Одним из самых крупных парковых комплексов Канады является Хэтли Парк, расположенный в городе Колвуд на острове Ванкувер.

 

 

 

 

 

Изначально на территории этой плодородной области выращивали различные сельскохозяйственные культуры, но в начале минувшего столетия Джеймс Дансмаер, который в то время занимал должность вице-губернатора, выкупил земли края и соорудил здесь роскошный замок, насчитывающий сорок комнат.

 

 

 

 

 

Вокруг замкового комплекса по проекту американских дизайнеров были высажены прекрасные сады.

 

 

 

 

 

Джеймс Дансмаер вместе со своей семьей проживал в замке Хэтли до 1940 года, после чего усадьба была продана Правительству Канады и преобразована в учебный центр военно-морских сил страны, который с 1948 года становится Королевским военным Университетом.

 

 

 

 

До нашего времени это учебное заведение продолжает функционировать в стенах замкового комплекса, привлекая многочисленных туристов своими роскошными садами, которое растут на территории университета

 

 

 

 

Наиболее популярны среди посетителей розовый, итальянский и японский сады, каждый из них имеет свой неповторимый стиль.

 

 

 

 

Сады и стены замка Хэтли привлекают не только путешественников с многих уголков планеты, но и режиссеров.

 

 

 

 

 

В этом живописном месте проходили съемки фильмов: сериала «Полтергейст», «Люди Х», «Вне поля зрения» и других.

 

 

 

 

Всего же замок и сады за историю своего существования стали декорациями к тридцати трем фильмам, а фотографы сняли здесь тысячи красочных снимков.

 

Источник: http://pressa.tv/web-puteshestviya/32304-zamok-hetli-v-kanade-11-foto.html

 

Один из крупнейших мастеров барокко, Караваджо сыграл большую роль в развитии западноевропейского искусства. Его творчество оказало влияние не только на итальянских художников, но и на многих живописцев других стран Европы. По имени Караваджо это реалистическое направление конца XVI-го — начала XVII-го века получило название «караваджизма».

Микеланджело Меризи, прозванный позднее Караваджо, родился 28-го сентября 1571-го года в небольшом местечке Караваджо, что в Ломбардии, на севере Италии.

Точная дата его рождения неизвестна — возможно, это было 29 сентября, так как в те времена было принято называть новорожденного по имени святого, в день памяти которого он появился на свет. Вызывает затруднения и идентификация места рождения будущего художника. Им мог быть как Милан, так и расположенный в 30 милях к востоку от него городок Караваджо. Дело в том, что отец художника, Фермо Меризи, занимался строительством при дворе Франческо Сфорца, маркиза ди Караваджо, а тот, в свою очередь, жил на два дома — основная резиденция Франческо находилась в Милане, но время от времени он переселялся и в Караваджо, свою родовую «вотчину».

Микеланджело родился в семье первым (за ним последовали еще три его брата и сестра). Социальное положение его отца и родственников позволяет предположить, что мальчик получил очень приличное образование. Один дядя был священником, по этой же дороге пошел и один из его братьев. Священство же, как известно, в ту далекую эпоху было самым просвещенным социальным слоем. До четырех или пяти лет Микеланджело, по всей видимости, жил в Милане, но эпидемия чумы, разразившаяся в 1576 году, заставила семью вернуться в Караваджо.

Этот побег оказался спасительным для всех членов семьи, кроме ее главы. В октябре 1577 года Фермо Меризи умер — этот факт имеет документальное подтверждение. Следующим документально подтвержденным событием в жизни Микеланджело стало его поступление в апреле 1584 года в ученики к миланскому живописцу Симоне Петерцано. Современники знали  этого  мастера  очень хорошо, но сейчас он практически забыт. Если допустить, что подросток закончил полный  четырехлетний курс обучения у Петерцано, то он должен был получить официальное звание художника в 1588 году. Однако документов на сей счет, к сожалению, никаких не сохранилось.

В 1590 году умерла мать Микеланджело. В мае 1592 года наследство родителей было поделено между их четырьмя детьми (один брат умер в 1588 году). Доля Караваджо оказалась достаточной для того, чтобы обеспечить ему несколько лет благополучной творческой жизни. Похоже, сразу после получения своей доли наследства он покинул родной город.

 

 

 

 

Портрет Караваджо был выгравирован на меди по рисунку Иоахима фон Сандрарта
(рисунок датирован приблизительно 1675-79 годами).

 

 

Молодого художника манил к себе Рим, где он вскоре и объявился. Этот факт соответствует сведениям Джулио Манчини, написавшего в 1620 году биографию Караваджо. Биограф отмечает, что художник «поехал в Рим в возрасте примерно двадцати лет».

