В память о Романе Иосифовиче Турчинском.
Дорогой Борис и вся большая семья Турчинских. Большое спасибо тебе за то, что ты прислал свои воспоминания о твоем папе, нашем дяде Романе Иосифовиче Турчинском, под названием «Дорогой мой человек». Я узнал о нем много нового. Мне захотелось написать тебе о том, что я прочувствовал, когда прочитал твою исповедь о самом дорогом человеке, который подарил вам самое дорогое – жизнь. Это ваш папа. У него было тяжёлое детство, он очень рано потерял родителей и родного брата. Ему пришлось очень рано стать самостоятельным. Детский дом, в котором он рос, помог ему стать человеком с большой буквы. Он хорошо учился в школе, потом была служба в военном оркестре. Ваш папа стремился стать отличным музыкантом, и у него это получилось. Жизнь его многому научила. Твой папа – яркий пример служения нашей Родине, во время Великой Отечественной войны 1941-1945г. Он был награжден многими государственными наградами за мужество и отвагу.

Он был очень предан своей семье, заботился о вас вместе с вашей мамой Соней .
Растить сыновей – это очень не лёгкий труд, особенно в те тяжёлые послевоенные годы.
После войны он остался преданным своему призванию музыканта. Он мечтал, что бы вы, его сыновья тоже стали музыкантами. Цель свою ваш папа достиг. Вы все закончили высшие музыкальные заведения и консерваторию. У вас всех есть семьи и дети. Значит ваш папа не зря прожил свою короткую, но очень настенную жизнь. Он открыл вам дорогу в мир прекрасного искусства и музыки.
10 Октября 2013 года исполняется 32 года, как ушел из жизни ваш дорогой и любимый папа - Роман Иосифович Турчинский. Он был необыкновенно талантливым человеком, исключительно одарённым во многих отношениях – любил и разбирался в музыке и искусстве. Дядя Рома прекрасно играл на валторне. Отлично знал музыкальную грамоту и теорию музыки. Писал партитуры для всех музыкальных инструментов и оркестра. Руководил духовым оркестром, который сам создал. Его человеческие качества были такими же исключительными. У него было прекрасное чувство юмора. Дядю Рому любили все, кто хоть как-то соприкасался с ним в жизни. Потому, что он обладал необыкновенным даром – был очень добрым и отзывчивым человеком. Помогал всем, кто нуждался - не ожидая просьбы о помощи и благодарностей.
Его уход в 1980 году – оказался страшным ударом для всех, кто знал, уважал и любил такого светлого человека каким был ваш папа.
Мне кажется, что хорошие люди, каким был ваш папа, которые отдают людям своё сердце и душу, тратят всего себя на хорошие дела и отдавая много сил и энергии – и поэтому сгорают раньше времени. Ему было всего 55 лет. Если бы он дожил до наших днях он бы гордился своей семьей, своими сыновьями и внуками. Светлая память о Романе Иосифовиче Турчинском будет жить в сердцах до тех пор, пока живы близкие и дальние родственники, вы, его сыновья, ваши дети, внуки, правнуки и пра пра правнуки... Значит память о вашем папе Романе Иосифовиче Турчинском. БУДЕТ, ЖИТЬ, ВЕЧНО!

Семен Старубинский 2013 год город Сан Франциско (США)

Концертна афіша
Головна/ Новини / Концертна афіша / Концерт
27
лютого
середа1800
початок
концерту
Концерт

Одеська національна музична академія імені А. В. Нежданової
Великий зал

Концерт
присвячений 85-річчю з дня народження і 60-річчю педагогічної та творчої діяльності заслуженого діяча мистецтв України, кандидата мистецтвознавства, професора

Мюльберга Каліо Евальдовича
У концерті беруть участь:
Євген Бєльцєв, Садрі Джелієв, Олександр Дралов, Марина Моспан, Андрій Довбета, Віталій Медведівський, Богдан Чогло.

Прозвучать твори: К. М. Вебера, І. Оленчика, Ж. Франсе, Е. Каваліні, К. Сен-Санса, М. Глінки, А. Понк'єллі, А. Джамп'єро.
Концертмейстер – дипломант Міжнародних конкурсів
Ананьєва Олена Володимирівна

Великий зал ОНМА імені А. В. Нежданової
(м. Одеса, вул. Новосельського, 63)
Вхід вільний

 

  Калио Мюльберг-профессор,кандидат искусствоведения,засл.деятель искусств Украины,лауреат    международного конкурса.

 

 

                           Дорогие читатели, друзья, коллеги!

     Пожалуй, впервые в жизни я пишу предисловие к книге своего ученика. Согласитесь, не так уж часто случается в жизни музыканта-духовика, когда его питомцы выпускают книгу, причём, не реферат или диссертацию, коих я в своей жизни рецензировал большое количество, а именно книгу, авторский сборник очерков, посвящённых разным аспектам современного развития музыкальной жизни . Тут и вопросы исполнительства, и особенности преподавания, и портретные зарисовки  об  отдельных музыкантах… И это меня радует!

     На протяжении многих лет я внимательно и с интересом наблюдаю за творческими успехами и  достижениями всех своих выпускников. Сейчас это уже большая и дружная семья, в которой соседствуют  преподаватели  и профессора, дирижеры и высококвалифицированные  исполнители. Но не всякий профессор, а тем более кларнетист, рискнёт совмещать исполнительство, преподавание и неблагодарный труд историка - музыковеда, как это блестяще сочетает в себе один  из успешных и уважаемых мною учеников Борис Романович  Турчинский.

    С Борисом нас свела судьба в 1975 году. Он сразу покорил меня не только техническим исполнением  программы, но и глубиной мысли и эрудицией. Ведь педагог с опытом всегда может определить эти качества в исполнителе!

    Запомнился мне и Государственный  экзамен в Одесской государственной консерватории им. А.В.Неждановой в 1978 году. Борис блестяще справился с исполняемой программой, получив высокую оценку, а также похвалу председателя Государственной комиссии - народного артиста СССР главного дирижера симфонического оркестра Молдавской государственной филармонии Т.И.Гуртового.                                                      

     Первое место работы  Б.Р.Турчинского – солист военного оркестра в Одессе, коллектив которого отличался высоким профессиональным уровнем. Его руководителем в то время был замечательный дирижер и человек, Александр Яковлевич Салик, впоследствии народный артист Украины, профессор нашей консерватории. Именно ему посвятил Борис свой первый очерк в 2007 году,"Спасибо тебе, Салик".          В 1986 году Турчинский  прошёл по конкурсу на замещение должности преподавателя оркестрового факультета (кафедра духовых инструментов) Ровенского государственного института культуры (теперь это Ровенский государственный Гуманитарный университет культуры и искусства). В 1987 году он инициировал там мастер-класс с моим участием  для преподавателей и студентов института и музыкального училища. С тех пор нас связывают не только творческие интересы, но и узы дружбы, человеческого тепла, несмотря на расстояние! Ведь сегодня Борис Романович  - сложившийся специалист, преподаватель одной из престижных консерваторий Израиля  в городе Петах-Тиква. Он  успешно  передает накопленный опыт подрастающему  поколению, организует концерты, в которых сам выступает как исполнитель и дирижёр.                                                                                                                                                                                                                   Но самым неожиданным поворотом его творческих изысканий, для меня лично, стала его, так сказать, “проба пера”

     Те статьи и очерки, которые мне довелось читать - а они опубликованы в серьезных печатных изданиях, таких, как научно-популярный журнал “Оркестр”, журнал “Дети и музыка” (Москва), музыкальный журнал “Израиль-21” - убедили меня в его журналистских способностях. Читаются они  легко, непринуждённо и с интересом.  В основном, это портреты Мастеров, среди которых друзья Бориса, его педагоги и однокашники, а иногда просто  хорошие знакомые, добившиеся на музыкальном поприще успехов и оставившие заметный вклад в становлении традиций школы духового исполнительства.

     Поздравляю Бориса Романовича Турчинского с выпуском его первой книги (надеюсь, что не последней!). Хочу выразить благодарность за тёплый и исторически правдивый рассказ о моем творчестве и моей жизни - очерк «Путь к совершенству», а также за статьи о моих любимых учениках - дирижере Харьковского театра оперы и балета заслуженном артисте Украины Леониде Джурмие и профессоре Российской академии музыки им.Гнесиных  зaслуженном артисте РФ Иване Оленчике.

     Дорогой Борис! Ты делаешь важное дело, оставляя память о людях и событиях нашей музыкальной культуры, о времени, в котором мы живем и трудимся.

     Желаю тебе от себя лично и от всех студентов и преподавателей кафедры духовых инструментов Одесской государственной консерватории больших успехов во всех творческих направлениях – и  в музыке, и в журналистике!                                 

 

Леонид Джурмий: "Я мечтал стать дирижером!"

Очерк Борис Турчинского


Ремарка, но очень важная



За время, что я начал писать очерки и статьи о своих коллегах-музыкантах для научно-популярного журнала «Оркестр», еще не складывалось, пожалуй, такой необычной ситуации, как на этот раз. У всех, к кому я обращался с просьбой рассказать, каким был дирижер и человек Леонид Джурмий, становилось по-особому тепло на душе, все преображались, с радостью восприняли идею написать о необычном человеке.
Откликнулись мне многие, если не все, к кому я обратился через средства современной коммуникации( facebook, odnoklassniki.ru, v kontakte), в первую очередь из Харьковского оперного театра. Все очень ждут этого очерка – Леонида Джурмия любили все!
Такой бурной радостной реакции коллег я даже и не ожидал…
Вот, какой след в музыке и какую память о себе оставил этот чудесный человек – Леонид Михайлович Джурмий. Вот, как нужно жить и трудиться, чтобы тебя так помнили!




Чтобы помнили

Леонид Джурмий родился 31 января 1941 года, до начала войны оставалось всего полгода…
Жил он со своей мамой, без отца. Детство было тяжёлое, как у многих детей военного времени, поэтому он привык с детских лет к тому, что в жизни надо всего добиваться самому. Наверное, тяжёлое детство, трудности, которые приходилось преодолевать, и закалили его характер, сделали его целеустремлённым человеком, который знал, чего хочет и как этого добиться.
Когда после семи лет школы он поступил в одно из житомирских ПТУ, его дядя, Владимир Васильевич Фесюк, кларнетист оркестра военного училища, сказал: «Давай-ка лучше пойдём в музыкальное училище, в этом году там недобор!».
Большая заслуга в становлении Леонида как кларнетиста и как музыканта вообще, принадлежит Владимиру Васильевичу, дисциплинированному, образованному, очень грамотному в музыке человеку. Именно благодаря его авторитету и первым урокам, Леонидом от него полученным, и появились вскоре первые положительные результаты.
В училище на то время экзамены были несложные: проверили слух, ритм и зачислили Леню на первый курс в класс преподавателя, дирижера оркестра Йосифа Антоновича Древецкого. Как рассказывал Владимир Васильевич Фесюк, Леня не хотел идти на экзамен в училище – характер! – пришлось взять за руку и отвести. После того, как Леонид окончил второй курс, в музыкальное училище приехал новый преподавать по кларнету, Иван Максимович Мостовой, и Лёня перешёл в его класс.
Второй курс Леонид закончил «Северной звездой» М.И.Глинки, что не является высоким показателем, однако за два оставшихся года до окончания училища, юноша со своими преподавателями сумел подготовить программу со Вторым концертом К.М.Вебера.
Леонид поступает в Одесскую консерваторию, в класс тогда ещё молодого и перспективного преподавателя К.Э.Мюльберга.
Как упоминалось выше, Лёня рос без отца, а его мама на пенсию в 25 рублей не могла помогать своему студенту, поэтому пришлось при первой же возможности идти подрабатывать.
Понятно, студент консерватории не мог идти разгружать вагоны, и поэтому, когда появилось место саксофониста в ресторане, ему ничего не оставалось, как согласиться.
Когда он приходил на урок по специальности после ночной работы в ресторане, то по выражению лица К.Э. Мюльберга было сразу видно отношение маэстро к этому. Конечно, преподаватель был недоволен. Но, зная, как материально нуждается студент, тактично молчал. Леонид всегда с благодарностью потом об этом вспоминал.
…Так бежали годы учёбы в консерватории, и когда на четвертом курсе было прослушивание на Всесоюзный конкурс исполнителей на духовых инструментах, приехал из Харькова послушать духовиков главный дирижёр харьковского театра оперы и балета, Евгений Дущенко. После прослушивания он предложил Лёне и его однокурснику гобоисту Васильеву место в оркестре харьковской оперы. Пятый курс консерватории Леонид Джурмий уже жил между Харьковом и Одессой. Это был 1963 год, и с этого года начался новый, Харьковский период его жизни.


Техника игры благородная, содержательная

Леонид начинал работать в оркестре как кларнетист, но увлечение еще в консерваторские годы дирижированием дало себя знать, проявилось ярко. В своей книге «Записки кларнетиста» профессор К.Э.Мюльберг писал: «Леонид Джурмий подходил к занятиям осмысленно. Играл вдумчиво, культивировал мягкий густой звук. Его техника отличалась благородством и содержательностью. Увлекал слушателей звуковыми и тембральными достоинствами кларнета. Он несколько сдерживал свободу пассажей. Особенно он выигрывал на тембре звука кларнета при исполнении Концерта Ля Мажор В.А. Моцарта…».
И далее в книге маэстро Мюльберга о музыканте Леониде Джурмие: «Весьма успешны были и его занятия по дирижированию. Занимался он дирижированием у доцента Веры Петровны Базилевич. Здесь он чувствовал себя как дома, его музыкантская уверенность, профессионализм и авторитетность не имели «проколов».

Лебединое озеро

Вот что говорил о своем дирижировании сам Леонид Михайлович.
«Стать дирижёром помог мне случай. Срывался балетный спектакль – не было дирижёра. В театре знали, что я мечтаю о дирижировании, в одесской консерватории я посещал факультативно дирижерский класс. Первая проба прошла довольно удачно, во всяком случае, балет я не подвёл. Не зря говорят, что необходимость является нам в одежде случайности. Если бы не этот случай, были бы, видимо, и другие попытки. Но дирижёром я бы всё равно стал, уверен».
…Должен был состояться дневной спектакль «Лебединное озеро», но, как на грех, заболел дирижёр. Спектакль был под угрозой срыва. И Джурмий вызвался провести этот спектакль.
Ночь просидели с Валерием Ковтуном, впоследствии народным артистом СССР, солистом Большого театра (помните творческий и семейный союз – балетная пара – Татьяна Таякина и Валерий Ковтун), который танцевал одного из главных персонажей, под пластинку «прокручивали» детали. Спектакль прошёл успешно. Так Джурмий, можно сказать, получил путевку в большое дирижирование. И о том деле, которому служил, Джурмий говорил так: «Профессия дирижера предельно сложная работа!».


Новые постановки, новые творческие удачи

Впоследствии было много постановок, творческих удач. Дирижер Джурмий работал с выдающимися мастерами хореографии – Н.М. Дудинской и К.М.Сергеевым, М.Э.Лиепой и Г.М. Майоровым, дирижировал спектаклями с участием прославленных Н.Семизоровой, Н.Павловой, В.Гордеева, М.Лавровского, оперных солистов Е.Мирошниченко, А.Соловьяненко.
Среди его высших творческих достижений – первопрочтение современных балетов на харьковской сцене. Таких, как «Барышня и хулиган» Д.Шостаковича, «Тысяча и одна ночь» Ф.Амирова, «Сеньора из Валенсии» Ю.Саульского, «Прометей» Э.Аристакесяна, «Сотворение мира» А.Петрова.
Особенно плодотворным было сотрудничество с современными украинскими композиторами, многие из которых – В.Золотухин, В.Губаренко, Г.Жуковский, И.Ковач, – считали его не только интерпретёром, но и просто личным другом.
Отношение Леонида Михайловича к работе, к музыке, было неистовое: он не знал, что такое работать вполсилы. В последние годы Леонид Михайлович Джурмий был главным дирижером театра.
Оркестр Джурмия выступал с такими известными всему Советскому Союзу исполнителями, как Муслим Магомаев и Юрий Гуляев, Евгения Мирошниченко и Анатолий Соловьяненко. В основном, все концертные выступления оркестра с солистами проводил дирижер Джурмий. У него это хорошо получалось, ему доверяли.
Начиная с 1995 года, оркестр оперного театра под управлением Л.Джурмия выступал два раза в году в разных городах Германии. С таким именитыми итальянскими певцами как Piero Cappuccilli, Fiorenza Cossotto,Giorgio Casciarri. Концерты назывались просто и понятно: «Верди», «Пуччини», «Россини».

Леонид Джурмий о профессии дирижера

«Профессия дирижера в опере и балете – это очень ответственная и предельно сложная работа. Главное тут координация многих элементов сценического искусства – оркестра, хора, вокалистов, массовки и хореографии. Ведь все, что мы видим на сцене – по сути это трудоемкая и ежедневная работа каждого из них по отдельности, и только лишь потом – в группах, соединяясь в единый стиль, в темп и образ».
Знаменитое высказывание Станиславского «Любите искусство в себе, а не себя в искусстве» музыканты Джурмия перефразировали по-своему: «Ты должен любить музыку, а не себя в музыке».
Музыкантам известна интересная мысль о том, что дирижер связан непосредственно не с инструментом, а с двумя группами людей, на которые направлена его воля. Первая группа – оркестр. Он должен играть так, как будто это не музыканты, а сам дирижер играет на каждом инструменте собственными руками.
Вторая группа – публика, дирижер стремится превратить ее в единого слушателя. Кроме всего прочего, дирижер – он еще и организатор всего сценического действа. Когда поднимается занавес, за кулисами остаются все те, кто готовили спектакль, и только дирижер остается от имени всего творческого коллектива наедине и с залом, и с оркестром. Уникальна поэтому его роль!



Педагоги глубокие, разносторонние.

Вторым важным педагогом в Одесской консерватории, которому многим обязан Леонид Михайлович, была доцент Вера Петровна Базилевич. Первый – это, само собою, педагог по специальности.
Вера Петровна была удивительно глубоким, тонким и разносторонним музыкантом. Она окончила Одесское музыкальное училище по классу кларнета и фортепиано, а консерваторию, как музыковед. Также, как и впоследствии Джурмий, с увлечением занималась дирижированием (класс профессора А.И.Климова).
Но это далеко не все из ее музыкальных дарований. В оперном театре Вера Петровна играла на органе и клавесине, в музыкальном училище вела класс симфонического оркестра. Для военных музыкантов Одесского военного округа регулярно проводила курсы «дирижирование духовым оркестром».
В консерватории у нее обучались многие и неважно, с какой кафедры. Это были и хормейстеры, и духовики, и народники. «Теоретикам» же она вела курс инструментоведения.
Самым сильным педагогическим даром Веры Петровны было умение найти особый подход к каждому студенту, подобрать ключик к его индивидуальным способностям. Такой ключ она нашла и к Леониду, почувствовав его необычный талант, прирожденную музыкальность и большое стремление стать дирижером.


Интересная деталь в биографии

Кроме уроков дирижирования, которые Джурмий брал у Веры Петровны, дополнительно, на старших курсах консерватории, он проходил дирижерскую практику в оркестре штаба Одесского военного округа. Начальником военно-оркестровой службы тогда был опальный генерал-майор из Москвы, Иван Васильевич Петров (в Москве он был в свое время начальником всей оркестровой службы СССР и за что-то был смещен). «Маршал Жуков в музыке», так называли его, с намеком, видимо на то, что одно время и Жукова тоже «услали» в Одессу…
Чем-то Ивану Васильевичу понравился этот молодой человек, и он к нему с симпатией относился. Летом оркестр штаба играл в местном парке имени Шевченко популярную музыку, тогда это было модно.
Генерал Петров позволял Леониду дирижировать оркестром, чем тот очень гордился и иногда даже в ущерб летним каникулам оставался в Одессе, чтобы иметь эту великолепную возможность.


Любимый преподаватель по специальности

Калио Мюльберг всегда особенно выделял своих наиболее талантливых учеников, и в будущем все они добились большого успеха.
Это заслуженный артист России, доцент Российской академии музыки им. Гнесиных, лауреат всесоюзного и международного конкурсов, солист симфонического оркестра И.Оленчик; доцента академии Гнесиных, заслуженный работник культуры России, кандидат искусствоведения Н.Волков. Заслуженный артист Украины, профессор лиссабонской консерватории (Португалия), дирижер В.Стоянов, профессор Киевской национальной академии музыки В.Тихонов. Доцент Донецкой академии музыки Е.Сурженко.
Список этот можно было бы еще долго продолжить. Но на самом почетном месте среди всех выдающихся имен учеников Мюльберга всегда был, пожалуй, Леонид Джурмий. Ведь из всех выпускников Калио Эвальдовича, именно он стал наиболее известным дирижером.
В1971 году педагог Калио Мюльберг был в Харькове председателем государственной комиссии в музыкальном училище. Леонид пригласил его на репетицию оркестра, представил коллективу с большой гордостью: «Это мой учитель!».
В оркестре был еще один выпускник консерватории, кларнетист Илья Замчук, а также гобоист Лев Васильев, не ученик Мюльберга, но тоже из Одесской консерватории. Это был костяк, когорта одной общей образовательной музыкальной линии.






Волнуют воспоминания…


У Леонида Джурмия было много друзей среди музыкантов: гобоист Лев Васильев, кларнетист Владимир Бобров, трубач Геннадий Гришин, скрипач Г.Куперман, валторнист В.Якобчук.
Владимир Афанасьев лауреат Всесоюзного конкурса исполниетей в Алма-Ате в 1984 году, концертмейстер группы ударных инструментов. Много лет он проработал с Леонидом Джурмием. Сегодня Владимир работает в Салониках, в государственном симфоническом оркестре Греции, концертмейстер группы ударных инструментов. Работает и вспоминает друга, учителя.

****************************************************************

-Владимир, расскажите, пожалуйста, о Леониде Джурмие. Расскажите о нем и как о музыканте, и как о человеке!

-Борис, вы взволновали меня своей просьбой рассказать о человеке, который мне бесконечно дорог… Джурмий принимал меня в 1988 году, молодого тогда музыканта, на работу, всячески опекал, помогал, поддерживал, как мог. Сами понимаете как это важно работнику нашего цеха, который только входит в обширный репертуар!
Хочу, отметить, что сам он партитуры дирижируемых постановок знал наизусть! Дирижер он был очень интересный и пользовался уважением всего коллектива! Самым главным в его работе музыканта было, на мой взгляд, то, что он все «слышал – и музыку слышал, и слышал людей». Эрудированный, грамотный и очень интеллигентный. Очень умело работал с оркестром на репетициях, никогда у него не было ничего лишнего. Замечания делал очень тактично, не унижая достоинства музыканта. Не было у него такого, как у некоторых дирижеров, ну, знаете: «Давайте еще раз с начала!». Все всегда с первого раза, все к месту, все по назначению.
В оркестре у него было много единомышленников и друзей. Это, прежде всего концертмейстер оркестра заслуженный артист Украины Г.М.Куперман (Григорий Моисеевич до сих пор работает в оркестре – Б.Т.), кларнетист Н.В.Бобров (сегодня – зав.духовым отделом музыкального училища, дирижер оркестра – Б.Т.), инспектор оркестра валторнист В.Якобчук, концертмейстер группы виолончелей Людмила Судакова, тромбонист Л.Виноградов. Да что там говорить – буквально все его любили и играли, и думали с ним в унисон!
Вспоминаю трудные 90-е годы. Только благодаря своей личной симпатии, большому уважению к Леониду Михайловичу мы приходили на работу. Разруха была во всем. Денег не платили. А мы репетировали и выступали. Вот какой был у него авторитет, такое было к нему уважение.
Борис, спасибо вам, что пишите об этом удивительно душевном, прекрасном человеке и превосходном музыканте! Память о нем должна жить долго, он этого достоин. В последние годы жизни Леонид Михайлович Джурмий был главным дирижером театра. Лучшей кандидатуры на тот момент не было. И он с этим блестяще справлялся.


О друге

Несколько вопросов другу Леонида по музыкальному училищу. Небольшой диалог с заслуженным деятелем искусств Украины, преподавателем кларнета и дирижером оркестра Борисом Фишерманом.

-Борис Михайлович, вы хорошо знали Леонида Джурмия по учебе в училище. Каким он вам запомнился со студенческих времен?

-Я учился на два курса старше, но мы дружили. С ним невозможно было не дружить. Во многом он был примером для нас. Всегда аккуратен, скромно, но модно одет. Он был красивым парнем! Притягивал к себе людей. К тому же был спортсмен, хорошо играл в футбол. Всегда дружелюбен, помогал другим во всем, чем мог. И, конечно, учился очень хорошо. Тяга к учебе и овладению кларнетом была у него огромная.

Б.Т.
-Уже, будучи дирижером харьковского театра оперы и балета он довольно часто приезжал в Житомир навестить маму, которую обожал, своих родных. Я знаю, вы всегда с ним встречались. О чем были беседы, что интересного он вам рассказывал?

Б.Ф.
-Тут я многое могу рассказать, но это займет много страниц.

-Я знаю, что вы занимались у одного и тоже преподавателя, Калио Эвальдовича Мюльберга, только в разное время.

-Джурмий очень гордился, что попал в класс Мюльберга, много хорошего о нем рассказывал, о его методике преподавания и его исполнительском мастерстве. Для него Мюльберг был идеал совершенства. И как человек, и как музыкант.


«Я так скучаю по тем временам…»

А вот, что рассказывает о Джурмие Людмила Судакова, концертмейстер группы виолончелей харьковского театра оперы и балета.
Леонид Михайлович был классным кларнетистом, это вы, наверное, знаете лучше меня, я слышала отзывы о его игре, все восторженные! Когда я пришла работать в оперный театр, Леонид уже был дирижером, тогда, в основном, балетных спектаклей.
Знакомство состоялось на спектакле «Легенда о любви». Спектакль был поставлен Маргаритой Арнаудовой очень талантливо, музыка потрясающая, как и сам сюжет, и исполнение великолепное. Вот тогда я и поняла, что лучше оперного театра, работы никакой не может быть.
Много было настоящих друзей среди нашей творческой братии. Это народный артист Украины прима-балерина Светлана Колыванова, худрук балета Артур Иванович Пантыкин, народный артист Украины солист балета Теодор Попеску, ныне покойный. Очень много приезжало самых разных постановщиков, которые всегда находили общий язык с дирижёром Джурмиём. Запомнились Сергеев с Дудинской из Ленинграда, знаменитый Мессерер из Москвы, также ленинградец Боярчиков, Алисия Алонсо и А.Плисецкий, которые ставили «Кармен-сюиту», М.Газиев, А.Шикера из Киева, он поставил «Спартак».
Атмосфера в театре была очень живой и творческий. А дирижер был такой красивый, что не влюбиться в него было невозможно! В Джурмия были влюблены, по-моему, все женщины, которые его окружали.
Потом мы жили в одном общежитии, были соседями. Общежитие было от управления культуры, и там проживали актёры всех театров города Харькова. Было весело, отмечали вместе все праздники. Много было встреч с интересными людьми, часто бывал композитор Виталий Губаренко. Он дружил с Леней. Мы поставили несколько спектаклей этого композитора – балет «Каменный властелин», оперу «Нежность». Я так скучаю по тем временам…


Не столько авторское, сколько личное.

После слов коллег Леонида Михайловича, Людмилы Судаковой и Владимира Афанасьева о человечности и необыкновенной притягательности Леонида Джурмия, я не выдержал и решил вставить и несколько своих слов в воспоминания об этом удивительном добром и открытом человеке.
Летом я побывал в Украине, на своей родине в Житомире, чтобы посетить могилу отца и увидеть друзей. По дороге во Львов мы остановились в новом районе города. И вдруг я вспомнил, что когда-то тут были маленькие одно-двухэтажные дома, которые давно снесли, чтобы освободить место новостройкам. И тут жила мама Леонида.
Уже, будучи студентом Одесской консерватории, Леня приезжал к ней. В один из приездов мой папа попросил, чтобы он позанимался со мной на кларнете. Конечно, Леонид не отказал.
Надо сказать, что тогда, поступление в консерваторию из нашего города было делом редким. И уже сам поступивший, как бы превращался в звезду местного масштаба. Не помню, что я играл и не помню, о чем меня наставлял учитель. Но хорошо помню атмосферу урока и то тепло, которое он излучал. Этого забыть невозможно.


Наш собеседник друг Леонида, Владимир Бобров

Зав.отделом духовых инструментов Харьковского музыкального училища имени Б.Н.Лятошинского, преподаватель класса кларнета.

-Владимир Николаевич, я знаю, вы дружили с Леонидом. Вы помните, когда он только приехал к вам в театр? Помните его первые шаги как дирижера? Ведь вы с ним работали очень долго….

-Леонид приехал в театр на место первого кларнетиста. Коллектив принял его тепло, он как-то быстро располагал к себе людей. На кларнете играл хорошо, музыкально, с красивым звуком. По всему было сразу видно – приехал музыкант!
В коллектив и в репертуар оркестра он влился быстро. Читка с листа была отличная. Конечно, я и не предполагал, что через некоторое время случай возведет его за дирижерский пульт.
Хотя в дружеской беседе он мне рассказывал, что проходил дирижирование в одесской консерватории и очень любит дирижирование, мечтает стать дирижером. Но что такое мечта? У многих она так и остается мечтой. Но как, оказалось, у многих, только не у Леонида.
Не хочу повторяться, вы, наверное, уже написали про его первый спектакль и случай, почему ему доверили его вести. Это было «Лебединое озеро» Чайковского. Хочу сказать, что мы все болели за Леонида во всех его начинаниях, желали ему удачи. Мы его признали уже после первого спектакля. У него было все, чтобы стать дирижером оркестра: руки, слух, музыкальная гибкость, чувство формы и стиля и многое, многое другое.
Ему вначале доверяли балетные спектакли и концерты с участием вокалистов или инструменталистов. Но затем он дирижировал и оперными постановками. Шаг за шагом приобретал уверенность, стоя за дирижерским подиумом. Талант, он и есть талант. Все спектакли знал наизусть.
А как он слышал оркестр! Просто поразительно. Я как друг всегда радовался его успехам. Вот такой Леня в моей памяти. Прекраснейший человек и замечательный дирижер. Рано он ушел. Все его вспоминают очень и очень по-доброму.

-Владимир Николаевич, а не было ли у Леонида ностальгии по кларнету?

-Думаю, была, конечно. Ведь Леонид был прекрасный кларнетист! Иногда вдруг он мне говорил: «Дай мне позаниматься недельку-вторую, я бы еще показал класс». Но он всецело был поглощен работой дирижера и на другое просто не оставалось времени.

-А когда вы почувствовали, что Леонид как дирижер состоялся? Сколько времени прошло с того самого «Лебединого озера», где надо было спасать положение и Леня стал за пульт?

-Трудно сказать… но фрак явно шел ему! Окунулся с головой в партитуры, он же трудоголик! Довольно быстро мы уже и привыкли, что у нас новый дирижер. Ему все помогали, причем не только музыканты, буквально все, вплоть до рабочих сцены.

-А была ли у Леонида любимая постановка?

-Леонид дружил с композитором Виталием Губаренко и в 70-х годах был постановщиком на харьковской сцене его балета «Каменный Властелин» и оперы «Нежность». Прекрасная музыка! Да и Леонид, как постановщик, был на высоте. Отлично справился с работой. Знаю, не понаслышке, что композитор был очень доволен.
А еще балет «Тысяча и одна ночь» азербайджанского композитора Фикрета Амирова. Восточная, колоритная музыка со всеми компонентами современной музыкальной технологии. Сложна для исполнения, но и интересна. Леонид и с ней справился блестяще.
Уважаемый Борис, хочу выразить вам огромное спасибо не только от себя, но и от всех творческих работников Харьковского театра оперы и балета, что вспоминаете на страницах журнала «Оркестр» этого прекрасного человека и музыканта – всеми нами любимого Леонида Джурмия!

******************************************************************

Говорят: «Человек тогда счастлив, когда он востребован». Заслуженный артист Украины-Леонид Джурмий был востребован временем и оставил яркий след в истории музыкальной культуры. Мы будем помнить это!

Борис Турчинский




Система духового инструментально-оркестрового образование в Израиле.
Научно-практическая конференция
Ровенский государственный гуманитарный университет (апрель 2012г)


Как известно, Израиль – земля древняя, но государство молодое, здесь многое недавно начато с нуля, в музыкальной культуре и образовании.
В страну прибывали музыканты из разных стран. Воспитанные каждый на своей культуре, они привносили разнообразные методики в музыкальном образовании. Наиболее сильное влияния оказали немецкая и русская композиторская и исполнительская школы. А структурно израильская система образования ближе к американской



Израильские дети, желающие получить специальное музыкальное образование, занимаются в музыкальных школах или с частными преподавателями.
В музыкальные, школы-консерваторионы, принимают детей с шести лет. Там преподают игру на различных музыкальных инструментах, ритмику, теорию музыки и балет
В стране есть также ряд музыкальных общеобразовательных школ, дающих полное среднее образование. Во многих молодежных клубах и общественных центрах действуют кружки по обучению игре на различных инструментах. Многие дети младшего возраста учатся игре на блокфлейте – часто не столько для приобретения навыков игры, сколько для расширения музыкального кругозора.
Возьмем для наглядного примера город Петах-Тикву, где я работаю уже 20 лет.
Расскажу, как у нас построена учеба. Приблизительно так же это работает во всех других городах.





