«Идеальная вещь для меня та, которая абсолютно не для чего не пригодна. Этим предметом нельзя писать, им не удалишь лишние волосы и не сможешь позвонить. Этот предмет нельзя разместить на шедевре или поставить на комод Людовика XIV. Эту вещь нужно просто носить, и это — ювелирное украшение» — С. Дали.

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/00-18-300x279.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/00-18-300x279.jpg 300w" width="750" />

Брошь «Рубиновые губы с зубами как жемчуг», 1958  г.

Сальвадор Дали не раз убеждал мир в универсальности своего таланта. Идею собственной коллекции ювелирных изделий, обладающих неповторимым сюрреалистичным шармом, он вынашивал много лет, но претворить в жизнь свои идеи смог, наконец, повстречав  талантливого ювелира  Карлоса Алемани.

Уроженец Буэнос-Айреса Алемани еще в 1930-е годы был дирижером танго-оркестра и гастролировал по Латинской Америке, Европе и Соединенным Штатам. В 1940-е годы он начал изучать ювелирное дело в Нью-Йорке, и познакомившись с Дали в 1950-е, смог реализовать безумные фантазии гения сюрреализма. Дизайнеры сотрудничали до 1971 года.

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/01-14-300x200.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/01-14-300x200.jpg 300w" width="750" />

С. Дали, К. Алемани «Глаз времени», 1949 год, платина, бриллианты, рубин, эмаль, часовой механизм Movado 50SP.

Украшения были изготовлены из роскошных драгоценных камней, привезенных из Конго, — изумруды, сапфиры, лазурит, малахит.

Дали придумывал дизайн, сам подбирал материалы для каждого произведения, фокусируясь не только на цвете, форме и ценности материала, но также на символических значениях, которые приписывались драгоценным камням и благородным металлам.

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/02-12-150x150.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/02-12-150x150.jpg 150w, https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/02-12-300x300.jpg 300w, https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/02-12-65x65.jpg 65w" width="750" />

Модель, демонстрирующая ювелирные произведения Сальвадора Дали

По эскизам Дали ювелир Карлос Алемани создал 37 ювелирных украшений и ещё два были созданы уже после смерти художника. Всего в мире существует 39 ювелирных работ по эскизам Сальвадора Дали. Начиная с военного 1941 года, когда Дали живёт и работает в США, компания нью-йоркских ювелиров «Alemany & Ertman» претворяет фантазии мастера в жизнь под его контролем. Одно за другим на свет появляются произведения искусства, «нарисованные» драгоценными материалами.

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/03-11-198x300.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/03-11-198x300.jpg 198w, https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/03-11-676x1024.jpg 676w" width="750" />

/cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/04-10-300x223.jpg" target="_blank">https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/04-10-300x223.jpg 300w" width="750" />

Эскизы ювелирных украшений Сальвадора Дали в выставочном зале «Dali-Joies» Театра-Музея Дали в Фигерасе

Первые 22 изделия приобрел американский миллионер Камминс Кэтэрвуд, а в 1958 году обладателем коллекции стал Фонд Оуэна Чеэзэма, который выкупил и все последующие ювелирные творения Дали. В 1981 году сюрреалистические украшения стали собственностью саудовского мультимиллионера, который затем распродал коллекцию по частям — трем юридическим лицам из Японии. Один из этих покупателей впоследствии стал инициатором возвращения ювелирных шедевров на родину, в Испанию.

В 1999 году Фонд «Гала – Сальвадор Дали» выкупил драгоценную коллекцию, созданную гениальным испанцем, за 900 млн песет (5,5 млн евро). Сегодня 39 украшений, рожденные сюрреалистическими фантазиями Дали, можно увидеть в театре-музее в Фигерасе, в башне Галатеи, где для них создан постоянный выставочный зал.

/cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/05-10-200x300.jpg" target="_blank">https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/05-10-200x300.jpg 200w, https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/05-10-683x1024.jpg 683w" width="750" />

«Космический слон», 1961

Коллекция ювелирных изделий Сальвадора Дали — единственный в своем роде набор драгоценностей с удивительным сочетанием сюжетов, материалов, размеров и форм — узнаваемый и неповторимый почерк маэстро. Золото, платина, драгоценные камни, жемчуг и кораллы перестали быть просто дорогостоящими материалами. Они даже не стали серьгами, брошами или колье, но превратились в сердца, губы, глаза, цветы, животных и антропоморфные формы, религиозные и мифологические символы.

/cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/06-11-209x300.jpg" target="_blank">https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/06-11-209x300.jpg 209w, https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/06-11-714x1024.jpg 714w" width="750" />

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/07-11-300x225.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/07-11-300x225.jpg 300w" width="750" />

С. Дали «Живой цветок», 1959 год. Золото, бриллианты, малахитовая основа

В числе ювелирных фантазий Сальвадора Дали: любимый образ сюрреалиста — «Космический слон» (1961), волнующе-чувственные «Рубиновые губы» (1949), «Живой цветок», «Глаз времени» со слезинкой в уголке, «Кровоточащий мир» (1953) и, конечно, «Королевское сердце», которое просила Гала.  Правда, посвятил Дали механическое сердце коронации Елизаветы II.

Роскошное рубиновое и, без сомнения, живое сердце: 46 рубинов, 42 бриллианта и 4 изумруда объединены в единую драгоценную композицию. Она выполнена таким образом, что подвижный центр «бьется», как настоящее сердце.

 

/cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/08-11-208x300.jpg" target="_blank">https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/08-11-208x300.jpg 208w, https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/08-11-708x1024.jpg 708w" width="750" />

«Королевское Сердце» с пульсирующей серединой, 1953 год

«Живое» рубиновое сердце

Некоторые из работ Дали имеют механизмы и могут двигаться. «Живой цветок» открывает и закрывает лепестки-руки, «Рубиновое сердце» бьется, а «Падший ангел» взмахивает крыльями.

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/09-11-271x300.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/09-11-271x300.jpg 271w" width="750" />

С. Дали, К. Алемани. Брошь «Сердце из медовых сот», 1949 год, золото, бриллианты, рубины 

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/10-38-199x300.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/10-38-199x300.jpg 199w, https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/10-38-681x1024.jpg 681w" width="750" />

С. Дали. Ожерелье с переплетенными конечностями (Хореографическое ожерелье), ок. 1964, золото, бриллианты, аметист, сапфир 

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/11-37-300x192.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/11-37-300x192.jpg 300w" width="750" />

С. Дали «Лебединое озеро», 1959 год, золото, бриллианты, аквамарины, изумруды, сапфиры, горный кристалл.

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/12-36-300x194.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/12-36-300x194.jpg 300w" width="750" />

С. Дали «Рука в форме листа», 1949 год, золото, изумруд, рубины.

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/13-33-300x277.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/13-33-300x277.jpg 300w" width="750" />

С. Дали, К. Алемани «Pax Vobiscum», 1968 год, золото, бриллианты, кварц, живопись на дереве.

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/14-30-167x300.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/14-30-167x300.jpg 167w, https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/14-30-571x1024.jpg 571w" width="750" />

С. Дали «Крест Ветка», 1959 год, золото, платина, бриллианты, рубины, изумруды.

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/15-28-300x217.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/15-28-300x217.jpg 300w" width="750" />

/cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/16-28-221x300.jpg" target="_blank">https://cdn1.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/16-28-221x300.jpg 221w" width="750" />

С. Дали «Виноград бессмертия». «Ангел вечности», 1970 год. Золото, аметисты, изумруды, дымчатый кварц.

/cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/17-25-300x223.jpg" target="_blank">https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/17-25-300x223.jpg 300w" width="750" />

Брошь «Постоянство памяти», 1949 год

/cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/18-23-150x150.jpg" target="_blank">https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/18-23-150x150.jpg 150w, https://cdn3.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/18-23-300x300.jpg 300w, https://cdn2.allourworld.info/wp-content/uploads/2018/09/18-23-65x65.jpg 65w" width="750" />

Источник: izbrannoe.com

Между драгоценных камней властелин. РУБИН.

Великолепный, непревзойдённый, прекрасный камень рубин — царь среди драгоценных минералов, вождь самоцветов. Камень планеты Солнце является одним из редчайших и дорогих в мире, наряду с бриллиантом, сапфиром и изумрудом. Камень власти и процветания, относящийся к стихии Огня, не имеет равных ни в чём.
Радость высших духов, огненный рубин,
Цвета красной крови, цвета страстной жизни,-
Между драгоценных камней властелин.
 

