В те времена,я читала, ныне известные предметы одежды "водолазка" и "куртка-косуха" использовали как раз авиаторы



Читать далее

Мой небольшой фото-отчет о посещении рижской выставки Александра Васильева Стиль Art-Deco-мода межвоенного периода (1918-1939)
На выставке представлены 80 платьев и более 200 аксессуаров.
Окончание Первой мировой войны привело к значительным изменениям в политической карте Европы.
На месте рухнувших империй образовались новые государства-Польша,Чехословакия, Венгрия,Прибалтийские страны и все они непосредственно повлияли на развитие моды в этот период,вызвав волну большого интереса к Восточноевропейскому фольклору в мире моды.
Начало женской эмансипации, возможность получить высшее образование,право на голосование и на развод привело к росту женского самосознания и желанию приблизиться к мужчинам в профессиональной и социальной сфере. Отмена корсета, провозглашенная парижском кутюрье Полем Пуаре еще в начале 20 века,значительно изменили привычную приталенную кофигурацию женской фигуры, что привело к появлению прямого силуэта ,модного на протяжении всего десятилетия 1920-х годов 20 века.Массовая гибель мужчин-солдат в битвах Первой мировой войны нарушила баланс между мужчинами и женщинами ,которых стало значительно больше,что и обострило конкуренцию между ними. В моду вошел "сексапил" и стремление к оголению в 1920-х годах не имеет аналогий в истории моды.Обнаженная спина, руки и ноги- вот главные элементы стиля Art Deco в первый период его развития. К 1925 году длина юбок доходит до колена,а страсть к джазу и новым танцам в дансингах , таким как фокстрот, рэг-тайм, чарльстон вводит в моду привлекательные,вышитые бисером ,стеклярусом,блестками и стразами легкие шелковые платья,в которых женщины становятся заметными даже ночью или при приглушенном освещении джаз-клубов. Яркий грим женщины- вамп был продиктован дивами немого кино Голливуда, и был поддержан яркими аксессуарами-бисерными сумочками и клатчами, длинными жемчужными нитками бус,диадемами и брошками из стразов или бриллиантов,мундштуками ,маленькими шапочками-клош,страусовыми боа,шелковыми фильдеперсовыми чулками разных цветов и открытой обувью на французских каблуках.
Модный силуэт этого периода был сформирован многими выдающимися французскими дизайнерами того десятилетия,среди которых следует отметить Jean Patou, Gabriele Chanel, Jeanne Lanvin, Callot Soerus, Worth и других (представлены на рижской выставке). Заметную роль в формировании стиля Art Deco сыграли эмигранты из России,нашедшие в Париже новое пристанище после Революции 1917 года.Среди них отметим дизайнеров моды Erte и Sonya Delaunay, а также дома моды Kitmir, Irfe,Adair, Yteb,Caris , чье творчество также представлено на данной выставке.
Переломным моментом в стиле моды Art Deco стала осень 1929 года,когдла в Нью-Йорке разразился финансовый кризис на Wall Street, приведший к экономическому спаду и Великой депрессии.Мода моментально откликнулась на падение покупательской способности у своих клиентов. Дорогостоящие,вышитые бисером платья вышли из моды, а их заменил приталенный и удлиненный силуэт из однотонных тканей, часто черно-белой гаммы, что соответствовало стилю черно-белого кинематографа,сыгравшего основополагающую роль в формировании вкусов в 1930-е годы. Новый образ женщины был далек от "сексапильной вампирессы",который был популярен в предыдущем десятилетии.Ему на смену пришел стиль,близкий идеям тоталитаризма предвоенной эпохи,продиктованный эстетикой Гитлера,Сталина,Муссолини и Франко-когда женщина должна быть положительным членом общества,матерью и часто,членом правящей партии. Более женственный и гламурный силуэт,акцентировавший грудь,слегка завышенную талию и бедра характерен для первой половины 1930-х годов. В ем чувствуется неоклассическая линия античности,характерная для всего искусства предвоенного десятилетия,создававшаяся благодаря покрою по косой,которая ввела в моду его гениальная создательница Madelaine Vionnet, чья модель тоже представлена на выставке. Эталоном женской красоты в 1930-е годы становится шведско-американская кинозвезда Грета Гарбо,чьи широкие плечи и длинные ресницы становятся объектом подражания в виде подплечников и накладных ресниц.
Генератором модных идей предвоенного времени становится итальянка Elza Schiaparelli, чьи сюрреалистические выдумки и любовь к оттенку фуксиевого цвета "shocking" являются направляющей в парижской може второй половины 1930-х годов. В это время Рига является элегентным центром Прибалтики . Самыми известными салонами моды в столице Латвии довоенного времени становятся ателье Плауже,Кронберн,Ламберг,а шляпным мастером Дзенит,Звирбул,Дагелис,Рашель ,Рибуш и другие.О развитии модного рынка Латвии можно посмотреть документальный фильм,демонстрируемый в рамках этой выставки.





