Жена хана. 1901


Читать далее

Адольф Больм, Тамара Карсавина- Шехерезада


Читать далее

Небольшая подборка театральных костюмов русского художника Сергея Судейкина

Анна Ахматова
Сергею Судейкину (1914)

Спокоен ход простых суровых дней,
Покорно все приемлю превращенья.
В сокровищнице памяти моей
Твои слова, улыбки и движенья.


Родился в Петербурге в семье жандармского офицера. В 1897 г. поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, откуда в 1902 г. был отчислен за показанные на ученической выставке работы «непристойного содержания».
Творчество Сапунова оказалось близко художникам-символистам. Судейкин сотрудничал с журналом «Весы», иллюстрировал драму М. Метерлинка «Смерть Тентажиля» (1903), участвовал в выставках «Алая роза» (1904), Московское товарищество художников (1905), Союза русских художников (1905, 1907 - 1909), «Голубая роза» (1907, являлся одним из создателей одноименного объединения), «Венок» (1908).
В 1909 г. поступил в Санкт-Петербургскую Академию Художеств, где с 1910 г. работал в мастерской Д. Кардовского. В это же время состоялось знакомство художника с А. Бенуа и другими «мирискусниками». В 1911 г. Судейкин становится членом объединения «Мир искусства» и постоянным участником организуемых объединением выставок. Особенно тесная дружба связывала его с К. Сомовым, мотивы творчества которого проявляются и в работах Судейкина. Романтические сюжеты, излюбленные К. Сомовым и другими художниками «Мира искусства», зачастую получали у Судейкина лубочную трактовку, содержащую элементы гротеска и театрализации. Театр, балет, итальянская комедия становились темами его работ.
В последствии именно работа для театра стала главным делом его жизни. Художник сотрудничал со многими известными театральными деятелями. С. Мамонтов первым привлек Судейкина к оформлению оперных спектаклей в московском театре «Эрмитаж». В 1905 г. Судейкин вместе с Н. Сапуновым оформлял для Театра-студии на Поварской в Москве «Смерть Тентажиля» в постановке В. Мейерхольда. В 1909 г. в Петербурге в Новом драматическом театре Ф. Комиссаржевского создал декорации к пьесе Б. Шоу «Цезарь и Клеопатра». В петербургском Малом драматическом театре в 1911 г. оформлял балетные спектакли и комическую пьесу М. Кузмина «Забава дев». В 1913 г. Судейкин участвовал в «Русских сезонах» в Париже, оформляя спектакли.

Саломея


Павлова и Нижинский в Павильоне Армиды


В 1910-х г.г. Судейкин становится одной из центральных фигур петербургской литературно-художественной жизни. Тесные отношения складываются у него с М. Кузминым. Художник оформляет для своего друга книги стихов — «Куранты любви» (1910) и «Осенние озера» (1912), помогает В. Мейерхольду в организации Дома интермедий (1910-1911), в 1911 г. расписывает стены театра-кабаре «Бродячая собака», в 1915 г. создает декоративные панно для «Привала комедиантов».
В 1917 г. Судейкин переезжает в Крым, затем, в 1919 г., в Тифлис. В 1920 г. уезжает в Париж.
В эмиграции работа в театре продолжает оставаться основным делом художника. Во Франции Судейкин сотрудничал с Н. Балиевым и его кабаре «Летучая мышь», с «Русской оперой», театром «Аполло», оформлял балет «Спящая красавица» для труппы А. Павловой. После перезда в 1923 г. в США Судейкин много работал для «Метрополитен-опера» (балеты И. Стравинского «Петрушка» (1925), «Соловей» (1926), оперы «Садко» Н. Римского-Корсакова (1930), «Летучий голландец» Р. Вагнера (1931) и др.), сотрудничал с труппами М. Фокина и Дж. Баланчина, написал декорации к кинофильму «Воскресенье», снятого в Голливуде в 1934-1935 г.г. по роману Л. Толстого.
Последние годы жизни Судейкин тяжело болел. Умер в августе 1946 г. в Нью-Йорке.