Музыкальное образование в консерваториях Израиля платное. Раз в неделю урок по избранному инструменту, теория и история музыки и оркестр.
Чтобы ребенок сам захотел обучаться игре на тромбоне, тубе, валторне - такого, как правило, не бывает. Обычно все хотят играть на флейте, кларнете, саксофоне, ударных инструментах. Поэтому от консерваторий в некоторых общеобразовательных школах города существуют утренние проекты.
Эти уроки называются «оркестровые инструменты» и они введены во всех четвертых начальных классах, в школьное расписание.
Работают 4-5 преподавателей. Каждый ведет группу из 3-5 учеников. Обучение два раза в неделю по 45 минут.
Работа учителей оплачивается частично министерством просвещения, частично муниципалитетом. Через полгода начинает функционировать оркестр. К концу первого года дети и родители должны решить, продолжает их ребенок дальше обучаться музыке или нет.
Затем часть детей переходит в собственно консерваторию, где начинает осваивать инструмент более глубоко и основательно. Те из учеников, кто перешел в консерваторию на индивидуальное обучение, продолжают играть в школьном оркестре. Но это уже более подвинутый коллектив, которому в дальнейшем по плечу и более серьезные - по сравнению с младшей группой оркестра – произведения. Вот, откуда берутся тромбонисты, валторнисты, тубисты и другие более редкие музыкальные инструменты и исполнители на них.
Некоторые школы работают в другом направлении: скрипка и виолончель. Там также все построено по вышеописанному принципу

Не так давно я поместил в Интернете рассказ об уникальном израильском музыкальном коллективе – Оркестре Армии обороны Израиля. Статья называется «По Красной площади с оркестром». Такого оркестра, пожалуй, нет больше нигде в мире, так как все ребята – 18-19-летние солдаты срочной службы. Каждые полгода-год здесь происходит ротация, но у главного дирижера Михаэля Яарана нет дефицита исполнителей, так как вновь и вновь приходит пробоваться очень много музыкальной молодежи. Это говорит о многом, и главное – о том, как любят музыку в израильских семьях, как приобщают детей к музыкальной культуре, как стараются дать им музыкальное воспитание.
.
В Израиле существует большое разнообразие форм музыкального образования. Одной из них можно было бы назвать так называемые «Бейт-сефер менаген» (дословно – «играющая школа») - такие есть во многих городах Израиля. Это только утренние, без связи с консерваториями, проекты в школах, оркестры которых играют на всех школьных (впрочем, и не только) мероприятиях. Они бывают самые разные – духовые, народные (восточная музыка), оркестр блок-флейт, в их состав могут входить синтезаторы, ударные инструменты.
Кроме того, есть, так называемые «Бейт-тизморет» (оркестровый дом) - там проводится обучение игре только на духовых инструментах утром, а затем – послеобеденные занятия по теории музыки, индивидуальные занятия и оркестр. Есть и консерватории, не имеющие утренних проектов, - отчего они, скорее, только проигрывают. Как правило, они малочисленны и с небольшими оркестровыми коллективами, а в некоторых все сводится только к индивидуальным занятиям и ансамблям малой формы.
Как возникают эти музыкальные проекты, и в каких городах, поселках или кибуцах они находятся, зависит от многих факторов. Это может быть заинтересованность местных властей или личное желание директоров школ. Ведь все это стоит денег. Надо платить преподавателям зарплату, необходима материальная база. Приобретение инструментария и уход за ним. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число таких проектов многократно возросло, что подняло общую культуру страны и дало
полноценную работу многим музыкантам.



Начало профессионального музыкального образования в Израиле является, в значительной мере, результатом усилий Шуламит Руппин. Ее институт открыл свои двери в Яффо, близ будущего Тель-Авива, в 1910 году, и в числе его преподавателей поначалу было много профессиональных музыкантов, специально приглашенных из Европы.
Во главе организации, которая стала называться «Шуламит», после безвременной кончины Шуламит Руппин, встал скрипач из Женевы Моше Hopeнкo. Первые группы студентов были численностью 30-75 человек. Родители с удовольствием направляли на учебу в это учебное заведение своих детей, студенческие концерты стали заметным социальным и культурным явлениям в Яффо. Они заполнили для многих эмигрантов культурный вакуум, так как в Израиль в то время приезжало много людей из Европы, привыкших посещать хорошие концерты классической музыки.
В Тель-Авиве, что строился на песках близ Яффо, было тогда 1800 жителей, и едва ли не треть его жителей посылала своих детей изучать музыку. Этот удивительно высокий процент оставался стабильным до 1930-х годов, когда с резким ростом населения города выросло и число студентов .
В 1972 году ветви музыкального образования школы «Шуламит» протянулись и в Иерусалим.
1980-е годы были ознаменованы ростом новых районов в Иерусалиме, жители которых также приобщали своих детей к музыкальному образованию. Обнаруживалось много новых талантов, и в течение нескольких лет число студентов иерусалимского отделения перевалило за пятьсот. Были сформированы оркестр для женщин, профессиональный струнный оркестр, оркестр камерной музыки, студенческие и другие оркестры.













При поступлении в высшее музыкальное заведение Израиля – музыкальную академию - непременно требуется документ о среднем образовании, как и при поступлении на любой факультет университета. Проводятся экзамен по специальности. Необходимо сыграть концертную программу, состоящую из сонаты или концерта, этюда, нескольких пьес; записать на слух двухголосный диктант. Он самый. Куда без него?
Необходимо заметить, что изучению теоретических дисциплин уделяется большое внимание.
Как и в российские музыкальные школы, в израильские консерваторионы, на обучение по классу духовых инструментов детей принимают с 10 лет. До 18-летнего возраста он изучает на протяжении пяти лет сольфеджио и историю музыки, а на протяжении всей учебы участвует в оркестре и в ансамблях. Также есть три очень ответственных экзамена (помимо ежегодных академконцертов). После третьего, пятого года обучения. И конечно, государственный экзамен.
Он у нас в Израиле совпадает с последним классом в общеобразовательной школе. Оценка, полученная на государственном экзамене по музыке, входит в общий аттестат. Это может быть 5 или 3 единицы, в зависимости от исполнительских возможностей ученика, что поднимает общую среднюю оценку аттестата. Требования для государственного экзамена довольно сложные. Я бы их приравнял к аналогичным требованиям в музыкальных училищах России.




.

Конечно, высшая цель получающих профессиональное музыкальное образование в Израиле – музыкальная академия. А их в Израиле две -Тель-Авивская и Иерусалимская. Расскажем немного об одной из них и о ее ректоре.
Новый ректор музыкальной академии Бухмана-Мета Тель-Авивского университета доктор Томер Лев меньше всего похож на важного академика. Да и вообще, на типичного ректора – крупного, седовласого, величественного – не походит. Томер Лев молод, ему нет и сорока, изящен, гибок, прост и приветлив.
Он и сам выпускник фортепианного факультета Тель-Авивской академии, получил докторскую степень в Нью-Йорке. Как пианист он много выступает в качестве солиста и ансамблиста. Томер Лев также превосходный лектор: он предваряет вступительным словом все концерты студенческого симфонического оркестра, а его беседы в цикле концертов-лекций "Венское чудо", где он играет и рассказывает, пленяют поэтичностью слога, тонкостью наблюдений, недюжинной эрудицией и артистическим обаянием.
Главным же направлением своей деятельности доктор Лев считает совершенствование высшего музыкального образования. В Израиле имеются два учебных заведения, которые готовят музыкантов высшей квалификации, и оба до сегодняшнего дня именуются академиями музыки.
Академии в Иерусалиме носит имя Самуэля Рубина, первого мецената высшего музыкального образования еврейского населения тогда еще подмандатной Палестины.
Причем, если иерусалимская академия музыки и танца Рубина – отдельное, самостоятельное учреждение, то музыкальная академия Бухмана-Мэта в Тель-Авиве – составная часть университета. Имя дано в честь крупного мецената из Германии Йосефа Бухмана и главного дирижера Тель-Авивского симфонического оркестра Зубина Мэта.
Для сравнения: в Соединенных Штатах высшее музыкальное образование получают на музыкальных факультетах университетов (большей частью композиторское, дирижерское и музыковедческое образование), а также в двух самых престижных заведениях: Джульярдской школе в Нью-Йорке и институте Кертиса в Филадельфии.




Государственные инвестиции в культуру – это не деньги на ветер, это вложение в будущее. ЮНЕСКО рекомендует вкладывать в культуру 1 процент государственного бюджета, а в Израиле после всех недавних сокращений – это даже и не процент, а всего 0,002 процента. И, несмотря на это, уровень музыкантов, учившихся в Израиле, очень высок. Израиль остается экспортером обучения талантов, что приносит государству немалые материальные и моральные дивиденды. Ведь артисты, музыканты – это лицо страны. Наши выпускники завершают образование и преподают в самых знаменитых академиях мира, выступают на самых престижных концертных эстрадах.







1991 год... Меня познакомили с директором консерватории г. Петах-Тиква Арье Рувеном. Встреча оказалась очень теплой и приятной, но место преподавателя по кларнету и саксофону в консерватории не было, и Арье предложил мне поработать в проекте по утрам, причем, учить детей игре на фанфарах, а там, мол, увидим. Постепенно я уговорил руководство консерватории дать мне другие инструменты и добавить преподавателей.
Моя первая утренняя работа – оркестр школы «Гордон», которым я руковожу по сей день и где директором много лет работает Варда Гранот. Здесь я работаю уже 20 лет, многие из детей этой школы – моя гордость в консерватории.

Два года я работал по утрам в Петах-Тикве, а после обеда ездил в консерватории городков Кирьят-Моцкин, Ор-Акива, Кирьят-Атта, Кирьят-Бялик. Все они расположены на севере Израиля, далековато от Петах-Тиквы. Например, до Кирьят-Моцкина – 120 километров.
«Веселое было время». Сейчас моей тогдашней выносливости можно только позавидовать.
Теперь у меня довольно большой класс, а кроме этого я веду различные инструментальные ансамбли, а также духовой оркестр. Мои коллеги – это очень опытные музыканты. Достаточно сказать, что духовой оркестр консерватории Михаила Дельмана на протяжении более 15 лет постоянно занимает первые места на всеизраильских конкурсах духовой музыки и неоднократно – на международных конкурсах за границей.



Духовой оркестр города Петах-Тиквы – «Wind Orchestra of the Petach Tikva Conservatory» основан в 1972 году и базируется при муниципальной консерватории. Директор Э.Алон. Коллектив состоит из 70 юных музыкантов в возрасте от 12 до 18 лет, и часто выступает перед жителями города и пользуется большой популярностью. Большое внимание и поддержка оказываются духовому оркестру со стороны муниципалитета (Мэр И. Охайон).
На духовом отделении занимаются более 200 детей. Оркестр постоянно занимает призовые места в Израиле, а также является лауреатом многих престижных международных конкурсов. Первые места в Керкаде (Нидерланды), Цюрихе и Интерлакене (Швейцария), второе место в Виленсии (Испания). Оркестр побывал с концертами в США (Чикаго) и в Норвегии. Записано несколько компакт-дисков.
Руководит коллективом уже упоминавшийся мною Михаил Дельман, выпускник Кишиневской консерватории. Благодаря его высокой профессиональной подготовке, а также отличным организаторским способностям, оркестр постоянно на высоте.
На отделении преподают педагоги с большим стажем и умением работать с детьми. Необходимо отметить, что подавляющее большинство преподавателей — это люди из бывшего СССР. Благодаря лучшим традиционным методикам русской и советской школы обучения игры на духовых инструментах, они смогли сформировать высокий уровень исполнительского мастерства учеников.
Хочу назвать некоторых педагогов, своих коллег. Это Алекс Чичельницкий, выпускник Московского института имени Гнесиных, преподаватель класса тромбона. Самуэль Шифрин, выпускник Алма-атинской консерватории и факультета военных дирижеров, преподаватель класса тромбона. Алекс Ройзман, выпускник Казанской консерватории, преподаватель класса трубы. Шимон Ваинрид, выпускник Кишиневской консерватории, преподаватель класса флейты.М.Ицхаков-выпускница Душанбинской консерватории, преподаватель класса флейты, Ю.Горлин-выпускник Харьковского института искусств, преподаватель класса валторны, В.Жиляев-выпускник Одесской консерватории, преподаватель ударных инструментов, Ну и ваш покорный слуга-выпускник Одесской консерватории, преподаватель класса кларнета и саксофона.


В репертуаре оркестра консерватории - классическая музыка, музыка современных израильских и зарубежных композиторов. Это всегда яркие, интересные произведения, требующие хорошего владения инструментом. Для оркестра много пишет замечательный израильский композитор Борис Пиговат.
Вот далеко не полный перечень нашего репертуара. М.П. Мусоргский «Картинки с выставки» и «Ночь на лысой горе», Д. Д.Шостакович «Праздничная увертюра», И. С. Бах. «Чакона». Г.Малер, 5 симфония (1 часть) - в талантливой аранжировке М.Дельмана. Б. Юсупов. «Хайфские зарисовки». Б. Пиговат. «Массада», «На горе Сион». Ф. Зуппе «Поэт и крестьянин» И. Грациани (один из главных дирижеров оркестра Армии обороны Израиля) «Марши».
На базе консерватории работают еще несколько творческих коллективов. Недавно был образован любительский духовой оркестр, состоящий из выпускников специальных учебных заведений и музыкантов-любителей. Ансамбль саксофонов консерватории, которым я руковожу, завоевал популярность в городе, дает много концертов, играет легкую музыку, а также песни израильских композиторов. Кроме этого, плодотворно работает ансамбль флейт под руководством Шимона Ваинрида. При консерватории существуют также два подготовительных оркестра, которые дают музыкантов в основной оркестр.
Хочется отметить выпускников нашей консерватории, ставших замечательными исполнителями. Среди них: М. Тимошин и А. Вайнер (флейта), солисты оркестра армии обороны Израиля, Лауреаты Всеизраильского конкурса молодых исполнителей, С. Бергер (валторна) — музыкант ансамбля современной музыки во Франкфурте, Ш. Брил (кларнет) — выпускница Академии музыки в Любеке (Германия), победительница на Женевском конкурсе в 2007году,
Б. Керцман (труба) - Лауреат международного конкурса в Польше, музыкант Штаатс Опер (Германия) , М.Меерович - солистка-кларнетистка симфонического оркестра города Бээр-Шевы и другие.


………………………………………………………………………………………………………………..




Как видите, в Израиле духовая музыка развита на достаточно хорошем уровне. Особенно это стало заметно в последние годы.
Каждый год проводятся конкурсы и фестивали духовых оркестров,
Израильские духовые оркестры - желанные гости на заграничных фестивалях и конкурсах духовых оркестров, где они нередко занимают призовые места, что само говорит об исполнительском уровне этих коллективов. Среди ведущих оркестров можно назвать коллективы Кфар-Сабы, Нетании, Афулы, Хайфы, Акко, Тель-Авива, Бат-Яма.


Вот такова краткая информация о нашей действительности в области детского музыкального образования.
Автор ни в коей мере не претендует на научный труд. Тема многогранна. Консерваторий с различными построениями своих программ и приоритетов много. Обо всем в этой небольшой статье не расскажешь. Думаю, я лишь чуть приоткрыл читателю дверь в аудиторию израильского детского музыкального образования, в частности, обучения игре на духовых инструментах, которому я сам с удовольствием посвятил немало лет своей творческой жизни.

Профессор В.П. Скороходов: «Вдохновенье приходит к тем, кто трудится!»
очерк Бориса Турчинского


«Мастерство кларнетиста. Советы учителя»

«Уважаемому Борису Турчинскому, с робкой надеждой, что эта книга будет
ему полезна. В.Скороходов".
С такой дарственной надписью книга «Мастерство кларнетиста. Советы учителя» оказалась у меня в руках.
Автор, глубокоуважаемый мною Владимир Павлович Скороходов, явно поскромничал: его книга просто великолепна в своем предназначении! И это отметили абсолютно все в нашем мире музыки, кому повезло с этой книгой познакомиться.
Уже с первых страниц я почувствовал, насколько издание будет полезно кларнетистам, а впрочем, и не только им. Взять хотя бы такой раздел, который называется «Если ученик талантлив». Для учителя всегда большая радость, когда у него в классе появляется талантливый ученик! Но вместе с тем, это и большая ответственность... Ведь для особого таланта нужны совсем другие подходы, чем к другим учащимся. Какие именно? Своим богатым опытом щедро делится автор.
Несомненный интерес (и не просто интерес – необходимость!) для кларнетистов представляет приведенный в книге анализ одиннадцати шедевров для кларнета, написанных великими композиторами прошлого. Среди них постоянно исполняемые произведения К.М.Вебера, И.Брамса, В.Моцарта, С.Танеева, И.Стравинского и П.Хиндемита. Помимо анализа музыкальной формы, интересна справка об истории возникновения каждого произведения: кто был его первым исполнителем, заметки об особенностях стилистики, многое другое.


«Мои советы принимайте полемически»
«Советы мои воспринимайте с хорошей долей полемики, - пишет Владимир Павлович. - Я не претендую на абсолютную истину, некий стандарт, так как эти понятия не совместимы с музыкой. Я хочу лишь довести до сведения моих учеников то, что признаю правильным на основании своего многолетнего опыта». С большой теплотой писал о Владимире Павловиче его ученик, Александр Пилипович, ныне преподаватель Новополоцкого музыкального училища, в главе «Ученик о своем учителе».
К сожалению, многие молодые музыканты довольно скептически относятся, порой, к книгам, посвященным их профессиональной деятельности. В этой связи нелишне заметить: современная наука считает доказанным, что человек использует в своей повседневной деятельности, в том числе и творческой, около 20-25 процентов возможностей своего мозга. Между тем, изучая важнейшие научно-теоретические, психолого-педагогические, учебно-методические работы, можно существенно повысить коэффициент своего интеллекта, интенсифицировать свои творческие способности. И, чем вы будете более любознательны, тем больше преуспеете в этом занятии. Так советует молодым коллегам профессор Скороходов.
Рассчитывать на успех может тот специалист, который отвечает современным требованиям не только в рамках своей прямой и непосредственной профессии, но и тот, кто открыт многообразным знаниям, готов идти вперед, откликаясь по мере необходимости на запросы современной жизни. Читайте больше! Если эта книга по счастливой случайности (или закономерности!) окажется у вас, загляните в неё и ознакомьтесь с другими ее разделами: «О важности игры в ансамблях», «И снова о тростях», «О штрихах при игре на кларнете», других... В вашей повседневной профессиональной практике эти знания наверняка займут своё незаменимое место. И все же не забывайте важное наставление мастера: «Мои советы принимайте полемически».
И преподаватель, и общественный деятель
Владимир Павлович Скороходов – кларнетист, преподаватель, общественный деятель. Заслуженный деятель искусств республики Беларусь, кандидат философских наук, доктор культурологии.
В 1958 году он окончил Могилевское музыкальное училище имени Римского-Корсакова у преподавателя И. П. Лущикова. Затем – Белорусскую государственную консерваторию, в которой учился с 1958 по 1963 год у профессора И.И. Бакуна. Он выпускник московской консерваторию имени П.И. Чайковского, учился в классе профессора С.В. Розанова.
В.П. Скороходов солировал в симфоническом оркестре Национального театра оперы и балета Беларуси, затем был заместитель директора, директором Минского музыкального училища. В 1981-2005 годах заместитель министра культуры республики Беларусь, советник посольства Республики Беларусь в Литовской Республике, ректор Белорусского государственного института проблем культуры.
Владимир Павлович Скороходов – профессор Белорусской государственной академии музыки. Сфера его научных исследований – художественная культура и государство, эстетическое образование, методика обучения игре на деревянных духовых инструментах (его авторству принадлежат более 70 научных работ и 5 монографий). Среди них: «Социодинамика культуры современной Беларуси», «Советы моим ученикам», «Свободное время и культура». Профессор Скороходов – член жюри многих международных конкурсов, неоднократно проводил мастер-классы в Беларуси, Польше, России, Франции, Голландии, США, Литве, Украине, Израиле.
В числе учеников В.П. Скороходова 21 лауреат международных и национальных конкурсов, солисты ведущих творческих коллективов Беларуси и других стран. Евгений Овсянников – артист симфонического оркестра города Гринбей (США). Алексей Вакуленко – концертмейстер группы кларнетов Национального Большого театра оперы и балета республики Беларусь. Евгений Шиманович – солист Президентского оркестра Беларуси, Игорь Дуцкий солист симфонического оркестра Национального Большого театра оперы и балета Беларуси.
«Мои ученики писали эту книгу вместе со мной»
Моя книга – это попытка поделиться с музыкальной общественностью, с музыкальной молодежью, лишь некоторыми секретами, наблюдениями, мыслями, которых накопилось достаточно, более чем за 50 лет жизни в музыке.
Читатель не найдет в ней логической последовательности подачи материала, общепринятых методик, и все же я очень надеюсь, что она будет полезна. Иногда бывает важно получить дружеский совет или даже просто услышать сформулированную кем-то нужную мысль, которая ещё не успела оформиться, согласиться с предложением или поспорить с ним.
Поэтому в книге много советов методических и организационных, но, кроме этого, я счел возможным предложить читателю мою трактовку одиннадцати шедевров мирового музыкального искусства для кларнета.
Эти произведения исполняет каждый, кто осваивает игру на кларнете, существуют десятки их трактовок. Но шедевры «звучат», раскрывают свой глубокий смысл лишь тогда, когда исполнитель глубоко постигает замысел автора, осознает и эмоционально осмысленно доносит содержание каждой звучащей ноты. Мои заметки об этих произведениях также основаны на практическом опыте, на каждодневном осмысленном труде совместно с моими учениками.
Я не претендую на истину в последней инстанции, но все же очень надеюсь, что книга будет востребована. Делая успехи и ошибаясь, падая и поднимаясь, побеждая себя и обстоятельства, мои ученики писали эту книгу вместе со мной.
В.П.Скороходов.

Одна из сторон многогранной деятельности Владимира Павловича, это мастер-классы, проводимые не только в своей республике, как было уже написано, но и во многих странах ближнего и дальнего зарубежья.
Об одной из таких запоминающихся встреч, я хочу рассказать в этой статье.
На празднике мастерства
Учащиеся и преподаватели израильских консерваторий получили профессиональный подарок: в консерватории города Петах-Тиквы состоялся мастер-класс с участием профессора Белорусской государственной академии Музыки Владимира Павловича Скороходова.
Проведение мастер-классов в Израиле давно стало хорошей и полезной традицией, однако до сих пор все специалисты, которые их проводили, были приглашены, в основном, из стран Европы и США. Так у нас прошел мастер-класс в Раанане, его провел Сергей Накаряков, блестящий молодой трубач, который в настоящее время живет во Франции и гастролирует по всему миру. Кстати, родители Сергея живут в Израиле, да и сам он некоторое время жил здесь.
И вот произошёл некоторый "прорыв", перелом в этом устоявшемся почти что "правиле". В событии очень посодействовал "Institute of Art Development" и его генеральный директор Эли Райхлин, за это им отдельное спасибо.
Встреча с профессором из Беларуси прошла в очень теплой обстановке. С приветственным словом выступил директор консерватории Петах-Тиквы Эли Алон. Он пожелал кларнетистам воспринять от мастера знания, напитаться дополнительной творческой энергией, а также пожелал присутствующим творческих успехов и коротко рассказал о духовом отделении Петах-Тиквской консерватории, где учатся более 200 детей, и среди них – 40 кларнетистов – музыкантов как раз именно того профиля, по какому был заявлен мастер-класс профессора Скороходова, так же кларнетиста.
Преподают на отделении педагоги с большим стажем работы и прекрасным умением работать с детьми. Подавляющее большинство преподавателей – это люди из бывшего СССР, благодаря своему владению методиками обучения игры на духовых инструментах, они смогли сформировать высокий уровень исполнительского мастерства учеников.
Нашлись у нас и ученики Владимира Павловича. Так, бывший студент Минского музыкального училища Александр Фиалко – сегодня дирижер духового оркестра в израильском городе Нес-Циона. Его оркестр – один из ведущих в стране.
Штрихи, акценты, атака звука
Однако вернемся в зал консерватории Петах-Тиквы, где проходит мастер-класс профессора Скороходова. Прозвучавшие тут оригинальные произведения, а также переложения для кларнета были, в основном, хорошо знакомы аудитории, тем интереснее было наблюдать в трактовке В.П.Скороходова свежий, нестандартный подход к ним.
Музыка звучала в исполнении учащихся разных лет обучения. "Концертино" Г.Г.Рейсигера исполнил Ник Гельфанд (преподаватель Мира Меерович). "Конкурсное Соло" А.Мессаже – Гиль Пелек (преподаватель Ами Файнштейн). "Сонату" К.Сен-Санса – Йотан Хемо, он учился у преподавателя Г.Горлицкого. Мне было приятно, что участвовал и мой ученик: "Адажио" И.Х.Баха исполнил Шай Слуцкий из класса, которым руковожу я.
Все исполнители продемонстрировали хорошую музыкальную подготовку и хорошее владение инструментом. Владимир Павлович с каждым в отдельности поработал над исполняемым произведением, добавив свои существенные замечания. Рассказал он также о произведениях, написанных для кларнета белорусскими (и не только) композиторами – нашими современниками.
Современные авторы предлагают в своих пьесах новые, доселе не применявшиеся виды исполнительского и технического выражения, которые требуют от исполнителя поиска нового звучания, новых возможностей, а значит, и новых приёмов в игре. Некоторые современные кларнетисты, к примеру, достигли успехов, применяя в исполнении перманентное дыхание. Профессор показал некоторые новые приёмы исполнения штрихов, акцентов, атаки звука. Такой – новый – вид исполнительства позволяет, погружаясь и в пласты других эпох, открывать для себя совершенно неожиданные звуковые миры.
Несколько часов мастер-класса пролетели незаметно, мгновенно, а
воспоминания об этой незабываемой встрече остались на всю жизнь.
Наши студенты говорили на прощание: спасибо вам, маэстро, за любовь к кларнету, за желание поделиться со всеми нами теми ценными знаниями, которые вы приобрели за свою долгую и плодотворную профессиональную жизнь. Спасибо за вашу щедрую любовь к людям!
Ключи к душам воспитанников
Скороходова не случайно считают ни много ни мало – создателем белорусской школы игры на кларнете, и вот почему. Важной особенностью уроков мастера является индивидуальный психологический подход к каждому ученику: все, кто учился у Скороходова или работал с ним, считают его очень тонким психологом. «Не советую покупать знаменитую Кембриджскую энциклопедию, там не перечисляется и десятой доли того, чем отличителен Владимир Павлович», - эта остроумная, меткая фраза ректора Белорусской государственной академии Музыки А.Ф.Ращупкина в полной мере характеризует неуемную, яркую личность учителя.
Интересно, что ряд произведений для кларнета в качестве важного и необходимого учебного материала разнообразных концертных и конкурсных программ был создан белорусскими композиторами в сотрудничестве с В.П.Скороходовым.
…В честь выдающихся людей принято называть малые планеты солнечной системы. У музыкантов существует другая традиция, более приземленная, но не менее возвышенная: посвящать новые музыкальные произведения. В.П.Скороходову посвящены соната для кларнета и фортепиано Л.Абелиовича и соната-поэма К.Тесакова, вошедшие в золотой фонд белорусской музыки.
Сто вопросов – сто ответов или все о вдохновении
Из книги В.С. Скороходова "Советы моим ученикам":
"Как сделать, чтобы каждое соприкосновение с музыкальным инструментом, в том числе и с кларнетом, было максимально результативным? Как научиться строить свою работу по развитию исполнительской техники и стабильной памяти? Как раскрыть художественный замысел в масштабах всего произведения? Как нужно работать, чтобы не только полюбить музыку, но еще и знать ее, знать профессионально, во всех проявлениях, элементах, деталях? Главное – научиться правильно применять полученную в процессе учебы информацию. Помните всегда: никакие способности не помогут, если вы не организуете систематических, серьезных, прилежных и умных занятий. Только они сделают вас музыкантами-профессионалами. Не ждите прилива творческих сил и возможностей, называемых вдохновением. Они не ощущаются каждодневно, учитесь управлять процессом ежедневных занятий на инструменте и заставьте себя работать даже тогда, когда не испытываете к этому особого расположения. Как точно выразил подобное отношение к труду П.И.Чайковский в своем письме к баронессе Н.Ф. фон Мекк: "Нет никакого сомнения, что даже величайшие музыкальные гении работали иногда, не согретые вдохновением". Вдохновение – это такой гость, который не всегда является на первый зов. Между тем, работать нужно всегда, и честный настоящий артист не может сидеть, сложа руки, под предлогом, что он не расположен. Если ждать расположения и не пытаться идти навстречу к нему, то легко впасть в лень и апатию. Нужно терпеть и верить, и вдохновение, неминуемо явится тому, кто сумел победить свое нерасположение... Иногда вдохновение ускользает, не дается. Но я считаю, долгом для артиста никогда не поддаваться, либо лень очень сильна в людях. Нет ничего хуже для артиста, как поддаваться ей. Ждать нельзя. Вдохновение это такая гостья, которая не любит посещать ленивых. Она является к тем, которые призывают ее".
Прислушайтесь к этим мудрым словам, сказанным музыкальным гением. Пусть они станут путеводными в вашем творчестве.


Борис Турчинский
Апрель 2012

Мечты сбываются!


Владислав Янковский: «Мечты сбываются!» - очерк Б.Турчинского.

Мечты сбываются!





К 60-летию известного российского кларнетиста и дирижера, заслуженного артиста Российской Федерации Янковского Владислава Яновича.
Очерк Бориса Турчинского

Предыстория
. Наша дружба с Владиславом, а для меня он просто Владик, началась во время учебы в Житомирском музыкальном училище, где мы волею судьбы оказались на одном курсе. Оба кларнетисты - поэтому круг наших музыкальных интересов был одинаков. Взаимную симпатию мы почувствовали сразу - и вот, дружим на протяжении многих и многих лет, теперь уже издалека, через расстояния.
В своем интервью с Владиславом я задал ему немало вопросов, которые не только коснулись подробностей его пути в музыке, но и, надеюсь, помогли открыть секреты его мастерства и успешной карьеры кларнетиста и дирижера. Интервью – ниже, а прежде, как принято по законам гармонии, сделаем музыкально-текстовый «предыкт».
На страницах данного журнала не раз писалось о нашем учебном заведении – Житомирском музыкальном училище. Хочу без преувеличения сказать, не умаляя достоинств других подобных учреждений: для этого есть основания. Можно назвать многие имена известных сегодня исполнителей, дирижеров, преподавателей-духовиков, наших выпускников: тромбонист Григорий Ройтфарб - профессор, народный артист Татарской АССР, Гаррий Оганезов - профессор, главный дирижер Липецкого симфонического оркестра, заслуженный деятель искусств России, Владимир Шиш - профессор института имени Гнесиных и Московской академии музыки, заслуженный артист Российской Федерации, Василий Матвейчук - кандидат искусствоведения, профессор Московского государственного гуманитарного университета, Леонид Джурмий – дирижер Харьковского театра оперы и балета, заслуженный артист Украины, Александр Стецюк - композитор, заслуженный деятель искусств Украины и много, много других. В их числе – Владислав Янковский, концертмейстер группы кларнетов новосибирского симфонического оркестра - одного из лучших оркестров России – а также основатель и дирижер Юношеского симфонического оркестра «Юные дарования Сибири».
Много лет руководителем Новосибирского академического симфонического оркестра был замечательный дирижер народный артист СССР Арнольд Кац, с которым Владислава связывали не только творческие, но и дружеские узы. Двое сыновей Владислава пошли по пути отца и стали прекрасными исполнителями-кларнетистами. Станислав играет в оркестре вместе с отцом, Данила работает в Иркутске, солистом Губернского симфонического оркестра, он закончил Академию музыки у выдающегося педагога-кларнетистки Сабины Майер из Любека (Германия).
Разносторонни творческие интересы и деятельность Владислава Янковского, но основой его творческого вдохновения сегодня является его детище – Юношеский оркестр, которым он руководит уже 15 лет. Янковский был и его основателем. Помимо исполнительской и дирижерской практики, Владислав преподает в специализированной музыкальной школе-десятилетке при Новосибирской академии музыки имени М.И.Глинки.
С 1996 года он художественный руководитель и главный дирижер новосибирского юношеского симфонического оркестра фонда «Юные дарования Сибири». За плодотворную работу этот коллектив награжден премией «Золотой ключ» новосибирской филармонии.

Заслуги перед отечеством

Юношеский симфонический оркестр – лауреат премии «Дети и город» мэрии Новосибирска, а его руководитель В. Янковский удостоен звания кавалера ордена «За заслуги перед Отечеством» II степени. Он также поощрен грамотами и благодарностями министерства культуры России, губернатора Новосибирской области, областного департамента культуры, мэрии Новосибирска.
Владислав Янковский ведет активную концертную работу, выступая с сольными программами и как участник инструментальных ансамблей. Неоднократно играл с симфоническими оркестрами Новосибирской, Омской, Томской, Барнаульской и Свердловской филармоний под управлением знаменитых в мире музыке дирижеров: А. Каца, Е. Шестакова, П. Ядых, с оркестром оперной студии санкт-петербургской государственной консерватории под управлением В.Гергиева, М.Янсонса и А.Янсонса, с санкт-петербургским оркестром старинной и современной музыки. В качестве участника камерных ансамблей выступал с З. Броном, М.Лебензон, Н.Ли, Л.Гросс-Марич, Г.Фрейдиным, А. Лапкиным, А.Гурьяновым, М. Косицыным и многими другими выдающимися музыкантами.
Владислав проводит большую методическую работу, воспитывает творческую молодежь, и все это тоже его заслуги перед Отечеством. Перелистнем назад страницы его деловых ежегодников.
1999, 2002, 2005, 2008 годы – мастер-классы в рамках Всероссийских фестивалей-конкурсов «Сибирские музыкальные ассамблеи» у себя дома, в Новосибирске. Здесь он постоянный член жюри.
2006 год. Выступление Янковского на Всероссийской конференции «Исполнительство на духовых инструментах, проблемы и перспективы развития».
2008 год – методические чтения в Специальной музыкальной школе челябинского государственного института музыки им. П.И.Чайковского: лекции, мастер-классы, круглый стол. Мастер-классы в 2007 году в году в Кемерово. За участие в межрегиональной творческой школе искусств «Зима в Великом Устюге» и проведение там мастер-классов маэстро награжден Дипломом министерства культуры России


Его выдающиеся выпускники

Просто назовем хотя бы некоторых из них. Это С. Шестаков, солист симфонического оркестра Кемеровской государственной филармонии, Ю.Гуковский, солист оркестра Новосибирского государственного академического театра оперы и балета. В.Азанов, директор детской музыкальной школы города Ялуторовска Свердловской области, Ю.Жуков, концертмейстер группы кларнетов симфонического оркестра Кемеровской государственной филармонии, И.Гурьянов, солист Новосибирского академического симфонического оркестра, С.Одинцов, солист симфонического оркестра Кемеровской государственной филармонии, С.Муртазаев, солист оркестра Новосибирского государственного академического театра оперы и балета, педагог НГК им. М.И.Глинки, И.Буреев, солист-регулятор группы кларнетов Новосибирского академического симфонического оркестра, В.Сидоров, солист этого же коллектива, М.Волгин, выпускник Высшей школы музыки города Любека (Германия).
И еще два воспитанника – по фамилии Янковские. Не однофамильцы - сыновья: Стас Янковский, солист Новосибирского академического симфонического оркестра, педагог, заслуженный артист России и Данила Янковский, отличный музыкант, педагог.