Из того же источника известно, что Караваджо «усердно занимался» в Милане, но «время от времени допускал экстравагантные выходки, вызванные его пылким темпераментом». Другой писатель XVII века, Джованни Беллори, предположил в своем сборнике биографий художников, что переезд Караваджо в Рим был связан не только с желанием попасть в центр тогдашней художественной жизни, но отчасти с его «несдержанным нравом, повлекшим неприятности, из-за которых он был вынужден покинуть Милан». Согласно некоторым свидетельствам, этими «неприятностями» стал инцидент, приведший к тому; что художник то ли ранил, то ли убил человека. Подобные «сюжеты», обусловленные страшно вспыльчивым характером Караваджо, отныне не раз будут повторяться в его жизни.

Первое время Микеланджело испытывал трудности. Чтобы не умереть с голоду, ему приходилось браться за любую работу. Нужда  отступила, когда он в качестве  подмастерья попал в мастерскую Джузеппе Чезари (другое имя этого художника — Кавалер д'Арпино). Ныне фрески Чезари кажутся скучными и излишне формальными, но в те времена работы мастера пользовались повышенным спросом.

Впрочем, с Чезари Караваджо сотрудничал недолго. Несчастный случай прервал это сотрудничество — молодого художника лягнула лошадь, и он угодил в больницу. Оправившись, Караваджо решил работать самостоятельно. В середине 1590-х годов несколько его картин увидел кардинал Франческо дель Монте, который и стал покровителем нашего героя. Дель Монте отличался разносторонними интересами. Он дружил с Галилеем, хорошо знал музыку, театр и живопись. Приблизительно в 1597 году кардинал принял Караваджо к себе на службу, определив ему достойное жалованье. При кардинальском дворе художник провел следующие три года.

 

 

 

 

"Вакх"

(1595-96)
95 х 85 см
Галерея Уффици, Флоренция

 

 

В первые годы, проведенные в Риме, Караваджо написал несколько крупных поясных портретов молодых людей. Среди них выделяется «Вакх». Картина великолепна по композиции и обнаруживает в Караваджо замечательного портретиста и мастера натюрморта. Долгое время полотно было неизвестно - лишь в 1917 году его обнаружили в запасниках галереи Уффици. Предыстория картины остается неясной, но есть все основания полагать, что она была создана в период службы художника при дворе кардинала Франческо дель Монте, известного своим пристрастием к подобного рода сюжетам и гедонистическим отношением к жизни. Эротический подтекст этого произведения очевиден. Изображенный юноша с нескрываемым соблазном смотрит прямо в глаза зрителю, призывно играя кончиком черного кушака, едва придерживающего спадающие с его тела одежды.
Полное, чувственное лицо Вакха увенчано шапкой густых черных волос, украшенных листьями. Волосы выглядят настолько искусственными, что вполне могут оказаться париком. Есть свидетельства, что париками художник иногда пользовался.
Слева, из-под белого покрывала, выглядывает грязная полосатая подушка, символизирующая нечистые помыслы юноши.

В левой руке Вакх держит изысканный бокал с вином, однако его ногти давно не чищены — возможно, позировать для картины художник пригласил какого-нибудь уличного оборванца.

В корзине среди прочих фруктов мы видим и гранат, знак чистоты и целомудрия. Но гранат этот перезрел, и, скорее всего, он служит символом того, что герой полотна уже утратил свою невинность.

 

 

 

Лютнист.1595.
Холст,масло. 94 x 119 см.
Санкт-Петербург,
Государственный Эрмитаж

 

 

Для кардинала Караваджо создал в середине девяностых годов несколько произведений. Среди них две одинаковые по величине и близкие по содержанию картины: «Музыка» и «Лютнист». В первой художник удачно передал состояние творческого вдохновения юных музыкантов. «Лютниста» лучшее из всего, созданного им ранее, по свидетельству современников, Караваджо очень любил. Бальоне сказал об этой картине, что «юноша кажется живым и настоящим».
Постепенно задачи, которые ставит перед собой художник, усложняются. В таких произведениях, как «Жертвоприношение Авраама» и «Юдифь», есть попытка передать драматическое действие.

 

 

 

Распятие апостола Петра.1600.
Холст, масло. 230 x 175 см.
Рим,
Капелла Черази церкви
Санта-Мария дель Пополо

 

 

С годами мастерство Караваджо совершенствовалось. Он уже чувствовал в себе силы приняться за большое, значительное произведение.
Первый большой заказ Караваджо удалось получить с помощью своего покровителя кардинала дель Монте. Художнику предстояло выполнить серию картин из жизни святого Матфея для капеллы Контарелли в церкви Сан-Луиджи деи Франчези в Риме. До 1600-го года он пишет четыре полотна — «Святой Матфей» (два варианта), "Призвание святого Матфея» и «Мучение святого Матфея".

