«Человечество когда-то обладало незаурядными способностями», — говорит художник Лариса Белима, — «об этом свидетельствуют многие достижения древних, которые до сих пор нам кажутся чудом и многие из которых невозможно повторить даже в век технического прогресса». Художник видит причину необыкновенных открытий и мудрости наших предшественников в том, что они были тесно связаны с природой и жили в большей гармонии с мирозданием, чем наши современники. Каждый день Лариса стремится приблизится к первозданным истокам в поисках ощущения гармонии самыми простыми способами — она любит природу, любит цветы, которые выращивает в своем дачном саду, и они отвечают ей взаимностью, являясь самыми красноречивыми «шпаргалками» в постижении сложной науки гармонии цвета.

«Творчество, — уверена Лариса, — как, впрочем, креативный подход к любой деятельности, дарит возможность выйти за пределы обыденности и тем самым помогает обрести неординарные способности».
«То, что мы живем, — говорит художник, — уже чудо, это уже не обыденность, это огромный дар!» — картины Ларисы Белимы передают это восхищение жизнью. В ее работах не каждый найдет сходство с увиденными картинами мира, но непременно ощутит то настроение, которое, зачастую, передано в ее абстрактных полотнах отчетливее и ярче, чем сама реальность.

Истоки ее вдохновения — природа, линии пейзажей, архитектура, и, в самой большей степени, древние фрески, которые являют все те же непревзойденные подсказки для художника, ищущего особенную философию в сочетании красок на холсте.

Новая выставка художника Ларисы Белимы в Артгалерее «Дрезден» откроется 4 декабря.

3 ноября 2012 г. в 15:00 в Мемориальной усадьбе Ф. И. Шаляпина состоится открытие выставки «В тональности меццо-тинто».

Первый раздел посвящен гравюрам XVIII – XX вв. из частного семейного собрания Романовых. Основу коллекции заложил Петр Степанович Романов (1920 – 1993) – известный московский собиратель, круг интересов которого включал русскую и западную гравюру, в частности, русский и европейский портрет. В настоящее время хранит, описывает и по мере возможности расширяет коллекцию его дочь, Елизавета Петровна Романова.

Во втором разделе демонстрируются гравюры современных художников Владимира Самарина (1926 – 1994) и Марины Лазаревой. Художник редкого таланта, трудолюбия и скромности, В. Самарин самостоятельно изучал все тонкости меццо-тинто. Позже, в 80-е годы М. Лазарева, очарованная трудоемкой, кропотливой техникой, постигала ее законы именно в его мастерской. Творчество художников представлено лирическими пейзажами В. Самарина и работами из серий «Мимолетности», «Черногорский альбом», а также архитектурными пейзажами М. Лазаревой.

Техника гравирования на металле меццо-тинто или «черная манера», была изобретена Людвигом фон Зигеном в Германии, в середине ХVII века. К концу следующего века она достигла непревзойденных вершин в Англии. Но расцвет сменился упадком, и, к сожалению, уже к началу XX столетия «черная манера» крайне редко привлекала художников.
Тем не менее, техника жива. В настоящее время в мире известно около 500 художников, работающих в «черной манере».
Изюминкой любой выставки гравюры, ее безусловным украшением, как правило, служат именно гравюры меццо-тинто. Они экспонируются всегда особняком, как графика иной породы, иного уровня – и таких «блесток» в экспозиции обычно не более двух-трех. И потому выставка «В тональности меццо-тинто» уникальна: она представит вниманию широкой публики и специалистов только меццо-тинто – и ничего кроме меццо-тинто!

Выставка открыта до 30 ноября 2012г. в Мемориальной усадьбе Ф. И. Шаляпина (Новинский бульвар, 25-27)

Контактные лица ВМОМК имени М. И. Глинки:
Елена Давыдова 8 (916) 043-9413, e-mail: pr@glinka.museum
Мария Григораш 8 (916) 589-0209, e-mail: glinka.museum.pr@gmail.com
Аккредитация СМИ по тел. 8 (495) 739-6226, доб. 166

Мастерская моды INNABODROVA в Мастерской Скульптора Александра Рябичева

Рису́нок — изображение на плоскости, созданное средствами графики. Это основа всех видов изобразительного искусства. Как и во всяком рисунке, в рисунке натюрморта, кроме наиболее распространенного материала — графитного карандаша, применяются самые разнообразные материалы: уголь, сангина, соус, перо, тушь, мел, тонированная бумага. В работе над рисунком натюрморта полезно чередовать технику. Длительные рисунки перемежать с быстрыми набросками, технику карандаша с техникой угля и с «отмывкой». Это развивает быстроту руки, верность глаза и художественный вкус.