Читать далее

Джуп-кюлот это хорошо знакомые нам юбка-брюки, свою историю эта деталь женского туалета начала конечно же на востоке в иде шаровар,а известность во времена "белль эпок" им принес знаменитый кутюрье Поль Пуаре.
Большое оживление внес в моду русский балет Дягилева, гастролировавший в 1907 году в Париже. Изумительные эскизы костюмов Бакста стали источником вдохновения для художников-модельеров. Начинается всеобщее увлечение экзотикой. (Вспомним недавние парижские гастроли Большого Театра и обрушившуюся вслед за этим лавину «русской» моды.) Наряду со многими яркими восточными костюмами в начале нашего века модельеры предложили вниманию элегантных дам шаровары, созданные по мотивам костюмов балета «Шехереаада». Предназначены они были для танцев, а точнее — для только что вошедшего в моду и пользовавшегося не менее сомнительной репутацией, чем сами шаровары, аргентинского танго. Масла в огонь подлил Пуаре, предложивший в 1911 году юбки-брюки. Юбки эти были длинными, широкими и брюки напоминали весьма отдаленно. Но страсти разгорелись все равно.
Лондонская газета «Куин» от 1 июля 1911 года описывает одну из таких модниц: «Мы заметили в партере даму, которая, должно быть, вышла прямо из сераля. Ее платье из богатого шелка с вышивками было бесформенным, ее голова была перевязана круглым тюрбаном».
Созданная Пуаре юбка-брюки вызывала скандал. На отчаянных революционерок смотрели с презрением, показывая пальцем.Даже папа Пий X взял на себя труд предать анафеме аморального парижанина по имени Пуаре.
Не отставали от парижанок и россиянки.Очень красноречиво об этом говорит вырезка из журнала 1911 года: «Вчера в 9 часов вечера на Крещатике среди многочисленной гуляющей публики вдруг появилась... шароварщица. Послышались свистки, началась давка - всем хотелось взглянуть на бедную даму, которую прижали к стенке. Толпа увеличивалась. Была вызвана полиция. Под охраной роты солдат преследуемой удалось вырваться из плена и избежать расправы».



Читать далее

Между тем феномен Бакста вдохновил многих. И если Маяковский и Ларионов главное внимание уделяли собственным одеждам и гриму, то «амазонки русского авангарда» Н.Н.Гончарова, О.В.Розанова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер занялись современным дамским костюмом. «Очаровательной» назвал серию рисунков женских платьев, выставленную Гончаровой в 1913 году в Художественном бюро, Бенуа. «Почему же я только теперь узнаю о том, что художница посвящала свои силы обновлению женской одежды, почему знаменитые модницы не идут к ней и не учатся у нее?» — спрашивал он. Однако эскизы Гончаровой, судя по всему, как раз использовались для создания костюмов знаменитых московских модниц. Их у художницы приобретала Н.П.Ламанова, «самая изобретательная и модная московская портниха… не чуждая увлечений живописью и обладавшая большим вкусом», у которой одевались московские богачки и красавицы Е.П.Носова, Г.Л.Гиршман и другие. Выставленные на художественно-промышленной выставке 1913 года прикладные работы Экстер отмечал Тугендхольд, считавший, что ей «удалось применить принципы своего «живописного динамизма» к украшению вышитых ширм, подушек, зонтов, шарфов и платьев…»

Надежда Ламанова.1923 год, пальто из коллекции, созданной по мотивам костюмов народа севера. Модель актриса Александра Хохлова.


С началом Первой мировой войны одним из способов привлечения художников в новую для них область творчества стали конкурсы на разработку проектов одежды в национальном духе. Тема национального костюма, в котором видели и средство патриотического воспитания, и спасение от тирании мод, и одну из возможностей поддержать отечественное кустарное производство, сделалась особенно актуальной. Подобные конкурсы служили и пропаганде костюма как особого вида прикладного искусства. Среди их участниц были Р.Р.О’Коннель, Р.Н.Браиловская и другие художники, вышедшие из стен Школы Общества поощрения художников, Училища Штиглица, Строгановского училища в Москве или других художественных учебных заведений, уделявших значительное внимание прикладным и декоративным искусствам.