О маэстро Арнольде Каце и об оркестрантах
Новосибирский академический симфонический оркестр давно приобрел известность за пределами Сибири, стал культурным достоянием не только города Новосибирска и сибирского региона, но и всей России.
Оркестр прошел большой творческий путь и, по многочисленным отзывам выдающихся музыкантов, критиков и публики, как в стране, так и за рубежом, сумел завоевать лидирующее место в иерархии российских симфонических оркестров. Коллектив, созданный в 1956 году народным артистом СССР, профессором Арнольдом Кацем и руководимый им до кончины в январе 2007 года, побывал в больших и малых городах СНГ, неоднократно участвовал в международных музыкальных фестивалях, таких, как московский «Русская зима», «Белые ночи» в Ленинграде, «Рождественские вечера» – это фестиваль русской музыки в Вене, «Мартовские дни» (Болгария), фестиваль музыки Бернстайна (Новосибирск, Ленинград, Москва), фестиваль слушания «Ухо» (Эрланген, Германия), фестиваль классической музыки (Канны, Франция), Дрезденский музыкальный фестиваль, Дни Иберийской музыки (Испания), Фестиваль фортепианного искусства (Франция), Фестиваль В.Спивакова (Кольмар) и многих других.
В январе 2002 года оркестр был приглашен сыграть концерт в зале имени П.И.Чайковского по случаю 80-летия московской государственной академической филармонии, а в ноябре того же года по приглашению санкт-петербургского отделения Союза концертных деятелей России в честь 300-летия Санкт-Петербурга в проекте «Наследники традиций. Музыкальное приношение великому городу» оркестром был сыгран концерт в Большом зале Санкт-петербургской филармонии.
В 2004 году Новосибирский симфонический принял участие в фестивале «Музыкальное обозрение-2004» и исполнил мировую премьеру сочинения «10 взглядов на 10 заповедей», написанного по заказу газеты «Музыкальное обозрение» и посвященного ей же.
8 июня 2006 года состоялось событие, которое стало апофеозом юбилейного года оркестра и которое с полным основанием можно считать одним из самых важных в истории коллектива: Новосибирский академический симфонический оркестр был удостоен чести принять участие в I-м Фестивале симфонических оркестров мира, посвященном государственному празднику – Дню России.
В уникальной акции, проводимой впервые и организованной Ассоциацией симфонических и камерных оркестров России, в Колонном зале Дома союзов, новосибирский симфонический оркестр под управлением А.М.Каца выступал наряду с Израильским филармоническим оркестром под управлением прославленного дирижера Зубина Меты, с симфоническим оркестром Тосканини (дирижер Л. Маазель), «Академией св. Мартина в полях» (дирижер К.П. Флор), филармоническим оркестром радио Франции (дирижер М.В. Чунг). Были исполнены «Кармен-сюита» Бизе-Щедрина и Пятая симфония Чайковского. На концерте присутствовал Президент России В.В. Путин.
Новосибирский симфонический оркестр выступал в таких знаменитых концертных залах, как Большой зал Московской консерватории, концертный зал имени Чайковского, Большой зал государственной академической филармонии имени Шостаковича, зал «Верди» в Милане, зал «Плейель» в Париже, прославленные оперные залы Канн, Штутгарта, Берлина, Валенсии, Лиссабона, Глазго, Токио – всех не перечесть!
Оркестром сыграны тысячи концертов, в которых звучала такая разная музыка – от Баха и даже добаховской эпохи до наших дней. С Новосибирским оркестром выступали и выступают прославленные дирижеры: В.Гергиев, М.Горенштейн, А.Дмитриев, М.Иноуе, Д.Китаенко, К.Кондрашин, А.Лазарев, Д.Лисс, В.Нельсон, К.Пендерецкий, В. Спиваков, Г. Рождественский, М.Янсонс; солисты: Б.Андрианов, А.Баева, А.Бараховский, Д.Башкиров, Ю.Башмет, М.Биешу, П.Бурчуладзе, М.Венгеров, Э.Вирсаладзе, Э.Гилельс, А.Гиндин, Н.Гутман, Б.Давидович, М.Дробинский, Л.Исакадзе, О.Каган, А.Князев, Л.Коган, В.Лаврик, П.,Р.,К. Лисициан, Н. Луганский, М. Майский, Д.Мацуев, Е.Мечетина, Л.Мясникова, Е.Нестеренко, Д. Ойстрах, М.Овруцкий, А.Палей, Н.Петров, М.Плетнев, В.Репин, С.Рихтер, М.Ростропович, Ю. Ситковецкий, В.Спиваков, Г. Соколов, А.Соловьяненко, З.Соткилава, Л.Тимофеева, В.Третьяков, Ю. Фишер, Д.Хворостовский, Д.Шаповалов, Д.Шварцберг и многие другие выдающиеся музыканты. Впечатляет?
Сегодня в оркестре один народный артист Российской Федерации, 15 заслуженных артистов России, один заслуженный деятель искусств РФ, лауреаты всероссийских и международных конкурсов. С 1983 года в течение вот уже почти тридцати лет оркестр ежегодно проводил в своем городе полюбившийся новосибирцам фестиваль «Классика и современность».


Два интервью

Интервью с Владиславом мы начали по телефону в день его рождения, и первый вопрос, который я задал юбиляру после поздравления, был традиционным:

- Влад, 60 лет – это много или?..
- Много только с виду, если судить по свечам на праздничном торте! А так ещё ряд не крайний, всё в порядке, много проектов у меня... Хотя незаметно годков
прибавилось… Праздную это торжество вместе с еще одним важным для меня событием – 15-летием коллектива, в который я вкладываю много жизненной энергии и любви. Это мой любимый Юношеский симфонический оркестр «Юные дарования Сибири».

- Влад, оглядываясь назад, анализируя прожитое, скажи, кому ты в жизни благодарен - кроме родителей, конечно (о них мы поговорим позже)?

- Благодарен педагогам: Ивану Максимовичу Мостовому из нашего Житомирского музыкального, профессору Ленинградской консерватории Павлу Николаевичу Суханову, концертмейстеру Нине
Петровне Жуковой, кларнетистам А. Степанову и Г. Волобуеву
(все Ленинград). Главному моему музыкальному наставнику на протяжении многих лет народному артисту СССР, главному дирижеру Новосибирского академического симфонического оркестра – Арнольду Кацу. Также выдающимся профессорам Новосибирской академии музыки Матвею Либерману (класс
скрипки), Мери Либензон (класс фортепиано). Самая большая благодарность - моей супруге Елене, которая на протяжении всей нашей совместной жизни создавала комфорт, уют и тепло для моей профессиональной концертной деятельности.

- Я часто вспоминаю город, курс, преподавателей, однокурсников, с которыми нам вместе пришлось взрослеть... А ты?

- Я постоянно вспоминаю своих друзей-однокашников. Ну, а как же иначе? Ведь это были годы моего становления как музыканта, взросления как человека. Я рад за многих из них. Творческие успехи наших ребят впечатляют. Володя Шиш и Вася Матвейчук - профессора в Москве. Миша Войналович и Борис Моисеенко – солисты симфонического оркестра в Киеве. Саша Кравчук – солист Президентского оркестра в Киеве. Ты, Борис, прекрасный педагог, дирижер оркестра. К слову, прочитал некоторые твои очерки: ты хорошо пишешь, и это интересно читать. Да и для истории музыкальной жизни – все это очень важно. Конечно, пользуясь, случаем, не могу не вспомнить прекрасных преподавателей нашего музыкального училища: Ивана Максимовича Мостового – моего преподавателя по классу кларнета, твоего преподавателя – Валерия Ивановича Зайца. Теоретиков Александра Аврамовича Ланиса и Валентину Васильевну Оробинскую. Дирижеров Михаила Семеновича Лукашенко, Гария Минеевича Оганезова, Рафаила Моисеевича Манжуха, у которого я затем служил срочную службу в военном оркестре Житомирского училища ПВО. Об этом человеке и возглавляемом им коллективе можно написать отдельный очерк. Это было почти три удивительно интересных года в моей жизни, несмотря на то, что это армия, со всеми ее особенными правилами. Меня окружали теплые люди, хорошие специалисты-духовики. Владимир Васильевич Фесюк (ветеран оркестра), Евстафий Павлович Левицкий, Юзик Портнов, твой отец, который относился ко мне, как к родному сыну, - Роман Иосифович Турчинский и многие другие.

- Полистав страницы Интернета, я прочел на сайте твоего родного города Бердичева информацию, что ты очень уважаемый там человек! На родине гордятся тобою и твоими творческими достижениями! Что тебя связывает с этим городом сейчас?

- Прежде всего, там живут мои родные – отец, сестра и множество родственников. Меня радует то обстоятельство, что и в музыкальных кругах города знают о моих скромных достижениях. Каждый раз, когда я посещаю Бердичев, меня как бы переносит во время моего детства. Может, это возрастное, но я очень в этот момент становлюсь сентиментальным!

- Очень хорошо помню твоего отца и твою маму – это были замечательные люди! Какую роль они сыграли в твоей привязанности к музыке?

- Определяющим моментом моего выбора профессии были родители, хотя они не были музыкантами. Никакого силового давления со стороны родителей не было, они просто очень любили музыку и всячески меня поддерживали все годы моего восхождения на музыкальный олимп.

- А теперь о твоей учебе в Ленинградской консерватории. Поделись воспоминаниями. Что это были за годы? Ты много мне рассказывал о своем преподавателе, профессоре П.Н. Суханове, у которого впоследствии ты окончил и аспирантуру. Очень хочется узнать, как сложились твои жизненные обстоятельства в Питере и кто ещё помогал тебе там стать тем, кем ты сегодня являешься.

- Студенческие годы в Питере – это лучшие годы в моей жизни, они открыли мне дорогу в большое искусство. Благодаря профессорам, выдающимся преподавателям Ленинградской консерватории П.Н.Суханову, В.Н. Красавину, В.М. Буяновскому, В.П. Безрученко, П.К. Орехову и многим другим. Я хотел бы об этом периоде моей жизни и людях, которые окружали меня вниманием и заботой рассказать отдельно. Но это будет не в этой, небольшой по своему объему статье. Договорились?

- А Новосибирск музыкальный – как он встретил тебя?

- Новосибирск меня встретил очень дружелюбно, радушно и я бы даже сказал, ласково.

- Влад, ты много лет служишь в очень солидном коллективе, одном из лучших в России. Ты – концертмейстер группы кларнетов, на своем веку играл со многими выдающимися дирижерами и музыкантами. Расскажи нам хотя бы о некоторых из них. И не упусти, пожалуйста, твоих творческих и дружеских отношений с Арнольдом Кацем, который много лет возглавлял Новосибирский академический симфонический оркестр.

- Трудно перечислить всех дирижеров и музыкантов, с кем мне пришлось сотрудничать за время моей работы в новосибирском академическом симфоническом оркестре. Это дирижеры А.Янсонс и М.Янсонс, К.Кондрашин, Д.Ойстрах, Д.Китаенко, Д.Кохидзе, Г.Рождественский, В.Гергиев, А.Ведерников. Моим музыкальным и оркестровым отцом был А.М.Кац, впрочем, как и для всех музыкантов оркестра. Музыканты C.Рихтер, М.Ростропович, Н.Петров. Н.Гутман, О. Каган, Ю.Башмет, Э.Вирсаладзе, В.Спиваков, М.Венгеров, В.Репин, многие другие. Слышишь, сколько выдающихся имен?

-Владик, просматривая страницы интернета о вашем филармоническом
симфоническом оркестре, я нашел интересную фразу музыкального критика о концертах в Санкт-Петербурге (2004 г.), где вы исполняли, в числе других
произведений, 5 и 6 симфонии П.И.Чайковского. Это все равно, что ездить в Тулу со своим самоваром", - написал он.

Мне кажется, что вся Россия для произведений П.И.Чайковского "одна
огромная Тула"! Так что ж, теперь не играть его на Родине?!! И, тем не
менее, насколько ответственно выступать в Питере?

В.Я. Хороший вопрос! Пожалуй, из всех наших гастрольных поездок, а это
география многих городов и стран мира, именно выступления в Санкт-Петербурге всегда были для нашего коллектива экзаменом на зрелость. А для меня вдвойне: ведь это город, где я учился, и меня помнят мои учителя и коллеги.

Поверь, это непросто...

В столице русской культуры, где незабываемо звучали партии кларнета корифеев-знатоков Чайковского, таких как В. Генслер, В.Красавин,
В.Безрученко, трудно отличиться, а уж заслужить похвалу и признание изысканной и требовательной публики - вообще мечта недосягаемая! И всё же, судя по
оценкам музыкальных критиков, слушателей, а также нашего Маэстро
Арнольда Каца, наш коллектив и я, в том числе, с этой задачей
справились успешно!


- На протяжении многих лет все знают тебя как замечательного российского кларнетиста и уже 15 лет ты успешно занимаешься дирижерской деятельностью. Что сегодня тебе ближе: кларнет или дирижерский подиум?

- Затрудняюсь сказать... Одно и другое очень важно в моей жизни.

- Вспоминается такой случай. Я учился в Одесской консерватории
у замечательного преподавателя профессора Калио Эвальдовича
Мюльберга. Как-то я пришел на урок и увидел, что он чем-то опечален.
Оказывается, дома произошёл такой инцидент: его сын, Сергей, учился в
Консерватории - тоже на кларнете, но у другого преподавателя. Дома, играя какой-то пассаж из произведения, юноша ошибался, на что ему указал отец. "Ты ничего не понимаешь!", - отреагировал Сергей. "Хорошо, что я не взял его к себе в класс",- сказал Калио Эвальдович.
Недавно я нашел в паутине Интернета интервью с твоим младшим сыном Данилой. Меня поразило, что он учился у тебя и заходя в класс, умудрялся забывать о том, что ты отец его родной, превращался в послушного ученика и даже не мог сказать тебе «ты»!!! Я знаю много случаев, когда родители–музыканты не брали на себя ответственность и отдавали своих детей в другие руки. Как тебе удаётся быть авторитетным и папой, и педагогом, и музыкантом?

- И младший, Данила, и старший, Станислав, – кларнетисты. Станислав в настоящее время – солист нашего оркестра, заслуженный артист Российской Федерации. Я очень горжусь своими сыновьями, они сами выбрали себе инструмент, поэтому отношения в классе сохранялись не родственные, а на уровне ученик – учитель. Единственное могу сказать, что им было труднее, чем другим ученикам, потому что требования к ним были более строгие. Результат - налицо!

- Влад, у тебя семья самая что ни на есть музыкальная! Супруга
училась вместе с тобой в Питере. Сегодня Елена Прокопьевна профессор
новосибирской академии музыки. Оба сына кларнетисты. Я слушал записи Станислава и был в восторге от его игры. Данила сейчас уже солист иркутского Губернского симфонического оркестра. И Стас, и Данила часто выступают как
солисты-инструменталисты в составе различных ансамблей. Продолжи
тему...
- Сыновья очень часто выступают как солисты с оркестрами, так и в камерных составах по городам России, США, Европы и Азии. Они были участниками так их фестивалей, как «Фестиваль Иоганна Брамса» в Германии, российского «Друзья музыки»,российско-американского «Оркестр», оба они - концертмейстеры группы кларнетов.
Оба лауреаты всесоюзных и международных конкурсов исполнителей.

- Что ещё, кроме музыки, тебя интересует? Чем увлекаешься?

- Самое любимое мое занятие – это дача. Также коллекционирую палочки выдающихся дирижеров. В моей коллекции палочки А. Каца, И. Стравинского, Р. Глиэра, К. Кондрашина, А. Янсонса, Д. Кахидзе, Сэра С. Ратла, К. Аббадо, Д. Китаенко, М. Янсонса, Р. Кофмана, В. Федосеева, В. Гергиева. Д. Лиса, Т. Зандерлинга, С.Скрипки, других. Впечатляет? О каждой из этих палочек и о каждом из этих знаменитостей, которые держали их в руках, можно рассказывать часами, так же, как и о том, как эти палочки попали ко мне.

- Юношеский симфонический оркестр. Как всё начиналось? Расскажи об этом подробней.

- Началось все совершенно случайно, 1996 году был организован
летний музыкальный лагерь, где были собраны дети, играющие на
инструментах симфонического оркестра. Нужно было к завершению
лагерного сезона подготовить заключительный концерт, в связи с этим
мне пришлось встать за пульт и подготовить программу, вот с этого и
начался мой «кошмар» (смеется), который продолжается по сей день.

- Вот уже много лет ты преподаёшь в специализированной музыкальной школе-десятилетке при Новосибирской академии музыки им. М.И.Глинки. В чём специфика этой работы? Кто из твоих учеников, кроме сыновей, продолжают нести искусство маленьким и взрослым?

- Очень многие продолжают трудиться на ниве исполнительского
искусства и занимаются преподавательской деятельностью. Я внимательно
слежу за их успехами. Радуюсь вместе с ними, а если надо, то что-то и
подсказываю.

- Влад, если мы вернемся назад, лет так на 35-40… Сбылось ли все,
о чем ты тогда мечтал?

-Ты знаешь, Борис, давай возьмем за точку отсчёта несколько её
составляющих! Прежде всего, это те моменты, когда я закончил консерваторию и получил направление в Новосибирск, а также женитьба на моей супруге Елене. Тогда жизнь только начиналась, и мечталось о многом! Успехи в творчестве, музыкальная карьера. Хорошая, дружная семья. И чтобы дети, если это будут мальчишки, играли на кларнете. Стать хорошим педагогом . Как видишь, если очень захотеть и приложить терпение, труд и талант –все мечты сбываются...

- В начале нашей беседы ты сказал, что полон творческих планов.
Поделись ими, пожалуйста, насколько это возможно, с нашими читателями.
Я думаю, им, как и мне, будет очень интересно узнать, что и в 60 лет
жизнь нова и интересна! Наш журнал «Оркестр» читают многие
музыканты, и не только в России. Что бы ты пожелал читателям журнала?
У тебя есть возможность это сделать для широкой аудитории!

- Скажу так: планы у меня грандиозные! И далее – без комментариев.
Мои же пожелания читателям научно-популярного журнала «Оркестр» будут простыми: Творите, дерзайте, трудитесь, трудитесь!


В музыке – интерес к жизни
-В своем интервью корреспонденту престижного издания «Конкурент» сын Владислава Янковского, Данила сказал замечательную фразу: «Чем больше я на себя беру, тем больше у меня появляется интереса к жизни». Всем сразу стало ясно, что это у него от отца. Вот некоторые наиболее интересные выдержки из того интервью.

- Данила, понятно, что ребенок, родившийся в такой семье, кроме как музыкантом, больше стать никем и не мог. Таким образом, вы реализовали родительские мечты?

- Да, других вариантов у меня и не было. (Улыбается.) Думаю, что моя судьба в этом смысле была предначертана ещё до моего рождения. Хотя, конечно, мне, как любому мальчишке, в детстве хотелось мяч погонять во дворе. Меня вообще тянуло в спорт. Я даже три года профессионально занимался хоккеем, три раза в неделю ходил на тренировки. В какой-то момент мама даже согласилась с моим выбором, сказала: «Занимайся тем, что нравится. Это даже хорошо». Но хоккей стал отдалять меня от семьи. Вот представьте, к нам приходят гости – сплошь музыканты. А я хоккеист. Мне стало некомфортно – разговоры-то совсем не про хоккей.
Мама это вовремя разглядела и направила меня в музыку.

- Как проходило становление в ней?

- Поначалу я, как и все, начал заниматься на фортепиано. Ужасно мне это не нравилось. Занимался неохотно, родители постоянно заманивали конфетками и жвачками, чтобы я лишних полчасика за инструментом провёл. Во дворе ровесники в прятки и футбол играют, а я на фортепиано дома... Понимание того, что музыка – это труд, причём очень непростой, пришло значительно позже. Но чтобы из музыканта что-то получилось, начинать нужно именно с самых ранних лет. В этом смысле детство моё было непростым. А потом для меня примером стал старший брат. У нас с ним разница в восемь лет, и я с детства ходил на его концерты, слушал, как он дома занимался. К тому же, когда я видел его на сцене, чётко понимал: хочу, чтобы у меня было так же, как у него – зрители, сцена, овации. И мне стала еще больше интересна музыка. Вот так детские амбиции сыграли свою роль.


- А как кларнет попал в руки?

- Фортепиано я начал заниматься в семь лет – это очень рано, и
дополнительно заниматься таким серьёзным инструментом, как кларнет, не
было возможности – организм ещё не вырос, маленькие лёгкие, дыхание не
развилось. Зато я овладел нотной грамотой. В 13 лет я взял в руки
кларнет и взял первые уроки у своего отца. Так и пошло.

- То есть ваш отец для вас и родитель, и учитель?

- Да. Но с самого первого урока и по сей день есть чёткие грани, где
папа – это папа, а педагог – это педагог. Даже если я захожу к
нему в класс, у меня язык не повернётся сказать: «Папа, пошли домой».
Нет. Только на «вы» и только по имени-отчеству. У меня не было никаких
поблажек, я никогда не мог сказать в своё оправдание: «Папа, ну ты же
знаешь, вчера были на даче, я устал и не выучил». Зато дома отец
никогда не контролировал то, как я репетирую.

- Есть те, на кого вы сегодня равняетесь в профессии?

- Если объединить жизнь и музыку, то это мой отец. Это тот эталон, кем
я хочу стать через двадцать, тридцать, сорок лет. Если говорить о
музыкантах, то их много. Есть такое словечко – «фирмач». Так вот эталон
такого «фирмача-кларнетиста» Мартин Фрост. Сейчас у него отличная
сольная карьера, он, пожалуй, один из самых популярных музыкантов в
мире. Он даёт 92 концерта с оркестром в год! Это человек
номер один для меня. Та же Сабина Мейер, о которой я уже говорил. Она
на протяжении двадцати пяти лет продержалась как сольный музыкант -
это дорогого стоит. И до сих пор она востребована.


Объявление черным по белому…
И, как в песне поется: «мимо него не пройти». «18 марта, в 18-30 в Камерном зале филармонии (Красный проспект, 32) состоится юбилейный концерт новосибирского юношеского симфонического оркестра, в связи с его 15-летием. Главный дирижёр – заслуженный артист России Владислав Янковский…». Новосибирцы мимо таких объявлений не проходят.…
Теперь немного о подрастающей смене музыкантов.
Новосибирский юношеский симфонический оркестр фонда "Юные дарования Сибири" был создан и начал свою деятельность в 1996 году. За эти годы коллективом проделана огромная работа, и он по праву занял своё достойное место среди профессиональных музыкальных коллективов Новосибирска.
Более 250 участников Юношеского симфонического оркестра разных лет пополнили музыкальные коллективы Новосибирска, Москвы, Санкт-Петербурга, ряда зарубежных стран.
Оркестр объединяет около 80 юных музыкантов в возрасте от 12 до 20 лет. Основу оркестра составляют учащиеся Новосибирской специальной музыкальной школы (колледжа). И все эти годы оркестр возглавляет заслуженный артист России Владислав Янковский. Его увлеченность, талант и высочайший профессионализм необычайно притягательны для юных музыкантов и являются основой результативной творческой деятельности коллектива.
В репертуар оркестра входят произведения российских и зарубежных композиторов в оригинальных аранжировках. Очень много серьезной музыки: Бах И.С. Концерт для двух скрипок с оркестром No. 26 d-mollBWV 1043, Вивальди А. Концерт для фагота с оркестром No. 7 a-mollRV 497, Стамиц И. Концерт для виоль д'амур с оркестром, Гайдн Й. Концерт для трубы с оркестром, симфонии Моцарта, концерты и симфонии Бетховена, Россини, Мендельсон, Брамс, Дворжак, Чайковский, Глазунов, Шостакович, Хачатурян…

Его золотые слова

Я много лет поддерживаю связь с музыкантами из Житомира и Львова. И мы часто вспоминаем такой эпизод из творческой жизни Влада Янковского. В далеком 1971 году, во Львове, а это был Прикарпатский военный округ, объявили конкурс среди военных оркестров округа (на то время их было более сорока). Особенность этого конкурса состояла в том, что это не был конкурс оркестров, а конкурс музыкантов-исполнителей. Как мы уже вспоминали, Владислав проходил службу (и даже некоторое время числился воспитанником оркестра) в Житомирском военном училище ПВО, где в то время был замечательный военный дирижер - Рафаил Манжух…
На заключительном туре конкурса Янковский исполнил концерт для кларнета И.Манна. Играл блестяще, другого слова я подыскать не могу. По праву завоевал первое место, обойдя многих профессиональных музыкантов с опытом и достаточно высокой музыкальной подготовкой. Общее мнение после завершения конкурса было таково, что это была игра зрелого музыканта, хотя ему было только 18 лет! Мнение о творческой взрослости юного исполнителя высказал на вручении наград не кто-нибудь, а сам председатель жюри конкурса – заведующий кафедрой Львовской государственной консерватории профессор В.Цайтц.
Так начинались музыкальное мастерство и профессионализм. Но они пришли не сами по себе. Чтобы понять «секрет успеха», которого, в общем, и нет, вернемся к пожеланию Владислава Янковского молодым исполнителям и вспомним его золотые слова: «Творите, дерзайте. Трудитесь, трудитесь!».


Апрель 2012 год

http://www.facebook.com/ZitomirskoeMuzykalnoeUciliseImvsKosenko?skip_nax_wizard=true#

Fasebook
открыта страничка
Житомирское музыкальное училище им.В.С.Косенко
Добро пожаловать
Всем будем рады
администратор Борис Турчинский

Два Гран-при у Запорожцев!

В Ялте в октябре этого года прошёл Международный конкурс молодых исполнителей им. Василия Соколика «Фанфары Ялты Юниор-2011".
В нем приняли участие исполнители и ансамбли духовых и ударных инструментов. Конкурс проходил в рамках Международного фестиваля духовой музыки им. Василия Соколика «Фанфары Ялты».
В состав жюри входили: Алексей Гуляницкий (председатель), профессор, народный артист Украины, заслуженный деятель искусств Украины, дирижер; Борис Турчинский (сопредседатель), преподаватель консерватории Петах-Тиква, кларнетист (Израиль); Иван Соколик, заслуженный артист Украины, тромбонист; Михаил Гуцол, заслуженный работник культуры Украины, тромбонист и др.
Фестиваль-конкурс проводился в трех номинациях:
"Солисты-инструменталисты классического отделения"
"Солисты-инструменталисты эстрадного отделения"
"Ансамбли"
Возрастные категории:
1. Младшая - Участники до 11 лет (включительно).
2. Средняя - Участники до 14 лет (включительно).
3. Старшая - Участники до 18 лет (включительно).
По условиям в программу конкурса входило по три произведения, а в номинацию «Старшая категория», где выступал Е.Вишняков, входило произведение крупной формы и два разнохарактерных произведения, среди них обязательно виртуозная пьеса.
Молодые музыканты, учащиеся музыкальных школ и студенты продемонстрировали свои умения в исполнительском мастерстве и настолько поразили членов международного жюри, что было решено присудить сразу две премии Гран-при.
И что особенно приятно, что оба Гран-при достались представителям нашего города! В номинации «Деревянные духовые инструменты» диплом Гран-при был вручен саксофонисту Григорию Керзону, учащемуся ДМШ №2 и в номинации «Медные духовые инструменты» - тромбонисту Евгению Вишнякову, студенту Запорожского музыкального училища. Это говорит о том, что у нас в городе высокая исполнительская культура и широко ведется большая профессиональная работа по подготовке хороших молодых исполнителей на духовых инструментах.
Все мероприятия в рамках конкурса прошли в теплой, дружеской атмосфере. Был проведен мастер-класс, где проходил обмен опытом, а заключительный концерт - в литературной гостиной Дома-музея А.П.Чехова.
Международное жюри отметило высокий уровень конкурсантов. Как сказал сопредседатель жюри из Израиля Борис Турчинский, "необходимо учитывать, что конкурс проводится в начале учебного года, педагоги очень ответственно подошли к подготовке молодых музыкантов. В этом есть, безусловно, воспитательный и высокопрофессиональный момент. У нас в Израиле очень большое количество детей охвачено музыкальным образованием. Во многих городах ширится тенденция обучения игре на духовых инструментах. В результате у каждого учебного заведения есть оркестр; директора школ понимают, что это здорово, муниципалитет поддерживает идеи создания таких коллективов. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число музыкальных проектов, оплачиваемых из муниципальных денег, возросло, это очень подняло культурную жизнь Израиля.
Для подрастающего поколения конкурсы очень важны. Но они также важны и для нас, зрелых музыкантов и педагогов. Обмен мнениями, опытом и музыкальным материалом на мастер- классе - что может быть более мощным двигателем? Для себя лично я взял много полезного в этот приезд, о чем с удовольствием расскажу у себя в консерватории".
Ялтинская команда юных музыкантов показала себя так же высоко. Лауреатами стали Вячеслав Войтенко, Егор Рябинин, Анастасия и Александра Базилюк (2 место), а также Святозар и Даниил Евдокимовы, Дмитрий Соколик (1 место) и Назарий Ничипорук (3 место)".
"Нас не может не радовать готовность педагогов привозить своих воспитанников на подобные конкурсы. То, что в начале учебного года у них готова программа для концертного выступления говорит о том, что дети занимаются и в каникулы также, а это уже профессиональный подход к делу",- сказала президент "Фонда развития искусства им. Василия Соколика", организатор мероприятия Оксана Соколик. "У наших конкурсантов - отличный потенциал. Рада за них, за педагогов и родителей».
Гала-концерт и награждение победителей конкурса проходило в Доме-музее А.П.Чехова, который является крупным центром культурных событий в Ялте. Участники были в восторге от зала и акустики музея, также с большим интересом они посетили с экскурсией Белую дачу А.П.Чехова и навсегда увезли с собой тот особый дух чеховского дома и сада, который, благодаря сотрудникам музея, бережно хранится вот уж много лет.
В следующем году Международный конкурс «Фанфары Ялты Юниор» будет проходить в такое же время, и уже ведется подготовка к нему. Пожелаем же организаторам и участникам дальнейших успехов и творческих побед! Заявки на конкурс присылать можно по электронному адресу fanfaruyalta@yandex.ru

01.11.2011 г. Анатолий Жульев, председатель Запорожской городской организации композиторов

В преддверии Международного фестиваля-конкурса молодых
исполнителей игры на духовых и ударных инструментах им. Василия Соколика "Фанфары Ялты - Юниор", я беседую, с его организатором, а также руководителем многих фестивальных и конкурсных программ, проходящих в Крыму и Украине, лауреатом Всесоюзного конкурса, Оксаной Соколик.
(Б.Т.)
Я давно внимательно слежу за творческой жизнью вашего города, где проходят как городские, так и международные конкурсы, фестивали, концерты, мастер-классы и просто встречи творческой интеллигенции. Многие мероприятия ты организовываешь сама.
Как тебе все удается? И с чего это все началось?
Начало всего было, конечно, в моей семье, где растет уже четвертое поколение музыкантов. Когда с детства тебя окружает музыка, причем общаешься с высокими профессионалами – музыкантами, дирижерами, певцами, инструменталистами, - по-другому не представляешь свою деятельность. Музыканты ялтинского симфонического оркестра помнят меня, когда я, еще трехлетним ребенком, сидя на папином футляре для тромбона, слушала репетиции симфонического оркестра. Дирижеры и солисты, приезжающие в Ялту, были моим первым "музыкальным университетом". Яркие впечатления - это работа с оркестром таких выдающихся музыкантов как Дмитрий Башкиров, Рудольф Керер, Лев Власенко, Иван Козловский, Дмитрий Хворостовский, дирижеры Франко Маннино, Петер Сауль, Ниязи. Нельзя не отметить дирижера Алексея Гуляницкого, который более 40 лет руководил ялтинским симфоническим оркестром и сейчас продолжает выступать со знаменитыми симфоническими оркестрами и солистами в городах бывшего Союза. Многие произведения под его руководством в Крыму исполнялись впервые. Алексей Гуляницкий не только делал с ялтинским оркестром интересные сложные программы и приглашал именитых солистов. Он взращивал в своем оркестре оркестровых музыкантов высочайшего класса. Не каждый просто хороший музыкант-солист может сразу вписаться в оркестровый коллектив. И порой для создания слажено звучащей группы деревянных духовых инструментов или группы виолончелей, например, уйдет не один год. К сожалению, сейчас многие оркестранты "предыдущего состава" за границей: Владимир Шевель, Леонид Дворкин, Станислав Ваулин, Владимир Лундин продолжают трудиться на музыкальной ниве и более того - их дети также имеют к музыкальному исполнительству непосредственное отношение. Например, сын Владимира Лундина, скрипач Алексей Лундин- концертмейстер оркестра "Виртуозы Москвы". Частым гостем в Ялте был Натан Рахлин, выдающийся дирижер современности. Поэтому неудивительно, что в нашей семье и я и мой брат Сергей Соколик, замечательный пианист, аранжировщик, композитор, связали свою жизнь с музыкой. Большинство моих проектов связано именно с искусством.

