Концерт для фортепиано с оркестром № 23 ля мажор (К. 488) был написан Вольфгангом Амадеем Моцартом 2 марта 1786 года. Концерт написан для фортепиано и оркестра, состоящего из одной флейты, двух кларнетов, двух фаготов, двух валторн и струнных. Как и в более поздних работах Моцарта, количество духовых инструментов соответствует количеству струнных. 

Концерт состоит из трёх частей общей длительностью около 26 минут:

1. Allegro ля мажор, размер 4/4
2. Adagio фа-диез минор, размер 6/8
3. Allegro assai ля мажор alla breve, рондо

Это блестящее и глубокое сочинение. В первой части есть виртуозная каденция, вписанная Моцартом в партитуру, и абсолютно невиртуозные соло. Финальное рондо относится к категории «приятных для слуха»,  благодаря разнообразию: в нем не менее семи различных тем, которыми солист обменивается с оркестром. Но наиболее знаменита вторая часть - Сицилиана, благодаря которой этот концерт уже третье столетиe — самый популярный из всех 27 фортепианных концертов Моцарта.

Мызыка этого концерта мне очень нравится, но оказывается не только мне.

Однажды Сталин позвонил в Радиокомитет, где заседали руководители нашего радиовещания. И спросил, есть ли пластинка фортепианного концерта Моцарта N23, которую он слушал по радио накануне. «Играла пианистка Юдина,» — добавил он. Сталину отрапортовали, что, конечно, есть. На самом деле ее не было. Концерт передавали из студии. Но Сталину смертельно боялись сказать нет. Никто не знал, какие будут последствия. Жизнь человеческая ничего не стоила. Можно было только поддакивать. 

Сталин велел, чтобы пластинку с концертом Моцарта в этом исполнении доставили к нему на дачу. В Радиокомитете паника. Вызывают Юдину. Собирают оркестр. Ночью устраивается срочная запись. Все тряслись от страха. Кроме Юдиной — ей море по колено. Она позднее рассказывала, что дирижера пришлось отправить домой. Он от страха ничего не соображал. Вызвали другого. Но и этот дрожал и только оркестр сбивал. Только третий оказался в состоянии довести запись до конца. Думаю, это уникальный случай в истории звукозаписи. Факт смены трех дирижеров в течение одной записи. К утру она была готова. На другой день изготовили единственный экземпляр пластинки. В исторически кратчайшие сроки. И отправили ее Сталину. Это тоже был рекорд. Рекорд подхалимажа.

Мария Вениаминовна Юдина

Современники обычно редко знают гениев, с которыми живут рядом, — исторические, почившие в бозе знаменитости гораздо понятнее и милее. О них уже составлено мнение, они уже мирно заняли свою нишу в здании человеческой культуры, их авторитет незыблем. Иное дело — те, кто ушёл от нас недавно и в силу этого мало известен широкой публике. О них ещё нужно спорить, их имена ещё ждут своей очереди у иерархической лестницы. Однако есть среди претендентов в гении бесспорные личности. К таким необсуждаемым великим принадлежит и Мария Вениаминовна Юдина. Её гениальный дар пианистки не вызывает сомнений, но Юдину ещё справедливо называют «художником эпохи Возрождения». Она была не только гениальным музыкантом мыслителем, но и энциклопедистом в полном смысле этого слова, человеком сильным, страстным, не похожим ни на кого, на редкость смелым и энергичным. 

Юдина выделялась во всём. По своему формировала репертуар, одевалась не так, как другие, по своему держалась на сцене, отличалась интерпретацией классиков, иначе обращалась с роялем. Игру Марии Вениаминовны характеризовали крайности. Она любила предельные темпы, вела медленные места медленнее, быстрые — быстрее обычных. 

Возможно, свою незаурядность Мария унаследовала от отца, который, несмотря на отчаянную бедность своего семейства, закончил медицинский факультет у Склифосовского, а вернувшись в родной город Невель, стал одним из самых уважаемых и известных врачей захолустной еврейской провинции. Вениамин Гаврилович представлял тот тип земского врача, который описан в русской литературе как образец настоящего интеллигента. Он не только лечил, но и беспрестанно хлопотал об общественной пользе — участвовал в открытии школ и больниц, строил артезианские колодцы, читал лекции. Энергией он обладал неумеренной, бескомпромиссность его не знала пределов — самого губернатора он однажды спустил с лестницы. Но если характером Мария вышла в отца, то музыкальные способности передались ей от матери. Одна из учениц Антона Рубинштейна, жившая тогда в Витебске, заметила талант Маруси и предложила свои услуги по обучению девочки. Эта блестящая пианистка — женщина обеспеченная — никогда не брала учеников и сделала исключение только для неё.

Мария Юдина в юности

Для Юдиной религия не стала лишь очередным теоретическим отделом человеческой культуры, христианское подвижническое служение составляло — как и музыка — соль её жизни. Мария Вениаминовна как-то подсознательно и простосердечно, не рассуждая, осуществляла на деле идеалы православной соборности — «общиной» был для неё, пожалуй, весь мир.

Студенты боготворили молодого педагога и уважали ее странности. Мария Юдина приходила в консерваторию в длинном черном платье, напоминавшем монашеское одеяние. Но когда садилась за рояль, рождалось волшебство, от которого перехватывало дыхание.

Из-за ее религиозных убеждений Юдину уволили из Консерватории. Власть яростно выкорчевывала «опиум для народа», а Юдина в монашеском платье с крестом на груди, открыто проповедовавшая, что культура без веры пуста, оказалась в центре внимания. В 1930-м преподавательнице и профессору Марии Юдиной отказали от места. Увольнению предшествовала статья под говорящим названием «Ряса на кафедре».

 В 1932 году Юдину на 2 года приютила консерватория Тбилиси, а в 1936-м пианистка приехала в Москву: позвали преподавать.

В столичной консерватории профессор продержалась 15 лет. Мария Вениаминовна не таясь восхищалась творчеством «упаднических» и «буржуазных» композиторов, музыкой Стравинского, переписывалась с Пьером Булезом, итальянцем Луиджи Ноно, играла «чуждые народу» сочинения Дмитрия Шостаковича и Сергея Прокофьева.

По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка,
до которой красота досягала в сфере музыки.
П.И. Чайковский.

Сегодня в Концертном зале Мариинского театра звучала музыка любимого мною Моцарта.

ИСПОЛНИТЕЛИ:

Симфонический оркестр Мариинского театра 
Солист и дирижер – Рудольф Бухбиндер

В ПРОГРАММЕ:

Вольфганг Амадей Моцарт 
Концерт для фортепиано с оркестром № 9 ми-бемоль мажор, KV 271 
Концерт для фортепиано с оркестром № 27 си-бемоль мажор, КV 595 
Концерт для фортепиано с оркестром № 25 до мажор, KV 503

О Рудольфе Бухбиндере позднее. А сейчас поговорим о фортепьянных концертах Моцарта.

Мне очень нравится его 23 концерт.ля-мажор . С него, пожалуй, и начнем. 

Говорят, этот концерт лучше всех играла великая русская пианистка Марина Юдина. Однажды ночью 1944 года, когда Сталин неожиданно услышал по радио трансляцию фортепианного концерта № 23 Моцарта, у него на глазах появились слезы, и он немедленно потребовал сделать оттиск, чтобы всегда иметь при себе пластинку. Когда Юдина приехала домой после концерта, то надолго уснуть ей не удалось: её разбудили офицеры, увезли в студию звукозаписи, где её уже поджидал наскоро собранный небольшой оркестр, — и так была сделана запись прямо в середине ночи, а единственная копия была оттиснута с матрицы и затем представлена Сталину (матрица сохранилась, и запись доступна на компакт-диске).

Привязанность Сталина к искусству М. Юдиной могла являться следствием не сентиментальности, свойственной многим диктаторам, а своеобразной попыткой терапии диссоциативного расщепления личности – оплакиванием «прежнего человека», в своё время убитого внутри себя революционером и вождём.

Несмотря на признание со стороны вождя, пианистка оставалась бескомпромиссным критиком режима. А когда ей выдали Сталинскую премию, то она пожертвовала её Православной Церкви на покрытие «бесконечных сталинских грехов». Я. С. Назаров рассказывает: «У меня есть два врага, — говорит Юдина, прибирая со стола после обеда, — крошки и Советская власть». Однако М. В. Юдина, по свидетельству её ученицы М. Дроздовой, «не была диссиденткой… ничего не провозглашала, не писала писем протеста, не звала на демонстрацию».

Мне не так нравится ее исполнение этого концерта. На мой взгляд, излишне романтическое. Стиль Юдиной — играть всё «под Шуберта»: проникновенно-драматично, певуче, ясно, предпочитая замедленные темпы. 

Любил играть этот концерт и В.Горовиц.

Но самым проникновенным исполнителем данного концерта я считаю Даниила Трифонова, Лауреата XIV Международного конкурса имени П. И. Чайковского в Москве (июнь 2011, Гран-при, I премия и Золотая медаль). Один известный музыкальный критик писала о нем: "В его игре есть абсолютно все, и даже больше... и нежность, и демонизм. Я никогда не слышала ничего подобного." Даниил Трифонов родился в 1991 году в Нижнем Новгороде, обучался в Московской детской музыкальной школе им. Гнесиных и Кливлендском институте музыки. Послушайте 23 концерт Моцарта в его исполнении. Правда, мне не нравится, когда он гримасничает. Д.Трифонов еще и музыку сам сочиняет. Но мальчик гениальный.

Итак, Вольфганг Амадей МОЦАРТ (1756 - 1791) . Лучше Моцарта может быть только Моцарт. Он вобрал в себя красоту музыки всех предшествующих поколений. Вершиной его творчества были фортепианные концерты. Моцарт научил фортепьяно разговаривать с оркестром. Фортепианных концертов у Моцарта 27. Из них 25 написаны для одного клавира с оркестром, 1 — для двух и 1 — для трех клавиров с сопровождением. Эти сочинения — важная веха в истории концертного жанра. Моцарт — создатель классического типа фортепианного концерта. Его концерты — уже не ансамбль с более развитой партией солиста, как у Баха, а произведения, основанные на контрастном сопоставлении солирующего инструмента и остальной оркестровой массы. Контрастность подчеркивается наличием двух экспозиций (первой — оркестровой и второй — с участием солиста), оркестровых tutti, во время которых солист не играет, и виртуозным развитием фортепианной партии, кульминация которого приходится на каденцию. В те времена каденции импровизировались. Обычно их бывало две — в конце первой и в конце третьей части. Сохранившиеся каденции Моцарта к некоторым собственным концертам, по свидетельству современников, представляют собой облегченные варианты для учеников, не дающие полного представления о виртуозных каденциях, которые импровизировал сам автор. В настоящее время при исполнении концертов Моцарта — в тех случаях, когда композитор не оставил собственных каденций, — нередко пользуются каденциями, написанными его учеником Гуммелем.

Девятый концерт Моцарта – ми бемоль мажор, а по справочнику Кёхеля – 271-й. Это один из самых популярных концертов композитора – с развернутой фортепианной партией он ничем не уступает его поздним большим концертам. Он сразу начинается разговором оркестра и фортепиано…

Концерт № 9 для фортепиано с оркестром Моцарта написан в 1777 году. Моцарту было всего лишь 21 год. Но второе название концерта «Jeunehomme» не имеет никакого отношения к возрасту композитора. Речь идет о молодой французской пианистке, которая была проездом в Зальцбурге, для которой, возможно композитор и написал концерт.

На 15 Конкурсе имени Чайковского, который сейчас проходит в Москве, осталось после первого тура всего 6 пианистов. Среди них Даниил Харитонов, который в конкурсной программе играл 9 концерт Моцарта. Ему сейчас 16 лет. Родился в Южно-Сахалинске. Учится в Центральной музыкальной школе (колледже) при Московской государственной консерватории им. Чайковского. В настоящее время является учеником Валерия Пясецкого. В шесть лет стал стипендиатом фонда «Новые имена». В 2010 году одержал победу на XI Международном телевизионном конкурсе юных музыкантов Вот как он играл этот концерт еще 3 года назад с оркестром В.Спивакова

Что же касается, Двадцать седьмого концерта, то он написан в 1791 году. Это последний год жизни Моцарта – год неимоверного и плодотворного труда. В этот период композитором создаются три оперы – «Милосердие Тита», «Так поступают все женщины», «Волшебная флейта», множество инструментальных сочинений и знаменитый «Реквием». До сих пор неизвестна причина болезни Моцарта, сведшей его в могилу в неполные тридцать шесть лет. Я читал исследования одного русского кардиолога, который по симптомам болезни композитора диагностирует, что это был рядовой инфаркт. Ведь в детстве Моцарт более девяти лет провел в гастрольных путешествиях и очень много болел. Другие исследователи считают, что Моцарта убила невероятно напряженная творческая деятельность – у него просто не осталось жизненных сил. Но именно в 1791 году начался настоящий моцартовский бум: все жаждали слушать музыку композитора, возобновились концерты по подписке; именно для них был написан Двадцать седьмой си-бемоль-мажорный концерт – вершина фортепианного творчества Моцарта…»

В моей коллекции есть этот концерт в исполнении Эмиля Гилеса.

Во втором отделении сегодня  прозвучал 21 концерт Моцарта. Этот концерт был написан в 1785 году. В нем очень виртуозная солирующая партия пианиста, требующая от него большой концентрации и собранности. Волевая музыка первой части является предтечей будущих образов Бетховена, искрометный финал звучит необычайно жизнерадостно, но самое главное здесь – это, конечно же, вторая часть, знаменитое Andante. Её можно назвать арией, настолько прекрасно “поет” рояль эту музыку…

Я покажу Вам 21 концерт в исполнении Николая Луганского. Николай Луганский — музыкант, которого называют одним из самых «романтических героев» современной фортепианной игры. «Пианист всепоглощающей чувствительности, который выдвигает вперед не себя, а музыку…» (The Daily Telegraph).

Николай  родился в 1972 году в Москве. Учился в ЦМШ у Т. Е. Кестнер и в Московской консерватории у профессоров Т. П. Николаевой и С. Л. Доренского, у которого продолжил обучение в аспирантуре.

Пианист —  лауреат VIII Международного конкурса имени И. С. Баха в Лейпциге (1988), Всесоюзного конкурса имени С. В. Рахманинова в Москве (1990), обладатель специальной премии Международной летней академии Mozarteum (Зальцбург, 1992), лауреат  Х Международного конкурса имени П. И. Чайковского в Москве (1994). 