Фотография скульптора Максима Аксенова с отражением его скульптур на выставке в Российской Академии художеств до 28 октября.
Экспозиция "Пятое время года" совместно с художником Екатериной Ястребовой

Скульптор Максим Аксенов. Композиция "Золушка", 2012 г., гипс, железо. В залах Российской Академии художеств. Адрес: Пречистенка, 19. До 28 октября, 2012 г. Экспозиция "Пятое время года" совместно с художником Екатериной Ястребовой.

София Загряжская
МГХПУ им.С.Г.Строганова:

Баба Настя, 44х25х24, бронза
Один из лучших портретов скульптора — «Баба Настя». Портрет женщины, которую Дмитрий Борисович прекрасно знал (она была матерью его жены) и в этом лаконичном образе Дмитрию Рябичеву удалось выразить простую мудрость пожилой женщины, прожившей нелегкую жизнь, тяжесть которой отпечаталась на ее лице. Этот портрет ясно отображает, насколько скульптор способен был увидеть через внешние черты внутренний мир. На первый взгляд утрированно грубоватый образ мог бы показаться некрасивым и даже отталкивающим суровым выражением лица, чертами запавших глаз, и тонкими сжатыми плотно губами. Но тем не менее, «Баба Настя» почему-то симпатична, как всякий пожилой человек, умудренный годами жизни, вызывает уважение в силу своего возраста и опыта.


Подробнее о работах скульптора Дмитрия Рябичева
можно узнать на страницах официального сайта www.ryabichev.com
cсылка обязательна

3 октября – 20 ноября 2012

Японский сад Кунио Накадзима привозят в Москву


В рамках ежегодного фестиваля японской культуры в Москве
Министерство культуры РФ, Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства и Московский банк Сбербанка России представляют уникальный культурный проект родом из Японии. Коллекция, созданная из драгоценных металлов и камней «В саду» японского мастера эмальерного искусства Кунио Накадзимы – это более 80 ювелирных изделий, которые дизайнер представит общественности уже в начале октября.

Ювелирные изделия коллекции «В саду» украшены горячей эмалью, выполненной в старинной японской технике «сиппо», в которой творили классики эмальерного искусства конца XIX века Ясуюки Намикава и Сосукэ Намикава, и вдохновлены стилистикой и образами великих мастеров эпохи Ар-Нуво: Галле, Фаберже, Тиффани, Лалика.

Произведения Кунио Накадзима обладают особым ностальгическим духом, который редко несут изделия современных мастеров. Дизайн ювелирной коллекции «В саду», основанный на близких человеку мотивах мира растений и насекомых, отражает один из основных принципов восточной эстетики – соотношение простого и изящного. Этот ярко выраженный стиль сродни художникам–модернистам, которых с полным правом можно называть дизайнерами, в современном понимании этого термина. Так, Кунио Накадзима часто использует в своих работах такие образы, как желудь или клевер, ящерица или бабочка, которые являются весьма распространенными мотивами в ювелирном деле, но в искусстве японского мастера получают новое воплощение за счет малого масштаба и оригинальной, неповторимой формы. Произведения Накадзимы, вобравшие в себя лучшие черты ар-нуво и японского натурализма, основанные на асимметричности и неустойчивости цветочных форм, вместе с тем наделены особым индивидуальным стилем и отображают его собственное видение красоты природы.

ИСТОЧНИК: http://www.cs-sp.ru/20-09-2012.html
фото: ЦЕНТР СОЦИАЛЬНЫХ И СТРАТЕГИЧЕСКИХ ПРОГРАММ

20 сентября 2012 года в Торгово-промышленной палате Российской Федерации состоялась презентация торгово-экономического, инвестиционного, культурного и туристического потенциала федеральной земли Саксонии и города Дрезден, приуроченная к 140-летию Дрезденской фарфоровой мануфактуры и 500-летию картины Рафаэля «Сикстинская мадонна». Инициатором мероприятия выступила Дрезденская фарфоровая мануфактура.
Организатор и координатор информационной презентации проекта – медиакомпания Торгово-промышленной палаты Российской Федерации «ТПП-Информ».

