Выдающийся русский художник Василий Дмитриевич Поленов — фигура в русском искусстве в некотором роде загадочная. В историю искусства он вошел своим тихим, но очень сильным и проникновенным словом поэта в живописи, открывшего интимный мир старинной русской усадьбы, тайну притягательной красоты национального пейзажа и красочного величия Востока. «Этот незаурядный, удивительный, настоящий русский человек, — писал о нем Федор Шаляпин, — как-то сумел распределить себя между российским озером с лилией и горячими песками азиатской пустыни. Его Христос, его евангельские сцены, его первосвященники — как мог он совместить в своей душе это красочное величие с тишиной русского озера с карасями? Не потому ли, впрочем, и над его тихими озерами веет дух божества?»
Многогранное творчество художника, где он стремился применить все свои дарования, не знало границ. Он живописец и театральный художник, архитектор и музыкант, во многих отношениях выступал как новатор.

Василий Дмитриевич Поленов был рожден 20 мая (1 июня по новому календарю) 1844 года в Петербурге. Отец Поленова, Дмитрий Васильевич, был и археологом, и историком, а также библиографом, но помимо этого он вел активную политическую деятельность, а именно принимал участие в подготовке специальных реформ, которые помогли освободить крестьян. Мать юного Поленова, Мария Алексеевна, являлась внучкой известного на тот момент архитектора Н. Львова, еще в молодости мать Поленова занималась портретом, помогал ей в этом один из учеников Карла Брюллова – К. Молдавский, а также писала детские книги. Атмосфера, которая пронизывала весь родительский дом, так и подталкивала юного Поленова к увлечению науками и живописью. Елена Поленова, сестра замечательного живописца тоже стала довольно известной художницей, после она занялась активным творчеством, а также участвовала в становлении нового русского искусства XX века.

С начала 1859 года Поленов становится учеников мастера П. Чистякова, тогда он еще являлся студентом Академии художеств. Стоит отметить, что сам Чистяков является значимой фигурой в русском искусстве второй половины XIX века, он преподавал живопись многим известным русским художникам того времени, после того, как стал профессором Академии. Многие его ученики вспоминали его с теплотой и благодарностью. Еще в то время, Чистяков часто говорил о необыкновенном таланте Поленова, его замечательном умении составлять тона так, что сам Чистяков не смог бы.

Когда Поленову было около 10 лет, родители приняли решение отвезти сына в имение Имоченцы в Олонецкой губернии, это место можно назвать местом встречи маленького Поленова и природы. С этого момента, Поленов становиться преданным служителем и обожателем природы на всю оставшуюся жизнь. Именно отсюда Поленов отправился учиться в Петрозаводск, а после окончания учебы направился в Петербург.
В 1863-м году Василий Поленов, окончив гимназию, поступает вместе со своим братом Алексеем на физико-математический факультет Петербургского университета. Одновременно по вечерам в качестве вольноприходящего ученика он посещает Академию художеств, причем занимается не только в рисовальных классах, но так же с интересом слушает лекции по предметам анатомии, строительному искусству, начертательной геометрии, истории изящных искусств. Не прекращает Поленов и занятий музыкой. Он не только был постоянным посетителем оперного театра и концертов, но и сам пел в студенческом хоре Академии. Перейдя в натурный класс Академии художеств уже в качестве постоянного ученика, Поленов на время оставляет университет, целиком погрузившись в занятия живописью. Сделав тем самым правильный выбор, ведь уже в 1867-м году он заканчивает ученический курс в Академии художеств и получает серебряные медали за рисунки и этюд. Вслед за этим участвует в двух конкурсах на золотые медали по избранному им классу исторической живописи и с января 1868-го года вновь становится студентом университета, но теперь уже юридического факультета.

В 1871 году Поленов защитил Диссертацию на тему «О значении искусства в его применении к ремеслам», после чего получил кандидатскую степень. В том же году ему удается получить и Большую золотую медаль в Академии художеств, которой его наградили за победу в конкурсе. Поленов представил одну из своих работ - «Воскрешение дочери Иаира», позже такой же медали был удостоен и знаменитый Илья Репин. Помимо медали они получали право на стажировку заграницей.

