В 1979 году выдающийся скрипач-виртуоз Владимир Спиваков обратился к музыкантам первого состава «Виртуозов Москвы» со словами: «Мы собрались, чтобы любить людей и любить друг друга». Принципы существования легендарного товарищества музыкантов остаются незыблемыми и сегодня. И всегда на первом месте по значимости были и остаются не только профессиональность и мастерство, но и человеческие качества людей, высокая этика отношений.
Сегодня у музыкантов нет неосвоенных территорий культурного пространства.

С триумфом проходят концерты оркестра в европейских странах, в США, Канаде, Мексике, государствах Южной Америки, в Турции, Израиле, Китае, Корее, Японии и других. Музыканты выступают не только в лучших и самых престижных залах, но и в обычных концертных залах небольших провинциальных городов.

В разные годы с оркестром выступали выдающиеся музыканты, звезды мирового исполнительского искусства: Елена Образцова, Мстислав Ростропович, Владимир Крайнев, Иегуди Менухин, Хибла Герзмава, Мишель Легран, Гиора Фейдман,Миша Майский, Юрий Башмет, Михаил Плетнёв, Евгений Кисин, Денис Мацуев, и другие.
География гастрольных поездок «Виртуозов Москвы» чрезвычайно широка: она включает в себя все регионы России, а также постсоветское пространство. Совсем недавно оркестр завершил выступления по дальним регионам страны от Магадана и Сибири до Кавказа и Калининграда. Для артистов нет маленьких городов и маленьких концертов. Поездки по России бесценны.

Испанская тема не раз привлекала внимание европейских композиторов. Они разрабатывали ее в произведениях разных жанров и в некоторых случаях им удалось не только сохранить своеобразие национальной характерности, но даже предвосхитить искания испанских композиторов, помочь им найти новые пути. Иными словами — в других странах писали не только об Испании, но и для Испании. Так создавалась европейская музыкальная испанистика. К испанским фольклорным жанрам обращались композиторы разных стран. В XVII столетии Корелли написал скрипичные вариации «La folia» на испанскую тему, которая впоследствии обрабатывалась многими композиторами, в том числе Листом и Рахманиновым. «La foliа» Корелли явилась не только выдающимся произведением, сохранившим популярность и поныне, но и одним из краеугольных камней европейской музыкальной испанистики. На этой основе были созданы лучшие страницы европейской музыкальной испанистики. Они были написаны Глинкой и Листом, Бизе, Дебюсси и Равелем, Римским-Корсаковым и Шабрие, Шуманом и Вольфом. Перечисление этих имен говорит само за себя, напоминая о произведениях, известных каждому любителю музыки и вводящих в мир образов Испании, по большей части — романтических, полных красоты и поэзии, увлекающих яркостью темперамента.

«Паяцы» — опера в двух частях с прологом итальянского композитора Руджеро Леонкавалло, написанная на собственное либретто. Премьера оперы состоялась в Милане 21 мая 1892 года.
Работа композитора над оперой была, как предполагается, вдохновлена успехом оперы Пьетро Масканьи «Сельская честь», к которой «Паяцы» близки и по тематике, и по музыкальному решению. Сюжет «Паяцев», по утверждению композитора, восходит к его собственным детским воспоминаниям: его отец, работавший судьёй, будто бы разбирал подобное судебное дело. Специалисты, однако, полагают, что сюжетная основа оперы заимствована из пьесы Катюля Мендеса, которую Леонкавалло мог видеть в 1887 году, когда жил в Париже. Первоначальное название оперы — «Паяц.» Единственное число было заменено на множественное непосредственно перед премьерой после того как исполнитель партии Тонио Виктор Морель заявил, что он не будет петь в опере, название которой не включает его персонажа.