ПАМЯТИ ВЛАДИМИРА ВОЙНОВИЧА
 

 

 

 

«НЕ МОЖЕТ БЫТЬ ТАКОГО ВРЕМЕНИ, ЧТОБЫ НЕ О ЧЕМ БЫЛО ПИСАТЬ...». ПАМЯТИ ПИСАТЕЛЯ ВЛАДИМИРА ВОЙНОВИЧА

 

Так не спешите, свой всему черед, Вся ваша жизнь - лишь миг на перевале... Вот минет он, и вечность развернет Свой бесконечный свиток перед вами.  Владимир Войнович из стих. «Философическое». 1992  В ночь на 28 июля 2018 года ушел из жизни Владимир Николаевич Войнович - писатель, драматург, поэт, а теперь ещё и живописец,  хотя как к художнику относился к себе с иронией.    Писатель Владимир Войнович за более чем полвека своей литературной карьеры привык быть в центре читательского внимания и постоянно находиться в зоне перекрёстного огня литературной критики из идеологически противоположных лагерей. Те, кто читал книги Войновича и следил за его гражданской позицией по тем или иным событиям в стране, тот непременно скажет - великий писатель и великий гражданин - не боявшийся поднимать свой голос против любых безобразий власти, давая ей точные и беспощадные оценки.   Будущий пионер и диссидент Володя Войнович  Свободолюбивый взгляд будущего литератора на мир сформировался в раннем детстве. Уже тогда, возможно с помощью бабушки, он понял,  как много несправедливости в жизни. Родился в семье интеллигентов  26 сентября 1932 года. Отца в 1936 посадили на 5 лет по доносу сослуживца за выдуманное преступление, к счастью - не расстреляли,  что вполне могло случиться. Трудное довоенное детство, затем война. После войны в поисках  лучшей жизни, или просто куска хлеба, семья Войновича жили в  Ставропольском крае, в Куйбышевской, затем Вологодской областях,  в Запорожье, в Крыму и в Москве.   Владимир Войнович в редакции журнала Юность. 1990  Чтобы прокормиться, Владимир кем только не работал: пастухом, столяром, плотником, слесарем, механиком. В вечерней школе учился от случая к случаю. Из десяти лет, в школу ходил всего пять, хотя для того времени это было нормой. Полтора года учился в институте. Моя история на ОТР. Владимир Войнович (23.09.2017).  Не пожалейте своего времени, послушайте писателя!    Вот ирония судьбы - всю сознательную жизнь Войнович был ярым антисоветчиком, а последнее время жил в дачном посёлке «Советский писатель». И таких коллизий в жизни Владимира Войновича масса. Не судьба, а лихо закрученный детектив. В котором нашлось место всему: погонам и погоням, травле и отравлениям, угрозам и угрызениям. Не было места только смеху. А он всё равно смеялся. И смешил нас. Одним из самых известных произведений писателя является  сатирический роман-антиутопия «Москва 2042», написанный в 1986 году, о гипотетическом будущем России. Многие считают его вершиной в творчестве Войновича. Главный герой, от лица которого ведётся повествование, попадает в совершенно абсурдный, но легко узнаваемый мир советской действительности, возведённый в степень высшего маразма.  Сквозь феерическое нагромождение разнообразных несуразностей повсеместно просматриваются всем знакомые реалии. Но в романе Войновича они доведены до своего логического предела. В книге этой оказалось нечто такое, что не позволяет просто посмеяться над её содержанием и забыть о ней. Многие читатели считают роман пророческим и с каждым днём находят всё большее сходство изображённого в нём абсурдного мира с реальным. Особенно по мере того, как постепенно сокращается расстояние до года, обозначенного автором в заглавии книги - «Москва 2042».  «Москва 2042» получилась смешной, а для молодого поколения - вполне себе нереалистичной. Над ней можно посмеяться, а кое-где - и ужаснуться, словом, получить полное удовольствие. Как шутят в соцсетях, уж не строится ли жизнь в стране по сюжету романа (!?)  Далее, картины Войновича  Цитаты из романа «Москва 2042»:    Из всех человеческих пороков самым отвратительным    является благоразумие    - Большая политика, - возразил он, - в основном из    мелких интриг только и состоит.    - Со временем люди меняются.  - Чепуха! Они меняют предмет поклонения.  Но при этом остаются такими же, как были.  И вообще, что такое народ? И есть ли вообще разница между народом, населением, обществом, толпой, нацией или массами? И как называть миллионы людей, которые восторженно бегут за своими сумасшедшими вождями, неся их бесчисленные портреты и скандируя их безумные лозунги. Если ты хочешь сказать, что самое лучшее, что есть среди этих миллионов, - это и есть народ, то тогда ты должен признать, что народ состоит только из нескольких человек. Но если народ - это большинство, то я тебе должен сказать, что народ глупее одного человека. Увлечь одного человека идиотской идеей намного труднее, чем весь народ.  Как показывает исторический опыт, именно абсурдные или даже, сказать точнее, идиотские идеи как раз легче всего овладевают умами масс.  ...с западными людьми спорить совершенно неинтересно. Западный человек, видя, что собственная точка зрения собеседника очень ему дорога, готов тут же с ней согласиться, чего совершенно не бывает у нас.  Если экспериментатор ставит свой опыт честно, любой результат он должен принять таким, как он есть. ...есть такие люди, которым лишь бы что-то писать. А что из этого получается, им совершенно неважно ...никто не понимал такой простой вещи, что для того,  чтобы разрушить коммунизм, надо его построить.  Если люди не равны в жизни, они должны быть равны хотя бы в смерти. … когда я его спросил, за что его сюда привели, ответил:  «Практически ни за что». Но сидевший рядом с ним заплаканный  полицейский перебил его и сказал мне: - Не верьте, он все врет.  И рассказал, что во время беспорядков на Трясинной площади  молодой человек выкрикивал возмутительные слова «Крым не наш», а его, полицейского, объяснявшего ему с помощью дубинки, что  Крым наш, ударил ладонью по каске. Чем причинил стражу порядка невыразимые физические и нравственные страдания, отчего тот  потерял сон, аппетит, интерес к супруге и постоянно плачет. - Принцип неравенства создает почву для самодовольства во всех слоях. Верхние довольны тем, что они получают больше средних, средние - тем, что получают больше нижних... - А чем же довольны нижние? - спросил я. - Ты разве не встречал людей, которые упиваются тем, что они находятся в самом низу? Они всегда могут оправдывать свое неудачничество несправедливым устройством общества, своей исключительной честностью, скромностью и вообще необыкновенностью.  Ошибка Маркса состоит в том, что он обещал полное обнищание  трудящихся при капитализме, а оно наступило… при коммунизме.  В мое время вечно живыми считались только  мертвые люди, например, - Ленин.  Симыч, прежде чем заботиться о выходе к Индийскому океану, ты бы хоть немножко выход из своего подвала привел в порядок. Доски какие-нибудь положил бы, а то ведь такая грязища, что утонуть можно.  Наш мир сам по себе есть плод Высшего Замысла. Бог замыслил этот мир, населил его нами и рассчитывал, что мы будем жить в соответствии с Замыслом. Но он не наделил нас способностью к пониманию Замысла, и мы стали вести себя не по задуманному, а как попало и даже вышли из-под контроля.  Гении всегда видят то, что нам, простым смертным, видеть  не дано. Нам остается только доверяться им или не доверяться.  О Гимне вспомнит нужно непременно. В свое время эти стихи Войновича среди прочих вариантов были даже предложены к утверждению в Думе, но в финал, как известно, вышел очередной текст Сергея Михалкова.  Гимн Российской Федерации  (Проект Владимира Войновича)  Распался навеки союз нерушимый, Стоит на распутье великая Русь: Но долго ли будет она неделимой, Я этого вам предсказать не берусь. К свободному рынку от жизни хреновой, Спустившись с вершин коммунизма, народ Под флагом трехцветным с орлом двухголовым И гимном советским шагает вразброд. Припев: Славься, отечество наше привольное, Славься, послушный российский народ, Что постоянно меняет символику И не имеет важнее забот. Когда-то под царскою властью мы жили, Но вот наступила заря Октября. Мы били буржуев и церкви крушили, А также поставили к стенке царя. Потом его кости в болоте достали Отправили в Питер на вечный покой. Простите, товарищи Ленин и Сталин, За то, что дошли мы до жизни такой. Припев: Сегодня усердно мы Господа славим И Ленину вечную славу поем. Дзержинского скоро на место поставим Тогда уж совсем хорошо заживем. Всем выдадим все: офицерам - квартиры Шахтерам - зарплату, почет - старикам А злых террористов замочим в сортире, Ворам-олигархам дадим по мозгам. Припев: Коррупционеров отправим в Бутырку Чтоб знали насколько закон наш суров. Зато мужикам раздадим по бутылке, А бабам на выбор дадим мужиков. Символику примем, заплатим налоги, И - к светлой заре по прямому пути. Вот только б опять дураки и дороги Нам не помешали до цели дойти. Припев: Славься, отечество наше привольное, Славься, послушный российский народ, Что постоянно меняет символику И не имеет важнее забот.   Немного из интервью с писателем:  - Скажите, что чувствовали, когда приехали в Москву в 89-м?  - Вернулись же, можно сказать, на белом коне! У меня были чувства противоречивые. Да, «Чонкина» здесь уже напечатали в журнале, причем тиражом небывалым - 3,5 миллиона. Но всё это выглядело как-то очень странно. Сама встреча в аэропорту была смешная. Во-первых, ко мне тут же подбежали телевизионщики. «Вы рады, что приехали?» - «Да, очень рад». - «Наверное, хотите кого-то поблагодарить?» - «Не хочу, - сказал я, - потому что приехал в свою страну и не обязан никого благодарить». Наверное, это было хамство с моей стороны. Какое-то время спустя я встретил одного из тех телевизионщиков, и он мне сказал, что они должны были дать этот репортаж в программу «Время», но когда везли плёнку в Останкино, им по рации передали, что, дескать, можете не спешить, сюжет не выйдет.   - Вы видели тех ваших коллег-писателей, которые в 1974 году исключали вас из Союза?   - Практически не видел. Одного встретил в поликлинике - он как-то заискивающе начал со мной здороваться. А другие, когда их обо мне спрашивали, обычно говорили: это не я, я не помню,  все такие были, такое было время.   - Обида осталась?   - Обида?.. Да нет, пожалуй. У меня осталось только презрение. Я готов простить каждого. Но только для этого нужно попросить прощения. Но никто прощения не просил, поэтому и я никого не прощаю, а отношусь с презрением. И относился, и отношусь.   - За эти 20 лет ни разу не пожалели о том, что вернулись назад?  - Нет, не пожалел. Во-первых, хотел быть свидетелем того, что здесь происходит. Одно время даже думал быть участником. Кроме того, я же не в западню приехал. Хоть сегодня могу взять и уехать.   - Но вам же, наверное, писать не о чем? Сатира здесь кончилась.  - Нет, писать есть о чём, писать всегда есть о чём. Не может быть такого времени, чтобы не о чем было писать. А насчёт сатиры - есть же олигархическое общество.   - Вы о нём пишете?   - Нет, не пишу. Я уже старый, пусть молодые пишут. Хотя сейчас начал одну вещь. Не знаю, напишу или нет, но она о современной жизни.   - Значит, мемуары ещё не финальная точка?  - Вы знаете, после мемуаров, согласно логике, должен следовать некролог. Но я надеюсь, что в промежутке ещё чего-нибудь будет...

