Вечная слава героям Красной Армии, павшим в боях с немецко-фашискими захватчиками за освобождение и независимость Европы». Площади, на которой стоит памятник советскому солдату, в том числе по совету Хрущева, в 1956 году вернули её прежнее название – Шварценберг. Названа она так в честь князя Карла Филиппа Шварценберга (Karl Philipp Fürst zu Schwarzenberg 1771 – 1820), который был фельдмаршелом и командовал союзными (русские, австрийские и прусские) войсками против армии Наполеона в 1813 году. Его фельдмаршельство дорого стоило простому солдату. В важной для хода войны битве при Лейпциге Шварценберг заполучил победу ценой 10 тысяч погибших  и более 90 тысяч раненых союзных солдат. Потери французкой армии составили 5 тысяч погибших и 12 тысяч пленных.

Пример надо брать эстонцам, латышам и другим малым народам, которые так ненавидят нашу и свою историю.

Если пройти прямо по улице слева от памятника, то можно прийти к дворцу принца Евгения Савойского Бельведер, где можно увидеть картины Климта и роскошный парк.

 А теперь стоит от памятника по левой улице в сторону городского парка пройти метров 100, и мы окажеися перед Венским концертным залом.

А напротив этого зала - площадь Бетховена, на которой стоит памятник великому композитору.

В 1873 году общество друзей музыки организовало специальный комитет, которому было поручено провести конкурс для сбора средств на памятник Бетховену. 1-го мая 1880 года памятник работы Каспара фон Цимбуша был торжественно открыт.

При жизне Бетховен очень любил ходить пешком. За день он проходил по несколько десятков километров. Под Веной есть даже названные в его честь маршруты, некоторые из них непросто пройти и подготовленному спортсмену. Вот и бронзовый Бетховен успел за свою «жизнь» попутешествовать. Сначало совсем не много. До конца 19-го века взгляд Бетховена был обращен в сторону дворца Гутмана. А когда в начале 20 века русло реки Вены спрятали под землю, памятник развернули на 180 градусов. В конце шестедесятых годов под площадью было начато строительство подземного гаража и памятник временно переставили в Центральный городской парк. Последнее изменение памятника произошло в 1971 году, когда поменяли заднюю стенку постамента. Площадь Бетховена находится рядом с бульварным кольцом Вены – Рингом, но спрятана за нарядными фасадами домов, выходящих на круговую дорогу.

Слева от памятника Бетховену расположена Академическая гимназия Вены, где учились Шуберт, лауреаты нобелевской премии Лиза мейтнер, которая открыла деление урана и Эрвин Шредингер.

Все нобелевские лауреаты (как, впрочем, и другие выдающиеся люди) были когда-то детьми. Многие из них учились в школах. В официальных нобелевских биографиях этот факт почему-то обычно замалчивается. Университеты - да, они упоминаются обязательно. А вот про школу - не всегда, хотя часто именно школа играет очень важную роль в начале долгого пути к премии. Школы же, конечно, гордятся своими знаменитыми выпускниками. А уж если в какой-то школе учился больше чем один будущий лауреат, значит, скорее всего, в этой школе что-то делают правильно.

Во всем мире таких школ всего двенадцать. Сообща они воспитали 34 лауреата. Мне кажется чрезвычайно интересным, что 6 из этих 12 школ, на которые приходится 21 лауреат, находятся в городе Нью-Йорке. Самые известные из них - Bronx High School of Science (7 лауреатов) и Stuyvesant High School (4 лауреата), и кроме нобелевских лауреатов, среди их выпускников много лауреатов Оскара и Пулитцеровской премии и просто весьма выдающихся ученых, писателей, артистов, политиков и т.д.

Одна из таких школ - Академическая гимназия в Вене.

Она была основана в 1553 году, когда нью-йоркские кварталы еще находились в самых ранних стадиях проектирования. Многие выпускники гимназии прославились в разных областях, некоторые из них отмечены на мемориальных досках на стенах школьного здания.

В венской Академической гимназии, славившейся качественным преподаванием греческого и латыни, учились два нобелевских лауреата по физике и химии: Эрвин Шредингер и Вальтер Кон, еще одна выпускница, Лизе Мейтнер, не получила премию по физике только по недоразумению.

Выйдем опять на Рингштрассе. Напротив отеля Империал очень хорошее кафе, куда стоит зайти и попить кофе

Далее Рингштрассе переходит в Операштрассе - это значит, что мы приближаемся к Венской опере. Но по пути на правой стороне по адресу Opernring 6–8 мы увидим Магазин роялей Стейнвейн - это лучшие рояли в мире.

Стоит зайти и послушать, или хотя бы посмотреть.

«Стейнвей – это единственное фортепьяно, на котором пианист может делать все, что хочет. И все, о чем мечтает.»

Владимир Ашкенази

«Фортепьяно Steinway с его красотой и энергией является совершенным средством выражения искусства исполнителей.»

Ван Клиберн

 Вот мы и пошли к зданию Венской оперы.

Здание Венской оперы шедевром архитектуры не назовешь. По местной легенде в 1945 году его разбомбили только потому, что приняли за вокзал. Но входные билеты от этого более доступными не стали. Попасть в партер или ложу практически нереально: билеты сюда бронируют за пару месяцев, и стоят они несколько сотен евро. Туристы в основном покупают билеты по 5 евро на стоячие места - есть здесь и такие. Однако вытерпеть стоя четыре часа нетленной музыки Вагнера и даже того же Моцарта - задача не для слабых. И когда очередной оперный герой, сраженный несчастной любовью, валится на сцену и потом часа полтора там драматически умирает, какая-то часть публики, кажется, ему искренне завидует. Поэтому после первого же акта большинство «стойких» меломанов убегают в окрестные кофейни. Ведь и от Моцарта иногда нужно отдохнуть. А если есть желание посмотреть здание оперы, то регулярно днем проводят экскурсии.

Венская государственная опера — самый знаменитый австрийский театр. Открытый в 1869 году, он сейчас входит в top-5 оперных театров мира. Здание, в котором в настоящее время располагается Венская государственная опера, было построено в 1869 году по проекту архитектора Августа Зиккарда фон Зиккардсбурга; его интерьер разработал Эдуард ван дер Нюлль.

На годубых эеранчиках позпди кресел высвечиваются во время представления титры синхронного перевода.
Ведь по древней традиции в Венской опере поют на языке оригинала
 

Около ограды Бургартена - городского сада, который примыкает к дворцу Хофбург, стоит памятник Гете.

Войдя с этой стороны в сад, мы увидим памятник Францу-Иосифу.

Это, пожалуй единственный памятник Францу-Иосифу, мужу Сиси

Бурггартен (Burggarten)

На месте взорванного в 1809 г. Наполеоном бастиона император Франц I повелел разбить небольшой парк, располагающийся ныне между Бургрингом и крылом Нового Хофбурга Вены. В саду, изначально доступном только для членов императорской семьи и открытом для публики только в 1919 г., установлены памятники Абрахаму а Санта-Кларе (1644-1709 гг., венский проповедник времен второй турецкой осады), императору Францу I (старейшая конная статуя в Вене), В.А. Моцарту и императору Францу Иосифу I (бронзовая статуя).

По аллее дойдем до пальмовой галереи к музею бабочек.

Нельзя пройти мимо Моцарта

Выйдя из парка  и пейдя ринг, мы выходим к памятнику самой великож женщины в истории Европы, которая более 10 своих дочерей сделала королевами различных Европейских государств. Именно ее дочери, Марии-Антуанетте, королеве Франции революционеры отрубили голову.

Слева и справа от которого расположены два музея, которые стоит посетить

Но вспомним немного историю. Откуда пошла династия Габсбургов.

Священная Римская империя германской нации ( Sacrum Imperium Romanum Nationis Teutonicae, Heiliges Römisches Reich Deutscher Nation) — государственное образование, существовавшее с 962 по 1806 и объединявшее территории Центральной Европы. В период наивысшего расцвета в состав империи входили Германия, являвшаяся её ядром, северная и средняя Италия, Швейцария, Бургундское королевство, Нидерланды, Бельгия, Чехия, Силезия, Эльзас и Лотарингия. С 1134 года формально состояло из трёх королевств: Германии, Италии и Бургундии, через год к ней присоединилось королевство Чехии.

Развитие Священной Римской империи происходило в условиях постоянной борьбы тенденций дезинтеграции и интеграции. Первые выражали, чаще всего, крупные территориальные княжества, постепенно приобретавшие признаки суверенных государств и стремящиеся освободиться от власти императора, в то время как главными консолидирующими факторами выступали императорский престол, имперские учреждения и институты ( рейхстаг, имперский суд, система земского мира), католическая церковь, немецкое национальное самосознание, сословный принцип построения государственной структуры империи, а также имперский патриотизм (Reichspatriotismus) — укоренившаяся в общественном сознании лояльность к империи и императору как её главе (но не как представителю конкретной династии).

Очень сложно мне всегда понять все это. Что-то типа ЕС.

Франц Стефан Лотерингский Franz Stephan von Lothringen (1708 – 1765) прибыл в Вену из Лоторингии в пятнадцатилетнем возрасте на обучение в Высшем венском свете. Так что можно сказать, что его брак с Марией Терезией был приопределен заранее. После того как Франц Стефан отрекся от престола в Лотерингии, был он в 1745 году провозглашен римско-немецким императором. Однако реально государством управляла его супруга – Мария Терезия. Хотя он имел слабое политическое влияние, Франц Стефан активно занимался другим вопросами государственного устройства: провел реформу финансового управления и тем самым сократил долю государственного долга, активно занимался коллекционированием, создал семейный фонд, который явился основой частного состояния семьи Габсбургов. Франц Стефан был финансистом и ученым. Особенно его интересовали геология, биология и зоология. Им была создана настолько крупная коллекция в этих областях науки, что она послужила основой создания познее музея Естествознания, который стоит справа от памятника Марии-Терезии. А слева находится музей истории искусств, или художественная галерея.

Музей создан на основе коллекции Габсбургского дома, собираемой многие столетия. 

Среди 10 отделов музея (некоторые расположены за пределами основного здания) главная достопримечательность – картинная галерея на втором этаже.По величине она является четвёртой в мире коллекцией.

В ней расположена коллекция старинной голландской и фламандской живописи XV/XVI вв. (Ян ван Эйк, Бартоломеус Брайн, Рогир ван дер Вейден, Иероним Босх, Ян ван Скорел); крупнейшая закрытая коллекция произведений фламандского мастера Питера Брейгеля Старшего (самая большая в мире); немецкие живописцы XVI в. (8 картин Альбрехта Дюрера, Ганс Гольбейн Старший, Лукас Кранах Старший, Альбрехт Альтдорфер); картины Рембрандта, Рубенса и Вермеера. В западном крыле находятся произведения итальянских мастеров (Рафаэля Санти, Джорджоне, Тициана, Веронезе), испанских (Диего Веласкес) и некоторых французских мастеров.

Египетская и ближневосточная коллекция на первом этаже является одним из богатейших собраний в мире: наряду с мумиями и саркофагами впечатляет погребальная камера принца Канинисут (2400 г. до н.э.).

В античной коллекции собраны греческие, этрусские и римские произведения искусства. Кроме того, стоит посмотреть кунсткамеру и нумизматический зал. Я не буду много показывать - это надо смотреть!

Рафаэль

Питер Брегель старший

Думаю, что эти две картины могут служить хорошей визитной карточкой для музея.

Напротив памятника Марии Терезии, через Ринг, находятся низкие ворота, через которые вы выходите на гигантскую Хельденплац - площадь Героев (Heldenplatz). Ворота были построены в стиле, напоминающем русский ампир, еще в 1820-е годы. Если издали в их строгой архитектуре вам видится нечто близкое вкусу 1930-х годов, то интуиция не совсем вас обманывает: пришедшие к власти австрофашисты (ответственные за идеологию, но не за преступления фашизма) именно в 1930-е годы превратили ворота в монумент солдатам, павшим в Первой мировой войне.

Посмотрите панораму площади героев.

