Сопрано

Знаете ли вы сказку о Снегурочке? Ее написал русский драматург А. Н. Островский, а композитор Н. А. Римский-Корсаков создал на ее основе оперу. Партию Снегурочки -- хрупкой, нежной дочери Мороза и Весны, он поручил высокому, светлому и серебристому, словно колокольчик, голосу -- колоратурному сопрано. Колоратурное сопрано -- самый высокий и подвижный женский голос. Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения -- колоратуры. Тонкий орнамент мелодии чудесно передает сказочный образ. Колоратуры в партии Снегурочки ассоциируются с пением птиц -- спутниц весны, с веселой мартовской капелью, с журчанием веселых ручейков. Для колоратурного сопрано написано много разных партий. Раньше композиторов привлекали в нем блеск и виртуозность, возможность исполнять блестящие пассажи. Потом, в XIX веке, стали обращать больше внимания на выразительность пения. Характер звучания колоратурного сопрано позволяет создавать шаловливые, своенравные образы, такие как Людмила в «Руслане и Людмиле» Глинки, Церлина в «Дон-Жуане» Моцарта. Часто колоратурному сопрано поручают партии сказочных персонажей -- Царевны-лебеди в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. Шемаханской царицы в его же «Золотом петушке». Иногда большим количеством колоратурных украшений композитор хочет приблизить звучание голоса к тембру инструмента, подчеркнуть его холодный блеск.

Барон Василий Георгиевич Врангель родился в 1862 году в Санкт-Петербурге в семье сенатора, тайного советника. Родители будущего композитора отец - барон Георгий Георгиевич Врангель (1827 - 1875) и мать - баронесса Наталья Николаевна Врангель (1837 - 1916), урожденная Евреинова, сочетались законным браком в 1855 году. В семье барона Георгия Георгиевича было четверо детей: Георгий, Петр, Василий и Наталья, семья проживала в Петербурге в доме на Фонтанке, 85. Одному из идейных вдохновителей Белого движения генералу барону П. Н. Врангелю композитор Василий Врангель приходится пятиюродным братом, их отцы были четвероюродными братьями, а их общий предок - барон Ханс фон Врангель (1690 - 1734), ведет свою родословную из города Ревеля (ныне Таллинн).

Современные продолжатели рода до недавнего времени проживали в США. Это племянники Василия Георгиевича: Георгий Петрович Врангель, по профессии журналист, скончался в Нью-Йорке в 1969 году, Павел Петрович Врангель, инженер, скончался в 1977 году и Василий Петрович, скончавшийся в том же 1977, он был связан с киноиндустрией. У Василия Петровича в Лос-Анджелесе в 1938 году родился сын Петр, который приходится композитору внучатым племянником.

 Василий Георгиевич Врангель прожил в Санкт-Петербурге всю свою недолгую жизнь. Учился в пажеском корпусе, служил чиновником в Министерстве внутренних дел. Был широко известен, как автор десятков популярнейших в свое время романсов. Профессиональный композитор, он в 1890 году окончил Санкт-Петербургскую консерваторию по классу композиции у Ю. И. Иогансена. Василий Георгиевич писал свои сочинения для лучших исполнителей тех лет: солистов Его Величества Николая и Медеи Фигнер,

Прелюдия

Прелю́дия (от лат. prae… — перед и лат. ludus — игра) — короткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы. В период зарождения прелюдии всегда предшествовали более длинному, сложному и строго оформленному произведению (отсюда название), но впоследствии композиторы стали писать прелюдии и как самостоятельные произведения. В прелюдиях часто встречается остинато, прелюдии по стилю в целом схожи с импровизацией. Прелюдия-вступление к какому-либо музыкальному сочинению или небольшая самостоятельная пьеса, главным образом для клавесина, фортепиано, органа. Создаются циклы прелюдий и фуг, а также одних прелюдий.

История

Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением.

Ганс Сакс  (нем. Hans Sachs; 5 ноября 1494, Нюрнберг — 19 января 1576, Нюрнберг) — главный поэт немецкого Возрождения, мейстерзингер и драматург.

Родился в 1494 году в семье портного. Посещал латинскую школу, затем в 1509—1511 годах учился сапожному делу, затем пять лет был странствующим подмастерьем. В это время он оказался в Иннсбруке при дворе императора Максимилиана I, по всей видимости, именно там решил изучить искусство мейстерзанга. Начал обучение в Мюнхене у Леонарда Нонненбека, а с 1520 года поселился в Нюрнберге, где стал мастером сапожного дела и одновременно активным участником и одно время председателем товарищества мейстерзингеров.

