Картинная галерея позволяет погрузиться в чарующий и поражающий своим многообразием мир искусства, который создавался многие столетия самыми известными художниками.

Здесь можно открыть для себя новые грани художественного искусства и графики, ознакомиться с историей создания всемирно известных шедевров, а также узнать интересующие вас факты о жизни и творческом пути прославленных живописцев.

Музей в Лондоне на Трафальгар-сквер, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII - начала XX века. Входит в первую пятёрку самых посещаемых художественных музеев мира. Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке.

Галерея открыта 9 апреля 1839. В 1824 году правительство GB решило приобрести коллекцию банкира Джона Джулиуса Ангерштайна, из 38 картин, у его наследников, которая и послужила ядром будущей галереи.

2 апреля 1824 парламент GB постановил выделить на покупку этой коллекции 57 тысяч фунтов стерлингов вместе с 3 тысячами фунтов на нужды галереи на первых порах. Затем Джордж Хоулэнд Бомонт, британский меценат и живописец-любитель, сыгравший важную роль в создании Лондонской национальной галереи, пополнил коллекцию новыми картинами - число картин достигло 54.

В1831 году галерея пополнилась большим числом картин, завещанных коллекционером Холуэлл-Карром. Рост количества экспонатов вызвал необходимость в обеспечении соответствующего помещения. В 1831 году началась постройка здания по проекту архитектора Вильяма Вилкинса.

В 1836 году в Галерее, согласно её кталога было сто четырнадцать картин.

В 1838 году лорд Фарнборо завещал галерее свою коллекцию.

В 1869 году галерея получила пять новых залов.

В 1906 году фонд Лондонской национальной галереи пополнился полотном работы Диего Веласкеса – “Венера перед зеркалом”.

В 2013 году годовой поток посетителей галереи впервые превысил 6 миллионов человек. В этот период её возглавлял Николас Пенни.

В 2015 году на пост директора заступил Г. Финальди.

У Галереи четыре крыла, что очень удобно для посетителей: экспонаты, созданные с 1260 по 1510 г., выставлены в крыле Сейнсбери, с 1510 по 1600 г. - в Западном крыле, с 1600 по 1700 г. - в Северном крыле, с 1700 г. - в Восточном крыле.

"Венера с зеркалом" (1647-1651). Диего Веласкес.

До XIX века в искусстве Европы действовал своего рода пакт между эротоманией и целомудрием: обнажённые тела в живописи допускались, но художники прикрывались мифологией античной. Одним из самых популярных персонажей была богиня любви Афродита – её “раздевали” Тициан, Джотто, Джорджоне, Рубенс… Однако “Венера с зеркалом” Диего Веласкеса не похожа ни на одну из предшественниц. Богиня не предвкушает соитие, а именно на это так или иначе указывают “Венеры” большинства именитых художников.

К числу шедевров художника относится картина “Венера с зеркалом”: это первое изображение обнажённой фигуры в испанской живописи. Венера изображена со спины, вытянутый её силуэт – от кончика ноги до локтя – создаёт напряжённость и тревогу, которым в полной мере противопоставлено задумчивое, спокойное лицо. Голова с тяжёлой копной волос покоится на нежной шее. Идеал женской красоты Веласкеса неотделим от идеала народной красоты.

На полотне дона Диего – богиня не эротической любви, а совсем иной глубины отношений. Она лежит спокойно и расслаблено, не пытаясь принят соблазнительную позу. Женщина лежит спиной к зрителю, и он, зритель, не видит грудь, не видит её лоно, при том, что эти части тела старательно демонстрируют большинство “Венер”. Богиня смотрит на нас через зеркало. Этот же приём на тридцать пять лет раньше применил Рубенс Петер Пауль, но его Афродита выглядит вызывающе, если не оценивающе, а Афродита Веласкеса – мягко, тепло и ласково.

В образе богини любви часто изображали невесту: матримониальный контекст в сознании зрителя смягчал фривольные детали. Однако и здесь живописец не вписывается в традицию. Вся сцена, без особого лоска наброшенные на постель белоснежные простыни, и расслабленная поза женщины, и непривычно притихший Эрот – демонстрируют зрителю ту форму любви, что приходит после многих лет совместного супружества. Наша героиня рада видеть спутника жизни, но она не стыдится его, как невеста, и не пытается соблазнить мужчину, как любовница.