(РУССКИЕ СУБТИТРЫ)
Год записи: 1982
Композитор: Руджеро Леонкавалло
Либретто: Руджеро Леонкавалло
Режиссёр: Франко Дзефирелли
Дирижёр: Джорджс Претре 
В ролях:
Недда - Тереза Стратас 
Канио - Пласидо Доминго 
Тонио - Хуан Понс

Государственный камерный оркестр «Виртуозы Москвы» — советский и российский оркестр. Создан в 1979 году. Основателем, главным дирижером, солистом и бессменным художественным руководителем оркестра является Владимир Спиваков. Практически с начала основания, начав выступления на международных фестивалях, оркестр получил мировое признание. В 1982 году оркестр получил официальное название «Государственный камерный оркестр Министерства культуры СССР „Виртуозы Москвы“». Начиная с 1989 года «Виртуозы Москвы» ежегодно принимают участие в Международном музыкальном фестивале в Кольмаре (Франция), артистическим директором которого является руководитель оркестра Владимир Спиваков. В 1990 г. по приглашению принца Астурийского оркестр уезжает в Испанию, продолжая при этом гастроли по России и всему миру. А в 1999 году коллектив окончательно возвращается на родину. С 2003 года репетиционной базой оркестра является Московский международный Дом музыки, одним из основателей которого является Владимир Спиваков.

Как всякий могучий талант. Верди отражает в себе национальность и свою эпоху. Он — цветок своей почвы. Он — голос современной Италии... Италии, взволнованной политическими бурями, Италии, смелой и пылкой до неистовства.
А. Серов

Верди — классик итальянской музыкальной культуры, один из самых значительных композиторов XIX в. Его музыке присуща неугасающая с течением времени искра высокого гражданского пафоса, безошибочная точность в воплощении сложнейших процессов, происходящих в глубинах человеческой души, благородство, красота и неисчерпаемый мелодизм. Перу композитора принадлежат 26 опер, духовные и инструментальные произведения, романсы. Самую значительную часть творческого наследия Верди составляют оперы, многие из которых («Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло») звучат со сцен оперных театров всего мира уже более ста лет. Произведения других жанров, за исключением вдохновенного Реквиема, практически не известны, рукописи большинства из них утеряны.

Увертюра - инструментальная оркестровая пьеса, служащая вступлением к музыкальным (и не только) произведениям. Увертюра может открывать оперу, балет, хоровые выступления, кинофильм, драматическую театральную постановку, инструментальные композиции и др. 

Увертюра к опере "Сила судьбы."

Adagio - итальянское слово, которое переводится как "медленно, спокойно". 
Его переводили с итальянского как "покойно", "вольготно" и даже "удобно". Использовали для указания характера музыки. Словарь Броссара дает следующее толкование слову: "удобно, покойно, всегда медленно, растягивая тему, протяжно".  Энергия сосредоточена в таком ровном и напряженном состоянии, а после переходит в страсть или в активную форму. В определенные времена слово означало "умеренный темп". В конце XVII века такое определение ему дали Перселл, Вольф, Броссар, Коррет. 

В музыке это слово обозначает темп, в котором необходимо исполнять часть симфонии, сонаты, квартета или любого другого произведения. Часто словом Адажио обозначают одну из частей крупного произведения для симфонического оркестра или какого-нибудь инструмента. Оно указывает на достаточно медленный темп, который медленнее анданте, но живее ларго. Если композитор использует в своем сочинении часть "адажио", это является признаком таланта. В нем можно показать весь творческий потенциал. Образцами можно назвать Бетховена и Альбинони, адажио которые знает весь мир. Адажио – это способ сделать контраст между частями с быстрым и бурным темпом. Эту тему можно проследить в разных произведениях других композиторов. Именно эта часть стала самой волнующей и привлекающей внимание миллионов. 

Творческое наследие Телемана, охватившее все известные в его эпоху жанры и формы, с трудом поддается учету. Полагают, что он написал за свою жизнь больше, чем Бах и Гендель вместе. Но значительная часть созданного им утеряна; время и превратности судьбы (В том числе пожары и разрушения, вызванные воздушными налетами во время второй мировой войны) пощадили едва ли половину того, что вышло из-под пера трудолюбивого мастера. Естественно, что при такой продуктивности, связанной с выполнением бесчисленных обязательств, служебных и внеслужебных, трудно было удержаться на неизменно высоком художественном уровне.