А вот Рудольф Бухбиндер дает интервью перед  своим концертом..

А закончу я 25 концертом в исполнении Рудольфа Бухбиндера. Он играет в одном их лучших залов мира в Вене Музикферайн. Концерт C-dur № 25 Моцарта интересен также тем, что Чайковский использовал одну тему для мелодии пасторали в «Пиковой даме» (дуэт Прилепы и Миловзора).

На одном из форумов провели голосование на тему, какой из концертов Моцарта больше нравится. Вот результаты.

При всей ясности своего ума, трезвости и логичности мышления, Моцарт — всегда поэт, поэт лирический, сообщающий своим творениям какой-то особый, сердечный, ласкающий оттенок. В самой личности Моцарта было много этой чудесной внутренней теплоты и обаяния. Мужественный человек и художник, он привлекал к себе душевной четкостью и мягкостью характера.

Музыка настраивает струны наших душ, как- то по-особому и мы смотрим на мир,
тогда "другими  глазами" и живем нашу жизнь  легче, радостнее и спокойнее, как хорошо настроенный инструмент...

16 ноября 2011 года в Малом зале Филармонии состоялся юбилейный концерт в честь моего друга Виктора Лисняка, которому в тот год исполнилось 65.

Я тогда написал маленькое эссе о Викторе, струнном квартете им.Стравинского, где он играет уже много лет.

А сегодня, 22 октября 2014 года в рамках 1 концерта 5 абонемента "Ритмы души" в Малом зале Филармонии мы вновь побывали на сольном концерте Виктора Лисняка.
Программа концерта объединила в себе романтизм разных эпох. В 1 первом отделении звучала музыка Генделя, Баха и  Моцарта (Сонаты для скрипки и клавира). Во 2 отделении Виктор Лисняк исполнил Шумана: Три романса; Венявского: Легенда, Куявяк; Глазунова: Большое адажио из балета "Раймонда"; и Чайковского: Русский танец из балета "Лебединое озеро".

Красивая романтическая музыка это творение добра, это музыка без слов способная менять людей к лучшему и направлять их в сторону духовных ценностей. Главная особенность красивой музыки – она существует только когда звучит.  Музыка романтического характера отражает теплые чувства между людьми и несет положительные эмоции, она обостряет чувства, раскрепощает к различным поступкам.

Гендель, Бах и Моцарт - три величайших композитора,чье творчество взывает к силе человеческого духа, к торжеству разума, красоты.

Именнно во времена Генделя появился сам термин "соната". В переводе с итальянского языка «sonare», то есть соната – означает звучание. Это слово появилось примерно в шестнадцатом веке, одновременно со словом кантата. В это время, по-видимому, возникла необходимость разделять музыку на вокальную и инструментальную. Музыка для пения – это кантата, а музыка для  – это соната. Состоит она из трех или четырёх частей. Пишется соната для одного инструмента, к примеру, соната для фортепиано, соната для скрипки или соната для камерного состава инструментов, к примеру, соната для фортепиано или соната для виолончели. Но самая известная соната во всем мире – соната № 14 до- диез минор Л. В. Бетховена. Ее стали называть «Лунной» уже после смерти композитора. Если сравнить сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с повестью или романом. Соната делится, как и они, делится на несколько глав, то есть частей. Так же, как повесть или роман соната имеет различных героев: музыкальные темы, которые не просто следуют одна за другой, а взаимодействуют, то есть влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.

Развитие музыки, которая построена в сонатной форме сравнима с действиями в драматической пьесе. Сперва композитор знакомит с основными действующими лицами – музыкальными темами, затем, действие развивается и достигает вершины, после чего следует развязка. Таким образом, можно сделать выводы и сказать, что сонатная форма состоит из трех разделов, а именно, завязка (экспозиция), где основные формы экспонируются или появляются в различных тональностях, собственно действия – разработки и результата – репризы.

Музыка сонаты, на первый взгляд кажется естественной, простой, лаконичной и ясной, но при этом, она наполнена чувствами и движется «от сердца к сердцу». Кстати, так говорил сам Бетховен. Предательство, любовь, страдание, надежда, все это отражается в сонатах.

Как сказал один музыковед, "Соната – это музыкальная беседа или воспроизведение разговора людей при помощи неживых инструментов".

О музыке Генделя можно много говорить. Л. ван Бетховен считал Генделя величайшим композитором всех времен. Конечно, эта оценка преувеличена; тем не менее нельзя отрицать, что его творчество принадлежат к самым впечатляющим памятникам музыки барокко

Ученик и биограф Генделя Чарльз Берни писал: «Облик его... был полон достоинства и духовного величия. Выражение лица его было обычно угрюмым, но когда он улыбался, то был похож на пробившиеся сквозь черные тучи солнечный луч». . 

Если бы Гендель жил в наше время, он наверняка сочинял бы мюзиклы и саундтреки - и это были бы самые грандиозные мюзиклы и самые качественные, лучшие и популярные саундтреки. Музыка Генделя - это массовое искусство первой половины XVIII века, а сам он - величайший шоумен своей эпохи. Гений Генделя вобрал в себя весь современный ему музыкальный фон, все штампы, все приемы «изготовления» музыкального «продукта».

Интересно сравнить Генделя с Бахом (мы постоянно будем возвращаться к этой параллели). Если Бах черпал свое творчество из Евангелия, литургической жизни Лютеранской Церкви и каких-то запредельных глубин своей души, отсекая при этом те формы музыки, которые не вмещали это содержание (например, Бах не писал опер), то Гендель чрезвычайно чутко улавливал процесс сиюминутной культурно-общественной жизни, запечатлевая его в привычных эпохе звуках. Но это не просто музыкальное отражение своего времени, как в зеркале, - иначе о Генделе никто сегодня бы и не вспомнил. Своим великим творческим даром Гендель переплавил массовое, обыденное и повседневное искусство в строгую, величественную и полнокровную музыку, несущую в себе и отображение вечной небесной гармонии. Музыка Генделя глубока, радостна и здорова; она пережила свое время и свою эстетическую среду и сделалась драгоценным достоянием всех времен и всех народов.

Послушайте, как звучит моя любимая скрипичная соната Генделя.  

Музыка Баха не звучала в салонах. Она исполнялась только в церквях. Надо заметить, что только в 19 веке стали издаваться ноты произведений Баха

Мне очень нравится соната соль-минор соло Баха, но она не звучала в концерте.  

Послушайте часть из сонаты №4 Баха.  

А музыка Моцарта вобрала в себя и музыку Генделя, и музыку Баха.

Хотя в детстве и ранней юности Моцарт объездил почти всю Европу и познакомился со всеми существовавшими тогда музыкальными школами, стилями и направлениями, музыки И.С.Баха и Г.Ф.Генделя он практически не знал вплоть до того, как обосновался в 1781 году в Вене. В немалой степени Моцарт был обязан знакомством с творчеством Баха и Генделя барону Готфриду ван Свитену, который, находясь в свое время на дипломатической службе в Берлине и Лондоне, проникся нетипичной для человека своего времени любовью к «трудному» искусству мастеров позднего барокко. Ван Свитен не только устраивал у себя дома музыкальные вечера для узкого круга избранных (к этому кругу принадлежали, между прочим, Моцарт, Гайдн, И.Г.Альбрехтсбергер, а в 1790-е годы – молодой Бетховен), но и организовал «Общество объединенных дворян», целью которого было ежегодное устройство ораториальных концертов во дворцах венских меценатов, где звучала музыка Генделя, И.А.Хассе, К.Ф.Э.Баха, а позднее обе поздние оратории Гайдна. Ван Свитен, которого иногда упрекают в скупости, быть может, и являлся таковым, однако он заведомо не располагал такими средствами, чтобы лично финансировать столь дорогостоящие мероприятия; это было возможно только при участии других, более состоятельных, аристократов.

Концерты Общества проходили с 1787 года, и Моцарт являлся почти бессменным их дирижером.

Занимаясь заказанными ему флейтовыми квартетами и концертами, композитор 14 февраля 1778 года из Мангейма писал отцу: «Как Вы знаете, я тупею, если мне приходится все время писать для некоего инструмента (который я терпеть не могу); следовательно, время от времени я для перемены сочинял что-нибудь иное – клавирные дуэты со скрипкой». Свою первую скрипичную сонату Моцарт начал сочинять в 1762 году, в возрасте 6 лет, последняя появилась в 1788-м, в один год с симфониями №39–41. Всего же Моцарт написал более трех десятков сонат для скрипки. Способ сочинения этих «музыкальных бесед» соответствует образу Моцарта – беззаботного гения, творившего, как птицы поют: сонаты часто возникали словно сами собой, между делом. 

Когда Моцарту было 20 лет, он написал отцу домой: «Только об одном я просил бы для себя в Зальцбурге: чтобы мне не быть более при скрипке, как это было прежде. Скрипачом я больше не буду; я хочу дирижировать за клавиром и аккомпанировать в ариях»; «Я композитор и рожден быть капельмейстером. Я не имею права закапывать мой талант композитора, которым меня так щедро наградил милостивый Господь. Я могу сказать это без ложной скромности, ибо чувствую это больше, чем когда-либо… Я бы скорее, так сказать, пренебрег клавиром ради композиции. Ибо клавир для меня – дело второстепенное, но, слава Богу, очень важное второстепенное».
Год вместил немало впечатлений и еще больше переживаний. В Мангейме Моцарта подстерегала любовь к Алоизии Вебер (старшей сестре его будущей жены), в штыки воспринятая его отцом, в Париже ждала жизнь на положении «вольного стрелка», работа для Духовных концертов, балета Парижской оперы и тяжелейшее потрясение – смерть матери. 
Соната соль мажор (KV 379) сочинена в апреле 1781 года, накануне окончательного разрыва с архиепископом. К тому моменту Моцарт был уже морально готов остаться в Вене даже и без постоянного места службы: репутация прекрасного пианиста сулила и многообещающие концертные выступления, и платежеспособных учеников. 

Послушайте эту сонату

Соль-мажорная соната была напечатана в ноябре 1781 года под ор.2 №5 в числе «шести сонат для клавира в сопровождении скрипки достаточно известного и прославленного господина Вольфганга Амадея Моцарта» с посвящением пианистке Жозефе Барбаре фон Ауэрнхаммер. Это была первая публикация музыки композитора в Вене, в знаменитом издательстве «Артариа».

Сонаты встретили прекрасный прием и уже при жизни Моцарта переиздавались в Амстердаме и Лондоне. Анонимный рецензент написал в гамбургском журнале Magazin der Musik от 4 апреля 1783 года: «Эти сонаты – единственные в своем роде. Они богаты новыми идеями и приметами великого музыкального гения их сочинителя. Весьма блестящи и соответствуют инструменту. При этом аккомпанемент скрипки так искусно связан с партией клавира, что оба инструмента постоянно привлекают к себе внимание, так что сии сонаты требуют столь же законченного исполнителя на скрипке, как и на клавире. Однако невозможно дать полного описания сего оригинального творения. Любители и знатоки должны сперва сами проиграть их, и тогда они убедятся, что мы ничего не преувеличили». Как видно, слова «аккомпанемент скрипки» в то время никого не шокировали.

Соната ми минор сегодня одна из самых популярных благодаря драматизму, лаконичности, обостренной чувствительности, доходящей до страстности, длинным певучим темам. Все эти качества, свойственные классической музыке периода «бури и натиска», высоко ценились в эпоху романтизма и ценятся по сей день. Соната вдохновила знатока моцартовского наследия Германа Аберта на истинно романтический панегирик: «Таких глубоко трагичных звуков, как в скрипичной сонате e-moll (KV 304), мы долгое время не слышали у Моцарта. Было ли это воспоминанием о мангеймской сердечной катастрофе, которое овладело им, или проявлением чувства одиночества в чужом, враждебном городе? Во всей сонате… нет ни одного такта, который не был бы пережит пылким сердцем. Послушайте эту сонату.

Моцарт не стремился писать музыку будущего . Он вошел в контекст своего времени вполне естественно. Другое дело, что он преобразил этот контекст в некий микрокосм своего сознания, . создал собственный, удивительно яркий и . какой-то волшебный мир.

В начале 2 отделения концерта прозвучали три романса Шумана.

Как композитор Шуман был всей душой предан романтизму. Литературные впечатления юности и импульсивный темперамент сочетались с тяготением к поиску новых выразительных средств. Шуман испробовал свои силы почти во всех основных музыкальных формах, включая симфонию, оперу, ораторию, но главными для него стали сферы чисто фортепианная и камерно-вокальная.

Шуман – один из самых ярких представителей прогрессивного романтического искусства 19 в. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана было антитезой атмосфере мещанской Германии 20-х - 40-х гг. 19 в. Бросая вызов этому царству духовной нищеты, оно звало в мир высокой человечности, воспевало богатство, красоту и силу чувства. Нетерпеливая страстность и гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей – таковы наиболее характерные черты музыки Шумана.

Наверное, мы не знали бы Шумана, как композитора, если бы не любовь его к Кларе Вик, которую он увидел впервые в 1828 году и более 10 лет добивался ее руки. Клара Вик родилась в Лейпциге 13 сентября 1819 г. Её родители Фредерик и Марианна Вик развелись, когда ей было 6 лет. Клара осталась с отцом, известным музыкальным педагогом. Это событие травмировало девочку, однако мать и дочь постоянно переписывались друг с другом, и, несомненно, на развитие и воспитание Клары повлияли оба родителя.

В марте 1828 г., в возрасте восьми лет, молодая Клара Вик выступала в доме д-ра Эрста Каруса, лейпцигского психиатра, директора психиатрической больницы, на этом выступлении она познакомилась с другим одарённым молодым пианистом по имени Роберт Шуман, также приглашенным на этот музыкальный вечер, который был на 9 лет старше её. Шуман был восхищен игрой Клары настолько, что позже попросил разрешения у матери прекратить своё обучение юриспруденции, которая никогда его не интересовала, и брать уроки музыки у отца Клары, Фридриха Вика. Занимаясь обучением, он снял две комнаты в доме Вика, и прожил около года.

