"Элегантность - это не то, что бросается в глаза, скорее, элегантность - это способность не забываться".

1.

Хочу познакомить Вас с удивительно нежными созданиями - фарфоровыми куклами итальянской кукольных дел мастерицы Марии Росси. Она создает своих кукол с 1980 года. У кукол фиксированная поза, но благодаря съемным ручкам и ножкам их можно переодевать в различные наряды, которые почти все сшиты из тончайшего шелка.

Меня поразили просто эти куклы. Посмотрите и Вы, может понравится!

 

 

 

                                                                       

Женщина лето старела красиво!
Кто-то заметив в косе ее проседь,

Имя придумал другое ей - Осень!

1.

1.

1.

Как много девушек красивых!

1.

1.

1.

Жизнь- черно-белое кино:
День изо дня одно и то же.
Для оператора давно
Все кадры кинопленки схожи.

Мы фильм снимаем о себе
И сами роли выбираем.
Жаль, забываем в суете,
Что существуем - не играем.

Вернувшись вечером домой,
Вновь крутим кинопленку-память.
Сценарий должен быть иной,
Но ничего нельзя исправить.

Все. День, как серия, отснят
Для нашей личной мелодрамы.
Готовим аудиоряд
Для новой завтрашней программы,
Сценарий пишем, торопясь,
Распределяем роли, тексты...

Прекрасная леди,трёхцветная кошка, возьмите себе это счастье в ладошки!Мурчащая леди,любовь и отрада,и это нам всем в этой жизни так надо!

1.

1.

Весь мир восторгается работами старых мастеров-умельцев, творивших уникальные вещи из натурального камня. А вот о современниках, создающих не менее прекрасные произведения искусства, знают единицы. В этой публикации невероятные каменные цветы, застывшие во времени, от нежнетагильского мастера-камнеза Виктора Васильева, который вдохновившись когда-то работами великого Фаберже создал свой райский сад из уральских самоцветов и драгоценных металлов.

К сожалению, талантливого уральского мастера уже нет с нами. Прошлой весной жизнь Виктора Васильева внезапно оборвалась на 66-м году жизни. Грустно становится от мысли, что хотя и сделано было мастером немало, а ведь еще сколько мог бы он создать... Но, увы, каждому отмерен свой отрезок пути, через финишную прямую которого, как не старайся, не перешагнешь.Виктор Михайлович Васильев - нижнетагильский художник-камнерез в своей художественной мастерской.

Виктор Михайлович Васильев(1954-2020) — нижнетагильский художник-камнерез, мастер камнерезного искусства, работал в основном в жанре флористики. Он, словно кудесник, много лет творил удивительной красоты произведения из камня: от каминов и шкатулок - до сюжетных статуэток и фигурных композиций каменных букетов.

«Одуванчики» Горный хрусталь, нефрит, авантюрин, яшма, металл. 2004 г. Автор: Виктор Васильев.

На сегодняшний день изумительные букеты Виктора Михайловича хранятся во многих частных коллекциях ценителей камнерезного искусства. Выставки цветов еще при его жизни с большим успехом проходили не только в России, но и в Европе. В свое время от имени города Нижний Тагил произведения мастера были преподнесены в дар президентам Российской Федерации Борису Ельцину, позже Владимиру Путину, а также патриарху Всея Руси Алексию II, президенту ЮНЕСКО Федерико Майору.

КАНАДСКАЯ ХУДОЖНИЦА LAUREN BREVNER

Лорен Бревнер (Lauren Brevner), художница, взбудоражившая устоявшийся микрокосм художественных салонов и грозящая миру моды очередной мини-революцией, с детства обожала рисовать. Родители не смогли дать ей художественного образования, часто в семье не было денег даже на то, чтоб купить наборы для юных художников, поэтому девушка рисовала на любых поверхностях.

Это помогло ей освоить различные техники и текстуры. Дерево, ткань, стекло, пластик - Лорен рисовала на всем, "что под руку попадется". Памятуя о своих японских корнях, девушка в 2009 году переехала из Ванкувера в Осаку, где произошла ее судьбоносная встреча со знаменитым художником - самоучкой Sin Nakayamal.

 

Беата Белански-Демко (Beata Belanszky Demko) — венгерский художник. Родилась в городе Сату-Мара, Румыния, в 1976 году. Её отец был художником, но он никогда не учил свою дочь, вдохновение пришло ко ней только после того, как он скончался.

«Я являюсь членом сообщества Трансильванских художников и участвую в международных форумах художников и различных групповых выставках. У меня была возможность учиться у живописцев Европы: в широко известном лагере «Надбанья» (ныне Бая-Маре, Румыния), творческом лагере художников в самом сердце Трансильвании. Что движет мной, так это ощущение внутренней тишины и мира – такое, которое я не чувствовала раньше беря в руки кисть.