Мейстерзанг (нем. Meistersang, Meistergesang), в Германии XIV—XVI веков — музыкально-поэтические творчество мейстерзингеров (от нем. Meistersänger — «искусный певец»), членов профессиональных цеховых объединений поэтов-певцов, из среды среднего и мелкого бюргерства. Называли себя мейстерзингерами в отличие от миннезингеров — «старых мастеров» (alte Meister), носителей куртуазной лирики, творчество которых считали образцом для подражания.

Большой зал Московской консерватории – один из самых известных кон цертных залов мира.

Прекрасное оформление, удобное расположение и – самое главное для музыкантов – великолепная акустика снискали ему заслуженную славу лучшей концертной площадки Москвы и России.

Его торжественное открытие состоялось 7 (20) апреля 1901 г.
Здание строилось по проекту архитектора В. П. Загорского. От старого дома, построенного на этом месте еще для княгини Е. Р. Дашковой в конце XVIII века, он оставил только знаменитый фасад с полуротондой.

Многое было сделано на деньги московских меценатов – от меблировки и ковров до прекрасного органа парижской фирмы «А. Cavaille-Coll» («Кавайе-Коль») 1899 г., до сих пор украшающего Большой зал.
Еще в 1900 г. на Парижской всемирной выставке он был признан одним из лучших органов мира.

Большой зал в истории Москвы – больше, чем просто концертный зал.
 В Первую мировую войну (в 1915 – 1917 гг.) здесь располагался военный госпиталь, а с 1924 по 1933 г. в дневные часы Большой зал был популярным кинотеатром.

Большой зал московской консерватории

Как и мазурка, полонез является национальным польским жанром. К нему обращались очень многие композиторы, причем не только польские (Моцарт, Бах, Глинка), из соотечественников Шопена – Венявский, Огинский. В отличие от мазурки, происхождение полонеза связано не с народной, а с аристократической средой, это старинное церемониальное шествие польской знати, очень торжественного, парадного характера. Полонезы Шопена явились непревзойдённой вершиной в развитии этого жанра. Они вдохновлены романтическими помыслами об исторических судьбах Польши. Через полонез композитор прославлял свою родину, вспоминая о ее былом величии и мечтая о будущей, свободной Польше. Первые полонезы Шопен написал еще в детстве, они опубликованы посмертно.

Генрих Семирадский

Шопен, играющий на фортепьяно в салоне князя Радзивилла.

Шопеновские полонезы можно условно разделить на 2 группы, в связи с их содержанием:
 - более традиционные. Это именно танцы-шествия.
 - полонезы трагедийные или героико-драматические. Их содержание впрямую связано с общественно-политическими событиями в Польше.

При разнообразии содержания все зрелые полонезы Шопена обладают рядом общих черт:
Маршевость в ритме, несмотря на трехдольность.
Стремление к монументальности. Шопеновские полонезы среди других его жанров занимают промежуточное положение между миниатюрами и крупными формами.
Виртуозный концертный стиль – сложная фактура, яркие гармонические краски, огромный регистровый диапазон (использование всей фортепианной клавиатуры).
Необычайно яркая картинность образов – музыка легко вызывает определенные зрительные ассоциации. По отношению к полонезам особенно справедливы слова Сен-Санса: «Музыка Шопена – это всегда картина».
Яркие контрасты. Полонез – жанр, предполагающий многотемность. Его композиция, как правило, опирается на сложную 3-х частную форму.
Эпико-величавый тон, патриотическое настроение. Для Шопена полонез – это жанр, неотделимый от национальной истории. Подобно мазурке, его можно считать символом Польши, но претворенном не в бытовом или лирическом, а в эпическом плане.

 Polonaise in A Major, Op. 40 No. 1, "Military"

Ци́тра (нем. Zither) — струнный щипковый музыкальный инструмент, получивший наибольшее распространение в Австрии и Германии в XVIII веке. Имеет плоский деревянный корпус неправильной формы, поверх которого натянуто от 17 до 45 струн (в зависимости от размера инструмента). Несколько ближайших к исполнителю струн (обычно 4—5), натянутых над грифом с металлическими ладами, защипываются надетым на большой палец правой руки плектром, на них играется мелодия. Оставшиеся струны служат для аккордового сопровождения, на них играют остальными пальцами.

Выделяют различные виды цитр: дискант-цитра, басовая цитра, концертная цитра и др. Общий объем группы — от соль контроктавы до ре четвёртой октавы. Цитра чаще всего солирует в оркестровых произведениях.

 Цитра известна в Западной Европе с конца XVIII века, в России появилась во второй половине XIX века. Аналогичные инструменты древнего происхождения встречаются у многих народов. Так, цитры были распространены в Китае и на Ближнем Востоке.

Уго Кауфман. Игрок на цитре.

Variations on Pachelbel's Canon

Schumann - 8 Noveletten op 21

1. Развитие слуха - это самое важное. Старайся с юных лет распознавать тональности и отдельные звуки. Колокол, оконное стекло, кукушка, - прислушайся, какие звуки они издают.