Читать далее

Удивительно светлые и веселые работы у Карелли, и их очень очень много ! Я постаралась отобрать для своего дневника лишь те,которые более-менее относятся к тематике моего дневника. 20-е годы 20 века, и немного конца 19 века.

Fred Calleri was born in Maryland and moved to Flagstaff, Arizona in 2001. Fred has been interested in art throughout his life as well as a gifted draftsman since childhood. Early influences were Renaissance painters and the Masters of the early 20th century. Calleri’s son Brodie has the middle name of Wyeth, taken from the great illustrator N.C. Wyeth.
Calleri’s experience at The Maryland Institute College of Art from 1988-1993 was a watershed event for him. There he was an Illustartion and Graphic design major. The excellent training he received opened the window to all fields of art. Ironically, Fred took one painting class in college (the smell of turpentine made him ill) and only became seriously interested in professionally painting after the birth of his son in 1997.
After and extensive period in Graphic Design and Marketing, Calleri decided to move to Flagstaff and take advantage of the history, scenery, people and especially the astounding light offered in the western regions of the U.S.



Читать далее

Читать далее

Очередной литературно-кино шедевр !Сага о Форсайтах-Джон Голсуорси
История одной семьи через несколько поколений. Взлеты и падения, слезы и любовь.В качестве портрета эпохи,цитировать можно непрерывно. Ввиду ограниченности иллюстраций, и нежелания занимать ваше время сверх меры, буквально несколько цитат Голсуорси. Характеристики героев, и ,по возможности немного о нарядах конечно же.
Экранизации 1949,1967 и 2002 года+ модные журналы конца 19-начала 20 века.

«Пусть мертвое прошлое хоронит своих мертвецов» — это изречение было бы убедительнее, если бы прошлое когда-нибудь умирало. Живучесть прошлого — одно из тех трагикомических благ, которые отрицает всякий новый век, когда он выходит на арену и с безграничной самонадеянностью претендует на полную новизну. А в сущности никакой век не бывает совсем новым. В человеческой природе, как бы ни менялось ее обличье, есть и всегда будет очень много от Форсайта, а он, в конце концов, еще далеко не худшее из животных.

Оглядываясь на эпоху Виктории, расцвет, упадок и гибель которой в некотором роде представлены в «Саге о Форсайтах», мы видим, что попали из огня да в полымя. Нелегко было бы доказать, что в 1913 году положение Англии было лучше, чем в 1886 году, когда Форсайты собрались в доме старого Джолиона на празднование помолвки Джун и Филипа Босини. А в 1920 году, когда весь клан снова собрался, чтобы благословить брак Флер с Майклом Монтом, положение Англии стало чересчур расплывчатым и безысходным, точно так же, как в 80-х годах оно было чересчур застывшим и прочным. Будь эта хроника научным исследованием о смене эпох, мы, вероятно, остановились бы на таких факторах, как изобретение велосипеда, автомобиля и самолета; появление дешевой прессы; упадок деревни и рост городов; рождение кино. Дело в том, что люди совершенно неспособны управлять своими изобретениями; в лучшем случае они лишь приспосабливаются к новым условиям, которые эти изобретения вызывают к жизни.
Но эта длинная повесть не является научным исследованием какого-то определенного периода; скорее она представляет собой изображение того хаоса, который вносит в жизнь человека Красота.(c)




