EMMA MULVAD (DANISH 1838-1903)

Датская хуожница. Признанный мастер цветочных натюрмортов 19 века.

Адриансен Александр /Alexander Adriaenssen (1587 – 1661)

Alexander Adriaenssen (16 января 1587, Антверпен – 30 ноября 1661, там же) фламандский художник времен барокко, мастер натюрморта. Сын композитора Эммануэля Адриансена. Брат художников Винсента (1595 – 1675) и Никласа (1598 – 1648). Учился у Артуса ванн Лака. Был знаком с Рубенсом, который хранил две картины Адриансена в своей коллекции.

Достоверно известно, что он родился в Антверпене и, видимо, не покидал город в течение всей жизни. В двадцать три года он получил звание мастера, вступив в гильдию художников — сначала как живописец водяными красками, а впоследствии — как автор картин маслом.

Большим событием в жизни родного города Адриансена стал торжественный въезд в Антверпен в 1635 году нового правителя страны инфанта-кардинала Фердинанда. По этому случаю на улицах и площадях воздвигались триумфальные арки, украшенные картинами, в аллегорической форме прославляющими достоинства нового наместника. В оформлении города участвовали многие антверпенские художники. Руководил всеми работами первый живописец Фландрии — Питер Пауль Рубенс; по его эскизам другие мастера исполняли росписи триумфальных сооружений. Вместе с ними в подготовке празднества принимал участие Александр Адриансен.

Однако обращение художника к монументально-декоративному искусству осталось единичным, обусловленным обстоятельствами, эпизодом. В основном он посвятил свое творчество станковой живописи. Постоянным жанром, в котором всю жизнь работал Адриансен, был натюрморт.

Живописец нашел свой путь: он не стремился подражать монументальным полотнам Снейдерса и не соперничал с Яном Фейтом в создании изысканных по цвету и композиции охотничьих трофеев. Его произведения отвечали вкусам более демократичных слоев антверпенского общества.

Адриансен писал небольшие картины, скомпонованные из "цветов, птиц, рыб, ваз, серебряных сосудов, фруктов" (как добросовестно перечислены в одном из документов встречающиеся в произведениях мастера предметы). Особенно удавались художнику рыбные натюрморты. Целый ряд произведений он посвятил изображению даров морской стихии. Адриансен показывает их разложенными на керамических блюдах или группирует компактными массами прямо на поверхности деревянного стола. Возле рыбы обычных видов: камбалы, корюшки, трески — красуются редкостные экземпляры: морской скат, угорь, омар, выбранные художником за необычность и живописность облика.

Адриансен не обладал таким чувством эффектной декоративной композиции и цвета, как Снейдерс или Фейт. Его картины выглядят скромнее, но отличаются силой непосредственной передачи натуры. Этот трезвый реализм импонировал не только заказчикам, но снискал Адриансену признание художников. О многом говорит тот факт, что Рубенс приобрел в свою коллекцию, известную своим высоким художественным уровнем, две картины Адриансена.

До глубокой старости Адриансен сохранил творческую активность. Последние его подписные работы относятся к 1660 году. Через год художник умер.