В 1830 г., в возрасте одиннадцати лет, Клара в сопровождении отца уехала на гастроли по городам Европы, с конечной остановкой в Париже. Свой первый сольный концерт она дала в Лейпциге. В Веймаре она исполнила бравурную пьесу Анри Герца в честь Иоганна Гёте, который подарил ей медаль со своим портретом и дарственной надписью - "Для талантливого музыканта Клары Вик." Во время этого турне Никколо Паганини был в Париже, и он предложил ей выступать вместе, однако её парижские концерты были малопосещаемые, т.к. большинство людей покинуло город из-за вспышки холеры.

В возрасте 18 лет Клара Вик провела серию концертов в Вене в период с декабря 1837 г. по апрель 1838 г. Ведущий австрийский поэт того времени Франц Грильпарцер написал стихотворение под названием "Клара Вик и Бетховен". Её концерты в Вене проходили с большими аншлагами, публика полюбила её, критики наперебой писали хвалебные рецензии на её выступления, коллеги-музыканты так же отмечали её талант. 15 марта 1838 г. она была удостоена титула "Императорский и королевский камерный музыкант", самой высокой музыкальной чести Австрии.

Роберт Шуман был увлечён Кларой, когда её было 15 лет. К тому времени, когда ей стало семнадцать, Шуман был в нее влюблен.

В 1837 г. Шуман просил руки Клары у её отца, но получил отказ. В последующие годы её отец Фридрих сделал все от него зависящее, чтобы помешать Кларе выйти замуж за Шумана, заставив влюблённых даже обратиться в суд, признавшего за Кларой право на замужество без отцовского согласия.

В этот период Шуман, вдохновленный любовью к Кларе, написал многие из своих самых известных произведений, в том числе песенный цикл «Любовь поэта» (Dichterliebe)(1840) на стихи Генрих Гейне.

В конечном итоге они поженились 12 сентября 1840 г. После замужества она продолжала выступать и сочинять, даже когда воспитывала семерых детей (восьмой ребенок умер в младенчестве).

В совместных выступлениях с мужем, она расширила свою репутацию и Роберта за пределами Германии, в том числе благодаря её усилиям по содействию в продвижения его творчества, мы знаем именно того Шумана, каким он есть.

В концерте были исполнены Три романса Шуберта. Некоторые утверждают, что музыку написала Клара Вик, а некоторые приписывают ее Роберту Шуману.

Потом звучала музыка Венявского, о которой Виктор Лисняк во вступительном слове сказал, как о незаслуженно забытой.

Великий польский скрипач и композитор Генрик Венявский родился 10 июля 1835 г. в Люблине, умер 31 марта 1880 г. в Москве. 
В 1843 г. был принят в консерваторию в Париже, где с 1844 г. был учеником Л. Массарта. В 1846 г., успешно закончив консерваторию, начал активную концертную деятельность. В 1851-1853 гг. вместе с братом Юзефом выступал в Польше, России, Германии, а затем концертировал во Франции и Англии. В 1860-1872 гг. был солистом императорского двора в Петербурге. В 1862-1868 гг. — профессор по классу скрипки Петербургской консерватории. Вместе с Антоном Рубинштейном совершил большое турне по странам Америки (1872-1874). В 1875-1877 гг. — профессор Брюссельской консерватории по классу скрипки. Затем вновь вернулся к концертной деятельности. 
Венявский был блестящим виртуозом, которого по яркости таланта сравнивали с великим Н.Паганини. Представитель романтического исполнительского искусства. Как композитор обогатил скрипичный репертуар (полонезы, мазурки и др.). Его именем названы многие международные конкурсы, учрежденные в Варшаве (с 1935), в Познани (с 1952), а также конкурсы композиторов и скрипичных мастеров (с 1956). Как композитор Венявский отличался большим вкусом и оригинальностью мысли. Он писал только для скрипки (концерты, полонезы и др.). Все его произведения чрезвычайно благодарны для исполнителя. Особенной популярностью пользуются его «Легенда», «Фантазия на русские темы», «Souvenir de Moscou» («Московский сувенир»), Фантазия на темы из «Фауста» Гуно. 

Венявский был исключительным виртуозом; обладая замечательным тоном, чарующей певучестью смычка, высокохудожественным пониманием исполняемого и первоклассной техникой, он пользовался неизменным успехом и был любимцем слушателей всех стран.

И опять мы говорим о роли женщины в судьбе мужчины.

Важной вехой в судьбе Генрика Венявского стала встреча в Париже в 1858 году с А.Г. Рубинштейном. Антон Рубинштейн не только оказал огромное влияние на творчество Венявского, но и повлиял на ход дальнейших событий его жизни. Первый концерт двух великих музыкантов в Париже имел особый успех, и Рубинштейн предложил совершить концертную поездку в Лондон. В Лондоне Рубинштейн познакомил Венявского с родственниками известного английского пианиста и композитора Д.А. Осборна – Хэмптонами. Их дочь Изабелла стала женой Венявского, однако этому событию предшествовали драматические минуты. Отец семейства, английский аристократ, отказался выдать свою дочь за артиста, не имеющего постоянной работы, финансовых средств и положения в высшем обществе. В эти дни было написано одно из наиболее проникновенных, поэтичных сочинений Венявского – «Легенда». Исполнение нового сочинения в концерте так растрогало семью, что отец вышел на сцену и, обняв Генрика, сказал: «Только великая любовь могла вдохновить Вас на такое великое произведение»!

Послушайте, как Д.Ойстрах играет Легенду Венявского

Однако, согласившись на брак дочери, он потребовал, чтобы Венявский нашел себе постоянное место работы перед женитьбой, а также застраховал свою жизнь на крупную сумму, которая должна была обеспечить его семью в случае какого-либо несчастья.

Бракосочетание Венявского состоялось в Париже в августе 1860 года. На свадьбе присутствовали Берлиоз и Россини. По требованию родителей невесты Венявский застраховал свою жизнь на баснословную сумму 200 000 франков.
Необходимость ежегодно выплачивать огромный взнос легла на плечи Венявского тяжким бременем до конца жизни. Концертные сборы были основным, но самым непредсказуемым источником дохода, однако только они обеспечивали жизнь концертирующего солиста.
Насыщенный ритм жизни начинал сказываться на здоровье Венявского. В 1867 году его настигает первая беда – глухота. Временами он практически терял слух, но старался скрывать болезнь, которую помогло преодолеть лишь долгое и упорное лечение.

В 1872 году Венявский уезжает в Европу, а затем, снова вместе с Антоном Рубинштейном, подписывает контракт о проведении турне по Америке. За 8 месяцев музыканты, ставшие первыми крупными европейскими виртуозами, гастролировавшими в Америке, должны были дать 215 концертов. Рубинштейн не выдержал напряженного ритма и вернулся к своим делам, а Венявский завершил турне только в 1874 году вместе с певицей Паулиной Лукка. Результатом гастролей стала тяжелая болезнь сердца. Среди дикого ритма концертов и выступлений скрипач находил время для азартной игры. Он словно сознательно прожигал жизнь, не щадя и без того слабого здоровья.

Умер он в 1879 году, когда ему было чуть больше 40 лет. На панихиде в Москве прозвучал Реквием Моцарта в исполнении оркестра, хора и солистов Большого театра и консерватории под управлением Н.Г. Рубинштейна, а во время похорон в музыкальном некрополе Powązki в предместье Варшавы звучала «Легенда» самого Венявского в исполнении молодого польского скрипача С. Барцевича.

Всего Венявским создано около 40 сочинений, часть из них осталась неопубликованными. 

Сыграл Виктор Лисняк и замечательное произведение Венявского под смешным названием Куевяк. Это тоже мазурка, но только написанная в миноре.

Закончил Виктор свой концерт исполнением  Адажио из "Раймонды" Глазунова и Русского танца Чайковского из "Лебединого озера".

О Глазунове мало говорят. Он умер в 1935 году в Париже, был ректором Петербургской консерватории, написал балет "Раймонда"... "Глазунов создал мир счастья, веселья, покоя, полета, упоения, задумчивости и многого, многого другого, всегда счастливого, всегда ясного и глубокого, всегда необыкновенно благородного, крылатого... ",- сказал о нем А. В. Луначарский

Путь молодого композитора к слушателю начался с триумфа. Первая симфония шестнадцатилетнего автора (премьера в 1882 г.) вызвала восторженные отклики публики и прессы, высокую оценку коллег. В 1899 г. Глазунов становится профессором, а в декабре 1905 г. — руководителем старейшей в России Петербургской консерватории. Избранию Глазунова директором предшествовала полоса испытаний. Многочисленные студенческие сходки выдвигали требование автономии консерватории от императорского Русского музыкального общества. В этой ситуации, расколовшей педагогов на два лагеря, Глазунов четко определил свою позицию, поддержав студентов. В марте 1905 г., когда Римский-Корсаков был обвинен в подстрекательстве студентов к возмущениям и уволен, Глазунов вместе с Лядовым вышли из состава профессоров.Приблизительно после 1905–1906 годов наступает заметный спад творческой активности, неуклонно нараставший до конца жизни композитора. Отчасти такое внезапное резкое снижение продуктивности может быть объяснено внешними обстоятельствами и, прежде всего, большой, отнимавшей много времени и сил учебно-организационной и административной работой, которая легла на плечи Глазунова в связи с избранием на пост директора Петербургской консерватории. Но были причины и внутреннего порядка, коренившиеся прежде всего в резком неприятии тех новейших тенденций, которые решительно и властно утверждали себя в творчестве и в музыкальной жизни начала XX века, После Октябрьской революции Глазунов оставался на посту директора Петроградской-Ленинградской консерватории, принимал деятельное участие в различных музыкально-просветительных мероприятиях, продолжал свои дирижерские выступления. Но его разлад с новаторскими течениями в области музыкального творчества углублялся и принимал все более острые формы. Новые веяния встречали симпатию и поддержку среди части консерваторской профессуры, добивавшейся реформ в учебном процессе и обновления того репертуара, на котором воспитывалась учащаяся молодежь.В связи с этим возникали споры и разногласия, в результате которых положение Глазунова, твердо охранявшего чистоту и неприкосновенность традиционных устоев школы Римского-Корсакова, становилось все более затруднительным и нередко двусмысленным.

Это послужило одной из причин того, что, уехав в 1928 году в Вену в качестве члена жюри Международного конкурса, организованное к столетию со дня смерти Шуберта, он больше не вернулся на родину. 

Никто из отечественных композиторов конца XIX — начала XX в. не уделял жанру симфонии такого внимания, как Глазунов: его 8 симфоний образуют грандиозный цикл. объединить 2 ветви русского симфонизма, существовавшие параллельно: лирико-драматическую (П. Чайковский) и картинно-эпическую (композиторы «Могучей кучки»). В результате синтеза этих традиций возникает новое явление — лиро-эпический симфонизм Глазунова, привлекающий слушателя светлой задушевностью и богатырской силой. Напевные лирические излияния, драматические нагнетания и сочные жанровые картины в симфониях взаимно уравновешиваются, сохраняя общий оптимистический колорит музыки.

Самый знаменитый балет Глазунова — «Раймонда» (1897). Фантазия композитора, издавна увлеченного красочностью рыцарских легенд, породила многоцветие нарядных картин — празднество в средневековом замке, темпераментные испано-арабские и венгерские танцы...  Секрет популярности этого балета  — в благородной красоте мелодий, в точном соответствии музыкального ритма и оркестрового звучания пластике танца. 

До Чайковского и Глазунова балетная музыка, как правило, представляла собой ярко «раскрашенную» ритмическую основу для танцев. Союз Мариуса Петипа и Чайковского положил начало симфонизации танца, значительно обогатившей его выразительные и драматургические возможности. Александр Глазунов стал достойным преемником Петра Ильича на этом пути. Премьера «Раймонды» состоялась 7 января 1898 года на сцене Мариинского театра. Это был первый балет Глазунова (за ним последуют еще два — «Испытание Дамиса» и «Времена года»). И последний триумф бывшего уже в преклонных годах Петипа. Хотя до его отставки с поста главного балетмейстера пройдет еще пять лет и он успеет поставить еще несколько балетов, в том числе два упомянутых Глазунова, такого большого успеха на его долю уже не выпадет. 

«Раймонде» не повезло с сюжетом: он не очень ловко скроен и явно коротковат для такого большого балета. Впрочем, из-под пера доморощенной писательницы Лидии Пашковой выходили и менее удобоваримые опусы. Петербургская корреспондентка французской газеты «Фигаро» и русской «Южный край», Лидия Александровна не удовлетворялась возложенной на нее ролью светской хроникерши. Сочиняла еще и незатейливые дамские романы и пьесы, полагая их «картинами из современной жизни», и, коль скоро балет был в моде у света, решила оставить свой след и в балете. Очевидно, она имела влиятельных покровителей при дворе, и отделаться от ее балетных сценариев было не так-то просто. В конце ХIХ века Франция вела захватнические войны в Африке, и в петербургских гостиных немало говорили об этом. Сюжет, который Лидия Александровна якобы почерпнула из старинной рыцарской легенды, вызывал некоторые ассоциации со «злобой дня». Действие разворачивается в средневековой Франции. Король Венгрии Андрей II возвращается из крестового похода против сарацин. Вместе с ним — рыцарь Жан де Бриен, влюбленный в провансальскую графиню Раймонду де Дорис. Но чтобы состоялось свадебное торжество, венчающее балет, требовалось сначала взять в плен сарацинского рыцаря Абдерахмана, вознамерившегося похитить прекрасную невесту крестоносца.

Пашкова весьма вольно обходилась с биографиями и судьбами реально существовавших лиц. Не более исторического заботило ее и географическое правдоподобие. Но подобного рода требования к балету особенно не предъявлялись. Хуже было другое — она весьма туманно представляла себе специфику балетной драматургии: ее «сказка» обещала балет мало понятный и скучный. Но благодаря М.Петипа балет получился.

В. Стасов назвал Глазунова «русским Самсоном». Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов. Первое, что возникает при слушании музыки Глазунова, — это ощущение обволакивающей густоты, сочности и насыщенности звучания, и только потом появляется способность следить за строго закономерным развитием сложной полифонической ткани и всеми вариантными изменениями основных тем.

Если сочинения Глазунова не потрясают слушателя, не касаются сокровенных глубин душевной жизни, то способны доставлять эстетическое наслаждение и восхищать своей стихийной мощью и внутренней цельностью в сочетании с мудрой ясностью мысли, стройностью и законченностью воплощения. Композитор «переходной» полосы, пролегающей между двумя эпохами яркого расцвета русской музыки, он не был новатором, открывателем новых путей. Но огромное, совершеннейшее мастерство при ярком природном даровании, богатстве и щедрости творческой выдумки позволило ему создать множество произведений высокой художественной ценности, до сих пор не утративших живого актуального интереса. Как педагог и общественный деятель Глазунов в очень большой степени способствовал развитию и укреплению основ отечественной музыкальной культуры. Всем этим определяется его значение одной из центральных фигур русской музыкальной культуры начала XX века.