На площади доминирует тяжелое здание Нового замка (Neue Burg, 1869-1873, закончено в 1913 году), где сейчас находятся только музеи: в правом крыле Этнографический (Museum für Völkerkunde), с собранием искусства разных экзотических стран, а в центральном - Эфесский (Efesos Museum) с памятниками античной культуры с западного побережья Турции, Собрание старинных музыкальных инструментов (Sammlung alter Muskinistrumente) и Оружейная палата (Hofjagt- und Ruestkammer) с доспехами XV-XVII веков - впечатляющее зрелище с легким и приятным оттенком безумия (среди доспехов есть прелестные парадные, с плиссированными юбочками из металла).

Но не стоит забывать, что вы находитесь на площади Героев, а не на площади Музеев. Пора обратить внимание на собственно героев, изваянных из бронзы, - принца Евгения Савойского (победителя турецкого паши Кары Мустафы в 1683 году) и эрцгерцога Карла, который в 1809 году одержал победу над Наполеоном в битве при Асперне, а в 1810 году был шафером на его свадьбе. Сегодня эти два конных памятника начала XIX века мучительно рвутся друг к другу сквозь редуты припаркованных вокруг автомобилей. Австрийские военные достижения всегда были крайне скромными (Евгений Савойский, пожалуй, единственный безусловный герой, но и он был француз), так что в памятниках с самого начала была некоторая доля фикции, тем более что масштаб такой гигантской площади эти фигуры удержать не в состоянии.

15 марта 1938 года тысячи людей пришли на площадь Героев приветствовать Адольфа Гитлера после аншлюса - присоединения Австрии к Германии. Гитлер стоял на балконе Нового замка, а толпа (по свидетельству тех, кто вскорости бежал из страны) бесновалась от счастья и восторга. Такого приема Гитлеру не оказывали нигде.

Напротив Нового замка, на другой стороне площади Героев, еще в 1820 году на регулярный французский манер был разбит Народный сад, или Фольксгартен (Volksgarten), который сразу же стал любимым садом аристократии (она ведь и была "народом" императора в тогдашнем понимании). Здесь проходили концерты Иоганна Штрауса, и в известном смысле традиция продолжается, поскольку сейчас здесь находится ночной клуб Volksgarten - один из немногих танцполов в Вене. Здание 1954 года с остатками полуразрушенной колоннады 1823 года, с тропическими растениями, зеркалами и старой мебелью ныне вошло в моду.

Городской сад был разбит в 1819-1823гг на месте старого бастиона Хоффбурга Burgbastei, который был разрушен войсками Наполеона в 1809г. Центром парка на сегодняшний день является храм Тезея - Theseus-Tempel - архитектора П.Нобиле (1820-1825гг). Он является копией храма в Афинах.

В северной части парка установлен памятник имератрице Елизавете работы скульпторов Ханса Биттерлиха и Фридриха Оманна. Памятник был создан по инициативе населения и открыт 04 июня 1907 в присутствии императора.Архитектор проследил за тем, чтобы мраморная Сисси осталась, как и при жизни, абсолютно одинокой - подойти к ней невозможно. В общем в Бурггартене обстановка жизнерадостная, а в Фольксгартене - интимная и ностальгическая, выбирайте по ситуации.

Прощание с бедной Сисси, которая ненавидела все имперские резиденции и считала их тюрьмами, есть одновременно и прощание с Хофбургом: здесь на вашем пути все, имевшее к нему отношение, дворцы и сады, наконец заканчивается и начинается мир совершенно другой - мир буржуазных ценностей свободы и демократии, выставкой достижений которого явился выстроенный в 1870-1880-х годах Ринг (Ringstrasse).

Парламент в Вене замаскирован под античный храм.

Естественно, возникает вопрос: зачем понадобилось создавать парламент в виде античного храма? Оказывается, автором проекта был архитектор Теофил Хансен, много лет проживший в Греции и прекрасно разбиравшийся, а главное — любивший античную архитектуру. Кстати, в Афинах им были построены здания Академии наук и Национальной библиотеки. Однако главным творением своей жизни Хансен считал здание парламента в Вене, которое строилось с 1874 по 1884 год. Хансен говорил: “Древние греки стали первым народом, который более всего любил свободу и гармонию. Именно этим двум категориям они оставались верные при создании своих великих архитектурных творений, в которых сочетались строгость и красота”.

Решив создать нечто напоминающее античный храм, Хансен исходил из того, что именно в Древней Греции зародились понятия “политика” и “демократия”, которые определяют главный смысл деятельности высшего законодательного органа любой страны. Античный храм как бы служил напоминанием того, что современными демократическими ценностями человечество обязано политической системе, существовавшей во времена Древней Греции. Согласно замыслу архитектора при создании здания парламента использовались строительные материалы, поступавшие из всех регионов, входящих в состав Австро-Венгерской империи.

Скульптурная композиция Афины-Паллады с фонтаном,
созданная между 1893 и 1902 годом скульпторами
Карлом Кундманном, Джосефом Тотенхайном и Хьюго Хэрдльтом,
является наиболее известной достопримечательностью здания парламента.

Австрийские парламентарии шутят, что богиня мудрости Афина повернулась к ним задом

Интересно, что около парламента стоят 4 коня, напоминающих коней Клодта на Аничковом мосту.

Нигде не нашел про историю этих коней. Наверное, Петр Карлович Клодт этих коней он наваял столько, что российский император чуть не направо и налево раздаривал их европейским монархам. Николай 1 сказал Клодту, что тот делает лошадей лучше, чем жеребец.

Когда привычно встанут на дыбы
И нехотя смирятся кони Клодта,
Путь осознав
От вольного полёта
До рабской обреченности судьбы,
Тогда заметен станет человек,
Из-под копыт дерзнувший вдруг подняться,
И не упасть,
И в морду рассмеяться
Коню, окаменевшему навек,
И намертво ступить на тот гранит,
Не чувствуя ни горести,
Ни боли…
Как превосходство разума и воли
Над непокорной силищей копыт…

Одна любопытная статья так и называется, "Так сколько же коней было у Клодта?" Мы увидим коней Клодта в Москве у Конного двора в Кузьминках, бывшем имении князей Голицыных. Одна пара коней была подарена Николаем I Фердинанду II Бурбону и перевезена в Неаполь, вторая в Берлин – в подарок прусскому королю Фридриху-Вильгельму IV. Говорят,что Король обеих Сицилий Фердинанд II, увидев божественных коней Клодта, пожелал видеть их ежедневно у себя в Неаполе. А получив их, наградил Клодта Неаполитанским орденом. После чего европейские газеты сообщили: "В Неаполе нынче находятся три чуда: тело Спасителя, снятое со Креста, покрытое прозрачной мраморной пеленой, "Снятие Спасителя со Креста" - картина Эспаньолетта, и бронзовые кони русского барона Клодта". Берлин, Париж, Рим удостоили Петра Клодта звания почетного члена своих Академий. В Берлине кони Клодта сейчас стоят в В Шёнеберге, между Potsdamer Straße и Elßholzstraße. Станция Kleistpark. Перед зданием Kammergerichtes в Heinrich-von-Kleist-Park.

Это в Берлине

Это в Кузьминках

Это в Неаполе

Это в Питере

 Дальше мы подходим к Бургтеатру.

Это крупнейший драматический театр на немецкоговорящем пространстве. Он был построен в 1874-88 годах по проекту Готфрида Земпера. Пышный интерьер театра украшен фресками Густава Климта и Франца Матча. Сильно повреждённый во время войны, театр был вновь открыт 1955 году.

Напротив театра не может не привлечь внимание красивейшее здание городской ратуши.

Здание ратуши в Вене построено в конце XIX века. Конкурс на лучший проект был объявлен ещё в 1868 году, в нем приняло участие 64 известных архитектора из разных стран. Конкурс выиграл австриец, житель Вены, Фридрих фон Шмидт. 14 июня 1873 года в присутствии императора в фундамент Венской ратуши был заложен первый камень, и через 10 лет, в 1883 году, строительство было полностью завершено.

Новое здание венского Университета было построено в 1873-1883гг по проекту Генриха Ферстеля, вдохновленного архитектурой итальянского Ренессанса.

Напротив Университета, на противоположной стороне Ринга, водружен 9-и метровый обелиск в честь венского бургомистра Иоганна Андреаса Линденберга (скульптор Зильбернагль 1890г). Он организовал героическое сопротивление жителей Вены турецким захватчикам в 1683г. Памятник был сооружен по случаю празднования 200-летия со дня освобождения Вены.

Но здание не такое древнее, как сам университет. Он был основан Рудольфом IV Строителем в 1365г и является первым немецкоязычным университетом. Его факультеты разбросаны по всей Вене. Сегодня в центральном здании расположено лишь несколько факультетов. Но именно здесь проходит летом традиционный всеобщий Университетский бал. В обрамленном аркадами дворе установлены памятники выдающимся деятелям науки. Кроме большого двора существует еще восемь малых.

Напротив здания университета на бастионе стоит здание, в котором на 4 этаже более 3-х лет жил великий Людвиг Бетховен. Выше была фотография на университет из окон его квартиры.

За университетом большая площадь, за которой возвышается Церковь обета (Votivkirche), построена в 1856-1879 гг. За образец были взяты французские готические соборы. Архитектор Генрих Ферстель. Это тот же архитектор, что построил новое здание университета.
 

В 1853 г. венгерский террорист совершил покушение на Франца Иосифа, но император уцелел. В благодарность Господу за это брат Франца Иосифа эрцгерцог Максимилиан дал обет построить церковь. Она расположена напротив места, где было совершено нападение.
Высота башен Вотивкирхе составляет 99 м.  В церкви имеется реликвия: деревянный антверпенский алтарь 15 в.  Готические сооружения -- творения довольно непрочные. Не простояв и 150 лет, Вотивкирхе потребовала серьёзных реставрационных работ. А ведь её ещё восстанавливали в 1947-1961 гг. после повреждений, полученных в 1945-м.

Далее   на Шоттенринге расположено здание Венской фондовой биржи.

Венская фондовая биржа была основана в 1771 году и является старейшей фондовой площадкой Европы. Месячный объем торгов VSE превышает 13,1 миллиарда евро.

А в самом конце бульвара Рингштрассе высится современная башня Рингтурм. Высотное здание было построено в 1955 году архитектором  Э. Больтенштерн.

Начали мы наше путешествие на Дунайском канале, и закончили его здесь же. Ринг напоминает лук, а Дунайский канал - своего рода  тетива лука. Пойдем вдоль канала и мы попадем на Шведенплатц, откуда мы начали наше путешествие.

Надеюсь, что Вам понравилось наше путешествие, и вы захотели в Вену. Доброго Вам пути и замечательных впечатлений.

Учредительная грамота Альбертины датируется 4 июля 1776 г. .Дворец эрцгерцога Альбрехта до конца Первой Мировой войны служил жилищем главнокомандующего австро-венгерской армией.

Дворец находится на одном из последних сохранившихся частей венской защитной стены, августинском бастионе. Раньше на этом месте находилось дворцовое управление строительства, которое было в 1742–1745 г. г. под управлением дворцового строителя Эмануэля Телеса де Силва переделано во дворец. Он был куплен герцогом Альбертом Саксонско-Тешинским в 1795 г.

В 1801–1805 г. г. произошло расширение дворца под руководством Луи Монтоера, после этого дворец стал граничить с Хофбургом.

Мы побывали в Альбертине на уникальной выставке «Рисунки и акварели Синего всадника» из Мюнхенской галереи Ленбаххауз (Lenbachhaus). «Синий всадник» («Der Blaue Reiter») был свободным объединением художников, получившим своё название от одноимённого альманаха, впервые изданного Василием Кандинским и Францем Марком в 1912 году в Мюнхене. Ими были организованы в 1911 и 1912 гг. две выставки с произведениями художников, творческое кредо которых было близко обоим художникам-редакторам. Художественная галерея Ленбаххауз в Мюнхене получила в 1957 году в своё распоряжение по завещанию Габриэлы Мюнтер, спутницы жизни Кандинского на протяжении многих лет, более 400 произведений художницы и Василия Кандинского. На выставке представлены произведения следующих мастеров: Августа Макке, Франца Марка, Марианны Верёвкиной, Алексея Явленского, Василия Кандинского, Робера Делоне, Генриха Кампендонка, Габриэлы Мюнтер, Пауля Клее и Альфреда Кубина.