 

Получила по почте. Источник на нашла.

 

Петербург по праву считается городом, плотно заселенный львами. В камне, из чугуна и металла, в полный рост, в барельефах и на памятниках. С шарами под лапами у парадных лестниц и крыльями на мостах. Улыбчивые и серьезные, взлохмаченные и аккуратные. Абсолютно точно, что сосчитать всех невозможно. Но с самыми знаменитыми предлагаем вам познакомиться.

Вы можете посвятить один день своего пребывания в Санкт-Петербурге тому, чтобы «пожаль лапу» царям зверей Северной столицы, а можете запомнить их расположение и во время прогулок в разные дни собирать знакомства с ними в свою коллекцию.

Историки спорят, откуда в Санкт-Петербурге столько львов. Конечно, самым разумным объяснением является то, что львы, как символы солнца и власти, были чрезвычайно популярны в Европе в XVII – XVIII веках, их любили многие скульпторы и архитекторы, украшая ими входы во дворцы и создавая эффектные барельефы с мордами. Но можно полагать, и что львы в городе остались от шведов, точнее как память о победе над ними, и теперь они несут свою стражу, охраняя русский город на Неве, бывший когда-то крепостью Ниеншанц.

На маршруте мы будем встречать отнюдь не только обычных львов. Они будут и с крыльями, и в самых причудливых образах. Поэтому буквально пройдя пару шагов по набережной, мы встречаем одних их самых необычных львов города – Ши-цза. Это мифологические львы, привезённые на набережную Невы из города Гирина в Маньчжурии в 1907 году. С тех пор необычные изваяния охраняют пристань на Петровской набережной.

На Петроградской стороне притаились еще несколько львов, найдем их. Первый лев по пути маршрута находится на Кронверском проспекте, 5, у входа в Санкт-Петербургский Государственный Морской Технический Университет. Лев немного грустен, возможно, потому, что он не так популярен, как его собратья.

Следующие львы, даже прайд вы найдете у входа в Ленинградский зоопарк. Такое расположение скульптур и барельефов вполне логично, тем более, что в самом зоопарке есть живые представители семейства кошачьих.  

Последний лев на Петроградской стороне, который вошел в наш маршрут – находится на корабле «Летучий Голландец», пришвартованный на Мытинской набережной. Сам по себе корабль-ресторан весьма симпатичен, а с точки обзора, откуда виден лев, открывается прекрасный вид на акваторию Невы и Зимний дворец.

Переходим по Биржевому мосту на Васильевский остров и практически сразу, на набережной Макарова вас ждут еще 2 льва, охраняющих пристань. Спокойные львы величественно смотрят на происходящее вокруг и, возможно, наблюдают за успехами «Зенита», ведь именно в сторону стадиона-тренировочной базы этой команды обращены их морды.

Следующие львы очень часто мелькают на туристических снимках, правда, не в главной роли, а в дополнении основной композиции. Гранитные львы-барельефы с металлическими кольцами в зубах украшают Стрелку Васильевского острова, спуск к воде. Панорама Стрелки прекрасная, но наслаждаясь видами, не забудьте про лёвушек, которые охраняют некогда главную площадь внешней торговли уже почти 300 лет.

Еще одни очень известные мифические львы Васильевского острова – это, конечно же, сфинксы у Академии Художеств на Университетской набережной. Сфинксы – это львы с головой человека, в Древнем Египте лицо сфинкса – это, как правило, лицо умершего фараона, чей вечный покой они охраняют. Петербургские сфинксы были высечены из камня сиенита около 3,5 тыс. лет назад. И долгое время служили тому, в честь кого были созданы – египетскому фараону Аменхотепу III. В 1830 году, в разгар увлечения культурой Древнего Египта в Европе сфинксы, выставленные на продажу в городе Александрия, были приобретены одним из членов Императорской академии наук. В 1834 году они заняли свое место на берегу Невы. Относительно общего возраста сфинксов, в Петербурге они гостят всего ничего. Но для тысяч туристов и любителей мистики это один из центов притяжения. Обязательно познакомьтесь с самыми «взрослыми» жителями Санкт-Петербурга и вы. И не забудьте, что пристань еще украшают скульптуры очень милых крылатых львов, их натёртые до блеска на счастье носы блестят в лучах северного солнца.

Далее отправляемся к безусловно самым популярным львам Санкт-Петербурга. Два красавца с шарами, стоящие, или даже правильнее сказать, играющие на Дворцовой пристани никого не оставляют равнодушными. Желающих обнять лёву всегда хоть отбавляй. Мы не рекомендуем вам повторять туристическую невоспитанность и пытаться забраться на них.

Во-первых, это памятник и от постоянного физического воздействия он разрушается, а во-вторых, это попросту небезопасно, львы стоят достаточно высоко. Посмотрите на них, улыбнитесь их величественности и запечатайте их в своей памяти. Эти львы, украшающие спуск к Неве перед Адмиралтейством стоят на своем посту с 1832 года, отлиты они из меди методом чеканки.

Теперь идем к двум знаменитым восхитительным пешим мостам – Львиному и Банковскому. Они оба представляют собой не только исключительные памятники мостостроительной архитектуры, но и невероятно яркие, красивые и изящные объекты.

Оба моста перекинуты через канал Грибоедова. Львиный мост находится чуть в стороне от основных туристических троп, а вот Банковский – безусловная «звезда» фотографий из Петербурга. Львиный мост, что очевидно, получил свое название из-за 4 статуй львов, украшающих переправу. Банковский мост, цепи на котором держат львы с золотыми крыльями, именовался так из-за близости к входу Государственного ассигнационного банка. Дойдите сначала до Львиного моста удобным вам путем (по дороге уже, наверное настанет время обеда, где можно его организовать смотрите в нашем разделе Где поесть), а после по исторической набережной канала дойдите до Банковского моста. Оба моста наряду с Почтамтским мостом примечательны еще и тем, что всего три цепных моста сохранившихся в Санкт-Петербурге. Построены они были в первой половине XIX века.

От Банковского моста, продолжая движение по набережной канала Грибоедова, мы дойдем до входа в Русский музей. Тут нас ждут выхолощенные, статные белые львы. У львов, охраняющих вход в Михайловский дворец, также под лапами расположены шары. Откуда такой символ? – разумно зададитесь вопросом вы во время нашей прогулки. Есть несколько версий, почему львов принято изображать с шарами. Согласно одной версии, шар – это символ солнца, знания, силы, чего-то целого и значимого. Располагая его под лапу льва, скульптор еще раз подчёркивает величество и высшее происхождение зверя. По другой версии – шары-мячи помогают львам сторожить. Постоянное удерживание шара помогают льву не заснуть, если лев задремлет, лапа ослабнет, шар скатится и упадет.

Следующие львы на маршруте снова необычные. Живут они в саду Дружбы на Литейном проспекте,15. Это совсем молодые скульптуры львов, поселились они в городе в 2003 году, были подарены Шанхаем, городом-побратимом, на 300-летие Санкт-Петербурга. Сам сквер, в котором расположились львы, весьма привлекателен и необычен, а если вам повезет попасть в него в конце весны, то вы в нем застанете не только львов, но и пышно цветущую сакуру.

Последняя точка в пешей части нашей прогулки находится достаточно далеко, но она стоит того, чтобы до нее дойти. 29 львов - самая большая популяция этих зверей в камне расположены перед дачей Безбородко на Свердловской набережной.

Великолепная ограда бывшей дачи богатого семейства сплошь состоит из львов, которые в пастях держат единую цепь. Ансамбль ограды чарующий и благодаря тому, что львы чугунные, хорошо сохранился. К сожалению, этого нельзя сказать о доме, который когда-то был центром курорта-водолечебницы Полюстрово. Однако, в этот район обязательно стоит добраться чтобы посмотреть другой Петербург, уже не парадный и туристический, а жилой и промышленный. И львы, которые довольно несут свою службу уже более 200 лет, станут вашими проводниками.