Б.Т.
Оксана, ваша семья – музыкальная династия.
Мой дед Исидор Пинчук играл на флейте и пел в хоре. Мама – Ирина Пинчук пианистка, педагог, многие её ученики продолжили музыкальное обучение и сейчас работают в Украине и за рубежом. Мой отец - Василий Соколик, заслуженный артист Украины, тромбонист, основатель духового оркестра "Ялта", педагог, всю свою жизнь посвятил музыке. За создание ряда концертных программ удостоен государственной премии.
В то время, как он в течение 42-х лет руководил ансамблем духовых инструментов, который потом перерос в духовой оркестр, им было написано масса оркестровок, которые существенно оживили репертуар оркестра. До сих пор духовой оркестр "Ялта" исполняет эти произведения. Он не боялся брать в работу большие полотна, такие как антракты из опер и оперетт, увертюры и фантазии, исполнение которых требовали высокого мастерства дирижера и музыкантов. По сути своей многих музыкантов для духового оркестра он воспитывал так же, как дирижер Ялтинского оркестра А.Гуляницкий взращивал их в симфоническом . А то, что Василий Соколик более 30 лет проработал в симфоническом оркестре концертмейстером группы тромбонов, наложило отпечаток и в его работе с духовиками. Он добивался мягкого, симфонического звучания, играя при этом духовую классику. Сейчас редко можно встретить оркестр, в репертуаре которого будет много классических духовых произведений. Современность диктует свои условия, играется много так называемой популярной музыки, в коллективы вместо тубы добавляют бас-гитару, есть широкий спектр электроинструментов, а идя по пути наименьшего сопротивления, можно целую группу инструментов заменить клавишными инструментами, включив лишь нужную кнопку.
В моем отце сочетался дар исполнителя, руководителя и администратора. Его любовь к духовой музыке возникла внезапно и на всю жизнь, когда он еще мальчишкой, увидел идущий по улице духовой оркестр - это был оркестр воспитанников интерната. Время было послевоенное, и для ребенка, семья которого недавно пережила весь ужас депортации (операция "Висла"), это была картина из другого мира. Он много раз рассказывал об этом дне знакомства с музыкой. Особенно его впечатлил тогда большой барабан и тромбон. Тогда у него и появилась цель жизни. Я пока еще не встречала в жизни человека, с более сильной и цельной натурой, чем у моего отца. Казалось, что все, что он делал в жизни, служило только одному – музыке. Гармоничность восприятия окружения сквозило во всем - в том, как он играл в симфоническом оркестре, как он общался с людьми, как преподавал, как трепетно относился к семье, как творчески и аккуратно делал ремонт квартиры, как занимался физзарядкой по утрам, как здорово играл в шахматы. И то, что он, парень из деревни, прочел в юности "Капитал" К.Маркса и самостоятельно учил английский и немецкий языки – говорит о его многогранных интересах и постоянном стремлении к самообразованию. Он был интересным рассказчиком, с большим чувством юмора, к нему тянулись люди, он никогда ничего не просил у вышестоящего начальства, его уважали и в коллективе, и в руководящих кругах. Трудно перечислить весь объем дополнительной общественной нагрузки, чем он занимался. Был период, когда он был инспектором и директором симфонического оркестра. А.Ф.Гуляницкий в своих воспоминаниях говорит о том, что " с 1965 года и в течение 40 лет наши творческие и личные судьбы были тесно связаны. Человек с активной жизненной позицией. Хороший дипломат, отличный солист, Василий Иосифович самым первым из артистов оркестра был представлен мною и руководством оркестра к званию «заслуженный артист УССР» (1984г.) В период работы Соколика директором симфонического оркестра (1987-1991 год) мы осуществили тяжёлые, но очень интересные гастроли по городам Урала: Пермь, Свердловск, Курган, Челябинск, Каменец-Уральский." Кроме того, по приглашению отца, в Ялту приезжало очень много интересных солистов, в том числе и Дмитрий Хворостовский, который находился тогда еще в начале своего звездного пути.
Есть люди, которые, встречаясь на твоем жизненном пути, играют значительную роль. Таким для многих молодых музыкантов был мой отец, он был внимателен к их профессиональному росту, к их бытовым проблемам, ему до всего было дело. Василий Соколик был небезразличным человеком. Кроме того это был человек редкого такта и интеллигентности. Он умел так преподнести на репетиции новое произведение, что это было доступно и понятно всем музыкантам. Дисциплина в коллективе была отличная. Есть вещи, которые можно добиться лишь уважением к себе, как к человеку и как к музыканту. Василий Соколик хотел делать свою работу хорошо, и он её делал. Он умел решать внутренние конфликты - а где их не бывает? Вся его жизнь - это служение музыке, а музыке нельзя служить из корысти. Он умел прощать. Он не прощал только предательство и подлость. В своем последнем обращении к оркестрантам-духовикам он говорил "Ребятки, любите музыку. Музыка - это все! Она нас объединяет".
Я знаю, что многие музыканты-духовики говорят: “Я играл в оркестре под руководством Василия Соколика" с такой гордостью, как другие говорят: "Я играл с Натаном Рахлиным". Кстати, вспомнился исторический факт, которому есть документальное подтверждение. В Ялте есть гора Магаби, где на огромной лужайке собирались все творческие коллективы Ялты на Праздник песни. Участвовали в празднике и симфонический, и духовой оркестры, и хоры. Праздник собирал огромную массу людей. Натан Григорьевич Рахлин исполнил несколько произведений с симфоническим оркестром, а когда концертную площадку уступили духовому оркестру, Натан Рахлин, который, как известно, играл на многих оркестровых инструментах, забрал у отца баритон, сел на его место и говорит: "Вася, теперь вы дирижируйте, а я поиграю". Когда Рахлин создал и возглавил Казанский симфонический оркестр, он несколько раз звал Василия Соколика в Казань, но отец остался верен Ялте.
Его вклад в развитие жанра духовой музыки был оценен по достоинству — ему было присвоено звание «Заслуженный артист Украины», он неоднократно награждался Почетными грамотами Министерства культуры Украины, Совета министров Крыма и ВР АРК, он стал лауреатом Премии Автономной Республики Крым за создание программы «Музыка народов Крыма». В 2003 году за значительный вклад в развитие музыкальной культуры города В. И. Соколику присвоено звание «Почетный гражданин города Ялта», а в 2008 году Василия Соколика наградили специальным памятным знаком, выпущенным к 170-летию города Ялта, как человека, всю жизнь свою отдавшего служению искусству в родном городе.
Где ты училась? Кто из преподавателей оставил заметный след в твоей жизни.
В музыкальном образовании моей семьи тоже прослеживается некоторая закономерность. В 1951 году мои родители поступили в Черновицкое музыкальное училище, где и познакомились. В свое время в этом же училище учился мой брат, и я в классе Жанны Корецкой. Я очень благодарна своему педагогу за многое, чему она научила меня. И это касается не только музыки. Мы продолжаем встречаться, постоянно перезваниваемся, до сих пор я в лице Жанны Александровны имею надежного друга и советчика. По сольфеджио и гармонии нам с Сережей посчастливилось учиться у Доры Ройзман. Я восхищаюсь ею как педагогом и как Женщиной с большой буквы. Помню, когда она с семьей уехала в Израиль, и я потеряла с ними связь – я очень переживала. Еще студенткой я подарила ей кусочек своего сердца, и где-то этот кусочек затерялся. Но прошло немногим больше 20-ти лет, я все равно нашла Дору и теперь мы общаемся довольно часто. Она, как добрый гений, узнав о том, что я готовлю крупный проект – международный фестиваль "Фанфары Ялты", познакомила меня с Вами, за что я ей очень благодарна.
Гармония мне в училище давалась довольно легко, я любила решать массу дополнительных задач, потом приносила ей на проверку. Дора Ройзман улыбалась и говорила: "Оксана, опять вы со своими томАми". А мой брат по гармонии просто делал чудеса - у Сергея математический склад ума, а, как известно музыка и математика имеют прямую связь, думаю, поэтому он так успешно занимается оркестровками для симфонического и духового оркестра.
По камерному ансамблю мы с Сережей учились у скрипача Олега Павлова. Музыкант и педагог высочайшего класса, он был требовательным и не знал снисхождения. Казалось, эпиграфом к нашим занятиям можно было поставить фразу: "Вы должны играть или как я, или лучше меня, иначе, что вы здесь делаете?" Тем не менее, на государственных экзаменах свою "5+" я получила и по камерному ансамблю также, как и по всем другим.
Безусловно, опыт, полученный на уроках Олега Павлова и преподавателя по концертмейстерскому классу Натальи Мягкой, переоценить невозможно. Это была та школа, без которой невозможно было стать ни хорошим ансамблистом, ни чутким концертмейстером. В то время не было интернета, видео- и прочих прелестей современности, и безусловно повезло тем, кто учился у таких мастеров.
После музыкального училища почти все Соколики прошли Киевскую консерваторию, а я окончила Донецкую консерваторию им.С.Прокофьева в классе доцента Виктории Гончаренко. Я не оговорилась, "почти все Соколики" – это в том числе и будущая жена моего брата Елена (скрипачка) и мой будущий муж Иван (тромбонист). Теперь маленькое лирическое отступление. Дело в том, что мой отец и мой муж учились в Киеве у профессора Василия Гараня (тромбон), только с разницей в 25 лет. Мы с мужем однофамильцы, вот так просто решается этот ребус.
Твои дети тоже пошли по твоим стопам?
Да, но не все. Старший сын не связал себя с музыкой, хотя в свое время окончил музыкальную школу по классу фортепиано, трубы и вокала. А дочь – студентка Черновицкого музыкального училища (кл. преп. Виктора Паранюка, скрипка). Младший сын оканчивает музыкальную школу по классу фортепиано, а в это же музыкальное училище готовится поступать по классу тромбона. Старший сын моего брата - великолепный скрипач и звукорежиссер, он живет и работает в Москве.
Б.Р.
И еще о музыкальных фестивалях. Среди имен, принимающих участие в жюри, я встречаю людей, занимающих ведущие позиции в музыкальной культуре многих стран.

Мой отец при жизни мечтал о фестивале духовых оркестров. По всему миру проходят масса проектов, в которых задействованы духовые оркестры, это всегда зрелищное и увлекательное мероприятие. Особенно после того, как ялтинский духовой оркестр стал лауреатом Фестиваля духовых оркестров в Ровно. Сделать такой проект - это большие средства. Как правило, без серьезного генерального спонсора, при просчете стоимости всех составляющих компонентов многие подобные проекты "тихо умирают, не начав свою жизнь". Тогда, в 90-х годах это оказалось неосуществимой задачей.
После ухода из жизни Василия Иосифовича Соколика я решила увековечить память об этом прекрасном музыканте и человеке. Я создала "Фонд развития искусства им. Василия Соколика" и возник авторский проект - Фестиваль духовой музыки им. Василия Соколика "Фанфары Ялты", которому министерство культуры и искусств, сразу дало статус Международного. Сразу же этот фестиваль занял достойную нишу в череде других знаковых событий в Ялте. Этот фестиваль привлекает в Ялту до тысячи музыкантов ежегодно и делает жизнь наших ялтинцев более интересной и разнообразной. Кроме того – такой музыкальный форум - повод собрать здесь единомышленников. Мне несколько раз СМИ задавали вопрос: а зачем все это надо? Что заставляет людей ехать на ваш фестиваль за тысячи километров? Ответ прост. Духовик - это не специальность, это национальность.
Мы, встречаясь в Ялте, общаясь на разных языках, понимаем друг друга "на своей музыкальной волне". Особенно волнующим моментом фестиваля является исполнение произведений сводным духовым оркестром. Очень важно, что наряду с маститыми профессиональными коллективами в фестивале-конкурсе принимают участие детские коллективы. Для многих это путевка в настоящую музыкальную семью. Многие выезжают из своих городов впервые на такой форум. Абсолютно для всех это огромный толчок для дальнейшего творчества.
Как правило, оркестры, которые уже раз побывали на фестивале "Фанфары Ялты", стремятся приехать сюда вновь, потому что нет ничего выше чувства единения на таких мероприятиях, они несут на себе огромную воспитательную функцию для молодежи, эти фестивали ждут и участники, и зрители. Приезжают профессиональные оркестры, муниципальные, студенческие, детские, ансамбли разных составов - и молодые и именитые.
Я приглашаю к участию и небольшие оркестры интернатов, где живут дети, лишенные опеки родителей. Некоторые приезжали к нам уже не однажды. После такой поездки им уделяют больше внимания, закупают для них инструменты, шьют красивую концертную форму. У нас есть постоянные участники: муниципальный духовой оркестр "Полтава" (руководитель засл.артист Украины Э.Головашич), Образцовый детский духовой оркестр "Партенит" (руководитель засл. работник культуры Украины М.Гуцол, Крым), Ансамбль ударных инструментов "Живые барабаны" (руководитель Е.Дудник, Полтава), Квинтет "Liberty" (руководитель Д.Шеремет, Приднестровье). Кстати, говоря, о последнем коллективе, хочется отметить, что благодаря участию в этом серьезном фестивале, они недавно получили звание государственного, в бюджете республики нашли возможность "выбить" ставки для участников коллектива. Т.е. если коротко отвечать на вопрос - а нужны ли такие фестивали? Да, нужны. Они необходимы. А представьте себе сочетание эмоций, южного солнца и теплого моря!
От года к году фестиваль "Фанфары Ялты" расширяет свои границы. Если на первом фестивале мы ограничились лишь двумя парадами, конкурсом, морской прогулкой, концертом-капустником "Музыканты улыбаются" и грандиозным закрытием с фейерверком и запуском воздушного шара под звуки сводного оркестра "Прощание славянки", то во время третьего фестиваля наши коллективы-участники уже играли по всему Южному берегу Крыма для жителей и гостей городов и поселков. Причем концертные площадки – исторические знаковые места - Воронцовский дворец в Алупке, Ливадийский дворец в Ливадии, где проходила знаменитая Ялтинская конференция, известный на весь мир Никитский Ботанический сад и др.
В этом году мы открываем еще одну страницу в рамках фестиваля – "Фанфары Ялты Юниор" – это юношеский конкурс для солистов и ансамблей. Проводить мы его будем в этом году в середине октября, это период бархатного сезона в Ялте, который так любили описывать в своих произведениях поэты и писатели всех времен и народов. Антон Чехов о крымской осени писал: “В Ялте великолепная, совершенно летняя погода, никуда не хочется уезжать. Крым очень хорош». Я очень рада Борис, что Вы, согласились участвовать в жюри конкурса, и, пользуясь, случаем хотела еще раз поблагодарить Вас, за ту громадную помощь и поддержку, которую Вы оказываете фестивалю "Фанфары Ялты" со дня его существования. Мы делаем одно большое общее дело, и поддержка таких профессионалов, как Борис Турчинский (Израиль), Анатолий Дудин (Россия), Йожеф Чикота (Венгрия), Станислав Климов (Германия), Алексей Гуляницкий (Украина) очень важна.
Международный Фестиваль духовой музыки им. Василия Соколика "Фанфары Ялты" традиционно проходит в конце мая, а в начале мая – с 4 по 9 проходит ежегодный Международный джазовый фестиваль "Джалитон". В 2012 году он будет проходить уже в седьмой раз и место проведения его – музыкальный салон "Черное море" (директор – известный джазовый музыкант, пианист Виктор Власов). И хотя в конкурсе принимают участие и духовики-инструменталисты и джазбенды разных составов- это уже немного другая тема. Музыкальный салон "Черное море" – место паломничества джазовых музыкантов всего мира, в этом огромная заслуга самого Виктора Власова. У фестиваля очень насыщенная программа, много интересных встреч, ежедневно музыканты собираются на джем-сейшн. Почетным президентом Фестиваля является заслуженный артист Украины, лауреат международных конкурсов и фестивалей, композитор Энвер Измайлов.
Б.Р.
Подготовить какое-либо мероприятие - сложно. Тем более - крупномасштабный фестиваль. Есть ли трудности? У тебя есть своя команда?
Как правило, трудностей нет только у тех, кто не делает ничего. Наверно, было бы трудней, если бы я просила денег на проведение мероприятий. Я провожу их за свой счет, поэтому четко планирую все заранее. Знаю, на что я могу рассчитывать. Как правило, глава нашего города помогает нам с поселением членов жюри, что является существенной помощью. А "круглые столы", печатная продукция каждому участнику фестиваля, специально разработанные дипломы, проезд жюри - все эти вопросы решаются самостоятельно.
У меня есть 4-5 помощников, которые трудятся непосредственно на фестивале. Как правило, я собираю их за сутки до приезда коллективов и "раздаю ценные указания". Вся работа "до начала" лежит на мне. Все очень просто - вместо того, чтоб держать под контролем деятельность многих людей - можно держать всю работу в одной голове. От года к году ситуация упрощается в плане того, что многие коллективы приезжают неоднократно. И они в Ялте уже как в своем родном городе. Ну, а от "уточняющих вопросов" никто не застрахован, 1000 участников- 1000 вопросов.
На каждом фестивале "Фанфары Ялты"– до 18 коллективов. С каждым тщательно отрабатывается конкурсная программа, порой приходится отбирать произведения, советовать, что лучше играть на конкурсе, что перенести в концерт на другой площадке, благо репертуар знаком, и мы говорим с руководителем как музыкант с музыкантом. Это большой плюс, когда понимаешь друг друга с полу - слова. Кроме того, работа проводится и с теми СМИ, которые находятся в том городе, откуда едет коллектив. Порой музыканты, как творческие личности, могут выучить программу, могут виртуозно её сыграть, а вот рассказать о том, как они сыграли и почему привезли призовое место - могут не все. Стесняются.
Особенно много предварительной работы с теми, кто едет из небольшого города, впервые показывает свою работу "не для своих". Встречаются коллективы с разным уровнем подготовки. На одной из пресс-конференции мне был задан вопрос: "А не настораживает ли вас, что много приезжает детских коллективов и коллективов из маленьких городов?" Нет, меня это не настораживает, а наоборот, безмерно радует. Во-первых, откуда возьмутся позже взрослые коллективы, если они не вырастут из детских? Во-вторых, присутствие в небольшом городе или деревне духового оркестра хорошего уровня - говорит о многом. Самое главное, об отношении руководства города к культуре, о его стремлении правильно организовать досуг жителей, о том, что город достаточно экономически развит, чтобы содержать такую единицу- духовой оркестр. Ведь культура не может существовать без дотации государства, точно так же, как здравоохранение или образование.
В этом году один из коллективов приехал к нам впервые, из небольшого городка Одесской области. Во время выступления директор оркестра позвонил поселковому голове и тот по телефону прослушал все выступление "своего оркестра", и после выступления - аплодисменты - как их принимают зрители. Оказывается, голова хотел сам приехать с оркестром в Ялту, но не пустили государственные дела. Такое отношение руководства не может не радовать.
Б.Т.
Какие самые яркие воспоминания у тебя от прошедших фестивалей – конкурсов?
Самое яркое воспоминание – это те эмоции, которые мы дарим друг другу и зрителям. Наверное, только на музыкальных форумах идет такой колоссальный обмен энергетикой. Очень важно, что маленькие артисты учатся у больших артистов. Не менее важно, что взрослые коллективы также понимают всю ответственность, когда видят широко распахнутые детские глаза и стараются играть как можно лучше. Постоянно оркестры общаются между собой, идет обмен нотным материалом, руководители делятся друг с другом своими секретами. В этом году оркестры получили возможность играть для жителей побережья, от Симеиза до Гурзуфа. Концерты длились не менее 2-х часов. Для музыканта важно быть востребованным. А когда играешь среди природы, на фоне тех исторических ландшафтов, которые раньше видел только на картинках, и так радушно принимает публика - для музыканта это счастье.
Я так понимаю, что проведение фестивалей и конкурсов это твоя, как бы общественная деятельность.
Чем еще ты занимаешься?
Я преподаю в музыкальной школе (класс фортепиано), заведую фортепианным отделом. В школе также проводится огромная методическая и концертная работа. Провожу множество тематических концертов, которые радуют и слушателей и исполнителей. Принимаю участие в конференциях и "круглых столах", статьи печатаются в украинских методических изданиях. Участвую во всевозможных концертах как исполнитель- с сольными номерами и солистами. Есть солисты, с которыми меня связывает не один год творчества. Более 10 лет мы сотрудничаем с баритоном из Ирландии Валентайном Аллистером. У нас есть множество телевизионных программ, в репертуаре у нас более 150 произведений - от арий из опер, до романсов и ирландских песен. С ним очень интересно работать, т.к. это целая эпоха вокального исполнительства - он привозит произведения, которые пела еще его мама, а ему самому всего лишь 89 лет. Свой концерт он как-то начал со слов "Наверно, в моем возрасте надо уже лежать в кровати и не вставать, но я пришел и пою для вас". Мы часто даем концерты в Доме-музее им.А.П.Чехова. Наши музыкальные вечера собирают полные залы. Любимые наши произведения - это романсы Чайковского и Рахманинова. Многие их них он поет по-русски. Репетировать мы можем часами. Не так давно мы записали с ним на студии несколько произведений, в том числе Пролог ''Si puo'' из оперы ''Паяцы'' Р.Леонкавалло. Сейчас мы взялись за "Пиковую даму" П.Чайковского. Кроме того - масса песен и романсов - Шуберта, Листа, Грига, Глинки…
Кроме того, в течение года успешно функционирует "Музыкальная гостиная" в кафе ТМ "FIOLET" на Набережной. Совместно с директором предприятия Ларисой Брайко мы проводим "детские четверги" для одаренных детей города – это музыкальные встречи, где дети могут сыграть на инструменте или спеть для своих друзей и родителей. Являясь Председателем общегородского родительского комитета, я считаю, что переоценить значение таких общений невозможно. Как ни странно, родители проводят со своими детьми меньше времени, чем школьный учитель. Важную встречу с партнером они отменить не могут - как же, бизнес остановится! А со своим ребенком беседу можно отложить? К сожалению, такое наблюдаем сплошь и рядом. В "Музыкальной гостиной" дети не только слушают друг друга, но и демонстрируют свои успехи, перед каждым выступлением я рассказываю о достижениях каждого из них, а похвала, как известно, еще никому не помешала. Невероятно, но многие родители не имеют понятия, чем их чада занимаются в музыкальной школе. Главное для них - вовремя внести плату. И многие воспринимают своих детей совершенно по-другому. Там же мы проводим многочисленные конкурсы детского рисунка, вышивки и т.д. Детское творчество прекрасно во всех его проявлениях.
По пятницам я провожу музыкальные вечера для взрослых. Надо сказать, эти вечера довольно популярны среди ялтинцев. Мы приглашаем на них интересных людей, проводим тематические лекции и просто общаемся за чашкой чая. Собственно, все это тоже является моей общественной деятельностью.
Б.Т
Оксана, а что у тебя в рабочей « Шкатулке»? Какие планы на будущее?
Ближайший мой проект – в начале октября в Москве. Открытый фестиваль юмора и эстрадного искусства "Москва-транзит-Москва". Вот уже 6 лет я работаю в команде фестиваля, где принимают участие не только звезды эстрады – И.Кобзон, А.Арканов, К.Новикова, Н.Бандурин, В.Легкоступова, В.Пресняков-старший и др., но и конкурсанты, которых каждый год со всего мира набирается более 300 в разных жанрах - в том числе музыкальном. Атмосфера на фестивале прекрасная. Многие конкурсанты, впервые показавшись на солидной сцене, получили путевку в жизнь в прямом смысле этого слова. Во многом фестиваль стал таким благодаря его президенту Михаилу Ашумову и директору Михаилу Либерману. Они и их команда сумели создать такой беспрецедентный проект, который имеет уже свою историю и обречен иметь счастливое будущее. В прошлом году я привезла из Украины всего одну участницу, 10-летнюю Татьяну Белову (эквилибр), которая получила Гран-При, за участие в "Сборной мира".
Затем в середине октября в Ялте состоится Международный фестиваль-конкурс "Фанфары Ялты Юниор", на котором мы с вами встречаемся. Параллельно будет идти подготовка к 6-му джазовому фестивалю "Джалитон" и 4-му Международному фестивалю духовой музыки им. Василия Соколика "Фанфары Ялты". Собственно, уже сейчас идет разработка маршрутов оркестров, прибывающих из-за границы, т.к. для прибытия фрахтуют целый самолет, один из оркестров даже намерен привезти с собой мэра своего города. На осень также запланированы 2 концерта с баритоном из Ирландии в Санкт-Петербурге.

Б.р.
Что пожелаешь читателям нашего сайта?
Мое пожелание для всех - больше позитива в жизни. Не бойтесь быть сами собой, вспоминайте лучшие моменты жизни и верьте, что все хорошее - это только начало. А дальше будет еще лучше. Жизнь прекрасна и удивительна.
Любите музыку. Она нас объединяет!!!

ПРИВЕТСТВИЕ ОТ РЕДАКЦИИ
Дорогой, уважаемый читатель!
Ты держишь в руках самый-самый первый выпуск журнала «Дети и Музыка». Наконец-то! Свершилось! Ведь журнал-то новый, а вот фестивалю уже десять лет. Мы решили, что пора - пришел срок обратиться к нашим слушателям посредством слова, сделать их нашими читателями, и найти новых единомышленников. Теперь у нас будет больше возможностей для обратной связи! Мы рас-скажем о музыке и композиторах, о лучших музыкальных школах, строгих преподавателях и талантливых учениках, о фестивалях и конкурсах, в которых стоит поучаствовать, и о многом другом!
Итак, тем, кто с нами по фестивалю уже знаком – снова здравствуйте! Тем, кто слышит в первый раз – будем знакомы! Между-народный благотворительный фонд детского и юношеского творчества «Дети и Музыка». Идейный вдохновитель, организатор и создатель фестиваля и фонда – заслуженный артист России Сергей Остапенко.
«Ты помнишь, как все начиналось?»
Итак, 10 лет назад, в ноябре 2001 года впервые стартовал фестиваль «Дети и Музыка». Тогда это был небольшой скромный фестиваль Южного Административного Округа столицы. Потом к участию в конкурсах присоединились дети из других округов сначала Москвы, потом - России. Шли годы, фестиваль разрастался. К нам приезжали дети из Санкт-Петербурга, Самары, Красноярска, Кисловодска, Казани, Чебоксар, Волгограда, Казани, Вологды, Североморска, Тюмени, Ниж-него Новгорода, Тулы, Курска, Владимира и Уфы. Возрастающая известность привлекала к участию представителей из-за рубежа: Украины, Белоруссии, Болгарии, Франции, Германии, Китая, Кореи, Узбекистана и Армении. В 2008 году фестиваль был заслуженно отмечен наградой «Золотой орден семьи Романовых «Святой Николай II» 2ой степени» за вклад в развитие культуры, раскрытие и продвижение творчески одаренных детей.
Нынешнее первое июня, - это не только день выхода в свет перво-го номера журнала, но и день закрытия Х Московского Открыто-го Фестиваля «Дети и Музыка». Фотографии с торжественного закрытия ждите в следующем номере, в сентябре. А там уже недалеко останется до торжественного открытия ХI Московского Открытого Фестиваля «Дети и Музыка». А пока – читайте нас! Ну, с Богом!

Борис Турчинский
Школы в Израиле

Как известно, Израиль - хотя и древняя земля, но государство молодое, и здесь многое недавно начато с нуля, в том числе и в музыкальной культуре, в музыкальном образовании.
В Израиль приезжали музыканты из разных стран, учили детей по своим методикам, внедряли культурные постулаты, принятые у них на Родине. Поэтому израильское музыкальное образование испытало влияние со всех концов земли. Но наиболее сильные влияния оказали немецкая и русская композиторская и исполнительская школы. А структурно израильская система образования ближе к американской. Многое зависит от местной инициативы. Расскажу вам об одном уникальном израильском музыкальном коллективе. Это военный церемониальный Оркестр Армии обороны Израиля. Ничего подобного, пожалуй, нет больше нигде в мире, так как все оркестранты – 18-19-летние солдаты срочной службы. Каждые полгода-год в оркестре происходит ротация, но у главного дирижера Михаэля Яарана нет дефицита исполнителей, так как вновь и вновь приходит пробоваться очень много музыкальной молодежи. Это говорит о многом, и главное – о том, как любят музыку в израильских семьях, как приобщают детей к музыкальной культуре, как стараются дать им музыкальное образование.
В В Израиле существует большое разнообразие форм музыкального образования. Во-первых, это так называемые «Бейт-сефер менаген» (дословно – «играющая школа») - такие есть во многих городах Израиля. Имеются в виду школы, оркестры которых играют на всех школьных (и не только) мероприятиях. Школьные оркестры бывают самые разные – духовые, народные (восточная музыка), оркестр блокфлейт, в их состав могут входить синтезаторы, ударные инструменты. Занятие проводятся небольшими группами, по 3-5 человек в группе, один раз или два раза в неделю. Кроме того, есть, так называемые «Бейт-тизморет» (оркестровый дом) - там проводится обучение игре только на духовых инструментах утром, а затем – после-обеденные занятия по теории музыки, индивидуальные занятия и оркестр. Есть и консерватории, не имеющие утренних проектов, - отчего они, скорее, только проигрывают. Как правило, они малочисленны и с небольшими оркестровыми коллективами, а в некоторых все сводится только к индивидуальным занятиям и ансамблям малой формы. Как возникают эти музыкальные проекты и в каких городах, поселках или кибуцах они находятся, зависит от многих факторов. Это может быть заинтересованность местных властей или личное желание директоров школ. Ведь все это стоит денег. Надо платить преподавателям зарплату, необходима материальная база. Приобретение инструментария и уход за ним. За последние 20 лет, с приездом большой репатриации из бывшего СССР, число таких проектов много-кратно возросло, что подняло общую культуру страны и дало полноценную работу многим музыкантам.


Немного истории.

Начало профессионального музыкального образования в Израиле является, в значительной мере, результатом усилий Шуламит Руппин. Ее институт открыл свои двери в Яффе, близ будущего Тель-Авива, в 1910 году, и в числе его преподавателей поначалу было много профессиональных музы-кантов, специально приглашенных из Европы.
Во главе организации, которая стала называться «Шуламит», после безвременной кончины Шуламит Руппин, встал скрипач из Женевы Мо-ше Hopeнкo. Первые группы студентов были численностью 30-75 человек. Родители с удовольствием направляли на учебу в это учебное заведение своих детей, студенческие концерты стали заметным социальным и культурным явлениям в Яффо. Концерты этой школы за-полнили для многих эмигрантов культурный вакуум, так как в Израиль в то время приезжало много людей из Европы, привыкших посещать хорошие концерты классической музыки.
В Тель-Авиве, что строился на песках близ Яф-фо, было тогда 1800 жителей, и едва ли не треть его жителей посылала своих детей изучать музыку. Этот удивительно высокий процент оставался стабильным до 1930-х годов, когда с резким ростом населения города выросло и число студентов.
В 1972 году ветви музыкального образования школы «Шуламит» протянулись и в Иерусалим.
1980-е годы были ознаменованы ростом новых районов в Иерусалиме, жители которых также приобщали своих детей к музыкальному образованию. Обнаруживалось много новых талантов, и в течение нескольких лет число студентов иерусалимского отделения перевалило за пятьсот. Были сформированы оркестры для женщин, профессиональный струнный оркестр, оркестр камерной музыки, студенческие и другие оркестры.


На тромбоне и валторне
Итак, каково же музыкальное образование в консерваториях Израиля? Раз в неделю - урок по выбранному инструменту, теория и история музыки и оркестр. Чтобы ребенок сам захотел обучаться игре на тромбоне, тубе, валторне - такого, как правило, не бывает. Обычно все хотят играть на флейте, кларнете, саксофоне, ударных инструментах. Поэтому в консерваториях существуют утренние проекты. Работают 4-5 преподавателей. Каждый ведет группу из 3-5 учеников. Задействованы ученики всех четырёх классов школы. Обучение два раза в неделю по 45 минут. Работа учителей оплачивается частично министерством просвещения, частично муниципалитетом. Через полгода начинает функционировать оркестр. К концу года дети и родители должны решить, продолжает их ребенок дальше обучаться музыке или нет. Затем часть детей переходит в собственно консерваторию, где начинает осваивать инструмент более глубоко и основательно. Те из учеников, кто перешел в консерваторию на индивидуальное обучение, продолжают играть в школьном оркестре. Но это уже более подвинутый коллектив, которому в дальнейшем по плечу и более серьезные - по сравнению с младшей группой оркестра – произведения. Вот, от-куда берутся тромбоны, валторны, тубы и т.д., то есть, более редкие музыкальные инструменты и исполнители на них. Несколько школ работают в другом направлении: скрипка и виолончель. Там так-же все построено по вышеописанному принципу.


Что такое «халилит»?