С 1872 по 1876 года Поленов провел заграницей, он побывал и в Германии, и в Италии, и во Франции. Для молодого художника это было временем самоопределения. Здесь ему, наконец-то, удалось познакомиться с творчеством своего любимого живописца - Паоло Веронезе, познакомиться с искусством импрессионистов и барбизонцев. Для Поленова особо продуктивным оказалось время пребывания в Нормандии, ведь именно там были написаны картины, на которых уже ощущалась кисть будущего живописца. В Париже Поленов сдружился с Репиным.

Стоит вернуться назад в 1870 – е годы. Как только Поленов вернулся в Россию в 1876 году, его дорога лежала прямо на войну. Сначала ему удалось побывать на сербско-черногорско-турецкой, потом — на русско-турецкой. На протяжении последней, Поленов числился художником-корреспондентом при главной квартире наследника-цесаревича, который более известен, как Александр III. Будущий император заинтересовался творчеством Поленова, каталог императора, которые был опубликован, содержал в себе огромное количество работ Поленова. Увы, многие из картин были утеряны после 1930 – х годов.
 

 

 

 

Московский дворик

(1878)
64,5x80,1 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

 

 

В начале 1877 года Поленов отправляться в Москву на постоянное место жительства. Смена географического места необычно совпала со сменой творческой эпохи в искусстве Поленова. Этот год ознаменовался появлением нового самобытного живописца на русской сцене искусства – Поленова. Начало этому положила одна из картин Поленова – "Московский дворик", которая была продемонстрирована широкой публике на VI передвижной выставке в 1878 году. Сам же Поленов ничего особенно в этой работе не видел. В письме Крамскому, он даже как бы извиняется, при этом чувствуя стеснение за идеологическую выдержанность своего полотна: «К сожалению, я не имел времени сделать более значительной вещи - мне хотелось бы ступить на Передвижную с чем-нибудь порядочным...» Если поверить Поленову на слово, то картина была создана между делом: «Ходил искать квартиру. Увидал записку, зашел посмотреть, и прямо из окна мне представился этот вид. Я тут же сел и написал его». Картины была очень популярна среди зрителей, они нашли в городском пейзаже теплоту и прелесть жизни, этот феномен стал небывалым для тогдашней жизни, ведь все привыкли размахивать критической дубинкой.
Именно это полотно впоследствии окажется в числе жемчужин русской школы живописи, станет этапным произведением в истории русского пейзажа. На холсте автор воспроизвел типичный уголок старой Москвы — с её особнячками, церквами, заросшими зеленой травой двориками, с ее почти провинциальным стилем жизни. Утро ясного солнечного дня в начале лета. Легко скользят по небу облака, все выше поднимается солнце, нагревая своим теплом землю, зажигая нестерпимым блеском купола церквей, укорачивая густые тени... Дворик оживает: торопливо направляется к колодцу женщина с ведром, деловито роются в земле у сарая куры, затеяли возню в густой зелени травы ребятишки, вот-вот тронется в путь запряженная в телегу лошадь... Эта будничная суета не нарушает безмятежной ясности и тишины, царящей вокруг.

Крыши написаны светло-голубыми, с зеленоватым оттенком.
Это сознательный прием мастера-колориста — таким образом создается тонкий и плавный переход от неба к зелени переднего плана.

Орущий взахлеб ребенок, брошенный увлекшимися своими делами другими детьми, придает сцене уютную непосредственность — зрителю кажется, что он не рассматривает картину, а действительно вместе с художником выглядывает из окна квартиры: «здесь и сейчас».

Храмы, колокольни, ампирные арбатские особняки, написанные на заднем плане, создают торжественный фон, ярко контрастирующий с подробностями «частной» жизни, заполнившими передний план. Контраст этот отмечен и в цветовом решении картины.

Лошадь, куры, люди — все элементы композиционно расположены так, что ведут взгляд зрителя от одной «вехи» к другой. Противопоставление двух планов (подробного переднего и панорамного заднего) характерно для поленовских произведений 1870-х годов; тут он остается верен академической традиции.