Читать далее

Данная статья уже мелькала в моей уважаемой френд-ленте. Но равнодушной она меня не оставила, поэтому позволю себе в очередной раз ее предложить вашему вниманию, вставив,единственное, для наглядности иллюстрации

Сегодня все, что касается области костюма и моды, — дело уже отнюдь не только модисток, вышивальщиц и всевозможных «красавчиков Брюммелей» — как когда-то. Целые армии философов, психологов, социологов, экономистов и журналистов обслуживают Великую империю моды, но особое место в ней занимают художники. Не просто кутюрье или талантливые портные, «художники своего дела», как принято называть их в прессе, а настоящие живописцы и рисовальщики, причем нередко самые известные и знаменитые. Уже Рафаэль и Леонардо да Винчи, не смущаясь, тратили свой талант на придумывание живописных и красочных костюмов. Примеры творчества в области моды русских художников тоже общеизвестны, достаточно вспомнить эксперименты в этой области «амазонок русского авангарда» А.Экстер и О.Розановой или опыты создания конструктивной одежды Л.Поповой и В.Степановой. В свою очередь, у них были именитые предшественники, в частности, в лице Л.Бакста. Собранные же вместе разрозненные эпизоды участия русских художников в оформлении и иллюстрировании журналов мод или создании эскизов костюмов в первой трети XX столетия позволяют по-новому взглянуть на отношение художников к моде, увидеть в этом почти повальном увлечении костюмом целое движение, захватившее живописцев, графиков и скульпторов разных поколений и разной художественной ориентации.

Экстер Александра Александровна
Женский костюм. 1918
Мужской костюм. 1920



Экстер Александра Александровна
Женский костюм для испанского танца. 1920
Построение плоскостей по движению цвета. 1918



Рубеж XIX—XX веков отмечен радикальными переменами во всех областях культурной жизни России. Существовавшие одновременно многочисленные художественные течения и группировки, зачастую с совершенно противоположными программами; множество самых разных обществ, журналов, выставочных предприятий сменили значительно более цельную культуру XIX столетия, проникнутую в гораздо большей степени идеалами этическими, нежели художественными. Сознательная ориентация на создание нового искусства, поиски нового большого стиля вызвали к жизни и новый тип художника, отличавшийся от художников предшествующего времени и своими многосторонними интересами, и уровнем образования, и разнообразием художественной деятельности. Одной из совершенно новых сфер приложения творческих сил русских художников стали костюм и мода, с которыми в эту эпоху тоже происходили значительные изменения.
Это время, как никакое другое, характеризуется необычайно быстрой сменой мод, в которой сторонники З.Фрейда склонны были видеть «эстетическую форму инстинкта разрушения». Широко распространившееся движение за функциональный и гигиенический костюм вызвало возникновение принципиально новых форм женской одежды: платья «реформ» и «принцесс», пижамы, женских брюк и т.д., существенно повлиявших на рождение демократичного костюма ХХ столетия. Одновременно появилась обширная литература, посвященная истории костюма и моды и закономерностям их развития. Всеобщее внимание к костюму привлекло к области моды многих крупных европейских художников: проектированием одежды занимались А.Ван де Вельде, П.Беренс, Г.Обрист, Г.Климт, Р.Римершмидт, С.Виткевич, Р.Дюфи и многие другие…