В мероприятии приняли участие: А.С.Агабабян - владелец Дрезденской фарфоровой мануфактуры; В.А.Губернаторов - Председатель Совета директоров ООО «ТПП-Информ», советник Президента ТПП РФ; С.М.Небренчин - Генеральный директор ООО «ТПП-Информ», представители культурных и деловых кругов, видные общественные деятели, а также представители Администраций ряда регионов России.
С немецкой стороны в мероприятии приняли участие: Клаус Мэттиг - мэр г. Фрайталь; Хольгар Коллай - советник по экономическим вопросам Посольства Германии в России, доктор; Дженс Бейкуфнер - руководитель секции по культуре Посольства Германии в России; Томас Крюгер - заместитель руководителя Департамента экономики Правительства федеральной земли Саксония; Гернод Лоозе - представитель компании Дрезден Маркетинг и аэропорта Дрезден в России и СНГ; Гюнтер Зайферт - Директор Дрезденской фарфоровой мануфактуры; Роберт Брайтнер - Исполнительный директор Российско-Германской внешнеторговой палаты; Карл-Хейнц Клаус – руководитель картинной галереи в г.Дрезден.

Участники презентации были ознакомлены с положением в экономике, инвестиционным климатом, инвестиционными, инфраструктурными и туристическими проектами земли Саксонии и города Дрезден. Были обсуждены перспективы научно-технического сотрудничества, взаимного обмена в различных областях.
Дрезденская фарфоровая мануфактура представила творческий потенциал и широкие возможности, как по воссозданию уникальных произведений искусства, так и по изготовлению корпоративных подарочных изделий и сувениров. С великолепными результатами труда мастеров Дрезденской фарфоровой мануфактуры, в том числе с репродукцией картины «Сикстинская мадонна», выполненной на фарфоре, участники ознакомились на выставке в Артгалерее «Дрезден» в Гостином Дворе, которая стала продолжением презентации.

1.


2.


3.

Народный художник РФ, член-корреспондент Российской академии художеств Игорь Пчельников (род. 1931) – один из крупнейших современных мастеров живописи и монументального искусства. В 1956 году окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище имени В.И.Мухиной. В составе творческой группы молодых художников — «шестидесятников» создал росписи, рельефы, мозаики во Дворце пионеров на Ленинских горах. В 1970-е – 1980-е годы выполнил такие яркие и зиачительные произведения как цветные рельефы в Посольстве СССР во Франции и в интерьерах санатория «Южный Форос» в Крыму, объемно-пространственную композицию в ресторане гостиницы «Москва» (в соавторстве с И.Лавровой) и другие. Преображая своей изобретательной фантазией и элементами игры интерьеры общественных зданий, они делами их неузнаваемыми и неожиданными. В работах художников царила свобода творческой мысли, раскованность и красота. Одна из последних работ И.Пчельникова в монументальном искусстве – замечательный фонтан на площади у Рижского вокзала в Москве (в соавторстве с М.Красильниковой), 2007 год.
В станковом творчестве, многогранно представленном в экспозиции, художник поражает глубиной и силой создаваемых образов, искренностью, обостренным чувством цвета и пространства.



С конца 1980-х годов Пчельников обращается к евангельской теме. Такие картины как «Несение креста», «Снятие с креста», «Лестница», «Моисей», исполненные драматизма, истового сопереживания, передают накал страстей современного мира. Художник трактует их в философском контексте, видит в них возможность по-новому, более глубоко и остро поднять темы человеческого бытия.
Пчельников драматически переживает значительные или только ему заметные события, «дающие толчки для пластических рассуждений», в которых он выходит за рамки сугубо личных взаимоотношений с действительностью, и его работы обретают метафорическое звучание..
Мотивы живописи просты – сад зимой, деревня, дороги, портрет друга, автопортрет. Кажется, в них ничего не происходит, но они вызывают ощущение событийной значимости. Напряженный нерв живописно-пластических и пространственных взаимодействий, конфликт противоположных начал задевает зрителя за живое.
Большое место в творчестве Пчельникова занимают пространственные композиции – деревянные конструкции, включенные в общую игру формы и цвета.
В экспозицию вошли произведения живописи и графики, созданные, в основном, в последние годы.