Израильские дети, же-лающие получить специальное музыкальное об-образование, занимаются в музыкальных школах или с частными преподавателя-ми. В музыкальные школы-консерваторионы принимают детей с шести лет. Там преподают игру на различных музыкальных инструментах, ритмику, теорию музыки и балет. Занятия платные. В стране есть также ряд музыкальных общеобразовательных школ, дающих полное среднее образование. Во многих молодежных клубах и общественных цен-трах действуют кружки по обучению игре на различных инструментах. Многие дети младшего возраста учатся игре на блокфлей-те – часто не столько для приобретения навыков игры, сколько для расширения музыкального кругозора. Возьмем для наглядного примера город Петах-Тикву, где я работаю уже 20 лет. Расскажу, как у нас построена учеба. Приблизительно так же это работает во всех других городах. В каждой начальной школе есть уроки музыки. Это игра на блокфлейте. В Израиле это называется «халилит». Звуки этой «дудочки» очень созвучны ментальности души еврейского народа. В них - напоминание о пастушеском прошлом Праотца Авраама, о музыкальных пристрастиях псалмопевца царя Дави-да. Кроме того, почти во всех школах начального уровня есть хор. Хотя хор – явление, скорее, чисто русское, привезенное большой репатриацией. Во многих городах и поселках ширится тенденция обучения детей игре на духовых инструментах. Кроме духового состава, нет, пожалуй, другого музыкального коллектива, с которым через полгода после начала обучения уже можно выступать с простенькими оркестровыми пьесками. Это быстро стали понимать директора школ.


О порядке получения музыкального образования в Израиле – читайте в следующем номере!
Автор: БОРИС ТУРЧИНСКИЙ


Научиться играть на блокфлейте…

Блокфлейта – старинный инструмент, для него писали произведения великие композиторы: Бах, Гендель, Вивальди, Телеман и другие. Во многих европейских государствах блокфлейта приобрела очень большую популярность и как исполнительский и как подготовительный инструмент для перехода к игре на других духовых . Так, например, в Италии, Германии, Чехии блок-флейта широко используется в целях приобщения детей к музыке. Еще в семидесятые годы прошлого века профессор музыкально-Педагогического института им. Гнесиных Иван Пушечников широко вводил в практику обучение детей младшего возраста в ДМШ игре на блокфлейте.
Обучение детей игре на блокфлейте с раннего возраста решает ряд проблем, связанных с дыханием, работой лег-ких, дает музыкальное развитие на очень про-стом и доступном инструменте. Из семейства блокфлейт наибольшее распространение полу-чила блокфлейта-сопрано (строй С).
Простота конструкции, небольшой размер, легкий вес инструмента, минимальная сила вду-вания воздуха дают возможность приобретать навыки музицирования детям 5-6 лет. Существу-ет две системы блок-флейт – немецкая и ба-рочная. Автор рекомендует блокфлейту немецкой системы, (обо-значение на корпусе блокфлейты cзади «G», а барочная – «В»). Блок-флейта обычно состоит из трех частей – мундштука, средней части и раструба. Шестое и седьмое отверстие от мундштука двойные, что позволяет играть ноты до-диез и ре-диез первой октавы.
Советы для начинающих
Не знаете, какой учебник выбрать? Для начала по-советуем вам хрестомаию «Блокфлейта» А.П. Жульева. Этот учебник имеет партию блокфлей-ты и клавир. Партия со-стоит из двух разделов: первый - это пьесы. Второй раздел - упражнения, этюды, гаммы, трезвучия, доминантсептак-корды, уменьшенные сеп-таккорды, аппликатура блокфлейты. Материал Хрестоматии основан на практической и методи-ческой работе автора с учащимися 1-3-х классов в течение более 25 лет. За это время материал Хрестоматии испытал себя на практике. Материал расположен с последовательным усложнением, которое содействует раз-витию музыкально-исполнительских навыков ученика, пробуждает интерес и любовь к музыке, способствует формированию его эстетического вкуса. Начальные пьесы построены на очень удобных в исполнении звуках: «си», «ля», «соль» первой октавы. Это дает возможность учащемуся быстро овладеть этими звуками, а потом посте-пенно остальными звука-ми диапазона блокфлей-ты. Все пьесы имеют ху-дожественный фортепи-анный аккомпанемент. В Хрестоматии так же использованы классические произведения: Адажио Т.Альбинони, «Хор поло-вецких девушек» из оперы А.Бородина «Князь Игорь», Песня Д.Перголези и др. Авторские упражнения и этюды написаны с учетом технических возможно-стей начинающего блок-флейтиста. Они небольшие по размеру, и в то же время носят художествен
ный характер. Материал Хрестоматии так же под-ходит для обучения на свирели, флейте, гобое, кларнете, саксофоне, трубе и др.

АВТОР: БОРИС ТУРЧИНСКИЙ
«Музыка для родных и любимых детей»
''Все, что нами делается, - делается для родных, любимых детей!''
Заслуженный деятель искусств Украины Михаил Некрич


Некрич Михаил Григорьевич. Композитор, педагог, аранжировщик, Заслуженный деятель искусств Украины. Родился в 1940 году в Житомире. С 1960 по 1968 гг. – руководитель эстрадных коллективов ровенской и кировоградской филармоний. В 1968 -1971годах руководитель житомирского "Биг-бэнда" и ансамбля "Юность" при житомирском городском Доме культуры, лауреата многих республиканских и всесоюзных конкурсов. 1971-1975 годы. Руководитель знаменитого эстрадного оркестра "Зеленый огонек", город Черкассы. С 1975 года художественный руководитель днепропетровской филармонии. В 1975 году основал и с тех пор является бессменным руководителем лауреата международных конкурсов образцового детского ансамбля «Мастерок» (г.Днепропетровск). У ансамбля сотни концертов в год, записи на радио и телевидении. Коллектив в разные годы записал пять пластинок на всесоюзной студии “Мелодия”, а также восемь компакт-дисков различной музыки – эстрадной, джазовой, фольклорной, в том числе диск-альбом «Святкови колядки» (Ганновер-1999г.)
Сегодня все реже нас радует детское искусство. Более того, возникают сомнения: живет ли оно вообще. Как оказалось, не только живет, но и развивается. Причем, не только в глубинке, где современный ритм спокойнее, но и в «сумасшедших» мегаполисах. Благо, есть люди, которые, невзирая на трудности, способствуют развитию юных талантов. Реалии нашего времени не влияют на тех, кто способен посвятить себя самому светлому, чистому и святому – Богу и детям. С одним из интереснейших людей заслуженным деятелем искусств Украины Михаилом Григорьевичем Некричем за месяц до 35-ого юбилея ансамбля «Мастерок» побеседовал БОРИС ТУРЧИНСКИЙ.


Итак, все началось с трубы?!

- Михаил Григорьевич, начнем наши воспоминания с далеких 60-х годов… Первые шаги в музыке...
- Свое знакомство с ми-ром музыки я начал в Житомирском Дворце пионеров и школьников в оркестре народных ин

струментов, где в 1951 году обучался игре на домбре. Долго я там не про-держался, уж и не помню, по какой причине, наверное, не полюбилась мне домра, на которую меня посадил руководитель оркестра М.И. Забавчик.
Долгой и интересной судьбой в мире духовых инструментов я обвязан замечательному человеку и педагогу, которому обязаны и многие мальчишки города. И те, кто продолжил музыкальную карьеру, и те, кто не пошел дальше. Это Семен Николаевич Москалев, красивый и умный человек, которому можно было подражать во всем. Интеллигент высшей пробы, всегда аккуратно одет, с чистой русской речью и очень теплым отношением к нам, ребятне.
Кажется, это было в сентябре 1952 года. Он пришел к нам в школу с трубой, за-шел в класс, и начал рас-сказывать о духовом оркестре. Говорил очень увлеченно и убедительно. Многие мальчишки сразу согласились пройти музыкальную проверку. Мне он дал попробовать трубу, и у меня сходу получилось из-влечь несколько звуков.
Некоторое время я выполнял самую ответственную работу, - носил на голове большой барабан, когда оркестр куда-нибудь отправлялся на игру. Потом я пробовал все инструменты от баса до трубы, на чём конкретно и остановился. Если бы не глубочайшая любовь и уважение к С. Н. Москалёву, я и здесь не за-держался бы. Он был удиви-тельный человек, пацаны его боготворили. Он резко отличался от многих руководителей, своим теплым отношением к нам, не говоря уже о том, какой он был музыкант. Умел играть и показать на всех инстру-ментах.
Не надо забывать, что это были не самые лучшие годы СССР. Еще ощущались последствия войны, мы не всегда были сыты и нормально одеты. Не покривлю душой, если скажу от имени всех его многочисленных воспитанников, и неважно, состоялась ли их музыкальная карьера, мы ему многим обязаны. Несмотря на то, что я много лет занимаюсь другими вещами, труба – моя любовь на всю жизнь…

«С тех пор я – трубач!»

- Как складывалась твоя творческая судьба да-лее?
- Затем я был воспитанником военного духового оркестра в Бердичеве. Многие музыканты моего поколения прошли школу «воспитонской» службы в военных оркестрах. У меня на памяти десятки имен, а вообще их, на-верное, сотни, тех, которые впоследствии стали известными музыканта-ми. Трубачи М.Табаков, С.Еремин, Т.Докшицер. Дирижеры Н.Рахлин, В.Агапкин, М.Финберг, В. Халилов и многие, мно-гие другие. Этот список можно долго продолжать.
Не избежал этой участи и я. Два года – с 1955 по1957-й в шинели, в сапо-гах. Играл в оркестре пар-тию 2-й трубы. Справлялся хорошо. Но в дальнейшем судьба дала новый пово-рот моему росту в музыке, это произошло после зна-комства с Борисом Векс-лером, прекрасным ак-кордеонистом – виртуо-зом.
Старшее поколение помнит гремевшее на весь мир трио Векслера. В репертуа-ре этого коллектива было все –от музыки барокко и до современного джаза. И все это было на самом высо-ком исполнительском уров-не.
И вот в мои 15 лет, состоя-лась историческая встреча с этим необыкновенным че-ловеком, который, по сути, и определил мое будущее, как музыканта, пригласив играть в оркестре неболь-шого кинотеатра имени Франко в Житомире.
Об этом человеке, му-зыканте-легенде, я хотел рассказать чуть подробнее. При первой встрече, он мне сказал: «Сыграйте мне, по-жалуйста, что-нибудь джазо-вое». И я сыграл «Неаполи-танскую песню» П.И.Чайковского. И только благодаря моему красивому звуку Векслер меня взял в оркестр кинотеатра Франко. Ну, а дальше он дал мне настоящую школу мужества. Научил быть аккуратным, ни-когда не опаздывать, зани-маться на инструменте, учиться импровизировать и так далее. Он по-настоящему открыл для меня мир музыки как классиче-ской, так и народной и эст-радной. И вот с 15 лет я стал зарабатывать деньги музы-кой.

Всю свою творче-скую жизнь я учусь. Сей-час, когда не имею воз-можности писать «на живые команды» - орке-стры, приходится сочи-нять и аранжировать на компьютере. С другой стороны, это даёт мне возможность анализи-ровать своё творчество. И, как правило, после некоторого времени, мне сделанное не нра-вится. Я опять переделы-ваю, даже, если это уже и не нужно. Но вернёмся к главной теме. В 1975 году я получил пригла-шение в Днепропетров-скую филармонию му-зыкальным руководите-лем. Там я проработал десять лет. Работая в филармонии, одновре-менно я создал детский ансамбль «Мастерок». Вместе с моими колле-гами Натальей Некрич и Георгием Некричем мы учили детей играть на музыкальных инструмен-тах, учили их сцениче-скому мастерству, во-калу. В 2011 году ан-самблю исполняется 35 лет. «Мастерок» много гастролирует. –
- Ансамблем «Масте-рок» записан в Ганнове-ре CD альбом «Святкови колядки». Расскажи об этом.
- Это было в 1999 году. Сами понимаете, что колядки – песнопения не только народные, но и часть церковного пения. Поэтому более десяти лет, мы тесно сотрудни-чаем с Центром Право-славной Культуры «Лест-вица» и Днепропетров-ской епархией Украин-ской православной церкви. Записали мы два компакта с рожде-ственскими колядками. Первый – в Ганновере, автором проекта являет-ся мой друг батюшка Игорь Собко, он же ру-ководитель Центра «Ле-ствица». А второй – на фирме грамзаписи « Алантик-сити» в Киеве.
- А многочисленные твои питомцы, где они, кто они сегодня, чем за-нимаются?
- По-разному сложились их судьбы. Кто-то посвя-тил жизнь искусству и музыке, а кто-то – просто добрый семьянин. Ма-рина Кулеба – журна-лист на телеканале НТВ в программе «Детали», Армен Костандян – со-лист украинского госу-дарственного оркестра «Радио-Бэнд» под управ-лением Александра Фокина. Творчески оформлял Виктора Шпортько, сегодня это профессор Националь-ного Университета куль-туры и искусств, народ-ный артист Украины. Орест Северин солист (флейтист) камерного оркестра «Эрмитаж» под управлением Сан-децкиса в Санкт - Пе-тербурге. Дима Болотов, гитарист, аранжиров-щик, работает в Москве со звёздами россий-ской эстрады и так да-лее. А я, слава Богу, ос-тался Мишей Некричем.
- Михаил, какими госу-дарственными награ-дами ты награжден?
- Страна именует меня «Заслуженный деятель искусств Украины», но этим деятелем хочется не только именоваться, но чувствовать реальную заботу, внимание и ува-жение. Я не против и достойной пенсии, не сомневаюсь, в этом поддержат меня многие другие заслуженные деятели и не только. Кстати, ансамблю при-своено звание «Лауреат международных конкур-сов детский образцовый ансамбль «Мастерок». По-моему, это звучит!
- Мы знаем, есть у тебя и церковные награды.
- В юбилей 30-летия «Мастерка» в 2005 году Блаженнейший Влади-мир, митрополит Киев-ский и всея Украины на-градил меня медалью святого равноапостоль-ного князя Владимира. Труды мои и ансамбля «Мастерок» отмечены правящим архиереем митрополитом Иринеем благословенными гра-мотами, а эта награда для меня очень дорога, потому что вручил ее Предстоятель Украин-ской Православной Церкви. И наградил он не только меня, но и всех детей, которые прошли школу творческих талан-тов на протяжении всех этих долгих 30 лет.
- Маэстро, за годы творчества ансамбль «Мастерок» радовал не только слушателей Кие-ва и Москвы, как часто с нашей культурой при-ходилось знакомить зрителя и за рубежом?
Меня зовут Михаил Гри-горьевич, и думаю, что пока именовать так меня будет скромнее и пра-вильнее. А что касается гастрольной деятельно-сти ансамбля «Масте-рок», то с 1975 года он пролегал приблизитель-но следующим мар-шрутом: Польша, Болга-рия, Румыния, Венгрия, Испания, Италия, Шве-ция, Германия, Китай Финляндия. Извиняюсь за нескромность, но мне придется доставать кар-ту мира. Эти маленькие ангелочки, которым от 4 до 14 лет, смогли пора-довать многих зрителей из разных стран и при-общить их к нашей куль-туре, познакомить с тра-дициями нашей страны. Мне вспоминаются ро-ждественские колядки, которые мы исполняли в Ганновере для немецких детей. Какие у них были лица и проникновенные глаза! Конечно, они не понимали всех слов, а мы пели на русском и украинском, но музыка язык интернациональный и они слились с нами в единых чувствах.
- Хватает ли времени заниматься собой и своей семьей?
- Я – в среднем возрасте, нельзя сказать, что в рас-цвете, но и не в увяда-нии. В декабре, мне ис-полнилось– 71. У меня – спортивная зависимость, так как люблю бег, за-рядку, езду на велосипе-де. С благоверной суп-ругой, сподвижницей по творчеству, педагогом-репетитором «Мастер-ка» Натальей Юрьевной Владимировой мы все-гда вместе, как дома, так и на
Богатство Украины
Наша справка
Ансамбль “Мастерок” начал свое существование в октябре 1975 года. Возраст его участников – от 7 до 13 лет. Основатель и художественный руково-дитель ансамбля – заслуженный дея-тель искусств Украины, композитор Михаил Некрич. Преподаватели-репетиторы – Наталья и Георгий Не-крич. Звукорежиссер – Борис Капце-лович.
Слушая “Мастерок”, не возникает мысли относительно некоего несо-вершенства, мол, это ведь совсем маленькие музыканты. Отнюдь. Эти де-ти – талантливые жемчужины украин-ской земли, в которых живет генетиче-ская предрасположенность к пению, музыкальному самовыражению, к то-му же воплощенному с большим во-одушевлением и ответственностью.
Концертная программа ансамбля – насыщенное музыкальное сопровож-дение, активные сценические дейст-вия, многоголосое пение. А если к этому прибавить разнообразные кос-тюмы и высококачественное звуковое оборудование, то вы понимаете, что юные музыканты “Мастерка” – это действительно богатство Украины.
работе. Знаете, каждый человек желает ласки и тепла, вот я ей за все это благодарен. Поэтому и творится хорошо, и жи-вется... И это не просто работа, а жизнь в твор-честве. Когда ты раду-ешься за тех детей, ко-торых тебе вверил Бог, всегда видя светлые улыбки, то хочется ска-зать, что эти почти 36 лет – как один день. Но в этом одном дне более 500 детей, которые были рядом со мной, а я всегда с ними. И, слава Богу, что они не забывают добрые тра-диции нашего ансамбля и, что особенно приятно, помнят меня и тех лю-дей, которые трудились для их радости и счастья.
Нас приглашали участвовать в культурной программе чемпионата мира 2006 года по футболу в Германии. Ян Табачник звал нас в гости в Киев на съемки передачи «Честь имею пригласить». Плодо-творным было творче-ское сотрудничество с Центром православной культуры «Лествица», так как они владеют огром-ным музыкальным архи-вом, а на сегодняшний день – это бесценное сокровище! Всегда при-лагаем все свои усилия, старания и умения. Все, что нами делается, – де-лается для родных, лю-бимых детей!



Фестиваль «Дети и Музыка». Хроника


Второго декабря в Мо-скве, в Царицынском музее-заповеднике прошло долгожданное открытие десятого, юбилейного фестиваля «Дети и музыка». Оно порадовало публику блестящими выступле-ниями детей с оркест-ром и приветственны-ми речами «главноко-мандующих» меро-приятия. А таковыми яв-ляются начальник управления культуры ЮАО г. Москвы Марина Реер, заслуженный ар-тист России Сергей Остапенко, директор оркестра «Садко» Сер-гей Давыдов, предсе-датель жюри феста, заслуженный артист профессор МХК им ПИ Чайковского А. Голы-шев и многие другие замечательные люди. Произнес речь и гене-ральный спонсор ме-роприятия Сергей Бы-линкин.
Минутой молчания поч-тили все собравшиеся память бывшего пред-седателя жюри фести-валя, народного арти-ста России Александ-ра Корнеева. Алек-сандр Васильевич все-гда прикладывал много усилий, чтобы фести-валь «Дети и Музыка» развивался.
Теперь жюри возглавля-ет заслуженный артист России, профессор МГК им. П.И. Чайковско-го Александр Голышев.
А что касается высту-пивших на открытии де-тей, то они не простые, а золотые. Это те ребя-та, которые победили на фестивале прошлых лет. К примеру, про-шлогодний призер - одинадцатилетний Иван Новиков - про-фессионально испол-нил на гобое «Скрецо» И. С. Баха. А еще были трубы, скрипки, сак-софоны…
Традиционно на кон-курсе представлено несколько номинаций: лучшие исполнения на струнных, духовых, на-родных инструментах, а также пианистов, во-калистов и ансамблей. Кроме того, как всегда в рамках конкурса в выставочном зале-музее «Замоскворечье» будут представлены работы юных художни-ков.
Особенностью фести-валя является предос-тавляемая победителям конкурсов возможность выступить с профес-сиональным оркест-ром. А это удается не всякому взрослому му-зыканту.



Итоги конкурсов будут подведены членами жюри ко Дню Защиты Детей, первого июня. Тогда же и состоится гала концерт с участием победителей, с вручением призов, грамот и именных стипендий.
А вот небольшой фотоотчет с первого и второго тура фестиваля.








ПАМЯТИ ВЕЛИКОГО ФЛЕЙТИСТА

Александр Васильевич Корнеев (1930 – 2010) – один из величайших флейтистов ХХ века. Не случайно в нашей стране и во всем мире его назы-вали «Золотой флейтой России».
А. Корнеев родился в Москве. Первым наставником будущего музыканта был В.А. Щербинин. В 1944г. Александр был зачислен в музыкальное учи-лище при Московской консерватории в класс известного педагога и компо-зитора В.Н. Цыбина, автора произведений для флейт.
В девятнадцатилетнем возрасте началось артистическое восхождение мо-лодого флейтиста. В 1949 году А. Корнеев становится лауреатом междуна-родных конкурсов Всемирных фестивалей молодежи и студентов в Буда-пеште и Берлине, победителем конкурса им. Антонина Рейха в Праге.
В 1949 г. одаренного молодого флейтиста приглашают работать в Большом симфоническом оркестре Всесоюзного радио. Впоследствии Корнеев про-работал там около 30 лет. Он выступал с крупнейшими российскими дири-жерами, а также с зарубежными мэтрами. Как солист-флейтист Корнеев много концертировал. Искусству блестящего виртуоза, артиста яркого и самобытного таланта, аплодировали в Венгрии, Германии, Чехии, Югосла-вии, и многих других странах мира .
Исполнительское искусство Корнеева не раз получало восторженные от-клики и оценки музыкальных критиков и рецензентов: «…Этого чародея, извлекающего из своей флейты звучания необыкновенной выразительности и красоты, интонирующего столь точно и органично, что кажется, иначе и «дышать» не может музыка, которую он в данный момент играет». В ре-цензиях часто отмечаются яркая индивидуальность, узнаваемая манера ис-полнения, «которую отличает тонкий музыкальный вкус, глубокая проник-новенность, виртуозное владение инструментом», «абсолютно корректная и стилистически точная интерпретация».
Концертный репертуар А. Корнеева был необычайно широк и разнообра-зен. Именно Корнеев был единственным в нашей стране флейтистом, ис-полнившим цикл Баховских сонат в один вечер. Но наряду с произведе-ниями классиков и романтиков, он включал в свои концертные программы и произведения современных отечественных композиторов. Без всякого преувеличения можно сказать, что благодаря такой яркой аристократиче-ской личности, каковым был, несомненно, Александр Васильевич, расши-рился и преумножился флейтовый репертуар. В разные годы ему писали и посвящали свои сочинения композиторы С. Василенко, Ю. Кейн, М. Вайн-берг, Ю. Левитин, К. Караев и многие другие.
Неуемная творческая энергия А. Корнеева проявлялась в его стремлении познакомить российских слушателей с флейтовыми новинками зарубежных композиторов. Об исполнении Концерта для флейты и струнного оркестра французского композитора А. Жоливе газета «Советская культура» писала: «Концерт был превосходно исполнен А. Корнеевым и ансамблем солистов под управлением автора. Исполнители раскрыли колористическую тон-кость, светлую направленность и оптимизм музыки А. Жоливе».
Артистический дар Корнеева проявился в дирижировании различными ан-самблями, с которыми он неоднократно и с неизменным успехом выступал у нас в стране и за рубежом, делал записи на радио, телевидении, фирмах звукозаписи. Именно он был первооткрывателем многих новых партитур отечественных композиторов: вспомним хотя бы «Камерную симфонию» Р. Габичвадзе, «Пушкинскую симфонию» В. Купревича, «Оркестровые ми-ниатюры» В. Дьяченко.
С 1995 года А. Корнеев – солист Московской государственной академиче-ской филармонии. Он выступает в ансамбле с замечательной пианисткой, дипломантом многих международный и всероссийских конкурсов Еленой Корнеевой. Все отмечали гармоничность, слаженность и стабильность это-го прекрасного дуэта.
Свой опыт, тайны мастерства А.В. Корнеев многие годы передавал бук-вально до самого последнего дня своей жизни студентам Московской кон-серватории, профессором которой он был. Учиться в классе А.В. Корнеева было престижно и гарантировало знак качества. Поэтому его студенты становились лауреатами многих всероссийских и международных конкур-сов.
А. Корнеев проводил мастер-классы в различных городах России и многих других странах. Он получил почетный сертификат Карнеги-холл «Лучший педагог». Но, несмотря на широкую известность и признание, выраженное в высоких наградах – Народный артист РФ, лауреат государственных пре-мий, орденоносец (Орден Почета «За заслуги перед Отечеством IV степе-ни) – Александр Васильевич был всегда скромным и уважительным по от-ношению к коллегам и людям, с которыми по жизни сталкивался. Он ис-кренне радовался, что музыкальной школе в гор. Щербинка было присвое-но его имя. Он хорошо понимал, в первую очередь, важность приобщения к музыке детей с раннего возраста.
В заключительном блоке этой статьи я хотел бы остановиться на запом-нившихся мне творческих встречах с Александром Васильевичем Корнее-вым. Истинной вершиной нашего творческого альянса можно считать ис-полнение и запись в конце 70-ых гг концертной симфонии для арфы и ор-кестра «Фрески св. Софии Киевской». Дирижерский дар А. Корнеева рас-крылся в полную силу. Многие музыканты считают трактовку этого сочи-нения с участием выдающейся арфистки Ольги Эрдели и ансамбля солистов оркестра Всесоюзного радио эталонной.
Когда Александру Васильевичу было уже за 75 лет, в Кафедральном като-лическом соборе непорочного зачатия состоялся один из последних соль-ных концертов флейтиста. Он просил меня прийти на ночную репетицию, поскольку играл мою «Песнь блаженной ночи» для флейты и органа – что-бы я послушал соотношение баланса инструментов. Внутри собора было так холодно, что исполнители играли в перчатках. Тогда мне подумалось: в возрасте Александра Васильевича духовики давно не играют… Что же им движет, что он преодолевает холод, неудобное репетиционное время и фи-зически выдерживает всю обширную программу? Ответ я получил на сле-дующий день: огромный собор до отказа был наполнен слушателями, свет был погашен, музыка лилась сверху…

Концерт прошел на едином дыхании, как прекрасный сон. Когда же Корне-ев спустился вниз, публика стоя восторженно приветствовала его. Это был настоящий триумф артиста, подарившего своим вдохновенным искусством радость и счастье слушателям.

ВСЛУШИВАЯСЬ В ЕГО МУЗЫКУ
Музыкальный журнал Израиль ХХ1
МАЙ 2011 ГОД. №27

Борис Турчинский


«Наиболее важными событиями своей творческой жизни я считаю премьеру «Холокост-Реквиема» в Киеве в 2001-м году (к 60-й годовщине трагедии Бабьего Яра) и исполнение этого же сочинения в Новой Зеландии в 2008-м году в программе концерта «70 лет событий «Хрустальной Ночи» (в память о событиях, с которых началась трагическая история Холокоста). Также для меня очень важна премьера «Песен моря» в Карнеги-Холле и исполнение симфонической картины «Ветер Йемена» такими замечательными духовыми оркестрами, как Tokyo Kosey Wind Orchestra (2004 год, международный фестиваль в Токио) и «La Armonica» (Буньоль, Валенсия, 2010 год, концерт «Mano a mano»).
Так вкратце ответил израильский композитор Борис Пиговат на мой вопрос о главном в его творческой биографии. Вообще же он так глубок и интересен, что одним коротким вопросом и одним коротким ответом не определить этого мастера и не постичь его творчество.
Справка
Борис Зеликович Пиговат — композитор, преподаватель, доктор Бар-Миланского университета (2002 г.), член Союза композиторов Израиля. Родился в Одессе, закончил теоретико-композиторское отделение Московского музыкального училища имени Гнесиных, затем Московский музыкально-педагогический институт имени Гнесиных по классу композиции у профессора Н.И.Пейко.
Так пишет о Борисе Пиговате Википедия и делает забавную, но довольно показательную ошибку. Потому что правильно не Бар-Миланского, а Бар-Иланского университета.
Не все в мире знают об израильском университете Бар-Илан, хоть он престижный и довольно известный, зато о Милане – городе-законодателе высокой моды и высокого искусства, «Париже на Апеннинах», знают все! Отсюда и эта ошибка по созвучию…
Этот небольшой казус заставил задуматься о звуках и созвучиях, ассоциациях, без которых в музыке не может быть ничего, – без воображаемых картин, которые рисует в сознании её звучание. У каждого слушателя ассоциации свои, и пояснять их не нужно. В этом вся волшебная притягательность музыки… В музыке ничего не надо объяснять!
… Ну, разве что иногда, и самую чуточку.
Однажды, под впечатлением потрясающей игры великого кларнетиста Гиоры Фейдмана Борис Пиговат написал сочинение «Цфат» – клезмерскую рапсодию для тромбона и духового оркестра; это сочинение было посвящено Фейдману. (Читателю стоит пояснить, что Цфат – это город на севере Израиля, где ежегодно проходит фестиваль клезмеров.) Позже была сделана версия для скрипки с оркестром, которая тоже очень понравилась Фейдману, и он захотел ее играть как со струнным оркестром, так и со струнным квартетом. Только он попросил пьесу переименовать – за пределами Израиля не знают, что такое Цфат, и поэтому ее лучше назвать в соответствии с характером музыки – «Еврейская свадьба». Так композитор и сделал.
- Борис, с чего все начиналось? Кто первым увидел в Вас будущего композитора, кто подсказал Вам этот путь? Интересно было бы узнать о Ваших первых учителях!
- После того, как меня не приняли в школу имени Столярского (я не повторил точно предложенные мне ритмические рисунки), я поступил в класс скрипки обычной одесской районной музшколы – ДМШ №4.
Но сказать «обычной» было бы неправильно, ибо во главе этой школы стоял совершенно необыкновенный человек – Владимир Данилович Стаховский, великий энтузиаст музыкального образования. При нем в школе был класс композиции, выпускники получали уроки хорового дирижирования (с возможностью продирижировать школьным хором), а сам он организовал особую группу по теории музыки и сольфеджио, куда мне посчастливилось попасть. Там мы получали знания и навыки, соответствующие объему первого курса теоретического отделения музыкального училища. Именно Стаховский убедил моих родителей дать мне возможность попробовать поступить на учебу в Гнесинское музыкальное училище в Москве.
- Ваши первые сочинения пришлись на годы обучения в музыкальном училище? Ведь надо сказать, что в Советском Союзе, в отличие от других стран, было то среднее звено музыкального образования, та кузница, которая давала довольно высокий профессиональный уровень, обеспечивала многие оркестры талантливыми музыкантами, а детские музыкальные школы - преподавателями. Что осталось у Вас в памяти об этих годах?
- В музыкальном училище я прошел прекрасную подготовку. Знания, полученные там, помогли мне в вузе, в Гнесинке, отдавать минимум времени подготовке к занятиям и экзаменам по музыкально-теоретическим дисциплинам и максимально сосредоточиться на композиции, инструментовке (в классе профессора Николая Ивановича Пейко) и полифонии (которая в классе профессора Генриха Ильича Литинского была, фактически, еще одним курсом композиции).
Дополнительным фактором моего музыкального образования в тот период была интенсивная концертная жизнь Москвы. Первые два года в училище я занимался по композиции у Олега Константиновича Эйгеса – прекрасного музыканта, композитора и пианиста (позднее он перестал преподавать). Из сочинений училищного периода сохранились два – это «Маленький Принц» и «Соната-Баллада», которые впоследствии были изданы.
Однако композитором меня сделали годы учебы в классе Н.И. Пейко. Я счастлив, что судьба даровала мне общение с этим необычайно строгим (иногда даже суровым) и принципиальным учителем. Даже сейчас, во время работы над сочинением, я стараюсь увидеть свою работу его глазами и убрать все лишнее или недостойное.
Если говорить о значительном творческом успехе в период учебы, то это моя кантата «Хатынь» для хора, фортепиано и ударных инструментов. Работа победила на Всесоюзном студенческом композиторском конкурсе. Тогда же произошло еще одно знаменательное для меня событие. Готовя исполнение кантаты силами студентов института, я обратился за содействием к ударникам – ученикам класса Владимира Павловича Штеймана. Так я стал в этом классе «своим человеком», сделал обработки для ансамбля ударных инструментов таких произведений как «Протяжная» К.Лядова и 4-я часть «Испанской Рапсодии» Н. Римского-Корсакова.
Для Володи Калабанова – одного из лучших учеников Штеймана в тот период – я написал пьесу для вибрафона соло, которую потом, как я узнал совершенно случайно, уже будучи в Израиле, использовали как обязательное произведение на одном из Всероссийских конкурсов. Если бы не эти контакты с классом Штеймана, партии ударных инструментов в моих партитурах выглядели бы по-другому.
Кажется, я был на третьем курсе, когда кафедры композиции и духовых инструментов решили, что студенты-композиторы должны написать небольшие сочинения для духовых инструментов. Я написал одну пьесу для трубы (класс Т.А. Докшицера) и еще одну – для тубы (класс В.Н. Досадина). Так началось мое вхождение в доселе малознакомый мне мир духовых инструментов.
Где эти пьесы сейчас, я не знаю. Тогда не было возможности скопировать, я отдал оригиналы исполнителям, а черновики не сохранил. Может быть, где-то эти ноты лежат – мне было бы интересно на них взглянуть сейчас. А на четвертом курсе я написал одночастный концерт-поэму для саксофона и струнных (плюс три тромбона и туба) и «набрался наглости» попросить исполнить это сочинение известную советскую саксофонистку Маргариту Шапошникову. И, что удивительно, – она согласилась! И прекрасно сыграла, правда, не с оркестром, а с фортепиано.
- На годы учебы в Москве пришёлся заметный творческий успех. Давайте поподробнее об этом. Сохранились ли у Вас творческие связи с российскими исполнителями, композиторами и дирижерами?
- У меня в Москве есть старинный друг, еще со студенческой скамьи – композитор Владимир Довгань, удивительной душевной чистоты человек и очень глубокий, серьезный и искренний композитор. Я очень люблю его музыку, в ней есть подлинность чувства и мысли, чего мне так часто не хватает в современной музыке.
Уже из Израиля я установил очень хорошие творческие контакты с музыкантами из Саратова – профессором класса трубы Саратовской Академии музыки, создателем и бессменным руководителем духового оркестра «Волга-Бэнд» дирижёром Анатолием Селяниным, дирижёрами Аркадием Шуром и Кириллом Ершовым, а также руководителем Brand Brass ансамбля Олегом Абрамовым. «Волга-Бэнд» - прекрасный музыкальный коллектив, обладающий высочайшим исполнительским уровнем. Этот оркестр исполнил почти всё, что мной написано для духового оркестра. А для ансамбля Brand Brass я сделал камерную версию моей оркестровой пьесы «Посвящение Шагалу», которую он играл как в России, так и за рубежом. Мои сочинения исполнялись также в Оренбурге.
Благодаря живущему в Израиле дирижеру Льву Арштейну у меня завязался творческий контакт с очень хорошим коллективом – симфоническим оркестром Белгородской филармонии. Они уже играли мою симфоническую поэму «Восхождение», и я надеюсь на дальнейшее плодотворное сотрудничество.
- Волею судьбы Вы оказались в Таджикистане, в Душанбе. Как Вы попали туда и чем знаменателен для Вас этот период жизни - прежде всего, естественно, творчески?
- Как я попал в Таджикистан? Очень просто. Будучи студентом, женился на однокурснице, жительнице Душанбе, и после окончания института им. Гнесиных мы распределились в Таджикистан.
В течение двенадцати лет я там преподавал, работал консультантом в Союзе композиторов, и даже какое-то время – вторым дирижером оркестра народных инструментов Таджикского телевидения и радио.
Что мне как композитору дал этот период жизни? Главное – умение воспринять и прочувствовать закономерности незнакомого для меня музыкального пласта (можно даже сказать, музыкального мира) с тем, чтобы потом преломить эти характерные черты сквозь призму моего собственного стиля. Я думаю, без этого приобретенного мной опыта не было бы таких моих произведений как «Ветер Йемена», «Изгнание», «Из 1001-й ночи» и некоторых других.
- В 1990 году Вы репатриировались в Израиль. Как сложилась Ваша судьба в первые годы? Как сегодня Вы себя чувствуете в этой стране?
- Первые два года я провел в кибуце Дафна рядом с ливанской границей. Удивительной красоты место! Там мы учили иврит, там я начал работать на обувной фабрике – отливал резиновые сапоги для конного спорта. Государство дало нам финансовую помощь для проживания, но необходимо было заработать на первый взнос для покупки квартиры. Работать приходилось с 4-х утра до 4-х дня. Вообще-то рабочий день – 8 часов, но сверхурочно платили больше.
После работы я немного отдыхал и приступал к сочинительству. Я не стеснялся того, что работаю не по специальности. И я, и все окружающие прекрасно понимали, что это временный этап в жизни и что я иду обычным путем репатрианта, прежде чем обрету свое место в новом для себя мире. Недаром в Израиле бытует выражение: «Любая работа приносит уважение выполняющему ее».
И действительно, через два года я уже начал работать как музыкант, - продолжает свой рассказ Борис Пиговат. - Министерство по делам репатриантов и Министерство культуры разработали специальную программу трудоустройства композиторов из бывшего СССР. Были созданы особые композиторские ставки при израильских детских музыкальных учебных заведениях – консерваториях (не путать с консерваториями в России! Тут, в Израиле, их называют «консерваторион»). Это была должность вроде «composer-in-residence» (в переводе с иврита – «домашний композитор»), и я начал работать таким «домушником» и дирижером струнного оркестра в консерваторионе в маленьком городке Кирьят-Бялик на севере Израиля, рядом с Хайфой.
Продолжаю там работать и сейчас. Этот оркестр – моя творческая лаборатория. Почти все мои сочинения для струнного оркестра были сначала исполнены этими детьми, и лишь потом – профессиональными оркестрами в Израиле и за его пределами.
Сейчас из всей музыки, написанной до приезда в Израиль, я оставляю в общем списке всего 6-7 произведений, которые по своему уровню могут приблизиться к «постсоветским» опусам. Объяснить это иначе, чем общим воздействием новой действительности, иной земли, иной атмосферы, я не могу, так как поначалу, переехав в Израиль, никакого музыкального влияния я не испытывал.
Первые два года, живя в кибуце Дафна, я был оторван от музыкальных центров и коллективов. Тем не менее, даже вещи этих лет уже значительно отличаются от всего, что я писал раньше: словно были сорваны какие-то запоры и высвободились ранее скованные силы.
И судьба у произведений, созданных в Израиле, тоже другая. Я недавно прикинул, что эти сочинения прозвучали более чем в 25 странах – в исполнении как израильских, так и местных музыкантов. У меня ощущение, что эта земля помогает тем, кто ее любит; она раскрепощает человека, выявляет и усиливает его скрытые потенции. Я благодарен Израилю ещё и за то, что именно здесь мною написано произведение, которое я считаю самым важным своим созданием – Реквием «Холокост» для альта и симфонического оркестра.