Закончим наш львиный маршрут на Елагином острове. Попадем мы вечером туда не случайно – мы проводим завораживающий закат на Западной стрелке Елагина острова в обнимку со львами. Елагин остров и  Центральный парк культуры и отдыха им. Кирова – любимое место отдыха петербуржцев. Елагин дворец – сердце Елагина острова, являлся летней императорской резиденцией и был построен по проекту Д.Кваренги в конце XVIII века, перестроен К.Росси в период правления Александра I. Дворец выполнен в палладианском стиле и смотрится очень изящно и трогательно. Окруженный зеленью и атмосферой отдыха и улыбок, но притягивает к себе еще больше. Центральную лестницу украшают 2 статуи львов. Они гармонично вписываются в общий ансамбль парка и вызывают желание по-дружески обнять их и угостить мороженым. Еще 2 льва ждут вас на Западной стрелке, как вы помните, для проводов этого отличного дня. Если вам повезет с солнечной погодой, то вы насладитесь совершенно волшебными видами и пейзажами.

Петербурге и его окрестностях «живет» огромное количество львов. Вы встретите их и в Павловске, где они почти что символ, и в Петергофе, и в парке Константиновского дворца.

Львы будут иметь разные морды, разные позы, но везде будут служить для одного – защищать вас и делать ваш отдых в Санкт-Петербурге безмятежным и счастливым.

Источник - http://www.peterburg.biz/marshrut-lvyi-peterburga.html#ixzz5XQ1yx4yk
Источник - http://www.peterburg.biz/marshrut-lvyi-peterburga.html#ixzz5XQ1C0Nvf

Фоторепортаж: как выглядит новый музей янтаря в Петербурге

КАМЕЯ-ИЗЫСКАННОСТЬ И СОВЕРШЕНСТВО

Камея — разновидность геммы, ювелирное изделие или украшение, выполненное в технике барельефа на драгоценных или полудрагоценных камнях или на морской раковине. Противоположность интальо, которая выполняется в технике углублённого рельефа.
Камея – это символ утончённой красоты. Это произведение искусства, в котором тонко сочетаются изящество, отточенность форм, красота и совершенство.

Ювелирные фантазии в стиле ар-нуво от Филиппа Вольферса: Цветы, бабочки, павлины, феи 

 

Ювелирные фантазии в стиле Ар Нуво от Филиппа Вулферса: Цветы, бабочки, павлины, феи...

В конце 19 - начале 20 веков в Европе возник новый стиль – модерн, охвативший все направления искусства. В разных странах он имел разные названия: в России – «Модерн», в Германии - «Югендстиль», во Франции и Бельгии –«Ар Нуво»…. Коснулись новые веяния и ювелирного искусства. Если во Франции самым прославленным ювелиром эпохи Ар Нуво был Рене Лалик, то в Бельгии не менее прекрасные работы в новом стиле создавал Филипп Вольферс.

Родился будущий знаменитый ювелир в Брюсселе в 1858 году в богатой семье. Его отцом был знаменитый мастер серебряных дел, известный во всей Европе, Луи Вольферс. У мальчика с юных лет проявились и интерес к ювелирному делу, и творческие способности. C 16 лет он начал работать вместе с отцом в мастерской, осваивая профессию ювелира с самых азов. 
 

Филипп Вольферс (1858-1925)

И тут в мир искусства врывается стиль модерн, буквально «взорвав» все его нормы и устои. Вольферсу повезло – город Брюссель, в котором он жил, в конце 19 века был крупным культурным центром, и бельгийская столица сыграла большую роль в становлении модерна. 

С приходом эпохи модерна коренные изменения произошли и в ювелирном мире. Стала важна не только стоимость ювелирных изделий, но и их художественная ценность, дизайн и красота. Если раньше украшения делали в основном из золота и самых дорогих драгоценных камней (бриллиантов, изумрудов, рубинов и сапфиров), то теперь ювелиры стали использовать и другие природные материалы и камни – опал, лунный камень, гранат, турмалин, халцедон, речной жемчуг, оценив всю их красоту. Вспомнили и про эмаль, возродив ее использование при производстве украшений.

В конце 90-х гг. Филипп Вольферс, у которого к тому времени дела по производству посуды из серебра и предметов интерьера шли совсем неплохо, решил заняться несколько иным делом - разработкой ювелирных украшений. И у него получилось - с 1897 до 1905 гг Вольферс трудился очень плодотворно и успешно. Им было создано более 100 великолепных искусных украшений, настоящих шедевров эпохи Ар Нуво.
Одним из любимых камней, которые Вольферс часто использовал в работе, был резной опал. Этот красивейший камень, любоваться которым можно бесконечно, покорил сердце мастера своей загадочностью, полупрозрачностью и неповторимой игрой цвета. 
 

По мотивам Древнего Египта

Кулон Медуза, вырезан из слоновой кости, глаза из опала, жемчуг, 1898

Брошь-кулон Ника, 1902, золото, гравировка, эмаль, техника транслюсид, рубины, изумруды, бриллианты, резной турмалин, жемчужина

В этой великолепной подвеске центральное место занимает женский лик, вырезанный из опала, в гармоничном окружении золота, дорогих драгоценных камней, жемчуга и разноцветных эмалей.
 

Золотая подвеска «Cygne et Serpents» (1899) с опалом, рубинами, бриллиантами и жемчугом

Эту золотую подвеску «Лебедь и змеи» Филипп сделал и подарил своей жене Софи Уиллштедтер. 
 

Портрет жены ювелира, Софи Уиллштедтер с подвеской, худ. Firmin Baes

Дизайн украшений тоже поменялся кардинально за счет смены образов и мотивов. Для Ар Нуво главным источником вдохновения стала природа - растительные и цветочные узоры с плавными извилистыми линиями. Из цветов чаще всего изображали совсем не розу, так любимую ранее, а вьющиеся растения (плющи, вьюнки), а также ирисы, орхидеи…
 

Фрезия, 1901. Один из самых любимых цветов Вольферса

Заколка для волос «Орхидея». Золото, бриллианты, эмаль

Брошь «Крылатая орхидея»

Коренным образом изменились и мотивы, привнесенные из животного мира. 
 

 

 

Брошь-кулон Стрекоза, 1903-1904,золото, опалы, эмаль, рубины, бриллианты, мексиканский опал

Наряду с эфемерными бабочками и стрекозами, наибольший интерес стали вызывать также птицы - ласточки, лебеди, павлины – чьи плавные силуэты идеально вписывались в новые формы. 
 

 

Le chant du Cygne, 1901

Любимые павлины:
 

 

 

Heart shaped peacock brooch pendant. Enamel, peridot, diamond, and opal drop

На этой броши изображена величавая птица - павлин. А внутри его распростертых крыл – изумруд в обрамлении бриллиантов, опалов и хризолита (1902 год). В 2012 году была продана на аукционе за 34600 долларов.

Если в 19 веке господствующими были пуританские настроения, правила и нормы, то теперь все изменилось. Ювелиры стали изображать на украшениях чувственных томных дев с красиво изогнутыми линиями тел, зачастую даже обнаженных. А обладательницы таких украшений безо всякого смущения их носили.
 

 

Часто женский образ преподносился в виде бабочки или стрекозы.

 

 

Мода в эпоху модерна

Прически стали более объемными, взбитыми. Для них использовали различные украшения, фиксировали прически с помощью красивых гребней.
 

Гребень для волос «Oiseaux et Iris» («Birds and Iris») 1899. Филипп Вольферс, Gold, enamel, Brazilian opal and rock crystal

В моде утягивающие корсеты и очень узкие, «осиные», талии. Часто на талии носили пояски с красивыми ювелирными пряжками.
 

Пряжка, Филипп Вольферс

Пряжка Летучая мышь, Филипп Вольферс

Популярными становятся широкие колье под названием «собачий ошейник», почти полностью скрывавшие шею 
Очень красивое колье изготовил и Филипп Вольферс в 1900 году. Называется оно «Колье с глициниями».
 

“Glycines” (“Wisteria”) dog collar by Philippe Wolfers, 1902, jour enamel, carved tourmalines and opals, rubies, garnets and Baroque pearls

 

Продано в 2016 году за за 220 тысяч евро в частную коллекцию. 
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/291018/41072/?fbclid...T7RBQwB9XmI2r46jYLqREMgR7AHM2s

ЖЕНСКИЕ ОБРАЗЫ 1940-1950-Х ГОДОВ НА СНИМКАХ ГЕНИАЛЬНОЙ НИНЫ ЛИН

 

Создать демотиватор

 

Фотограф Нина Лин (Nina Leen) родилась в Российской империи. Она жила в Германии, Италии и Швейцарии, а потом переехала в США. Её жизнь была окутана тайнами. Когда в 1995 году Лин умерла, поблизости не оказалось никого, кто бы смог назвать её точный возраст. Фотографии Лин более 50 раз появлялись на обложке журнала Life. Лучшие из её работ представлены в нашей подборке.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

источник

ЙОЗЕФ ШТИЛЕР

Жил был король - король Людвиг I Баварский (Ludwig I. von Bayern 1786 - 1868), который любил как и многие баварские правители все прекрасное. Любил он и красивых женщин, что стало причиной того, что в 1827 году королю Людвигу пришла в голову идея создать у себя в замке Нимфенбург (Schloss Nymphenburg) целую галерею красавиц. Идея сразу же стала воплощаться в жизнь: любимый художник короля, Йозеф Штилер (Joseph Karl Stieler 1781-1858) на протяжении почти 13 лет писал для своего покровителя портреты прекрасных дам того времени. Дамы эти не только принцессы или же их приближенные, среди них и крестьянки, и простые горожанки - баварский король лично отбирал тех, кто впоследствии стал украшением его художественной галереи. Всего художником было выполнено 36 женских портрета, а модели в награду получили костюмы, в которых позировали живописцу. В настоящее время Галерея красавиц (Schönheitengalerie) Нимфенбурга знаменита и почитаема туристами не менее, чем наша Военная галерея героев 1812 года в Эрмитаже. Но причем тут тарелочки? Фарфор века XIX - одно из сокровищ, которым гордились все богатые люди того времени и вполне естественно, что портреты прекрасных дам из галереи короля Людвига I Баварского были воспроизведены мастерами того времени и на королевском фарфоре. Фарфор этот у собирателей антиквариата носит название "Королевская Вена", хотя мог производится не только на австрийских мануфактурах, но и по всей Германии того времени.