 2. Играй прилежно гаммы и другие упражнения для пальцев. Но есть много людей, которые полагают, что этим все и достигается, которые до глубокой старости ежедневно проводят многие часы за механическими упражнениями. Это похоже приблизительно на то, как если бы стараться ежедневно все быстрее и быстрее произносить азбуку. Употребляй свое время с большей пользой.

 3. Играй ритмично! Игра некоторых виртуозов похожа на походку пьяного. Не бери с них пример.

4. Изучи как можно раньше основные законы гармонии.

5. Не бойся слов: теория, генерал-бас, контрапункт и т. п.; они приветливо пойдут тебе навстречу, если ты сделаешь по отношению к ним то же самое.

6. Никогда не бренчи на инструменте! Всегда со свежим чувством играй вещь до конца, никогда не бросай на половине.

7.Тянуть и спешить - одинаково большой недостаток.

8. Добивайся того, чтобы играть легкие вещи правильно и хорошо; это лучше, чем посредственно исполнять трудные.

9. Всегда проявляй заботу о чистоте настройки твоего инструмента.

10. Необходимо, чтобы пьесой овладели не только пальцы, ты должен уметь также и напевать ее для себя без инструмента. Развивай свое воображение настолько, чтобы ты мог удержать в памяти не одну лишь мелодию произведения, но и относящуюся к ней гармонию.

Симфоническое творчество Гайдна

Гайдном написано 104 симфонии, первая из которых была создана в 1759 году для капеллы графа Морцина, а последняя – в 1795 году в связи с лондонскими гастролями.

Жанр симфонии в творчестве Гайдна эволюционировал от образцов, близких бытовой и камерной музыке, к «Парижским» и «Лондонским» симфониям, в которых утвердились классические закономерности жанра, характерные типы тематизма и приемы развития.

Богатый и сложный мир гайдновских симфоний обладает замечательными качествами открытости, общительности, направленности на слушателя. Основной источник их музыкального языка – жанрово-бытовые, песенные и танцевальные интонации, иногда непосредственно заимствованные из фольклорных источников. Включенные в сложный процесс симфонического развития, они обнаруживают новые образные, динамические возможности.

Шуберт. «Прекрасная мельничиха»

Вокальный цикл

История создания

1820-е годы — пора расцвета творчества Шуберта. Уже написаны сотни песен, которые постепенно начинают завоевьтать признание у любителей музыки, исполняются на домашних вечерах. В последние 5 лет своей короткой жизни композитор создает новый крупный романтический жанр — вокальный цикл, состоящий из 20 и более миниатюр. Таких циклов у Шуберта два, и оба написаны на тексты Мюллера.

Вильгельм Мюллер (1794—1827) — современный Шуберту немецкий поэт-романтик, проживший почти столь же короткую жизнь. Сын ремесленника, он учился в Берлинском университете, но, увлеченный общим патриотическим порывом, в 19 лет вступил добровольцем в армию, чтобы сражаться с Наполеоном. Вернувшись после изгнания французов в университет, Мюллер, подобно Шуберту, стал участником кружка молодежи, включавшего поэтов и ученых. Они восхищались народной песней, обсуждали новинки поэзии и нередко устраивали литературные игры. В конце 1816 года это была игра «Роза, мельничиха», где руки прекрасной мельничихи добивались подмастерье мельника, охотник, садовник, рыбак; она вначале отвечала на любовь мельника, а затем отдала предпочтение охотнику. Каждый из членов кружка писал стихи от лица своего героя. Мюллер, в соответствии с фамилией, играл роль мельника. Зимой 1816—1817 годов он написал 8 стихотворений и сделал наброски еще нескольких. Его стихи были признаны в кружке лучшими, учитель юного Мендельсона композитор Людвиг Бергер положил 5 из них на музыку. Все это побудило Мюллера отделить свои стихи от чужих, дополнить их новыми и в 1818 году опубликовать цикл из 16 стихотворений под названием «Прекрасная мельничиха». Готовя к изданию сборник «Стихотворений из бумаг, оставленных странствующим валторнистом», поэт в 1820 году расширил цикл до 25 стихотворений, включавших пролог и эпилог. Две части сборника (77 стихотворений) были изданы в 1821 и 1824 годах с посвящением Веберу — «мастеру немецкой песни, в знак дружбы и восхищения».

1.В путь

Малефисента

Сюжет

Юная волшебница Малефисента вела свою жизнь в зачарованном болоте, окруженная сказочными существами, но однажды всё изменилось… В её мир вторглись люди, которые принесли с собой разрушение и хаос, и Малефисенте пришлось встать на защиту своих подданных, призвав на помощь могущественные тёмные силы. В пылу борьбы Малефисента наложила страшное заклятие на новорождённую дочь короля, прекрасную Аврору. Но, наблюдая за тем, как растёт маленькая принцесса, Малефисента начинает сомневаться в правильности своего поступка — ведь, возможно, именно Аврора может вдохнуть новую жизнь в волшебное лесное царство.