О Чайковском, думаю, много уже сказано, но мало кому известно, что Русский танец в "Лебедином озере" был написан Чайковским уже после того, как вся партитура была закончена. После завершения партитуры Чайковский написал вставной номер "Русский танец" для бенефиса балерины П.Карпаковой, исполнительницы главной партии в балете - Одетты. 

На этом, пожалуй можно и закончить описание своих впечатлений после замечательного концерта.

Я думаю, что много раз еще мы встретимся с хорошим музыкантом, замечательным человеком, которого я с гордостью называю своим другом, Виктором Лисняком. Концерт удался! И я надеюсь, что вам было со мной интересно.

Только что отзвучали последние аккорды музыки Моцарта. Телеканал "Культура" показал оперу "Дон Жуан" из театра Ла Скала. Дирижировал Баренбойм. Партию донны Анны исполнила неподражаемая Анна Нетребко.
И у меня появился повод поговорить и о музыке, и о театре и о великом произведении Моцарта. Когда-то я касался в своих дневниках Дон Жуана, когда писал о симфонической поэме Рихарда Штрауса.

Начнем мы , пожалуй вот с этого стихотворения М.Цветаевой.

И была у Дон-Жуана - шпага,
И была у Дон-Жуана - Донна Анна;
Вот и всё, что люди мне сказали
О прекрасном, о несчастном Дон-Жуане.

Но сегодня я была умна:
Ровно в полночь вышла на дорогу,
Кто-то шел со мною в ногу,
Называя имена.

И белел в тумане - посох странный…
- Не было у Дон-Жуана - Донны Анны!

Мы говорили уже о Дон Жуане. Его образ занимал многих. Есть даже сайт, посвященный Дон Жуану.

А кто такой этот Дон Жуан? Опера Моцарта не о любви. Ее другое название "Наказанный развратник".

Здесь либретто оперы и можете ее послушать целиком

Для меня это самая загадочная опера: комедия, драма, трагедия, моральное поучение – всего в ней с избытком, но как трактовать целое? Восхищаться Дон-Жуаном или осуждать его? Или презирать? Или жалеть?  Определить образ Дон Жуана трудно, потому что в нем отсутствуют элементы, традиционно в нем присутствовавшие: Дон Жуан есть в точности: отсутствие чувств и психологии, мысли и планов.

Моцартовский Дон Жуан не думает, не планирует, ему надоедают чувства. Дон Жуан живет, путешествует, встречается, попадает в непредвиденные ситуации. В его самодостаточности, в его физическом существовании, в предпочтении поступка достижению результата, и заключается идеальная модель фигуры антагониста. Все остальные персонажи вовлекаются в его орбиту, Дон Жуан - это катастрофа, стихийное бедствие: двигатель чужих поступков, он является неосознанным объектом реализации чужих желаний.

Не на любви строится существование Дон Жуана, а на полном и безоговорочном ее отрицании. Бесчувственный покоритель сердец, в чьей душе, словно в кривом зеркале отразились две высшие добродетели рыцарской любви -- чистосердечие и галантность, превратившись в свои противоположности -- подлость и коварство, есть величайший в мире ниспровергатель Любви. Ибо этот распутник не только не верит в Любовь -- он ежечасно, ежеминутно оскорбляет ее. Дон Жуан. в сущности не является человеком, личностью, а лишь воплощением мужской силы, "неутолимого вожделения плоти", наиболее полным выражением "одержимости желанием жить". Здесь нет и речи о каком-либо расчете, корысти, а уж тем более о самоанализе. Эта чистая, грубая, стихийная сила, рожденная по ту сторону Добра и Зла.Вот эту силу и передает Моцарт в своей опере с помощью музыки. Вот такие у меня были мысли до дого, как я начал слушать музыку. Что главное для Дон Жуана? Искусство обольщения. Искусство обольщения начинается со взгляда -- ускользающего, исподлобья, полного коварства. Обладать телом для соблазнителя не главное, он стремится покорить дух жертвы. Само собой, его победа будет, как говорится, "подкреплена" ночью любви, но эта ночь станет первой и последней: наутро обольститель исчезнет без следа, оставив после себя лишь горечь воспоминаний... Дон Жуаны сужествуют только потому, что они не любят женщин, они боятся женщин и донжуанство отражает, на мой взгляд, гомосексуальные тенденции.  "Войти подобно грезе в мысли юной девушки -- это искусство, но покинуть их -- это шедевр". Дон Жуан - это артист. И для него реальность не существует. он живет в мире грез. Любовь на всю жизнь благополучно завершится браком, у супружеской четы появятся новые, повседневные заботы. Так вот Дон Жуаны хотят продолжения страсти, они живут этим, а потому они напоминают мне маньяков.

Итак, Дон Жуан в театре Ла Скала. В моем представлении «Ла Скала» — всемирно известный храм итальянской оперы, оплот классических традиций и культа вокала. Но Ла Скала превратился в одну из мировых оперных площадок с космополитичным составом участников и привязанностью к неоднозначным режиссёрским решениям.

В основе сюжета лежит старинная легенда о Дон Жуане, дерзком искателе приключений, смелом и ловком соблазнителе женщин. Возникшая в средневековой Испании, легенда эта приобрела широкую известность во многих европейских странах. Сюжет был впервые обработан испанским драматургом Тирсо де Молина (1571 – 1648), впоследствии привлекал многих писателей, в том числе Мольера и Гольдони. В XIX столетии к образу Дон Жуана обращаются Байрон, Гофман, Пушкин, Мериме и другие. Неоднократно использовали эту тему и музыканты: в 1761 году в Вене был поставлен балет Глюка «Дон Жуан»; известен также целый ряд опер на тот же сюжет. В этих произведениях легенда о Дон Жуане получала разную трактовку. В некоторых из них, имеющих религиозно-поучительную окраску, Дон Жуан охарактеризован как преступный грубый сластолюбец, получающий заслуженное возмездие. Но нередко в его образе подчеркивались иные, привлекательные черты – бесстрашие, чувство чести, остроумие, вечные поиски идеала, смелый бунт против обветшалых норм морали.

Время действия: XVII век.
Место действия: Севилья и ее окрестности.
Первое исполнение: Прага, Национальный театр, 29 октября 1787 года.

Существует легенда, что в Праге во время работы над оперой Моцарт и либреттист Да Понте встречались с Казановой, и тот служил им консультантом.

«Дон Жуан» – величайшая из когда-либо написанных опер. В подтверждение этого тезиса высказались, по крайней мере, три человека, имевших особое право на то, чтобы их мнение в этой области было услышано, – Джоаккино Россини, Шарль Гуно и Рихард Вагнер. Бетховен, правда, отдавал предпочтение «Волшебной флейте», но это потому, что он считал сюжет «Дон Жуана» аморальным.

П.И. Чайковский в своей статье 1873 года охарактеризовал оперу «Дон Жуан» так: «Моцарт – гений сильный, многосторонний, глубокий – устарел только своими формами инструментальной музыки; в области оперы он не имеет до сих пор ни одного соперника. …Если есть опера, которую можно назвать первой между всеми, то я отдал бы это первенство «Дон Жуану». …В «Дон Жуане» столько красоты, столько богатейшего музыкального материала, что его хватило бы на дюжину наших современных опер, авторы коих, гоняясь за реализмом, правдивостью, верностью декламации, забывают в своем наивном донкихотстве, что первейшее условие всякого художественного произведения – красота».

Даниэль Баренбойм, главный дирижер театра Ла Скала об опере Дон Жуан написал так:

"...Моцарта часто изображают по-детски наивным, если не ребячливым, гением, чей божественный талант позволял ему продуцировать шедевры без усилий, словно под диктовку неких высших сил. Однако тот факт, что он был гением и, соответственно, творил музыку быстрее, чем кто-либо другой, не отменяет сложных мыслительных процессов, стоявших за созданием каждого произведения. На самом деле Моцарт был музыкантом строгой и тщательной школы, а также обладателем мощного интеллекта и выдающихся способностей к пониманию человеческой натуры. Об этом отчётливо свидетельствует развитие образов персонажей в его операх и уникальная фантазия, позволявшая ему создавать ярко индивидуальную гармонию, которую он тщательно оттачивал, уделяя внимание мельчайшим деталям инструментовки и оркестровки. Дон Жуан по своей природе не является демоническим героем со зловещими намерениями и не стремится к слиянию эроса и танатоса (тема, которую столь тщательно развивал Вагнер с другой перспективы). Дон Жуан проживает каждый миг своей жизни так, как ему захочется, с абсолютной искренностью и не думая о последствиях.

Прочие персонажи, хоть и являются отдельными личностями, вращаются вокруг него, как будто их существование утратит смысл без его присутствия. Но они не просто спутники на орбите более крупного небесного тела, они - независимые личности, каждую из которых смерть Командора затрагивает по-своему. Мне кажется, что Моцарт не просто так не написал для Дон Жуана большой арии; таким способом он говорит, что Дон Жуан - не единственное значимое лицо на сцене. Ария даёт оперному персонажу возможность выразить свои самые интимные чувства и тревоги, и такая привилегия дарована всем жертвам импульсивности Дон Жуана: Анне, Эльвире, Оттавио, Церлине и Лепорелло. Следовательно, психологическое развитие Дон Жуана должно осуществляться только посредством его взаимодействия с другими персонажами, в ансамблях и речитативах."

А теперь о спектакле. Я бы назвал эту оперу так: "Разврат без наказания". Спектакль поставил канадский режиссер Роберт Карсен. Не впечатлила меня эта постановка. Любимый прием режиссера Роберта Карсена — театр в театре, когда непонятно, где игра, где жизнь. Декорации – бледные фотографии интерьеров театра Ла Скала. Перспектива подчеркнута многими кулисами. Где то в глубине занавес. Все сложно, многозначительно. Во время увертюры из зала на сцену бежит человек и срывает занавес. Там установлено большое зеркало, в котором отражается зритель. Так зритель и становится частью этой истории. А человек, который срывает занавес, это сам Дон Жуан. Концепция Роберта Карсена состоит в том, что Дон Жуан — и режиссер, и участник событий на сцене. Партию сластолюбца исполнял швед Петер Маттеи, это одна из его коронных ролей. Петер Матеи с партией Дон Жуана не расстается последние 20 лет. Пел в Нью-Йорке, Париже, Берлине. Именно Дон Жуан открыл ему двери в Большую оперу. «Дон Жуан - человек страстей и свободы. Соблазнитель не только женщин, но и мужчин. И каждому он дает то, что ему так не хватает. В каждой версии Дон Жуан разный. Более светлый, более темный. В этой он явно не попадет в ад», - говорит солист Петер Маттеи.

Если внимательно присмотреться, считает режиссер, то привычный расклад «Дон Жуана» рушится. Этот сквозной персонаж европейской культуры не может существовать в одном месте и времени, отчего в спектакле он носит костюмы разных веков. «Кто я? Ты никогда не узнаешь» – поет герой одной из женщин. В миланской постановке Жуан – вечный двигатель, подобие чистой энергии, солнце, вокруг которого вращаются прочие персонажи. Его жизнь – не банальное распутство, а радость существования, свобода от страха смерти. «Никто никогда не скажет, что я боюсь», – восклицает герой. Женщины любят его за «способность просто быть», поддаваясь мужской харизме. И вообще, такова его природа, «квадрат не может быть круглым», как поет о господине Лепорелло (у Карсена слуга – еще и рабочий сцены, и костюмер). А вокруг все врут, хоть и считаются традиционно положительными персонажами. Донна Анна с радостью спит с Жуаном, но обвиняет его в изнасиловании и врет жениху, что любит только его. Жених Оттавио в свою очередь лжет, что рвется мстить Жуану. А донна Эльвира обманывает себя, что ненавидит бросившего ее любовника. Не говоря уже о простоватых Мазетто и Церлине: они просто плывут по течению событий.

Действие развивается стремительно. Дон Жуан в поисках любовных приключений проникает в дом донны Анны. Она зовет на помощь, и на защиту ее чести выступает старый Командор, ее отец. Дон Жуан убивает его и скрывается вместе со своим слугой Лепорелло. Донна Анна и ее жених Оттавио клянутся отомстить. Соблазненная и брошенная доном Жуаном Эльвира ищет неверного любовника. Тем временем он соблазняет Церлину, невесту крестьянина Мазетто. Замаскированные Оттавио, донна Анна, Эльвира входят в дом дона Жуана и обвиняют его в убийстве Командора. Все, в том числе Церлина и Мазетто, восстают против него, но ему удается скрыться. Придя на кладбище, он насмехается над статуей убитого Командора, приглашает того в гости. Статуя является на призыв и требует от грешника раскаяния, а после отказа дона Жуана увлекает его в ад. Дон Жуан Моцарта – образ неоднозначный, многогранный, полный безудержной жизненной силы, одержимый вечными поисками идеала и неприятием обветшалых норм морали.

Анна Нетребко как всегда прекрасна.

Спектакль Карсена также демонстрирует явную нелюбовь к женщинам. Режиссер не подвергает ни малейшему сомнению то, что Донна Анна не только отдалась Дон Жуану, но сделала это с большой охотой; что же касается Донны Эльвиры, то ее желание заняться любовью столь неутолимо, что на протяжении всего спектакля она преследует Дон Жуана, одетая в черную комбинацию, то есть «готова»... Не обошлось и без голой женщины: во втором действии Дон Жуан наслаждается компанией служанки Донны Эльвиры (в либретто Да Понте она только упоминается): миленькая служанка покидает сцену в абсолютно голом виде.

Брин Терфель в роли Лепорелло мне понравился.

"Дон Жуан" — это трагедия человечества и его радость, это человек во многих его духовных ипостасях.

Вот таким мне показался спектакль. Очень хорошая рецензия на этот спектакль здесь.

Послушайте эту оперу целиком

Здесь вы можете скачать полюбившиеся вам музыкальные фрагменты

Ну и, как обещал, немного о знаменитом театре, которому в этом году исполняется 235 лет.