 

 

 

 

Бабушкин сад

(1878)
54,7 х 65 см
Государственная Третьяковская галерея

 

 

Данный пейзаж Поленова является одной из трех картин, которые представляют собой лирико-философскую трилогию, созданную в 1878—79 годах, сюда же входят полотна - «Бабушкиного сада», «Московский дворик» и «Заросший пруд». Данная картина отчетливо перекликается с другим полотном Поленова «Московским двориком», здесь изображен тот же старый дворянский особняк, но здесь он уже взят с другой стороны. До нашего времени дошел и адрес этого поражающего дома - дом Баумгартен, угол Трубниковского и Дурновского переулков на Арбате.

Вспоминая об эффекте, произведенном этой картиной, показанной на VII передвижной выставке в 1879 году, поленовский ученик М. Нестеров говорил, обращаясь к учителю уже в советское время (на 80-летнем юбилее художника): «Вы с таким молодым, непосредственным чувством, с такой красочной полнотой показали поэзию старого, родного быта, неисчерпаемые тайны нашей родины. Вы как бы заново открыли волшебное обаяние красок». Это было общее ощущение — ощущение предельной родственности и вместе с тем неизбежности происходящего на полотне. Поленов вновь соединяет в одном произведении пейзаж и жанровую картину, добиваясь при этом удивительной цельности образа.

Поленов выступил как один из создателей «пейзажа настроения», который отчетливо закрепился в русской живописи того времени. Поленов исследовал и шел по стопам А. Саврасова, при этом создавая целую русскую традицию. Ведь также в ней работало множество других художников. Особенно можно отметить ученика Поленова – Левитана.

Данное полотно - "Бабушкин сад" является типичным представителем «пейзажа настроения». Эта особенность полотна Поленова была отмечена и в «Московских ведомостях», одним из рецензентом. В газете писали: «Такие картины, — писала газета, - рассчитаны на то, чтобы дать вам, прежде всего, "настроение", и составляют в живописи приблизительно то же самое, что в поэзии составляет элегию».

Стоит отметить, что Поленов не стремиться нагнать это настроение в свою работу, он даже не вносит социальные мотивировки, которые являлись довольно характерными для его коллег. Поленов придерживался своей твердой позиции – искусство, как считал Поленов, должно радовать людей, призывать их к гармонии, а не заменять им терявшую влияние церковь.
В. Стасов, который являлся законодателем моды в то время, выделил «Бабушкин сад» в числе лучших вещей выставки, отметив новаторство Поленова, хотя до этого момента не любил Поленова за его «французистость».

Поленов изобразил типичный дворянский особняк — такими Москва застраивалась после страшного пожара 1812 года. Характерная деталь — большинство из них были деревянными, но «для вида» штукатурились под каменную кладку. На картине штукатурка облупилась, обнажив деревянные бревна.

Ощущение запущенности во многом создается и видом сада — когда-то «регулярного», но давно «отпущенного на волю» и растущего по собственной прихоти. Пейзаж, полный жизни, в данном случае — никак не декорация к повествовательному сюжету, но полноправный его участник; более того — важнейший символ.

Строгость, простота и изящество классицистских форм рождают высокую ностальгию по тому, что уходит на глазах, уходит навсегда.
Облупившаяся лепнина и ржавый карниз — суть знаки неумолимого времени.

Бабушка и внучка, шествующие по тропинке, задают основную антитезу этой работы, отзывающуюся и в мягком противопоставлении разрушающегося дома и растущей молодой зелени (старые деревья Поленов вынес за границы картины).
Сами одежды (старушечий салоп и модное платье) и позы подчеркивают эту антитезу.

Дорожка сада, которую когда-то аккуратно посыпали песком, тоже выглядит запущенной. Она образует яркое цветовое пятно, гармонически дополняющее единую колористическую гамму. В этой гамме нет ничего лишнего, она настраивает зрителя на элегический лад, вызывая в памяти стихи Фета.

Выщербленные ступени лестницы заставляют зрителя фантазировать, представляя (или выдумывая) сотни молодых и счастливых людей,
некогда взбегавших по ним, домысливая балы, любовные сюжеты и бабушку в молодости, полную трепетных надежд.

Слияние человека с природой, которое показывает здесь Поленов, роднит изображенных с обитателями московского дворика. И те, и другие живут тихо и естественно, одной жизнью с природой, что сообщает их существованию смысл и поэзию. Это ощущение гармонии и красоты жизни пробуждает в зрителе то светлое умиротворенно-радостное настроение, которым разрешается его элегическое раздумье над сценкой, запечатленной художником.