 Август Макке и Франц Марк придерживались мнения, что у каждого человека есть внутреннее и внешнее восприятие действительности, которые следует объединить посредством искусства. Эта идея была обоснована теоретически Кандинским. Группа стремилась достичь равноправия всех форм искусства.Василий Кандинский вспоминая об этой выставке, сказал:

Название Синий всадник мы с Францем придумали за кофейным столом в саду в Зиндельдорфе. Мы оба любили синий, Марк - лошадей, я - всадников. И название пришло само.

А познакомились Франц и Кандинский на концерте, где исполнялась музыка Шёнберга - великого австрийского композитора начала 20 века, который взорвал понимание классической музыки,создатель додекафонной системы композиции.

Вернемся в Альбертину.  Выставку открывает картина Василия Кандинского "Синий всадник"

Мы соприкасаемся здесь с новым направлением в искусстве - с так называемым авангардом.

Почему мы в этом должны разбираться? В нашем современном обществе наступила так называемая «Историко-культурная амнезия». Еще Пушкин писал, что «мы ленивы и нелюбопытны», но до какой же стадии надо дойти, чтобы нам не интересна стала история и культура? Вот потому-то и надо ходить на выставки и разбираться с корнями.

Да, когда мы говорили о Климте, о Хундертвассере - они гениальны, так как нашли свое направление в искусстве и развили его до совершенства. Мы слышали о Василии Кандинском, о Еазимире Малевиче. А кто знает творчество Андрея Явленскоко? Кокошки? ...

Когда мы говорили о творчестве Климта, который тоже творил на рубеже 19 - начала 20 века, мы столкнулись с понятием модернизм. Утопическая цель - радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства - унаследована авангардом от модернизма; однако авангардисты пошли дальше, предположив, что переустроить посредством искусства можно не только сознание, но и общество.

Если модернизм был в первую очередь эстетическим бунтом, революцией внутри искусства, не против самой традиции, но внутри нее, то авангард - это бунт против самой художественной традиции, как впрочем и против любых традиций. Цитирую Льва Рубинштейна: "Модернизм как бы принимает основные ценности традиционного искусства, но занимается обновлением художественных средств при решении так называемых вечных задач искусства. В этом смысле это то же традиционное искусство, но занятое новым языком для описания того же самого. Авангардизм все время создает другое искусство, обновляет не средства его, а сам предмет искусства. Более того.
Авангард подразумевает активную социальную позицию художника, о чем прежде, по большому счету, речи быть не могло. Будучи революционным по своей природе, авангард, как правило, сочетается с радикальными политическими убеждениями; к примеру, общеизвестно, что многие сюрреалисты были коммунистами. А русский авангард, как мы знаем, стройными рядами отправился служить делу Октябрьской революции. Добром это, разумеется, не кончилось...

С 1905 по 1910 в западноевропейском искусстве происходит радикальная смена эстетических установок: французские  и немецкие экспрессионисты (1905) полностью пересматривают отношение к цвету и рисунку, кубизм (1907) освобождает живопись от повествовательности и «чувствительности», абстракционизм (1910) – от предметности, футуризм (1909), чьи инновации находятся за пределами собственно изобразительности, вносит в искусство дух нигилизма и агрессии. Состояние, в котором в конечном счете оказывается изобразительное искусство 20 в., можно назвать перманентной эстетической революцией.

К середине 1910-х роль авангарда в искусстве переходит к России. С этого времени все самое смелое, новаторское создается в России или выходцами из России.

Вообще печально и забавно проследить два принципиально разных пути, приведших к кризису авангарда. В либеральном западном обществе авангард к середине века постепенно утратил пафос "противостояния", а вместе с ним - и "утопический" оптимизм, и революционную энергетику; авангард, вопреки своей природе, стал эстетической традицией - одной из.

В тоталитарной же ситуации (прежде всего в СССР и гитлеровской Германии) авангард был объявлен антинародным (или "дегенеративным") искусством и попросту запрещен, вымаран цензурой из истории искусств.

Так как же родилась живопись Василия Кандинского?

Кандинский родился 4 декабря 1866 года в Москве. Его бабушка была монгольской княжной, а отец был родом из сибирского города Кяхта. Такие различия в происхождении его родственников сказались на образовании Василия - он органично воспринимал и европейские, и азиатские культурные традиции. Родители Кандинского очень любили путешествовать (материальное положение позволяло), поэтому ещё в детстве Василий побывал в Венеции, Риме, Флоренции, на Кавказе, в Крыму. В 1871 году родители переехали в Одессу, где Василий закончил школу. Первой профессией Кандинского стали музыкальные выступления, на которых он играл на фортепиано и виолончели. Через некоторое время Кандинский стал рисовать, причем в его картинах встречались весьма нетрадиционные цветовые сочетания, которые он объяснял тем, что каждый цвет живет своей таинственной жизнью.
В 1886 году Кандинский поступил в МГУ, где изучал право и экономику. Его мысли по поводу жизни различных цветов продолжали посещать его голову, особенно когда он видел красочность московской архитектуры. В 1889 году Кандинский с университетской экспедицией ездил в Вологду, где был поражен нереалистичным русским народным творчеством, сохранившимся в отдаленных деревнях. В том же году он посетил Париж. К 1893 году, когда он получил докторскую степень, Кандинский утратил интерес к социальным наукам. Он пришел к выводу, что "искуство - это непозволительная роскошь для России".

Закончив Университет, Кандинский работал в фотографической мастерской московского издательского общества. К 1896 году. Когда Кандинскому исполнилось 30 лет, он столкнулся с необходимостью выбирать свой путь в жизни. Тогда ему предложили место профессора юриспруденции в Университете Тарту в Эстонии, в то время проходил процесс русификации. Он понял, что жизнь надо менять "сейчас или никогда", поэтому он отказался от профессорской должности, женился на своей кузине, Анне Филипповне Чемякиной, и уехал в Германию, где собирался учиться рисованию, чтобы стать настоящим художником.

Уехал в Мюнхен, где два года посещал школу А. Ашбе (1897—98). В 1900 он вместе с П. Клее поступил в Королевскую академию к Ф. Штуку. С этого момента жизнь Кандинского связана исключительно с искусством. Первая из известных картин художника — «Одесский порт» (конец 1890-х) выставлялась в экспозиции Товарищества южнорусских художников в Одессе и в московском Товариществе художников.

Одесский порт (хранится в Третьяковке)

В 1901 Кандинским было основано художественное объединение «Фаланга», в школе которого он преподавал с 1902. За четыре года существования «Фаланги» в ее двенадцати выставках участвовали мастера разных стран, связанные с искусством модерна. Творчество Кандинского этого периода (1900—07) отличалось полистилизмом. Он работал в технике ксилографии, создавая произведения в духе «Сецессиона» и неоимпрессионистические картины: «Шлюз» (1901), «Водопад» (1902), «Изар у Гросхесселоэ» (1903). Период натурного пейзажа в творчестве Кандинского исключительно важен: он наметил основные черты его будущей живописной манеры. В эти годы Кандинский работал в России, Голландии, Италии, Париже и Тунисе, но более всего — в Мюнхене.

С 1902 Кандинский регулярно участвовал в выставках берлинского «Сецессиона», а с 1904 — парижского Осеннего салона. К этому времени сформировался его стиль. В первой большой картине Кандинского — «Пестрая жизнь» (1907) — проявились основные черты почерка художника. В 1909 создал еще одно художественное объединение — «Новое объединение художников». В выставках этого объединения участвовали П. Пикассо, Ж. Брак, А. Руо, Ван Дон-ген, Вламинк и др. 1911 год был трудным для художника. Он развелся со своей кузиной А. Чемякиной и вынужден был покинуть «Новое объединение художников» из-за разногласий. С энтузиазмом Кандинский взялся за создание еще одного объединения — «Синий всадник». Обе организованные объединением выставки стали событиями культурной жизни Европы. В альманахе объединения нашли отражение истоки искусства XX века. К этому времени нападки на абстракционизм Кандинского стали столь сильны, что художники с международной репутацией, такие, как П. Клее, Ф. Леже, X. Арп и Г. Аполлинер, выступили с публичным протестом против распоясавшейся критики. В 1914 в связи с началом первой мировой войны был вынужден покинуть Германию и через Швейцарию, Италию и Балканы вернулся в Россию. Долго не писал картин. В 1917 женился на Нине Андриевской, ставшей верной спутницей художника до конца его дней. После революции вел активную деятельность по перестройке художественной жизни России.

В 1921 уехал в Германию для создания международного отдела Российской академии художественных наук. Получил приглашение преподавать в Баухаузе. Обосновался в Берлине. В 1933 г. Кандинский переезжает во Францию и поселяется в местечке Нёйи-сюр-Сен, недалеко от Парижа. Здесь он думал найти временное убежище, но обрел постоянный дом, который оказался для него и последним. Умер Кандинский 13 декабря 1944 года.

В своей передаче по ТВ Стоит вспомнить Андрей Кончаловский интересно рассказывает о Кандинском.

В Одессе на доме №17, расположенном по улице Дерибасовской,
можно увидеть небольших размеров мемориальную доску и бюст.
Так увековечена память Василия Кандинского, великого художника,
жившего в конце XIX начале XX века в Одессе.

А я хочу, чтобы вы познакомились с идеологией В.Кандинского, иначе трудно понять, почему его картины продаются за миллионы долларов.

В 1910 году он опубликовал книгу "О духовном в искустве", где он излагает свои взгляды на культуру и на роль изобразительного искусства в формировании человека. Давайте немного познакомимся с основными его мыслями на этот счет.

Во введении к этой книге он пишет: "Всякое произведение искусства есть дитя своего времени, часто оно и мать наших чувств. Так каждый культурный период создает свое собственное искусство, которое не может быть повторено. Стремление вдохнуть жизнь в художественные принципы прошлого может в лучшем случае вызвать художественные произведения, подобные мертворожденному ребенку. Мы не можем ни чувствовать, как древние греки, ни жить их внутренней жизнью. Так, например, усилия применить греческие принципы в пластическом искусстве могут создать лишь формы, сходные с греческими, но само произведение останется бездушным на все времена. Такое подражание похоже на подражание обезьян."

Наша душа, лишь недавно пробудившаяся от долгого периода материализма, таит в себе зародыш отчаяния)- следствие неверия, бессмысленности и бесцельности. Еще не совсем миновал кошмар материалистических воззрений, сделавший из жизни вселенной злую бесцельную игру. Пробуждающаяся душа все еще живет под сильным впечатлением этого кошмара. Лишь слабый свет мерцает, как одинокая крошечная точка на огромном коруге черноты. Этот слабый свет является лишь чаянием для души и увидеть его у души еще не хватает смелости; она сомневается, не есть ли этот свет - сновидение, а круг черноты - действительность. Это сомнение, а также гнетущие муки - последствие философии материализма - сильно отличает нашу душу от души художников "примитивов". В нашей душе имеется трещина, и душа, если удается ее затронуть, звучит как надтреснутая драгоценная ваза, найденная в глубине земли. Вследствие этого переживаемое в настоящее время тяготение к примитиву может иметь лишь краткую длительность в его современной, в достаточной мере заимствованной форме.

Эти два сходства нового искусства с формами искусства прошлых периодов, как легко заметить, диаметрально противоположны. Первое сходство - внешнее и, как таковое, не имеет никакой будущности. Второе -есть сходство внутреннее и поэтому таит в себе зародыш будущего. Пройдя через период материалистического соблазна, которому душа как будто поддалась, но все же стряхивает его с себя, как злое искушение, она выходит возрожденной после борьбы и страданий. Более элементарные чувства - страх, радость, печаль и т.п. - которые, даже в этом периоде искушения, могли являться содержанием искусства, мало привлекательны для художника. Он будет пытаться пробуждать более тонкие, пока еще безымянные чувства. Сам он живет сложной" сравнительно утонченной жизнью и созданное им произведение безусловно пробудит в способном к тому зрителе более тонкие эмоции, которые не поддаются выражению в наших словах.