Здание театра построено в 1776-1778 годах на месте церкви "Санта Мария делла Скала", откуда и появилось название Ла Скала

Начиная с 30-х годов XIX века история "Ла Скала" связана с творчеством крупнейших композиторов Италии — Г. Доницетти, В. Беллини, Дж. Верди, Дж. Пуччини, произведения которых здесь были поставлены впервые

Верди, например, не слишком поначалу жаловал этот театр. В одном из своих писем он говорил графине Маффеи: "Сколько раз я слышал, как в Милане говорят: "Скала" лучший театр на свете. В Неаполе: "Сан-Карло" лучший театр на свете. В прошлом и в Венеции говорили, что "Фениче" лучший театр на свете… А уж в Париже опера самая лучшая в двух, а то и в трех мирах…"

Но все же этот театр — заветная цель музыкантов всего мира. Всегда. Во все времена. Место певца или дирижера в "Ла Скала" — это всемогущая визитная карточка. С ней он будет всегда и везде принят.

В 1887 году впервые за дирижерский пульт "Ла Скала" встал двадцатилетний гений — Артуро Тосканини. На пальце у него красовался золотой перстень, подаренный в Бразилии за исполнение "Аиды". В этот день он вынужден был заменить освистанного публикой дирижера театра. Его буквально привезли из отеля прямо на сцену. Его дирижерский дебют в "Скала" прошел с триумфом.

Тосканини был маленького роста и нетерпимого характера. Его всюду обожали и ненавидели, но всюду приглашали. Он всегда проводил бесконечное количество репетиций, совершенно не замечая чужой усталости. В 1898 году Тосканини стал главным дирижером театра "Скала".

Новая эра Ла-Скала связана с именами Тебальди и Каллас — главными примадоннами и главными соперницами в "Скала". Каллас многие актеры ненавидят, зато режиссеры ее обожают. Великий режиссер Дзеффирелли оставался ее другом до самой смерти певицы. Висконти дал ей возможность заслужить титул "божественной" своей постановкой "Травиаты". Это был 1955 год. Каллас была великолепна и потрясающа. Для всего мира эта певица стала олицетворением "Скала". В этом театре Каллас никогда не пропускала ни одного спектакля, тогда как в Римской опере, например, могла не явиться на спектакль, сославшись на "дурное настроение". Ее постоянный партнер — Ди Стефано, также прекрасный певец, как и его соперник Дель Монако. Соперничество же Каллас и Тебальди дошло до того, что в городе появляются клубы приверженцев той или другой певицы. Сторонников этих клубов часто приходилось разнимать полиции. Этой борьбы Тебальди не выдержала и уехала в Америку. В "Скала" она больше не вернулась. В 1957 году, 18 февраля, "Скала" прощалась с 90-летним старцем — великим Тосканини.

C 1986 года театр возглавлял выдающийся дирижер Риккардо Мути. Вплоть до 13 октября 2011 года, когда  дирекция миланского оперного театра "Ла Скала" объявила о назначении израильского дирижера и пианиста Даниэля Баренбойма главным музыкальным руководителем театра и главным дирижером.

 А вот Феликс Грей, французский композитор и исполнитель, придумал своего Дон Жуана совершенно другим".

Дон Жуан,
Кто из мужчин не хотел бы быть на твоем месте,
Какая женщина не захотела бы быть с тобой?
И все же встреча с тобой – это игра с огнем,
Игра, в которой ставка – жизнь,
А может быть, и душа.
Дон Жуан, весь мир знает твое имя,
Но, по сути, никто не знает, кто ты есть на самом деле.
И это то, что так очаровывает в тебе,
И это причина, по которой я, в свою очередь, надеюсь
Этим музыкальным спектаклем вернуть тебя к жизни…
Таким, каким я тебя вообразил…

Феликс Грей

Феликс Грей придумал мюзикл, премьера которого состоялась 24 февраля 2005 года в Париже. У нас мало говорят об этой музыке, но она тоже интересна, но это не Моцарт.

В дневнике Звонова Валерия Степановича 
Вы найдете много любопытных рассуждений о музыке, о живописи, о театре, о музеях

У великого скульптора Огюста Родена в  книге -"Размышления об искусстве" есть такая фраза:

"Но мир будет счастлив лишь тогда, когда каждый будет наделен душой художника, то есть когда каждый будет находить в своем труде удовольствие."

А потому я счастливый человек, всю жизнь жил в радости.

Радость я находил от общения с людьми. Вот и сейчас, я рад, что Вы посетили эту страничку. Здесь собраны самые сокровенные мои мысли от встреч с искусством.

"Задача искусства — волновать сердца",- говорил Гельвеций.
Поэтому поговорим о нем, ибо сердце должно волноваться!

ДОБРО ПОЖАЛОВАТЬ В МИР ИСКУССТВА.

Мы поговорим о музыке, о театре, о живописи, о поэзии и о кинематографе: 

О МУЗЫКЕ

Музыка – тончайшая нить, которая связывает душу с прекрасным.
Она слагает из хаоса звуков гармоничные мелодии.
И тот, кто предан ей, отличается тонким душевным строем,
магичностью, одухотворенностью.

"Музыка - часть нашей жизни".
Музыка хранит в себе много загадок и тайн.

Начнем наш разговор с рассказа о Галине Павловне Вишневской, великой оперной певице
Галина Вишневская родилась в Кронштадте в простой семье и стала звездой.

Сейчас Детская музыкальная школа №8 г.Кронштадта носит имя Галины Павловны Вишневской.

Музыкальная школа была создана 65 лет назад замечательным музыкантом Иваном Игнатьевичем Орел. Он открыл для мира талант Г.П.Вишневской.

Итак, начнем 

__________________________________________________________________________________________

Значение музыки для человека

Музыка - голос души (о влиянии музыки на человека)

Поговорим о полифонии в музыке 12.10.2017

___________________________________________________________________________________________

Поговорим о музыке Дм.Дм.Шостаковича (квартет №4 и квинтет) - (концерт памяти Игоря Урьяша)

Поговорим о музыке. 16 декабря 2015 года исполнилось 100 лет со дня рождения Г.В.Свиридова - великого русского композитора

Поговорим о музыке. Желтые звезды (Чакона Баха, 2 концерт Шостаковича для ф-но с орсестром, Желтые звезды И.Шварца)

31 марта 2015 года 330 лет со дня рождения И.С.Баха

___________________________________________________________________________________________

Поговорим о пианистах. Рихтер и его современники.

20 марта 2015 года 100 лет со дня рождения С.И.Рихтера

Поговорим о пианистах. Пианист Григорий Соколов (Воспоминания о Барселоне)

Поговорим о пианистах. Пианист Александр Лубянцев.

Фортепьянные концерты Моцарта

_____________________________________________________________________________________________

Памяти Елены Образцовой

Поговорим о музыке. Вагнер. Лоэнгрин.

Поговорим о музыке. Вагнер. Нюрнбергские мейстерзингеры.

Фортепьянные концерты Бетховена.

Фортепьянные концерты Моцарта

На "Музыкальном Олимпе" Бетховен, Шостакович, Пуччини. 

Поговорим о музыке. ЯН  СИБЕЛИУС

Поговорим о музыке. Кто такой Альфред Шнитке.

Последние рыцари прекрасной эпохи. Рахманинов и Сибелиус (октябрь 2018)

Бетховен. Опера Фиделио (11.05.2018)

Поговорим о музыке. Опера "Сельская честь" (П.Доминго и Е.Образцова)

Поговорим о музыке. Опера Верди "Бал-маскарад"

Поговорим о музыке. Опера Верди "Травиата"

Поговорим о музыке. Опера Верди. "Сила судьбы".

Опера Верди "Симон Бокканегро"

Поговорим о музыке. Опера Шостаковича "Леди Макбет Мценского уезда"

Поговорим о музыке. Опера Моцарта Дон Жуан.

Поговорим о музыке. Опера Р.Щедрина "ЛЕВША"

Поговорим о музыке. Борис Годунов в Мариинском театре

Поговорим о музыке. Князь Игорь

Поговорим о музыке. Князь Игорь в исполнении Юрия Любимова

Опера "Золотой петушок" на сцене Мариинского театра и в Большом.

Поговорим о музыке. Опера Россини "Севильский цирюльник"

ПОГОВОРИМ О МУЗЫКЕ. ВИЛЬГЕЛЬМ ТЕЛЛЬ. РОССИНИ

Поговорим о балете. Минкус. Балет «Дон Кихот»

Французская органная музыка. Мари Михара

Бог подарил миру новую звезду из России. Юлия Лежнева (сопрано)

ХИБЛА ГЕРЗМАВА. КОНЦЕРТ В МАРИИНСКОМ-2

Большой театр в своем репертуаре. Опера "Воццек".

Поговорим о музыке. "Иоланта" в Михайловском театре

Большой театр в своем репертуаре. Балет Пиковая дама

Поговорим о музыке. Брамс.Шостакович.

23 февраля 2015 года исполнилось 330 лет Г.Ф.Генделю  (Послушайте знаменитую Аллилуя Генделя)

Поговорим о музыке. Г.Ф.Гендель

Оратория Генделя "Мессия" - одно из величайших произведений мировой классики (сентябрь 2018)

Киприотская музыка  (11.05.2018)

Поговорим о хоровой музыке

Поговорим о музыке. Павел Чесноков.

Поговорим о музыке. А.А.Архангельский - родоначальник романтического направления в духовной хоровой музыке

Поговорим о хоровом искусстве. Хормейстер Илья Кузнецов.

Хор им.Сандлера

Концерт в Смольном соборе. (Оратория Прокофьева "А.Невский и оратория И.Кузнецова "Блокадный дневник")

Концерт хора имени Сандлера в Национальной библиотеке

История одной песни (Эх, Ладога). 73 годовщина со дня снятия Блокады Ленинграда. 27.01.2017 

Хор имени Сандлера закончил свой сезон 2016 года

Выступление хора имени Сандлера в Сапсониевском соборе

Поговорим о хоровой музыке. Свете тихий. Отец и сын Кедровы.

Поговорим о музыке. Мадригал и Томас Морли. 

Поговорим о хоровой музыке. Николло Йомелли.

Поговорим о музыке. Бортнянский

Поговорим о музыке. Петербургские серенады Даргомыжского (06.06.2022)

_________________________________________________________________________________________

Поговорим о музыке. Гайдн.Моцарт.Бетховен

Поговорим о музыке. Гайдн (концерт для скрипки). Брукнер (симфония №8) 22.10.2017

Поговорим о музыке. Контртенор

Поговорим о музыке. Мусоргский

Поговорим о музыке. История одной мелодии (Глюк,Альбинони,Свиридов)

Кинчев, Цой, Тальков - герои ушедшего времени

Поговорим о музыке. Рахманинов

Поговорим о музыке. Рихард Вагнер

Поговорим о музыке. Вальсы Штрауса

Поговорим о музыке. Тенор

Чечилия Бартоли поет в Музикферайне. (музыка барокко сопрано и виолончель Соло Габетты) 

Поговорим о музыке. К.Дебюсси - творец музыки 20 века

Поговорим о музыке. Жорж Бизе. 

Концерт в малом зале Филармонии. Два квартета. Дебюсси и Равель 

Последние рыцари прекрасной эпохи. Рахманинов и Сибелиус (октябрь 2018)

Квартету Стравинского 25 лет (17.11.2017)- Стравинский, Шостакович, Франк

Юбилей скрипача Виктор Лисняк.

Скрипичный концерт. Германия. Шедевры забытые и незабытые. В.Лисняк.

Дирижер Нелло Санти - просто гений

Вертинский

Марк Бернес

Поговорим о музыке. Нотр Дам де Пари

Поговорим о музыке. Рахманинов, Мясковский, Прокофьев

Звуки музыки.Штраус и Малер.

Великолепная Вена. Штраус

Великолепная Вена. Бетховен

Великолепная Вена. Гайдн

Великолепная Вена. Моцарт

Великолепная Вена. Музикферайн.

Поговорим о музыке. Верди

Органная музыка в Мальтийской капелле

Поговорим о музыке. Сопрано (Casta Diva)

Поговорим о музыке. Фредди Меркьюри - величайшая звезда мировой эстрады. 

Поговорим о рок-музыке. Кирилл Комаров и Сергей Калугин

Памяти Виктора Цоя

Поговорим о музыке. Творчество Лойда Уеббера (Webber) (Иисус  Христос суперстар и др.мюзиклы, Реквием)

Поговорим об оперетте. (10.10.16)

ПОСЛЕ СПЕКТАКЛЯ. ИМРЕ КАЛЬМАН "СИЛЬВА"

Поговорим о Древней Пальмире и послушаем концерт оркестра Мариинского театра в окружении древних руин. (13.12.2016)

О ЖИВОПИСИ

Живопись самое прекрасное из всех искусств,
в ней объединяются все ощущения,
при виде ее каждый может по воле своего воображения создать роман,
с помощью одного только взгляда
наполнить душу самыми глубокими воспоминаниями,
никаких усилий со стороны памяти — все схвачено в одно мгновение.

Поговорим о живописи. Эдвард Мунк

Поговорим о живописи. Казимир Малевич

Современное искусство. Марат Гельман.

Поговорим о живописи. Илья Глазунов

Поговорим о живописи и скульптуре. Выставка современного искусства в Кишиневе

Поговорим о живописи. Нестеров и Фешин

Поговорим о живописи и о России. Выставка в Русском музее.

Великолепная Вена. Климт.