 

 

 

 

Заросший пруд

(1879)
77 х 1218 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

 

 

Данная картина отлично характеризует Поленова как колориста, здесь представлен целый ряд философских образов нашего быстротечного времени. По этой причине данное полотно перекликается по своей природе с полотном  «Бабушкиный сад», которое было написано за год до этого. Жанр данной работы чаще определяют, как «повествовательный пейзаж». Картина имеет прихотливую предысторию. В целом картина является одним большим полотном, где художник собрал все свои впечатления.  Поленов занимался полотном еще до того, как отправился на русско-турецкую войну. Лето 1877 года Поленов проводит в деревне Петрушки под Киевом, именно здесь и был создан этюд, который стал основой данного полотна. Этюд пролежал до осени 1878 года, именно в этот момент Поленов перебирается с Арбата на тогдашнюю московскую окраину, в Хамовники. Чуть позже здесь же обосновался и Лев Толстой, купив усадьбу неподалеку. Многие, кто знают о толстовских идеях, которые были так по душе Поленову, называют это совпадение пророческим. Но познакомились они значительно позже.

Именно здесь художник был поражен красотой старого сада, эти впечатления тоже были отображены на картине. Картина была показана в 1879 году на 17 передвижной выставке, зрители были в восторге. Один из учеников Поленова Левитан написал свою картину подобно этой, назвав ее также.

Старые мостки с вытоптанной почти до белизны тропинкой придают образу пруда ностальгическое звучание. Моделью для фигуры женщины послужила сестра художника, В. Д. Хрущева.

Академическая традиция дает о себе знать в композиционном построении и этой поленовской работы.
В соответствии с нею, художник выстраивает два плана — задний, написанный довольно «приблизительно», и подробный передний.

Кувшинки, равно как и детали берега, прописаны очень тщательно; эти будничные образы контрастно дополняют торжественный образ парка, теряющегося за пределами картины.

В основе картины — виртуозно обыгранные художником градации одного и того же зеленого цвета. В тончайшей его нюансировке Поленов вновь выступает непревзойденным мастером-колористом.

 

 

 

 

Большой дом В. Д. Поленова.

 

 

 

В 1882 году Поленову доверили возглавить новые натюрмортные и пейзажные классы в Московском училище живописи, ваяния и зодчество. Часто А. Головин вспоминал о Поленове, что тот не раз восхищал своих почитателей красочностью, а также огромным количеством солнца и воздуха. Поленов 12 лет своей жизни отдал обучению молодых художников. Среди них можно отметить таких, как К. Коровин, И. Левитан, М. Нестеров, А. Головин, И. Остроухов, А. Архипов, С. Малютин. Позже, в 1880 – 90 – е очень популярными были поленовские рисовальные и акварельные вечера, которые художник и его супруга часто организовывали. Эти вечера были очень сильно популярны среди художественной элиты того времени.

 

 

 

 

 

Библиотека

 

 

В 1899 году Поленову удается во второй раз отправиться на Восток с целью найти, как можно больше материала для своей грандиозной серии «Из жизни Христа». Цикл этих картин Поленову удалось завершить к 1909 году. Выставка этих картин вызвала довольно серьезный резонанс, а также стала одним из самых крупных событий тех лет.

 

 

 

 

Христос и грешница

(1886-87)
325x611 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

 

 

Картины своего цикла «Из жизни Христа» Поленов называл цитатами из Евангелия. Это большое полотно, открывшее цикл, - не исключение. Его авторское название - «Кто без греxa?» Цензор, курировавший передвижную выставку, на которой экспонировалось полотно, заменил его на другое - Христос и блудная жена». Более того, цензура вообще сомневалась по поводу оставления картины на выставке. Дело решило вмешательство царя Александра III - осматривая экспозицию до ее официального открытия, он купил эту картину Поленова, опередив присматривавшегося к ней П. Третьякова и предотвратив возможные жесткие действия цензуры. А ее сомнения родились не на пустом месте. Эта работа художника «взламывала» существовавшую традицию изображения Христа. Паленое акцентировал свое внимание на человеческом в Нём, выведя за скобки все собственно метафизическое и мистическое. Христос у него - не Бог, а странник, мудрец, гуманист. Такое рационалистическое решение темы вполне соответствовало этическим исканиям того времени, во многом, определявшимся книгами Э. Ренаиа и религиозным рефошаторством Л. Толстого (хотя сам писатель язвительно назвал поленовского Христа «полотером»). Работа вызвала жаркие споры. Реакцию молодежи точно иллюстрирует оценка В. Вересаева: «Картина дает такого Христа, - писал он, - каким мы Его теперь только и можем мыслить, - не Бога, а человека с огромной душой».