Женские портреты кисти

Гавриила Ивановича Яковлева

Яковлев, Гавриил Иванович, академик портретной живописи С.-Петербургской Академии Художеств. Родился в 1820 г. в Чухломском уезде Костромской губернии. С детства был приписан к с.-петербургскому мещанскому обществу, по выходе из которого поступил приходящим учеником в Императорскую С.-Петербургскую Академию Художеств. 19 сентября 1839 г. за портрет старика, писанный с натуры, Я. получил от Академии звание свободного неклассного художника портретной живописи, но в течение нескольких лет не мог устроиться в столице и только осенью 1842 г. поступил учителем рисования и черчения в С.-Петербургское Владимирское уездное училище. В том же году Я. женился на дочери купца Степанова, Анастасии Ивановне, имевшей небольшой домик в столице, и материальное положение молодого художника поправилось. Прослужив учителем четыре года, Я. в сентябре 1846 г., по прошению, был уволен от занимаемой им должности и с этого времени на досуге усердно занялся своим искусством. Ряд работ, представленных им в совет Академии Художеств, побудил последний в заседании 25 сентября 1852 г. определить Я. «назначенным в академики». Одновременно решено было и задать ему программу на получение звания академика, но в ноябре того же года сам Я. ходатайствовал о разрешении написать ему с этой целью портрет профессора Ф. А. Бруни. В начале осени следующего 1853 г. портрет был закончен, представлен в Академию и найден удовлетворяющим всем требованиям искусства, вследствие чего 13-го ноября Я. получил диплом на звание академика. В последующие за тем годы заслуживают внимания его работы по внутренней отделке собора в С.-Петербургском Воскресенском (Новодевичьем) монастыре, где он одновременно обучал сестер живописи. Под руководством Я. его ученицами были написаны иконы для нового храма, отчего, по отзывам настоятельницы Феофании, соблюдена была большая экономия для монастыря, строившего собор на свои средства. В течение пяти лет Я. вместе с архитектором Сычевым вполее безвозмездно трудился над украшением монастырского храма, за что в сентябре 1861 г., по ходатайству С.-Петербургского епархиального начальства, и был представлен к награде орденом св. Станислава 3-й степени.

Летом 1862 г. внезапная болезнь (горячка) прервала работы художника. Я. скончался в С.-Петербурге 1-го июля 1862 г. и погребен благодарными монахинями на кладбище Новодевичьего монастыря.

https://ru.wikisource.org/wiki/РБС/ВТ/Яковлев,_Гавриил_Иванович

Екатерина Николаевна Волоцкая (конец 1850-х), урождённая Зубова

Портрет неизвестной

Австрийский художник Lea Reinhart

(1877 – 1970)

Мастер натюрморта, художник Леа Рейнхарт (Lea Reinhart) родилась в Вене, в 1877 году.

Она брала уроки живописи у известных венских художников Роберта Шеффера (Robert Scheffer) и Адальберта Франца Селигманна (Adalbert Franz Seligmann).

Тонкое письмо, изящество деталей натюрмортов-миниатюр, завораживающая паутина кружев.

Художник Эмиль Эйсман Семёновский  (1857 - 1911)

Художник Sophie Gengembre Anderson

(1823-1903)

Софи Андерсон - английская художница французского происхождения , которая в основном известна красивыми живыми изображениями женщин и детей на фоне сельской местности. Известно, что это была одна из немногих разрешенных сфер живописи для женщин в Англии в Викторианскую эпоху. В своих работах она уделяла внимание деталям, отмечая малейшие черты лица, прорисовывая растительность. Не менее важными элементами в её работах являются ткани, драпировки и использование света. Однако её творчество не ограничивалась только портретной масляной живописью, она была также мастером пейзажа и иллюстратором.

Софи родилась в 1823 в Париже в семье французского архитектора Charles Antoine Colomb Gengembre. Мать её была англичанкой. Заинтересовавшись живописью, она сама стала изучать основы и пробовать писать, а в 1843 взяла несколько уроков у Baron Charles Auguste Steuben.

Спасаясь от хаоса и беспорядков Французской Революции 1848 года, семья переехала в США, где Софи и начала свою карьеру художника, принимая заказы от соседей. Во время работы над альбомом портретов "Protestant Episcopal Bishops of the United States", Софи познакомилась с английским художником Уолтером Андерсоном, за которого впоследствии вышла замуж. В Викторианскую эпоху замужним женщинам не позволялось работать, но будучи замужем за художником, Софи смогла продолжить заниматься живописью.

В 1854 (31 год) Софи вместе с мужем переехала в Лондон. На протяжении четырех лет она принимала участие в выставках, проводимых Королевской академией художеств (Royal Society of British Artists и Royal Academy of Arts), а также изучала приемы письма других мастеров.

Андерсоны вернулись в США в 1859, а в 1871 семья перебирается жить на остров Капри в связи с ухудшением здоровья Софи, где проводят 16 лет, после чего снова возвращаются в Англию. Всё это время Софи отправляет свои работы в Лондон для участия в выставках. Умерла Софи в 1903, прожив не более месяца после смерти своего супруга.