Выставка Модильяни в доме Фаберже. (16.03.2018)

Художник Марк Шагал вместе с Юрским (размышления о спектакле и о художнике) (23.11.2018)

В.СТЕРЛИГОВ - ПОСЛЕДОВАТЕЛЬ АВАНГАДА

Поговорим о художниках. Михаил Врубель

В рубрике ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА
Вы найдете много интересного о картинах разных художников 

Серия сообщений " ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА":

Часть 1 - История одной картины.Леонардо да Винчи. Благовещение
Часть 2 - История одного шедевра . «Грачи прилетели» Алексей Саврасов
Часть 3 - История одного шедевра."Последний день Помпеи
Часть 4 - История одного шедевра. Ян Вермеер «Искусство Живописи»
Часть 5 - История одного шедевра . Этьен Морис Фальконе - «Медный всадник»
Часть 6 - История одного шедевра: Василий Верещагин- «Торжествуют»
Часть 7 - История одного шедевра: «Давид» Микеланджело
Часть 8 - История одного шедевра .Хендрик Аверкамп «Катание на коньках за городскими стенами»
Часть 9 - История одного шедевра- «Розовые горы» Рериха
Часть 10 - История одного шедевра: Правда ли, что серьга на картине «Девушка с жемчужной серёжкой» на самом деле не жемчужная?
Часть 11 - История одного шедевра:«Девушка с жемчужной серёжкой» Янa Вермеерa
Часть 12 - История одного шедевра. "Поцелуй" Густава Климта
Часть 13 - История одного шедевра: «Золотая осень» Левитана
Часть 14 - История одного шедевра. Аркадий Острицкий «Ночь Исхода».
Часть 15 - История одного шедевра:"Иней" Иван Вельц
Часть 16 - История одного шедевра. Исаак Левитан"Над вечным покоем"
Часть 17 - История одного шедевра: Василий Верещагин- Апофеоз войны "
Часть 18 - История одного шедевра. Н. П. Богданов-Бельский "Устный счет в народной школе С. А. Рачинского"
Часть 19 - История одного шедевра: «Юдифь I» Климта
Часть 20 - История одного шедевра:Василий Поленов " На лодке. Абрамцево"
Часть 21 - История одного шедевра: Иван Крамской "Неизвестная"
Часть 22 - История одного шедевра... "Явление Христа народу" Александра Иванова, художника, который опередил свое время. (2 видео)
Часть 23 - История одного шедевра". Лучшее из мира живописи.«Сватовство майора» Федотова
Часть 24 - История одного шедевра.«Неравный брак». Художник Василий Пукирев
Часть 25 - История одного шедевра . Кузьма Петров-Водкин."Утро. Купальщицы
Часть 26 - История одного шедевра,Рембрандт. "Ночной дозор"
Часть 27 - История одного шедевра."Рождение Венеры" Боттичелли. Тайна божественной красоты
Часть 28 - История одного шедевра . "Золотая Адель" или "Портрет Адели Блох-Бауэр" Густава Климта, 1907
Часть 29 - История одного шедевра .Франсиско Гойя (Francisco Goya, 1746-1828, Spanish) - "Маха обнажённая" и "Маха одетая".
Часть 30 - История одного шедевра .Карл Брюллов . Последний день Помпеи
Часть 31 - История одного шедевра.Карл Павлович Брюллов . Всадница
Часть 32 - История одного шедевра. Валентин Серов.Девочка с персиками.
Часть 33 - История одного шедевра. Рембрандт.«Возвращение блудного сына»
Часть 34 - История одного шедевра.Леонардо Да Вични . "Тайная вечеря"
Часть 35 - История одного шедевра:Суриков Василий Иванович (1848 - 1916). «БОЯРЫНЯ МОРОЗОВА»
Часть 36 - История одного шедевра: «Утро стрелецкой казни» Сурикова
Часть 37 - История одного шедевра: Джон Эверетт Милле «Офелия»
Часть 38 - История одного шедевра: Константин Савицкий "Отец"
Часть 39 - История одного шедевра: Василий Суриков "Вечер в Петербурге"
Часть 40 - История одного шедевра: Илья Репин "Какой простор"
Часть 41 - История одного шедевра: Андрей Рублев «Святая Троица»
Часть 42 - История одного шедевра . Алексей Кондратьевич Саврасов. "Грачи прилетели"
Часть 43 - История одного шедевра.Александр Иванов "Явление Христа народу. "
Часть 44 - История одного шедевра.Михаил Врубель."Демон сидящий"
Часть 45 - История одного шедевра. Эдгар Дега."Голубые танцовщицы"
Часть 46 - История одного шедевра: «Аленушка» Виктор Васнецов
Часть 47 - История одного шедевра. Рафаэль Санти.«Сикстинская Мадонна»
Часть 48 - История одного шедевра.Борис Кустодиев.«Купчиха за чаем»

О ТЕАТРЕ

Театр — и зрелище и школа для народа, Будить сердца людей — вот в чем его природа!

Поговорим о театре. Доктор философии. Нушич. (Театр Комедии)

Алиса в БДТ  - конец БДТ или новая эра А.Могучего?

"Дядя Ваня" в постановке А.Кончаловского (поговорим о Чехове и о смысле жизни)

"Укрощение строптивой" в Александринском театре.

"Лес". Размышления после спектакля

"РОМУЛ ВЕЛИКИЙ" ??? Размышления после спектакля театра на Васильевском.

О ПОЭЗИИ

Поэзия обладает одним удивительным свойством.
Она возвращает слову его первоначальную, девственную свежесть.
Самые стертые, до конца «выговоренные» нами слова,
начисто потерявшие для нас свои образные качества,
живущие только как словесная скорлупа,
в поэзии начинают сверкать, звенеть, благоухать!

Поэт Алексей Шадринов - великий поэт России

ДАНИИЛ ХАРМС - ГЕНИЙ АБСУРДА

Евгений Евтушенко - поэт юности Советской России

О КИНЕМАТОГРАФЕ

Ребус Тарковского. фильм "Зеркало"

Фильм М.Швейера "Крейцерова соната" или исповедь развратника???

Кино — это полная противоположность театру. Фильмы надо смотреть сразу, как только они выходят на экран, потому что потом можно только разочароваться, тогда как на спектакли лучше идти как можно позже, ни в коем случае не в начале ( генеральные — это кошмар, актеры играют хуже обычного, им надо дать время «обкатать» спектакль, а автору — время поправить пару реплик в случае чего). Кино потребляется мгновенно, театру же надо отстояться, как вину. Кино — свежий скоропортящийся продукт, а театр — это блюдо, которое лучше есть остывшим. Надо смотреть новые фильмы и старые спектакли.

Великие композиторы

Биографии Великих композиторов

• Йозеф Гайдн
• Никколо Паганини
• Иоганнес Брамс
• Георг Фридрих Гендель
• Сергей Прокофьев
• Людвиг ван Бетховен
• Сергей Рахманинов
• Антонио Вивальди
• Джузеппе Верди
• Вольфганг Амадей Моцарт
• Игорь Стра

Наш друг пригласил нас в филармонию. В Большом зале состоялся великолепный концерт.

2 ноября 2012 года Пятница 19:00
1-й концерт ДЕВЯТОГО абонемента «Нескучная классика»
Академический СИМФОНИЧЕСКИЙ ОРКЕСТР ФИЛАРМОНИИ
Дирижер - Владимир АЛЬТШУЛЕР
Солист - Майкл О`РУРК (Ирландия)

В программе:
ГАЙДН. Симфония № 8 «Вечер»
МОЦАРТ. Концерт № 21 для фортепиано с оркестром
БЕТХОВЕН. Симфония № 1

Венские классики 18 века. Уже более 2 веков звучит их божественная музыка. С ними сравниться может разве что Бах, Вагнер и Чайковский. Я понимаю, что к сонму великих можно причислить много композиторов, но я назвал самых знаковых для меня.

Академизм дирижера Владимира Альтшулера проявился и в выборе репертуара. Очень интеллигентный дирижер. Он работает с этим оркестром с 1969 года. Сначала играл на альте, был даже концертмейстером, а в 1984 году состоялся как дирижер. А через 10 лет стал вторым дирижером этого оркестра (оркестром руководил Тимирканов, Дмитриев). Так вторым и остался.

Йозеф ГАЙДН (1732 – 1809) - австрийский композитор, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет. Он написал 104 симфонии и множество опер. Слушая произведения Гайдна, представляешь долгую, счастливую жизнь их творца. Действительно, жизнь композитора была долгой: последнее сочинение он написал в 71 год. Однако счастья в этой жизни было совсем немного. Голодное отрочество, когда он хотел уйти в монастырь, чтобы хоть раз наесться досыта, сменилось бездомной юностью. Зрелые же годы оказались подневольными. «Печально ведь постоянно быть рабом», — читаем в письме почти шестидесятилетнего Гайдна. Творчество стало его спасением, и композитор надеялся, что оно несет утешение не только ему: «Часто, когда я боролся с препятствиями разного рода, возникавшими на пути моих трудов, когда я ощущал упадок сил моего духа и тела, и мне становилось тяжело удерживаться на избранном поприще, — тайное чувство шептало мне: „В этом мире так мало довольных и счастливых людей, везде их преследуют забота и горе; быть может, твоя работа послужит иногда источником, из которого обремененный заботами или уставший от дел человек будет черпать отдохновение и бодрость“. Это служило мне мощным толчком, заставлявшим стремиться вперед, и это же является причиной того, что я теперь с радостным воодушевлением оглядываюсь на работу, производившуюся мною для музыкального искусства в течение столь долгой вереницы лет с неотступным усердием». Только к шестидесяти годам к Гайдну, неизменно открывавшему и завершавшему партитуры своих симфоний латинской канонической формулой благодарности Творцу, пришла слава, которой тот по праву наслаждался на протяжении почти двадцати лет.

В сочинениях Гайдна господствует выражение детски радостной души; его симфонии ведут нас в необозримые зеленые рощи, в веселую, пеструю толпу счастливых людей, перед нами проносятся в хоровых плясках юноши и девушки; смеющиеся дети прячутся за деревьями, за розовыми кустами, шутливо перебрасываясь цветами. Жизнь, полная любви, полная блаженств и вечной юности, как до грехопадения; ни страданий, ни скорби - одно только сладостно-элегическое стремление к любимому образу, который носится вдали, в розовом мерцании вечера, не приближаясь и не исчезая, и пока он находится там, ночь не наступает, ибо он сам - вечерняя заря, горящая над горою и над рощею

Почти все гайдновские симфонии непрограммны, они не имеют какого-то определенного сюжета. Исключение составляют три ранних симфонии, названные самим композитором «Утро», «Полдень», «Вечер» (№№ 6, 7, 8).

Сегодня мы слушаем Симфонию под названием "Вечер".

По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере музыки,- говорил П.И.Чайковский.

Вольфганг Амадей МОЦАРТ (1756 - 1791) . Лучше Моцарта может быть только Моцарт. Он вобрал в себя красоту музыки всех предшествующих поколений. Вершиной его творчества были фортепианные концерты. Моцарт научил фортепьяно разговаривать с оркестром. Всего он написал 25 концертов. Мне очень нравятся 9, 20, 21 и 24 концерты. Сегодня в программе был обозначен 21 концерт. Фортепианный концерт 21 до мажор похож именно на признание в любви инструменту. Он переливается, искрится и дает солисту возможность продемонстрировать блестящую технику.

Первая часть концерта — Allegro maestoso — похожа на веселый летний праздник с фейерверком. То здесь, то там зажигается игривая искра, проскальзывает легкий смешок... Надо сказать, что и все произведение воспринимается как нечто жизнерадостное, ликующее. Но в концерте есть и драматическая, минорная тема, которая звучит у фортепиано. Как будто сквозняк прошел по комнатам, задул свечи, обдал холодом декольтированные плечи дам.

Но свечи зажжены вновь — и праздник продолжается, хотя и несколько присмиревший, раздумчивый.

Прелестнейшее Andante (пожалуй, лучшее у Моцарта) начинается темой струнных, которую чуть позже и еще более лирично повторяет фортепиано под аккомпанемент пиццикато.

Последняя часть, Allegro vivace assai, пленяет своей неуверенностью, вопросительными интонациями и радостным, уносящимся ввысь, завершением.

Концерт был впервые исполнен 12 марта 1785 года, через три дня после того, как был написан, и сразу же вызвал восторг слушателей. Своим музыкальным настроением концерт несколько напоминает симфонию №41. Он столь же бурно стихиен и словно пронизан каким-то небесным светом (это и вообще характерно для Моцарта венского периода).

В концерте принял участие известный ирландский пианист, обладатель нескольких престижных наград за достижения в области музыкального искусства, Майкл О’РУРК. В его исполнении прозвучал Концерт № 21 для фортепиано с оркестром Моцарта.

О’РУРК играл очень по-моцартовски, легко и непринужденно. Но я покажу вам концерт в исполнении Бернстайна и Рихтера.

Фильм BBC "Гений Моцарта" я считаю одним из лучших фильмов о Моцарте. Кто такой Моцарт? Просто гений.

Фильм первый "Чудо природы"
Фильм второй "Страсть к сцене"
Фильм третий ""Первый Романтик

А теперь поговорим о Бетховене.

Симфонии Гайдна и последние симфонии Моцарта, созданные в конце XVIII столетия, задали стандарт произведений этого жанра, охотно воспринятый и оценённый музыкальной аудиторией того времени, главным образом в Вене. Бетховен, в ту пору лишь завоевывавший венскую публику, должен был считаться с этим стандартом, поэтому первая симфония в значительной мере продолжает музыкальные традиции, заложенные великими предшественниками композитора. Симфония №1 остается своего рода «эхом» симфоний Гайдна и Моцарта (в особенности симфонии Моцарта «Юпитер» в той же тональности, С major, op. 551; одна из тем финала первой симфонии очень близка к теме из финала «Юпитера»), для нее характерны легкость, простота, наивность и изящество, формирующие особое настроение произведений Гайдна и Моцарта, и не встречающиеся в творчестве позднего Бетховена.

Людвиг ван БЕТХОВЕН (1770 - 1827) -ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом. «Музыка есть высшее проявление мудрости и философии» - Людвиг ван Бетховен.
В 1787г. Бетховен впервые отправляется в Вену к Вольфгангу Амадею Моцарту. Моцарт высоко оценил талант юного музыканта, призывая музыкальную общественность обратить внимание на этого юношу, «он ещё заставит мир заговорить о себе».

Здесь вы прочтете все о 1 симфонии Бетховена и можете ее послушать.

1 часть 2 часть 3 часть 4 часть

Завидуйте, какой замечательный концерт вы пропустили!

«Гении – маяки человечества»,– говорил Шопенгауэр, мастер афоризмов. В истории мировой культуры Гайдн, Моцарт и Бетховен является одними из самых путеводных маяков человечества. Их ясный свет вот уже два с половиной столетия влечёт к себе философов и музыкантов, писателей и учёных, политиков и художников. К нему стремятся с разных точек безграничной «духовной вселенной», пытаясь постичь его природу, разгадать тайну их непреодолимой притягательности. Свет от их искусства порождает многочисленные блики, отражения, всполохи, вспышки, протуберанцы в сознании тех, кто к нему приближается, каждый улавливает в нём какую-то свою «часть спектра», видит свою разгадку и пытается её выразить то в наивных возгласах восхищения, то в мучительных поисках единственно верных слов.