Эта сцена оживляет в красках евангельское повествование: «Тут книжники и фарисеи привели к Нему женщину, взятую в прелюбодеянии, и сказали: "Моисей в законе заповедовал нам таких побивать камнями; Ты что скажешь? Говорили же это, искушая Его". Христос у Поленова предельно приземлен: он сидит в спокойной, несколько усталой позе и одет в одежду простонародья, знакомую художнику по его поездке на Восток.

Пейзаж, написанный на заднем плане, двойственен. С одной стороны, он отвечает стилистике ярких восточных пейзажей Поленова, а с другой, соответствует академической по сути композиции, несколько напоминая театральную декорацию.

Симон Киринеянин, едущий на осле, олицетворяет — вкупе с учениками Христа, помещенными слева, — момент ожидания. При написании персонажей картины Поленов активно использовал свои эскизы, привезенные с Востока.

 

 

 

 

ЗОЛОТАЯ ОСЕНЬ (1893)

 

 

Осень являлась одним из любимых времен года Поленова, а Ока – любимым местом. Эта картина соединила в себе самые дорогие моменты художника. Необходимо обратить внимание на письмо Поленова к К. Коровину, в котором он писал: «Как мне хотелось бы показать Вам нашу Оку. Ведь мы с Вами первые открыли ее красоту. Вам тогда почему-то показалось, что в этой красоте и гармонии нет-нет, да и проскользнет гармоника. Вот я живу здесь теперь двадцать два года и ни разу ее не слыхал, а красота и гармония все те же».

 

 

 

 

«Автопортрет» В. Поленова. Художнику здесь - около шестидесяти лет.

 

 

 

В дальнейшем развитие Поленова-пейзажиста в эпоху 90-х годов неразрывно связано с его жизнью на берегу Оки, которая стала в эти годы неиссякаемым источником его творческого вдохновения. Мечтая поселиться "на природе", Поленов приобрел в 1890-м году небольшое имение "Бехово" в бывшем Алексинском уезде, Тульской губернии. Там им был построен по собственному проекту дом с мастерскими для друзей-художников. Усадьба была названа "Борок". Выбор нового места жительства счастливо совпал с направлением творческих поисков Поленова 90-х годов и можно сказать, во многом способствовал успешности этих поисков. Природа района благоприятствовала развитию у Поленова влечения к эпическому пейзажу. Художник очень быстро нашел свою тему в пейзаже и с этого момента стал настоящим поэтом Оки.
Последние годы жизни Поленов провел в Борке. Он продолжал постоянно работать, вдохновляясь пейзажами Оки, а также собрал художественную коллекцию для открытия общедоступного музея. Сейчас там Музей-усадьба имени Василия Поленова.

 

 

 

Могила В.Д. Поленова

 

 

Восемнадцатого июля 1927-го года художник скончался в своей усадьбе и был похоронен на кладбище в Бехове.
С конца 1870-х годов искусство и сама личность Василия Дмитриевича Поленова были окружены не просто славой, но прямо-таки восторженным поклонением художественной молодежи. Краски его картин казались современникам сверкающими и чарующими, воспринимались как живописное откровение. Слава Поленова не угасла и до сих пор, и мы всё также продолжаем любоваться его чудными картинами, открывающими зрителю волшебную дорогу в удивительный мир искусства.

Источник: http://polenov.su/

9 февраля 1904 года состоялся неравный бой крейсера «Варяг» и канонерской лодки «Кореец» с японской эскадрой

К началу Русско-японской войны бронепалубный крейсер «Варяг» и канонерская лодка «Кореец» находились в качестве «стационаров» в корейском порту Чемульпо (ныне морской пригород Сеула, столицы Южной Кореи). «Стационарами» тогда именовались военные суда, стоявшие в иностранных гаванях для поддержки своих дипломатических представительств.