Софи является одним из немногих художников, получивших признание при жизни. Уже в раннем периоде творчества Андерсон довольно отчетливо проявлялось влияние прерафаэлитов – художников эпохи раннего Возрождения, среди которых почетные места занимают Пьетро Перуджино, Фра Беато Анжелико и Джованни Беллини. Возможно, именно их творчество вдохновляло Софи. Прерафаэлитизм – это направление в искусстве, зародившееся в Англии во 2-й половине XIX столетия. Его сторонники выступали против условностей Викторианской эпохи и подражания классическим стандартам. Для них в первую очередь было важно фотографически точно писать картины, тщательно выводя каждую деталь. Также считалось, что женщина на произведениях прерафаэлитов должна олицетворять красоту и женственность, поскольку ею необходимо восхищаться, даже поклоняться ей. Эти качества и можно заметить во многих работах Софи Андерсон.

Практически до конца своих дней Софи выставляла картины в Королевской академии художеств и различных региональных галереях. Все написанное ею и сегодня очень высоко ценится коллекционерами всего мира.

Наверное, самой известной её картиной является "No Walk Today", изображающая маленькую девочку печально смотрящую на дождь. Нигде не задокументировано наличие детей у пары, но некоторые полагают, что эта девочка, встречающаяся и на других картинах Софи, на самом деле их дочь.

Большинство работ Софи Андерсон находятся в частных коллекциях, но в настоящее время издаётся множество репродукций, среди которых особенно популярны "The Time Of The Lilacs", "Young Girl Fixing Her Hair" и "The Turtle Dove Small".

https://zlataya.info/forum/2-21-12

Норвежский художник Franz Didrik Boe (1820-1891)

Franz Diderik Boe- норвежский художник , который специализировался на натюрмортах и пейзажах. Он также известен под именами Franz Didrik Boe или французская версия Francis Didier Вое. Родился в Бергене , а затем изучал искусство в Копенгагене . В 1849 году переехал в Париж, где учился у датского  художника - эмигранта Theude Gronland . После восьми лет в Париже, вернулся в Норвегию и прожил там до конца жизни.

Шотландский художник John Phillip

(1817-1867)

Джон Филлип (19 апреля, 1817-1867) был художник Викторианской эпохи , известный своими изображениями испанской жизни. Он получил прозвище «испанский Филипп".
Родившись в бедной семье в Абердине,Шотландия, талант художника был признан у Филиппа в раннем возрасте. Его образование в Королевской академии искусств было оплачено богатым покровителем.
Ранние произведения у Джона Филлипа, как правило, изображают благочестивые семьи шотландцев, но в 1851 году, после того как ему посоветовали для его здоровья поехать в Южною Европу, он посетил Испанию. После этого он сосредоточился на испанские темы.
Филипп женился на сестре Richard Dadd, но как и ее брат, она сошла с ума. Филипп умер от инсульта в 1867 году.

https://allday1.com/index.php?newsid=224273

Художник Jensen Johan Laurentz

 Jensen Johan Laurentz, датский художник, 1800-1856 г.г.Обучался живописи в Датской Академии, был учеником знаменитых художников, таких как Christoffer Wilhelm Eckersberg,  а также Cladius (Claus) Detlev Fritzsch. Специализируясь на цветочной живописи, Дженсен продолжал свое образование в Париже  у известных мастеров фламандской цветочной живописи братьев Gerard и Cornelis van Spaendonck, и изучал искусство цветочной миниатюры на фарфоровм заводе в Севре. Продолжая традиции голландского натюрморта, он возродил это искусство в Дании. Его цветочные композиции часто имели декоративно-символическое значение. Цветы в картинах Дженсена часто сочетаются с экзотическими фруктами и птицами. Дженсен стал главным художником на Датской Фабрике фарфора. Дженсен имел много заказчиков, и обучал большое количество студентов, особенно женщин, в том числе Луизу-Гессен-Кассель , на которой позже женился король Кристиан IX . С 1980-х годов, его работы получили широкое международное признание. Многие из них выставлены в музее Staten Kunst и музее Торвальдсена.