Читать далее

«Бог танца», «восьмое чудо света», «царь воздуха» — на­зывали современники Вацлава Нижинского (1889—1950). Он один из тех, кто принес мировую славу русскому балету. Его танец, как и его жизнь, были мистическими, яркими.
Родился 28 февраля (12 марта) 1889 в Киеве в семье знаменитых танцовщиков Фомы (Томаша) Лаврентьевича Нижинского и Элеоноры Николаевны Береды, которые владели собственной балетной труппой. Труппа гастролировала в разных городах: в Париже, Петербурге, Киеве, Минске, Тифлисе, Одессе. Все трое детей Нижинских были одарены музыкально и пластически, имели хорошие внешние данные и с раннего возраста занимались танцем. Первые уроки хореографии они получили от матери. Отец пробовал свои силы и как балетмейстер. Для шестилетнего Вацлава, его старшего брата, и младшей сестры Брониславы, известной в будущем балерины и хореографа, он сочинил па-де-труа — это было первое «выступление» будущего гения. После развода мать вместе с тремя детьми поселилась в Петербурге.
В 1900–1908 учился в Петербургском театральном училище, где занимался под руководством Н.Г.Легата, М.К.Обухова и Э.Чекетти. Попав на сцену Мариинского театра, быстро стал солистом. Принадлежал к плеяде молодых танцовщиков, разделявших новаторские идеи М.М.Фокина. Танцевал в балетах Фокина Белого раба (Павильон Армиды Н.Н.Черепнина, 1907), Юношу (Шопениана, 1908), Эбенового Раба (Египетские ночи А.С.Аренского, 1907), Альберта (Жизель Адана, 1910).



Фокин специально для Нижинского создал главные роли: Белый раб в балете «Павильон Армиды» на музыку Н.Н. Черепнина, Раб Клеопатры в «Египетских ночах» композитора А.С. Аренского и Юноша в «Шопениане» на музыку польского композитора. Балетмейстер нашел в артисте родственную душу. Ему был близок характер природной пластики танцовщика, понимание эстетики нового танца, его отклик на новаторские идеи.

Читать далее

Удивительный материал для рукоделия - перья. Изделия из перьев издавна были популярными в Китае, Индии.
Их ценили на Востоке и Западе,
в Европе, Америке и Азии. Перья некоторых птиц стоили очень дорого. Страусиные, например, продавали от 5 до 10 рублей за перо. Из перьев делали искусственные цветы, веера, абажуры, ширмы, они использовались как украшение
в шляпках, на сумочках.
С особым искусством применяли перья в вышивке для изображения птиц, цветов и узоров. Их раскладывали по узору, закрепляли тонкой проволокой, нашивали шелком.

Boze Joseph (1744/1745-1826)


В Древнем Египте знак, изображавший перо страуса, был символом справедливости. Дело в том, что у всех птиц опахало пера справа и слева от стержня неодинаковой ширины. Лишь у страуса стержень делит перо на две равные половинки.
С этой же целью широко использовались дорогие шкурки райских птиц. Большую ценность представляет «птичий мех» — шкурки гагар, которые идут на изготовление шапок, воротников и отделку платьев. Люди также всегда высоко ценили светлое оперение и уникальное качество пуха лебедей.
Но мода на перья страусов, лебедей, белых цапель в конце XIX — начале XX вв. способствовала резкому сокращению этих когда-то распространенных видов.

Читать далее

Когда-то в одном из постов моего дневника возник вопрос о перьях на шляпах дам эпохи модерна. Какие использовались, как изготовливались сами шляпы. Ни к чему по-моему существенному, мы тогда не пришли. Я решила немного расширить тему, ведь украшения в виде перьев на шляпах, и вообще птичьи перья как аксессуар, использовались человеком в течении столетий.Поэтому,вашему вниманию два небольших поста. Модерн,столь любимы мною, тоже естественно будет на изображениях, но ,следую хронологии, в конце второго поста.

В религиозной атрибутике, сформировавшейся в период правления древнеегипетских фараонов, корона из перьен, венчавшая голову бога Амона-Ра, символизировала луч и Солнца. Вера египтян в сушествование загробной жизни была основана на постулате, который гласил, что каждый человек помимо своего тела обладает еше и бессмертной душой. Эта душа (bai) изображалась в виде птицы с человеческой головой. Бог мертвых Осирис судил души умерших, взвешивая человеческие сердца и используя в качестве противовеса «перья Истины». Крылатого греческого бога Гермеса почитали и в Древнем Риме, дав ему новое имя — Меркурий. Он являлся покровителем всех, кто занимался торговлей. Меркурия всегда изображали держащим в руке жезл-кадуцей, обвитый двумя змеями и увенчанный двумя крылышками, который являлся символом торговли. Шлемы греческих лучников и воинов римских когорт украшали пучки пестрых перьев, которые обозначали их принадлежность к определенному воинскому подразделению. Каждый римский легион нес, как знамя, водруженное на древко изображение орла с расправленными крыльями.