Начиная картину, я никогда не знаю, какой она станет, у меня нет точной идеи в голове, иногда я даже не знаю цвета, которые собираюсь использовать, я просто позволю этому случиться… пусть картины рисуют себя сами через меня. Заблудиться в процессе создания — это самое прекрасное чувство, которое мне приходилось испытывать. Самое удивительное, что это происходило уже много раз и каждый раз был для меня как первый. Я не говорю, что каждый раз я вхожу в медитативное состояние. Я также не говорю, что чудо случается каждый раз. Но это бывает достаточно часто, чтобы брать кисти снова и снова и надеяться потерять себя в своем внутреннем мире».

ОЩУЩЕНИЕ ВНУТРЕННЕЙ ТИШИНЫ И МИРА. BEATA BELANSZKY DEMKO 

Jan Toorop Ян Тороп 1858 1928

Ян Тороп
Нидерландский художник
Крупнейший представитель символизма в нидерландской живописи.
Родился 20 декабря 1858 г., Пурвореджо, Ява
Умер 3 марта 1928 г. (69 лет), Гаага, Нидерланды

 

Работы Гармонии Розалес буквально «взорвали» соцсети своей неординарностью, дерзостью и откровенной провокацией. Её творчество за считанные минуты перевернуло мир с ног на голову, вызвав шкал эмоций, возмущений и критики. Ведь не каждый день можно увидеть картины, которые бросают вызов не только определённой группе людей. а и всему человечеству: темнокожая Дева Мария, Ева, царица Савская, а также образ Бога в облике темнокожей женщины – лишь малая часть того, что наделало много шума…

Гармония выросла в среде, созревшей для художественного самовыражения, с матерью, которая работала в области изобразительного искусства, и отцом, который обожал музыку. Это позволило ей учиться и сформировать себя в художника, которым она стала. Гармония стремится создавать произведения, которые принесут больше любви к себе. Она вышла на художественную сцену, стремясь донести культурную и социальную осведомленность до одной из самых недопредставленных фигур в истории -темнокожей женщины.

Распятие, Гармония Розалес, 2020 год. \ Фото: twitter.com.

Гармония стремилась преодолеть культурный барьер, используя белое западное искусство эпохи Возрождения в качестве основы для своих работ. Искусство эпохи Возрождения известно во всём мире как движение и время таких виртуозных художников, как Донателло, Тициан и Боттичелли, которые стремились создать искусство, которое было бы увековечено и считалось вершиной их соответствующих медиумов. Вдохновляясь творчеством столь велики живописцев, она сформировала свою работу так, чтобы зрителю было за что зацепиться глазом, а после остановиться и внимательно посмотреть на изображение, где главными фигурами выступают девушки, такие похожие на героинь эпохи Возрождения.

 

Украшения от Гайара.

Работы Люсьена Гайара знакомы каждому – пусть даже его имя остается неизвестным. Его изящные заколки, гребни и броши стали абсолютным воплощением «криволинейного» направления в модерне. Он прославлял недолговечную, текучую, изменчивую красоту – такой же быстротечной оказалась и его слава…

Заколка с растительными мотивами.

Во второй половине XIX века европейцы открыли для себя японское искусство – и это радикально изменило вектор развития искусства и дизайна. Изучение культуры этой загадочной страны открыло перед художниками новые горизонты, подарило новые источники вдохновения. Одушевленность и простота японской культуры, ее близость к природе, ее эстетическая многомерность легли в основу различных направлений модерна. Ювелиры открыли для себя асимметрию, обрели способность смотреть по сторонам и находить вдохновение буквально под ногами, перестали гнаться за образами вечной молодости и обратились к теме изменений, смены времен года и неизбежности увядания. Презрительно называемое «японизмом», увлечение европейских художников японским искусством быстро приобрело невероятные масштабы. Не избежал этой страсти и Люсьен Гайар, которому удалось вывести синтез культур на новый уровень.

Гайар с юности увлекался японской культурой.

Гайар был ювелиром в третьем поколении, и его семья всегда увлекалась японским искусством – правда, тогда они еще слыли чудаками. Впрочем, их заслуги, мастерство и изобретательность всегда перевешивали странности.

Мотивы семян растений появились в Европе благодаря открытию японского искусства.

Люсьен родился и вырос в Париже, который уже тогда был столицей моды. И хоть причудливый ар нуво не был изобретением французов, местные мастера подхватили и развили его экзотические мотивы – и настоящим гением французского модерна стал Гайар. Начинал карьеру он на предприятии своего деда, которое унаследовал в 1892 году – и это был первый шаг к тому, чтобы перестать быть потомком знаменитых ювелиров и стать самим собой.

Подвески Гайара.