Создать демотиватор

 

Йозеф Штилер Портрет баронессы Амалии Максимилиановны Крюденер, во втором браке - графини Адлерберг, урожденной графини Лерхенфельд

* * *

Я помню время золотое,
Я помню сердцу милый край.
День вечерел; мы были двое;
Внизу, в тени, шумел Дунай.
И на холму, там, где, белея,
Руина замка вдаль глядит,
Стояла ты, младая фея,
На мшистый опершись гранит.
Ногой младенческой касаясь
Обломков груды вековой;
И солнце медлило, прощаясь
С холмом, и замком, и тобой.
И ветер тихий мимолетом
Твоей одеждою играл
И с диких яблонь цвет за цветом
На плечи юные свевал.
Ты беззаботно вдаль глядела...
Край неба дымно гас в лучах;
День догорал; звучнее пела
Река в померкших берегах.
И ты с веселостью беспечной
Счастливый провожала день;
И сладко жизни быстротечной
Над нами пролетала тень.

Федор Тютчев
(посвящено Амалии Крюденер)
1832

 

Йозеф Штилер Портрет короля Людовика I Баварского 1826

Краткая биографическая справка. Йозеф Карл Штилер свои первые шаги в искусстве сделал под руководством своего отца, резчика печатей. В 17 лет Штилер предпринял поездку в Вюрцбург, где был учеником придворного художника Христофа Фезеля. Затем Штилер стал обучаться в венской Академию художеств у Генриха Фридриха Фюгера. В 1808 гогу Штилер стал жить в Германии, затем ы 1811 году обосновался при дворе Евгения Богарне, чтобы написать портреты его детей для тестя Богарне короля Баварии Максимилиана I Йозефа. Штилер становится известным портретистом того времени: среди его самых известных работ портрет Людвига ван Бетховена, портрет Гете, портреты королей и королев.

 

Художник Йозеф Штилер

Что ни красавица на портретах Штилера, то легенда. Король Баварии был ценителем красоты и не только красоты, но и ума... хотя ум одной из тех, кого он выбрал для позирования художнику стал причиной того, что Людвиг вынужден был раньше времени отречься от престола. Но это уже другая история...

 

Йозеф Штилер Портрет Элизабет Розанны Гильберт, графини Ландсфельд, известной более как Лола Монтес

 

Йозеф Штилер Портрет Анны Вилмайер

 

Йозеф Штилер Портрет Августы Штробль

 

Йозеф Штилер Портрет Софии, принцессы Баварии

 

Йозеф Штилер Портрет графини Керолайн фон Холштейн

 

Йозеф Штилер Портрет Вильгельмины Зульфер

 

 

Йозеф Штилер Портрет принцессы Баварии Августы Фердинанды

 

Йозеф Штилер Портрет дочери барона Чемберлена

 

Йозеф Штилер Портрет Анны Каулы

 

Йозеф Штилер Портрет Розалии Джулии фон Бонар

 

Йозеф Штилер Портрет дочери винодела Людовика Крестентии Бургины

 

Йозеф Штилер Портрет дочери сапожника Хелен Зельдмайе

МАСТЕР РОКОКО. ЧТО ЕЩЕ НАТВОРИЛ АВТОР “МЕДНОГО ВСАДНИКА”

Кстати, у себя на родине он и не скрывал, что мастер рококо — работал на Серврском фарфоровом заводе, придумывал статуэтки.

 

 

А вы знаете, что “Медный всадник” работы Фальконе – это такое вот рококо?

 

 

 

 

Реклама 02

 

 

 

Не, ну реально: не классицизм же это; а для барокко уже поздновато. Давайте посмотрим, что еще делал скульптор Фальконе.

Кстати, у себя на родине он и не скрывал, что мастер рококо — работал на Серврском фарфоровом заводе, придумывал статуэтки. 

“Туалет Венеры”

 

“Грозящий Амур”, 1757

 

“Задумчивая девочка”

 

“Пигмалион и Галатея”, 1763

 

“Купальщица”, 1780-е

 

“Сидящая нимфа”

 

“Играющие дети”

 

“Психея с цветами”

 

“Девочка-коровница”

 

“Леда и лебедь”, 1750-е

 

“Аллегория музыки”, 1752

 

“Венера с голубями”

 

Так что, вот удивительно, что Фальконе такой масштабный шедевр удался.

 

 

https://shakko-kitsune.livejournal.com/1252457.html

Исламская архитектура

Исламская архитектура – одна из самых сложных форм зодческого искусства, основанная на геометрии и математике. Её совершенные повторяющиеся спирали, цветистость, витиеватость и масштабность внушают священный трепет. Сложные и изысканные конструкции мечетей можно отнести к самым выдающимся творениям рук человеческих. Исламская архитектура – одна из самых сложных форм зодческого искусства, основанная на геометрии и математике. Её совершенные повторяющиеся спирали, цветистость, витиеватость и масштабность внушают священный трепет. Сложные и изысканные конструкции мечетей можно отнести к самым выдающимся творениям рук человеческих. Мусульманские зодчие разработали гибкие схемы планировки и универсальные строительные методы, применимые для возведения и мощных крепостей, и легких дворцовых павильонов. Прекрасные математики, они изобрели способы преобразования элементарных геометрических фигур (квадрата, треугольника, круга) в сложнейшие архитектурные конструкции и ювелирно сплетенные орнаменты, используя при этом простые и дешевые глину, кирпич, природный камень, стук или гипс, бетон. Искусно сочетая резьбу, полировку, роспись, мозаику, они превращали дерево, мрамор, стекло, глазурованную керамику в драгоценные отделочные материалы. Руководствуясь принципами геометрического соответствия и гармонии чисел, подобия и симметрии, они создавали из комбинаций простых элементов необычайно эффектные композиции.Отличительной особенностью исламского зодчества стали многочисленные варианты стрельчатых, подковообразных, фигурных арок, рубчатых, ячеистых или ажурных сводов и куполов, наборных деревянных потолков. Ни в каком другом строительном искусстве мы не увидим столь мастерски образованных переплетением арочных дуг ажурных куполов-звезд и кружевных решетчатых оград. Никакая другая архитектура не знает таких импозантных, впечатляющих своей декоративностью конструкций сводов, куполов, карнизов и поясков, как сталактиты (по-арабски мукарнас – лепнина), напоминающие разрезанные пчелиные соты, пещерную известковую накипь или застывшие капли дождя.Сталактиты-мукарнас – возможно, самое замечательное изобретение времен Арабского халифата – стали опознавательной чертой исламского зодчества наряду с виртуозной узорной кладкой кирпичом и многоцветной керамической мозаикой.Собственно исламская архитектура своим рождением обязана развитию религиозных обрядов и мусульманского образа жизни. Первым и главным видом культового сооружения Ислама стала мечеть – отъединенное от мирской суеты пространство для вознесения молитвы Богу, место собрания единоверцев, их общения или уединения, их приобщения к религиозному знанию. Со временем сложились такие специфически мусульманские архитектурные типы, как медресе (духовная школа или теологический университет), маристан (благотворительный госпиталь), ханака, завия, такия-текке (суфийские обители, странноприимные дома), мазар-мавзолей или культовый комплекс над могилой наделенного ореолом святости мусульманского богослова, наставника или мученика-шахида. В соответствии с эзотерическими представлениями мусульман о явном (захир – доступном) и потаенном (батын – недоступном непосвященному) мире, в исламском зодчестве получил развитие принцип «скрытой архитектуры»: неприглядные глухие фасады защищают от постороннего взгляда разнообразно оформленные помещения, открытые во внутренний двор с фонтаном, водоемом, цветущей зеленью.

Мавзолей Фатимы Масуме, город Кум, Иран

Мечеть Насир аль-Мульк, Шираз, Иран

Мечеть Шейха Лютфуллы, Исфахан, Иран

Мечеть Имама, бывшая мечеть Шаха, Исфахан, Иран

Потолок мечети Тадж-Махал

Шираз, Иран

Мечеть шейха Зайда, Абу-Даби, Объединённые Арабские Эмираты

Мечеть Вазир Хана, Лахор, Пакистан

Мавзолей Бахауддина Накшбанда, Бухара, Узбекистан

Мечеть Имама Хомейни, Исфахан, Иран

Регистан, Узбекистан

 

 

Купол михраба, мечеть в Кордове, Испания

 

Мечеть в Марокко

 

Мавзолей Али ибн Хамзех (Зеркальная Мечеть), Шираз, Иран

 

Мавзолей Рухабад, Самарканд

 

Купол Скалы или Мечеть Скалы в Иерусалиме, Палестина

 

Мечеть Сулеймание, Стамбул, Турция

 

Мечеть в Тегеране, Иран

 

Мечеть Шах Джахана, Татта, Пакиста

 

Голубая мечеть, Стамбул

 

 

Амиши — протестанты-пацифисты. Основатель их общины Якоб Амман выступил за ограничение контактов с внешним миром. Но Людовик XIV начал гонения против «некатоликов», и амиши отправились за океан, в Новый Свет.