Аспирантуру я закончил в институте им. Гнесиных – заочно, у Н.И. Пейко в 1983-1986 годах. Завершал «Скорбной музыкой» для симфонического оркестра. А в Израиле я защитил докторскую диссертацию в Бар-Иланском университете, у профессора Андре Хайду. Композиция - оратория «Плач Иеремии». Теоретическое исследование - «Мелодические модели в «Страстях по Луке» К. Пендерецкого».
- Наш журнал во многом обращен к знатокам и любителям духовой музыки. Исходя из этого, хочется узнать, сколько произведений написано Вами для духовых инструментов?
Мною написано довольно много сочинений для духового оркестра, причём, все – после 1997 года. До этого периода мое отношение к этому составу было прохладным. Для меня это был оркестр, исполняющий марши, попурри, вальсы, фантазии на темы песен и тому подобное.
Все изменилось, когда я познакомился с одним замечательным человеком – дирижером оркестра консерватории израильского города Петах-Тиквы Михаилом Дельманом. Он открыл для меня совершенно новый и удивительный мир современного духового оркестра.
Я вдруг узнал, что есть замечательные профессиональные коллективы, играющие не только произведения, изначально написанные для этого состава, но уже давно практикующие исполнение блестяще сделанных переложений таких сочинений, как «Море» Дебюсси, 3-я симфония Малера, «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, «Ромео и Джульетта» и «Франческа да Римини» Чайковского. Эти партитуры сделаны так, что не ощущается недостатка от отсутствия струнной группы. Тем более что в ряде духовых оркестров, помимо давно узаконенных контрабасов, уже существует и группа виолончелей. Подобные оркестры уже называются по-другому – Symphonic Wind Band, Symphonic Band, Wind Symphony.

Я начал фактически заново учиться оркестровать для духового оркестра, а точнее - стал по-другому мыслить для этого состава. Здесь есть огромный потенциал для композитора, тем более что такие оркестры испытывают острую потребность в качественных оригинальных симфонических, подчеркиваю - симфонических по духу, материалу и уровню развития - сочинениях.
Изначально свои произведения я писал для духового оркестра консерватории Петах-Тиквы, где я уже более 10 лет работаю как composer-in-residence. Это молодой, но прекрасный коллектив, с высоким исполнительским уровнем подготовки, и сочинять для него – подлинное удовольствие. Иногда кажется, что эти ребята не знают слова «невозможно». Произведения, которые я писал для них, затем хорошо оценивались профессиональными дирижерами, например, Деннисом Джонсоном, до недавнего времени – председателем WASBE, Всемирного объединения духовых оркестров и ансамблей. Они оценивались по существующей шестибалльной шкале как соответствующие уровням 5, 5+ и 6. Для детей это был «этгар» - «вызов», они его принимали и справлялись! А уже потом эти произведения исполнялись профессиональными и университетскими, что близко по уровню, оркестрами Америки, Европы и даже Японии (Tokyo Kosei Wind Orchestra на фестивале ACL в Токио в 2003 году).
Сейчас я тоже стал членом WASBE, контактирую со многими дирижерами и оркестрами. Что же касается детского оркестра из Петах-Тиквы, с которого все началось, то я по-прежнему продолжаю с ним работать, вижу в нём серьёзного партнёра, оркестр осуществляет почти все мои премьеры (за исключением поэмы «Песнь моря», которую я написал по заказу Денниса Джонсона для его концерта в Карнеги-холле, и недавно исполненной им же «Идиллии»). Их исполнение нельзя назвать «детским», а можно только «молодым» - столько души, эмоционального огня и просто старания они в это вкладывают! Оркестром записано четыре диска, на которых звучат и мои сочинения.
Справка
Оркестр консерватории Петах-Тиквы является лауреатом многих престижных конкурсов и фестивалей духовой музыки, постоянно занимает первые места на конкурсах в Израиле, среди его достижений - первые места в Керкаде (Нидерланды), Цюрихе и Интерлакене (Швейцария), второе место в Валенсии (Испания). Оркестр побывал с концертами в США (Чикаго), в Норвегии, Австрии.
Среди выпускников оркестра консерватории - М. Тимошин и А. Вайнер (флейта), солисты оркестра армии обороны Израиля, лауреаты Всеизраильского конкурса молодых исполнителей, С. Бергер (валторна) — музыкант ансамбля современной музыки во Франкфурте, Ш. Брил (кларнет) — выпускница Академии музыки в Любеке (Германия), победительница на женевском конкурсе в 2007 году, Б. Керцман (труба) — музыкант Штаатсопер (Германия), М.Меерович - солистка-кларнетистка симфонического оркестра гор. Бэер-Шева.
Об уровне оркестра консерватории говорит и его репертуар. Взять хотя бы произведения, исполняемые коллективом в этом году: М.П.Мусоргский, увертюра «Ночь на лысой горе»; И.С.Бах «Чакона» из 2-й партиты ре-минор (аранжировка М.Дельмана); Г.Малер 5 симфония (1 ч.), также в аранжировке М.Дельмана и другие произведения. Большую поддержку коллектив оркестра получает от дирекции консерватории в лице Э.Алона и мэра города Петах-Тиква И.Охайона.

Борис Пиговат сыграл заметную роль в истории знаменитого саратовского «Брандт Брасс ансамбля», написав произведение для его репертуара. Сегодня это один из популярнейших коллективов своего жанра в России. «Брандт Брасс ансамбль» уверенно и многозначительно зарекомендовал себя на международных конкурсах и фестивалях. Это единственный музыкальный коллектив России, который работает в жанре брасс-десятки. Специально для участия саратовских коллег в «Брасс Фестивале» в Германии Борис Пиговат сделал камерную версию «Еврейской рапсодии» (посвящение Марку Шагалу), мировая премьера которой состоялась на заключительном концерте фестиваля. Саратовские музыканты сразу признали, что музыка Пиговата очень яркая и эмоциональная, пропитанная экзотическими израильскими мелодиями.
«Мы и сейчас работаем над созданием новых совместных произведений и надеемся уже в новом сезоне порадовать слушателей премьерами произведений Бориса Пиговата, - рассказали корреспонденту коллеги израильского композитора в Саратове, - Сначала мы познакомились с его музыкой. На еврейском концерте оркестра «Волга-Бэнд» исполнялось очень много произведений Пиговата. Нас поразила глубина этой музыки! И в то же время, мы поняли, что на его произведениях мы можем показать технические, звуковые возможности своего ансамбля. Характерно, что мы ни разу не виделись с этим композитором лично. Но интенсивно общаемся по электронной почте и по телефону. Он постоянно интересуется, что у нас нового, а мы стараемся показывать его произведение «Посвящение Марку Шагалу», написанное для нас, практически везде. Пиговат очень востребован не только в Израиле. Мы обсуждаем рождение новых произведений, не хотелось бы размениваться на какие-то миниатюрки, хочется таких глобальных вещей, как дарит нам этот композитор!»
- Вы неоднократно в своем творчестве обращаетесь к теме Холокоста. Что она для Вас? Почему так трогательно близка Вам эта тема? От себя лично скажу, что, слушая «Бабий Яр», я был потрясен и покорен красотой музыки, глубиной ее психологического содержания. Воздействие на слушателя огромно, это заставляет нас, не знавших ужасов Холокоста, содрогнуться и замереть в памятном молчании.
- Я так отвечу на этот вопрос. Трагическая тема — вечная тема в искусстве и мощная подпитка творчества композиторов, музыкантов, художников…
Из газет:
В Национальной филармонии Украины прошел вечер посольств Израиля и Германии, посвященный трагедии Бабьего Яра. На вечере был исполнен Реквием «Холокост», который написал израильский композитор Борис Пиговат.
- Наше посольство решило сделать несколько проектов в области культуры, связанных с этой печальной датой, — рассказала посол государства Израиль в России Анна Азари. - Параллельно и не зависимо от нас немецкое посольство тоже собиралось провести концерт в эти дни. Мы объединили творческие усилия, и получилась международная акция. Национальный симфонический оркестр Украины и дирижер Роман Кофман — из Украины, солист-альтист Райнер Мог — из Германии, Реквием «Холокост» написал израильский композитор Борис Пиговат, а симфония «Желтые звезды» — детище знаменитого российского композитора Исаака Шварца.
Борис Пиговат не скрывал своего волнения оттого, что мировая премьера его произведения состоялась именно в Киеве. Он рассказал о том, что, когда писал «Реквием», то пережил огромную внутреннюю боль, которая выплеснулась в музыке. Работа растянулась на полтора года и шла очень мучительно. К этому примешивались и личные переживания композитора: ведь в Бабьем Яре – могила его близких родственников, убитых нацистами 29 сентября 1941 года.
Свое сочинение он построил по традиционной структуре католической поминальной мессы и в характере особой Поминальной молитвы («Изкор») памяти 6 000 000 погибших в Холокосте, которая, по еврейской традиции, читается четыре раза в год. Поэтому Реквием «Холокост», безусловно, относится и к общеевропейской, и к еврейской религиозной традиции.

Из газет:
Реквиему «Холокост» мы предрекаем большое сценическое будущее! Сочинение Бориса Пиговата сложное, но без вычурности, и в то же время простое, но без примитива, сердечное, искреннее — высокого класса!
Как и со своими новыми друзьями – саратовскими музыкантами, с маэстро Романом Кофманом Борис Пиговат познакомился вначале заочно, по телефону. Затем Борис приехал в Киев и присутствовал на всех репетициях Симфонического оркестра филармонии Украины. Композитор из Израиля высоко оценил мастерство своих коллег – украинских музыкантов. «Очень важно, что они приняли мою музыку и тепло отнеслись к ней. Это чувствуется по их трепетному исполнению «Реквиема», — сказал композитор.

Из газет:
Посол Федеративной Республики Германии господин Дитмар Штюдеманн подчеркнул: «Наш вечер показал, что мы хорошо понимаем друг друга и подобными акциями создаем прочный культурный мост, объединяющий народы разных стран. Ведь музыка безгранична, она понятна каждому и обладает огромной эмоциональной силой».

В зале присутствовали представители многих государств. После концерта зрители подходили к дирижеру Роману Кофману и композитору Борису Пиговату со своей благодарностью, и чаще всего на разных языках звучали слова «великолепно, замечательно!», «Это удивительная музыка, спасибо, что вы познакомили нас с ней!»
- Расскажите о Вашей творческий дружбе со всемирно известным кларнетистом Гиорой Фейдманом — лучшим исполнителем клезмерской музыки.
- Эта история началась около десяти лет назад, тогда я познакомился с величайшим кларнетистом Гиорой Фейдманом: он подарил мне свой компакт-диск, и на этом пока наше общение закончилось. Во всяком случае, когда мы встретились спустя семь лет, он об этом не помнил. А для меня слушание его диска стало откровением. Под впечатлением от его потрясающей игры я написал сочинение «Цфат» – клеймерскую рапсодию для тромбона и духового оркестра. (Об этом уже говорилось выше, как и о городе Цфате, где ежегодно проходит фестиваль клезмеров.)
Я выбрал тромбон по простой причине – в консерваторионе Петах-Тиквы был в это время очень хороший тромбонист - Дотан Дор. Впоследствии я сделал еще одну версию – для скрипки и струнного оркестра. Гиора Фейдман ничего об этом произведении не знал, в течение семи лет мы с ним никак не пересекались. И вот, когда мы встретились года три назад, я дал ему послушать версию для скрипки с оркестром. Она ему очень понравилась, и он захотел ее играть.
Кроме просьбы переименовать пьесу в соответствии с характером музыки, последовало ещё одно пожелание. На такие вещи композиторы обычно соглашаются неохотно – вместо написанной мной медленной вступительной части Фейдман хотел играть собственную импровизацию. И теперь это сочинение существует в двух вариантах – основном и «версии для Гиоры». Именно так написано в партитуре и партиях – чтобы не перепутать!

* * *
Читая ответы Бориса на мои вопросы, я поразился одной мысли.
Сколько знаменитых в будущем музыкантов, да и вообще - профессионалов в других областях жизни - тоже не поступали с первого раза в выбранные ими учебные заведения - а потом становились знаменитостями на своем поприще!
Вспоминается, как Петр Соломонович Столярский, в чью школу в свое время не поступил Борис Пиговат, отыскивал юные таланты. Уверен: поступи Борис в его школу - был бы Столярский в судьбе Бориса одной из самых знаковых фигур! И творческая судьба Пиговата, возможно, была бы в чем-то другой, может быть, еще более успешной.
Столярский был необыкновенный педагог. Он брал детей на «музыкальное воспитание». Он неизменно приговаривал: «Хорошему материалу нужен хороший портной». Жаль, не случилось этому портному «кроить» такой блестящий, хоть и грубоватый поначалу, материал, каковым был маленький Боря Пиговат…
* * *
- Вы являетесь лауреатом многих престижных международных и израильских премий и наград. Расскажите, пожалуйста, о своих наградах.
- Многих наград – это очень громко сказано. Еще живя в СССР, я послал свое сочинение для квартета тромбонов на конкурс в Венгрию, где получил почетный диплом. Фактически это было третье место, так как первую премию никто не получил. А уже в Израиле я дважды получал премию ACUM (это аналог американского ESCAP) и премию Премьер-министра Израиля. Пока это все мои престижные награды.
Справка
Сочинения Бориса Пиговата: оратория «Eichah» («Плач Иеремии») для чтеца, сопрано, хора и симфонического оркестра (2001); Симфония № 1 «Мемориал» для симфонического оркестра (1987); Симфония № 2 для струнного оркестра (1989/90); «Musica Dolorosa» для камерного оркестра (1987); «Иерусалим» – фантазия для симфонического оркестра (1993); «Tachanun» («Мольба») для симфонического оркестра (1996); поэмы для симфонического духового оркестра «Массада» (1997), «Dies Irae» (2001), «На горе Синай» (2004); «Четыре сказки» для симфонического духового оркестра (2005); «Нигун» для струнного оркестра (1996); «Токката» для струнного оркестра (1997), Соната для фортепиано (1988); «На реках Вавилона» – для смешанного хора а капелла (1991); «Молитва» для скрипки (или альта) и фортепиано (1994); «Шуламит» для флейты, фагота и арфы (1996); «Блуждающие звезды» для арфы (1999) и др.
Много разной музыки написано композитором Борисом Пиговатом! Но он выделяет из всего многообразия своих сочинений лишь некоторые - как самые любимые. Почему? На этот вопрос убедительно даже он не всегда может ответить словами. Чтобы это понять - просто вслушайтесь в его музыку!

Борис Турчинский
ПО КРАСНОЙ ПЛОЩАДИ С ОРКЕСТРОМ!

Чем отличается оркестр Армии обороны Израиля от десятков и сотен аналогичных оркестров других армий мира? Главным образом тем, что это один из немногих в мире музыкальных военных коллективов – если не единственный, - где все оркестранты – солдаты срочной службы.

Как-то в Тель-Авиве побывал в гостях оркестр Болгарской армии. Исполняя свои национальные марши, стройно шагая, прошлись колонной по залу и поднялись на сцену солидные мужчины в яркой форме.
Солидные мужчины. Вот именно! На знаменитом московском Международном фестивале военных духовых оркестров «Спасская башня» (2009г.) можно было легко заметить: практически, все военные оркестры – из России, Германии, Италии, Франции и других стран состоят из музыкантов лет от тридцати до пятидесяти.
В военных оркестрах служат сверхсрочники - а вернее, даже не служат, а работают по контракту. Далеко за примерами ходить не надо - взять хотя бы структуру российских военных оркестров. В ведущих военных коллективах Российской Федерации – таких, как оркестр Министерства Обороны, - каждый исполнитель, хорошо подготовленный и тщательно отобранный, может быть солистом любого симфонического или оперного оркестра. Но эти музыканты служат в военном оркестре продолжительное время, иногда до 25 лет. Это их работа, и за нее они получают зарплату.
А ЧТО У НАС?

Наши мальчики и девочки приходят в армию по призыву военкоматов на свои положенные 2-3 года.
В Москве, на фестивале, это всех немало удивило. Везде и всех удивляет, что израильский военный оркестр на сто процентов состоит из срочников. Каждый год в оркестре происходит ротация, чуть ли не половину оркестра приходится менять. Каждый год, а то и полгода, главному дирижеру приходится многое начинать с начала. В этом уникальность оркестра: он всегда в обновленном виде, в нем нет ничего застоявшегося и закостенелого.
Быстро пролетают годы срочной службы, и затем, как в песне поется: «Уносить свои гитары им придется все равно».
Эти оркестранты умеют играть абсолютно все – от маршей до рока. Они - разноплановые молодые солдаты-виртуозы. Сколько же талантов тут проходит каждые полгода-год! О чем это говорит? - Военный оркестр Израиля, единственный военный оркестр в стране, он же – Правительственный церемониальный, - вместилище и кузница необыкновенных талантов!

… мне доверена песня – оружье мое

А кстати, где хранятся инструменты музыкантов оркестра Армии обороны
Израиля? - Там же, где и оружие любого израильского солдата: не в пирамиде, не в арсенале, не на складе – а при себе. С инструментами солдаты приезжают на службу, с инструментами уезжают… «…Как солдату ружье, мне доверена песня – оружье мое…»
Вообще, если быть совсем уж точным, то святая святых оркестра – это кабинет главного дирижера. Здесь зарождается все то, с чем оркестр выходит на церемонии государственного уровня, с чем он вышел на главную площадь России, будучи приглашенным на Всемирный военный музыкальный фестиваль.
Простая скромная комната, со старомодной крашеной, раздражающе примитивной железной дверью. Израильская жара здесь оборачивается другой крайностью – неуютно дует от кондиционера. О своей деятельности в этой комнате подполковник Яаран говорит так же просто: «Прихожу утром на работу, как все. Как все, отмечаю электронной карточкой свой приход… И жду в этих стенах окончания рабочего дня».
Он лукавит, шутит. Вы видели в московских новостях сюжет, показанный потом по всем телеканалам, – о том, с каким успехом выступил оркестр Армии обороны Израиля в программе фестиваля "Спасская башня-2009"? Этот успех, распространившийся по всей самой большой, самой заметной и действительно «красной» площади России, а с нее – по телеканалам на весь мир, начинался здесь, в этой тесноватой комнатке.
Он, этот всемирный успех, рождался и ковался именно здесь, во дворе, на крошечном плацу, условно ставшем на время «Красной площадью». Здесь будущий успех был задуман, в деталях просчитан, до мелочей расписан и до совершенства отрепетирован именно этим шутливо говорящим о работе человеком. Человеком государственного, а вернее - межгосударственного уровня в рамках его "обычного", как он говорит, рабочего дня - с восьми до пяти.


БЕССАРАБИЯ—ОДЕССА—ИЗРАИЛЬ
По рождению и природной сущности своей, как сам о себе говорит Михаэл, он - простой местечковый еврей из Бессарабии, игравший военные марши во время срочной службы в Одессе. Но наберите в YouTube «Оркестр Армии обороны Израиля» (например, вот: http://www.youtube.com/watch?v=X0ChWsmC-nQ&NR=1) -
и вы увидите, как Михаэл в прямом смысле слова четко «построил» и расчертил российскую Красную площадь.
В этой простой комнате, где рождаются идеи дирижера, хранятся бесценные вещи. Многочисленные музыкальные диски, в том числе – гимны всех стран: ведь оркестр государственный, церемониальный. Хороший музыкальный центр с великолепным звуком, чтобы их прослушивать.
Все здесь держится на его инициативах, идеях и воплощениях. На любой из вопросов: кто вам, ребята, это поставил? кто задумал? кто это с вами отрепетировал? кто занимается с вами – не только музыкальной, но и строевой подготовкой? – молодые солдаты непременно и с удивлением ответят: «Ну, как кто? Конечно, он, главный дирижер, подполковник Яаран!»

ТА САМАЯ ШАРВИТАНИТ.


Обычно в оркестре 60 человек. И мальчиков, и девочек примерно поровну.
Как происходит отбор? Очень просто. Каждый из претендентов служить не без опаски заходит в кабинет главного дирижера, и убеждает его, что достоин быть членом коллектива. Вот и все. Убеждает не словами, конечно, а силой своего музыкального таланта, т.е. безупречным владением музыкальным инструментом.
Слушают ребят многие. Но решающее слово за главным дирижером. И потом все, что мы увидим в сюжетах теленовостей об официальных встречах глав государств и правительств, на парадах и концертах, все, что понравится и не понравится – за все это спасибо - ему. И спрос, впрочем, тоже с него.
По внешнему виду, за красивые глаза, тут не отбирают.
Хотя так получилось, что на «Спасской башне» в Москве строй возглавляла девочка-шарнитонит, (так называется на иврите тамбурмажор) такая красивая, что все телеоператоры все время старались заснять ее поближе! К слову, это Ширли Фрумкин, и она уже закончила службу…
.
Если исполнительница будет прекрасно выглядеть, но плохо играть, то « А вы, друзья, как ни садитесь, всё в музыканты не годитесь»! Обратите внимание, если будете смотреть выступление оркестра в YouTube: музыканты очень разного роста, есть одна девочка просто крошечная - но как она играет! И оркестр построен на плацу так, что разница в росте почти незаметна. Да и не на это, скорее всего, обращает внимание слушатель - он увлечен музыкой.
Главное тут качество кадров. И кому оркестр обязан качеством? В основном и главным образом только ему, своему наставнику.



- Всем запомнилось, когда Ваши ребята приседали и поднимались с тубами во время исполнения «Хава нагила» на Красной площади…


Подполковник Яаран улыбается. Заметили его идею…
У них на плацу, дома, в раструбе старой тубы, посажены цветы. Мне как-то рассказывал один ракетчик, что цветы у них в дивизионе сажали в отработавшие свое, похожие на горшки сопла двигателей стратегических ракет. Неистребима тяга человека к красоте, он старается поселить ее в любой железке. Мечи перековываются не только на орала, но и на банальные цветочные вазы. Соорудить вместилище красоты можно, оказывается, и из реактивного двигателя ракеты, и из военной трубы, что когда-то была призвана звать в поход.
- Сейчас у меня есть хорошая девочка-тубистка. А в прошлом году не было тубиста среди призывников. Дефицитная специальность.
Вот как интересно получается. Этот человек – главный дирижер – абсолютно все здесь решает, но и он в полной зависимости от того, кто к нему приходит проэкзаменоваться. А если не придет нужный исполнитель?..
Помогает тесный контакт с дирижерами детских оркестров. В Израиле очень развита детская духовая музыка, в основном эти оркестры базируются при муниципальных консерваториях (консерватории в Израильской системе музыкального образования - это обучение детей музыке в возрасте от 8 до 18 лет, в зависимости от выбранного инструмента). Исполнительский уровень этих коллективов довольно высокий. Взять, к примеру, оркестр из консерватории Петах-Тиква (дирижер Михаил Дельман): оркестр лауреат многих престижных международных фестивалей и конкурсов, им записано 4 диска. Или оркестры Кфар-Сабы (дирижер Офер Эйн-Абар), оркестр из Натании (дирижер Моти Мирон) и другие. Все они - хорошие знакомые Михаэля Яарана, и это - потенциал. Иной раз позвонит кто-то из таких коллег: «Ты знаешь, у меня есть для тебя в этом году хороший баритонист». Или: «Придет к тебе на прослушивание из нашего оркестра трубач». Однако все равно эти ребята приходят в оркестр не просто так – сами по себе или по чьей-то рекомендации. Прежде их призывают на воинскую службу.
Надо еще заметить, что оркестр часто устраивает совместные выступления с различными юношескими и детскими оркестрами страны. Это дает юным оркестрантам дополнительный импульс к занятиям на инструменте. Все хотят быть похожими на военных музыкантов, все хотят в будущем играть в этом коллективе.
Репертуар концертных выступлений оркестра разнообразен и обширен, тут и серьезные произведения, и песни израильских композиторов.
В составе оркестра есть инструментальная группа и вокалисты: ведь оркестр дает много концертов для воинов израильской армии, а эта аудитория хочет слушать современные песни. Недавно оркестром записан диск. Среди записанных произведений – фрагмены из "Вестсайдской истории" Л.Бернстайна, марш «Акумта» («десантные береты») израильского композитора Б.Пиговата, концерт для кларнета с оркестром А.Шоу (солист О.Толедано), марш «Парад победителей» челябинского композитора В.Ошерова, «Американец в Париже» Д.Гершвина, Вальс к драме «Маскарад» А.Хачатуряна… Всего 19 произведений.
Отбирает своих музыкантов М.Яарон очень придирчиво. Он их воспитывает. С ними он выходит потом на Красную площадь, на 50-ю Авеню в Нью-Йорке или к ковровой дорожке у трапа правительственного самолета в аэропорту Бен-Гурион. И уровень должен быть соответствующий!

Школа русская – школа прусская

Русская школа военной строевой выучки – это, по сути, прусская школа. У израильских солдат в строю руки прямые, а это школа английская. Израильские ребята ходят примерно так, как гвардейцы ее королевского величества в моменты смены дворцового караула в Лондоне.
В России и в большинстве постсоветских армий, наоборот, присутствует отмашка согнутой руки, а ноги прямые. Тело - вперед. Строевой ритм – 120 шагов в минуту. В израильской армии – 108. Намного спокойнее. Едва ли не «в темпе вальса» дефилирует израильский строй.
В отличие от других армий мира, в израильской армии нет большого акцента на строевую подготовку. Тут главное - боевая учеба, военная техника: танки, корабли и самолеты, пограничники, борьба с террором. А «ямин-смоль» (левой, правой, ать-два!) – на втором месте, и поэтому, чтобы пройти по Красной площади, пришлось серьезно готовиться. «Кровавый» был месяц август. Кровь, «выпитая из дирижера и солдат», и слезы девочек-солдаток. Во всем мире «солдатка» - это жена солдата, и только в израильской армии, как известно, это сам солдат.
Строевая подготовка у церемониального оркестра, конечно, есть и без того. Но для Москвы готовились специально и готовили специальную программу. Смотрелись наши ребята очень красиво.
На вопрос, кто готовил их, кто командовал, любой в оркестре вновь только усмехнется: ну, кто? Конечно, он! Главный дирижер, подполковник Яаран.
33 года он в израильской армии.
Помнит ли он что-то из опыта армии советской? Помнит. Но того знания тут почти не применить, тут все совсем по-другому.



Фестиваль «Спасская башня» 2009
В этой главе, продолжающей повествование о том, как здорово шли наши ребята-военные оркестранты по Красной площади, по московским улицам, как играли в московских садах и парках, собирая множество благодарных слушателей, не будет избитого заголовка вроде «По главной улице с оркестром» или «В городском саду играет…». Потому что речь о музыке, а музыка не терпит банальности. Она всегда исподволь дарит новые идеи, новые открытия. Музыка – всегда нова!
На фестивале «Спасская башня» россияне узнали и открыли для себя Оркестр армии обороны Израиля и принимали этих ребят и девушек не просто как замечательных музыкантов, но и как посланцев маленькой страны, армия которой стоит на переднем крае борьбы с терроризмом.
В Москве, тоже познавшей, что такое взрывы, отношение к Израилю и его военным сегодня не такое, каким было еще год или два назад. «Шалом вам, наши дорогие израильские друзья!» - объявил диктор. И это было сказано с большим и искренним чувством.
А что ж Москва для этих молодых израильских ребят?
Москва… Ну, Москва и Москва. Честно говоря, не так уж много в этом «звуке для сердца израильского слилось» и, прямо скажем, почти ничего в нем не отозвалось. Возможно, самую малость. Мало ли мостовых в мире, по которым эти ребята чеканили шаг. Так же точно шли они по Нью-Йорку, даже еще более бравурно, потому что их неистово приветствовала тамошняя еврейская община, а в одном лишь этом городе евреев проживает больше, чем во всем Израиле.
Что для этих ребят Москва?.. А для него, для их командира?..
Дело в том, что Михаэл Яаран в свое время был советским солдатом и носил на фуражке такую же красную звезду, как и на Спасской башне Кремля, именем которой назван фестиваль. Для всех нас, кого в Израиле называют русскими, Москва и ее Красная площадь - это было, есть и будет нечто особенное. Кстати, службу Михаил проходил в самом лучшем, на то время, оркестре Одесского военного округа. Коллективом руководил талантливый армейский дирижер Леонид Салик, заслуженный артист Украины, ныне пенсионер. Мог ли он предположить тогда, в 1960-е, что когда-нибудь выведет свой еврейский оркестр «пред стены» Кремля! Об этом он говорит с большой гордостью.
Для него, в отличие от многих его ребят-израильтян, та поездка в Москву была совершенно необыкновенной. Почему? А разве непонятно без всяких объяснений? Как он сам выражается, для него это было даже завершением некоего жизненного цикла. Триумфальным завершением.


Не надувая щек

Подполковник Яаран получил в Кремле медаль. Показывает он ее с большой гордостью, но говорит о награде спокойно. С ним лично захотел побеседовать сам премьер министр РФ В.В. Путин. Яаран был единственным иностранным руководителем оркестра, говорившим по-русски. Дирижер рассказывает об этом просто и по-деловому, не хвастаясь. Так сказать, не надувая щек. Как говорят в Одессе, где он служил, «Вы будете смеяться с нашей истории, но если вы «хочете» правды», - это она: духовики никогда не надувают щек.
Иногда встретишь в рассказах о музыкантах духовых оркестров такую интересную, дилетантскую фразу, мол, оркестранты играют, старательно надувая щеки. Так вот, как раз надувать щеки исполнителю на духовых музыкальных инструментах не положено!