Работы, выполненные для капеллы Контарелли, принесли Караваджо славу, хотя и весьма противоречивую. Одних привлекала необычность его живописной манеры, смелость и большое мастерство, других возмущала «грубость» его типажей.
В начале нового века Караваджо создал самые значительные произведения. Для капеллы Черази в церкви Санта-Мария дель Пополо в Риме им были исполнены две картины: «Распятие святого Петра» и «Обращение Савла».

 

 

 

Амур-победитель.1600.
Холст, масло. 154 x 110 см.
Берлин,
Картинная галерея

 

 

В это же время Караваджо пишет картину «Амур-победитель», которая по справедливости причисляется к прекраснейшим творениям художника. Зрителя ошеломляет, с какой свободой выражает свою радость герой картины, столь далекий от смертных, подчинённых законам природы, с "презрением к миру" и с полной безнаказанностью и уверенностью в себе, которые рождают удивление и зависть.

 

 

 

Положение во гроб.1602-1604.
Холст, масло. 300 x 203 см.
Рим, Ватикан

 

 

В 1601-м — 1604-м годах Караваджо создал «Положение во гроб». Оно было исполнено по заказу для церкви Санта-Мария ин Валличелла в Риме. Это произведение имело большой успех не только у почитателей Караваджо. Даже враги должны были признать его высокие художественные достоинства. О популярности картины свидетельствуют многочисленные свободные копии с него, сделанные Рубенсом, Фрагонаром, Жерико, Сезанном.

 

 

 

Смерть Марии. 1605-1606.
Холст, масло. 369 x 245 см.
Париж, Лувр

 

 

Вершиной творчества Караваджо явилась исполненная им в 1605-м — 1606-м годах большая картина «Смерть Марии». Не церковными догмами, ставящими Мадонну над всем земным, руководствовался художник, создавая это произведение. В нём он воплотил народные верования, почитавшие в Марии бедную многострадальную мать.
К сожалению, «Марию» постигла та же судьба, что и ряд других произведений Караваджо. Она была отвергнута заказчиками, которые нашли, что картина написана неподобающим образом, Мадонна лишена благородства, а в её лице недопустимо наглядно показаны признаки смерти.
Караваджо отличался буйным нравом. Еще в начале 1601-го года один внимательный иностранец-осведомитель, близкий друг д'Арпино, посылает на север следующее живое описание художника: «Недостаток его состоит в том, что он не уделяет постоянного внимания работе в мастерской — проработав две недели, он предаётся месячному безделью. Со шпагой на боку и пажом за спиной он переходит из одного игорного дома в другой, вечно готовый вступить в ссору и схватиться врукопашную, так что ходить с ним весьма небезопасно».
Слуга из трактира жаловался на то, что Караваджо бросил ему в лицо блюдо с варёными артишоками. В октябре и ноябре 1604-го года художника дважды арестовывали полицейские за то, что он оскорблял их дерзкими ругательствами.
Исходя из всего этого, вряд ли можно считать случайным происшествие 31-го мая 1606-го года, когда в ссоре, возникшей во время игры в мяч, Караваджо убил Рануччо Томмазони из Терни. Сам он тоже был ранен и скрывался в семье своих аристократических друзей Колонна.

 

 

 

 

 

Мадонна с четками.
1606-1607.
Холст, масло. 364 x 249 см.
Вена,
Художественно-исторический музей

 

 

Караваджо вынужден был покинуть Рим. Ему приходится постоянно переезжать из города в город. Видимо, в Неаполе Караваджо написал большую картину «Мадонна с чётками», где использовал традиционную схему построения композиции с Мадонной в центре на возвышении и отказался от светотеневых контрастов, дав рассеянное освещение. Там же он написал другое большое полотно «Семь деяний милосердия» для церкви Пио Монте делла Мизерикордиа.

 

 

 

Семь деяний милосердия.1607.
Холст,масло. 390 x 260 см.
Неаполь,
Церковь дель Пио Монте
делла Мизеркордиа

 

 

В 1607-м году Караваджо перебирается на остров Мальта. Он пишет портрет гроссмейстера Мальтийского ордена Алофа де Виньякура и в награду возведён в сан кавалера Мальтийского ордена. Любопытно, что орден художник получил благодаря портрету, в котором дал яркую характеристику самодовольного, жестокого и неумного человека. И снова несносный характер подводит Караваджо. Вступив в конфликт с могущественным вельможей, он был брошен в тюрьму и осенью 1608-го года бежал на Сицилию.
Рассчитывая на прощение, Караваджо решает вернуться в Рим и для этого нанимает фелуку — небольшое судно. По ошибке в Порто-Эрколе он был арестован тосканскими властями и препровождён в тюрьму. Когда недоразумение выяснилось и его освободили, фелуки уже не было: она исчезла вместе со всем его имуществом.
Обобранный, полубольной художник хочет отправиться в Рим пешком, но страшный приступ лихорадки оказался для него смертельным. 18-го июля 1610-го года он умер в Порто-Эрколе. Караваджо было 37 лет… Но несмотря на короткую и переполненную бурными приключениями жизни, столь быстро угасшему художнику суждена вечная память благодарных потомков, и по сей день любующихся его чудесными полотнами, открывающими перед нами волшебный мир искусства.