Живописец и график ВИЛЕН КАРАКАШЕВ. Выставка «РАЗДВИГАЯ ПРЕДЕЛЫ» до 30 сентября. Выставочный зал РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ. Адрес: ПРЕЧИСТЕНКА, д.19

Выставка охватывает почти 30 лет творческой деятельности, в течение которых художник создавал плакаты, остросоциальные и фантастические композиции, реалистические портреты. Мир живописца и графика, заслуженного художника РФ Вилена Каракашева поражает яркостью красок и безудержной фантазией.
Своим творчеством Вилен Суренович Каракашев (род.1935) постоянно доказывает, сколь безграничен диапазон художника, прошедшего классическую школу. В 1962 году он с отличием окончил Московский государственный художественный институт имени В.И.Сурикова, где занимался в Мастерской плаката у профессора М.М.Черемных; В.Каракашев считался его любимым учеником. В период «оттепели» наряду с другими «черемныховцами» последней волны он вносил в плакатную графику новое эстетическое мышление, в котором сплелись опыт русского авангарда, первых советских плакатов 1920-х годов, «сурового стиля», «подпольного» искусства и искусства стран «социалистического блока», в частности Польши.
Сразу по окончании Суриковского института художник начал работать в сфере киноплаката, а в дальнейшем – политического и социального плаката. Дипломные работы Вилен Каракашева большим тиражом выпустило издательство «Советский художник», которое в дальнейшем заказывало художнику плакаты.


Сильное впечатление на Каракашева оказала бурная художественная жизнь Москвы 1960-70-х, в том числе выход к зрителю «подпольного искусства» — «Бульдозерная выставка», санкционированные смотры на ВДНХ и на Малой Грузинской улице. Интерес Каракашева к «свободному творчеству» в живописи и графике поддержал Дмитрий Краснопевцев, с которым художник в 1960-е годы совместно работал в издательстве «Рекламфильм».


Параллельно занимаясь «чистым творчеством», Каракашев увлекался различными направлениями в искусстве, например, в натюрмортах реализовал пластическую идею фрагментарности зрения. Период увлечения индийской философией способствовал созданию цикла гиперреалистической графики по мотивам поездки в Индию. Позднее от «гиперграфики» перешел в цветной темперной графике к более условной манере, затем стал создавать картины. После поездки в Японию графика художника пережила обновление: он стал сочетать традиционный карандашный рисунок с полихромной тонировкой, используя темперу или пастель, акцентируя внимание на цветных деталях.
В настоящее время в своих произведениях отдает дань различным арт-направлениям, включая гиперреализм, сюрреализм, абстракцию. Работает в технике карандашной графики, темперы, пастели и масляной живописи. Разнообразие стилей и художественных решений, прослеживаемое в творчестве Каракашева, обусловлено его «плакатным» мышлением, что особенно тесно было связано с работой над киноплакатами, которая требовала находить образ, адекватный стилистике фильма.

Международный Центр Фотографии International Center of Photography» (ICPHOTO), Сайт — PhotoPodium.com при поддержке: Российской академии художеств, Московского музея современного искусства представляет Международную фотовыставку «Радость бытия» до 12 октября. Адрес: г. Москва, Брянский переулок, д.2. Выставочный зал лаборатории «Expertphotolab».

«Радость бытия» — это выставочный проект с таким жизнерадостным названием знаменует начало деятельности Международного Центра Фотографии — нового содружества мастеров фотоискусства, объединяющего фотохудожников разных стран мира. Среди авторов экспозиции и такие мастера, как Виктор Ахломов и Юрий Кривоносов (Россия), Леонид Бергольцев и Виктор Данилов (США), Михаил Левит и Виктор Ольховский (Израиль).
Искусство фотографии дарит нам особую возможность наслаждения созерцанием секунд, которые образуют вечность; атомов, которые составляют молекулы времени. Вездесущий взгляд фотохудожника фиксирует полную драматических переживаний и радостных мгновений жизнь, уникальных мгновений, которые больше не повторятся, но сохранят свой аромат в пространстве фотоискусства.
«Радость бытия» — это выставка о том, как Вы понимаете и принимаете этот мир, какие вопросы вставали и встают перед Вами, и как Вы можете их решать — это выставка о Вашем понимании и ощущении себя в этом мире. Портрет, пейзаж, жанровые зарисовки, здесь «радость бытия» выражается не только в композиции, многообразии ракурсов, света, цвета, но и в той энергии позитива, которая передается зрителю от увлеченных творческим процессом авторов.
В экспозиции, наряду с известными мастерами, представлены и молодые авторы, только начинающие свой путь в творчестве.
«Радость бытия» — первый проект, организованный Международным Центром Фотографии, который в ближайшие годы планирует организацию и проведение выставочных проектов, круглых столов и семинаров по искусству фотографии, а также мастер-классов и творческих встреч с наиболее интересными и значимыми фигурами современного фотоискусства.