Первым и главным учителем Гайара был его отец, серебряных дел мастер, обладавший многочисленными наградами и медалями. Однако и в статусе хозяина предприятия Люсьен ни на секунду не переставал учиться, посещал многочисленные ювелирные курсы, общался с выдающимися парижскими мастерами. Но еще с юных лет Гайар был зачарован тайнами японских сплавов, патины и лаков. Он считал, что именно японцы достигли фантастического уровня обработки металлов, их колорирования – и нет, он не стремился их превзойти. Он хотел их понять.

Украшения от Люсьена Гайара.

У Гайара была душа художника, но разум ученого. Он с головой погрузился в исследования металлов и сплавов и впоследствии опубликовал несколько научных работ о технике патинирования. В то же самое время он руководил мастерской, выпускавшей светильники, вазы и прочие предметы интерьера в стиле Людовика XV и Людовика XVI. Это было не то, чего он хотел – но подобные вещи пользовались спросом, а значит, приносили ему доход и известность. На молодого ювелира сыпались премии и почетные должности, его экспериментальными изысканиями интересовались ювелиры по всей Европе. И в 1897 году Гайар решил, что пора совершить переворот…

Подвеска и шпилька с растительными мотивами.

Он переехал в новое четырехэтажное здание на Рю Боэти, закупил самую новую и самую передовую по тем временам технику. Он пригласил на работу японских мастеров, готовых раскрыть ему секреты старинных сплавов, свел знакомство с азиатскими граверами, лакировщками, ювелирами... Он подружился с Рене Лаликом – уже состоявшимся ювелиром, умевшим не только находить вдохновение, но и вдохновлять своих коллег. И наконец, представил свои новаторские работы на Всемирной выставке 1900 года в Париже.

Новаторские формы Гайара.

Публика была поражена. То, что начал выпускать Гайар, так разительно отличалось от работ других ювелиров, что взгляд непроизвольно останавливался на его витрине. Патинированное серебро, странно мерцавшее и переливавшееся, украшения, выполненные с высочайшим художественным вкусом, гребни, заколки, крошечные вазы с природными мотивами. Гайару потребовались годы, чтобы найти особые составы для патинирования кости и рога, но долгие поиски того стоили, и благородная слоновая кость в его руках приобретала зеленые, фиолетовые, розовые оттенки. Эти украшения не были особо прочными и требовали бережного обращения – но завоевывали сердце каждого, кто удостаивался чести на них взглянуть.

Гайар применял необычные способы обработки материала.

В работах Гайара японское влияние было весьма отчетливым. Он изображал насекомых, полевые цветы, семена растений – все то, что ранее считалось неприемлемым для роскошных украшений. К тому же, он одним из первых – наряду со своим другом Рене Лаликом – начал использовать в украшениях женские образы, часто соединенные с образами змей и насекомых. Правда, в отличие от Лалика, не снискал этим скандальной славы…

Гребень для волос.

Шпильки в японском стиле.

Однозначно и то, что Гайар позаимствовал у японцев прославившие его конструкции украшений для волос . Богато украшенные костяные гребни всегда были пропитаны особым символизмом в японской культуре, и Гайар органично соединил азиатскую функциональность с парижским шиком. В том, что делал Гайар, всегда сохранялось особое уважение к женщинам. Потому его гребни и шпильки удобны, легки, приятны на ощупь. А еще они проникнуты светом и воздухом, кажутся живыми, дрожащими, мерцающими…
О личной жизни Гайара практически ничего не известно. По-видимому, у него не осталось наследников. Брат Гайара был известным дизайнером мебели.

Сочетание драгоценного камня и перламутра.

В первой декаде XX века Гайар увлекся стеклодувным делом и даже сотрудничал с Лаликом, однако их совместная работа не была особенно плодотворной. После 1910-х годов он становился все менее активным и заинтересованным как ученый и художник, однако фирма Гайара продолжала функционировать до 1921 года. Примерно в это время он полностью прекратил заниматься ювелирным делом и исчез со сцены. В 1942 году стало известно, что мастера больше нет. Однако его украшения, часто не атрибутированные, не названные, пережили своего создателя, осели в частных коллекциях, затаились в музеях и остались памятью о «прекрасной эпохе», когда художники видели своей целью лишь создавать красоту.

Текст: Софья Егорова.

Источник: 

Невероятные вещи из стекла от Дейла Патрика Чихули

Дейл Патрик Чихули (англ. Dale Patrick Chihuly) — американский художник-стекловар, знаменитый своими сложными с технической точки зрения инсталляциями из стекла в стиле энвайронмент.

Посмотрите на это чудо. Это нечто невероятное!

 

Как только журналисты не называют Дейла Чихули – стеклодувом, художником, скульптором по стеклу.

Его работам дать точное определение тоже затруднительно, однако спорить с тем, что они просто завораживают, невозможно.