 В конце 1938 года на экраны вышла музыкальная кинолента Жюльена Дювивье «Большой вальс» — романтизированная биография Иоганна Штрауса, в которой роль певицы Карли Доннер блестяще сыграла красавица Милица Корьюс. 
«Большой вальс» был одним из немногих западных картин, которую допустили тогда на широкий прокат в бывшем СССР. Просмотрев ее, Сталин дал команду художникам создать подобную для советских кинозрителей. За это брались, но никакие ленты, к которым писал хорошую музыку Исаак Дунаевский, не могли сравниться с «Большим вальсом». Он часто выходил на экраны и после войны, а также в 60-х годах прошлого века.
Милица Корьюс стала кумиром многих людей, символом красоты. Увидев ее на экране, услышав ее несравненный очаровательный голос, люди внутренне просветлялись и на некоторое время забывали о своей нелегкой жизни. Впервые на экраны «Большой вальс» вышел в ужасные годы сталинских репрессий.
О жизни и творчестве нашей современницы Милицы Корьюс до недавнего времени имелись скупые сведения в основном из энциклопедических изданий. Ее становление как певицы проходило в Украине, а свое вокальное мастерство она впоследствии совершенствовала в Эстонии, а потом в Германии.
 Отец Милицы - Уэллс Артур Корьюс, швед по происхождению, был коренным таллиннцем, отличался большой работоспособностью и настойчивостью в достижении поставленной цели. Он владел несколькими языками, любил музыку и мастерски играл на скрипке. Эти черты отца унаследовала и его самая любимая дочь Милица. Она считала его своим первым учителем музыки. Отец рано обратил внимание на удивительные вокальные способности Милицы, потому что у той был абсолютный слух, блестящая музыкальная память.
По некоторым сведениям, Милица принимала в 1927 году участие в отборочном конкурсе и была принята в «Думку» Городовенко. Бесспорно, что ее редкий голос среди сопрановых партий украшал капеллу. С ней Милица провела поездки по городам и селам Украины. 
Милица прожила в Киеве более 10 лет и, конечно, не могла не полюбить этот красивый, утопающий в зелени древний город.
Переписка с отцом усиливала ее ностальгические настроения. В конце 1928 года Милица решается ехать в Эстонию, где раньше не была. Сообщила о своем решении Н. Городовенко. Как пишет в своих воспоминаниях Ф. Федоренко, тот дал ей денег и благословил в дальний путь, не надеясь, что они когда-то увидятся... Останься Милица и далее в «Думке», неизвестно как бы сложилась ее дальнейшая судьба. В 1937—1938 годах в капелле произошла большая «чистка» и не исключено, что энкаведисты легко узнав о «буржуазном» происхождении Милицы, в лучшем случае, отправили бы ее в лагерь. Одобрив намерения Милицы вернуться на родину, Н. Городовенко, по существу, спас ее от репрессий.
...В тихом Таллинне жизнь шла спокойно и размерено. На родине отца Милица несколько пришла в себя после пережитого ею в Украине, где она увидела в свои юные годы немало горя, принесенного разрушительной революцией и гражданской войной. 

В музыке «Спартака», одного из лучших произведений Хачатуряна, воплотились наиболее яркие особенности его творчества: броские, запоминающиеся образы, пышные и блестящие массовые сцены, своеобразная мелодика, в которой европейские черты органично сочетаются с восточными интонациями. Музыкальная драматургия балета основана на резких контрастах, но при этом отличается внутренней цельностью и направлена на раскрытие основной идеи.