"До первой звезды нельзя!"

Каждый вечер в дни фестиваля на Красной площади собиралось до 20 тысяч гостей, и каждый вечер звучали овации.
Здесь был один момент, в котором нас запутало московское телевидение. Он так и остался непонятным, и хорошо, что нам его прояснил подполковник Яаран.
Была суббота. Ожидая выход оркестра Армии обороны Израиля на Красную площадь, московский корреспондент сказал, что по иудейскому религиозному закону игра на музыкальных инструментах в субботу запрещена, и площадь с волнением ждала – выйдут или не выйдут израильтяне… «И когда они все же вышли…», - прозвучала пафосная фраза корреспондента…
Как будто одолжение Москве сделали. Как будто нарушили законы веры отцов.
У меня лично после просмотра того сюжета по телевидению остался большой-большой вопрос. Если знали, что придется выступать в субботу, то зачем приехали? А если все же нарушили субботу, к чему тогда были волнения – выходить-не выходить?
Главный дирижер все прояснил.
Субботу никто нарушать не собирался и не нарушил. Оркестр войска еврейского государства и в этом был на высоте. Соблюдение Святой субботы в израильской армии – это приказ. Поэтому в вечер исхода субботы оркестранты, построившись у выхода на площадь, терпеливо ждали, когда зажгутся первые звезды - тогда закончится суббота.
Фестиваль проходил целую неделю, и каждый день оркестр выходил на площадь. Но в субботу все было по-другому. Дирижер все объяснил одному из руководителей праздника, Главному военному дирижеру Вооруженных Сил РФ генерал-майору Валерию Халилову. Тот понял и согласился.
Исторический выход на площадь произошел в «моцей шабат», то есть, на исходе субботы. Точно в тот момент, когда стало можно.
- Мы нашу очередь пропустили дважды. Ждали появления первой звезды, счет времени шел буквально на секунды.
Только-только закатилось солнце, проявились на сумеречном небе первые звезды, и они вышли четким шагом на площадь.
Вообще-то, за границей подобные мероприятия – фестивали, конкурсы, концерты, как правило, проходят в субботу и воскресенье. Поэтому израильтянам, отправляясь на них представлять свою страну, надо всегда как-то уметь славировать, чтобы и участие принять вровень со всем миром, и не потерять при этом свое национальное лицо. У оркестра армии обороны Израиля в Москве это получилось блестяще!

Дирижер, молодой со спины

«…давая всем пример,
На плац всегда подтянутый выходит офицер.
Оркестр и он стоят лицом к лицу,
И музыка военная играет на плацу».
(Ф.ЛАУБЕ)


«Михаэл, знаете ли Вы такую советскую песню о военном дирижере? Застали?»
Нет, такой песни он не слышал, не застал он эту песню… Застал песню «зачем вы, девочки, красивых любите?», но помнит только последние слова: «одни страдания от той любви»… Это, говорит он, о том, какая «сладкая каторга» - профессиональная музыка, а еще о том, как статны и красивы военные музыканты и как они нравятся девушкам. Тему эту в нашем разговоре мы тоже затронули.
Одна интересная дама сказала мне с восторгом: «Обожаю музыкантов! Особенно военных!» Да, военный музыкант хорош!
Говорят, человек стареет со спины. А у военного дирижера все наоборот. Тот, кто к царю смеет спиной стоять, должен всегда держать эту самую спину прямо и выглядеть молодцом.
Вот дирижер Яаран – вроде бы не самый атлетически сложенный в Израиле человек и лет ему уже не 20. Но посмотрите, как он хорош в строю со своими ребятами; когда он командует оркестром, стоя к нам спиной, его дирижерской работой можно просто залюбоваться,.
А груз лет на спину все равно давит… И подполковник Яаран, столько отдавший армии, в принципе, уже сейчас давно мог бы сидеть дома. Дома – не только после работы, отбившись своей магнитной карточкой в пять вечера, но и вообще дома, пользуясь всеми пенсионными благами. Но эта служба – его любимая профессия. Как без нее? «Это наше удовольствие!» - так он сам говорит. Рядом с этими ребятами и он молодеет. А это большой плюс! В крови всегда адреналин.
Вот, как интересно: обычный человек, говорят, стареет со спины, а военный дирижер, наоборот, со спины молодеет.



Каждый раз, как впервые

- Михаэл, Вы сказали, что Ваша служба – это Ваша любимая работа, это удовольствие для Вас и Ваших ребят. А не надоедает ли зачастую играть одно и то же? Можно ли сказать, что каждый день у Вас, как первый раз? Проведем параллель с театрами. В любом оперном театре мира все время идут обязательные «Аида» и «Кармен», или в оперетте «Веселая вдова» и «Сильва». Кстати, в Праге есть оперный театр, где уже на протяжении 40 лет идет «Дон Жуан В.А.Моцарта. Но проходит поколение за поколением, а публика все время идет на них.

- Нет, не надоедает нам играть любимую музыку. Так же как и вечному зрителю и слушателю в опере. Есть рутина, это да. Но она есть в любой профессии. Возможно, наша рутина – рутина музыкантов, она более приятная. Я своим ребятам говорю: вот какая наша профессия-служба особенная! Мы выезжаем на церемонию. На ней по протоколу играется все то же самое, что играем мы обычно. Для нас это рутина. Но люди, которые приходят на нее – они зачастую другие! Для них это, может быть, в первый раз, а потому памятно. Как на обручении. Оркестр что играет? «Свадебный марш» Ф.Мендельсона! В десятый, двадцатый, сотый раз. Но для молодой пары это может быть раз в жизни. Это рутина, да. Но и ее надо делать отлично и уникально, как будто это впервые. Две тысячи человек, которые приходят на торжество, будь то присяга сыновей возле Стены Плача или какой-то государственный праздник, они, бывает, видят это раз в жизни, и мы обязаны стараться. Бывает, иногда рутина затягивает и побеждает, и тогда я злюсь..


Музыка учит доброте

- А вообще, Вы какой человек? Сердиться умеете? Вы человек военный и должны быть строгим.

Я – нет, не умею сердиться (отвечает на этот вопрос сразу, не думая). - Я вообще считаю, и не знаю, плюс ли это в характере человека, нельзя заниматься музыкой, работать в искусстве и быть злым. Музыка – это материя такая… чувственная, нежная. Она рождается только в добром сердце, и только доброе сердце способно ее по-настоящему понять. Хотя и пробудить душу к раскаянию – тоже задача музыки. Я не могу из музыканта что-то хорошее вытянуть из-под палки, окриком, принуждая его, заставляя. Правда, военный барабан как раз для этого – он призван способствовать палочной дисциплине, ритмичная музыка в армии - для муштры.


- И не только для муштры. Труба и барабан (у римлян и у греков – рог) зовут в атаку! Вот в чем парадокс военной музыки, наполненной и грозными чертами, и лирикой. Военный музыкант – солдат, но он человек, со своей душой, и в глубине этой души он против войны, как и любой солдат. Ведь кто самый мирный человек? Солдат! Его сердце тянется к красивым нотам.
Михаэл, как бы Вы расшифровали нам, что такое военные духовой оркестр? Для чего армии нужен оркестр?

- Как-то позвонил мне один товарищ из специального учебного заведения, где учатся все наши высокие начальники. Попросил сделать музыкальный вечер. И мы сделали им вечер военного марша, где средствами музыки и в виде своеобразной лекции рассказали историю марша. Подготовили очень интересную программу на час. Военный марш, как особая музыка, зовущая солдата в поход и в бой. Вся его история. Люди сидели как прикованные, так им было интересно. Вот в ней, в этой программе, и был полный ответ на ваш вопрос.

- Музыка вообще, как таковая, непостижимым образом задевает струны души. Разные струны – лирические, романтические, ностальгические. Их много, этих таких разных струн. В мужчине, наверное, от природы заложено восприятие боевого ритма, отклик на него. Чем, на Ваш взгляд, военная музыка отличается от любой другой?

-Военная музыка отличается от любой другой музыки прежде всего тем, что это так называемая «пляц-мьюзик», полевая музыка. Все указания военного дирижера должны отдаваться четко, как и приказы солдатам. Сама музыка призвана внести четкость в армию, и приказы музыкантам отдаются тоже четко. Ритм военного марша – это ритм наступательный. Не для бегства же с поля боя под музыку существует военный марш, под музыку не отступают, а наступают. …


Зико Грациани—легенда израильской культуры

Главный дирижер оркестра Армии обороны Израиля подполковник Михаэл Яаран – ученик и преемник выдающегося Зико Грациани, прежнего главного дирижера израильской армии, композитора и прекрасного аранжировщика. 20 лет он был его заместителем.
Грациани – необыкновенная, даже легендарная личность. Сын болгарского еврейского лавочника, с душой, устремленной не к полкам с бакалейными товарами, а к музыке. В 1952 году начинает служить в ансамбле ЦАХАЛа (Армия обороны Израиля). Пробует себя как аранжировщик. В то время не было оркестровок национальной музыки, и Зико становится одним из первых аранжировщиков для духового оркестра, перекладывая популярные израильские песни. С 1962 года Грациани был назначен художественным руководителем и главным дирижером оркестра Армии обороны Израиля, и на этом посту он пробыл до самой своей смерти в 2003 году, имея воинское звание полковник. Зико Грациани дирижировал оркестром на церемониях государственной важности. Одним из наиболее значительных событий в жизни самого дирижера и его коллектива был приезд в Израиль президента Египта Анвара Садата. Тогда казалось всем, что вот-вот наступит мир на Ближнем Востоке……
. То же и Яаран «Я у Грациани научился всему». Наверное, и устремленности вверх, к высшим идеалам, тоже.
Золотая дирижерская палочка Грациани бережно хранится в оркестре.


Когда говорят музы

Нашумевший, так понравившийся всем фестиваль военных оркестров в Хайфе, посвящённый 60 –летию государства Израиль. Это его идея, дирижера Яарана, и организовать такое зрелище было очень непросто. Приехали военные оркестры десяти стран-участниц. Логистика была очень сложная.
Выстроились в виде Звезды Давида музыканты всех стран, приехавшие сюда. Из Москвы прибыл государственный военный оркестр во главе с самим начальником и художественным руководителем центрального военного оркестра Министерства обороны РФ полковником А. Колотушкиным. Это второй после генерала В. Халилова в музыкальной военной иерархии России человек.
Хотелось, чтобы это прошло в Тель-Авиве, в центре страны. Но руководство выбрало северную столицу, город Хайфу, а руководству всегда видней. Это армия, с командирами не спорят.
Стадион был полон! Зрелище незабываемое. Каждый оркестр показывал небольшое представление. Военные решили добавить к своей музыке элементы милитари-шоу. Словом, когда говорят военные музы, да и вообще музы, всем другим видам вооружений лучше бы помолчать.
На этой ноте… На этой мирной ноте хотелось бы и закончить наш рассказ об оркестре Армии обороны Израиля и его главном дирижере подполковнике Михаэле Яаране.

Б.Турчинский
Вслушиваясь в его музыку
«Наиболее важными событиями своей творческой жизни я считаю премьеру «Холокост-Реквиема» в Киеве в 2001-м году (к 60-й годовщине трагедии Бабьего Яра) и исполнение этого же сочинения в Новой Зеландии в 2008-м году в программе концерта «70 лет событий «Хрустальной Ночи» (в память о событиях, с которых началась трагическая история Холокоста). Также для меня очень важна премьера «Песен моря» в Карнеги-Холле и исполнение симфонической картины «Ветер Йемена» такими замечательными духовыми оркестрами, как Tokyo Kosey Wind Orchestra (2004 год, международный фестиваль в Токио) и «La Armonica» Буньоль, Валенсия (2010 год, концерт «Mano a mano»).
Так вкратце ответил израильский композитор на мой вопрос о главном в его творческой биографии.
Вообще же, он так глубок и интересен, композитор Пиговат, что одним коротким вопросом и одним коротким ответом не определить этого мастера и не постичь его творчество... Поэтому вопросов ему было задано много.
Созвучие
«Борис Зеликович Пиговат — композитор, преподаватель, доктор Бар-Миланского университета (2002 г.), член Союза композиторов Израиля. Родился в Одессе, закончил теоретико-композиторское отделение Московского музыкального училища имени Гнесиных, затем Московский музыкально-педагогический институт имени Гнесиных по классу композиции у профессора Н.И.Пейко».
Так пишет о Борисе Пиговате Википедия и делает забавную, но довольно показательную ошибку. Потому что правильно не «Бар-Миланского», а Бар-Иланского университета.
Не все в мире знают об израильском университете «Бар-Илан», хоть он престижный и довольно известный, зато о Милане – городе-законодателе высокой моды и высокого искусства, «Париже на Апеннинах», знают все! Отсюда и эта ошибка по созвучию…

Этот небольшой казус заставил задуматься о звуках и созвучиях, ассоциациях, без которых в музыке не может быть ничего, – без воображаемых картин, которые рисует в сознании её звучание. У каждого слушателя ассоциации свои, и пояснять их не нужно. В этом вся волшебная притягательность музыки… В музыке ничего не надо объяснять!
… Ну, разве что иногда, и самую чуточку.
Однажды, под впечатлением потрясающей игры великого кларнетиста Гиоры Фейдмана Борис Пиговат написал сочинение «Цфат» – клейзмерскую рапсодию для тромбона и духового оркестра. Российскому читателю стоит пояснить, что Цфат – это город на севере Израиля, где ежегодно проходит фестиваль клейзмеров, и это сочинение было посвящено Гиоре Фейдману.
Позже была сделана версия для скрипки с оркестром, которая очень понравилась Фейдману, и он захотел ее играть (как со струнным оркестром, так и со струнным квартетом). Только он попросил пьесу переименовать – за пределами Израиля не знают, что такое Цфат, и поэтому ее лучше назвать в соответствии с характером музыки – «Еврейская свадьба». Так Пиговат и сделал.
Характер музыки… Да, у музыки есть свой непокорный характер. Об этом и заставила лишний раз задуматься казусная ошибка в Википедии.

Итак, он жил тогда в Одессе…

- Борис, с чего все начиналось? Кто первым увидел в Вас будущего композитора, кто подсказал Вам этот путь? Интересно было бы узнать о Ваших первых учителях!
- После того, как меня не приняли в школу имени Столярского (я не повторил точно предложенные мне ритмические рисунки), я поступил в класс скрипки обычной одесской районной музшколы – ДМШ №4.
Но сказать «обычной» было бы неправильно, ибо во главе этой школы стоял совершенно необыкновенный человек – Владимир Данилович Стаховский, великий энтузиаст музыкального образования. При нем в школе был класс композиции, выпускники получали уроки хорового дирижирования (с возможностью продирижировать школьным хором), а сам он организовал особую группу по теории музыки и сольфеджио, куда мне посчастливилось попасть. Там мы получали знания и навыки, соответствующие объему первого курса теоретического отделения
музыкального училища.
Именно Стаховский убедил моих родителей дать мне возможность попробовать поступить на учебу в Гнесинское музыкальное училище в Москве.
Первые сочинения

- Борис, Ваши первые сочинения пришлись на годы обучения в музыкальном училище? Ведь надо сказать, что в Советском Союзе, в отличие от других стран, было то среднее звено музыкального образования, та кузница, которая давала довольно высокий профессиональный уровень, обеспечивала многие оркестры талантливыми музыкантами, а детские музыкальные школы - преподавателями. Что осталось у Вас в памяти об этих годах?
- В музыкальном училище я прошел прекрасную подготовку. Знания, полученные там, помогли мне в вузе, в Гнесинке, отдавать минимум времени подготовке к занятиям и экзаменам по музыкально-теоретическим дисциплинам и максимально сосредоточиться на композиции, инструментовке (в классе профессора Николая Ивановича Пейко и полифонии (которая в классе профессора Генриха Ильича Литинского была, фактически, еще одним курсом композиции).
Дополнительным фактором моего музыкального образования в тот период была интенсивная концертная жизнь Москвы. Первые два года в училище я занимался по композиции у Олега Константиновича Эйгеса – прекрасного музыканта, композитора и пианиста (позднее он перестал преподавать). Из сочинений училищного периода сохранились два – это «Маленький Принц» и «Соната-Баллада», которые впоследствии были изданы.
Однако композитором меня сделали годы учебы в классе Н.И. Пейко.
Я счастлив, что судьба даровала мне общение с этим необычайно строгим (иногда даже суровым) и принципиальным учителем. Даже сейчас, во время работы над сочинением, я стараюсь увидеть свою работу его глазами и убрать все лишнее или недостойное.
Если говорить о значительном творческом успехе в период учебы, то это моя
кантата «Хатынь» для хора, фортепиано и ударных инструментов. Работа победила на Всесоюзном студенческом композиторском конкурсе. Тогда же произошло еще одно знаменательное для меня событие. Готовя исполнение кантаты силами студентов института, я обратился за содействием к ударникам – ученикам класса Владимира Павловича Штеймана. Так я стал в этом классе «своим человеком», сделал обработки для ансамбля ударных инструментов таких произведений как «Протяжная» К.Лядова и 4-я часть «Испанской Рапсодии» Н.Римского-Корсакова.
Для Володи Калабанова – одного из лучших учеников Штеймана в тот период – я написал пьесу для вибрафона соло, которую потом, как я узнал совершенно случайно уже будучи в Израиле, использовали как обязательное произведение на одном из Всероссийских конкурсов.
Если бы не эти контакты с классом Штеймана, партии ударных инструментов в моих партитурах выглядели бы по-другому.
Мир духовых инструментов, доселе непознанный,
или Забытые ноты…
Кажется, я был на третьем курсе, когда кафедры композиции и духовых инструментов решили, что студенты-композиторы должны написать небольшие сочинения для духовых инструментов. Я написал одну пьесу для трубы (класс Т.А. Докшицера) и еще одну – для тубы (класс В.Н. Досадина). Так началось мое вхождение в доселе малознакомый мне мир духовых инструментов.
Где эти пьесы сейчас, я не знаю. Тогда не было возможности скопировать, я отдал оригиналы исполнителям, а черновики не сохранил. Может быть, где-то эти ноты лежат – мне было бы интересно на них взглянуть сейчас.
А на четвертом курсе я написал одночастный концерт-поэму для саксофона и струнных (плюс три тромбона и туба) и «набрался наглости» попросить исполнить это сочинение известную советскую саксофонистку Маргариту Шапошникову. И, что удивительно, – она согласилась! И прекрасно сыграла, правда, не с оркестром, а с фортепиано.


Творческие контакты – старые и новые…
- На годы учебы в Москве пришёлся заметный творческий успех. Давайте поподробнее об этом. Сохранились ли у Вас творческие связи с российскими исполнителями, композиторами и дирижерами?
- У меня в Москве есть старинный друг, еще со студенческой скамьи – композитор Владимир Довгань, удивительной душевной чистоты человек и очень глубокий, серьезный и искренний композитор. Я очень люблю его музыку, в ней есть подлинность чувства и мысли, чего мне так часто не хватает в современной музыке.
Уже из Израиля я установил очень хорошие творческие контакты с музыкантами из Саратова – профессором класса трубы Саратовской Академии музыки, создателем и бессменным руководителем духового оркестра «Волга-Бэнд» дирижёром Анатолием Селяниным, дирижёрами Аркадием Шуром и Кириллом Ершовым, а также руководителем Brand Brass ансамбля Олегом Абрамовым. «Волга-Бэнд» - прекрасный музыкальный коллектив, обладающий высочайшим исполнительским уровнем. Этот оркестр исполнил почти всё, что мной написано для духового оркестра. А для ансамбля Brand Brass я сделал камерную версию моей оркестровой пьесы «Посвящение Шагалу», которую он играл как в России, так и за рубежом.
Мои сочинения исполнялись также в Оренбурге.
Благодаря живущему в Израиле дирижеру Льву Арштейну у меня завязался творческий контакт с очень хорошим коллективом – симфоническим оркестром Белгородской филармонии. Они уже играли мою симфоническую поэму «Восхождение», и я надеюсь на дальнейшее плодотворное сотрудничество.
По семейным обстоятельствам
- Волею судьбы Вы оказались в Таджикистане, в Душанбе. Как Вы попали туда и чем знаменателен для Вас этот период жизни - прежде всего, естественно, творчески?
- Как я попал в Таджикистан? Очень просто. Будучи студентом, женился на однокурснице, жительнице Душанбе, и после окончания института им. Гнесиных мы распределились в Таджикистан.
В течение двенадцати лет я там преподавал, работал консультантом в Союзе композиторов, и даже какое-то время – вторым дирижером оркестра народных инструментов Таджикского телевидения и радио.
Что мне как композитору дал этот период жизни? Главное – умение воспринять и прочувствовать закономерности незнакомого для меня музыкального пласта (можно даже сказать, музыкального мира) с тем, чтобы потом преломить эти характерные черты сквозь призму моего собственного стиля. Я думаю, без этого приобретенного мной опыта не было бы таких моих произведений как «Ветер Йемена», «Изгнание», «Из 1001-й ночи» и некоторых других.
Резиновые сапоги для конного спорта
- В 90 году Вы репатриировались в Израиль. Как сложилась Ваша судьба в первые годы? Как сегодня Вы себя чувствуете в этой стране?
Первые два года я провел в кибуце Дафна рядом с ливанской границей. Кстати, удивительной красоты место! Там мы учили иврит, там я начал работать на обувной фабрике – отливал резиновые сапоги для конного спорта. Государство дало нам финансовую помощь для проживания, но необходимо было заработать на первый взнос для покупки квартиры. Работать приходилось с 4-х утра до 4-х дня. Вообще-то рабочий день – 8 часов, но сверхурочно платили больше.
После работы я немного отдыхал и приступал к сочинительству. Я не стеснялся того, что работаю не по специальности. И я, и все окружающие прекрасно понимали, что это временный этап в жизни и что я иду обычным путем репатрианта, прежде чем обрету свое место в новом для себя мире. Недаром в Израиле бытует выражение: «Любая работа приносит уважение выполняющему ее».

«Эта земля помогает тем, кто ее любит»
- И действительно, через два года я уже начал работать как музыкант, - продолжает свой рассказ Борис Пиговат. - Министерство по делам репатриантов и Министерство культуры разработали специальную программу трудоустройства композиторов из бывшего СССР. Были созданы особые композиторские ставки при израильских детских музыкальных учебных заведениях – консерваториях (не путать с консерваториями в России! Тут, в Израиле, их называют «консерваторион»). Это была должность вроде «composer-in-residence» (в переводе с иврита – «домашний композитор»), и я начал работать таким «домушником» (да простят мне это слово) и дирижером струнного оркестра в консерваторионе в маленьком городке Кирьят-Бялик на севере Израиля, рядом с Хайфой.
Продолжаю там работать и сейчас. Этот оркестр – моя творческая лаборатория. Почти все мои сочинения для струнного оркестра были сначала исполнены этими детьми, и лишь потом – профессиональными оркестрами в Израиле и за его пределами.
Сейчас из всей музыки, написанной до приезда в Израиль, я оставляю в общем списке всего 6-7 произведений, которые по своему уровню могут приблизиться к «постсоветским» опусам. Объяснить это иначе, чем общим воздействием новой действительности, иной земли, иной атмосферы, я не могу, так как поначалу, переехав в Израиль, никакого музыкального влияния я не испытывал.
Первые два года, живя в кибуце Дафна, я был оторван от музыкальных центров и коллективов. Тем не менее, даже вещи этих лет уже значительно отличаются от всего, что я писал раньше: словно были сорваны какие-то запоры и высвободились ранее скованные силы.
И судьба у произведений, созданных в Израиле, тоже другая. Я недавно прикинул, что эти сочинения прозвучали более чем в 25 странах – в исполнении как израильских, так и местных музыкантов. У меня ощущение, что эта земля помогает тем, кто ее любит; она раскрепощает человека, выявляет и усиливает его скрытые потенции. Я благодарен Израилю ещё и за то, что именно здесь мною написано произведение, которое я считаю самым важным своим созданием – Реквием «Холокост» для струнного альта и симфонического оркестра.
В Израиле я защитил докторскую дисертацию в Бар-Иланском университете, у профессора Андре Хайду. Композиция - оратория «Плач Иеремии». Теоретическое исследование - «Мелодические модели» в «Страстях по Луке» К.Пендерецкого.
Аспирантуру закончил в институте им.Гнесиных – заочно, у Н.И. Пейко в 1983-1986 годах. Завершал «Скорбной музыкой» для симфонического оркестра

Молодое исполнение
- Наш журнал «Оркестр» во многом обращен к знатокам и любителям духовой музыки. Исходя из этого, хочется узнать, сколько произведений написано Вами для духовых инструментов?
Мною написано довольно много сочинений для духового оркестра, причём, все – после 1997 года. До этого периода мое отношение к этому составу было прохладным. Для меня это был оркестр, исполняющий марши, попурри, вальсы, фантазии на темы песен и тому подобное.
Все изменилось, когда я познакомился с одним замечательным человеком – дирижером оркестра консерватории израильского города Петах-Тиквы Михаилом Дельманом. Он открыл для меня совершенно новый и удивительный мир современного духового оркестра.
Я вдруг узнал, что есть замечательные профессиональные коллективы, играющие не только произведения, изначально написанные для этого состава, но уже давно практикующие исполнение блестяще сделанных переложений таких сочинений, как «Море» Дебюсси, 3-я симфония Малера, «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, «Ромео и Джульетта» и «Франческа да Римини» Чайковского. Эти партитуры сделаны так, что не ощущается недостатка от отсутствия струнной группы. Тем более что в ряде духовых оркестров, помимо давно узаконенных контрабасов, уже существует и группа виолончелей. Подобные оркестры уже называются по-другому – Symphonic Wind Band, Symphonic Band, Wind Symphony. Я начал фактически заново учиться оркестровать для духового оркестра, а точнее - стал по-другому мыслить для этого состава.
Здесь есть огромный потенциал для композитора, тем более что такие оркестры испытывают острую потребность в качественных оригинальных симфонических, подчеркиваю - симфонических по духу, материалу и уровню развития - сочинениях.
Изначально свои произведения я писал для духового оркестра консерватории Петах-Тиквы, где я уже более 10 лет работаю как composer-in-residence.
. Это молодой, но прекрасный коллектив, с высоким исполнительским уровнем подготовки, и сочинять для него – подлинное удовольствие.
Иногда, кажется, что эти ребята не знают слова «невозможно». Произведения, которые я писал для них, затем оценивались профессиональными дирижерами, например, Деннисом Джонсоном, до недавнего времени – председателем WASBE, Всемирного объединения духовых оркестров и ансамблей. Они оценивались по существующей шестибалльной шкале как соответствующие уровням 5, 5 с плюсом и 6.
Для детей это был «этгар» - «вызов», они его принимали и справлялись! А уже потом эти произведения исполнялись профессиональными и университетскими, что близко по уровню, оркестрами Америки, Европы и даже Японии (Tokyo Kosei Wind Orchestra на фестивале ACL в Токио в 2003 году).
Сейчас я тоже стал членом WASBE, контактирую со многими дирижерами и оркестрами.
Что же касается детского оркестра из Петах-Тиквы, с которого все началось, то я по-прежнему продолжаю с ним работать, вижу в нём серьёзного партнёра, оркестр осуществляет почти все мои премьеры (за исключением поэмы «Песнь моря», которую я написал по заказу Денниса Джонсона для его концерта в Карнеги-холле, и недавно исполненной им же «Идиллии»). Их исполнение нельзя назвать «детским», а можно только «молодым» - столько души, эмоционального огня и просто старания они в это вкладывают! Оркестром записано четыре диска, на которых звучат и мои сочинения.
Справка
Оркестр консерватории Петах-Тиквы является лауреатом многих престижных конкурсов и фестивалей духовой музыки, постоянно занимает первые места на конкурсах в Израиле, среди его достижений - первые места в Керкаде (Нидерланды), Цюрихе и Интерлакене (Швейцария), второе место в Валенсии (Испания). Оркестр побывал с концертами в США (Чикаго) в Норвегии, Австрии
. А среди выпускников консерватории - такие замечательные исполнители, как М. Тимошин и А. Вайнер (флейта), солисты оркестра армии обороны Израиля, лауреаты Всеизраильского конкурса молодых исполнителей, С. Бергер (валторна) — музыкант ансамбля современной музыки во Франкфурте, Ш. Брил (кларнет) — выпускница Академии музыки в Любеке (Германия), победительница на женевском конкурсе в 2007 году, Б. Керцман (труба) — музыкант Штаатс Опер (Германия), М.Меерович - солистка-кларнетистка симфонического оркестра гор. Бэер-Шева.
Об уровне оркестра консерватории говорит и его репертуар. Взять хотя бы произведения, исполняемые коллективом в этом году: М.П.Мусоргский увертюра «Ночь на лысой горе», И.С.Бах «Чакона» из 2-й партиты ре-минор (аранжировка М.Дельмана), Г.Малер 5 симфония (1 ч.), также в талантливой аранжировке М.Дельмана, и другие произведения…
Большую поддержку коллектив оркестра получает от дирекции консерватории в лице Э.Алона и мэра города Петах-Тиква И.Охайона.

Музыкантам Саратова

Борис Пиговат сыграл заметную роль в истории знаменитого саратовского «Брандт Брасс ансамбля», написав произведение для его репертуара. Сегодня это один из популярнейших коллективов своего жанра в России. «Брандт Брасс ансамбль» уверенно и многозначительно зарекомендовал себя на международных конкурсах и фестивалях. Это единственный музыкальный коллектив России, который работает в жанре брасс-десятки.
Специально для участия саратовских коллег в «Брасс Фестивале» в Германии Борис Пиговат сделал камерную версию «Еврейской Рапсодии» (посвящение Марку Шагалу), мировая премьера которой состоялась на заключительном концерте фестиваля.
Саратовские музыканты сразу признали, что музыка Пиговата очень яркая и эмоциональная, пропитанная экзотическими израильскими мелодиями.
«Мы и сейчас работаем над созданием новых совместных произведений и надеемся уже в новом сезоне порадовать слушателей премьерами произведений Бориса Пиговата, - рассказали корреспонденту коллеги израильского композитора в Саратове, - Сначала мы познакомились с его музыкой. На еврейском концерте оркестра «Волга-Бэнд» исполнялось очень много произведений Пиговата. Нас поразила глубина этой музыки! И в то же время, мы поняли, что на его произведениях мы можем показать технические, звуковые возможности своего ансамбля. Характерно, что мы ни разу не виделись с этим композитором лично. Но интенсивно общаемся по электронной почте и по телефону. Он постоянно интересуется, что у нас нового, а мы стараемся показывать его произведение «Посвящение М.Шагалу», написанное для нас, практически везде. Пиговат очень востребован не только в Израиле. Мы обсуждаем рождение новых произведений, не хотелось бы размениваться на какие-то миниатюрки, хочется таких глобальных вещей, как дарит нам этот композитор!»

Израиль, Германия, музыка
- Вы неоднократно в своем творчестве обращаетесь к теме Холокоста. Что она для Вас? Почему трогательно близка Вам эта тема? От себя лично скажу, что, слушая «Бабий Яр», я был потрясен и покорен красотой музыки, глубиной ее психологического содержания. Воздействие на слушателя огромно, это заставляет нас, не знавших ужасов Холокоста, содрогнуться и замереть в памятном молчании.
- Я так отвечу на этот вопрос. Трагическая тема — вечная тема в искусстве и мощная подпитка творчества композиторов, музыкантов, художников…
Из газет:
«В Национальной филармонии Украины прошел вечер посольств Израиля и Германии, посвященный трагедии Бабьего Яра. На вечере был исполнен Реквием «Холокост», который написал израильский композитор Борис Пиговат»
- Наше посольство решило сделать несколько проектов в области культуры, связанных с этой печальной датой, — рассказала посол государства Израиль в России Анна Азари. - Параллельно и не зависимо от нас немецкое посольство тоже собиралось провести концерт в эти дни. Мы объединили творческие усилия, и получилась международная акция. Национальный симфонический оркестр Украины и дирижер Роман Кофман — из Украины, солист-альтист Райнер Мог — из Германии, Реквием «Холокост» написал израильский композитор Борис Пиговат, а симфония «Желтые звезды» — детище знаменитого российского композитора Исаака Шварца.
Борис Пиговат не скрывал своего волнения оттого, что мировая премьера его произведения состоялась именно в Киеве. Он рассказал о том, что, когда писал «Реквием», то пережил огромную внутреннюю боль, которая выплеснулась в музыке. Работа растянулась на полтора года и шла очень мучительно. К этому примешивались и личные переживания композитора: ведь в Бабьем Яре – могила его близких родственников, убитых нацистами 29 сентября 1941 года.
Свое сочинение он построил по традиционной структуре католической поминальной мессы и в характере особой Поминальной молитвы («Изкор») памяти 6000000 погибших в Холокосте, которая, по еврейской традиции, читается четыре раза в год. Поэтому Реквием «Холокост», безусловно, относится и к общеевропейской, и к еврейской религиозной традиции.
«Реквиему «Холокост» мы предрекаем большое сценическое будущее! Сочинение Бориса Пиговата сложное, но без вычурности, и в то же время простое, но без примитива, сердечное, искреннее — высокого класса!» - таковы были отзывы.
Как и со своими новыми друзьями – саратовскими музыкантами, с маэстро Романом Кофманом Борис Пиговат познакомился вначале заочно, по телефону. Затем Борис приехал в Киев и присутствовал на всех репетициях Симфонического оркестра филармонии Украины.
Композитор из Израиля высоко оценил мастерство своих коллег – украинских музыкантов. «Очень важно, что они приняли мою музыку и тепло отнеслись к ней. Это чувствуется по их трепетному исполнению «Реквиема», — сказал композитор.
Посол Федеративной Республики Германии господин Дитмар Штюдеманн подчеркнул: «Наш вечер показал, что мы хорошо понимаем друг друга и подобными акциями создаем прочный культурный мост, объединяющий народы разных стран. Ведь музыка безгранична, она понятна каждому и обладает огромной эмоциональной силой». В зале присутствовали представители многих государств. После концерта зрители подходили к дирижеру Роману Кофману и композитору Борису Пиговату со своей благодарностью, и чаще всего на разных языках звучали слова «великолепно, замечательно!», «Это удивительная музыка, спасибо, что вы познакомили нас с ней!»