Тем, кто удостаивался приглашения на семейные торжества Форсайтов, являлось очаровательное и поучительное зрелище: представленная во всем блеске семья, принадлежащая к верхушке английской буржуазии. Если же кто-нибудь из этих счастливцев обладал даром психологического анализа (талантом, который не имеет денежной ценности и поэтому не пользуется вниманием со стороны Форсайтов), глазам его открывалась картина, не только восхитительная сама по себе, но и разъясняющая одну из темных проблем человечества. Иными словами, сборище этой семьи, — ни одна ветвь которой не чувствовала расположения к другой, между любыми тремя членами которой не было ничего заслуживающего названия симпатии, — помогало внимательному наблюдателю уловить признаки той загадочной, несокрушимой живучести, которая превращает семью в такое мощное звено общественной жизни, в такое точное воспроизведение целого общества в миниатюре. Этому наблюдателю представлялась возможность прозреть туманные пути развития общества, уяснить себе кое-что о патриархальном быте, о передвижениях первобытных орд, о величии и падении народов. Он уподоблялся тому, кто, следя за ростом молодого деревца, живучесть и обособленное положение которого помогли ему уцелеть там, где погибли сотни других растений, менее стойких, менее сильных и выносливых, в один прекрасный день видит его в самый разгар цветения, покрытым густой, сочной листвой и почти отталкивающим в своей пышности

Читать далее

Читать далее

Читать далее

Эта милая вещица в 20-е годы 20 века буквально накрыла женщин с головой. Речь идет о знаменитой шляпке-колокольчик. Звезды кино, девушки-флапперы, буквально все надели этот головной убор.
Благодарить за это нужно известную шляпницу того времени Каролину Ребу- (1837-1927). В 1865 году она открыла модный магазин в Париже на 9, avenue Matignon и проработала там всю свою жизнь.В течении 50 лет она была королевой креативных шляпок.Ее называли королевой модисток, так же как Ворта отцом высокой моды.Она была первым модельером,украсившим дамскую шляпку вуалью. В 20-е годы она создает свою cloche hat (шляпку-колокольчик), но до этого была реставрация прошлых веков- шляпа "Гейнсборо" и шляпа в стиле натурщиц Вижи-лебрен. На Парижской всемирной выставке 1900года Ребу представляла французскую коммерцию.
Марлен Дитрих была постоянно клиенткой дома Ребу, именно там она приобрела свои знаменитые береты,которые женщины до нее не носили.В 1860-е года у Ребу одевались Полина Меттерних и императрица Евгения. Приобретала у нее головные уборы и Эльза Триоле, посещая магазин часто в сопровождении Луи Арагона.
Шляпы-клош обычно изготавливались из фетра, носили их, надвинув низко на лоб. Часто, разные виды лент, прикрепленные к шляпам являлись своего рода "носителями информации" о владелице. Например, лента в виде стрелы означала, что девушка не замужем, но сердце ее не свободно. Туго завязанный узел означал, что перед вами замужняя дама, а пышный бант ярко сигнализировал о том, что владелица шляпки не замужем и заинтересована в знакомстве.



Клош идеально гармонировал с образом флэпперов, и существовала даже определенная манера его носить. Поскольку шляпка надвигалась очень низко и смотреть из-под нее было неудобно, женщине приходилось приподнимать голову и немного вытягивать шею.
Клош имел форму колокола - правда несколько более округлого, чем привычный колокольчик; искусные шляпницы изготовляли тульи клошей таким образом, что их форма могла визуально прибавлять клиентке роста.
Существовало множество разновидностей клоша - был даже такой, напоминавший по форме берет. Клоши отделывались весьма разнообразно: от цветных строчек "зиг-заг" в стиле арт деко до вполне стандартных украшений в виде букетов.
Идеальным материалом для изготовления шляпки-клош считался фетр, впрочем, летние модели делали и из соломки - при этом ее полировали или красили, чтоб с виду шляпка напоминала шлем. Другим вариантом была вышивка.

Современное видение.Фильм Легкое поведение


К концу десятилетия сложилась система, диктовавшая, соответствие клоша с полями стилю casual, в то время как клоши без полей принято было носить в особых случаях. Состоятельные женщины украшали клоши брошами и клипсами - как правило, только с одной стороны. Такая ассиметрия вполне соответствовала стилю арт деко.
К 1926-му единственным способом освежить модель клоша оказывается только отказ от полей!
В 1928году поля клоша исчезают окончательно.