Трудно даже представить себе некое пространство, наполненное мыслями и чувствами, рождёнными музыкой  Гайдна, Моцарта и Бетховена. Оно кипело бы нестройной, но деятельной (как бывает шум большой стройки) «музыкой созидания», ошеломляло гулом спорящих голосов, противоречивых мнений, увлекало бы мощной, концентрированной энергией познания.

О церковном пении.

Ничто так не возвышает и не окрыляет душу, не отрешает ее от земли, не избавляет от уз тела, не располагает любомудрствовать и презирать все житейское, как согласное пение и стройно составленная божественная песнь... От мирских песен может произойти вред, погибель и много других зол, потому что все то, что есть в них дурного и безнравственного, проникая в душу, расслабляет ее и развращает. Напротив, духовные песни доставляют великую пользу, великое назидание, великое освящение и служат руководством ко всякому любомудрию, потому что и слова их очищают душу, и Дух Святой скоро нисходит в душу, поющую эти песни... Даже хотя бы ты не разумел силы слов, приучай по крайней мере уста произносить их. И язык освящается этими словами, когда они произносятся с усердием. Если мы приобретем себе такой навык, то уже ни по воле, ни по лености никогда не оставим этого прекрасного занятия, потому что навык будет побуждать нас даже помимо воли каждый день совершать это прекрасное служение.

Святитель Иоанн Златоуст. Из Беседы на 41-й псалом.

Желаем, чтобы приходящие в церковь для пения не употребляли бесчинных воплей, не вынуждали из себя неестественного крика и не вводили ни чего несообразного Церкви: но с великим вниманием приносили псалмопения Богу, назирающему сокровенное.

Из 75 правила VI Вселенского Константинопольского собора

Душевное спокойствие и сладость, чувствуемые нами по временам в храме Божием, при стройном пении певчих и внятном чтении чтеца и священнослужителей, есть задаток нам той бесконечной сладости, которую будут ощущать в себе вечно созерцающие неизреченную доброту лица Божия. Надо ревновать о стройном пении и внятном чтении.

Св. прав. Иоанн Кронштадский

На досуге почитайте очерк об истории церковного песнопения

А начнем мы наше знакомство с церковным песнопением с одного из самых мною любимых произведений Д.Бортнянского Тебе, Бога славим. Иногда это произведение называют Тебе бога хвалим. Но это как переводить. Произведение написано для двух хоров. Вернее, два хора поют на четыре голоса. Мелодия христианских песнопевцев всегда принадлежала к известному ладу или гласу. Число гласов, как свидетельствует древность и церковный Устав, не простиралось далее восьми. На восемь именно гласов св. Анатолий, Патриарх Константинопольски (449 - 458 г.) пишет свои воскресные стихиры Богородице, существующие и доселе в Октоихе; на восемь именно гласов св. Роман сладкопевец пишет свои кондаки и икосы (V в.); на восемь именно гласов Иаков Еп. Едесский (710 г.) расположил свои песнопения в неделю Ваий. Таким образом основной закон Богослужебного пения христианской церкви состоит в осмогласии, что не должно смешивать с пением на восемь голосов.

Вы прослушали одно из величайших произведений духовной и музыкальной культуры.

БОРТНЯНСКИЙ Дмитрий Степанович (1751, Глухов - 28 сентября 1825, СПб; погребен на Смоленском кладбище, могила не сохранилась), певчий, композитор, капельмейстер, директор Придворного певческого хора. Бортнянский родился в семье казака, служившего у гетмана К.Г.Разумовского. Шести лет был отдан в глуховскую певческую школу, где учеников обучали не только пению, но и игре на скрипке, гуслях, бундуре. Проучившись год или два, Дмитрий попал в число десяти лучших учеников-певчих, отобранных для Придворной капеллы, и был отправлен в Санкт-Петербург.

С 1768 г. Бортнянский начал регулярно заниматься композицией под руководством прибывшего на императорскую службу Б. Галуппи, в 1768 Дмитрий был отправлен пенсионером в Италию. Маршрут странствий Бортнянского по Италии, растянувшийся на десять лет. Он побывал во многих городах Италии.

В 1779 году Бортнянский возвращается на родину. Прибытие композитора в Россию и встреча его с Екатериной II прошли удачно. По преданию, он преподнес императрице свои сочинения, которые произвели сенсацию. Это были сонаты для клавесина, оперы, несколько кантат и произведений для хора. Бортнянский получил должность капельмейстера Придворного певческого хора и денежное вознаграждение.

Трудно сказать, как Бортнянский отнесся к своему назначению. Вероятнее всего, принял как должное. В конце концов, он уехал простым певчим, а приехал капельмейстером. Он стал сочинять хоровую музыку.

Обаяние хоровой музыки Бортнянского — в ее возвышенной простоте и сердечности. Однако, чем строже исполняется эта музыка, тем рельефнее выявляются ее детали и тем более она выигрывает. Строгостью исполнения отличался хор Капеллы, к чему немало располагал его состав, в котором верхние голоса пелись мальчиками. Серебристый и звонкий тембр дискантов сливался с глубокими, бархатистыми басами и мягкими тенорами и альтами. К этому прибавлялась богатая динамика с плавными и свободными мазками от тончайшего пианиссимо (которым до сих пор славится исполнительская традиция Капеллы) до форте любой мощности.

Г. Берлиоз, который, прослушав много лет спустя после смерти Бортнянского (в 1847 г.) его концерт в исполнении хора Капеллы, испытал потрясение: «.. .Однажды, когда ее императорское высочество великая княгиня Лейхтенбергская оказала мне честь, пригласив прослушать в Санкт-Петербургской дворцовой церкви обедню, исполнявшуюся для меня, я имел возможность судить о той изумительной уверенности, с какою эти предоставленные самим себе певчие модулировали из одной тональности в другую; переходили от медленных темпов к быстрым; неукоснительно соблюдали ансамбль даже при исполнении ритмически свободных речитативов и псалмодии. В этой гармонической ткани восьмиголосных концертах Бортнянского слышались такие переплетения голосов, которые представлялись чем-то невероятным; слышались вздохи и какие-то неопределенные нежные звуки, подобные звукам, которые могут пригрезиться; время от времени раздавались интонации, по своей напряженности напоминающие крик души, способный пронзить сердце и прервать спершееся дыхание в груди. А вслед за тем все замирало в беспредельно-воздушном небесном decrescendo; казалось, это хор ангелов, возносящихся от земли к небесам и исчезающих постепенно в воздушных эмпиреях. ..»

Благородная жизнь Бортнянского породила красивую легенду о его кончине, происшедшей якобы под звуки собственного концерта, петого певчими. Свидетельство врачей о смерти Бортнянского (28 сентября 1825 года от апоплексического удара) выглядит, конечно, прозаично. Но за врачом послали, когда композитора уже не стало в живых, так что свидетельство само по себе эту легенду не опровергает. Даже если легенда полностью вымышлена, она ценна тем, что в ней проявилось трогательное уважение современников к цельной творческой натуре и жизни этого незаурядного человека и замечательного деятеля русской культуры.

Похоронили Бортнянского на Санкт-Петербургском Смоленском кладбище. Ни могила, ни скромное надгробие, поставленное «скорбящей женой его», не сохранились (наводнение смыло могилу, и гроб и памятник в речку Смоленка). Скульптурное изображение композитора имеется на памятнике «Тысячелетие России» (скульптор М. О. Микешин, 1861, Новгород), где изображены всего два композитора - М.Глинка и Д.Бортнянский. А строгая мраморная плита, которую можно увидеть ныне в Александро-Невской лавре среди памятников русским композиторам-классикам — это уже дань нашего времени.

Лучшим памятником композитору является, однако, живое, одухотворенное звучание его произведений в наши дни, свидетельствующее о праве музыки Бортнянского на бессмертие.

Стоит отметить, что именно Дмитрию Бортнянскому мы обязаны созданием Капеллы и хорового училища. После возвращения из Италии Дмитрий Степанович был зачислен капельмейстером и отправлен в Гатчину к наследнику престола.

Бортнянский заведовал у Павла Петровича музыкой: писал оперы, во входящем в моду "французском стиле", обучал его супругу Марию Федоровну игре на фортепиано (кстати, этот старинный инструмент-раритет ныне хранится в Павловском дворце-музее). Оперы композитора исполнялись во дворцах Гатчины, Павловска, Петергофа самодеятельными музыкантами, князьями Голицыным, Мусиным-Пушкиным, Долгоруковым, Чернышевым, Волконским, воспитанниками Смольного института, фрейлинами Шау, Ховен, Нехлюдовой. Их изображения можно увидеть на портретах в Русском музее.
На коронации Павла I под управлением Дмитрия Степановича Бортнянского прозвучал торжественный концерт "Господи! Силою твоею да возвеселится Царь!" Император был в восторге, и через 5 дней, 11 ноября 1796 года пожаловал композитору очередной чин и должность директора Придворной Певческой Капеллы.

Дело в том, что царский хор после смерти Полторацкого — первого учителя Бортнянского — был брошен Екатериной на произвол судьбы и представлял из себя жалкое зрелище. Взрослые певчие погрязли в пьянстве, а мальчишки бегали по соседним усадьбам в поисках пропитания. Когда запели молодцы, "кто в лес, кто по дрова", композитор схватился за голову от такого "подарка". Он провел большую работу по отбору, обучению и устройству капеллан. Бортнянский купил у Фельтена усадьбу на Мойке с огромным садом, что простирался до Большой Конюшенной улицы. Построил зал для репетиций и субботних открытых концертов. У пруда, где плавали лебеди, появились бани и домики для певчих, через речку перекинули мостик, чтобы быстрее попадать на службу в церковь Зимнего дворца. Сегодня на этом месте — широкий Певческий мост, красивые дворы и лучший по акустике в Европе зал, что построен на рубеже XX века Леонтием Бенуа.

Бортнянский Дмитрий Степанович руководил Капеллой с 11 ноября 1796 до самой смерти 27 сентября 1825 года.

Жил он неподалёку, в доме №9 на Миллионной улице. В эти же годы в капелле служил певчим полковник Андрей Фёдорович Петров. Женат он был на Ксении Григорьевне, которую оставил вдовой, когда ей было 26 лет. С этого началась история одной из покровительныц Петребурга святой Ксении Блаженной.

Тебе Бога славим (Капелла им. М.Глинки, дир. Владислав Чернушенко) Это исполнение мне меньше нравится, чем первое, которое я вам показал.

Те Deum laudamus (лат.) — «Тебя, Бога, славим», начальные слова древнего латинского церковного гимна.

Бортнянский познакомил нас с так называемым Амвросианским пением - это древнейший вид пения в  церкви. Его возникновение связано с именем святителя Амвросия.

АМВРОСИЙ Медиоланский  (340-397)  -  святитель, миланский епископ, проповедник и гимнограф.
Один из четырёх великих латинских учителей церкви, он обратил в христианство и крестил блаженного Августина.

В 373 году Амвросий был назначен на должность префекта северной Италии с резиденцией в Медиолане (ныне Милан), который был тогда вторым городом Италии вслед за Римом.

Перу св. Амвросия приписывается от 12 до 18 поэтико-музыкальных гимнов, дошедших до наших дней. Четыре из них («Aeterne rerum conditor», «Deus creator omnium», «Jam surgit hora tertia», «Veni redemptor gentium») ему приписывал уже Августин. Наиболее известен гимн «Те Deum laudamus» («Тебя, Бога, хвалим»).

До Амвросия церковное песнопение в западной церкви сводилось к однообразному речитативному исполнению псалмов одним певцом, на которое молящиеся отвечали таким же монотонным речитативом.

Вот еще несколько образцов Амвросианского песнопения, которое сохранилось только в Миланской епархии.

А это Te deum Моцарта

А это Te Deum Гайдна

В Вестминстерском аббатстве тоже звучит Te Deum

Te Deum laudamus

Церковнославянский перевод

Нижеследующий текст гимна Te Deum в церковнославянском переводе («Тебе, Бога, хвалим») используется в богослужении Русской православной церкви, поётся традиционно на 3-й тропарный глас.
Символ «/» здесь обозначает деление на колена, употребляемое при пении.
Тебе Бога хвалим,/ Тебе Господа исповедуем./ Тебе Превечнаго Отца вся земля величает;/ Тебе вси Ангели,/ Тебе небеса и вся Силы./ Тебе Херувими и Серафими непрестанными гла́сы взывают:/ Свят, Свят, Свят, Господь Бог Саваоф,/ по́лны суть небеса и земля величества славы Твоея./ Тебе преславный Апостольский лик,/ Тебе пророческое хвалебное число,/ Тебе хвалит пресветлое мученическое воинство,/ Тебе по всей вселенней исповедует Святая Церковь,/ Отца непостижимаго величества,/ покланяемаго Твоего истиннаго и Единороднаго Сына/ и Святаго Утешителя Духа./ Ты, Царю славы, Христе,/ Ты Отца Присносущный Сын еси./ Ты, ко избавлению приемля человека,/ не возгнушался еси Девическаго чрева./ Ты, одолев смерти жало,/ отверзл еси верующим Царство Небесное./ Ты одесную Бога седи́ши во славе Отчей,/ Судия́ приити́ ве́ришися./ Тебе убо просим:/ помози рабом Твоим,/ ихже Честною Кровию искупил еси./ Сподоби со святыми Твоими в вечней славе Твоей царствовати./ Спаси люди Твоя, Господи,/ и благослови достояние Твое,/ исправи я и вознеси их во веки;/ во вся дни благословим Тебе/ и восхвалим имя Твое во веки и в век века./ Сподоби, Господи, в день сей без греха сохранитися нам./ Помилуй нас, Господи, помилуй нас;/ буди милость Твоя, Господи, на нас,/ я́коже упова́хом на Тя./ На Тя, Господи, уповахом,// да не постыдимся во веки. Аминь.

Хорошо звучит Te Deum Бортнянского в исполнении нескольких певчих.

У Екатерины II служил и великий итальянский композитор Джузеппе Сарти.  Он тоже написал ораторию «Тебе бога хвалим» на взятие русскими войсками города Очакова для 300 певцов, колоколов и пушек. В письме Екатерине упомянув о Сарти, всегда бывшем при князе Потемкине, граф Энгельгардт замечает: «Он положил на музыку победную песнь: «Тебе, Бога, хвалим», и к оной музыке прилажена батарея из десяти пушек, которая по знакам стреляла в такт; когда пели: «свят! свят!» - тогда производилась из оных орудий скорострельная стрельба При исполнении оратории пушками командовал граф Потемкин» .