 

 

 

Нарцисс.1594-1596.
Холст, масло. 110 x 92 см.
Рим,
Национальная галерея
античного искусства

Источник:http://www.caravaggio.ru/

 

Японские ужастики не похожи на голливудские. Во-первых, у них, как правило, оригинальные сюжеты, во-вторых, они бывают по-настоящему страшными. Многие из них основаны на местной мифологии, так называемых городских легендах.
Большинство мифов Японии связано с духами и призраками. Но они чаще всего вовсе не бесплотны, как в европейском фольклоре, а напротив, вполне материальны и очень опасны для человека. Они могут существовать как сами по себе, так и в каких-то определенных местах. Вот несколько популярных легенд о таких сущностях.

 

Человек-ответ

 

Это дух, который якобы знает ответы на все вопросы. А выйти с ним на связь можно так. Собраться компанией обязательно из десяти человек, когда пробьет ровно полночь, встать в круг, после чего каждый из присутствующих должен позвонить на мобильник того, кто стоит слева от него. Скорее всего, в таком случае все номера окажутся заняты, ведь все будут одновременно звонить друг другу…
Но кому-то одному, возможно, удастся дозвониться до духа. Человек-ответ задаст вам загадку. Если вы разгадаете ее, он ответит на любой ваш вопрос. А если нет, берегитесь – вы лишитесь какой-нибудь части тела – призрак заберет ее, чтобы обрести собственную плоть.

 

Окику – кукла с человеческими волосами

 

 

 

 

Так звали куклу, когда-то принадлежавшую маленькой девочке. У девочки якобы были очень жестокие родители, которые сделали так, что их дочь умерла от холода. Однако душа девочки поселилась в ее любимой кукле. С тех пор у Окику стали расти человеческие волосы, и этим она отличается от обычных кукол.

Окику – не совсем миф. В храме Манненжи действительно хранится кукла с таким именем, и местные священнослужители уверяют, что у нее и впрямь растут волосы, которые приходится периодически стричь… Но принадлежала ли она когда-нибудь девочке, умершей от холода, неизвестно.

 

 

Лицо из щели

 

Постояльцам в японских отелях не рекомендуется пристально рассматривать щели в стенах и между мебелью. Оттуда может показаться злобное женское лицо. Призрак незнакомки будет угрожать, что заберет вас прямо в ад. После этого он начнет вас преследовать, пытаясь выполнить свое обещание и завладеть вашей душой.

 

Хитобасира

 

Это слово переводится как «живые столбы». С древности существовал обычай замуровывать в одну из опор строящегося здания живого человека. Это должно было оградить постройку от злых духов и позволить ей простоять целой и невредимой многие столетия.

 

 

 

 

Говорят, что во всех зданиях, которым более четырехсот лет, заживо замурованы люди. Обычно это были больные или немощные местные жители, которые не могли считаться полноценными членами общества. Например, в основание средневекового замка Маруока живьем замуровали слепую крестьянку. Впрочем, не стоит забывать, что подобная традиция существовала и в Европе. Да и в наши дни существует поверье, что если при постройке погибнет человек, здание будет долговечным.

 

Особняк Химуро

 

Сейчас в нем располагается музей, в котором водятся привидения. Много лет особняком владела семья Химуро. Почему-то владельцы ужасно боялись нечисти и, чтобы оградить себя от злых духов, каждые полвека непременно приносили в жертву одну из молодых родственниц. Ее связывали, а затем привязывали концы веревок к трем волам. Волы пускались в бегство и волочили за собой тело несчастной, разрывая его на куски.
Как правило, девушка соглашалась на жертвоприношение  добровольно. Но однажды никто не вызвался на эту миссию, и тогда родичи сами выбрали жертву. Перед своей ужасной смертью девушка прокляла весь род. В последующие пятьдесят лет члены его умирали, не оставив после себя потомства, в том числе и насильственной смертью, пока род полностью не исчез с лица земли. Сегодня в здании обитают призраки и самой девушки, и ее погибших родных.