Сцена, Адажио Фригии и Спартака — одна из вдохновеннейших страниц в творчестве Хачатуряна, гимн верности, дружбы и любви. Музыка Адажио воплощает этически высокий строй мыслей и душевных переживаний Спартака и Фригии: их взаимную любовь, тоску по родине, волю к борьбе, мечту о свободе. Возвышенная лирика сочетается здесь с гражданским пафосом.  Сдержанная, как бы затаенная мелодия  вначале, она становится во втором проведении взволнованнее, напряженнее, воплощая восторженное излияние чувств. Все более расширяется мелодический диапазон темы, экспрессивнее становится сопровождение, нежно опевают мелодию ласковые подголоски гобоев и кларнетов, В третьем проведении тема любви сливается с интонациями мотива Спартака, звучащими мягко и ласково. Сама же тема любви на мгновение несколько омрачается, в ней появляются печальные интонации. Слышатся отголоски сигналов, призывных интонаций и наконец, после большого crescendo, наступает последнее кульминационное проведение темы любви —ее апофеоз,

Адажио из Балета "Спартак."

Адажио в исполнении Е.Максимовой и В.Васильева.

«Великие люди – это метеоры, сами себя сжигающие, дабы осветить мир»  

Наполеон Бонапарт

 …Сороковые годы прошлого теперь уже века. Весна, посевная. На полевом стане в одном из колхозов области короткая передышка – агитбригада приехала с концертом. Молодой парнишка с баяном поет колхозникам про розу, которая "цвела, чудесной прелести была полна". Мощный, хотя еще не устоявшийся его голос привел зрителей в полный восторг, и когда парня на импровизированной сцене сменил другой самодеятельный артист, народ забеспокоился: "А где же тот конопатенький мальчик?"... "Конопатенький мальчик" вырос через несколько лет в великого певца, народного артиста СССР, лауреата Государственной премии СССР, виртуозного исполнителя классических оперных арий, романсов и эстрадных песен. Сведения из его биографии занесены в Большую советскую энциклопедию. Юрий Гуляев родился 9 августа 1930 года в Тюмени. Это все о нем, о Юрие Гуляеве, о простом парнишке из Тюмени... так уж складывалось во все времена: дорога к славе и признанию дается проще столичным жителям, особенно тем, кто может рассчитывать на поддержку влиятельных людей. Тюмень же в те годы была для музыкального мира далекой провинцией… Откуда бы взяться и влиятельным покровителям: семья Гуляевых жила скромно. Но было в их доме нечто большее – атмосфера любви, безусловного уважения друг к другу и… музыка. Были в семье патефон, коллекция пластинок, пели родители – мама Вера Федоровна и отец Александр Матвеевич. У дома на улице Шверника (ныне Немцова), где жили Гуляевы, частенько собирались соседи на своеобразные музыкальные вечера. Вспоминает Вера Ивановна Гурьева: "Мы с Юрой жили и росли на одной улице. Родители наши дружили, и мы, дети, тоже всегда были вместе. Когда отец купил Юрию гармошку, стали мы собираться у их дома. Юра садился на табуретку и начинал потихоньку петь: "Вот мчится тройка почтовая". Мы сначала слушали, потом, осмелев, начинали подпевать. Такое это было для нас счастье, ведь "свой" гармонист по тем временам — большая редкость…" Первое публичное выступление Гуляева: на школьном вечере рискнул исполнить арию Ленского, разученную с патефонной пластинки. Успех был безоговорочный – шквал аплодисментов. Классный руководитель Зинаида Александровна Наумова прочила Юрию великое будущее и настоятельно советовала серьезно учиться музыке. Он учился, успевая потрясающе много: обычная школа, "музыкалка", концерты художественной самодеятельности и работа аккомпаниатором… Потом были годы учебы в Уральской государственной консерватории им. М.П. Мусоргского. Из воспоминаний А. Проскурякова, члена Союза композиторов СССР, заслуженного работника культуры РСФСР: "Тяжелые послевоенные годы. Мало кто вернулся в консерваторию после военного лихолетья. Особенный дефицит абитуриентов был на вокальном факультете с мужскими голосами. Решили сделать прослушивание и прием в консерваторию на вечернее отделение. Я присутствовал на первом прослушивании. Обратил внимание на двух высоких парней, фланирующих по коридору. Один был Борис Штоколов, второй – Юрий Гуляев. Обоих зачислили в консерваторию".