Цветы Йенсена, как правило, в виде красивых букетов стоят в вазах. Темный нейтральный фон помогает подчеркнуть красочные тона цветов. Любимые цветы художника - розы, сочетающиеся с другими цветами, такими как лилии или несколько цветов разных сортов. Традиционные натюрморты в живописи в самом лучшем виде: цветы в вазах, чаши и корзины на столе, так же как и в природе, все одного цвета, изысканно нарисованно и включает все сложные символики своего времени.

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post438732387/

Художник Eugene Henri Cauchois

(1850 – 1911).

Мастер цветочного натюрморта

Галерея работ (натюрмортов) французского художника Эжена Анри Кошуа, который был невероятно популярен в девятнадцатом веке в Париже, и во всём мире.

Художник Эжен Анри Кошуа (Eugene Henri Cauchois) родился на севере Франции, в Руане, в феврале 1850 года. Учился живописи у знаменитых французских жиописцев Ferdinand Duboc и Alexandre Сabanel.

Искусствоведы утверждают, оценивая размашистую манеру масляного письма и цветовую насыщенность работ, что на творчество Eugene Henri Cauchois большое влияние оказал чрезвычайно модный в те времена импрессионизм.

Эжен регулярно и с большим успехом выставлял свои работы в Парижском салоне, много раз получал премии, медали и призы за свои натюрморты. Впрочем, Эжен Анри Кошуа писал и пейзажи, но они не имели такого успеха, как натюрморты.

Художник работал до самой своей смерти, т.е. до октября 1911 года.

Ранее:https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post463602096/

Мона Лиза - икона современного искусства

С тех пор Мона Лиза стала более известна, чем когда-либо, превратившись в икону современного искусства, Лувра и даже, для некоторых, Парижа

Мона Лиза, пожалуй, самая известная картина, которую когда-либо знал современный мир, сегодня стала иконой искусства, но так было не всегда.Не говоря уже о возможной стоимости самой картины, ее ценят настолько, что комната в Лувре, которая и дома защищает её, стоит более 7,5 миллионов долларов.

Мона Лиза - портрет итальянской женщины, икона, которую почитают не только художники, но все ценители искусства. Она была написанный известным художником и инженером Леонардо да Винчи. То, что делает эту картину настолько знаменитой, так это таинственность, которая исходит от неё. Кто это женщина? Где эта картина написана? Что художник пытался передать? Как долго Леонардо да Винчи писал её? Почему он решил нарисовать эту загадочную даму?

Мона Лиза написана на деревянной панели из тополя размером 77 см на 53 см (30 дюймов x 21 дюйма) с использованием масляных красок. Тополиная панель искривилась из-за изменения влажности (какое-то время картина висела в королевской ванной), теперь этот шедевр является частью коллекции искусства, вставленной в Лувре, который в 2014 году посетили 9,3 миллиона человек, 80% из них хотели увидеть только Мону Лизу.

Предполагается, что на картине изображена Лиза Герардини, жена Франческо дель Джокондо, богатого флорентийского торговца шелком. Леонардо да Винчи, как говорят, написал эту картину в течение трех лет, начиная с 1503 года, но некоторые искусствоведы и исторические свидетельства предполагают, что он продолжал работать и дорабатывать её до 1517 года. Когда Леонардо да Винчи переехал в королевский замок в Амбуазе, картина переехала вместе с ним.
Впоследствии картина была перенесена во дворец Фонтенбло (55 км / 34 км от Парижа), затем, при Людовике XIV, в большой Дворец Версаля. После Французской революции (1789-1799) картина переехала в музей Лувра, за исключением короткого промежутка, во время которого она украшала спальню Наполеона.

В течение многих лет, Мона Лиза не была знаменитой в том смысле, который мы знаем её сегодня. Картина получила известность, когда стала обложкой местной газеты.

Мона Лиза была украдена из Лувра 21 августа 1911. Известные люди, такие как французский поэт Гийом Аполлинер, который призывал к его "сожжению", Пабло Пикассо, известный кубистический художник, и Эдуардо де Вальфьерно, критиковали музей. Через 2 года выяснилось, что украл её итальянский сотрудник, полагая, что лучшее место для показа - это место её рождения, то есть Италия. История была освещена газетой "Le Petit Parisien" 13 декабря 1913 года, сделав Мону Лизу звездой Лувра.