Известный итальянский скульптор, художник, профессор ВИНЧЕНЦО БЬЯНКИ. Выставка «ЛОВИ МГНОВЕНИЕ» состоялась в залах РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ. Экспозиция включила около тридцати произведений мастера — это живопись, скульптура, объекты. Организаторы – Российская академия художеств, Московский академический художественный лицей.


Разносторонняя деятельность Винченцо Бьянки охватывает все визуальные искусства, от скульптуры до рисунка, от графики до видео – арта. «ЛОВИ МГНОВЕНИЕ»- один из многочисленных проектов автора. Произведения, созданные как синтез рукотворного воплощения идеи и последующей его обработки компьютерными программами, представлены в экспозиции.
На заседании Президиума академии 11 сентября 2012 года в 14.00 состоится вручение Винченцо Бьянки регалий «Почетного члена Российской академии художеств».

Винченцо Бьянки- уникальная личность- художник, общественный деятель, педагог, мыслитель, поэт. Он родился в г. Фонтана Лири (Фрозионе-Италия) в 1939 году. Маэстро долгие годы был Директором Академии Искусств Мачераты, на протяжении 25 лет возглавлял кафедру Скульптуры в Академии Искусств во Флоренции, является почетным президентом Румынской Академия «Mihai Eminescu». В 2008/2009 году он становится номинантом Нобелевской Премии Мира за работы и деятельность , посвященные миру и братству всех народов. Винченцо Бьянки — автор знаменитой скульптуры, созданной по заказу Европейского Парламента в Страсбурге «Новый Икар» и не менее известной скульптурной композиции, посвященной Моисею, установленной на горе Монте Нэбо в Иордании. По случаю визита Папы Римского на Святую Землю Винченцо Бианки создал амвон для Церкви в Иерусалиме и две золотые медали, которые были вручены понтифику. В 1998 году он был принят Иоанном-Павлом II, которому вручил «Камень Горы Европы за Мир».

Маэстро — автор серебряной миниатюры «Сосуд Дружбы» в память о «Второй Мировой Войне». Ее обладателями являются известные политические деятели: лауреат нобелевской премии мира Премьер-Министр Израиля Шемон Перес, Премьер-министр Италии Джулио Андреотти, Лауреат нобелевской премии мира Михаил Горбачев. В 2012 году состоялось вручение миниатюры Президенту Российской Академии художеств З.К. Церетели. В 1998 и 2000 г. Винченцо Бьянки был приглашен на вручение «Интернациональной Премии за Поэзию» в Македонии, где были изданы два сборника его стихов. В 2001 году был приглашен Президентом крупнейшей японской организации Fujiankei Group, чтобы осуществить показ лазерного шоу в самом большом музее под открытым небом, “The Hakone Open-Air Museum”.


Маэстро Винченцо Бианки является Почетным Гражданином нескольких итальянских городов, Гражданином Охрида (Республика Македония), Почетным Членом многих Национальной Организаций Италии и международных организаций, Президентом Общества Дантэ Алигьери Скопье в Македонии, Доктором Honoris Causa в искусстве Интернационального Университета Высших Наук «Pro Deo» New York, Почетным членом мировой организации поэзии «Джиакомо Леопарди» — г. Реканати. Винченцо Бьянки — Основатель школы «Новых Примитивных», Учредитель премии за рисунок «Винченцо Бианки». Его персональные выставки состоялись в Японии, Канаде, Австралии, США, Франции, Греции, Швеции, Аргентине и многих других странах. Там же прошли мастер-классы художника. Маэстро создал около десяти музеев, каждый из которых посвящен выдающемуся деятелю современности или событиям мировой значимости. Они объединены под общим названием «Лабиринты Винченцо Бьянки». Один из них посвящен Юрию Гагарину.