Henri, roi de Navarre (vers 1575)


Немаловажную роль играли украшения из перьев у первобытных народов Северной, Центральной и Южной Америки - Океании, используемые и и ритуальных танцах, и во время междоусобных войн. В период Средневековья перья служили роскошным декором для мужских головных уборов. Пышные перья украшали рыцарские шлемы и бархатные береты сановников, авантюрные шляпы с широкими полями времен Тридцатилетней войны и традиционные треуголки, которые были обязательным галопным убором офицеров высокого ранга, служивших при дворе короля Людовика XIV. Эти разноцветные плюмажи красовались на парадных головных уборах высшего офицерства до начала XIX века.

Читать далее

Поль Пуаре родился в 1879 году в семье торговца в Париже. Он начинал работать у Дусе и Уорта, а в 1903 году открыл свой дом моды.
Пуаре создал могущественную империю моды. В наше время модные дома выпускают разную продукцию под одной маркой, но тогда это резко отличалось от общепринятых норм.
Созданный им силуэт освободил женщин от корсета: ниспадающая юбка, не доходящая до пола, завышенная линия талии. Это шло вразрез с правилами приличия. Но прошло всего два года и это новшество было принято.
Первым модельером нового века и выдающимся реформатором женского костюма был француз Поль Пуаре. Именно этот художник сумел выразить в одежде признаки тогда лишь рождавшегося образа новейшего времени и определил совершенно особое место кутюрье в современном мире. Он стал Диктатором моды, задающим не только фасон платья, но и стиль жизни. Проведённая Пуаре реформа костюма, освободившая женское тело от жёстких корсетов, оказалась необратимой.



Наделённый мощным артистическим темпераментом и творческой фантазией, Пуаре хорошо рисовал, ещё лучше кроил и шил, превосходно разбирался в тканях и фурнитуре, увлекался историей искусств и фольклором. Всё созданное им было талантливо, ярко, неординарно, смело. Пуаре отказался от амплуа портного и ловкого торговца, поставщика модных товаров, которым гордились Ворт и Дусе. Он заставил публику относиться к костюму как к важнейшей части культуры, как к истинному произведению искусства. Пуаре мы обязаны и возрождением уважительного отношения к человеческому телу, не спрятанному, а живущему в любом костюме и вместе с ним. Путь Поля Пуаре к славе был необычайно быстрым. За несколько лет не слишком удачливый торговец зонтами, предлагавший за бесценок свои эскизы дамского платья известным Домам моды, стал обладателем собственной марки. Уже в начале XX в. Пуаре попытался создать особую индустрию роскоши, производящую в стиле мастера и «за единой подписью» одежду, обувь, шляпы, аксессуары, духи, т.е. всё то, что насыщает и украшает жизнь, превращает серые будни в праздники, а обычную женщину - в королеву.