В настоящее время зритель, однако, редко способен к таким вибрациям) Он хочет найти в художественном произведении или чистое подражание природе, которое могло бы служить практическим целям (портрет в обычном смысле и т. п.), или подражание природе, содержащее известную интерпретацию: "импрессионистская" живопись, или же, наконец, облеченные в формы, природы душевные состояния (то, что называют настроением) .* Все такие формы, если они действительно художественны, служат своему назначению и являются духовной пищей, даже и в первом случае. Особенно верно это для третьего случая, когда зритель в своей душе находит с ними созвучие. Разумеется, такая созвучность (также и отклик) не должны оставаться пустыми или поверхностными, а наоборот: "настроение" произведения может углубить и возвысить настроение зрителя. Такие произведения во всяком случае ограждают душу от вульгарности. Они поддерживают ее на определенной высоте, подобно тому, как настройка поддерживает на надлежащей высоте струны музыкального инструмента. Однако, утончение и распространение этого звучания во времени и пространстве, все же остается односторонним и возможное действие искусства этим не исчерпывается.

"Призвание художника - посылать свет в глубины человеческого сердца", говорит Шуман.

Понимание выращивает зрителя до точки зрения художника. Ранее мы сказали, что искусство есть дитя своего времени. Такое искусство способно лишь художественно повторить то, чем уже ясно заполнена современная атмосфера. Это искусство, не таящее в себе возможностей для будущего, искусство, которое есть только дитя твоего времени и которое никогда не станет матерью будущего - является искусством выхолощенным. Оно кратковременно; оно морально умирает в тот момент, когда изменяется создавшая его атмосфера.

Другое искусство, способное к дальнейшему развитию, также имеет корни в своей духовной эпохе, но оно является не только отзвуком и зеркалом последней, а обладает пробуждaющeй, пpopoчecкoй cилoй, способной действовать глубоко и на большом протяжении.

Духовная жизнь, частью которой является искусство и в которой оно является одним из наиболее мощных факторов, есть движение вперед и ввысь; это движение сложное, но определенное и переводимое в простое. Оно есть движение познания. Оно может принимать различные формы, но в основном сохраняет тот же внутренний смысл и цель.

Когда потрясены религия, наука и нравственность (последняя сильной рукой Ницше) и внешние устои угрожают падением, человек обращает свой взор от внешнего внутрь самого себя. (Как современно звучат эти слова! - мое замечание). 

В своей книге Кандинский приводит замечательные стихи Шекспира

Тот, у кого нет музыки в душе,
Кого не тронут сладкие созвучья,
Способен на грабеж, измену, хитрость;
Темны, как ночь, души его движенья
И чувства все угрюмы, как Эреб:
Не верь такому: - слушай эту песню.

Кандинский пишет

"Цвет - это клавиша; глаз - молоточек; душа - многострунный рояль.
Художник есть рука, которая посредством той или иной клавиши целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу.

Таким образом ясно, что гармония красок может основываться только на принципе целесообразного затрагивания человеческой души."

Музыкальный тон имеет непосредственный доступ к душе. Он тотчас находит в ней отклик, ибо у человека "музыка в душе".
"Всякому известно, что желтый, оранжевый и красный цвета вызывают и представляют идею радости и изобилия". (Делакруа) .*

Эти две цитаты указывают на глубокое сродство всех видов искусства вообще и особенно музыки и живописи. На этом, бросающимся в глаза, сродстве непосредственно основывается мысль Гете, что живопись должна получить свой генерал-бас. Это пророческое выражение Гете является предчувствием положения, в котором в наше время находится живопись. Положение это является исходной точкой пути, на котором живопись с помощью своих сил вырастает до искусства в абстрактном смысле и на котором она, в конце концов, достигает чисто-художественной композиции.

Для этой композиции в ее распоряжении имеются два средства:

1. Краска.

2. Форма.

Только форма может существовать самостоятельно, как изображение предмета (реального и нереального) или как чисто абстрактное ограничение пространства плоскости.

Но цвет не может. Цвет не допускает безграничного распространения. Безграничное красное можно только мыслить или духовно созерцать. Когда мы слышим слово красное, то это красное в нашем представлении не имеет границы. Последнюю приходится, когда нужно, насильственно добавлять мысленно. Красный цвет, который мы не видим материально, а представляем себе абстрактно, вызывает, с другой стороны, более или менее точное или неточное внутреннее представление, это представление имеет чисто внутреннее физическое звучание.* То, что звучит в слове красное, не имеет самостоятельно никакого особо выраженного перехода к понятию теплого или холодного. Последнее приходится добавлять мысленно, как и более тонкие нюансы красного тона. По этой причине я называю такое духовное видение неточным. Но оно в то же время и точно, так как остается только внутреннее звучание без случайных, ведущих к деталям, склонностей к теплому или холодному и т.д. Это внутреннее звучание похоже на звук трубы или инструмента, который мы представляем себе при слове "труба" и пр., причем подробности отсутствуют. Мы мыслим именно этот звук без различий, обуславливаемых звучанием на открытом воздухе, в закрытом помещении, или зависящих от того, одна ли это труба или их несколько, и играет ли на трубе охотник, солдат или виртуоз.

Когда мы хотим, однако, передать этот красный звук в материальной форме (как в живописи), то мы должны: 1) выбрать определенный тон из бесконечного ряда различных оттенков красного, то есть, так сказать, охарактеризовать его субъективно и 2) отграничить его на плоскости, отграничить от других цветов, которые обязательно

присутствуют, которых ни в коем случае нельзя избежать и благодаря которым (путем отграничения и соседства) изменяется субъективная характеристика (получает объективную оболочку); здесь заметным становится объективный призвук.

Это неизбежное взаимоотношение формы и краски приводит нас к наблюдению воздействия формы на краску. Сама форма, даже если она совершенно абстрактна и подобна геометрической, имеет свое внутреннее звучание, является духовным существом с качествами, которые идентичны с этой формой. Подобным существом является треугольник (без дальнейшего уточнения - является ли он остроконечным, плоским, равносторонним): он есть подобное существо с присущим лишь ему одному духовным ароматом. В связи с другими формами этот аромат дифференцируется, приобретает призвучные нюансы, но по существу остается неизменным, как аромат розы, который никак нельзя принять за аромат фиалки. Так же обстоит дело и с квадратом, кругом и всеми возможными другими формами.* Итак, это такой же случай, как описанный выше случай с красным цветом; субъективная субстанция в объективной оболочке.

Здесь становится ясным взаимоотношение, формы и краски. Треугольник, закрашенный желтым, круг - синим, квадрат - зеленым, снова треугольник, но зеленый, желтый круг, синий квадрат и т.д. Все это совершенно различные и совершенно различно действующие существа.

При этом легко заметить, что одна форма подчеркивает значение какого-нибудь цвета, другая же форма притупляет его. Во всяком случае, резкая краска в остроконечной форме усиливается в своих свойствах (напр., желтый цвет в треугольнике). Цвета, склонные к углублению, усиливают свое воздействие при круглых формах (напр., синий цвет в круге).

С другой стороны, разумеется, ясно, что несоответствие между формой и цветом не должно рассматриваться как что-то "негармоничное", напротив того, это несоответствие открывает новую возможность, а также и гармонию.

Абстрагирование -- один из основных способов нашего мышления. Его результат - образование наиболее общих понятий и суждений (абстракций). В декоративном искусстве абстрагирование - это процесс стилизации природных форм. В художественной деятельности абстрагирование присутствует постоянно; в своем крайнем выражении в изобразительном творчестве оно ведет к абстракционизму, особому направлению в изобразительном искусстве XX в., для которого характерны отказ от изображения реальных объектов, предельное обобщение или полный отказ от формы, беспредметные композиции (из линий, точек, пятен, плоскостей и др.), эксперименты с цветом, спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, неорганизованных абстрактных формах (абстрактный экспрессионизм). К этому направлению можно отнести живопись русского художника В.Кандинского
Представители некоторых течений в абстрактном искусстве создавали логически упорядоченные конструкции, перекликаясь с поисками рациональной организации форм в архитектуре и дизайне (супрематизм русского живописца К. Малевича, конструктивизм и др.) В скульптуре абстракционизм выразился меньше, чем в живописи. Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что провозглашал отказ от сознательного в искусстве и призывал "уступить инициативу формам, краскам, цвету".

Искусство, на определённом этапе, развивалось от предметного к беспредметному. Разумеется, большинство художников оставались на старых позициях. Эксперимент был уделом немногих. Причём продвижение шло поэтапно. Если невинный импрессионизм казался людям ХІХ века безвкусицей, тогда, что же они сказали бы об супрематизме, если бы он возник на полвека раньше? Спасало то, что в те времена все экспериментаторы начинали, как художники предметного искусства. То есть их УМЕНИЕ рисовать было зафиксировано на многих привычных картинах. И когда такой мастер писал откровенную мазню, придумывая под неё сложную для понимания публики "теорию", зрители зная, что художник умеет рисовать, искали в его мазне то, что хотели найти. Этому помогают и некоторые свойства нашей психики. Если я нарисую нечто неопределённое и назову это фуфайкой - вы невольно будете искать в нём контуры фуфайки, а назову то же самое - ласточкой - человек с развитым воображением увидит в этом ласточку. Как шло становление нового искусства хорошо иллюстрирует рассказ основоположника абстракционизма - художника Кандинского - о том, что он случайно прислонил одну из своих картин к стене боком. Изображение стало непонятным, только загадочно засверкали краски. Хотя по свидетельству очевидцев, он просто вытирал кисти о тряпку, сочетание случайных пятен понравилось художнику и тот выдал его за готовую картину. После этого он СОЗНАТЕЛЬНО стал так рисовать. То есть беспредметное искусство поначалу было ОТКРЫТИЕМ. Но, как правильно заметили искусствоведы - в живописи любое направление завершается упадком. Упадок наступает тогда, когда в том или ином направлении всё перепробовали, вернее всё, что воспримется обществом на данном этапе развития. И уже в начале ХХ века, "Чёрный квадрат" поставил точку. Дальше экспериментировать некуда. Дальше идут повторы и самоповторы.

Это "Черный квадрат" Малевича (1915)

Не буду больше искушать вас теорией, но без нее не понять творчества Кандинского и других художников, творивших на рубеже 20 века. Посмотрим картины с этой выставки.

Смерть красок (В.Кандинский)

Это тоже Кандинский

А это Габриель Мюнтер

Здесь стоит немного прерваться, чтобы пояснить, кто такая Габриэль Мюнтер. (Традиционная тема - Женщины в жизни Кандинского)

Мы говорили, что в 30 лет Василий Васильевич Кандинский женился на своей кузине, Анне Филипповне Чемякиной и уехал вместе с ней в Мюнхен. В 1900 году он поступает в мюнхенскую Академию искусств и становится учеником знаменитого Франка Штука, признанного главы «югендстиля». Однако уже через год Кандинский покидает Академию, чтобы стать свободным художником и попытаться найти свой стиль и собственный путь в искусстве. Он с головой окунается в художественную жизнь Германии, много работает, выставляется, организует различные творческие объединения и группы. Одной их них была «Фаланга», при которой действовала художественная школа, в которой он преподавал.

В эту школу в 1902 году поступила 24-летняя начинающая художница Габриэла Мюнтер. Именно здесь произошла её первая встреча с Кандинским, ставшая переломным моментом в их жизни и оказавшая глубокое влияние на их судьбы и творчество. Уже вскоре после их первой встречи учитель настолько увлекается своей молодой талантливой ученицей, что не мыслит без неё своей дальнейшей жизни.

Однако Мюнтер отвергает его настойчивые ухаживания, предлагая ему прежде разорвать отношения с женой. Проходит год, пока Кандинский, наконец, расстаётся с Анной, сохранив с ней дружеские отношения. В 1903 году состоялась помолвка Кандинского и Мюнтер, после чего они некоторое время живут в Мюнхене, а в 1904 году начинается их четырёхлетний период странствий. Они посещают Голландию, Швейцарию, Бельгию, Италию, Тунис и, наконец, Францию, где проводят целый год в Севре под Парижем. Их отношения в эти годы проходят серьёзную проверку на прочность. Причин для трений достаточно. Это, прежде всего, неравенство в социальном статусе, ведь положение женщины, живущей в незарегистрированном браке с неразведённым мужчиной, в те годы было незавидным.