Читать далее

Эдвард Стейхен (Edward Steichen, 1879-1973) — крупнейший американский художник и фотограф. Поначалу Стейхен был приверженцем пикториальной фотографии, в которой достиг больших успехов: в 2006 году одна из его ранних работ «Озеро в лунном свете» была продана на аукционе за 2,900,000 долларов. После Первой мировой войны под влиянием своего друга Альфреда Стиглица Стейхен отошел от пикториализма.
Эдвард Стейхен вошел в историю фотографии не только как признанный мастер, но и как организатор крупных международных выставок. Самой значительной из них была выставка «Род человеческий» («The Family of Man»), премьера которой состоялась в Нью-Йорке в 1955 году. Стейхен обратился в фотографические организации разных стран с просьбой прислать ему снимки, показывающие человеческую жизнедеятельность в самых разных ее проявлениях. Со всех концов земли пришло более двух миллионов фотографий! Стейхен со своими ассистентами сначала отобрал четыре тысячи, а впоследствии сформировал окончательную экспозицию из пятисот трех снимков. Заставкой выступила знаменитая фотография Вернера Бишофа: мальчик–флейтист на дороге в Перу. Завершалось выставка одной из лучших работ Юджина Смита «Дорога в рай». Всего в выставке были представлены работы двухсот семьдесят трех фотографов из шестидесяти восьми стран. Среди экспонатов были работы знаменитых и никому не известных авторов. Экспозиция «Род человеческий» выставлялась в сорока странах, где ее посетило около десяти миллионов человек.

Edward Steichen, Marion Morehouse (aka Mrs. e. e. Cummings), Louiseboulanger dress, 1926
Edward Steichen, Jule Andre, 1929



After the Grand Prix – Paris (Después del Grand Prix-París), 1907


Читать далее

Между тем феномен Бакста вдохновил многих. И если Маяковский и Ларионов главное внимание уделяли собственным одеждам и гриму, то «амазонки русского авангарда» Н.Н.Гончарова, О.В.Розанова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер занялись современным дамским костюмом. «Очаровательной» назвал серию рисунков женских платьев, выставленную Гончаровой в 1913 году в Художественном бюро, Бенуа. «Почему же я только теперь узнаю о том, что художница посвящала свои силы обновлению женской одежды, почему знаменитые модницы не идут к ней и не учатся у нее?» — спрашивал он. Однако эскизы Гончаровой, судя по всему, как раз использовались для создания костюмов знаменитых московских модниц. Их у художницы приобретала Н.П.Ламанова, «самая изобретательная и модная московская портниха… не чуждая увлечений живописью и обладавшая большим вкусом», у которой одевались московские богачки и красавицы Е.П.Носова, Г.Л.Гиршман и другие. Выставленные на художественно-промышленной выставке 1913 года прикладные работы Экстер отмечал Тугендхольд, считавший, что ей «удалось применить принципы своего «живописного динамизма» к украшению вышитых ширм, подушек, зонтов, шарфов и платьев…»

Надежда Ламанова.1923 год, пальто из коллекции, созданной по мотивам костюмов народа севера. Модель актриса Александра Хохлова.


С началом Первой мировой войны одним из способов привлечения художников в новую для них область творчества стали конкурсы на разработку проектов одежды в национальном духе. Тема национального костюма, в котором видели и средство патриотического воспитания, и спасение от тирании мод, и одну из возможностей поддержать отечественное кустарное производство, сделалась особенно актуальной. Подобные конкурсы служили и пропаганде костюма как особого вида прикладного искусства. Среди их участниц были Р.Р.О’Коннель, Р.Н.Браиловская и другие художники, вышедшие из стен Школы Общества поощрения художников, Училища Штиглица, Строгановского училища в Москве или других художественных учебных заведений, уделявших значительное внимание прикладным и декоративным искусствам.

Читать далее

Данная статья уже мелькала в моей уважаемой френд-ленте. Но равнодушной она меня не оставила, поэтому позволю себе в очередной раз ее предложить вашему вниманию, вставив,единственное, для наглядности иллюстрации