Сейчас таких поселений много в США (Огайо, Пенсильвании и других штатах), а также в Канаде (Онтарио). Они не берут в руки оружие, не платят налоги, не принимают помощь от государства. А основные занятия — фермерство и ремесленничество.

Амиши старого обряда соблюдают все правила: не водят авто, пашут землю плугом, не пользуются электричеством, телефоном и компьютером, вместо холодильника у них — камера со льдом. А вот амиши нового обряда не отказываются от комбайнов и телефонов.

В семьях обычно минимум 5 детей. Все женщины носят чепцы, им запрещено краситься, стричь волосы и носить украшения. Мужчинам после свадьбы нельзя брить бороду.

Дети учатся до 8-го класса, а 15 лет наступает период румспринга. Подростки могут нарушать правила и уезжать из поселения. Они пробуют алкоголь, сигареты, покупают модные вещи. После этого 90 % молодежи решают остаться в общине и принимают крещение.

В наши дни заметен большой интерес к общине. Появились даже реалити-шоу о молодых амишах, которые отправились в Нью-Йорк, чтобы познать жизнь. А американцы, уставшие от фастфуда, стали посещать амиш-рынки, где продают безвредные овощи и фрукты, варенье, выпечку и красивые изделия.

7. «Вольные художники» (деревня Арден, США)

В 1900 году 2 друга — скульптор Фрэнк Стивенс и архитектор Уилл Прайс — арендовали землю в Делавэре и основали арт-деревню. Здесь желающих ждали безмятежная жизнь на природе, независимый труд, а также один налог — на землю.

Свободолюбивая идея увлекла художников, музыкантов и писателей. И «коммуна искусств» развивалась, занимаясь продажей изделий. Жители Ардена считают себя последователями джорджизма: каждый человек лично владеет созданным продуктом, а природные блага принадлежат всем.

Деревушка стала уголком радости. Сюда едут туристы, чтобы посетить ярмарки и фестивали, купить оригинальные творения арденовцев и полюбоваться домами в стиле английского Средневековья.

8. Хогвей / «Шоу Трумана» для заботы о стариках

В уютной «деревне» есть дома, магазины, кафе и фонтан на площади. Только ее жители — это пациенты гуманной клиники для людей, страдающих деменцией (старческое слабоумие). По оценке ученых, к 2030 году уже 65 млн человек могут иметь этот диагноз.

А обитатели Хогвея совершенно не чувствуют своего недуга и одиночества. В каждой квартире-палате живут 5–6 человек, о которых заботится персонал, маскирующийся под продавцов, парикмахеров и прочих работников.

Все организовано так, чтобы пожилые люди не выходили за пределы деревни. Но нигде нет врачей в белых халатах. «Цель у нас одна: дать этим старикам все, чтобы они жили обычной жизнью».

Кроме прогулок и покупок жители Хогвея могут кататься на велосипедах, посещать клубы по своим хобби: музыка, живопись, садоводство, кулинария. А еще есть трудотерапия: помощь в стирке, готовке или уход за кем-то.

Палаты стилизованы под обычные комнаты с соблюдением стиля тех лет, когда краткосрочная память этих людей перестала действовать — интерьер 70-х, 90-х и др. А благодаря передвижным кухням, на которых разогревают еду, кажется, что ее готовят как дома — где-то рядом.

У замечательного проекта много критиков. Но те, кто думает в первую очередь о людях, сразу замечают, что обитатели любят свою «деревню». У них улучшается аппетит, они охотно общаются, а лекарств принимают меньше.

9. Финка Беллависта / «Рай на деревьях»

История «трихауз-поселения» в Коста-Рике весьма интересна. Однажды молодожены Эрика и Мэтт Хоган купили 600 акров джунглей, которым грозила вырубка. Они начали строить дом на лесных исполинах. И тогда к ним присоединились единомышленники, любящие жизнь на природе.

Так за 10 лет неподалеку от Тихого океана появилась экодеревня. Здесь пользуются солнечными батареями и сетью безуглеродного электричества, собирают ключевую и дождевую воду, выращивают овощи и фрукты, а отходы идут на биопереработку. Все новые поселенцы получают руководство о ресурсах и устройстве путей.

Дома тут, по словам Эрики, «разные как снежинки», а из окон открывается волшебная панорама. Вместо общественного транспорта используют натянутые канаты. Многие владельцы домов на деревьях сдают жилье в аренду. Путешественники могут найти и уютную комнатку, и комфортабельный номер. А еще имеются столовая и Wi-Fi.

Кстати, люди на деревьях вызывают немалое любопытство у представителей фауны. «Чем больше людей и шума, тем больше собирается птиц и животных».

Мэтт и Эрика говорят: «Создавая это место, мы следовали зову сердца, а не инвесторов. И наша „первобытная“ идея вдохновила других».

А какое необычное поселение удивило вас? Поделитесь вашими впечатлениями.

Источник: adme.ru

КАРИ РАССЕЛЛ-ПУЛ И Р.ДЖЕЙСОН ГОВАРД : КРАСОТА"ЖИВОГО"СТЕКЛА

Боросиликатное стекло было изобретено на рубеже 20-го века, благодаря своим уникальным свойствам, оно идеально подходит для сложных проектов с большим количеством частей и деталей, где необходимы несколько нагревательных циклов.

R. JASON HOWARD начал работать со стеклом в 1997 году, после двухлетней стажировки в керамической студии Гамильтон, продолжил обучение в студии Corning.

В настоящее время его работы основаны на уникальной комбинации традиционных итальянских технологий и самостоятельно изобретенных процессов для создания больших, органических, красочных форм, которые раздвигают границы по созданию стеклянных изделий.

Стиль выдувания, который использует художник, для создания своих работ называется Флэймворкинг (Flameworking) (также известный как Lampworking / Лэмпворкинг) стиль, где используется пламя факела и очень высокие температуры нагревания.

R. JASON HOWARD работал в качестве технического и художественного консультанта на стекольном заводе Northstar, разрабатывал методы переработки цветных стекол, в том числе популярного цвета «Оникс». Он показывает, на конференциях и преподает на семинарах классы по выдуванию стекла во многих странах, совсем недавно в Токио и Киото, Япония.
Работы R. JASON HOWARD выставлены на международном уровне в музеях и галереях, таких как Snyderman-Works в городе Филадельфия, Музей искусства и дизайна в Нью-Йорке, Музей стекла в Такома Вашингтоне, Kittrell-Riffkind Artglass в Далласе, и Pismo галереи в Денвере.

Его работы также находятся в постоянной коллекции Музея искусств Филадельфии.
R. JASON HOWARD живет в Skaneateles, Нью-Йорк, с женой и детьми, работает полный рабочий день в своей продакшн-студии, на стекольном заводе Cicada.
Полюбуйтесь на работы R. JASON HOWARD (Р.Джейсона Хауарда)

 

Создать демотиватор

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

И работы женщины-стеклодува

Кари Расселл-Пул(Kari Russell-Pool)

Вазы, не требующие цветов. Красота "живого" стекла.

 

Кари Расселл-Пул(Kari Russell-Pool) - английская мастерица-стеклодув, закончила институт искусств в 1991г. в Кливленде. 
Работает она в сотрудничестве с мужем. Он занимается металлической частью, сама Кари работает с пламенем.

 

Выбирать лучшую из её работ – почти то же самое, что пытаться выбрать кусочек торта в одной из лучших кондитерских. 
То есть практически невозможно, ведь все они прекрасны и привлекательны по-своему.

 

Кари работает со стеклом в своей собственной уникальной технике, создавая предметы, полные женственности, изящества и легкости. Среди произведений искусства Кари потрясающей красоты вазы, кубки, заварные чайники, цветочные композиции…

 

Несмотря на то, что в наше время так модно говорить о равенстве полов, каждая работа Кари Расселл-Пул говорит о том, что ее автор – женщина. 

Да и сама мастерица не отрицает тот факт, что именно будучи женщиной, матерью и женой, она находит источники вдохновения для своего творчества.

 

Кари Расселл-Пул утверждает, что в этом мире достаточно несовершенства и уродства, поэтому она старается сделать свои работы прекрасными.

Эту красоту мастерица создает не только при помощи витиеватых форм и множества деталей, но и при помощи цветовой гаммы, яркие и нежные тона которой довершают изысканность работ. Кари настаивает на том, чтобы ее называли мастером, а не художником, поскольку в основе всех ее работ лежит прежде всего мастерство.

 

Кари живет в маленькой живописной деревеньке Коннектикуте (графство Эссекс, Великобритания).

Каждый день она провожает своих двух дочерей в школу и отправляется вместе с мужем в их общую студию, где пара трудится до возвращения детей домой. Муж Кари, Марк Петровиц, также работает со стеклом, но они с женой создают разные работы, отличающиеся по стилю и технике исполнения, хотя иногда объединяют свои усилия в одном произведении.