В рамках года России — Италии был разработан международный проект «Винченцо Бьянки и студенты мира». Проект включен в федеральную целевую программу «Культура России (2012 — 2016 годы), получил поддержку Президиума Российской Академии художеств и включен в программу Кафедры «ЮНЕСКО» Российской академии художеств.

Меценатом и учредителем гранта выступил профессор Винченцо Бьянки, заявив о готовности Итальянской стороны оказать поддержку учащимся Московского Академического Художественного Лицея Российской Академии художеств и студентам Московского Государственного Академического Художественного Института им. В.И. Сурикова. Молодым художникам из России была предоставлена возможность обучения в формате стажировок и пленэрных практик, в мастерских Винченцо Бьянки в Италии.
По итогам проекта состоится выставка «Мир глазами молодых талантов» в октябре этого года.

Артгалерея «ДРЕЗДЕН». Выставка к 140-летию ДРЕЗДЕНСКОЙ ФАРФОРОВОЙ МАНУФАКТУРЫ. С 20 сентября Адрес: Хрустальный переулок. д.1

Город Мейсен был основоположником фарфоровых изделий Германии. Именно там, — говорят специалисты, — впервые появился твердый фарфор, благодаря открытию Фридриха Бетгера.
Вокруг имени Бетгера витает немало легенд, одна из которых гласит: этот знаменитый алхимик, путешествуя по немецким землям в начале 18 века, выдавая себя за саксонского подданного утверждал, что может создавать золото из самых дешевых материалов – в то время подобных энтузиастов, утверждающих, что им известна такая сокровенная тайна было множество, идея изготовления золота «из ничего» витала в воздухе повсюду в Европе. Когда сведения о новом алхимике дошли до слуха саксонского курфюрста Фридриха Августа, тот своей высочайшей властью велел бросить нового волшебника-авантюриста в тюрьму и приказал ему «Делай золото, Бетгер!». Поиски начались. Иного выхода у алхимика не было. Включив все свои таланты, творческую интуицию, опыт и знания, Бетгер обратил свои способности в несколько иное русло. Он начал экспериментировать с каолином, жженым алебастром и кварцем. Обжигая в январе 1708 года эти компоненты в подобранной им пропорции при температуре свыше 1300 градусов, Бетгер открыл способ изготовления твердого фарфора. Это было триста лет назад. Впервые в Европе начали изготовлять тонкий фарфор, ни в чем не уступающий привозимому из Китая. Фридрих Август запотентовал новое изобретение и летом 1710 года было объявлено об открытии фарфорового завода в замке Альбрехтсбург в Мейсене, самого известного в Германии до сих пор.
А в 25 километрах от Мейсена расположен Дрезден. И этот город стал следующим в списке знаменитой фарфоровой истории. Расположение Дрездена на скрещении торговых путей выгодно выделяло его среди других городов, и именно Дрезден, куда приезжали со всей Европы торговцы и путешественники, пославился множеством мастерских, многие из которых расписывали готовые формы, предназначавшиеся для Мейсена, другие создавали по уникальной технологии сами изделия. Роспись и формы дрезденских мастеров во многом носили влияние Мейсена, но время шло и появлялись новые мануфактуры — венская и севрская, — и дрезденские мастера подхватывали уже их лучшие идеи. Так, дрезденские традиции – смешение стилей и симбиоз художественных идей немецких мастеров фарфора. Ампир, бидермайер, барроко так и проследовали на протяжении многих художественных эпох до двадцатого столетия.
Мейсен и Дрезден — из тех мануфактур, которые сохранили лицо с давних времен, с первоистоков. Животные, фигурки детей, жанровые сцены, охотничьи темы, пасторальные сюжеты – все, что питало вкусы в 18 веке перешло в наследие к современным мастерам. Изображение тихой, уютной, провинциальной жизни – в каждой крестьянской семье была горка с фарфоровыми изделиями, вызывающими чувство покоя и умиротворения, создающими определенную ауру.
Записала Александра Загряжская
Фото Александры Загряжской

Без фантазий нет искусства, как нет и науки
Ференц Лист


МУЗЕЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ М.И. ГЛИНКИ. Выставка «ФИЛОСОФИЯ, НАУКА И ИСКУССТВО В ПОЗНАНИИ МИРА» в Мемориальной усадьбе Ф. И. Шаляпина — отделе Всероссийского музейного объединения музыкальной культуры имени М. И. Глинки, при поддержке Института философии РАН и Российского института культурологии

Выставка «Философия, наука и искусство в познании мира» состоит из четырех разделов. Они представляют работы художников, чье увлечение живописью, графикой, фотографией – по большей части хобби, а жизнь посвящена философии и науке.
В экспозиции будут представлены работы российских ученых Вячеслава Щербины, Андрея Пелипенко, Олега Скоркина и Михаила Пронина.