Сегодня все, что касается области костюма и моды, — дело уже отнюдь не только модисток, вышивальщиц и всевозможных «красавчиков Брюммелей» — как когда-то. Целые армии философов, психологов, социологов, экономистов и журналистов обслуживают Великую империю моды, но особое место в ней занимают художники. Не просто кутюрье или талантливые портные, «художники своего дела», как принято называть их в прессе, а настоящие живописцы и рисовальщики, причем нередко самые известные и знаменитые. Уже Рафаэль и Леонардо да Винчи, не смущаясь, тратили свой талант на придумывание живописных и красочных костюмов. Примеры творчества в области моды русских художников тоже общеизвестны, достаточно вспомнить эксперименты в этой области «амазонок русского авангарда» А.Экстер и О.Розановой или опыты создания конструктивной одежды Л.Поповой и В.Степановой. В свою очередь, у них были именитые предшественники, в частности, в лице Л.Бакста. Собранные же вместе разрозненные эпизоды участия русских художников в оформлении и иллюстрировании журналов мод или создании эскизов костюмов в первой трети XX столетия позволяют по-новому взглянуть на отношение художников к моде, увидеть в этом почти повальном увлечении костюмом целое движение, захватившее живописцев, графиков и скульпторов разных поколений и разной художественной ориентации.

Экстер Александра Александровна
Женский костюм. 1918
Мужской костюм. 1920



Экстер Александра Александровна
Женский костюм для испанского танца. 1920
Построение плоскостей по движению цвета. 1918



Рубеж XIX—XX веков отмечен радикальными переменами во всех областях культурной жизни России. Существовавшие одновременно многочисленные художественные течения и группировки, зачастую с совершенно противоположными программами; множество самых разных обществ, журналов, выставочных предприятий сменили значительно более цельную культуру XIX столетия, проникнутую в гораздо большей степени идеалами этическими, нежели художественными. Сознательная ориентация на создание нового искусства, поиски нового большого стиля вызвали к жизни и новый тип художника, отличавшийся от художников предшествующего времени и своими многосторонними интересами, и уровнем образования, и разнообразием художественной деятельности. Одной из совершенно новых сфер приложения творческих сил русских художников стали костюм и мода, с которыми в эту эпоху тоже происходили значительные изменения.
Это время, как никакое другое, характеризуется необычайно быстрой сменой мод, в которой сторонники З.Фрейда склонны были видеть «эстетическую форму инстинкта разрушения». Широко распространившееся движение за функциональный и гигиенический костюм вызвало возникновение принципиально новых форм женской одежды: платья «реформ» и «принцесс», пижамы, женских брюк и т.д., существенно повлиявших на рождение демократичного костюма ХХ столетия. Одновременно появилась обширная литература, посвященная истории костюма и моды и закономерностям их развития. Всеобщее внимание к костюму привлекло к области моды многих крупных европейских художников: проектированием одежды занимались А.Ван де Вельде, П.Беренс, Г.Обрист, Г.Климт, Р.Римершмидт, С.Виткевич, Р.Дюфи и многие другие…

Читать далее

Мир только что оправился от трагедии Первой мировой войны. Стремительное освоение технических новинок, автомобилей, аэропланов, дирижаблей уравняло женщину в правах с мужчиной. В 20-е годы женщина курит, развлекается, ходит на танцы, управляет авто и отныне может появляться на публике одна, без сопровождения мужчины.
На протяжении двадцатых образ несколько раз менялся. От летаргичной дамы начала 20-х к загорелому, спортивному – garconne, появившемуся в 1925 и, наконец, femme fatale конца двадцатых. Эти три образа соответствуют основным типажам женской внешности: драматический, естественный, романтический.
Даму 20-х назовут по-английски «flapper».
Стрижка «паж», сильно подведенные глаза, яркие губы, длинная нитка жемчуга на шее, подол платья чуть ниже колен. Флэпперы боролись с тем, что было принято и положено в приличном обществе, и в первую очередь – со своими викторианскими мамами. Они смогли сохранить за собой с трудом завоеванное суфражистками право голоса для женщин, право работать наравне с мужчинами, получать за это деньги и жить на эти деньги. Эмансипированные девицы много курили, не ограничивали себя в алкоголе, слушали совершенно скандальную музыку – джаз, одобряли свободную любовь и даже сами водили автомобили.
Модный силуэт назывался «труба» – потому что одежда напоминала балахон, струящийся от плеч к коленям, без всякого акцента на талии. Очень модно обнажать спину до последнего позвонка, отправляясь на танцы до утра.