Читать далее

Нарцисс и Лев Бакст



Шехерезада и Лев Бакст

Русский балет Дягилева или Ballets russes — балетная компания, основанная в 1911 году русским театральным деятелем и искусствоведом Сергеем Дягилевым. Выросшая из «Русских сезонов» 1909 года, функционировала на протяжении 20-ти сезонов до смерти Дягилева в 1929 году и пользовалась большим успехом за рубежом, особенно во Франции и Великобритании.
Антреприза Дягилева оказала большое влияние на развитие не только русского балета, но и мирового хореографического искусства в целом. Будучи талантливым организатором, Дягилев обладал чутьем на таланты, взрастив целую плеяду одаренных танцовщиков и хореографов — Вацлава Нижинского, Леонида Мясина, Михаила Фокина, Сержа Лифаря, Джорджа Баланчина — и обеспечив возможность совершенствоваться уже признанным артистам. Над декорациями и костюмами дягилевских постановок работали его соратники по «Миру искусства» Леон Бакст и Александр Бенуа. Позднее Дягилев с его страстью к новаторству привлекал в качестве декораторов передовых художников Европы — Пабло Пикассо, Андре Дерена, Коко Шанель, Анри Матисса и многих других — и русских авангардистов — Наталью Гончарову, Михаила Ларионова, Наума Габо, Антуана Певзнера. Не менее плодотворным было сотрудничество Дягилева с известными композиторами тех лет — Рихардом Штраусом, Эриком Сати, Морисом Ревелем, Сергеем Прокофьевым, Клодом Дебюсси, — и в особенности с открытым им Игорем Стравинским.
С самого начала основным направлением хореографии его сезонов стало стремление раздвинуть рамки классического балета. Эксперименты с танцевальными формами Нижинского опережали время и потому были не сразу приняты зрителями. Фокин добавил движениям «богатую пластику», а продолжатель заложенных им принципов Мясин обогатил хореографию «ломаными и вычурными формами». Баланчин же окончательно отошел от правил академического танца, придав своим балетам более стилизованное и экспрессионистское звучание.

Портрет Дягилева работы Валентина Серова (1909)

Август Макке. Русский балет (1912)



Сезоны Дягилева — особенно первые, в программу которых входили балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная» — сыграли значительную роль в популяризации русской культуры в Европе и способствовали установлению моды на все русское. Например, английские танцовщики Патрик Хили-Кей, Элис Маркс и Хильда Маннингс взяли русские псевдонимы (соответственно Антон Долин, Алисия Маркова и Лидия Соколова), под которыми и выступали в труппе Дягилева. Популярность его сезонов привела и к увлечению европейцев традиционным русским костюмом и породила новую моду — даже супруга короля Великобритании Георга VI выходила замуж в «платье, перефразирующем русские фольклорные традиции».

Читать далее

Она не любила говорить о своем происхождении. Европейские журналисты, осаждавшие ее, так и не смогли добиться ответов на свои простые вопросы: кто она, откуда, когда родилась... В России знали: Ида Рубинштейн – из тех самых, харьковских миллионеров, но не могли указать точно ни места, ни времени ее рождения. Ида никогда не отмечала дней рождения, никогда не вспоминала о своем родном городе. Лишь говорили – кажется, родилась в Петербурге, то ли в 1880, то ли 1885... Утверждали, что от рождения ее звали Лидия или Аделаида, разнится даже отчество: когда Львовна, когда Михайловна... Ида молчала: быть женщиной-загадкой ей необыкновенно нравилось.
Только много лет спустя, когда страсти по загадочной Иде Рубинштейн поутихли, была найдена запись в метрической книге харьковской синагоги: 21 сентября (3 октября по новому стилю) 1883 года у потомственного почетного гражданина Харькова Леона Романовича Рубинштейна и его супруги Эрнестины Исааковны родилась дочь Ида.



Она действительно происходила из одной из богатейших семей России. Дед Иды, Рувим (Роман) Осипович Рубинштейн сколотил огромное состояние на торговле ценными бумагами и основал известнейший банкирский дом «Роман Рубинштейн и сыновья». У него было двое сыновей – Леон (Лев) и Адольф. Они приумножили отцовские капиталы, занявшись крупнооптовой торговлей, в основном сахаром. Им же принадлежали несколько банков, сахарные заводы, пивоваренный завод «Новая Бавария»... Состояние Рубинштейнов было невероятным. Большие суммы тратились на благотворительность, богоугодные дела и культурное развитие их родного города. Леон и Адольф Рубинштейны были прекрасно образованными людьми, они стояли у истоков харьковского отделения «Русского музыкального общества», в их домах регулярно собиралась интеллигенция Харькова. Сын Адольфа Иосиф окончил Петербургскую консерваторию, был прекрасным пианистом, занимался теорией музыки; влюбленый в музыку Рихарда Вагнера, Иосиф работал у него секретарем-музыковедом.

Читать далее