В Корее уже долгое время шла пока еще политическая борьба России и Японии за влияние. Корейский король, опасаясь японцев, прятался в доме русского посла. Крейсер «Варяг» и канлодка «Кореец» в этих условиях гарантировали силовую поддержку нашего посольства в случае каких-либо провокаций. В то время это была распространенная практика: в порту Чемульпо рядом с нашими кораблями стояли военные корабли-«стационары» Англии, Франции, США и Италии, защищавшие свои посольства.

6 февраля 1904 года Япония разорвала дипломатические отношения с Россией. Через двое суток канонерская лодка «Кореец», вышедшая из Чемульпо, чтобы доставить в Порт-Артур донесение из посольства, была атакована японскими миноносцами. Они выпустили по ней две торпеды, но промахнулись. «Кореец» вернулся в нейтральный порт с известием о приближении вражеской эскадры. Русские корабли стали готовиться к бою с превосходящими силами противника.

Капитан «Варяга» Всеволод Федорович Руднев принял решение прорываться с боем в Порт-Артур, а в случае неудачи взорвать корабли. Капитан обратился к команде: «Безусловно, мы идем на прорыв и вступим в бой с эскадрой, как бы она сильна ни была. Никаких вопросов о сдаче не может быть — мы не сдадим крейсер и самих себя и будем сражаться до последней возможности и до последней капли крови. Исполняйте каждый свои обязанности точно, спокойно, не торопясь».

9 февраля 1904 года в 11 часов утра русские корабли вышли из порта навстречу врагу. В полдень на «Варяге» пробили тревогу и подняли боевой флаг.

 

 

 

Крейсер «Варяг». Фото: wikipedia.org

 

 

Нашим морякам противостояли превосходящие силы противника — 6 крейсеров и 8 миноносцев. Позднее военные специалисты и историки подсчитали, что вес залпа (вес снарядов, выпущенных разом всеми орудиями корабля) японских крейсеров почти в 4 раза превосходил вес залпа «Варяга» и «Корейца». К тому же часть японских крейсеров имела лучшую броню и скорость, а старые орудия тихоходного «Корейца» имели меньшую дальность и скорострельность по сравнению с орудиями аналогичного калибра на японских кораблях.

В 12 часов 20 минут японцы открыли огонь по нашим кораблям. Через 2 минуты ответный огонь открыли «Варяг» и «Кореец». Всего наши суда имели 21 орудие калибром от 75 мм против 90 японских аналогичных калибров.

Превосходство в силах сразу же сказалось на ходе боя. Японцы буквально забросали «Варяг» тяжелыми снарядами. Уже через 18 минут после открытия огня 152-миллиметровый снаряд с броненосного крейсера «Асама», попав в правое крыло переднего мостика «Варяга», уничтожил передний дальномер и вызвал пожар. Потеря дальномера резко снизила возможности русского крейсера по ведению прицельного огня.

Расстояние между противниками составляло менее 5 км. Всего за 25 минут боя русский крейсер получил целую серию попаданий: один 203-миллиметровый снаряд поразил его между носовым мостиком и трубой, 5–6 152-миллиметровых снарядов попало в носовую и центральную часть корабля. Последним стало попадание 203-миллиметрового снаряда в кормовую часть «Варяга».

Как выяснилось уже после боя, вызванные попаданиями вражеских снарядов пожары повредили шестую часть корабля. Из 570 человек команды «Варяга» непосредственно в ходе боя погибли 1 офицер и 22 матроса. После боя в течение нескольких дней от ран скончались еще 10 человек. Тяжело ранены были 27 человек, «ранены менее серьезно» — сам командир крейсера Руднев, два офицера и 55 матросов. Еще свыше сотни человек получили легкие ранения мелкими осколками.

Поскольку японцы значительно превосходили русские силы в ходе боя, их потери и повреждения были куда меньше. В ходе боя с «Варяга» наблюдали попадание и пожар на крейсере «Асама», флагмане японской эскадры. И в ходе войны, и после японцы упорно отрицали какие-либо потери в бою у Чемульпо, хотя по возвращении их кораблей на базу в Сасебо с них снесли около 30 мертвых тел.