Однако это был не единственный случай, когда что-то плохое случалось с этой таинственной дамой: в 1956 году часть картины была повреждена, когда кто-то решил плеснуть в нее кислоту, и в том же году в панель был брошен кусок камня. Не говоря уже о тех временах, когда во время выставки в Токио женщина распылила красную краску на шедевр всемирного наследия, только потому, что решила привлечь внимание к политике музеев в отношении инвалидов.

Тем не менее, с тех пор Мона Лиза стала более известна, чем когда-либо, превратившись в икону искусства, Лувра и даже, для некоторых, Парижа.

Статья Дэниса Джарсдела

 

https://www.risunoc.com/2020/08/mona-liza-ikona-sovremennogo-iskusstva.html

 

 

 

Художник Paul De Longpre

Родство двух художников De Longpre оставалось сомнительным в течение долгого времени; их работы часто путают. Нередко картины, подписанные Раулем, экспертами приписывались Полю — до того велико сходство их цветочных натюрмортов.

Пол родился в Лионе в 1855 г, был сыном Виктора и Терезы De Longpre. Его отец, дядя и два брата (один из которых и был, возможно, Раулем De Longpre, позвавшим Пола последовать за ним в Америку) также были живописцами.

В настоящее время считается, что Рауль был старшим братом Пола, и оба жили в Париже в конце 1870-ых. Пол переехал в Соединенные Штаты в 1890 г, а Рауль остался во Франции и в 1901 г женился на Eugenie Rongieres.

Пол изучал искусство в парижской Академии изящных искусств вместе с Жаном Леоном Жеромом и Леоном Боннатом. Переехав вместе со своей семьёй в Америку, художник быстро завоевал популярность. 

В 1896 г состоялась первая нью-йоркская выставка Пола. Цветочные натюрморты художника были воспроизведены в виде открыток, литографий и пр. В 1899 Пол переехал в Калифорнию (Голливуд) и вскоре построил великолепный дом, окружённый цветником, впоследствии ставший местной достопримечательностью. Одна из улиц была названа именем художника — De Longpre Avenue.

Рауль Де Лонгпре родился в 1843 г. В 12-летнем возрасте мальчик зарабатывал деньги, расписывая веера для парижской фирмы. В 1864 г Рауль дебютировал в парижском салоне. Хотя нет достоверных сведений о пребывании Рауля в США, в статье американской газеты «»Rocky Mountain News» упоминалась работа художника «»Розы и Сирень», представленная на выставке в Денвере, Колорадо. Возможно, что Поль был агентом своего брата в Америке.

Жанр натюрморт. Адриан Коорт

Натюрморты голландского художника Адриана Коорта /Adriaen Coorte (?1660 - после 1707) выглядят если не современно, то чрезвычайно привлекательно для глаза человека XX-XXI веков. Минималистичные картины изображают обычно на простом темном фоне фрукты, овощи, орехи, раковины.

В XVIII и XIX веках Адриан Коорт был полностью забыт. Государственный музей в Амстердаме (Рейксмюзеум) купил его картину только в 1903 году. Отцом-"открывателем" Коорта стал голландский историк искусства Лауренс Йоханнес Боль (1898-1994). В 1952-1953 гг. он опубликовал первый каталог работ художника. Это издание и последовавшая в 1958 в Музее Дордрехта /Dordrechts Museum выставка вернули художника из забвения. В 1977 Боль издал в Амстердаме монографию о художнике.

. В 2003 выставку Коорта провела Национальная галерея искусства в Вашингтоне.

О жизни Адриана Коорта мало что известно, даже годы рождения и смерти остаются загадкой. Как полагают, был он родом из Мидделбурга /Middelburg в Зеландии /Zeeland. Картины художника датируются в диапазоне с 1683 до 1705 годов. Его ранние работы, изображающие птиц в садовом окружении, ​​очень близки по стилю к произведениям Мельхиора де Хондекутера /Melchior d’Hondecoeter (ок.1636-1695).