 

Адская деревня

 

Инунаки – это деревушка, затерянная где-то в горах. Ее жители не подчиняются никаким общечеловеческим законам, они занимаются черной магией, жертвоприношениями, едят человеческое мясо и вступают в кровосмесительные связи друг с другом. Те, кто случайно сюда попал, уже никогда не вырвутся из страшной деревни. Их ждет либо смерть, либо жизнь в этой сатанинской общине.

 

Тоннель смерти

 

 

 

 

Число «четыре» для японцев равносильно нашему «13» - «чертовой дюжине». Здесь даже строят дома без четвертого этажа – после третьего следует сразу пятый… Но однажды на севере страны построили тоннель Кийотаки. Он получился протяженностью ровно 444 м. И в нем сразу же начали происходить страшные аварии.
Вскоре стали поговаривать, что три четверки притягивают к себе смерть. В тоннеле, мол, завелись призраки водителей, погибших в ДТП. И они провоцируют все новые и новые автокатастрофы. Это не просто легенда, реальная статистика показывает, что аварии в Кийотаки случаются намного чаще, чем в других аналогичных тоннелях.

 

Проклятое стихотворение

 

В 1919 г. поэт Йомота Инухико написал стихотворение под названием «Ад Томино» - о девочке, которая после кончины попала в преисподнюю (интересно, когда она успела так нагрешить?). Говорят, если читать эти стихи вслух, то с вами произойдет несчастье или вы даже погибнете.
Жутковато, правда? Хотя любой здравомыслящий человек, разумеется, понимает, что сюжеты «ужастиков» имеют мало общего с реальной жизнью. Но все-таки суеверия живут у нас в крови.

Источник: http://www.myjane.ru/articles/text/?id=16301

Илья Ефимович Репин родился 5 августа 1844 года в небольшом украинском городе Чугуеве, неподалеку от Харькова. «Я родился военным поселянином. Это звание очень презренное — ниже поселян считались разве что крепостные», — писал позднее художник. Как и многие дети военных поселян, Репин поступил в военную школу, на отделение топографии. Именно там впервые проявилась его страсть к рисованию. Однако мальчику не повезло, потому что отделение было вскоре закрыто. Тогда по настоятельной просьбе мальчика отец отдал его в ученики к иконописцу Бунакову.
Почти четыре года Илья проработал в артели художников, где занимался писанием икон и реставрацией старинных иконостасов. Но он мечтает о большем. Скопив 100 рублей от церковных заказов, в 1863 году молодой художник едет в Петербург. Но поступить в Академию художеств ему не удается, поскольку он не знал классического рисунка. Тогда Репин решает поступить в частную рисовальную школу, где преподавал Крамской. Вскоре тот заметил талантливого юношу, пригласил его к себе в гости. С тех пор и началась их дружба, сыгравшая огромную роль в жизни Репина.

 

 

 

Автопортрет. 1887
Холст, масло. 72.8 x 60.5 см 
Государственная Третьяковская галерея

 

 

По рекомендации Крамского через два месяца Репин был принят вольнослушателем в академию. В конце первого курса за картину «Плач Иеремии на развалинах Иерусалима» он получил высшую оценку и стал студентом академии. Параллельно с учебой Илья посещал вечера в доме Крамского, где собирались члены артели передвижников. Общение с ними и определило его творческое кредо.
В 1871 году Репин завершает обучение в академии участием в конкурсе на Большую золотую медаль. Он пишет картину на евангельский сюжет «Воскрешение дочери Иаира». Картина получила высокую оценку в академии. Репину была присуждена Большая золотая медаль, которая давала право на шестилетнюю поездку за границу за счет академии.

 

 

 

Бурлаки на Волге. 1870-1873
Холст, масло. 131.5 x 281 см 
Государственный Русский музей

 

 

В 1873 году Репин завершает картину «Бурлаки на Волге». Сюжет ее возник у художника еще в 1868 году, во время воскресной прогулки по Неве.
В мае 1870 года вместе с художником Васильевым Репин поехал на Волгу, где делал зарисовки и этюды к задуманной картине. «Бурлаки» были показаны на всемирной выставке в Вене и принесли художнику европейскую известность. Ее приобрел для своего собрания один из великих князей.

Успех картины был ошеломляющий. Отдельные голоса недовольных пото­нули в общем признании исключительной значительности этого произведе­ния, действительно, еще небывалого в России по силе выражения и изобрази­тельной мощи.