Версия для Гиоры
- Расскажите о Вашей творческий дружбе со всемирно известным кларнетистом Гиорой Фейдманом — лучшим исполнителем клейзмерской музыки.
- Эта история началась около десяти лет назад, тогда я познакомился с величайшим кларнетистом Гиорой Фейдманом: он подарил мне свой компакт-диск, и на этом пока наше общение закончилось. Во всяком случае, когда мы встретились спустя семь лет, он об этом не помнил. А для меня слушание его диска стало откровением. Под впечатлением от его потрясающей игры я написал сочинение «Цфат» – клейзмерскую рапсодию для тромбона и духового оркестра. Об этом уже говорилось выше, как и о городе Цфате, где ежегодно проходит фестиваль клейзмеров.
Я выбрал тромбон по простой причине – в консерваторионе Петах-Тиквы был в это время очень хороший тромбонист - Дотан Дор. Впоследствии я сделал еще одну версию – для скрипки и струнного оркестра. Гиора Фейдман ничего об этом произведении не знал, в течение семи лет мы с ним никак не пересекались.
И вот, когда мы встретились года три назад, я дал ему послушать версию для скрипки с оркестром. Она ему очень понравилась, и он захотел ее играть.
Кроме просьбы переименовать пьесу в соответствии с характером музыки, последовало ещё одно пожелание. На такие вещи композиторы обычно соглашаются неохотно – вместо написанной мной медленной вступительной части Фейдман хотел играть собственную импровизацию. И теперь это сочинение существует в двух вариантах – основном и «версии для Гиоры». Именно так написано в партитуре и партиях – чтобы не перепутать!
Поражаясь простой мысли

Читая ответы Бориса на мои вопросы, я поразился одной мысли.
Сколько знаменитых в будущем музыкантов, да и вообще - профессионалов в других областях жизни - тоже не поступали с первого раза в выбранные ими учебные заведения - а потом становились знаменитостями на своем поприще!
Вспоминается, как Петр Соломонович Столярский, в чью школу в свое время не поступил Борис Пиговат, отыскивал юные таланты. Уверен: поступи Борис в его школу - был бы Столярский в судьбе Бориса одной из самых знаковых фигур! И творческая судьба Пиговата, возможно, была бы в чем-то другой, может быть, еще более успешной.
Столярский был необыкновенный педагог. Он брал детей на «музыкальное воспитание». Он неизменно приговаривал: «Хорошему материалу нужен хороший портной».
Жаль, не случилось этому портному «кроить» такой блестящий, хоть и грубоватый поначалу, материал, каковым был маленький Боря Пиговат…
Не наград и званий ради…
- Вы являетесь лауреатом многих престижных международных и израильских премий и наград. Расскажите, пожалуйста, о своих наградах.
- Многих наград – это очень громко сказано. Еще живя в СССР, я послал свое сочинение для квартета тромбонов на конкурс в Венгрию, где получил почетный диплом. Фактически это было третье место, так как первую премию никто не получил. А уже в Израиле я дважды получал премию ACUM (это аналог американского ESCAP) и премию Премьер-министра Израиля. Пока это все мои престижные награды.
С полки справочной литературы
Среди многочисленных работ композитора Бориса Пиговата: оратория «Eichah» («Плач Иеремии») для чтеца, сопрано, хора и симфонического оркестра (2001); Симфония № 1 «Мемориал» для симфонического оркестра (1987); Симфония № 2 для струнного оркестра (1989/90); «Musica Dolorosa»для камерного оркестра (1987);»Иерусалим» – фантазия для симфонического оркестра (1993);»Tachanun» («Мольба») для симфонического оркестра (1996); «Массада» – поэма для симфонического духового оркестра (1997), «Dies Irae» – поэма для симфонического духового оркестра (2001); «На горе Синай» – поэма для симфонического духового оркестра (2004); «Четыре сказки» для симфонического духового оркестра (2005); «Нигун» для струнного оркестра (1996); «Токката» для струнного оркестра (1997),
Соната для фортепиано (1988); «На реках Вавилона» – для смешанного хора а капелла (1991); «Молитва» – для скрипки (или альта) и фортепиано (1994); «Шуламит», для флейты, фагота и арфы (1996); «Блуждающие звезды» для арфы (1999) и многие, многие другие замечательные произведения.
Так много разной музыки написано прекрасным композитором Борисом Пиговатом! Но он выделяет из всего многообразия своих сочинений лишь некоторые - как самые любимые. Почему? На этот вопрос убедительно даже он не всегда может ответить словами. Чтобы это понять - просто вслушайтесь в его музыку!

ttp://www.youtube.com/user/boris932#p/a/u/1/HoTvJO6bJfw

Quintet for Clarinet and Strings, K.581 (Mozart, Wolfgang Amadeus)

консерватория Петах-Тиква.
Концерт юных исполнителей с камерным оркестром "Камеранс"
исп.Шай Слуцки
преп.Борис Турчинский
дирижер оркестра Михаил Захарьин.
7.02.2010

4 мая в помещение концертного зала Эшколь-Паис состоится концерт Лауреата международных конкурсов духового оркестра консерватории Петах-Тиква с участием популярной певицы 70 годов, ИЛАНИТ...В программе- ностальгические израильские песни прошлых лет.Дирижер оркестра Михаил Дельман.Также в концерте принимает участие любительский духовой оркестр,состоящий из выпускников консерватории прошлых лет и самодеятельных музыкантов города.
Борис Турчинский

Дирижеры военные!!!(очерк Бориса Турчинского)
Мое первое знакомство с Манжухом Иосифом Моисеевичем состоялось летом 1964 года. Тогда меня, 12- летнего мальчишку, отец впервые взял с собой в отпуск. И сразу так далеко - в Вильнюс! У нас там жила родственница по маминой линии, а также отец переписывался со своим старым другом-музыкантом военного оркестра в Вильнюсе, Славой Грищенко, которого тоже решил навестить. На встречу мы поехали на следующий день после приезда и попали на репетицию Республиканского праздника песни в парке «Вингис». Это была генеральная репетиция, и меня поразило количество хористов и музыкантов. Все были в национальных костюмах. Впечатлила мощь хора и оркестра, которые исполняли литовскую музыку, и не только это. После репетиции к нам подошел папин друг - и не один, а с военным дирижером. Отсюда и пошел отсчет нашего знакомства, которому без малого 45лет… Моему отцу, Турчинскому Роману Иосифовичу, военному музыканту Житомирского военного училища, сразу понравился этот обаятельный человек, который живо интересовался всем, что касалось нашей семьи, моими привязанностями. Узнав, что я занимаюсь в музыкальной школе на кларнете, пригласил нас на репетицию оркестра на следующий день.
Наутро мы уже были в Северном городке Вильнюса - так назывался район, где располагалась военная часть и при ней оркестр дивизии. Отцу игра оркестра очень понравилась - ведь это был лучший коллектив Прибалтийского военного округа, а только месяцем раньше он занял первое место на окружном конкурсе военных оркестров в Риге. Я увидел среди музыкантов ребятишек чуть постарше меня — это были воспитанники оркестра. К концу встречи Иосиф Моисеевич Манжух - а так звали нашего нового знакомого - предложил мне на следующий год начать службу в его оркестре (в воспитанники зачисляли с 13 лет).
Прошел год, и вот я уже воспитанник оркестра, далеко от родителей. Однако я оказался в дружелюбном коллективе, который меня очень тепло принял. А Иосиф Моисеевич, по сути, проявлял ко мне отеческую заботу. Брал на выходные к себе домой, мы часто ездили на «Зеленые» озера» (место отдыха местных жителей). Ходили в лес по грибы. Интересно, как искали на меня военную форму (ростом я был 1,45 м). Что-то шили, шинель перешивали, а сапоги 37 размера уже и не помню, откуда взялись. Вот такой бравый солдатик появился в сентябре 1965 года на улицах Вильнюса, города, который я полюбил на всю жизнь и где у меня живет много настоящих друзей. Этот город и люди, окружавшие меня там, дали мне много на том отрезке моего жизненного пути. Иосиф Моисеевич сразу записал меня в музыкальную школу, так как считал, что оркестр оркестром, а я должен не только в нем играть. Я должен также знать теорию музыки, сольфеджио. Забегая, вперед скажу, о том, что многие воспитанники и даже солдаты срочной службы занимались после обеда кто где: в музыкальном училище, консерватории. Так, много приличных музыкантов призывались на службу к нам в оркестр, что было хорошо и для коллектива оркестра, который приобретал хороших исполнителей, и самим ребятам, так как тайно они продолжали учебу. А ведь в то время солдатам срочной службы не давалась отсрочка от армии, это было запрещено законом! Начальство, которое очень уважало И.М.Манжуха, на это закрывало глаза. К тому времени Иосиф Моисеевич уже получил звание заслуженного артиста Литовской ССР (1962год), его хорошо знали и ценили в городе и в республике. В своих выступлениях оркестр показывал безупречное исполнительское мастерство. Наш коллектив По-сути был музыкальной лабораторией, через которую прошли многие и многие музыканты, приобретая при этом ценный опыт профессионального исполнительства. Кроме духового оркестра у нас был эстрадный оркестр, и оркестр русских народных инструментов. Вот с ним коллектив объездил почти всю республику вдоль и поперек. Мы ездили даже в приграничные с Литвой города Белоруссии. Очень хорошо помню, как тепло нас встречали жители города Ошмяны. В концерте принимали участие не только оркестр русских народных инструментов, но и певцы, танцоры, чтецы. Был интересный и содержательный репертуар. Я сам тоже освоил балалайку-секунду, и совсем неплохо справлялся со своей партией. Кстати, я еще и объявлял программу концертов, т.е. осваивал специализацию конферансье. В оркестре все играли на двух инструментах, а некоторые музыканты делали это просто здорово. Так, валторнист Анатолий Воробьев блестяще играл на домре, Слава Грищенко - на баяне, Эдик Кобзев на домре…
...Так я постепенно перехожу к музыкантам оркестра. Только с годами я стал понимать, что попал в высокопрофессиональный коллектив. Кроме вышеперечисленных, хочу отметить трубачей Владимира Манжуха (родного брата Иосифа Моисеевича), Славу Дичковского, Альгиса Мингела, Владимира Казарина, флейтистов Георгия Асса и Гаилиуса Стравинскаса, кларнетистов Иоганна Муллера, Валентина Финогина, Владимира Романова и Иозиса Гуогиса, саксофонистов Игоря Сапрыгина, Эвальдаса Стонкуса и Альгирдаса Янцикявичюса, гобоиста Эдмундаса Ганусаускаса,. баритониста Стасиса Василяускаса, фаготистов Зенонаса Якучениса и Алоиза Бразиса, тромбонистов Геннадия Ветрова и Стаса Нарушкевича, тубистов Василия Симоненко и Саши Рыбакова и других. Был у нас свой «домашний композитор» Николай Бутко, который написал несколько интересных произведений для оркестра. Говоря о композиторах, я хочу вспомнить Юргисa Иозапайтисa, который, будучи студентом Литовской консерватории по классу композиции, писал пьесы и марши для нашего оркестра. С нами сотрудничали известные литовские композиторы - Стасис Вайнюнис (засл. артист Литвы профессор Литовской консерватории), Тейсутис Макачинас (профессор Литовской консерватории), заслуженный деятель искусств Литвы Беньямин Горбульскис.

(СПРАВКА_Беньяминос Иокубо Горбульскис (Беньямин Яковлевич Горбульский) - род. 14 сент. 1925 в Каунасе. Композитор. Засл. деят. иск. ЛитССР (1975). В 1958 окончил конс. ЛитССР по кл. композиции Э. Бальсиса. С 1960 пред. Секции легкой музыки при Союзе композиторов ЛитССР. Соч.: опера — Франк Крук (по одноимен. роману П. Цвирки, Каунас, 1959); оперетты — Любовь и жесть (Каунас, 1960), Пора любви (Каунас, 1965), Новогодний карнавал (Паневежис, 1965), Три вечера (Каунас, 1967); мюзикл — Дон Жуан, или Любовь к геометрии (Каунас, 1968), для оpк. — 2 симфонии (1950, 1953), сюиты: Литовские народные танцы (1954), Эскизы Вильнюса (1955), Детский уголок (1955), поэма Партизаны (1954), Фестивальная увертюра (1956), Пассакалья и фуга (1956); для скр. с оpк. — Камерный концерт (1970); для альта с кам. группой — концерт (1971); для влч. с оpк. — Концертная фантазия (1958); для контрабаса с оpк. — концерт (1968); для флейты с оpк. — 2 концерта (1953, 1964); для гобоя с оpк. — Концертная фантазия (1966); для кларнета с оpк. — концерт (1962); для фагота с оpк. — концерт (1952); для трубы с оpк. — концерт (1965), Рапсодия (1957), Концерт-поэма (1965); для валторны с оpк. — Концерт-поэма (1967); для тромбона с орк. — концерт (1963); для альт-саксофона с орк. — концерт (1969); для бирбине с кам. оpк. — концерт (1972); для дух. оpк. — сюита (1951), Торжественная увертюра (1965), Молодежная увертюра (1963), Комсомольская увертюра (1970); для эстр. оpк. — пьесы; для ф-п. — сонаты, сюита (1954); для скр. с ф-п. — пьесы; для голоса с ф-п. — 3 сонета (сл. А. Хургинаса, 1956), романсы; эстр. песни (свыше 250); музыка к спектаклям и радиопостановкам.)
«Молодежная Увертюра» и «Сюита для духового оркестра» - произведения, которые впервые были услышаны в исполнении нашего оркестра. Часть из его произведений, а также сочинения Стасиса.Вайнюнаса и Тейсутиса Макачинаса, была записана нами на Литовском государственном радио, что уже говорит о профессиональном уровне коллектива. Кстати, с этим замечательным композитором и человеком И.М. очень подружился, и их дружба длилась много лет. На моей памяти - авторский концерт московских композиторов профессоров Московской консерватории и института военных дирижеров Евгения Макарова (исполнялись его «Прибаутки» для ансамбля кларнетов с оркестром, «Увертюра на русские темы», «Пассакалия и фуга») и Михаила Готлиба (Марш «Гротеск», «Бурлеска», Сюита для духового оркестра)… Очень хорошо помню этот концерт и то, как тепло его приняли зрители, среди которых были и ведущие деятели музыкальной культуры Литвы. Говоря об исполнительском уровне оркестра, приведу исполняемые коллективом произведения, название и сложность исполнения которых говорит о многом.
1) Ф.Шуберт «Неоконченная симфония».
2) И.С.Бах «Органная токката и фуга»
3) Б.Сметана симфоническая поэма «Влтава»
4) С.Вайнюнас Рапсодия на литовские темы для скрипки с оркестром
Исп. заслуженный артист Литвы - Александрас Ливонтас
5) Т.Макачинас – Праздничная увертюра
6) Д.Россини Увертюра к опере «Сорока-Воровка» и др.
7) П.И.Чайковский Финал 4 симфонии
8) Д.Дворжак «Славянские танцы»
(спасибо моим друзьям из Вильнюса Эвальдасу Стонкусу и Эдуарду Кобзеву, Илье Манжуху из Германии за помощь в воспоминаниях — так сказать, коллективная память)
С оркестром выступали такие известные музыканты-исполнители, как лауреат Всесоюзного конкурса исполнителей на духовых инструментах Михаил Дубирный (тромбон). Много выступал с коллективом блестящий скрипач, заслуженный артист Литвы, профессор Литовской консерватории Александрас Ливантас.
.

Краткая биография: А.Ливантас родился в 1930г. (г. Харьков). Окончил Московскую консерваторию (класс Давида Ойстраха). Приехал в Литву в 1944г. В 1945-1948 гг был концертмейстером оркестра Литовского театра оперы и балета и оркестра филармонии. С 1945 по 1947 год преподавал в Каунасской консерватории, а с 1947 году был преподавателем Вильнюсской консерватории (профессор). А.Ливантас умер в 1974году.

Эпизод (опус-1) Командиром дивизии был генерал Борис Николаевич Дзоциев. Он очень хорошо относился к коллективу оркестра, и к Иосифу Моисеевичу лично. Я думаю, что и делал он много для музыкантов оркестра. Давал квартиры, разрешал учиться. Будучи депутатом Верховного Совета Литвы и выезжая в другие города республики, где он баллотировался, Борис Николаевич любил брать с собой наш оркестр для выступлений. Любопытная история. В 1967 году его послали на повышение - командующим армией в Калининград. На плацу построение личного состава дивизии для прощания. После речи генерала Манжух дает мне цветы и говорит: «Беги к трибуне». Вот такая картина—дивизия замерла, и мальчишка в военной форме бежит навстречу генералу. Дзоциев, увидев бегущего к нему с цветами воспитанника, спустился с трибуны, обнял меня и, взяв меня под руку и держа цветы, направился к оркестру (я увидел его влажные глаза). «Манжух, – сказал он, - я никогда не забуду тебя! Я буду всегда гордиться, что у меня был такой замечательный оркестр!!!»
На протяжении всей службы И.М. на посту военного дирижера дивизии оркестр под его руководством постоянно занимал первые места на окружных конкурсах, что не могло не льстить генералу как вышестоящему командиру… Командир дивизии, давая разрешения на участие коллектива в различных мероприятиях, концертах, хорошо знал о популярности оркестра в столице и других местах. После выступлений в дивизию всегда приходили великолепные отзывы и благодарности от ЦК КП Литвы, министерства культуры и других местных организаций.

Эпизод (опус-3) Не помню, по случаю какой даты, мы давали концерт в помещении Литовской оперы. Скорее всего, это был какой-то очередной советский праздник. На концерте присутствовал Председатель Президиума ВС Литвы Ю. Палецкис (который в дальнейшем был Председателем Совета Национальностей ВС СССР).
После концерта он пригласил Иосифа Моисеевича, чтоб поблагодарить его за концерт. Так вот, направляясь к нему, Манжух прихватил еще двух музыкантов оркестра и почему-то меня. Это был год 1966, мой стаж воспитанника был 1 год. Ю. Палецкис меня, как добрый дедушка, спросил: «А ты, «воин», откуда?». Манжух начал рассказывать обо мне, но Юстас Игнович вежливо его перебил и сказал: «А я хочу все от него услышать…» Вот такой эпизод. Не помню в точности, о чем я говорил - наверное, о Житомире, семье и об отце, которого очень любил. Рассказал, что в совсем юные годы даже снимался в художественном фильме «Рыжик» по повести В.Г.Короленко «Дети подземелья». Этот фильм снимался в Житомире (мне было 7 или 8 лет). Все мои друзья по школе и по двору знали об этом, и я этим очень гордился еще много лет после того. Меня демонстративно забирали из школы на съемки, за мной приезжал автобус, на котором висела афишка — Центральная киностудия детских и юношеских фильмов им. М.Горького. Чем не гордость для маленького мальчишки?..
. .




Эпизод (опус-3)
Ученики И.М.Манжуха

Владимир Прудников-солист Литовской национальной оперы (бас)

Справка: Владимир Прудников (родился 10 апреля 1949 года в Вильнюсе) - оперный певец, профессор, политический и общественный деятель Литвы.
С 1959 года пел в хоре мальчиков "Ажуолюкас".
В 1979 году закончил Литовскую государственную консерваторию и в том же году был зачислен солистом в Литовский национальный театр оперы и балета, одновременно став преподавателем Литовской музыкальной академии, затем деканом кафедры вокала, профессором.
В 2001-2004 годах – художественный руководитель Литовской Национальной оперы.

С 2004 года - член Сейма и до 2006 года министр культуры в Тринадцатом правительстве.
.

Владимир Глушков - главный звукорежиссер программ НТВ-плюс (Москва)

Валентин Каплун - концертмейстер Литовского государственного симфонического оркестра, профессор Литовской академии музыки

Эдуард Кобзев - солист оркестра радио и телевидения Литвы

Юргис Иозопайтис – композитор, профессор Литовской академии музыки

Справка: родился в 1942 году. В 1968 году закончил Литовскую государственную консерваторию (ныне Литовская академия музыки и театра) в классе проф. Юлиуса Юзелюнаса. 1991-1994 годах преподавал в Литовской академии музыки и театра. 1994-1996 был председателем Союза композиторов Литвы. Обладатель приза конкурса вокальных произведений (1974). В 1977 году он завоевал третье место в Республиканском конкурсе произведений для камерных ансамблей. Написал симфонию в 1978 году и за это получил литовскую государственную премию, а также журнал "Культура баров" присудил Ю. Иозопайтису награду за оперу "Мария Бирд". Обладатель премии Союза литовских композиторов за лучшие работы 2001 года, является победителем тендера на песню "Соло против всех". В 2002 году Ю.И. стал лауреатом Литовской национальной премии. В 2004 году на Международном конкурсе композиторов в Риге «Симфония Балтики» он завоевал первую премию за песню «Башня Контрапункт».

.
Витас Сирейко - Закончил Литовскую государственную консерваторию, долгое время (1970-1983) возглавлял Национальную школу искусств им. М.К. Чюрлениса
Борис Турчинский - закончил Одесскую государственную консерваторию, солист военного оркестра в Одессе (дирижер народный артист Украины Александр Салик), затем дирижер Житомирского городского духового оркестра, преподаватель и дирижер Ровенского института культуры. В настоящее время преподаватель консерватории Петах-Тиква (Израиль), дирижер оркестра.
Эдмундас Ганусаускас- профессор Университета в Клайпеде (класс гобоя)

Скрипачи Винцас Желенис и ……Альгис Дегрис

Иоган Муллер - кларнетист-саксофонист, солист государственного оркестра духовых инструментов «Тримитас»

Стас Нарушкевич- преподаватель детской музыкальной школы гор. Вильнюс

Музыканты, которые по разным причинам ушли в бизнес: Игорь Сапрыгин, Эвальдас Стонкус, Борис Шапиро, Саша Савенков и другие.
Эпизод (опус-4)

И.М. приехал в Вильнюс в 1959 году. До этого он служил в Гвардейске (Калининградская область). Думаю, получив новое назначение в столицу Литвы, Манжух быстро осознал, какие перспективы для творчества перед ним открываются. Город, в котором есть и музыкальное училище, и консерватория, к тому же - столица республики. Приняв оркестр в плачевном состоянии, он понял, что все надо менять, а главное - по возможности, обновить состав оркестра изменить направление репертуара. Он всегда говорил: «Не забывайте, где мы находимся». Поэтому в репертуаре появились произведения литовских композиторов, а с некоторыми из них сложилась дружба.
Хочу напомнить, что советская власть тогда только укреплялась в Литве. И не только через органы КГБ, но также и путём проникновения русской культуры во все слои литовского общества. Вильнюс только недавно стал столицей Советской Литвы (до этого был Каунас). Манжух через оркестр русских народных инструментов, через выступления духового оркестра был как бы полпредом советско-русской культуры в новоявленной республике. С оркестром начали выступать и литовские солисты-вокалисты. Для оркестра специально писали произведения литовские композиторы, видя в нем коллектив высокопрофессиональных музыкантов, которым можно доверять первое исполнение своей музыки. Оркестр участвовал в ежегодных фестивалях песни в парке «Вингис» (певческое поле для тысяч хористов и других артистов). Давал много концертов для трудящихся, на заводах и фабриках. Участвовал во всех политических мероприятиях, парадах и демонстрациях. Делал записи на радио и телевидении. И не удивительно, что Иосиф Моисеевич быстро приобрел популярность, получил звание заслуженного артиста республики (1962 год).
За всем этим стояла кропотливая работа и большой размах деятельности. Талант дирижера, его недюжинные организаторские способности и, конечно же, личная «харизма» человека умного, обаятельного, прекрасного собеседника, умеющего убеждать, умеющего вдохновлять коллектив на решение зачастую сверхсложных задач. Все, кто знал И.М. в Вильнюсе (впрочем, и не только там), отзывались о нем очень тепло, и, выйдя на пенсию, он вернулся в Вильнюс и быстро нашел себя. Ему предложили создать детский духовой оркестр на заводе АУШРА.
P.S.
И.М. с большим энтузиазмом взялся за дело, и результаты не заставили себя ждать. Уже через несколько лет оркестр «зазвучал». И начал выступать - сначала перед рабочими завода, потом в других местах города, а затем – и за пределами республики. В 1977 году оркестр выступал с концертами в Одесской области, совместив поездку с отдыхом. Гастроли эти были организованы комсомолом Литвы и Одессы. Детский оркестр выступал также на декаде культуры Литвы в Москве, на ВДНХ.
Кроме того, И.М. преподавал в вильнюсском музыкальном училище им. Юозаса Таллат-Кялпша и руководил студенческим духовым оркестром училища.
Эпизод
(опус-7)
За время моей службы у И.Манжуха.(1965-1968г.) к нам два раза с инспекторской проверкой приезжал начальник военно-оркестровой службы СССР генерал-майор Н.М. Назаров. Первый его визит запомнился особенно. Наш оркестр, ведущий в округе, был первым коллективом, который он посетил. Начальник военно-оркестровой службы ПРИБВО, подполковник П. Сосновский, сразу привёз генерала в Вильнюс. Мы знали, что к нам едет инспектор, и готовились к этому событию. И вдруг в день его приезда в дивизии объявляют учебную тревогу. Что делать? Манжух обратился к начальству. Там, зная о приезде Н.Назарова, нам разрешили сыграть для инспектора программу в укороченном виде. Сыграть - и на учения! Весь личный состав дивизии был уже на месте, а нам оставили крытую машину. (Все учения проводились за Вильнюсом, возле городка Пабраде).
Итак, мы сидим в оркестровой студии, одетые в полевую форму, и исполняем концертную программу. Одно из произведений помню хорошо - Б.Сметана симфоническая поэма «Влтава». Помню потому, что у меня была очень сложная оркестровая партия (кларнет-3), и я ее тогда полностью не выигрывал. А еще перед этим Манжух сказал: «Турчинский, будешь подавать команду генералу». В оркестре был дневальный и дежурный по оркестру, и если приходил кто-то из начальства, им подавалась команда «Оркестр, смирно». Так вот, я своим голосочком в «третьей октаве» известил генерала о том, что оркестр дивизии находится на репетиции и готов к инспекторской проверке. Тот был умилен и сказал: «Ну, послушаем-послушаем…». Через час мы сели в машину и двинулись выполнять поставленные задачи…
Итоги проверки я уже не помню. Судя по всему, генерал был впечатлен. Его удивил состав оркестра. Уже тогда у нас была группа саксофонов, хотя повсеместно в оркестрах советской армии их начали вводить в 70-годах. Количество музыкантов было далеко за 30, что давало возможность исполнять сложные произведения, которые под силу только штабным оркестрам с большим, по сравнению с нами, штатом. И еще одно удивительное открытие, которое пришло ко мне только через много лет. И.М. в своих творческих изысканиях шел как бы на шаг впереди, предчувствуя будущее развитие жанра духовой музыки. Это относится ко многим моментам, начиная от укомплектования состава оркестра, от аранжировок, в которых была новизна - и далее, заканчивая видением роли духового оркестра в выступлениях на открытых площадках (театрализованное дефиле-шоу).
У нас в составе были фагот и гобой, и, что удивительно, были виолончель, скрипки и контрабас. Все это давало дополнительные краски и довольно хорошо сочеталось со звучанием других духовых инструментов. Естественно, для этого состава оркестра все было грамотно оркестровано Иосифом Моисеевичем.

Немного биографии… Манжухов было три брата. Старший, Владимир (г. Чарджоу) – музыкант-исполнитель, хорошо владеющий трубой. Музыкант военных духовых оркестров
Второй, Иосиф, родился 11 августа 1924 года в городе Чарджоу (Туркменистан) закончил музыкальное училище в Ашхабаде (виолончель).

Третий, Рафаил, - тоже военный дирижер. Родился 26 февраля 1927 года в Ашхабаде (умер 3 августа 1994г.). Закончил музыкальное училище по классу скрипки (Ашхабад). Служил в ПРИБВО, затем в Северной группе войск (Польша). Закончил военную службу военным дирижером Житомирского высшего командного краснознаменного училища радиоэлектроники им. Ленинского комсомола. С(1968 -1977г.г.…) Это был очень хороший музыкальный коллектив, один из лучших в Прикарпатском военном округе. Кроме службы в армии, преподавал в Житомирском музыкальном училище.
Их отец был музыкантом оперного театра города Ашхабад (ударные инструменты)

ОПУС—8
1969 год. Всем памятны события на Даманском полуострове и ухудшение советско-китайских отношений. Министерством обороны решено было весь личный состав дивизии отправить в этот кризисный район. Поехал и И.М. со своим оркестром на новое место службы, в гор. Благовещенск. Ситуация, уготованная судьбой, была новой, и этому масштабному человеку стало в ней тесно. И.М. был известен не только как талантливый дирижер, хорошо разбирающийся в нюансах оркестровой службы (он был отличным руководителем хора, оркестровщиком для различных составов оркестра и т.д.), но и как блестящий организатор. Поэтому в 1970 году решением политотдела Советской армии его назначают начальником и художественным руководителем Ансамбля песни и пляски Дальневосточного военного округа, где И.М. плодотворно прослужил до 1977 года, когда вышел на военную пенсию.






Опус 9 - Об оркестре ТРИМИТАС Литовской государственной филармонии.
И.М. приложил много усилий для того, чтобы главным дирижером государственного Национального оркестра духовых инструментов «Тримитас» был назначен Ромутис Бальчюнас (который и поныне возглавляет этот коллектив). А было это так:-
Министерством культуры Литвы был объявлен конкурс на замещение должности главного дирижера оркестра (лето 1963г.). Оркестр «Тримитас» имел статус городского оркестра, но, по сути, был полупрофессиональным коллективом.
Была создана комиссия, в которую входил и Иосиф Моисеевич. Приехало много оркестров с дирижерами со всей республики (Каунас, Шауляй, Паланга, Клайпеда и др.) Каждый со своей программой. Приехал на конкурс и молодой Ромутис Бальчюнас со своим оркестром из гор. Друскининкай. В отличие от других, его оркестр не только играл, а также во время игры делал перестроения (дефиле-шоу). Торжественное дефиле - этовсегда яркое, запоминающиеся событие. По сути - театрализованное действо. Под марши и танцевальные литовские мелодии, музыканты строились в различные фигуры.… Каждое движение было продумано и отточено до совершенства! Присутствовала хореографическая группа (девочки с бантами, флагами, барабанами и т.д.), которая даже пела на ходу. Сегодня все духовые оркестры просто обязаны это делать, а в то время…..
Все это тогда было ново и покорило И.М, он понял, что только с таким подходом к популяризации духовой музыки можно будет выделиться из общей массы оркестров консервативного плана. И.М. приложил немало усилий для того, чтобы именно Р.Бальчюнас стал дирижером оркестра. Сомнений было много, но все-таки ему удалось уговорить членов комиссии и чиновников от Министерства культуры. К Манжуху прислушались и потом не пожалели об этом.
С 1964 года, когда во главе коллектива стал дирижер Ромутис Бальчюнас, начинается "золотой век" Литовского государственного оркестра духовых инструментов «ТРИМИТАС». С тех пор оркестр становится неотъемлемой частью литовской национальной культуры. Коллектив по праву получает международный успех на самом высоком профессиональном уровне… Разнообразный и интересный репертуар, яркие театрализованные представления, в которых всегда присутствует душа маэстро Р.Бальчюнаса. В1994 году на Европейском конкурсе в Германии Бальчюнас как дирижер стал победителем и получил Гран-при. Этого же приза был удостоен и коллектив оркестра. «Тримитас» является Лауреатом многих престижных конкурсов и фестивалей.
С оркестром выступают ведущие солисты-певцы и инструменталисты Литвы и других стран. Оркестр объездил с гастролями почти все страны мира и везде вызывает восхищение своей профессиональной игрой и содержательностью концертных программ.
PS
Во время работы над этим очерком из Вильнюса пришло горестное сообщение - ВИЛЬНЮС, 13 апреля - РИА Новости. Дирижер знаменитого литовского государственного духового оркестра "Тримитас" Рамутис Балчюнас умер прямо во время пасхального концерта в костеле Святого Казимираса. Ему было 75 лет. Большая утрата для Литовской Культуры….


P.S. OПУС
Заключая этот очерк и как бы ещё раз пропуская через себя весь материал, хочу подчеркнуть, что впоследствии, на протяжении всей своей творческой жизни, я ощущал влияние Иосифа Моисеевича. Где бы я не был, учился или работал, именно он был для меня эталоном для подражания. В моей исполнительской практике было много дирижеров, у которых я играл, среди них и талантливые (Михаил Лукашенко - Житомирское музыкальное училище, Анатолий Сафатинов - оркестр штаба Прикарпатского военного округа (Львов), Александр Салик – Одесское высшее военно-командное училище ПВО страны, Народный артист Украины профессор Одесской консерватории. Затем я и сам стал дирижером (Житомирский городской духовой оркестр, затем Ровенский институт культуры и, наконец, Израиль, где я работаю преподавателем консерватории Петах-Тиква, преподаю кларнет, саксофон и веду детские духовые оркестры). Но именно И.Манжух заложил во мне чувство профессионального отношения к своему делу и еще многое другое, что трудно выразить в нескольких строках, но что неоценимо ВАЖНО и ДОРОГО!!!