В годовых книгах живописцев Гильдии Святого Луки в Мидделбурге за 1695-1696 года упоминается, что некий "Coorde" был оштрафован за продажу картин в данном городе, не будучи членом гильдии. К этому времени Коорт уже как минимум 13 лет создавал картины и то, что он не был членом гильдии художников факт интересный. Исходя из этого, исследователи предположили, что Коорт не был профессиональным живописцем, а был состоятельным человеком или простым любителем (a gentleman painter or amateur).

Судя по тому, что иногда он писал на использованной бумаге, второе вернее. Многие работы Коорта середины 1690-х и позже написаны на бумаге, наклеенной на дерево или холст. Не понятно сам ли он наносил бумагу на плотную основу или это сделал кто-то другой позже для лучшей сохранности. Такая техника совершенно не типична для XVII и XVIII веков. Видимо, Коорт вначале рисовал композицию на бумаге, а затем работал маслом поверх рисунка. Во время Сотбис-предпродажной реставрации 2006 года картины с земляникой, что на верхней иллюстрации #1, бумага была отделена от доски и обнаружилось, что произведение написано на закрашенной странице бухгалтерской торговой книги начала 1600-х годов.

В стиле Коорта зрелого периода нет заметного влияния других художников. Сдержанность и простота его композиций лежат вне моды своего времени, когда были популярны более богато-насыщенные натюрморты.

George Forster - German, 1817-1896.

Still Life 

Художник Джордж Форстер (1817-1896) - известный американский мастер натюрморта второй половины19 века, родившийся в Германии.

Художник родился осенью 1817 года в Баварии в семье сельского священника. Был самоучкой, профессионального образования не получал. В возрасте 48 лет эмигрировал в Соединённые Штаты Америки, где провёл остаток жизни. Продолжая традиции ведущих голландских и немецких художников 17-века, Форстер наиболее успешно работал в жанре роскошного, высокореалистичного натюрморта. Его картины поражают любителей живописи своей объёмной детализацией и являются настоящим праздником для глаз.

Художник-виртуоз Иван Хруцкий: стекло, лимоны, таинственная незнакомка и вездесущий кувшин

Английский художник

Henry George Todd (1847-1898)

 Henry George Todd (Генри Джордж Тодд) (1847-1898) родился на 27 улице Св. Иоанна в Бери Сент-Эдмунд в 1847 году, Великобритания. Сын George Todd, который был художником-декоратором, и его жены Sophia урожденной Spencer. Henry George Todd посещал школу в Bury St. Edmund's, в которой преподавал его отец и стал обучать его мастерству. В возрасте 18 лет Henry George Todd поступил в художественную школу, которую с успехом закончил и Henry George Todd поступил в Лондоне в Королевскую Кенсингтонскую школу искусств.

Виноградный художник Генри Джордж Тодд писал Фруктово-Натюрмортно-Пейзажно-Аукционное. Не будь лозы, не будет кисти сочной. А без корней не вырастет лоза. И только в связке жизни этой прочной Свои творит природа чудеса ... Генри Джордж Тодд   выставлялся в Королевской академии в 1888 году и в Ипсвичском обществе изящных искусств с 1875 по 1897 год.

Художник умер в 1898 году в Ипсвич, Англия. Работы Генри Джордж Тодда были предложены на аукционах неоднократно, по цене от 343 до 10 843 долларов США.

Энтони Фредерик Огастас Сэндис — английский живописец-прерафаэлит, иллюстратор и рисовальщик

Энтони Фредерик Огастас Сэндис (англ. Anthony Frederick Augustus Sandys) или просто Фредерик Сэндис (1 мая 1829 — 25 июня 1904) — английский  живописец- прерафаэлит, иллюстратор и рисовальщик, писавший по большей части портреты, а также произведения в жанре мифологической живописи.

Биография

 

«Мария Магдалина» (1858-60 гг.)