 

Узнать о творчестве Кари Расселл-Пул больше можно на ее сайте, где мастерица не только демонстрирует свои работы, но и сопровождает каждую из них комментариями, в которых объясняет, что именно она хотела сказать этим произведением искусства и каковы были ее источники вдохновения.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Создать демотиватор

 

 

 

 

 

 

 

 

Источник

 

 

Такие разные шахматы: Какими шахматами играли в царской семье и в ГУЛАГе, в блокадном Ленинграде и в космосе... 

Источник: [url]ht

Такие разные шахматы...

История шахмат, которые родом из Индии, насчитывает не менее полутора тысяч лет. И на протяжении столь длительного времени мастера соревновались в изготовлении самых красивых шахматных фигур, используя для этого всю свою фантазию. И им это прекрасно удавалось. Вид шахматных фигур, созданных разными народами в различные эпохи, поражает, удивляет и восхищает.

Все мы привыкли к стандартному виду и цвету шахматных фигур. Однако такими универсальными они стали лишь с середины 19 века, до этого времени и вид шахматных фигур, и их цвет могли быть самыми разными. Из чего только их не делали! 
 

 

 

Традиционными материалами, конечно, были кость - слонов, мамонтов, моржей, и дерево, но использовали также серебро, драгоценные камни, перламутр, сандал, янтарь, бересту. Создаваемые образы также весьма многообразны - воины, исторические и сказочные персонажи, звери…
 

Эволюция шахматных фигур

Долгое время самым старинным сохранившимся набором шахмат считали набор статуэток начала 12 века с острова Льюис, что в Северной Шотландии. Фигурки из слоновой кости представляют собой персонажи королевского двора 12 века. 
 

 

Шахматные фигуры скандинавского прикладного искусства, найденные в 19 веке на острове Льюис.

Но в 2015 году на окраине города Самарканда (Узбекистан) обнаружили древнейший в мире набор шахматных фигур – семь миниатюрных скульптур из слоновой кости, настоящие шедевры. Среди них определили шаха, визиря, слона, двух всадников и двух воинов-пехотинцев. Исследователи отнесли находку к 7 веку.
 

 

 

Посмотрим еще на некоторые шахматные наборы, созданные в прошлом:
 

 

 

Ящик для шахмат (1351-1375), Германия
 

 

 

 

 

Шахматы из дымчатого топаза с серебряными и позолоченными деталями, набор 16-го века. Франция. В эпоху Возрождения cложные резные фигуры уступили место упрощенным абстрактным.
 

 

 

Мусульманские шахматы из Южной Азии белого и зеленого цвета. Слоновая кость, доска из дерева. Приблизительно 1700 год. 
Изображения людей и животных у мусульман были запрещены, поэтому фигуры имеют абстрактную форму.
 

 

 

Еще один мусульманский набор, 19 век, Индия
 

 

 

 

 

Шахматы белого и красного цвета из слоновой кости. Дьепп, Франция, 18-й век.
 

 

 

 

 

Шахматы, Geislingen, Германия, около 1780 года. 
 

 

Швейцария, около 1870 года

 

 

Дневные и ночные бабочки. Слоновая кость и черное дерево. Конец 18 века, Италия.
 

 

 

Раджастан, 1800 год, британская Ост - Индия
 

 

 

Фигурки в этом уникальном шахматном наборе были изготовлены вручную из кости и украшены стеклярусом, жемчугом, серебром и лаком.
 

 

 

 

 

 

 

 

 

Раджастан, около 1850 года, британская Ост - Индия, фигуры все с золочением.
 

 

 

 

 

Уникальные фигуры высшего качества из слоновой кости были выполнены в Индии опытными мастерами Ост-Индийской компании (John Company) в 18-19 веках. Тщательно продуманные наборы похожи на маленькие скульптуры.
 

 

 

 

 

Набор птиц из слоновой кости. Япония, приблизительно 1900 год
 

 

 

Китай, Контон, 19 век. Король Георг III и королева Шарлотта в белом и азиатские император и императрица в красном.
 

 

 

 

 

Мейсенский фарфор 1930 год. Подводный мир

Европейская эволюция шахматных фигур шла не только в изобразительном направлении, но и в абстрактном. К середине 19-го века Франция, Англия и Германия стали крупными шахматными центрами, и в каждой из этих стран все чаще стали использовать абстрактные шахматные фигуры, относящиеся к разным стилям, но все они уже во многом напоминали современные шахматы.

Франция, стиль «Режанс»
 

 

 

Так, во Франции были популярны фигурки в стиле «Режанс», названного так в честь известного парижского кафе, в которое многие приходили поиграть в шахматы.

Англия, стиль «Калверт»

 

 

 

 

Фигуры, выточенные на токарном станке и украшенные ажурной резьбой, первым начал выпускать шахматный мастер Джон Калверт. В честь него и назван этот стиль.

Германия, стиль «Селенус»

 

 

 

 

Этот стиль, «Селенус» или «Лунные шахматы», появился в Германии в начале 17-го столетия. Тонкие изящные фигурки будто тянутся ввысь к своей покровительнице Луне - Селене.

Универсальные шахматы Стаунтона

 

 

В 1851 году в Лондоне должен был состояться первый международный шахматный турнир. В связи с этим возникла необходимость создания универсального шахматного набора. Эта задача была поручена лондонскому художнику Натаниелю Куку, который прекрасно с ней справился. Созданный им благородный и совершенный дизайн сегодня известен каждому. Комплект фигурок показали знаменитому английскому шахматисту Говарду Стаунтону, считавшемуся в то время сильнейшим шахматистом в мире. Они ему так понравились, что он разрешил на коробках с этими шахматами ставить свое факсимиле, о чем его попросил Кук. И в 1849 году Натаниэль Кук запатентовал новый дизайн шахмат, который он назвал в честь знаменитого шахматиста - шахматы Стаунтона. Так что теперь о Стаунтоне знают многие, а про Кука как-то подзабыли.

 

 

Но, несмотря на повсеместное распространение этих стандартных шахмат, самые разные наборы как создавались, так и продолжают создаваться. Фантазии дизайнеров нет предела.
Хотелось бы показать несколько интересных наборов родом из России...

Шахматный набор Екатерины Великой
 

 

 

 

 

Набор конца 18 века из янтаря, возможно, принадлежал Екатерине Великой. Центральными фигурами являются с одной стороны - Екатерина II и ее фаворит Григорий Потемкин, а с другой - сын императрицы Павел I с женой.

Шахматный набор из царской семьи
 

 

Фото: АиФ/ Эдуард Кудрявицкий

Набор 19 века. В детстве этими фигурками играл будущий император Николай I. На доске русской армии, возглавляемой Петром I, противостоит армия турецкого султана. 

Шахматы «Красные и белые», агитационный набор
 

 

Шахматы «Красные и белые», агитационный фарфор СССР ЛФЗ, 1920-е, автор Наталья Данько

Эти знаменитые фарфоровые шахматы, символизирующие противостояние двух систем, выпустили спустя год после образования Советского. 
У белых (капиталистов) - король в виде скелета с бедренной костью в качестве скипетра и королева, бесстыдно демонстрирующая свое богатство. А также царские генералы и пешки (трудовой народ), закованные в цепи.

 

 

 

 

У красных же (коммунистов) – королевская чета – труженики. Король – рабочий-кузнец с молотом, а королева – крестьянка, держащая в руках сноп и серп. В качестве массовки использованы красноармейцы и колхозницы с серпами в руках.

 

 

 

 

ТОП 10: Знаковые проекты Сантьяго Калатравы

Его стиль легко узнаваем: романтический хай-тек или био-тек – так окрестили его критики. В работах испанского архитектора и скульптора Сантьяго Калатравы угадывается вдохновленность творчеством  Ле Корбюзье, но Калатрава пластичней и больше увлечен природой, хоть и так же лаконичен. Его опыт скульптора помогает видеть, чувствовать и воплощать пластику формы в архитектурных объектах. «Архитектура – суть скульптура, в которую можно зайти», говорит архитектор.

В сочетании форма-функция может показаться, что главенствующее место архитектор отводит форме, но его инженерный опыт умело подводит под эффектную форму правильно просчитанную, продуманную функциональную «начинку».

1.       Жилое здание Turning Torso. Мальм, Швеция, 2005 г.

Вдохновением послужила скульптура самого автора «Закручивающееся тело», которая изображает человека, готовящегося к метанию диска. 2-е по высоте здание в Европе (190 м, 54 этажа) и самое высокое здание Скандинавии, состоящее из 9 блоков, смещенных под определенным углом, что дало возможность повернуть верхний блок относительно нижнего на 90 градусов. В 2005 г. Turning Torsoбыло признано лучшим жилым зданием в мире на архитектурной выставке в Каннах.

2.       Архитектурный комплекс «Город искусств и наук» на осушенном дне реки Турия. Валенсия, Испания, 1998 г.

Один из самых значительных проектов Калатравы был запроектирован и построен в соавторстве с Феликсом  Кунделой.

Комплекс «Город искусств и наук» состоит из 5 зданий, названных по их каталонским названиям, 3 из которых запроектировал Калатрава:

El Palau de les Arts Reina Sofía — оперный театр и сцена для театральных постановок. Формой напоминает рыбу с открытым ртом. Самой интересной деталью является крыша-плавник – дугообразная конструкция из ламинированной стали длиной 270 м и весом в 3 т.

L'Hemisfèric — Кинотеатр Imax, планетарий, театр лазерных постановок. За образную основу взят человеческий глаз.

L'Umbracle — Галерея/сад

Город Искусств и Наук – своеобразная дань Калатравы родной стране и природным явлениям, в которых он постоянно черпает вдохновение.