После «Бурлаков» Репин сразу становится одним из известнейших рус­ских художников. Крамской особенно горячо приветствовал новое светило, гордясь успехами русской школы живописи. Строгий к себе и другим, но объ­ективный и честный, Крамской был невысокого мнения о собственной живо­писи и тем более восторгался картиной Репина. Он писал Васильеву после вы­ставки: «Чем дальше, тем больше я вижу, что, собственно, о колорите я не имел ни малейшего понятия. Из всех здесь живописцев, собственно, Репин дело смекает настоящим образом, право так: я говорю о красках. Вы не морщи­тесь, это верно. Репина, пожалуй, вы и не знаете. Не знаю, что он сделает после „Бурлаков": назад идти нельзя, а вперед — сомнительно. Опять-таки от­носительно живописи. Нет, решительно русская школа становится серьез­ною, ни больше, ни меньше»

 

 

 

 

 

Портрет В.А. Репиной,
жены художника. 1876
59х49 см
 Государственыый
Русский музей

 

 

В мае 1873 года Репин уезжает за границу как пенсионер Академии художеств. Он едет вместе с женой и маленьким ребенком, своей первой дочерью. Женился Репин в феврале 1872 года, его избранницей стала Вера Алексеевна Шевцова.
Около трех лет художник провел в Париже. Он не в восторге от современного искусства. Стасову он пишет: «Учиться нам здесь нечему… у них принцип другой, другая задача, миросозерцание другое». Он пишет этюды парижского предместья, уличные сцены, портреты (в частности, Тургенева), задумывает и выполняет большую картину «Парижское кафе».
В 1876 году Репин пишет портрет жены, поясной, в сером платье и черной шляпке со страусовым пером. Облик Веры Алексеевны полон изящества. В ее туалете чувствуется парижский вкус.

 

 

 

 

 

Мужичок из робких. 1877
65 х 53 см
Горьковский государственный художественный музей

 

 

В том же году Репин возвращается в Россию. Здесь, уже на русской земле, он пишет замечательную картину «На дерновой скамье», представляющую собой групповой портрет в пейзаже. Художник Грабарь так откликнулся на это произведение: «Блестящая по мастерству, свежая и сочная, она принадлежит к лучшим пейзажным мотивам, когда либо написанным Репиным».
Репин с семьей едет в Чугуев, в свои родные места. Из работ этого периода выделяются этюд «Мужичок из робких» и портрет «Протодьякон» (1877-й год). «Мужичок из робких» и «Протодьякон» были выставлены Репиным на Шестой передвижной выставке в 1878-м году.
Летом 1878 года Репин проводит в Абрамцеве у Мамонтовых. Он еще не раз бывал здесь с семьей, много работал, писал портреты, в частности, самого Мамонтова и его супруги, пейзажи и натюрморты.
С переездом в Москву у Ильи Ефимовича проявляется интерес к русской старине. В результате появляется картина «Ратник XVII века», а вскоре и более значительная картина «Царевна Софья Алексеевна в Новодевичьем монастыре».

 

 

 

 

Крестный ход в Курской губернии.
1880-1883
Холст, масло. 178 x 285.4 см 
Государственная Третьяковская галерея

 

 

Еще в 1876 году в Чугуеве художник задумал картину «Крестный ход в Курской губернии». Над этой картиной Репин работает долго, тщательно отбирая типажи. Толпа разных сословий и состояний, собранная воедино свершением религиозного обряда, давала как бы наглядный разрез существующих в действительности отношений между слоями русского общества.

Зрелище крёстных ходов привлекало Репина ещё в детстве, когда он с матерью посещал монастырь под Чугуевым: «густой кленовый лес, золото и серебро хоругвей, блестящие украшения икон, искрящиеся на солнце одеяния священников, толпы народа в праздничных одеждах». Но у взрослого Репина эти яркие краски ушли на задний план, а основным стало обличение современной русской действительности.

Картина образно рисует общественные взаимоотношения в России в восьмидесятые годы XIX века. Россия быстро капитализируется. На полотне противопоставлены народ и власть. Народ – забитый и угнетённый и представители власти: лихой урядник, который лупит нагайкой толпу, другой урядник, грозящий плёткой, множество сотских и десятских. С палками в руках они оттесняют крестьян от иконы, чтобы они не мешали привилегированным. А вот и местная аристократия – чванная, толстая помещица, вся в кружевах и бантах, «её ассистент» - грубый, самодовольный кулак, отставной офицер в форменном сюртуке. Местные богатеи серьёзно и важно несут огромный пустой киот иконы. На них широкие яркие кушаки, волосы щедро политы маслом, до блеска начищены сапоги. И этим кулакам и барынькам доверена «высокая честь» нести икону… Наконец попы в золотых ризах, весело болтающие между собой, позабыв о своей роли святых отцов. А над всей этой разношерстной толпой золотят пыль, клубами вздымающуюся от топота сотен сапог, горячие лучи полуденного солнца.

Великолепен изображённый на переднем плане горбун – весь в стремительном движении и порыве, его лицо одухотворено. Он словно олицетворяет собой силу крестьянскую – сегодня она ещё дремлет, а завтра распрямит спину, размахнётся и смахнёт с себя всех угнетателей.