Фредерик Сэндис, настоящее имя — Антонио Фредерик Огастас Сэндс (англ. Antonio Frederic Augustus Sands), родился 1 мая 1829 года в Норидже, графстве Норфолк. Первые уроки рисования он получил от отца, который сам был художником. В 1846 году Сэндис, проявлявший выдающиеся способности, по совету отца отправился в Нориджскую дизайнерскую школу  (англ. Norwich School of Design), и получил известность благодаря карикатуре на картину Джона Эверетта Милле «Сэр Изюмбрас» в 1857 году. Художник вместо лошади поместил осла, помеченного буквами «J. R., Oxon» (J. R. — Джон Рёскин, Oxon — Оксфорд), сверху сидел Милле в рыцарских доспехах, а двое маленьких детей спереди и сзади изображали товарищей Милле по Братству прерафаэлитов Данте Габриэля Россетти и Уильяма Холмана Ханта. Пародия называлась «Ночной кошмар», англ. «A Nightmare». Как ни странно, Сэндис и Россетти стали близкими друзьями, Сэндис одно время даже жил в доме Россетти в Чейни-Вок (Челси). Многие картины Сэндиса написаны под сильным влиянием Россетти, впоследствии обвинявшего его в плагиате.

 

«Медея» (1868 г.)

В 1860-е годы Сэндис получает определенное признание, работая в таких периодических изданиях, как « Once a Week», «Cornhill Magazine» и « Good  Words». Иллюстрации Сэндиса, никогда не публиковавшегося в книгах, а только в журналах, в настоящее время очень ценятся среди коллекционеров. В тот же период его картины появляются в галереях. Наиболее известны «Вивиана» (англ. Vivien, 1863 г.), «Фея Моргана» (англ. Morgan le Fay, 1864 г.), «Кассандра» (англ. Cassandra), «Елена Троянская» (англ. Helen of Troy) и «Медея» (англ. Medea, 1868 г.) Однако Сэндис, уделявший живописи мало времени, так и не стал известным художником при жизни.

Сэндис всегда страдал от нехватки денег, в том числе и потому, что много пил. В 27 лет он женился на Джорджиане Крид (англ. Georgiana Creed), но прожил с ней только три года, хотя официально развод так и не был оформлен. Остаток жизни Сэндис провёл с актрисой Мэри Джонс (сценический псевдоним — Мисс Клив, англ. Miss Clive), которая стала известна как «Миссис Сэндис» и родила ему десятерых детей. Он умер в Лондоне в 1904 году.

Творчество

В настоящее время картины и рисунки Сэндиса можно найти во многих известных музеях, в частности, в Национальной портретной галерее в Лондоне, в Манчестерской художественной галерее, в Галерее Тейт, в музеях Нориджа, в бостонском Музее изящных искусств.

Сэндис считается одним из наиболее талантливых прерафаэлитов. Его излюбленными темами были легенды Артуровского цикла («Фея Моргана») и скандинавская мифология («Валькирия»), он также является автором нескольких портретов известных людей в частности, Теннисона и Браунинга.

ВИКИПЕДИЯ

«Мария Магдалина» (1858-60 гг.)

«Медея» (1868 г.)

Вивьен 1863
Великобритания, Манчестер, Художественная галерея

Джованна Гарцони — итальянская художница  эпохи барокко 

Джузеппе Гецци (1634-1721). Портрет Джованны Гарцони

Джованна Гарцони (итал. Giovanna Garzoni; 1600, Асколи-Пичено — 1670, Рим) — итальянская художница  эпохи барокко .

Биография

Джованна Гарцони родилась в небольшом городе Асколи-Пичено, в регионе Марке. Дата её рождения — 1600 год — выводится из автографа на рисунке 1616 года, в котором говорится, что автору 16 лет. Родители Джованны были родом из Венеции; среди членов её семьи были ремесленники, ювелиры и художники. Возможно, первым учителем девушки стал её дядя Пьетро Гайя (итал. Pietro Gaia), принадлежавший к школе Джакомо Пальма Младшего. В ранних работах Джованны чувствуется влияние этого художника.

В 1620-х годах Джованна жила в Венеции с братом Маттео и посещала школу каллиграфии Джакомо Роньи (итал. Giacomo Rogni). В 1622 году она вышла замуж за венецианского художника Тиберио Тинелли. Однако брак продлился всего год; причиной развода послужил, возможно, данный Джованной обет целомудрия.

В 1630 году Джованна вместе с братом переезжает в Неаполь, где работает под покровительством Фернандо Афан де Рибера и Энрикеса, третьего герцога де Алькала-де-лос-Гасулес. В это же время она знакомится и вступает в переписку с коллекционером, меценатом и эрудитом Кассиано даль Поццо. Он помогает молодой художнице найти заказы в Риме, куда Джованна переезжает в 1631 году.