Кандинский, в свою очередь, терзался угрызениями совести из-за покинутой жены и никак не мог решиться на окончательное расторжение брака. К этому добавлялись, особенно в парижский период, творческие искания. Как считают некоторые исследователи, именно тогда возникла трещина в их отношениях, приведшая впоследствии к полному разрыву.

Но пока что пара, по возвращении в Германию, летом 1908 года приезжает в Мурнау. Маленький городок сразу очаровал их своим живописным расположением: чудесный вид на озеро с высокого холма, поросшие мхом долины, возвышающиеся неподалёку отроги Альп. Этот великолепный ландшафт с чистыми красками, прозрачный, пропитанный солнечным светом альпийский воздух вызвали огромный прилив творческих сил Кандинского и Мюнтер. Они ежедневно по многу часов пишут с натуры. Здесь, наконец, происходит прорыв обоих художников к их собственному стилю, обретение индивидуальных средств художественной выразительности. Особенно плодотворными стали эти несколько месяцев для Габриэлы. Позднее она вспоминала: «Я там после короткого времени творческих мук сделала большой скачок – от пейзажей, более или менее импрессионистских, к абстракции, к передаче сути».

Автопортрет Габриэлы Мюнтер

Мальнький фильм позволит вам полнее узнать о творчестве этой замечательной женщины

 В 1909 году под председательством Кандинского создаётся «Новое объединение художников Мюнхена», исповедующих экспрессионизм. Летом того же года Кандинский и Мюнтер решают окончательно осесть в Мурнау, для чего покупают дом с земельным участком и садом. В это же время они открывают для себя баварское и богемское народное искусство живописи на стекле, т.н. Hinterglasmalerei. Первой осваивает технику нанесения рисунка и красок на заднюю сторону стекла Мюнтер и заражает этим сначала Кандинского, а затем и других друзей-художников. Это искусство с его яркими цветовыми полями, чёрными контурами рисунка и ощущением изначальной искренности послужило действенным импульсом для рождения «Синего всадника».

Объединение с таким названием возникает на базе одноимённого альманаха, который с осени 1911 года начинают издавать Кандинский и Франц Марк. К этому времени Кандинский отходит от экспрессионизма и создаёт свои первые абстрактные композиции

Все эти годы отношения Кандинского и Мюнтер не были ровными, а тем более идиллическими. Были периоды сближения и отчуждения, но неизменно их объединяло творчество, единство в понимании искусства, взаимная поддержка и помощь. Кандинский, по свидетельству самой Мюнтер, всегда признавал её большой талант и всемерно способствовал его развитию. Больше того, желание совместно беззаветно отдаваться творчеству было, как считают многие, основой его влюблённости в Мюнтер. Она же, со своей стороны, всегда преклонялась перед его огромным талантом, целеустремлённостью, потребностью в постоянном поиске нового в искусстве.

После 1912 года их личные отношения, осложнённые частыми отлучками Кандинского из Мурнау, а также всё более отчётливо проявляющимся несходством характеров, заходят в тупик. В одном из писем к Кандинскому Мюнтер признаётся: «Я чувствую себя без тебя одиноко и беспокоюсь о тебе – и знай, что и с тобой мне одиноко».

Точки над «и» поставила начавшаяся Первая мировая война. Кандинский как гражданин России вынужден был покинуть Германию. Сначала они вдвоём выезжают в Швейцарию, а затем он окольными путями с трудом добирается до Москвы. В письме оттуда он предлагает ей сохранить дружбу, что, на его взгляд, было бы лучшей формой их отношений. В 1915 году они встречаются в Стокгольме, чтобы расстаться навсегда. Мюнтер до конца жизни (она умерла в 1962 году) прожила в своём доме в Мурнау, который превращён в дом-музей.

В 1917 году 50-летний В. Кандинский  женится на дочери русского генерала 23-летней  Нине Николаевне  Андреевской.

Несмотря на значительную разницу в возрасте, Нина стала второй женой Василия Кандинского. Вплоть до самой смерти мужа в 1944г., следовала за ним из Советской России, в Германию, затем - во Францию. На 35 лет она пережила Василия Васильевича. После смерти мужа Нина Николаевна Кандинская подарила его лучшие произведения Франции и нью-йоркскому Музею Гуггенхайма. Она собиралась передать около тридцати его работ и на историческую родину. Когда об этом стало известно, Нину Николаевну в 1983 году зверски убили в ее швейцарском доме. Киллеры забрали драгоценности, но не тронули ни одной картины. Это послужило поводом для появления на первый взгляд нелепой версии: 89-летнюю женщину ликвидировали для того, чтобы она не отдала картины Москве. Как бы там ни было, преступников не нашли и дело закрыли.

Здесь вы можете посмотреть еще несколько картин Кандинского

Вернемся на выставку в Альбертине. Выставлены были также работы Андрея Явленского, Марианны Веревкиной .

Он – всемирно известный русский художник, чьи работы представлены в лучших музеях Европы и Америки, чьему творчеству посвящены альбомы и монографии, - Алексей Георгиевич Явленский. А мы о нем мало знаем. А о Веревкиной не знаем ничего.

Итак, Алексей Явленский родился 13 марта по старому стилю и, соответственно, 26 – по новому 1864г. в городе Торжке Тверской губернии. Его отец – Георгий Никифорович Явленский был полковником русской армии. Алексей закончил военное училище, стал лейтенантом, перебрался в Петербкрг, и стал посещать занятия в Академии художеств. В мастерской Репина он познакомился со своей будущей женой Марианной Веревкиной.

Более опытная – она на четыре года старше Алексея, — глубоко и разносторонне образованная, Марианна сумела разглядеть в творчестве Явленского нечто, близкое ей самой и отвечавшее ее устремлениям в искусстве: отход от реалистической традиции, внутренние метания, попытки поиска собственного языка.

О, это тот, кто ей нужен, кому можно отдавать, отдавать и отдавать: свои знания, опыт, свои прозрения в живописи. Будучи успешной и любимой ученицей Репина, Он даже написал портрет Марианны, который хранится в Доме-музее Репина. Веревкина уже тогда тяготела к «другому искусству». «Реалистический мир был для меня так же чужд, как и романтический. Передо мной маячили собственные цели…» — напишет она потом в дневнике.

Алексея же Марианна поразила как личность с мощной харизмой. Необычайно талантливая и яркая, хотя и не блиставшая красотой в ее классическом понимании, она моментально становилась центром любой компании.

Молодые люди стали работать вместе.

С самого начала они были непростыми и не вполне понятными ни им самим, ни, тем более, стороннему наблюдателю. Во всяком случае, отца Марианны, генерала от инфантерии Владимира Николаевича Веревкина, который был в то время доверенным лицом императора и комендантом Петропавловской крепости, эти отношения беспокоили очень. Что общего могло быть у его обожаемой умницы-дочери с молодым, бедным красавчиком-лейтенантом? Тактичный отец прямо этого вопроса никогда Марианне не задавал, но однажды все-таки заметил: очень солидная пенсия, которую она будет получать после его смерти, положена ей только до замужества. Однако дочь уверила отца, что замуж совсем не торопится, хотя было ей в то время уже за тридцать.

В какой-то момент, не вынеся «чистой дружбы», темпераментный Алексей объяснился Марианне в любви. Но та не пожелала ничего менять в их отношениях, лишь заверила его в готовности помогать и дальше. В главном, что их связывало. В творчестве.

Такое положение продолжалось до тех пор, пока однажды, приглашенный в имение Веревкиных Благодать, Алексей «не наломал дров». Что именно он учинил и как «оскорбил» Марианну, определить не берусь. Сама она довольно туманно записала в дневнике, мол, «была обесчещена»: «Явленский осквернил меня, хотя смелости взять меня у него не хватило».

Что должно было из этого последовать? Дуэль с родными «жертвы»? Уход ее в монастырь? Нет, нашелся иной выход. «Я сделаю из него великого художника и покрою мой позор славой и любовью!»

Решение парадоксальное, но для Марианны весьма характерное.

1896г. В январе генерал Веревкин умер. Похоронив отца, Марианнаи Алексей уезжают в Германию. Почему они выбрали Германию, а не Францию, не Париж, этот «кипящий котел художественного авангарда»? На то были свои резоны.
С середины Х1Х века Мюнхен славился тем, что мог предложить художникам великолепное образование.

Высшей целью Марианны было создание нового, «искреннего» искусства, и воплотить эту цель в жизнь, по ее представлениям, призван был Явленский. Понимала ли до конца молодая Марианна, на какой путь вступает сама и «ставит» Явленского? Сомнительно. Одержимая жаждой отдавать, дарить себя, формировать из Алексея художника, соответствующего ее представлениям и чаяниям (история Пигмалиона и Галатеи, только наоборот), она упустила из виду его личностные качества, человеческую и творческую индивидуальность. Алексей, как всегда, усердно учился в школе Ашбе, внимательно вслушивался в высказывания коллег-художников об искусстве, впитывал, анализировал.

Около восьми лет в общей сложности потратил Явленский на обучение. Непростые это были годы, подчас мучительные и для него, и для Веревкиной. Уже уйдя из класса Ашбе, Алексей продолжал экспериментировать, искать собственный путь. Он работал в своей мастерской и временами начинал внутренне метаться, чувствуя, что заходит в тупик. Не могла помочь ему в этот период и Марианна, сама издерганная и измученная частыми ссорами и выяснениями отношений. Тоску и боль она доверяла дневникам, которые вела с 1901 по 1905 годы. Озаглавив их «Письма к незнакомцу», она фактически вступила в диалог с самой собой, со своим вторым, лучшим «я».

Миру и ладу между художнической четой мешало еще одно немаловажное обстоятельство, которое большинство биографов и Явленского, и Веревкиной упоминают между делом, скороговоркой. В изложении одного из них звучит это так: «С самого начала эта дружба двух художников была необычной. Несмотря на то, что жили они в одной квартире, их связывали только платонические отношения в силу определенного душевного настроя Веревкиной».

«Я люблю только душу. Я равнодушна к телам», - писала Марианна в своем дневнике. Эти слова ее перекликаются со строками М. Цветаевой из «Поэмы конца»:

…Хотеть – это дело тел,

А мы друг для друга – души.

Только во втором случае это – художественный образ, поэтическая декларация, а в первом – образ жизни. И если все обстояло таким образом, не могла же не понимать Марианна, прекрасно знавшая некоторые особенности характера своего друга, его бурный темперамент, влечение к противоположному полу, из которого он не делал секрета… не могла же она не понимать, что их «дружба» - бомба замедленного действия, которая рано или поздно взорвется!

В качестве горничной и кухарки Марианна привезла в Германию свою воспитанницу, некую Елену Незнакомову, совсем еще девочку. Но время шло, девочка подрастала, и однажды, возможно, в минуту очередного раздора, Явленский, знавший Елену еще в Благодати, обратил на нее более пристальное, чем обычно, внимание. (По другой версии, это случилось еще до отъезда в Германию.)

В результате их связи у Елены родился сын Андрей (на фото). Скажем сразу (тому немало свидетельств): Алексей мальчика обожал. С малых лет уделял ему много внимания, брал с собой почти во все поездки, вместе с Веревкиной (!) учил его азам живописи, позволял рисовать в своей мастерской.

В начале ХХ века цели Явленского в искусстве еще весьма туманны, хотя к 1903 году в его живописи уже практически разорвана связь с академизмом и реализмом. Тогда же определилась и тематика его произведений: ни литературные, ни исторические и мифологические сюжеты художника не привлекают; он пишет портреты, натюрморты и пейзажи (ландшафты).

В натюрмортах этого периода изображаемые предметы максимально абстрагированы, над всем господствует цвет. Не исключено, что тут есть влияние Веревкиной, которая свои мысли о роли цвета в живописи изложила следующим образом:

«Цвет самоценен. Он определяет форму. …Чем сильнее цветовое воздействие, тем меньше возможности формы. Цвет растворяет существующую форму. Нужно находить собственную форму».