В этом произведении проявилось как нигде живописное мастерство Репина. В картине какое-то особое сочетание красок. Голубое небо, освещённое полуденным летним солнцем, застыло словно бы в истоме, и переливается неповторимыми яркими красками. Хоругви блестят и сверкают. Одежды толпы ярки. Картина насыщена воздухом. Всё это создаёт настоящую симфонию красок. Лица, одежда, предметы переданы с какою-то особой вещественностью, так что кажется, до них можно дотронуться руками.

Также в Чугуеве Репин написал свою первую картину на революционную тему — «Под жандармским конвоем». Далее художник не раз обращается к образу революционера. К этому циклу примыкают картина «Отказ от исповеди», «Сходка», «Не ждали».

 

 

 

 

Иван Грозный и его сын Иван
16 ноября 1581 года. 1885
199.5 х 254 см
Государственная Третьяковская галерея

 

 

В 1885 году Репин завершает одну из самых известных картин «Иван Грозный и сын его Иван».

Это одна из выдающихся картин знаменитого художника. Её замысел возник в 1881 году под влиянием произведения Римского-Корсакова «Месть». Художник решил воплотить в живописи то настроение, которое у него вызвала эта музыка.

Сюжетом для картины послужило историческое событие. 16 ноября 1581 года Иван Грозный в припадке бешенства убивает своего старшего сына – царевича Ивана.

Работая в Москве над картиной, Репин сам выкроил костюмы для Ивана Грозного и царевича, сам расписал сапоги царевича. Художник отнёсся к своей работе с настоящей страстью. Он вспоминает, что во время написания удачных мест его «разбирала дрожь, а потом чувство кошмара притуплялось, брала усталость и разочарование». Он сам называет картину «страшной».

Образ Ивана Грозного Репин писал с разных лиц. Для царевича художнику позировал писатель В. М. Гаршин. «В лице Гаршина, - писал Репин, - меня поразила обречённость: у него было лицо человека, обречённого погибнуть». Вскоре после этого Гаршин действительно погибает.

Многие современники художника восхищались картиной. Ярко выразил свой восторг И. Н. Крамской: «Вот она, вещь, в уровень таланту… Выпукло и выраженно выдвинута на первый план нечаянность убийства. И как написано, боже, как написано! В самом деле, вообразите, крови тьма, а вы о ней и не думаете, и она на вас не действует, потому что в картине есть страшное, шумно выраженное отцовское горе, и его громкий крик, а в руках у него сын, сын, которого он убил, а он... вот уже не может повелевать зрачком, тяжело дышит, чувствуя горе отца, его ужас, крик и плач, он, как ребенок, хочет ему улыбнуться: «Ничего, дескать, папа, не бойся!» Ах, боже мой!»

 

 

 

Запорожцы пишут письмо
турецкому султану. 1880-1891
Холст, масло. 203 x 358 см 
Государственный Русский музей

 

 

Не менее известно полотно «Запорожцы, сочиняющие письмо к турецкому султану», работа над которым велась 12 лет. «Запорожцы» впервые были экспонированы на юбилейной выставке художника в 1891 году. Картина имела успех и была приобретена за очень высокую цену — 35000 рублей. Цена была настолько большой, что даже Третьяков был не в состоянии ее купить. Картину приобрел Александр III.

Из своих поездок на Украину и на Кубань Репин вывез огромное количество этюдов и рисунков. С полным основанием можно утверждать, что ни один из русских художников, кроме Александра Иванова, не проводил подготовительную работу для своей картины в таком объеме, как Репин для “Запорожцев”. Писатель П. Н. Полевой, близко соприкасавшийся с Репиным в период создания “Запорожцев” и часто посещавший в те годы его мастерскую, — “один из самых живых и заманчивых уголков художественного Петербурга”, — свидетельствует: “В качестве художника в высшей степени добросовестного и тщательно изучающего бытовые подробности, И. Е. Репин для своих “Запорожцев” неутомимо, настойчиво и очень долго собирал и изучал тот богатый материал, который внес целиком в свою картину. С целью изучения остатков запорожской старины художник объехал все местности, связанные с воспоминаниями о Запорожской Сечи, посетил все храмы, построенные “сечевиками” и сохранившие в ризницах своих запорожские знамена, хоругви и иные войсковые клейноды. Долго жил художник и в тех именьях, где владельцы, подобно известному любителю малороссийской старины г. Тарновскому, успели собрать более или менее богатые музеи, важные для изучения быта запорожцев и Запорожья. Не довольствуясь вещественными памятниками, И. Е. Репин для своей будущей картины входил в тесное общение с простонародьем в местностях, близких к бывшему Запорожью, и среди этого люда искал типов, которые по прямому родовому преемству могли сохранить нам облик древних “лыцарей”. Этим путем создал он богатейший запас художественных деталей, который дал ему возможность так щедро, так разнообразно и так полно иллюстрировать бытовую сторону “громады” в его “Запорожцах”. Тот, кто знаком с этим богатым запасом альбомов, эскизов и этюдов И. Е. Репина, знает, что в его картине все подробности одежды, вооружения и утвари — от баклаги и кувшина, поставленных на столе, до бандуры, сабли, пороховницы и винтовки взяты прямо с предметов, некогда, несомненно, принадлежавших запорожцам”. [П. Полевой. “Запорожцы, пишущие грамоту султану”. — “Нива” 1892, № 3, стр. 63 — 64]