Тема природы издавна привлекала музыкантов. Природа дарила музыке звуки и тембры, которые слышались в пении птиц, в журчании ручьёв, в шуме грозы.
Звукоизобразительность как подражание звукам природы можно найти уже в музыке XV века.

Изображение природы в искусстве никогда не было простым её копированием. Как бы ни прекрасны были леса и луга, как бы ни манила художников стихия моря, как бы ни очаровывала душу лунная ночь - все эти образы, будучи запечатлёнными на холсте, в стихах или звуках, вызывали сложные чувства, переживания, настроения. Природа в искусстве одухотворена, она печальна или радостна, задумчива или величава; она такова, какой видит её человек.

Постепенно помимо подражания звукам природы музыка научилась вызывать зрительные впечатления. В ней природа не только зазвучала, но и заиграла красками, цветами, бликами - стала зримой.

Есть даже такое выражение - «музыкальная живопись». Это выражение композитора и критика А. Серова не просто метафора; оно отражает возросшую выразительность музыки, открывшей для себя ещё одну образную сферу – пространственно-изобразительную. Природа-это источник вдохновения для художников, музыкантов, поэтов.

Источником вдохновения для Рахманинова служили разнообразные импульсы, исходящие от реальной жизни, красота природы, образы литературы и живописи. «...Я нахожу, — говорил он, — что музыкальные идеи рождаются во мне с большей легкостью под влиянием определенных внемузыкальных впечатлений».

Это — дьявольский человек, он часто предпринимает то, что невозможно, и более того — он это выполняет.

Г. Берлиоз.

Ге́нрик Венявский, в России Генрих Иосифович Венявский (1835, Люблин — 1880, Москва) — знаменитый польский скрипач и композитор.

Венявский родился 10 июля 1835 года в польском городе Люблине. Раннему музыкальному развитию будущего артиста способствовала атмосфера дома Венявских — здесь часто звучала музыка в исполнении выдающихся мастеров.
В творческой судьбе Венявского большую роль сыграла его мать — профессиональная пианистка.
«Вся тяжесть воспитания, — вспоминал впоследствии брат Генрика — Юлиан Венявский, — падала на нашу замечательную мать, которая посвятила нам всю жизнь... Она любила музыку, была сама необычайно музыкальна и сумела разбудить в нас чувство прекрасного. Ее влиянию следует приписать фанатическую привязанность Генрика и Юзефа к артистической профессии». Сочинения Венявского повлияли на многие сочинения скрипичного репертуара. Польский виртуоз создал особый «образ скрипки», привлекающий концертным блеском, изяществом, романтической приподнятостью чувств.

«Спящая красавица» — балет П. И. Чайковского на либретто И. Всеволожского и Мариуса Петипа по сюжету одноимённой сказки Шарля Перро; состоит из трёх действий, пролога и апофеоза. Написан в 1889 году, представлен публике в 1890 году.

Пролог.

В замке короля Флорестана большое празднество — у короля и королевы родилась дочь принцесса Аврора. На крестины принцессы съезжается весь бомонд прекрасных фей. Каждая из них приготовила юной принцессе свой подарок. Но вдруг веселье обрывается. Оказалось, что на праздник забыли пригласить злую фею Карабос, и вот теперь злая Карабос со всей своей свитой явилась сама со своими дарами. Но ее подарки ужасны. Она предвещает принцессе, что та умрет от укола спицей (в оригинальной версии сказки — веретено) в 16 лет. Гости выгоняют злую волшебницу и спешат успокоить встревоженных родителей: ведь они, добрые волшебницы, тоже кое-что умеют — и Аврора будет возрождена. Но король не на шутку озадачен и издает указ уничтожить все спицы…

«Славянские танцы» — собрание шестнадцати пьес Антонина Дворжака, изданных двумя циклами op. 46 и op. 72. Изначально написанные для фортепиано в четыре руки, они почти сразу были оркестрованы самим автором и исполняются преимущественно в этом варианте. Принадлежат к числу самых известных сочинений Дворжака.