3.       Концертный зал Аудиторио-де-Тенерифе. Санта-Круз-де-Тенерифе, Испания, 2003 г.

Это здание в стиле постмодернизма можно скорее отнести к арт-объектам, настолько оно необычно внешне. Форма, напоминающая не то рыбу, не то космический корабль; изогнутая крыша,  высота которой изменяется на протяжении всей длины; боковые окна, словно полузакрытые веками глаза. Здание интересно еще и тем, что у него нет главного фасада – с любой стороны оно смотрится интересно и законченно.

4.       Мост «Арфа Давида». Иерусалим, Израиль, 2008 г.

Первый подвесной мост в Иерусалиме. Общая длина – 360 м, ширина – 14,82 м, высота конструкции – 118 м. Мачта и полотно моста уравновешивают друг друга с помощью 66 струн диаметром 5 см, каждая из которых натянута между мачтой и своим сегментом моста. По мосту ходит иерусалимский трамвай и есть пешеходное движение.

5.       Реконструкция Олимпийского комплекса. Афины, Греция,  2004 г.

 «Звездой» комплекса является Олимпийский легкоатлетический стадион «Сияющая жемчужина Афин», который и стал символом игр. 200-метровые стальные арки, поднимающиеся на 60 м в высоту, выполнены по подобию параболы летящего легкоатлетического диска и поддерживают свод гигантского купола из ламинированного стекла. Также Калатрава предложил благоустроить комплекс за счет пешеходных дорожек и бульвара с живописной аркадой, обновить велодром оригинальной кровлей и сводчатыми стальными козырьками над входами. 

6.       Телекоммуникационная башня MontjuїkTower. Барселона, Испания, 1991 г.

Телекоммуникационная башня высотой 136 м, которая была построена для телевизионных трансляций  Олимпийских игр 1992 г. в Барселоне. По образу башня напоминает «узелок», хотя вдохновлялся архитектор фигурой атлета, держащего в руках Олимпийский Огонь.  Учитывая форму и высоту башни, ее также используют как солнечные часы.

7.       Реконструкция художественного музея, павильон «Квадраччи». Милуоки, США, 2001 г.

Павильон «Квадраччи» стал первой работой Калатравы в США. Он напоминает птицу, а также интересен тем, что является подвижной высокотехнологичной структурой: «крылья» размахом в 66 м складываются в неблагоприятную погоду и раскрываются в солнечный день. Тем самым регулируется инсоляционный и температурный режим в здании. «Крылья», возвышающиеся над озером Мичиган, получили название – «Солнечный бриз» и стали одним из символов штата Висконсин.

8.       Мост Аламильо, Севилья, Испания, 1992 г.

Одно из первых крупных творений архитектора. Идеей создания моста была демонстрация высоких стремлений при подготовке Сивильи к всемирной выставке ЭКСПО. Изначально Калатрава предложил сделать 2 симметричных моста, но из-за слишком высоких затрат на постройку проект был изменен. Мост состоит из единственной опоры (стрела 142 м выс.), уравновешивающей мостовой переход длиной 200 м при помощи 13 кабелей. 

9.       Вокзал «Ориенте». Лиссабон, Португалия, 1998 г.

Один из самых крупных транспортных узлов Португалии, а точнее – мультимодальный терминал (метро, автовокзал, аэропорт, ж/д). Как и в других работах Калатравы, в «Ориенте» четко прослеживается природная тема: навес над платформами ж/д станции напоминает лес, а само здание – скелет рыбы. Внутри здания не использовалась отделка – только «голые» бетонные конструкции. Здесь хорошо прослеживается то, что Калатрава  мыслит, в том числе, как скульптор: «Отсечь все лишнее, чтобы получить идеальную форму».

10.   Sundial Bridge at Turtle Bay, Реддинг, Калифорния, США, 2004 г.

Вантовый мост «Солнечные часы»через реку Сакраменто длиной  213 м открыт для велосипедистов и пешеходов. Поддержку полотну моста образует единая 66-метровая мачта. Благодаря своему дизайну (схожему с дизайном моста «Аламильо») он работает как солнечные часы и является самым большим устройством такого рода в мире.

http://www.calatrava.com/

Текст: Марина Теплова

ГЕНИАЛЬНАЯ СТРАСТЬ: МАЛОИЗВЕСТНЫЕ И УВЛЕКАТЕЛЬНЫЕ ФАКТЫ О ХУДОЖНИКЕ МИКЕЛАНДЖЕЛО ДА КАРАВАДЖО

 

Микеланджело Меризи да Караваджо, творившего в конце XVI-начале XVII веков, называют одним из самых выдающихся итальянских художников. Он стремился изображать сюжеты на своих полотнах максимально реалистично, что совершенно не соответствовало общепринятым канонам того времени. Персонажи на его картинах выглядят не отстраненными, а полны эмоций и страсти, которыми наделил их художник. Несмотря на то что, работы Караваджо не сразу были приняты его современниками, его творчество оказало большое влияние на развитие мировой живописи. О некоторых интересных фактах биографии художника – далее в обзоре.

 

 

Воскрешение Лазаря. Караваджо, 1609 г.

В 1608 году, пребывая в Мессине на Сицилии, художник получил заказ от известного купца. Писать можно было что угодно, и Караваджо выбрал сюжет на библейскую тематику – воскрешение Лазаря. На картине мужчины держат тело, пролежавшее в гробу четверо суток. Живописец настолько стремился показать всю реалистичность происходящего, что нанял работников, которые выкопали для него тело недавно умершего юноши. Люди, которые позировали художнику, наотрез отказывались держать разлагавшееся тело. В ответ на это разозлившийся Караваджо даже пригрозил им ножом, заставляя исполнять приказ.

 

Успение Богоматери. Караваджо, 1601-1606 гг.

Персонажи на картинах, написанных на библейскую тематику, больше напоминают простолюдинов, нежели святых. Из-за этого некоторые церкви даже отказывались принимать работы художника. По мнению священнослужителей, они не вызывали фанатичного трепета у прихожан.

Корзина с фруктами. Караваджо, ок. 1596 г.

Благодаря Караваджо, в мировой живописи появилось такое направление, как натюрморт. Художник одним из первых сделал неживые предметы «главным персонажем». Живописец постоянно боролся с вековыми устоями: делить работы на «низменные» и «высокие». Картину «Корзина с фруктами» он написал в 23 года. Особое внимание Караваджо уделял прорисовке мельчайших деталей, за счет которых достигался реалистичный эффект.

Вакх. Караваджо, ок. 1596 г.

 

Исследователи творчества Караваджо в один голос заявляют, что художник писал картины сразу на холсте без предварительной подготовки. После его смерти не было обнаружено ни одного эскиза или рисунка.

Жертвоприношение Исаака.

Главной чертой, отличавшей Караваджо от других художников того времени, была нарочитая реалистичность. Художник не боялся изображать эмоциональные сцены насилия, жестокости. Главными героями его полотен нередко становились выходцы из низов общества. Картины Караваджо на выставках выставляли последними, чтобы они не перетягивали на себя все внимание публики, а до тех пор они были накрыты плотным сукном.

Портрет Караваджо работы Оттавио Леони, ок. 1621 г.

Караваджо никогда не был законопослушным гражданином. Из-за буйного нрава он постоянно попадал в переделки, будь то драки в тавернах или выкрикивание непристойностей в состоянии опьянения. За это его периодически штрафовали или отправляли за решетку на несколько дней. Но однажды художник «влип по-крупному». В пылу гнева Караваджо совершил убийство, после чего бежал в Неаполь. Спустя некоторое время он отправился Ла-Валетту и вступил в Мальтийский орден. Но и там живописец надолго не задержался, потому что повздорил со старшими по званию. И снова начались скитания.

Саломея с головой Иоанна Крестителя.

А в это время кардинал Гонзага выпрашивал у Папы Римского помилование для художника. Узнав об этом, Караваджо обрадовался и отправился в Рим. По дороге туда его схватили, т. к. приказ об аресте пока еще никто не отменял. В тюрьме художник провел чуть меньше недели, но этого хватило, чтобы он заразился малярией. 31 июля 1610 года в Риме огласили сразу два сообщения: в первом говорилось о помиловании Караваджо, а вторым оказалось известие о его смерти.

 

Источник →

ХУДОЖНИК СОСТАВЛЯЕТ УДИВИТЕЛЬНО РЕАЛИСТИЧНЫЕ КАРТИНЫ ИЗ КАМНЕЙ, НАЙДЕННЫХ НА ПЛЯЖЕ

Родиться и расти в Фано означает жить в симбиозе с морем и его песчаными пляжами, усыпанными камнями. Одна из самых увлекательных игр в этих краях — это изучение маленьких камушков необычной формы, которые напоминают что-то или кого-то. Художник Стефано Фурлани, будучи приверженцем сохранения традиций, передал это увлечение сыну Давиду, когда тому было три года. Он сразу же проникся этим даром природы. Включив воображение, он принялся старательно искать необычные камни с уникальной геометрией.

Отец и сын собирали и раскладывали эти камни вместе, сидя на пляже под зонтиком. Так они стали создавать все более сложные и детальные композиции. Проблема была лишь в том, что после создания каменных картин оставалось лишь наблюдать, как их разрушает прилив. Это навело Стефано на мысль о том, чтобы положить камни на деревянную основу и сделать их настоящими картинами.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Источник →