Длинные шевелюры впадают в немилость, взамен в моду входит стрижка «alla garconne» – по-мальчишески – которая оставляет открытой шею, а в холодный сезон сопровождается шляпкой в форме колокола.
Мода призывала своих приверженцев кидаться из крайности в крайность: то дамы надевают брюки, то наряжались в такие платья, что непонятно дама оделась или разделась.
Глубокое декольте, заниженная талия, бахрома, бисерные вышивки, летящие «хвосты» платьев — вот основные модные тенденции того времени. Так же популярны были юбки с плиссировкой сзади. Их длина постепенно укорачивалась. Зачастую из-под таких юбок была видна даже подвязка. Этот факт обусловил изменение дизайна чулок. Вместо черных шерстяных в моду вошли телесного цвета из искусственного волокна.
Молодежь была помешана на автомобилях, аэропланах, гонках — и кожаные куртки, неотъемлемая часть формы авиаторов, — полюбились и вошли в моду вместе с летными шлемами.
Модницы 20-х годов ХХ века не представляли жизни без развлечений, шампанского, сигарет, а также не видели себя без длинных нитей жемчуга, спадающих на плоскую грудь, и платьев с заниженной талией. Дамы сидели на изнурительных диетах, увлекались массажем , уделяли огромное количество времени спорту, в моде были теннис и гольф. И все это с одной целью: сделать плечи — шире, бедра, наоборот, — уже, а грудь –совершенно плоской.

Далее флапперы и не только глазами современника -Ф. Скотта Фицджеральда (Отзвуки века джаза)

Читать далее

Читать далее

Wladyslaw Teodor Benda
1873 – 1948
W. T. Benda was an artist and illustrator who left behind a legacy closely intertwined with the Kosciuszko Foundation’s own. At the end of his illustrious career Benda returned to themes almost exclusively Polish, infused with an active Slavic spirit and a romantic palette. He was, in effect, artist-in-residence for the Foundation creating its Ex-Libris, promotional graphics and, most notably, the cover designs for the Kosciuszko Foundation Ball Journals.

Wladyslaw Theodor Benda was born on January 15, 1873, in Poznan, Poland. He was the son of musician Jan Szymon Benda and a nephew of the actress Helena Modrzejewska (known as Helena Modjeska in the United States). He studied art at the Krakow College of Technology and Art in his native Poland and at the School ofFine Arts in Vienna, Austria. He came to the United States at the very end of the 19th century, to visit his Aunt Helena, who then lived in California. He stayed, and moved to New York City in 1902, where he attended the Art Students League in New York and the William Merritt Chase School. While there, Benda studied under Robert Henri and Edward Penfield. He joined the Society of Illustrators in 1907, the Architectural league in 1916, and became a naturalized American in 1911. He was also a member of the Society of Mural Painters. He remained in NYC for the rest of his life. Benda married Romola Campfield, and they had two daughters, Eleanora and Baria, who were both artists.



Читать далее

Читать далее

Рольф Армстронг (1889 - 1960)
Родившись в Сиэтле в 1899 году, Армстронг рос в неспокойной обстановке, царившей в те годы на северо-западном побережье Тихого океана. В 1908 году он переезжает в Чикаго и поступает в Художественный институт, где и обучается последующие три года у художника Джона Вандерполя. После института Рольф отправляется в Нью-Йорк, где становится учеником художника Роберта Генри. Спортивный и талантливый, Рольф Армстронг занимался боксом и попутно делал наброски своих будущих рисунков в нью-йорском спортивном клубе.
В 1919 году Рольф отправился изучать искусство в Академию Джулиана в Париже. После этого Армстронг создал свою студию в Гринвич Виллидж. Здесь он приступил к работе над серией картинок в стиле pin-up «Девушки Зигфилда». В 1921 году он перебрался в Санкт-Миннеаполис, где освоил технические аспекты современной издательской деятельности. Будучи перфекционистом по жизни, он хотел, чтобы его работы имели одинаковую "свежесть и передачу цветов" как на бумаге, так и на холсте. Не удивительно, что Рольф отказался работать над фотографиями. Поиск его идеальной модели мог бы быть бесконечным.
В 1920-х-1930-х годах работы в стиле pin-up Армстронга становятся популярными. Они появляются на обложках многих изданий и афишах театров. Все великие звезды того времени заказывают ему портреты - Мэри Пикфорд, Грета Гарбо, Марлен Дитрих, Кэтрин Хепберн...
Работая в журнале «Художественное обозрение», Рольф Армстронг поднял его на небывалый уровень. К 1926 году журнал расходился тиражом более чем 2000000 экземпляров. Год спустя Армстронг начал работать в компании «Браун и Бигелоу» художником по созданию календарей в стиле pin up. В 1930 году он стал заниматься портретными работами известных кинозвезд и к 1933 году популярность Рольфа достигла такой вышины, что компания Томаса Мерфи заключила контракт с ним на создание более десятка портретов, для рекламной компании их продукции. Такой чести удостаивался в свое время только Билли ди Ворс.