Цвет у Явленского предельно интенсивен, а окружающее пространство в натюрмортах фактически отсутствует: нет ни стен, ни окон, ни стола, где должны бы располагаться изображаемые предметы. Как будто материал натюрморта существует сам по себе, парит… Этот эффект «вырывания из среды» для произведений Явленского очень характерен и на зрителя по сей день производит сильнейшее впечатление.

 

 

Этот портрет Елены Незнакомовой работы Явленского
был продан на аукционе Сотби за 6 мл. фунтов
За что люди деньги платят?
 

1905г. стал для обоих художников переломным. (Революция, разразившаяся на родине, совпала с революцией в их творчестве.) Алексей сделал до такой степени ощутимый рывок в своей живописи, что молодая художница Габриель Мюнтер готова была не только сама у него учиться, но советовала кое-чему поучиться и опытному Кандинскому.

Исследователи творчества А.Явленского отмечали, что именно он с 1905 года оказывал активное влияние на творчество В.Кандинского, который затем зафиксировал эти общие идеи психологической символики цвета в трактате «О духовном в искусстве», опубликованном в 1911 году. В своем творчестве А.Явленский использовал чувственную интенсивность краски, используя ограниченное количество цветов – красный, синий, желтый, а все остальные переводя в дополнительные. Нанося на локальные цветовые пятна легкие мазки черного, художник заставлял краски как бы светиться. Эту палитру красок и этот художественный прием, воспринятый еще в Мюнхене,

 

Посмотрим работы Явленского

И я нашел работы Веревкиной

Это Автопортрет М. Веревкиной - злого гения Явленского, которого она и создала

Это тоже работа Марианны Веревкиной "Городок в Литве" - какие краски!

Марианну Веревкину называют одной из самых необычайных личностей в искусстве ХХ века. Это была умная, одаренная женщина с сильной волей. Изысканная красавица с полными губами и выразительными глазами, она сразу же оказывалась в центре внимания в любом обществе. В теории она предвосхитила многие особенности искусства ХХ века, но не чувствовала в себе уверенности воплотить свои идеи в жизнь. Для этой цели она избрала Явленского и оставила живопись, чтобы целиком посвятить себя ученику.

А. Явленский писал об искусстве в 1905 году : «Искусство состоит в том, чтобы передать вещи, которых нет, но которые, во всяком случае, могли бы быть. Мои друзья – яблоки, которые я люблю за их роскошные красные, зеленые и сиреневые одежды, – уже для меня на том или ином фоне, в том или ином окружении больше не яблоки. Их тона и их сверкающие краски на фоне других, сдержанных тонов сливаются в пронизанную диссонансами гармонию. Для моих глаз это как музыка, которая передает мне то или иное настроение моей души, то или иное соприкосновение с душой вещей, с тем нечто, что трепещет тайно и незаметно для всего мира в каждом материальном предмете, в каждом впечатлении, которое мы получаем извне... Яблоки, деревья, человеческие лица для меня лишь указания, чтобы в них видеть нечто другое: жизнь красок, понятую оком страстного влюбленного»

Какой удивительный гимн цвету! Своеобразный манифест экспрессионистической живописи.

Вот такие размышления родились при воспоминании о выставке Синий всадник.

Это Афиша выставки

 Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию современного мира и имел успех потому, что провозглашал отказ от сознательного в искусстве и призывал "уступить инициативу формам, краскам, цвету".

На этом мы и закончим экскурсию. Кто хочет, может посмотреть еще несколько картин Кандинского из моей коллекции.

Украинский политик Сергей Аксененко написал книгу "Эссе о живописи". Некоторые главы из нее я предлагаю вам посмотреть. Он назвал авангардное искусство "Договорными ценностями". Хорошее определение для тех, кто хочет казаться разбирающимся в искусстве. 

Всегда помните сказку Андерсена "Голый король". Ибо найдется мальчик, который воскликнет: "А король-то голый!"

Прогулки по Вене - 6.

Вена у меня ассоциируется еще с двумя именами - Густав Климт и Фриденсрайх Хундертвассер.

Жизнь и эротическое представление о ней, на мой взгляд, составляют суть творчества выдающегося художника конца 19 и начала 20 века Густава Климта.

Жил Климт очень скромно. За границу (да и то ненадолго) он выезжал всего несколько раз в жизни, большую часть времени проводя в Вене и покидая ее лишь для того, чтобы отдохнуть несколько летних недель на озере Аттерзее, в Австрийских Альпах. Несмотря на то, что художник отличался крепким телосложением, любил плавать и заниматься греблей, прогрессирующая депрессия вынуждала его ежегодно, начиная с 1912 года, ездить на воды. Дома Климт жил вместе со своей матерью. Ежедневно он увлеченно работал, иногда даже забывая про обед. Политикой он совершенно не интересовался, и, кажется, не слишком обратил внимание на грянувшую мировую войну.

Густав Климт был самым талантливым в Австро-Венгрии из всех представителей стиля модерн (его называют здесь югендстиль). Творческая манера этого художника-символиста претерпела множество трансформаций: от необарокко его первых картин, к модерну. Климт сменил традиционные аллегории на сложный, изысканный язык узоров, который характерен для его “золотого периода”.

Ранние работы Климта представляли преимущественно большие фрески для театров. Их натуралистический стиль особого интереса для любителей модерна не представляет. В замечательных росписях, изображающих аллегорические фигуры, выполненных в 1891 году Климтом над большой лестницей, расположенной в венском Музее истории искусств, впервые видны типичные для югендстиля четкий силуэт и приверженность к орнаментализму.

Период рубежа ХIХ - ХХ веков вошел в русскую историю как один из необычайно ярких всплесков творческой энергии. Столь стремительный взлет творческой активности стал, в том числе, и причиной рождения в сознании современников особого стиля – стиля модерн – сразу же окрещенного за особую содержательную направленность дополнительным синонимом – «новый стиль».
Культура модерна в высшей степени самобытна и самоценна, так как подарила миру целую плеяду замечательных, архитекторов, художников, скульпторов, поэтов и писателей, режиссеров и музыкантов. Одним из таких представителей и был Густав Климт в Австрии и Врубель в России.

К лучшим работам Климта относят его портреты, написанные в более позднее время. Их можно посмотреть в венской Австрийской галерее, размещённой в Императорской резиденции Бельведер. В этом прекрасном дворце, построенном в барочном стиле, находится коллекция живописи, в которой главное место отведено картинам Густава Климта и их жемчужине знаменитому “Поцелую”.

Это одна из самых любимых моих картин. Моделью к этой картине был сам Густав Климт и его возлюбленная Эмилия Флоге. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица и руки героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики (в том числе консервативной и пуританской).

Прогулки по Вене - 5.

Нельзя Вену представить без музыки Штрауса. У нас уже в 1 опусе звучал марш Радецкого Иоганна Штрауса-отца. А теперь послушайте вальсы Иоганна Штрауса-сына 

Мы живем рядом с Городским парком, в котором легендарный Курзал, в котором дирижировал сам Штраус. До сих пор здесь по вечерам играет оркестр и устраивают ужины при свечах.

21 августа 1862 состоялось открытие Штадтпарка. В 1867 г. в парке Йоханн Гарбен построил Венский Курсалон в стиле итальянского Возрождения. В Штадтпарке много скульптур, больше чем в других парках в Вене: это памятник Иоганну Штраусу-сыну - "королю вальса", и Францу Шуберту, Ф.Леару и Р.Штольцу.

Красавица-Вена неотделима от прекрасной музыки Иоганна Штрауса-сына, который прожил в этом городе многие годы и написал лучшие свои произведения. Памятник Штраусу-сыну в городском парке (Stadtpark) - один из главных символов города.

О творчестве Штрауса и его жизни в столице Австрии рассказывает экспозиция в квартире-музее на Praterstrasse, 54, но до этого музея я , к сожалению, не добрался. В этом доме Штраус жил семь лет, здесь им были сочинены многие прекрасные произведения, например, знаменитый вальс «Голубой Дунай». В музее много раритетов, включая музыкальные инструменты, на которых играл Штраус, партитуры его произведений, мебель, картины. В экспозиции подробно рассказывается о личной жизни композитора, а она, стоит отметить, была весьма бурной.

Мы мало знаем о Штраусе-отце. Он был скрипачем, композитором  и дирижером. Его считают родоначальником музыкальной династии Штраусов. Трое его сыновей — Иоганн, Йозеф и Эдуард — тоже стали известными композиторами. Наследие композитора насчитывает 251 творение (в том числе 152 вальса!). Это наследие было бережно сохранено его сыном и издано в 1889 году в Лейпциге. (Johann Strauss. Gesamtausgabe. Herausgegeben von seinem Sohn Johann Strauss, 7 Bände. Leipzig, 1889.)

Это фотография Штрауса-отца.

Иоганн Штраус-сын родился в Вене в 1825 году. Его отец, тоже Иоганн, прежде чем стать скрипачом, перепробовал несколько профессий, и в конце концов именно на музыкальном поприще добился больших успехов. Женившись, Штраус-отец организовал собственный оркестр, игравший танцевальную музыку для увеселения богатых жителей Вены, при необходимости сам сочинял, стал знаменит и получил титул "короля вальса". Штраус-отец много гастролировал со своим ансамблем - выступая в Берлине, Париже, Брюсселе, Лондоне. Своими вальсами он оказывал магическое действие на публику - даже такие маэстро, как Лист и Берлиоз выражали ему свое восхищение.

Почти 10 лет семья Иоганна Штрауса кочевала из одной венской квартиры в другую, и почти в каждой из них появлялся на свет ребенок - сын или дочка. Дети росли в атмосфере, насыщенной музыкой, и все были музыкальны. Оркестр отца часто репетировал на дому, и маленький Иоганн внимательно следил за происходящим. Он рано стал учиться на фортепьяно, пел в церковном хоре. Уже в шесть лет он наигрывал свои собственные танцы. Однако ни отец, ни мать не желали музыкальной будущности своим детям.

Тем временем жизнелюбивый отец стал жить на две семьи, и к семи детям от первого брака у него прибавилось еще семь. Отец был для Иоганна кумиром, и все-таки юноша лелеял мечту когда-нибудь подняться еще выше. Официально он числился в Политехническом училище, однако втайне продолжал заниматься музыкой: зарабатывая деньги преподаванием игры на фортепьяно, он отдавал их за уроки игры на скрипке. Попытки же родителей пристроить его к банковскому делу успеха не имели.

Наконец в свои девятнадцать лет Иоганн Штраус собрал небольшой ансамбль и получил в венском магистрате официальное право зарабатывать на жизнь дирижированием. Его дебют состоялся 15 октября 1844 года в качестве капельмейстера и композитора в знаменитом казино в предместье Вены. Публичное выступление молодого Штрауса с собственным оркестром стало для венской публики настоящей сенсацией. Само собой разумеется, что все увидели в честолюбивом сыне конкурента отцу.

На следующее утро газеты написали: "Добрый вечер, Штраус-отец. Доброе утро, Штраус-сын". Отцу же в ту пору было всего лишь сорок лет. Поступок сына привел его в ярость, и вскоре для сына, еще упивающегося своим триумфом, начались жестокие будни - борьба за выживание. Отец по-прежнему играл на светских балах и при дворе, на долю же сына во всей Вене оставалось лишь два небольших заведения - казино и кафе. Однако осенью 1849 года отец неожиданно умирает, и для сына все разом переменилось. Знаменитый оркестр Штрауса-отца без лишних разговоров избрал Штрауса-сына своим дирижером, и почти все увеселительные заведения столицы возобновили с ним свои контракты. Проявляя недюжинные дипломатические способности, зная, как польстить сильным мира сего, Штраус-сын вскоре стремительно пошел в гору. В 1852 года он уже играл при дворе молодого императора.

Летом 1854 года к И.Штраусу явились с деловым предложением представители русской железнодорожной компании, владевшей пригородной линией, связывавшей С.-Петербург с Царским селом и Павловском. Маэстро получил приглашение выступать вместе со своим оркестром в роскошном Павловском вокзале и в парке, где располагались дворцы царя и великого князя Константина. Деньги предлагались немалые, и Штраус немедленно согласился. 18 мая 1856 года начался его первый сезон под русским небом. Публика сразу же была покорена его вальсами и польками. На его концертах бывали члены императорской семьи. В Вене же Штрауса не без успеха заменял его брат - Йозеф, тоже талантливый дирижер и композитор.