 

 

 

 

 

«Варяг» и «Кореец» идут в бой, 9 февраля 1904. Фото: wikipedia.org

 

 

 

Поврежденный «Варяг» и канлодка «Кореец» отступили в порт Чемульпо. Здесь капитан Руднев, получивший в ходе боя ранение в голову и контузию, но не покидавший свой пост, принял решение уничтожить корабли, чтобы они не достались противнику.

В 16 часов 5 минут 9 февраля 1904 года канонерская лодка «Кореец» была взорвана командой и затонула. На «Варяге» после эвакуации раненых и экипажа открыли кингстоны: в 18 часов 10 минут, имея на корме все еще продолжающийся пожар, крейсер опрокинулся на левый борт и ушел ко дну.

Оставшиеся в живых офицеры и матросы с «Варяга» и «Корейца» через нейтральные страны вернулись в Россию. Останки погибших в том бою русских моряков были в 1911 году перенесены во Владивосток и захоронены в братской могиле на Морском кладбище города.

Бой «Варяга» с превосходящими силами японской эскадры позднее по-разному оценивался военными специалистами, не раз выдвигались умозрительные теории, что противнику можно было нанести больший урон. Но общественное мнение не только в России, но и в европейских странах сразу очень высоко оценило подвиг русских моряков, смело двинувшихся в безнадежный бой.

Так, австрийский поэт Рудольф Грейнц, ранее далекий и от России, и тем более от Дальнего Востока, вскоре после того как узнал о героическом бое русского крейсера, под впечатлением храбрости команды «Варяга» написал песню, сразу ставшую, как сказали бы сегодня, «хитом» и «шлягером»:

Auf Deck, Kameraden, all' auf Deck!

Heraus zur letzten Parade!

Der stolze Warjag ergibt sich nicht,

Wir brauchen keine Gnade!

Уже в апреле 1904 года "Der Warjag" перевели на русский язык, и поныне эти слова известны почти всем в нашей стране:

Наверх, о товарищи, все по местам!

Последний парад наступает!

Врагу не сдается наш гордый «Варяг»,

Пощады никто не желает!

Источник:http://rusplt.ru/

 

Озеро Инле в Мьянме очень многогранно: дома на воде, красивые пейзажи на фоне гор, древние пагоды, ремесленники и аутентичные рыбаки. Помимо этого, прямо на водной глади выращивают овощи: помидоры, огурцы, капусту, горох, фасоль и зелень.

Издалека огороды можно опознать по «лесу» бамбуковых шестов, удерживающих грядки на месте.

 

 

 

 

 

Озерные огороды — это фактически плоты, сделанные из корней и травы, поверх которых насыпан небольшой плодородный слой, удобренный донным илом. Фактически это гидропоника

 

 

 

 

 

Уход за посевами происходит с лодок

 

 

 

 

 

Дом зажиточной семьи

 

 

 

 

 

Площади посевов большие, а урожайность еще больше. Овощи с озера Инле ежедневно и на протяжении всего года вывозят целыми грузовиками, и их можно купить на всей территории страны.

 

 

 

 

 

Каждый клочок используется для земледелия. Посадка риса

 

 

 

 

 

Сначала по полю раскидывают вязанки с ростками риса, после чего девушки выстраиваются в ряд и продвигаясь от одного конца поля к другому очень быстро его засеивают.

 

 

 

 

 

Заброску рассады осуществляет специально обученный человек

 

 

 

 

 

Если по посадке риса задействованы в основном женщины, то уборкой заняты только мужчины.

 

 

 

Источник: http://loveopium.ru/

 

 

Абаасы -  в фольклоре якутских народов, огромное каменное чудовище с железными зубами. Живет в лесной чащобе подальше от людей глаз или под землей. Рождается оно из  камня  черного цвета, похожего на ребенка. Чем старше он становится, тем камень больше похож на ребенка.

 

 

 

 

 

худ.Елена Дроздова

 

 

 

Сначала каменный ребенок ест все то же, что едят люди, но когда вырастает, он начинает есть самих людей.  Иногда упоминаются как антропоморфные одноглазые, однорукие, одноногие  чудовища ростом с дерево. Абаасы питаются душами людей и животных, искушают людей, насылают несчастия и болезни, могут лишить рассудка. Часто родственники больного или умершего приносили в жертву Абаасы животное, как бы обменивая его душу на душу человека, которой они угрожают.

Источник: http://myfhology.info/monsters/index1.html