Армстронгу принадлежал «особняк фантазии» в Байсайде. Особняк находился в лагуне и Рольф держал большое количество лодок для себя и своих друзей. Естественный свет был очень важен для него в работе, поэтому Рольф часто писал свои картины прямо на открытом воздухе под солнцем. Преобладали в его работах всегда мягкие пастельные тона, но время от времени он пользовался и древесным углем, и карандашами. Он жил в Голливуде три года, с 1935 по 1938, а затем вернулся обратно в Нью-Йорк.
В 1943 году Армстронг на военной конференции познакомился с графом Мореном, Зое Мозертом и Норманом Роквеллом. Когда его спросили о том, почему при создании своих работ он работает только с реальными, живыми моделями он ответил: «Когда я пишу картину, мне хочется видеть перед собой живого человека. Я смотрю на него снова и снова в процессе работы и получаю от этого тысячу новых ярких впечатлений… весь жар и непосредственную радость, которая исходит от молодого и счастливого сердца».
Армстронг был вдохновлен блеском общества. Он очень ценил все, что его окружает: красоту людей, автомобилей, мебели, тканей и, конечно, искусство. Он коллекционировал мечи и старинные копья. Рольфу Армстронгу принадлежала одна из самых больших в Америке частная коллекция древнего оружия.
Умер Рольф Армстронг 20 февраля 1960 года на острове Оаху на Гавайях, окруженный своим любимым синим океаном и тропическими ветрами.
Мастерство Армстронга было смесью блестящих методов освещения, великолепных ярких цветов и превосходного мастерства. Его работы – это ожившие идеалы американской женственности.

Читать далее

Louise Cromwell poses in fox furs, c. 1911. This is likely the wealthy heiress who married General Douglas MacArthur on February 14, 1922


Читать далее

Очередная подборка братьев наших меньших

April 10, 1925. Washington, D.C. "Miss Nancy Weeks with Mr. Rowe."


Читать далее

Движение flappers 20-х годов ХХ века охватило не только Европу, оно докатилось и до стран восходящего солнца-далекой Японии.Там экстравагантных дамочек,следовавших западной моде ,называли Modern girls. Сотни японок копиовали Луизу Брукс и других кинодив, а также модниц из популярных журналов
К началу 1920-х гг. XX века в Японской Империи сформировался новый городской класс служащих, пополняемый интеллигенцией, университетской профессурой, юристами, медиками, представителями различных искусств. Новый класс постепенно отбирал влияние у купечества, завоевавшего себе право быть рупором горожан еще во времена сёгуната Токугава.
Изменения стали заметными и в социальной сфере. Молодежь стремилась выйти из-под жесткого контроля старших в семье, все активнее заявляя о желании самостоятельно определять свою судьбу. В газетах того времени замелькали новые словечки «мога» и «мобо» — японские производные от английских терминов «modern girl» и «modern boy».

Tsukuba Yukiko, Yanagi Sakuko


Французская "эра" здесь началась в Японии еще в начале ХХ века. Хотя на государственном уровне японские политики ориентировались, скорее, на ведущие военные державы эпохи - Британию и Германию, их жены и дочери, проходя азбуку западной моды, интуитивно почувствовали особый лоск парижских товаров. Гинзу (район Токио) охватила галломания, ставшая вовсе повальной после землетрясения 1923 года и восстановления района в специфическом духе: "мога" (modern girls - "соответственно, "мальчики" - modern boys) просиживали теперь часами в абсолютно "монпарнасских" кафе. Знаменитейшим из них был Plantan, где всем заправлял популярный художник-импрессионист Со Мацуяма. Будто сошедшие с его картин кокетливые беретки и длинные сережки, которые и ныне в ходу в Японии, повсюду напоминали токийским модникам двадцатых и тридцатых: "Франция - наша путеводная звезда".

Читать далее