Веласкес, как всегда, превращает миф и аллегорию в конкретные образы: реальные натурщица и ребёнок, написанные, по всей вероятности в его мастерской. Кто они? По одной версии, это – римская возлюбленная художника, Фламинии Тривио, и - как знать? - изображение их будущего сына, который родился в 1651 году. Черты её лица размыты, чтобы никто не смог узнать. Также есть и другая версия, по которой Веласкес писал картину на заказ для маркиза Гаспара д’Эличе дель Карпио; художник изобразил портрет его фаворитки - танцовщицы Анны Дамины. Черты её лица размыты, чтобы никто не смог узнать. Это полотно уже в 1651 году значилось в инвентарном списке вышеозначенном маркиза, кузена герцога Оливареса.

1-Портрет. Веласкес изобразил картину в картине, и соединил два жанра: перед нами не только обнажённая натура, но и заключённый в рамку зеркала портрет, который художник поместил в композиционный центр, подчеркнув тем самым его значимость. Однако лицо женщины размыто, нечётко - возможно Веласкес хотел оставить инкогнито персону позирующей ему модели, чтобы не навлечь гнев общества на женщину. С другой стороны, размытое изображение оставляет зрителям больше места для фантазий интерпретаций. Изображение Афродиты со спины и её размытое отражение в зеркале позволяют зрителю домыслить свои собственные стандарты красоты.

4-Акцент. Складка на чёрном сатине, на котором лежит Афродита, повторяет и усиливает изгиб женского туловища.

2-Эрот. В то время, как в итальянской живописи XVI-XVII веков можно увидеть младенца Иисуса с широко и резво раздвинутыми обнажёнными ножками, у дона Диего даже языческий Эрот стоит, изящно прикрыв причинное место согнутой коленкой.

5-Лента в руках сына Афродиты имеет две функции. Бытовую, на ней висело зеркало, пока Эрот не снял его со стены, чтобы принести его Афродите и символическую, во время свадебной церемонии лента, обхватывающая руки брачующихся, обозначал узы брака, которыми они от ныне связаны.

3-Нагота. Испанская  вплоть до конца XIXвека запрещала изображёние обнажённого туловища в живописи. Скорее всего, чтобы избежать наказания, Веласкес писал свою “Венеру” в Италии. Несмотря на целомудренность, полотно спустя полтора века попала в коллекцию эротомана фаворита королевы Марии-Луизы, графа-герцога Мануэля Годоя вместе куда более откровенной и вызывающей “Махой обнажённой” Франсиско Гойей.

6-Противопоставление. Складки на тканях, насыщенного цвета и тяжёловесность материи подчёркивают лёгкость Афродиты, безупречную эластичность и белизну её кожи. С этой же целью всё, кроме туловища богини, написано грубыми почти эскизными мазками.

Сначала картина попала в коллекцию приближённого короля Филиппа Четвёртого, маркиза дель Карпио, кузену герцога Оливареса, а потом “Венера с зеркалом” попала в коллекцию его потомка, выходца из семьи Альба, самой именитой аристократической семьи Испании. Неудачу работа Веласкеса начала приносить, когда она покинула дворец герцогов Альба. Новый обладатель, картины фаворит королевы Марии-Луизы, коллекционер живописи Мануэль Годой (в 1813 купил, после смерти герцогини Альба (в 1803 году), у её наследников), разорился во времена вторжения армии Наполеона в Испанию, и ему пришлось продать своё имущество. Последующие владельцы после приобретения “Венеры” тоже разорялись - например, корабли с их товаром тонули. Однако, скорее всего это просто совпадения, которые обросли аурой мифичности, что нормально для работ такого масштаба, как эта работа Веласкеса. Неудачи владельцев картины - это всего лишь стечение обстоятельств. Например, то, что коллекционер Годой был разорён, было естественным явлением для многих испанцев во время войны с Наполеоном.

В итоге в начале XX века, в 1906 году, картина была приобретена Фондом национальных коллекций для Национальной галереи Лондона, где она до сих пор и находится. Настоящая беда Венеру Веласкеса настигла в 1914 году: суфражистка Мэри Ричардсон вошла в музей с ножом и изрезала полотно.Её возмущало, как приличные джентльмены часами смотрят на это бесстыдство. Свой акт вандализма она объяснила протестом против ареста её боевой подруги Эммелин Панкхерст.

Веласкес Диего Родригес де Силва. (1599-1660). “Веласкес – это художник из художников” – Эдуард Мане.

Жил художник в середине XVII векав оху бурного расцвета национальной культуры Испании. Его современниками были писатели Сервантес, Лопе де Вега, Кальдерон. Он известен прежде всего как художник-портретист. В то время были установлены каноны парадного портрета: фигура идеализировалась на фоне архитектурных деталей или драпировок. Сеньор Диего нарушил эти каноны.