Музыка для «Малефисенты» была написана композитором Джеймсом Ньютоном Ховардом.

Maleficent - 1.Maleficent Suite

Инвенция

    Бах составил несколько сборников несложных пьес из числа тех, которые сочинил, обучая своего старшего сына Вильгельма Фридемана. В один из таких сборников он поместил пятнадцать двухголосных полифонических пьес в пятнадцати тональностях и назвал их "инвенциями". В переводе с латинского языка слово "инвенция" означает "выдумка", "изобретение". Баховские двухголосные инвенции, доступные для исполнения начинающими музыкантами, действительно замечательны  по полифонической изобретательности и одновременно по художественной выразительности.

    Так, первая двухголосная инвенция До мажор рождается из краткой, плавной и неторопливой темы спокойного, рассудительного характера. Её запевает верхний голос и тотчас имитирует-повторяет в другой октаве-нижний:

Bach - Invention in C Dur

Оратория

итал. oratorio, от позднелат. Oratorium — молельня, от лат. оrо — говорю, молю

 Крупное музыкальное произведение для хора, певцов-солистов и симфонического оркестра, написанное, как правило, на драматический сюжет и предназначенное для концертного исполнения. Оратория занимает промежуточное положение между оперой и кантатой, почти одновременно с которыми, на рубеже 16-17 вв., она зародилась. Подобно опере, Оратория включает сольные арии, речитативы, ансамбли и хоры; как и в опере, действие в Оратории развивается на основе драматического сюжета. Специфическая черта Оратории - преобладание повествования над драматическим действием, т. е. не столько показ событий, как в опере, сколько рассказ о них. Имея много общих черт с кантатой, Оратория отличается от последней более крупным размером, большим масштабом развития и более отчётливо намеченным сюжетом. Для Оратории характерны также драматизм и раскрытие темы в героико-эпическом плане.

Шостакович по своей природе — художник универсального дарования. Нет ни одного жанра, где он не сказал своего веского слова. Шостакович — один из самых исполняемых в мире композиторов. Высокий уровень композиторской техники, способность создавать яркие и выразительные мелодии и темы в сочетании с личной эмоциональностью и колоссальной работоспособностью, сделали его музыкальные произведения яркими, самобытными и обладающими огромной художественной ценностью. 

I Prelude
II Gavotte
III Elegie
IV Walzer
V Polka

Сонатина

итал. sonatina, уменьшит. от sonata
Небольшая и технически нетрудная соната. Часто используется в учебно-педагогич. практике (сонатины М. Клементи, Л. Бетховена и др.). Иногда подобные произв. носят назв. "маленькая соната". В 20 в. композиторы, тяготеющие к неоклассицизму, создавали С. и как художеств. произв., в к-рых в стиле данного композитора лаконично и концентрированно воспроизводятся черты сонаты периода классицизма (М. Равель, С. для фп.). Первая часть С. обычно пишется в лаконичной сонатной форме с кратко изложенными темами, не подвергающимися существенному развитию. Разработка в ней отсутствует или заменяется небольшим связующим переходом от экспозиции к репризе. Такая сонатная форма прежде называлась формой сонатины; ныне термин "С." в этом значении не применяется.

Clementi - Sonatina Op.36 No.1 in C Major

Довольно популярный в XIX веке французский композитор, родоначальник ориентализма в музыке. Именно он заложил основы тех тенденций, которые позднее столь ярко проявились в творчестве Сен-Санса, Делиба. Давид с молодости увлекался утопическими идеями сенсимонизма и всеобщего братства, с миссионерскими целями в середине 30-х годов побывал на Востоке (в Смирне, Константинополе, Египте), «экзотика» которого занимает большое место в его творчестве. Яркая мелодика и сочная оркестровка - основные достоинства стиля композитора, которого весьма ценил Берлиоз. Наиболее известными произведениями Давида стали оды-симфонии «Пустыня» (1844) и «Христофор Колумб» (1847). Последняя неоднократно исполнялась в России, в том числе в 1866 году в Большом театре под управлением автора. Знали в России и его лучшую оперу «Лалла Рук» (1862, Париж, «Опера-Комик»), шедшую в Мариинском театре (1884). Сюжет оперы об индийской принцессе (по поэме Томаса Мура) был весьма популярным, в том числе и в нашей стране. О нем упоминал Пушкин, есть также довольно известное одноименное стихотворение Жуковского на эту тему.

Felicien David String Quartet No.2 in A - 3rd Allegretto

Stabat Mater

История создания