Уникальность выставки «Философия, искусство и наука в познании мира» состоит в том, что в одном экспозиционном пространстве представлены абсолютно различные по жанру, технике письма, темам авторские работы, совмещающие в себе рациональность науки и непостижимость искусства. Картины позволяют по-новому взглянуть на окружающую действительность, в необычном свете увидеть привычные современному обывателю образы и предметы.

СИКСТИНСКАЯ МАДОННА.РАФАЭЛЬ 1512—1513 гг.. Холст, масло. 256×196 Галерея старых мастеров, Дрезден

(На фото: художник Станислав Воронков (справа), автор выставки в мастерской скульптора Александра Рябичева)

Станислав Воронков выпускник Московского Академического художественного лицея Российской Академии художеств, студент первого курса Московского академического художественного института имени В. И. Сурикова. Персональная выставка Станислава Воронкова в Творческой мастерской скульптора Александра Рябичева включила ученические работы молодого художника и коллекцию на свободную тему, созданную по вдохновению, в которой отразилась особенная эстетика; не смотря на молодость, а, возможно, именно, благодаря возрасту, когда все жизненные впечатления особенно ярки, автор этих работ с пониманием делится со зрителями своими размышлениями о времени, о вечности, о сути жизни. Сумеречные виды индустриальных городов, старые фасады обветшалых зданий выполнены в реалистической манере, и кажутся списанными с натуры, но оставляют впечатление некого сюрреалистического заброшенного мира, в котором о человеке напоминают лишь созданные им предметы цивилизации.



Лирические пейзажи. Размытые контуры дальних планов создают объемность изображения и делают воздух в картинах, как бы слегка затуманенным, будто влажным, что служит передаче состояния природы. Все кажется в них чистым и совершенным, но и этот прозрачный тонкий мир завораживает зрителя тревожащим состоянием. Особенность драматургии большинства работ Станислава заключена в стремлении передать переходные моменты и в природе и в предметном мире, и время, выбранное для изображений, кажется не случайным — когда день еще не закончился, а вечер не начался, воздух сумерек наполняет волнующее ожидание.

Есть работы, в которых реалистические портреты включены в фантастический сюжет. Портрет Даниэлы — один из таких аллегорических сюжетов. Красное платье девушки превращается в прозрачную волну (ассоциация с гравюрой Хокусая), брызги которой поднимаются птицами в небо. Древнейший символ моря и первозданности природы, волна — также является обиталищем дракона (так считали китайские и японские художники, изображения которых сделало волну одним из самых ярких символов в искусстве). И здесь двойственность смыслов очевидна.


Совсем другой характер у портрета этой же модели с белой птицей. Рисунок меленькой, как колибри, экзотической птицы настолько тонок, что едва читается и обращает на себя внимание лишь благодаря направленности взгляда изображенной. Становится ясным, что эта мелкая деталь портрета призвана передать самое главное в нем. Фантастическая птица, изображенная как видение или мечта — один из символов тонкого восприятия мира.


Станислав молод, и еще многое изменится в его творчестве со временем, но уже сейчас видны направления его художественных поисков. Мастер деталей, самые незначительные на первый взгляд предметы и незначащие явления, Стас наделяет особенным смыслом и художественной метафорой в стремлении опоэтизировать повседневность.
Первой талант Стаса заметила мама Нина Владимировна. Она и отвела сына в художественную школу. Первая выставка Стаса состоялась в его девятилетнем возрасте, и детские его работы всегда отличало радостное, светлое настроение. Первая учительница Станислава Галина Александровна — одна из тех, кто особенно рад сегодня за своего ученика.