Штраус и Павловск - это тоже два слитых воедино для меня слова

Здание Павловского вокзала, возведенное в дворцовом парке в середине XIX века по проекту Андрея Штакеншнейдера, предназначалось не только для приобретения билетов и ожидания поезда. При вокзале имелся ресторан, сад с фонтанами и большой концертный зал, рассчитанный более чем на 100 человек. В течение шестнадцати лет, с 1856 по 1872 г., с некоторыми перерывами, здесь выступал Иоганн Штраус. Музыкальные вечера в Павловском вокзале продолжались свыше 100 лет, а сам концертный зал Павловска называли первой русской филармонией. На его эстраде выступали не только выдающиеся дирижеры, но и многие исполнители - Федор Шаляпин, Иван Ершов, Анастасия Вяльцева. В 2003 году в Павловском парке установили памятник Штраусу - точную копию золотого Штрауса в Вене

Штраус провел в России с перерывами десять лет. Летом 1858 года во время одной из прогулок Штрауса познакомили с Ольгой Смирнитской. Она привлекла его с первой же встречи. Исключительной красотой Нет. Хотя Ольга и была очень хороша — стройная, с выразительными черными глазами, пышными шелковистыми кудрями, — она вряд ли могла называться красавицей. Но внутренняя красота, непосредственность, удивительное сочетание внутренней серьезности и девичьей шаловливости притягивали к ней.
Увы, мать Ольги была против их связи. Штраус тяжело пережил разрыв с горячо любимой девушкой, ставшей для него воплощением добрых, чистых идеалов. Летом 1859 года он посвятил любимой очаровательные польки-мазурки «Проказница» и «Кобольд», полные реминисценций о лучезарных днях прошлого. Последние дошедшие до нас письма Штрауса к Ольге относятся к зиме 1859—1860 года.
Ольга не только принесла ему радости и горести первой любви. Она обогатила его как человека, музыканта, художника-творца в самом благородном смысле этого слова. Под ее влиянием все доброе, светлое в душе Иоганна выкристаллизовалось, отшлифовалось. Его кругозор значительно расширился. Он узнал молодую, но одну из самых передовых в Европе русскую музыкальную культуру, причем тогда, когда она была еще мало известна на Западе.

В феврале 2011 года по телеканалу "Культура" показали удивительный фильм под названием "Больше, чем любовь" о любви Штрауса и Ольги Смирницкой на основе недавно изданной книги "100 писем о любви".

В России Штраус пережил немало романов, однако супружеское счастье нашел в Вене, женившись в августе 1862 года на Етти Трефц, уже имевшей до него трех дочерей и четырех сыновей. Это ничуть не помешало ей стать не только его возлюбленной, но также музой, сиделкой, секретаршей, деловой советчицей. При ней Штраус еще выше вознесся и еще больше окреп духом. На летний сезон 1863 года Етти вместе с мужем поехала в Россию... Стараясь не отставать от Йозефа, к тому времени ставшего в Вене известным композитором, Иоганн Штраус создает свои шедевры - вальсы "Голубой Дунай" и "Сказки Венского леса", в которых выразилась музыкальная душа Вены, сотканная из мелодий самых разных наций, ее населяющих.

На фото Штраусн со своей женой   Генриеттой Трефц, которая была  была знаменитой оперной певицей.

В 1870 году венские газеты сообщили, что Штраус работает над опереттой. На это его подвигла честолюбивая жена. И вправду, Штраусу надоело "пиликанье" вальсов и он отказался от должности "дирижера придворных балов". Эту должность займет третий его брат - Эдуард Штраус. Первую оперетту Штрауса под названием "Индиго и сорок разбойников" публика приняла на ура. Третьей же опереттой композитора стала знаменитая "Летучая мышь". Поставленная весной 1874 года, она сразу же полюбилась венцам. Композитор одолел еще один Олимп. Теперь он был признан во всем музыкальном мире, однако продолжал работать в лихорадочном темпе и с огромным напряжением. Успех и слава так и не избавили его от страха, что однажды муза покинет его, и он больше ничего не сможет написать. Этот баловень судьбы был вечно недоволен собой и полон сомнений.

Отказ от придворного дирижирования не помешал Штраусу и далее гастролировать по странам и весям, с успехом выступать Санкт-Петербурге и Москве, Париже и Лондоне, Нью-Йорке и Бостоне. Доходы его растут, он входит в элиту венского общества, строит свой "городской дворец", живет в роскоши. Смерть жены и неудачный второй брак на некоторое время выбили Штрауса из привычной колеи успеха, но через несколько лет, будучи уже в третьем браке, он снова на коне.

После оперетты "Ночи в Венеции" он пишет своего "Цыганского барона". Премьера этой оперетты 24 октября 1885 года накануне шестидесятилетия композитора явилась для венцев подлинным праздником, а затем началось ее триумфальное шествие по всем крупным театрам Германии и Австрии. Но Штраусу уже и этого было мало - душа его требовала другого музыкального простора, другой сцены - оперной. Он внимательно следил за музыкальными тенденциями своего времени, учился у классиков, дружил с такими маэстро, как Иоганн Брамс и Ференц Лист. Ему не давали покоя их лавры, и он решил одолеть еще один Олимп - оперный. От этой затеи его не без труда отговорил Брамс и, пожалуй, был прав. Но отсюда следует и другое - Иоганн Штраус как настоящий художник не мог не искать для себя новых путей, новых точек приложения своего недюжинного таланта.

И все-таки для Штрауса это был крах некой мечты. После этого творчество композитора резко пошло по нисходящей. Его новая оперетта "Венская кровь" не понравилась публике и выдержала лишь несколько представлений. В октябре 1894 года Вена торжественно отмечала 50-летие дирижерской деятельности "короля вальсов". Сам же Штраус прекрасно понимал, что это всего лишь ностальгия по старым добрым временам, от которых в воздухе почти ничего не осталось. В дверь стучался суровый двадцатый век.

Последние годы жизни Штраус провел уединенно, прятался в своем особняке, где время от времени гонял с друзьями биллиардные шары. По случаю 25-летия оперетты "Летучая мышь" его уговорили дирижировать увертюрой. Последнее выступление Штрауса оказалось для него роковым - он простудился и заболел. Началось воспаление легких. 30 июня 1899 года Штраус умер. Как когда-то его отцу, Вена устроила ему грандиозные похороны.

Ну и под конец приведу несколько высказываний о Штраусе

Две вещи на земле очень трудны: во-первых, добиться славы, во-вторых, ее удержать. Только подлинным мастерам это удается: от Бетховена до Штрауса, каждому в своем роде.

Роберт Шуман

Штраус - это Бог, владеющий страстями.

Александр Дюма

Имя Штрауса славится ныне во всей танцующей Европе. Оно неотделимо от несметного числа прихотливых веселых вальсов, отличающихся новым ритмом и изящной оригинальной непринужденностью, вальсов, обошедших весь мир...

Гектор Берлиоз

Прогулки по Вене - 4.

Бетховен  впервые приехал в Вену в 1787году в возрасте 17 лет. Вена покорила его. А в 1792 году он приехал в Вену во второй раз по приглашению Гайдна и оставался здесь до конца своих дней. Умер он 26 марта 1827 года в возрасте 57 лет.

Приехав в Вену, Бетховен начал занятия с Гайдном, но они быстро разочаровали и ученика, и учителя. Бетховен думал, что Гайдн был недостаточно внимателен к его стараниям; Гайдна пугали не только смелые по тем временам взгляды Людвига, но и довольно мрачные мелодии, что в те годы было малораспространённым. Однажды Гайдн написал Бетховену::

Ваши вещи прекрасные, это даже чудесные вещи, но то тут, то там в них встречается нечто странное, мрачное, так как Вы сами немного угрюмы и странны; а стиль музыканта — это всегда он сам.

Вскоре Гайдн уехал в Англию и передал своего ученика известному педагогу и теоретику Альбехтсбергеру. Умению свободно писать для голоса Бетховен учился у Сальери. Кстати, почитайте интересную статью, название которой говорит само за себя "Бетховен и Сальери"

 Уже в первые годы жизни в Вене Бетховен завоевал славу пианиста-виртуоза. Его игра поразила слушателей. Прослушав импровизацию Бетховена, Моцарт воскликнул: Он всех заставит говорить о себе!

Бетховен отличался крайней резкостью. Однажды, когда он играл в публичном месте, один из гостей начал разговаривать с дамой; Бетховен тотчас оборвал выступление и добавил: «Таким свиньям я играть не буду!». И никакие извинения и уговоры не помогли.

В другой раз Бетховен гостил у князя Лихновского. Лихновский очень уважал композитора и был поклонником его музыки. Он захотел, чтобы Бетховен сыграл перед собравшимися. Композитор отказался. Лихновский стал настаивать и даже приказал выломать дверь комнаты, где заперся Бетховен. Возмущённый композитор покинул имение и вернулся в Вену. Наутро Бетховен отправил Лихновскому письмо: «Князь! Тем, чем являюсь я, я обязан самому себе. Князей существует и будет существовать тысячи, Бетховен же — только один!»

Однако, несмотря на столь суровый характер, друзья Бетховена считали его довольно добрым человеком. Так, например, композитор никогда не отказывал близким друзьям в помощи. Одна из его цитат:

Ни один из моих друзей не должен нуждаться, пока у меня есть на кусок хлеба, если кошелёк мой пуст я не в силах помочь тотчас же, ну что ж, мне стоит только сесть за стол и взяться за работу, и довольно скоро я помогу ему выбраться из беды.

Сочинения Бетховена начали широко издаваться и пользоваться успехом. За первые десять лет, проведённых в Вене, было написано двадцать сонат для фортепиано и три фортепианных концерта, восемь сонат для скрипки, квартеты и другие камерные сочинения, оратория "Христос на Масличной горе", балет "Творения Прометея", Первая и Вторая симфонии.

В 1796 году Бетховен начинает терять слух. У него развивается тинит — воспаление внутреннего уха, приводящее к звону в ушах. По совету врачей он надолго уединяется в маленьком в пригороде Вены, городке Хайлигенштадт. Однако покой и тишина не улучшают его самочувствия. Бетховен начинает понимать, что глухота неизлечима. В эти трагические дни он пишет письмо, которое впоследствии будет названо хайлигенштадтским завещанием. Композитор рассказывает о своих переживаниях, признаётся, что был близок к самоубийству:

Мне казалось немыслимым покинуть свет,  раньше, чем я исполню всё, к чему я чувствовал себя призванным.

В Хайлигенштадте композитор приступает к работе над новой Третьей симфонией, которую назовёт Героической.

Первая часть – музыка необычайной силы, вторая – потрясающее излияние скорби, третья – остроумное, прихотливое скерцо, а финал – вариации на ликующую, праздничную тему

Интересную историю, связанную с третьей симфонией рассказал Д.Кабалевский. Он где-то вычитал о последних минутах гибели "Титаника", который наскочил на айсберг. В первые же минуты катастрофы обнаружилось, что спасти удастся только женщин, детей, да и то не всех. Ужас охватил находившихся на пароходе... И тут произошло нечто невероятное. На верхнюю палубу вышли музыканты симфонического оркестра, ехавшего на «Титанике» и дававшего по вечерам концерты для пассажиров. Они вышли со своими инструментами в руках, расселись в том же порядке, как всегда сидели в концертах, и заиграли...

Заиграли Третью симфонию Бетховена. Героическую симфонию героического композитора. Симфонию великого музыканта, чья жизнь и чьё творчество были насыщены неустанной, напряжённой борьбой против жестоких ударов судьбы, обрушивавшихся на него с первых до последних дней его жизни, борьбой с горем, унижениями и несправедливостью, борьбой за жизнь, за счастье, за радость...

Смертельно раненый «Титаник» погибал медленно, мучительно долго, словно не хотел расставаться с жизнью. А сотни людей обречённые вместе с ним на гибель, слушали музыку бетховенской симфонии, и эта музыка укрепляла их волю, вливала в них мужество, уберегала от паники, от душевных мук, от сумасшествия, от всего, что неизбежно угрожало каждому, кто находился в эти минуты на тонувшем корабле.