Для ранних работ Веласкеса (“Завтрак”, “Старая кухарка”, “Поклонение волхвов”, etc) уже характерно внимание к изображению людей из народа, даже в евангельских сюжетах героями он делает простых людей, с любовью передаёт он предметы быта (глиняные кувшины, корзины и пр.). С его многочисленных портретов смотрят на нас представители разных социальных слоёв Испании XVIIвека: принцы и принцессы, полководцы, шуты, карлики, кардиналы, пряхи, поэты. Веласкес был придворным живописцем испанского короля Филиппа IV. Положение придворного живописца ограничивали свободу творчества, 

Веласкес Диего Родригес де Силва. (1599-1660).

Мадрид был подлинной сокровищницей искусства. Придворному живописцу Веласкесу стали доступны богатейшие собрания королевской галереи, которые он тщательно изучал.

Две поездки в Италию, которых он с трудом добился, помогли в совершенствовании мастерства. Веласкес отличался независимым нравом, он никогда не льстил своим высокопоставленным заказчикам, в портрете всё внимание сосредоточивал, не на окружающей роскоши или одежд, а на внутреннем мире портретируемого. Изящны и грациозны его инфанты, прелестен инфант Бальтазар, красивый ребёнок на тяжёлом коне; сложен, даже загадочен, один из шедевров мирового портрета – портрет короля Филиппа IV с семьёй, так называемые “Менины”.

К числу шедевров художника относится картина “Венера с зеркалом”: это первое изображение обнажённой фигуры в испанской живописи. Венера изображена со спины, вытянутый её силуэт – от кончика ноги до локтя – создаёт напряжённость и тревогу, которым в полной мере противопоставлено задумчивое, спокойное лицо. Голова с тяжёлой копной волос покоится на нежной шее. Идеал женской красоты Веласкеса неотделим от идеала народной красоты.

Своеобразное место в творчестве Веласкеса занимает серия портретов карликов, шутов. Сквозь телесное уродство этих людей художник прослеживает глубокие человеческие переживания. В создании придворных портретов Веласкес основывался на традиции своих предшественников.

У Веласкеса осталось мало подготовительных работ. Очевидно, он создавал свои живописные полотна без предварительных эскизов сразу, непосредственно перенося свои впечатления на холст. В более поздних работах краски текучие, почти прозрачные (сквозь краску виден холст). Творчество это живописца – огромного художника-реалиста – сыграло большую роль в мировой живописи.

1599 – родился в Севилье в семье нотариуса.

1612 - поступил на обучение в мастерскую к художнику Франческо Пачеко.

1617 – женился на дочери Пачеко, Хуанне Миранде (1601-1660) . А уже к 1621 году она подарила Веласкесу двух дочерей.

1623 – назначен личным художником его величества, короля Филиппа Четвёртого. Таким образом, Веласкес был единственным, кто имел право писать портреты короля и его семьи.

1628- в Испанию приехал Рубенс с дипломатическим поручением. Веласкес сопровождал Рубенса при осмотре Эскориала, беседовали они и об искусстве.

1629 – по совету Рубенса король Филипп отправил в командировку своего придворного художника по Италии. На поездку деньги ему дал всё тот же король Филипп Четвёртый. В Италии Веласкеса под своё покровительство взял кардинал Барберини, меценат, обладатель великолепной коллекции.

1649 – вторая поездка в Италию. Официальная версия цели поездки – приобретение картин и антиков для королевской коллекции, сделать копии со знаменитых произведений искусства и найти художников для работы над фресками в Алкасаре. А на самом же деле сеньор Диего должен содействовать упрочению дипломатических отношений: в Риме его благосклонно принимают при папском дворе. Понтифик открывает перед художником двери Ватиканских музеев, и заказывает ему свой портрет.

1650 – написал портрет римского папы Иннокентия Десятого.

Король Филипп IV требует возвращения Веласкеса в Мадрид – для работы в Алкасаре. Сеньор Диего медлит: в Италии его держит любовь к художнице Фламинии Тривио, которая ждёт от него ребёнка.

1656- написал портрет семьи короля Филиппа Четвёртого, известный как “Менины”.

1658- посвящён в рыцари ордена св. Иакова (Сантьяго) – наивысшее достижение Диего Веласкеса как придворного.

1660- умер от лихорадки. Могила живописца не сохранилась. Супруга дона Диего, Хуана да Миранда Пачеко скончалась через неделю после ухода из жизни художника в той же супружеской постели, что и он.

Зять Веласкеса Хуан дель Масо был учеником Веласкеса.