Ещё малоизвестный композитор, Дворжак бедствовал и очень нуждался в деньгах. Это подтверждает выданная ему в Пражском магистрате справка:
<…> Обследование подтверждает, что у него нет никакого имущества, что, кроме ежегодного жалования органиста в храме св. Войтеха в размере 126 крон и кроме 60 золотых, которые он получает за частные уроки ежемесячно, у него нет никаких побочных доходов.
Благодаря этой справке в 1874—1878 годах Дворжак получал государственную артистическую стипендию размером 400 золотых в год. На него обратил внимание член музыкального жюри И. Брамс. Тогда же, в 1877 году, супруги Неффы, для которых Дворжак писал «Моравские дуэты», втайне от композитора послали экземпляр этого сочинения Брамсу. Последний обратился к своему издателю Ф. Зимроку, предложив издавать многообещающего чешского композитора. Зимрок выпустил «Дуэты», не заплатив, однако, ничего ни Дворжаку. Одновременно он предложил Дворжаку написать цикл национальных фортепианных произведений по примеру «Венгерских танцев» Брамса. Само название нового сборника — «Славянские танцы» — принадлежит Зимроку. Дворжак принял предложение, и за короткое время с середины марта до 7 мая 1878 года создал первую серию «Танцев», как и у Брамса, для фортепиано в четыре руки. За неё он получил всего 300 марок, но для него это был, по выражению Й. Зубатого, «первый порядочный гонорар», посему он был чрезвычайно рад. Публика приняла сборник с восторгом. Весной-летом того же года Дворжак оркестровал его. «Танцы» имели огромный успех, исполняясь по всей Европе.

Тома́зо Джова́нни Альбино́ни ( 8 июня 1671, Венеция — 17 января 1751, Венеция) — венецианский композитор и скрипач эпохи барокко. При жизни был известен главным образом как автор многочисленных опер, однако в настоящее время пользуется известностью и регулярно исполняется главным образом его инструментальная музыка. Сын Антонио Альбинони, богатого купца и венецианского патриция. Изучал скрипку и пение. О его жизни известно относительно мало. В то же время, он добился своей первоначальной славы как оперный композитор во многих городах Италии. Одновременно он в большом количестве создавал инструментальную музыку. До 1705 года писал преимущественно трио сонаты и скрипичные концерты, позже сочинял соло сонаты и концерты для гобоя. В отличие от большинства композиторов того времени, он никогда не стремился получить должность при дворе или церкви, но имел собственные средства и возможность сочинять музыку независимо. В 1742 году собрание скрипичных сонат Альбинони было опубликовано во Франции в виде посмертного издания, поэтому исследователи долгое время полагали, что к тому времени Альбинони был мертв. Позже выяснилось, однако, что он жил в Венеции в безвестности: запись из прихода Св. Варнавы, где он родился, утверждает, что Томазо Альбинони умер в 1751 году, в возрасте 79 лет. Альбинони написал около 50 опер, однако большая их часть не дошла до нас, а потому сегодня композитор известен благодаря инструментальной музыке, особенно концертам для гобоя. 

 В этом сборнике последним исполняется знаменитое Адажио соль-минор Альбинони, которое было опубликовано в 1958 г. первым биографом Альбинони Ремо Джадзотто, утверждавшим, что он реконструировал его на основе крохотного фрагмента, найденного им в 1945 г. Адажио соль-минор достигло той степени знаменитости, когда произведение регулярно транскрибируется для других инструментов и используется в массовой культуре, например, как фоновая музыка в фильмах, а также в телепрограммах и др.