Музыка Бетховена звучала мужественно и величаво, заглушая шум воды, заполнявшей тело корабля, заглушая страдания гибнущих людей. Она звучала до той минуты, пока волны не накрыли палубу вместе с музыкантами, вместе с последними звуками бетховенской симфонии.

Какой могучей силой должна обладать музыка, способная оказать людям поддержку в такую трагическую минуту жизни, помочь им сохранить душевное равновесие, человеческое достоинство...

 Какая невероятная тема звучит в финале этой симфонии, что даже Вагнер и Чайковский должны были повториться и следовать. Послушайте это, и невозможно не чувствовать прочность Французской революции и Наполеона, кому хотел посвятить эту симфонию Бетховен. И никто никогда не понимал Бетховена лучше чем это сделал Караян.

 Женщины в жизни Бетховена тоже играли большую роль.

Источником вдохновения для ряда сочинений стали романтические чувства, которые Бетховен испытывал к некоторым из своих великосветских учениц. Это, возможно, относится к двум сонатам «quasi una Fantasia», ор. 27 (вышли в свет в 1802). Вторая из них (позже получившая имя «Лунной») посвящена графине Джульетте Гвиччарди.

Но ужас от прогрессирующей глухоты сменило счастье от встречи с юной аристократкой, итальянкой по происхождению Джульеттой Гвиччарди (1784–1856). Джульетта, дочь богатого и знатного графа Гвиччарди, приехала в Вену в 1800 году. Тогда ей не было и семнадцати, но жизнелюбие и очарование молодой девушки покорили тридцатилетнего композитора, и он сразу же признался друзьям, что влюбился пылко и страстно. Он был уверен, что и в сердце насмешливой кокетки зародились такие же нежные чувства. В письме своему другу Бетховен подчёркивал: «Эта чудесная девушка так сильно любима мною и любит меня, что я наблюдаю поразительную перемену в себе именно из-за неё».

Через несколько месяцев после первой встречи Бетховен предложил Джульетте взять у него несколько бесплатных уроков игры на фортепиано. Та с радостью приняла это предложение, а взамен за столь щедрый подарок преподнесла своему учителю несколько вышитых ею рубашек. Бетховен был строгим учителем. Когда игра Джульетты ему не нравилась, раздосадованный, он швырял ноты на пол, демонстративно отворачивался от девушки, а та молча собирала тетради с пола. Через шесть месяцев, на пике чувств, Бетховен приступил к созданию новой сонаты, которую после его смерти назовут «Лунной». Она посвящена графине Гвиччарди и была начата в состоянии великой любви, восторга и надежды.

Дописывал же композитор свой шедевр в гневе, ярости и сильнейшей обиде: ветреная кокетка завела роман с восемнадцатилетним графом Робертом фон Галленбергом, который тоже увлекался музыкой и сочинял весьма посредственные музыкальные опусы. Однако Джульетте Галленберг казался гениальным, чем наивная девушка не замедлила поделиться со своим учителем. Тот, разгневанный, попросил юную графиню больше не приходить к нему. «Я презрел её, — вспоминал много позже Бетховен. — Ведь если бы я захотел отдать этой любви мою жизнь, что же осталось бы для благородного, для высшего?» А ученица-аристократка, став графиней Галленберг, покинула Вену и уехала в Италию.

Послушайте Лунную сонату, и подумайте, что с нами делают женщины!

Гений не раз вспоминал, как унижали его женщины. Однажды одна молодая певица из венского театра на предложение встретиться с ней с насмешкой ответила, что «композитор настолько безобразен во внешнем виде, да к тому же кажется ей слишком уж странным», что встречаться с ним она не намерена. Людвиг ван Бетховен и в самом деле не следил за своей внешностью, часто оставался неопрятным. Вряд ли его можно было назвать самостоятельным в быту, ему требовалась постоянная забота женщины. Когда Джульетта Гвиччарди, будучи ещё ученицей маэстро и заметив, что у Бетховена не так повязан шёлковый бант, перевязав его, поцеловав при этом в лоб, композитор не снимал этот бант и не переодевался несколько недель, пока друзья не намекнули на не совсем свежий вид его костюма.

Осенью 1826 года Бетховен заболел. Изнурительное лечение, три сложнейшие операции не смогли поставить композитора на ноги. Всю зиму он, не вставая с постели, абсолютно глухой, мучился оттого, что… не мог продолжать работать. 26 марта 1827 года великий гений музыки Людвиг ван Бетховен скончался.

После его смерти в ящике письменного стола нашли письмо «К бессмертной возлюбленной»: «Мой ангел, моё всё, моё я… Отчего глубокая печаль там, где господствует необходимость? Разве наша любовь может устоять только ценою жертв путём отказа от полноты, разве ты не можешь переменить положение, при котором ты не всецело моя и я не всецело твой? Что за жизнь! Без тебя! Так близко! Так далеко! Какая тоска и слёзы по тебе— тебе— тебе, моя жизнь, моё всё…».

Многие потом будут спорить о том, кому именно адресовано послание. Но маленький факт указывает именно на Джульетту Гвиччарди: рядом с письмом хранился крохотный портрет возлюбленной Бетховена, выполненный неизвестным мастером.

Четвертая, Пятая и Шестая (Пасторальная) симфонии были сочинены в 1804–1808. Пятая – наверное, самая известная симфония в мире – открывается кратким мотивом, про который Бетховен сказал: «Так судьба стучится в дверь». В 1812 были завершены Седьмая и Восьмая симфонии.

 Закончить я бы хотел Одой радости из 9 симфонии Бетховена. Вот как о ней рассказывает Великий Леонард Бернстайн.

Ода радости написана на слова Шелли:


Oh friends, not these sounds!
Rather let us sing more
pleasant ones, and more full of joy.

В Вене Бетховен сменил 30 квартир. Но в одной, что напротив Нового университета он прожил около9 лет. Здесь он написал 4 симфонию,оперу "Фиделио" и фортепьянный концерт. В этом доме мне удалось побывать.

Здесь, на 4 этаже находится квартира Бетховена

Вид из окна дома Бетховена

А это его посмертная маска

Венский дом музыки удивил своих посетителей. Теперь в нем работает интерактивный музей, который позволяет посетителям дирижировать знаменитым Венским филармоническим оркестром и даже самим сочинить симфонию.
На первых двух этажах представленны великолепные экспозиции, которые рассказывают туристам о том, какие звуки воспринимает младенец в утробе матери, как устроено человеческое ухо, а так же объясняют как правильно читать и писать музыку. Так же здесь можно послушать множество звуков со всего и мира, и более того – из космоса.
Третий этаж музея полностью посвящен великим композиторам, которые в разные времена жили в Вене или трудились здесь над своими произведениями: Йозеф Гайдн, Людвиг ван Бетховен, Вольвганг Амадей Моцарт и многие другие. Экспозиция этого этажа начинается в комнате Иогана Штрауса и заканчивается в комнате Густава Малера.
Дирижирование оркестром – одно из самых любимых развлечений для посетителей музея. Музыканты поднимаются на сцену, один из посетителей берет лазерную дирижерскую палочку и оркестр тут же нечинает следовать ее взмахам. К сожалению, многие из туристов являются на столько плохими дирижерами, что музыканты тут же начинают ворчать и посмеиваться над мастерством своего “временного руководителя”. Но это ни чуть не умаляе восторга туристов. Ведь управлять оркестром в знаменитом музыкальном городе мира, для них большая честь.

 К сожалению, только украинское телевидение откликнулось на открытие Дома музыки в Вене в 2009 году. Его обязательно стоит посетить. Мы, к сожалению, не успели!

Прогулки по Вене  - 1

Целую неделю мы провели в Вене. Много впечатлений, но начнем мы наш рассказ с самого яркого - мы побывали 11 марта 2011 года на концерте прекрасного мексиканского певца Роландо Виллазона  в одном из самых лучших концертных залов мира - Музикферайн.

Первый зал мира так часто называют венский Grosser Musikverein, центр австрийской музыкальной жизни. Открытый в 1870 году, зал помимо благородной красоты, в чистом виде воплощающей венский архитектурный стиль второй половины XIX столетия, славится своей уникальной чистой акустикой. На эту священную сцену допускаются только лучшие из лучших.

Традиционный новогодний концерт Венского филармонического оркестра в Золотом зале каждый год транслируется по всему миру.

В этом зале нам удалось побывать. Но мест в зале для сидения не было. В конце зала есть стоячие места, но если уедается занять место у стенки, то можно и посидеть (но на полу). Искусство требует жертв.

В кассе не было билетов даже на стоячие места. Публика на концерте была удивительная. Во время исполнения романсов, а Виллазон исполнял романсы на музыку Шуберта, Массне и неизвестных мне австрийских композитовров, многие слушатели внимательно смотрели программки, где были напечатаны слова песен.

Эмилио Роландо Вильясон Маулеон (Emilio Rolando Villazón Mauleón; родился в Мексике 22 февраля 1972 года.

Давайте познакомимся с ним поближе.

В возрасте 11 лет он поступил в Академию изящных искусств, где получил уроки в музыке, актёрском мастерстве, классическом балете и танце модерн.

В 1990 году баритон Артуро Ньето пробудил в нём интерес к оперному пению и стал его первым педагогом. Вильясон продолжил вокальное образование в национальной консерватории у Энрике Хасо и выиграл два конкурса вокалистов у себя на родине. Тогда он был замечен баритоном Габриэлем Михаресом, помогшим ему начать международную карьеру.

Начало европейской карьере Вильясона было положено успешным выступлением в Генуе в партии Кавалера де Грие в опере Массне «Манон» (1999). 

Мы его узнали совсем недавно, как партнера Анны Нетребко. Судя по всему, их познакомил Плассидо Доминго, под руководством которого Виллазон пел в оперном театре Мехико.

Находясь в расцвете физических и творческих сил, с 2007 года Виллазон начал испытывать проблемы с голосом. Кризис настиг Роландо в начале минувшего года, когда в одном из спектаклей "Лючии ди Ламмермур" на сцене Метрополитен Опера он был вынужден прервать пение, и взволнованную публику пришлось успокаивать Генеральному менеджеру МЕТ Питеру Гелбу. Особенно больно об этом вспоминать потому, что в тот момент на сцене рядом с Роландо находилась Анна Нетребко, только что возобновившая свои выступления после перерыва, связанного с рождением сына.
В тот вечер Роландо совершил подвиг, найдя в себе силы закончить спектакль. Однако стало ясно, что для восстановления голоса надо было принимать срочные меры.
Медицинское обследование обнаружило у Роландо кисту на голосовых связках. Выход был один – операция, и Роландо объявил об отмене сначала некоторых, а затем всех своих выступлений в сезоне 2009-2010.
Ведущие оперные театры вместе с публикой были крайне огорчены, когда в ряд отмененных Виллазоном спектаклей попали с нетерпением ожидавшиеся его совместные выступления с Анной Нетребко. Среди отмененных спектаклей значились "Иоланта" в Баден-Бадене, "Любовный напиток" в парижской Опере Бастиль, "Сказки Гоффманна" в МЕТ, "Кармен" в Венской Опере, "Манон" в лондонском Ковент Гардене.
Летом Виллазону была сделана операция. Несмотря на прогнозы скептиков, восстановление голоса протекало благополучно. Сам певец не торопил процесс выздоровления, обещая поклонникам вернуться тогда, когда это будет возможно.
"Мой голос опять со мной, - сказал недавно Роландо. - Я счастлив сообщить всем, что в настоящее время я уже пою, и нужно только еще немного времени, чтобы быть полностью готовым выйти на сцену  и петь для Вас."
"Я уверена, что он вернется, и голос его будет  еще лучше, чем прежде, - сказала Анна Нетребко. – Я его жду".
И вот он возвращается.
Для своего возвращения он выбрал Вену. 22 марта 2010 года он выступил в роли Неморино в опере Г.Доницетти  "Любовный напиток".

Публика с нетерпением ждала возвращения Вилласона. Мы были этому свидетелями. И после концерта мы сидели в кафе неподалеку от концертного зала и еще раз переживали встречу с прекрасным.