Сарти позже написал еще одну замечательную ораторию, которую назвал Русской. Послушайте русскую ораторию Сарти. Какая потрясающая музыка!

Полностью русскую ораторию можно послушать здесь

Кстати, Сарти был знаком с Моцартом, и, по мнению некоторых исследователей, оказал на оперное творчество последнего значительное влияние.

Сарти Джузеппе (1729-1802)

Сарти занимался теоретическими изысканиями в области музыкальной акустики, представив в 1796 году в Санкт-Петербургскую академию наук доклад об измерении высоты звука и соответствующий инструмент, так называемый «петербургский камертон». Он установил частоту "петербургского камертона" (а1 = 436 гц). Петербургская Академия наук высоко оценила научные труды Сарти и избрала его своим почетным членом (1796). Акустические исследования Сарти сохраняли свое значение в течение почти 100 лет (лишь в 1885 г. в Вене был утвержден международный эталон а1 = 435 гц). Учениками Сарти были некоторые российские композиторы — в частности, Степан Дегтярев, Степан Давыдов, Даниил Кашин и Лев Гурилев (отец Александра Гурилева);

В 1801 году Сарти вышел в отставку и отправился в Италию, но умер по дороге в Берлине.

Как мало мы знаем о великих композиторах!  Надеюсь, что вам понравилось наше знакомство с церковным песнопением.

Разбирая биографию Сарти, я наткнулся на интересную историю города Екатеринослава (Днепропетровска).

Известно, что Екатеринослав был задуман не только как третья столица огромной Российской империи, Южная Пальмира, но и как воплощение самых сокровенных чаяний Светлейшего князя Григория Потемкина. В 1786 году он собственноручно сотворил «Начертание города…». И профессиональным архитекторам оставалось лишь беспрекословно следовать его указаниям.

Большинство ученых пытаются увязать упорство, с которым Потемкин отстаивал идею постройки города на гранитной труднодоступной и безводной горе, с его эстетическими воззрениями. Возможно, что Потемкин был масоном, ибо план города, который он начертал, очень походил на главный символ массонов - циркуль и мастерок. В горе он видел некую аналогию с храмовой горой Иерусалима.

Преображенский храм
Потемкин приказал спроектировать его «в подражание Святаго Павла, что вне Рима». 9 мая 1787 года Екатерина ІІ и император Священной Римской империи германской нации Иосиф II собственноручно уложили в его основание первые два камушка.

Потемкинский дворец
Первое каменное сооружение новограда было тоже построено по типу базилики. В нем Светлейший никогда не жил, но обустраивал капитально. А вот для каких целей – не совсем понятно. Вся внутренность одноэтажной, вытянутой постройки представляла собой один длинный холл.

Очень интересно, что Потемкин был очень подвержен идеям масонства.

У масонов музыка несет особую нагрузку, поскольку, по их мнению, способна перевернуть мир.
За год до основания города Потемкин подал Екатерине доклад по поводу создания в Екатеринославе “университета купно с академией музыкальной или консерваториею“, почти на 80 лет опередив ее открытие в Петербурге. Место для университета было определено тоже на горе, между нынешней областной больницей Мечникова и казармами бывшего Симферопольского полка. А в качестве дирижёра оркестра ему удалось заполучить… самого Вольфганга Амадея Моцарта. Русский посол в Вене Андрей Разумовский доносил: «Хотел было я отправить к Вам первого пианиста и одного из лучших композиторов в Германии, именем Моцарта. Он недоволен своим положением здесь и охотно предпринял бы это путешествие». Однако приехать в Екатеринослав венскому виртуозу помешала болезнь, во время которой он (кстати, по заказу одной из лож) спешно писал «Волшебную флейту» - оперу, насыщенную масонскими идеями.

Вместо Моцарта в Екатеринослав приехал его друг Джузеппе Сарти – известный итальянский композитор. Его Екатерина еще в 1784 году пригласила в Петербург на должность придворного капельмейстера.
Но Сарти сделал ошибку: вместо того чтобы по-мужски отблагодарить милостивую к нему царицу, Сарти увлекся певицей Тодди. За что и был удален от двора, оставшись практически без средств существования. Григорий Александрович вернул опальному музыканту все почести и назначил директором зарождающейся консерватории.
16 марта 1787 года Потемкин выдал ему «ордер», в котором значилось: "При настоящем отправлении вашем в Екатеринослав рекомендую употребить ваше старание и труд: 1-е. Чтоб устроить лучшим образом вокальную музыку, дав певцам пример плавного пения и отуча их от крику".

Были ли Потемкин и Моцарт масонами, судить трудно, но примечательно, что Потемкин и Моцарт умерли с разницей в два месяца - первый в октябре 1791 года, а второй – в декабре. Причем от сходной болезни. 

Планам Потемкина не суждено было сбыться.
После смерти князя указами Павла I приказано было "все строения во всей губернии остановить". Материалы, предназначенные для построек, были проданы чрез казенную палату с публичного торга. Часть домов, построенных для чиновников и купцов, погибли от пожаров, часть пришли в ветхость и развалились. И ни грандиозного 12-престольного Преображенского собора, ни "прекрасного" университета, ни музыкальной консерватории, ни художественной академии жители Екатеринослава так никогда и не увидели.

Кстати, Павел 1 тоже был масоном.

Масонство – организация людей, мотивированных на духовный поиск.  В разной степени и в разных направлениях. Понимание духовности у членов ордена может как полностью оставаться в рамках широких социальных конвенций, так и выходить за пределы этих рамок. Потому что масонство не дает предписаний для ведения внутреннего духовного поиска в определенном направлении. Масонство лишь ставит задачу поддерживать ищущего в его стремлении, поместить его в ту среду, в которой он будет не одинок, хотя даже внутри масонской организации он не найдет сразу однозначных ответов на великие вопросы о смысле.

Вот и прикоснулись мы к таким тайнам, о которых мало что известно. Массонство во многом  - это загадка для непосвященных. Здесь вы можете посетить их официальный сайт и узнать кое-что.

Пусть поведает вам об этих тайнах великий магистр великой Ложи России А.Богданов

«Масонство у нас было стремлением к внутренней церкви, на видимую церковь смотрели как на переходное состояние». Н.А.Бердяев

Небольшая справка. Само слово «масон» в переводе с английского и французского значит «каменщик». «Вольные каменщики» в XI—XII веках формировали цеховые организации — ювелиров, оружейников, врачей, актеров. Профессиональные цехи, в свою очередь, были тесно связаны с религиозными братствами. Из этого соединения рождались разного рода магии. Так закладывались масонские ритуалы, идеи, традиции.

В России масоны появились еще при Екатерине II. Она поставила преданного Ивана Елагина во главе всех масонских лож (их было тогда 14). Ей многие вельможи советовали запретить «навеянные западным ветром масонские общества», но императрица решила, что контролировать масонство через доверенных лиц куда более эффективно, чем запрещать его.

«Вольным каменщиком» был Петр III, а Павел I воспитывался масонами. Масоном являлся и его сын Александр I.

Раз уж мы заговорили о масонах, то ходят слухи, что и Дмитрий Бортнянский им был. Написанный им Гимн "Коль славен" русские масоны считают своим гимном.

Мелодия, которую Бортнянский написал для гимна, еще в XVIII столетии очень понравилась вольным каменщикам, и Гимн прослыл "масонским" (как известно, поэт М.М. Херасков, автор текста, был масоном, однако о Д.С. Бортнянском этого нельзя сказать, так как ни в каких известных по сию пору списках масонских лож в России он не значится; скорее, композитора можно отнести к разряду знакомых, друзей, понимающих и сочувствующих масонам, что было распространено практически среди всей придворной и мыслящей публики той эпохи). Так мелодия быстро распространилась и в Европе еще в XIX столетии.

Знаменитый Гимн "Коль славен" до сих пор считается Гимном русской эмиграции.  Известно много печатных нот этого Гимна. Некоторое время, в начале XIX века он считался неофициальным национальным (государственным) Гимном Российского государства. Эта версия его назначения активно поддерживалась еще со времен правления Павла Первого, для которого гимновое песнопение Державина-Козловского "Гром победы раздавайся!" было не очень приемлемым, в связи с тем, что это был гимн времен его матери - Екатерины, с которой у него, как известно, отношения были не лучшие. Да и знаменитый припев песни, во время которого обычно все офицеры вставали и поднимали бокалы - "Славься сим, Екатерина! Славься добрая к нам мать!" - вызывал у Павла раздражение. Не поэтому ли новый Гимн Бортнянского, который долгие годы служил придворным композитором семьи Павла Петровича и выучил музыке его детей, стал активно распространяться и, в первую очередь, не только в церковной, но и в военной среде. Потому и "Гром победы" был забыт довольно скоро. А "Коль славен" не был подвергнут забвению даже во время правления сына Павла Первого - императора Александра, который чтил своего музыкального наставника - Бортнянского.

В начале XIX столетия, а также временами и до самого Октября 1917-го года, мелодия Гимна Бортнянского "Коль славен" исполнялась (вызванивалась) 37-ю колоколами Курантов на Спасской башне Московского Кремля, как правило, каждый день - в полдень (есть также версия, что он исполнялся ежедневно в 15 часов и 21 час, тогда как в 12 часов и 18 часов звучала знаменитая мелодия марша Преображенского полка). Исполнялась эта мелодия и курантами Петропавловской церкви в Санкт-Петербурге (с помощью 38 колоколов, куранты были сделаны голландцем Крассом) вместе с мелодией Гимна "Боже, царя храни", также вплоть до 1917 года. Однако обе мелодии были вновь исполнены часами Петропавловки в празднование 300-летия города, построенного Петром Великим.

Официально Гимн Бортнянского был заменен лишь в 1830-е годы, когда Львовым и Жуковским был написан Гимн "Боже, царя храни". При этом гимн Михаила Глинки, также созданный по просьбе императора, к сожалению, принят не был

Из наиболее удивительных историй, связанных с Гимном Бортнянского "Коль славен", можно выделить несколько. Вот они.

1. То, что Дмитрий Шостакович незаметно воспользовался мотивом «Коль славен» в известной песне начала 1950-х «Родина слышит, Родина знает» (слова Евгения Долматовского), до сих пор является предположением. Однако мелодический анализ песни может полностью это подтвердить.

 Родина слышит, Родина знает,
Где в облаках ее сын пролетает…

Послушайте и сравните. Выводы делайте сами.

 Известно, что первый в истории человечества космонавт Юрий Гагарин насвистывал эту песню прямо перед стартом в космос, уже когда отсчитывались минуты до начала исторического события. А затем, после полета вокруг Земли (во время приземления), очевидцы засвидетельствовали: "Когда спускался, то пел песню: «Родина слышит, Родина знает»"…

2. Гимн "Коль славен" был исполнен во время похорон писателя А.И. Солженицына в Донском монастыре в Москве 6 августа 2008 г. военным церемониальным оркестром, в тот момент, когда гроб был уже опущен и могила засыпана землей. Исполнение мотива первого куплета и припева произошло в присутствии семьи писателя и Президента России.

    "Коль славен" стал популярен в Великобритании еще в 18 веке, где он был известен (на другие слова) под названием "Russia, St. Petersburg" (Россия, Санкт-Петербург) или "Wells". Наибольшую популярность песнопение получило в Германии ("Ich bete an die Macht der Liebe"), где его можно услышать и сегодня. Этот Гимн превратился в известное хоровое произведение в Германии, которое, например, традиционно исполняли в заключительной части специального воинского ритуала Großer Zapfenstreich (Церемониальное посвящение). Делается это и по сей день в войсках Бундесвера.

Исполнение гимна "Коль славен" Д. Бортнянского
на воинском Церемониальном посвящении
(Großer Zapfenstreich) в современной Германии.
Участвует почетный караул Бундесвера, в присутствии канцлера и
правительства страны. У реконструированного Рейхстага.
Берлин, запись 2005 г.

      Примечательно, что Гимн Бортнянского "Коль славен" исполняется после команды "Шапки долой!" и перед исполнением Государственного гимна Германии (который исполняется следующим, уже при отмены команды "Шапки долой!").

     Краткий комментарий происходящего события на немецком языке прилагается после видеосюжета. Здесь разъясняется, что показана историческая церемония, существовавшая в Германии столетиями, а также - что данное действо происходит во время празднования 50-летия войск Бундесвера (1945-2005), и никакого отношения оно к церемониалам времён III Рейха не имеет.

А закончим мы стихотворением Лермонтова "Дума"

Печально я гляжу на наше поколенье!
Его грядущее - иль пусто, иль темно,
Меж тем, под бременем познанья и сомненья,
В бездействии состарится оно.

Богаты мы, едва из колыбели,
Ошибками отцов и поздним их умом,
И жизнь уж нас томит, как ровный путь без цели,
Как пир на празднике чужом.

К добру и злу постыдно равнодушны,
В начале поприща мы вянем без борьбы;
Перед опасностью позорно малодушны
И перед властию - презренные рабы.

Так тощий плод, до времени созрелый,
Ни вкуса нашего не радуя, ни глаз,
Висит между цветов, пришлец осиротелый,
И час их красоты - его паденья час!

Мы иссушили ум наукою бесплодной,
Тая завистливо от ближних и друзей
Надежды лучшие и голос благородный
Неверием осмеянных страстей.

Едва касались мы до чаши наслажденья,
Но юных сил мы тем не сберегли;
Из каждой радости, бояся пресыщенья,
Мы лучший сок навеки извлекли.

Мечты поэзии, создания искусства
Восторгом сладостным наш ум не шевелят;
Мы жадно бережем в груди остаток чувства -
Зарытый скупостью и бесполезный клад.

И ненавидим мы, и любим мы случайно,
Ничем не жертвуя ни злобе, ни любви,
И царствует в душе какой-то холод тайный,
Когда огонь кипит в крови.

И предков скучны нам роскошные забавы,
Их добросовестный, ребяческий разврат;
И к гробу мы спешим без счастья и без славы,
Глядя насмешливо назад.

Толпой угрюмою и скоро позабытой
Над миром мы пройдем без шума и следа,
Не бросивши векам ни мысли плодовитой,
Ни гением начатого труда.

И прах наш, с строгостью судьи и гражданина,
Потомок оскорбит презрительным стихом,
Насмешкой горькою обманутого сына
Над промотавшимся отцом.

И прозвучит для вас торжественно Молитва, которую написал М.И.Глинка на стихи М.Лермонтова