 

Виктор Амадей I, герцог Савойский (миниатюра), 1635

 

Кристина Французская, герцогиня Савойская, 1635

Однако в Риме она пробудет недолго: уже в 1632 году она переселяется в Турин, по приглашению Кристины Французской, герцогини Савойской. При дворе она пишет в основном портреты и миниатюры, в том числе самой герцогини и герцога Виктора Амадея I. Сохранились также свидетельства, что она создавала «пергаменты с изображениями цветов, фруктов и животных»; к туринскому периоду относится наиболее ранний из ныне известных натюрмортов Гарцони.

В 1637 году умирает герцог, покровитель Джованны, и она покидает Турин. О жизни Гарцони с 1637 по 1642 годы известно крайне мало; предполагается, что в эти годы она посетила Францию, возможно, также и Англию. Работы французских, английских и голландских художников, которые она видела во время путешествия, оказали влияние на её последующий стиль.

В 1640-х годах Джованна Гарцони переезжает во Флоренцию, где пробудет до 1651 года. Здесь её заказчиками становятся флорентийские аристократы, в том числе представители семьи Медичи. Среди её работ — портреты, миниатюры, картины на мифологические и библейские сюжеты, композиции из цветов и фруктов, ботанические зарисовки, а также копии картин известных художников. Во Флоренции Гарцони знакомится с творчеством Якопо Лигоцци (англ.), автора многочисленных зарисовок флоры и фауны, которые он выполнял по заказу Медичи, покровительствовавших наукам. Очевидно, работы этого мастера вдохновили Гарцони на создание собственных произведений в сходном стиле.

В 1651 году Гарцони — к тому времени признанный художник — переезжает в Рим. У неё нет недостатка ни в заказчиках, ни в деньгах: один из её биографов утверждал даже, что она могла попросить за свои работы «любую цену, какую пожелает». Вероятно, в это время она становится членом римской гильдии художников, Академии Святого Луки: хотя не сохранилось документов, подтверждающих её членство, известно, что Гарцони посещала заседания Академии.

Джованна Гарцони умерла в Риме между 10 и 15 февраля 1670 года. Ещё в 1666 году она завещала всё своё имущество Академии св. Луки, при условии, что её похоронят в их церкви Святых Луки и Мартины (англ.). Условие будет выполнено, но надгробный памятник появится только в 1698 году.

Творчество

 

Натюрморт с миской лимонов (темпера, пергамент), 1640

 

Китайская ваза с тюльпанами и другими цветами, ок. 1641-52

Джованна Гарцони известна, в первую очередь, своими натюрмортами и ботаническими зарисовками. Она была одной из первых женщин, обратившихся к этому жанру. Её работы, выполненные преимущественно гуашью или темперой на пергаменте, поражают тщательной проработкой деталей и тонкостью штриха.

В 1650-х годах Гарцони изображает многочисленные вазы с цветами, демонстрируя прекрасное чувство композиции. Очевидно также, что художница хорошо знакома с морфологией цветка: все её работы отличаются абсолютной натуралистической достоверностью.

В 1660-е годы, по заказу Фердинанда II Медичи, Гарцони создаёт около двадцати миниатюр, изображающих блюда с фруктами и овощами. Несмотря на некоторое однообразие многократно повторяющегося мотива, Гарцони удаётся разнообразить свои работы, внося в композиции дополнительные элементы — цветы, птиц, насекомых. Кроме того, виртуозность художницы проявляется в мастерском использовании светотени и других эффектов.

Характерной чертой многих работ Гарцони является своеобразное сочетание ботанической зарисовки, для которой важна в первую очередь точность и детальность изображения, с сугубо живописными приёмами. Этим её творчество отличается от натуралистических зарисовок Лигоцци, с которым её нередко сравнивают, но также и от большинства художников — авторов натюрмортов, для которых научная достоверность изображённых объектов играла второстепенную роль.

ВИКИПЕДИЯ

Ранееhttps://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post361742161:

Инжир и жук

Художник Роман Рибера Сирера

(Romаn Ribera Cirera)