 

 

 

 

Осенний букет.

(Портрет Веры Репиной.)

1892

 

 

Конец восьмидесятых — тяжелые годы для Репина. В 1887 году он расходится с женой. С ним остаются две старшие дочери Вера и Надя, а младшую, Таню, и сына Юрия берет мать. В том же году Илья Ефимович уходит от передвижников, обвиняя Товарищество в бюрократизме.
В результате всех этих переживаний, душевной тоски, творческого перенапряжения предыдущих многих лет здоровье Репина пошатнулось. Он пишет 7 марта 1889 года Стасовой: «У меня просто переутомление, должно быть, всех нервов: почти работать не могу… Только мысли мрачные вследствие недомогания. Думаешь, умрешь, и все останется недомалеванным».
Сильная усталость Репина тянула его на лоно природы, а обладание большой суммой денег после продажи «Запорожцев» дает ему возможность приобрести благоустроенное имение Здравнево в Витебской губернии, на берегу Западной Двины. Некоторое время Репин увлекается новым своим положением — занимается пристройкой к дому мастерской и другими хозяйственными делами. Отдохнувший, он создает в 1892 году прекрасный портрет дочери Веры — «Осенний букет» и дочери Нади в охотничьем костюме с ружьем.

 

 

 

 

Портрет Л.Н. Толстого.

1887

 

Репин вошел в историю как крупнейший художник портретист. Он создал целую галерею портретов своих современников: Мусоргского, Рубинштейна, Сурикова, Дельвига, Менделеева, Третьякова, Глинки, Крамского, Толстого, Боткиной, Серова, Андреева, Морозова, Короленко, Бехтерева, Чистякова.
За каждым изображением стоит незаурядная личность. Грабарь справедливо замечает, что «такой потрясающей портретной галереи, какую оставил нам Репин, не было создано никем».

 

 

 

 

«Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года»

 

 

В 1901 году Илья Ефимович приступает к работе над грандиозным (4,62x8,53 метра) групповым портретом «Торжественное заседание Государственного совета». В работе над картиной Репину помогали его ученики Кустодиев и Куликов. Художник дал блестящее по силе обобщения изображение правящей верхушки России. Работа над этой картиной продолжалась несколько лет.

 

 

 

 

Портрет Наталии Борисовны
Нордман. 1900
Холст, масло. 147 x 72 см 
Музей Атенеум, Хельсинки

 

 

В 1899 году Репин сочетался вторым браком с Натальей Борисовной Нордман Северовой. Через год он переехал жить к ней на дачу «Пенаты» в местечке Куоккала на Карельском перешейке, в двух часах езды от Петербурга. До 1907 года Илья Ефимович иногда бывает в своей мастерской под Петербургом, а затем безвыездно живет в «Пенатах». В его дом каждую среду съезжались гости. Здесь читали свои произведения Андреев, Горький, Короленко, пел Шаляпин, приезжали Бехтерев и Павлов.
Наталья Борисовна была культурной женщиной, обладавшей властным характером. Она организовала такой порядок жизни, чтобы Репину можно было спокойно работать. Нордман умерла в 1914 году от туберкулеза.
После Октябрьской революции Куоккала оказывается за пределами нового советского государства. Репин так больше и не вернулся в Россию. Он умер в «Пенатах» 29 сентября 1930 года.

 

 

Автопортрет. 1920
Холст, масло

 

 

Имя Ильи Ефимовича Репина — одно из самых великих среди имен русских художников. Пожалуй, никто другой не раскрыл в художественных образах столь глубоко и полно современную ему жизнь России во всей ее сложности и противоречивости, и при этом был бы равен Репину по совершенству своей живописной техники, мастерству колориста и рисовальщика. По своему огромному, прямо таки, из ряда вон выходящему таланту, картины Ильи Репина достойны занять одно из самых заметных мест в истории не только русской, но и мировой живописи.

Источник: http://ilyarepin.ru/audiobiography