МАСТЕРСКАЯ РЯБИЧЕВЫХ. 45 ЛЕТ СО ДНЯ ОСНОВАНИЯ



Высокую награду премию ЮНЕСКО ДМИТРИЙ БОРИСОВИЧ РЯБИЧЕВ полностью отдал Государству. В знак благодарности правительство, ценившее благородный поступок и талант советского скульптора подарило Дмитрию Борисовичу мастерскую, ставшую впоследствии одной из самых известных в художественном мире. Когда-то на том месте, где сегодня стоит Творческая мастерская Рябичевых был пустырь, поросшее травой поле, на котором мальчишки из близлежащих домов играли в футбол.



А 45 ЛЕТ НАЗАД В 1967 ГОДУ ЗАКОНЧИЛОСЬ СТРОИТЕЛЬСТВО ЗДАНИЯ ПО ИНДИВИДУАЛЬНОМУ ПРОЕКТУ, ПРЕДНАЗНАЧЕННОГО СПЕЦИАЛЬНО ДЛЯ РАБОТЫ СКУЛЬПТОРА ДМИТРИЯ БОРИСОВИЧА РЯБИЧЕВА.

Так на Светлом проезде появилось уникальное строение, которое само по себе является произведением архитектурного искусства, и в стенах которого родились десятки художественных проектов и самого Дмитрия Борисовича Рябичева и его сына Александра и многих выдающихся коллег скульпторов.


ТЕКСТ ИЗ СЮЖЕТА АЛЕКСАНДРЫ ЗАГРЯЖСКОЙ "СКУЛЬПТОРЫ РЯБИЧЕВЫ" 2005 г. ПРОГРАММА НОВОСТЕЙ КАНАЛА "M1"

"Каждый памятник – памятник времени, памятник эпохе, говорят сами скульпторы. И эта творческая мастерская тоже памятник – памятник архитектуры и почти полувековой истории известной семьи художников.


СЫНУ СКУЛЬПТОРА ДМИТРИЯ БОРИСОВИЧА РЯБИЧЕВА АЛЕКСАНДРУ БЫЛО ДЕСЯТЬ ЛЕТ, КОГДА БЫЛА ПОСТРОЕНА ЭТА МАСТЕРСКАЯ. ЮНЫЙ САША СТАЛ СВИДЕТЕЛЕМ РОЖДЕНИЯ МНОГИХ СКУЛЬПТУР, НЕРЕДКО ПОЗИРОВАЛ ОТЦУ ДЛЯ ЭСКИЗОВ ЕГО РАБОТ И В ОДНОЙ ИЗ МОНУМЕНТАЛЬНЫХ КОМПОЗИЦИЙ ( В ГОРОДЕ ОМСКЕ ) УЗНАВАЕМ РЕАЛИСТИЧЕСКИЙ ПОРТРЕТ САМОГО АЛЕКСАНДРА. Как и отец, Дмитрий Борисович, Александр закончил Строгановку. В мастерской на Светлом проезде его студия была в самой светлой комнате, где со дня основания мастерской собиралась уникальная библиотека искусств".
из сюжета "Скульпторы Рябичевы" программы новостей канала "M1", 2005 г.


В МАСТЕРСКОЙ СОХРАНИЛИСЬ ЭСКИЗЫ И ГИПСОВЫЕ МОДЕЛИ МНОГИХ МОНУМЕНТАЛЬНЫХ СКУЛЬПТУР, УВЕКОВЕЧЕННЫХ СКУЛЬПТОРАМИ РЯБИЧЕВЫМИ. ЗДЕСЬ СЕГОДНЯ ПРОДОЛЖАЕТ РАБОТАТЬ СЫН ДМИТРИЯ РЯБИЧЕВА АЛЕКСАНДР И ВНУЧКА СКУЛЬПТОРА ДАНИЭЛА.


В этой скульптурной мастерской проходят художественные выставки и бывают в гостях многие выдающиеся мастера современности.

И, НЕСМОТРЯ НА ТО, ЧТО САМОМУ ЗДАНИЮ ПОКА ЕЩЕ НЕ ПРИСВОЕН ОФИЦИАЛЬНЫЙ СТАТУС ПАМЯТНИКА АРХИТЕКТУРЫ, ПО СУТИ, ОНО ЯВЛЯЕТСЯ УНИКАЛЬНЫМ ТВОРЕНИЕМ СВОЕГО ВРЕМЕНИ. Мастерская Рябичева, созданная по индивидуальному проекту, была построена для скульптора Дмитрия Борисовича Рябичева в знак признания его выдающегося таланта и заслуг перед Отечеством.