АЛЕКСАНДР БЛОК       

Я никогда не понимал,
Искусства музыки священной,
А ныне слух мой различал
В ней чей-то голос сокровенный.
Я полюбил в ней ту мечту
И те души моей волненья,
Что всю былую красоту
Волной приносят из забвенья.
Под звуки прошлое встает
И близким кажется и ясным:
То для меня мечта поет,
То веет таинством прекрасным.

Краткая история инструментальной музыки 16-18 века.

Инструментальная музыка исторически развивалась позднее вокальной и далеко не сразу выдвинулась на самостоятельное место в ряду музыкальных жанров. Во-первых, она довольно долго сохраняла прикладной, то есть служебный, чисто практический характер, сопровождая различные моменты в жизни людей (торжественные и траурные процессии, придворные балы, выезды на охоту и пр.) Во-вторых, долгое время инструментальная музыка находилась в прямой зависимости от вокальной, сопровождая пение и подчиняясь ему. Так, например, единственный инструмент католического богослужения – орган – на протяжении многих столетий не имел своего «лица», дублируя хоровое письмо.

 Немного о салонах.

 Салоны бывают разные: литературные, музыкальные, философские. Однако в деятельности многих салонов трудно выделить одну какую-либо направленность. Большая их часть носит разноплановый характер: литературно-музыкальный, художественно-философский и пр. Салонная культура в современном культурном наследовании выступает как память о культуре дворянства на историческом отрезке XVIII-XIX вв. Любая культура, в том числе и салонная, в конечном итоге отражает запросы, интересы, ценностные ориентиры людей определенного времени. И задача нынешнего дня - перенять все самое лучшее, что было в салонной культуре того периода.

Салонная культура - это форма организации культурной жизни, имеющая свои  особенности: место проведения - гостиная частного дома влиятельного лица; особая роль хозяина (хозяйки) салона в организации его деятельности, декор гостиной, подбор гостей; соответствующие правила поведения, общения, речи и специфические занятия, главные из которых - общение на темы, связанные, в первую очередь, с искусством, занятие искусствами, камерность.

 Именно в салонах  общество знакомилось с культурой других стран, со знаменитыми исполнителями и композиторами, отечественные композиторы часто именно в музыкальных салонах начинали свою деятельность, черпали вдохновение, представляли свои сочинения.

Режиссер и сценарист: Светлана Дружинина

 Оператор: Анатолий Мукасей

Композитор: Имре  Кальман  Производство: Мосфильм Год: 1982 Cерий: 2

Актеры: Наталия Белохвостикова, Игорь Кеблушек, Николай Трофимов, Юрий Мороз, Елена Шанина, Людмила Касаткина, Владимир Басов, Александр Ширвиндт, Эммануил Геллер, Александр Пятков

Жанр: мелодрама, музыкальный фильм, экранизация

Телефильм по мотивам одноименной оперетты Имре Кальмана.

Все в городе стремятся в цирк, чтобы посмотреть смертельный номер знаменитого мистера Икс. Приходит сюда и богатая вдова графа, ради расположения которой любой мужчина готов на всё. Кто добьётся любви красавицы? Таинственный мистер Икс, цирковой артист, ежедневно рискующий жизнью, или блестящий аристократ - интриган, домогающийся героини, готовый идти по головам ради достижения цели?..

Принцесса цирка.

Начну рассказ о выдающейся балерине ХХ века , Надежде Павловой, строками из романа "Евгений Онегин" Александра Сергеевича Пушкина.

Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит .... Она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола,
То стан совьет, то разовьет,
И быстрой ножкой ножку бьет.

Надежда Васильевна, о которой выдающийся балетный педагог Асаф Мессерер сказал: «Надя Павлова загадала загадку по самому высокому счёту, какой только есть в искусстве», сегодня живёт в Москве. Она профессор, преподаватель в Российской академии театрального искусства и балетмейстер-репетитор в Государственном академическом театре классического балета.
Одну из самых юных народных артистов СССР, получившую это звание в 28 лет (в 1984 году), Павлову действительно называли «Надеждой и Славой русского балета».