Нихонга. Традиционный стиль японской живописи

Нихонга. Традиционный стиль японской живописи, дословно переводится как «японская живопись». В нём используют минеральные пигменты, тушь и краски на основе натуральных материалов.

 

1.

Читать далее...

Завораживающая магия китайской живописи: даосские легенды в картинах Цзи Шувень (Ji Shuwen)

Читать далее...

Ци Байши. Ч.2. Галерея

 

Черепаха

Бутылочная тыква

Капуста

Пионы

Пион

Три пиона

 

Китайская слива

Орхидеи

Локва

Гранатовое дерево

Вьюнок

Осень

Лягушки

Кузнечики на желтой тыкве

Стрекоза

Попугай

Бабочка

Утки

Змея

Крабы

Креветки

Бык

Рыба

Карп

Пальма и цыплята

Цыплята

 

Рыбак

Дхарма (священный закон)

Dharma said, "Right position? Worry not your position, but your mind."

Бессмертный

 

Ночная учеба

Старик

Дом

Серия сообщений "Китай":
Часть 1 - Китай на картинах В. Харченко
Часть 2 - Китайский Новый год
...
Часть 9 - Китайские красаваицы на картинах художника Lui Shu Kui
Часть 10 - Китайские красавицы художника Дунь Вэньцзе
Часть 11 - Ци Байши. Ч.2. Галерея
Часть 12 - Ци Байши. Ч.3. Галерея. Вееры
Часть 13 - Ци Байши. Биография
...
Часть 43 - Учимся китайской живописи
Часть 44 - Канал Касе Гасанова (о Китае)
Часть 45 - Пекинская капуста. Чжан Чжиюань

Ци Байши. Биография

Знаете, картины каких художников выше всего ценятся и дороже всего продаются на западных аукционах? После работ П. Пикассо и Э. Уорхола, это шедевры китайского художника Ци Байши.

«Если меня спросят – в чем красота рисунка,

Я отвечу – чем тоньше, тем лучше.

Откуда эти стихи, я и сам не знаю».

Ци Байши

По разным данным Ци Байши родился 22 ноября или 1 января 1863 года в уезде Сянтань, провинции Хунань в очень бедной семье. Первым учителем мальчика был его дед, который уже в три года заставил его писать палочкой на земле свое имя, к шести годам Ци уже хорошо писал и порой рисовал. О своих первых попытках живописания сам художник вспоминает так: «Придя из школы, я хватал кисть и тушечницу и принимался рисовать…Бог грома, которого я нарисовал, был больше похож на смешного попугая, а я все рисовал и рисовал, но не мог достичь сходства. Я рисовал цветы, травы, птиц, лягушек, стрекоз – одним словом, все, что попадалось на глаза. Это все вещи, которые я очень люблю…»

В 15 лет, Ци пошел работать к столяру, с ним он ходил на заработки по деревням, а вечерами зажигал масло и учился рисовать до глубокой ночи. Однажды, он увидел, как работают резчики по дереву и был так восхищен, что поступил учиться к мастеру резьбы Чжоу Чжимэю. У Ци получалось вырезать не только отдельные фигурки, но и целые картины, так в течении пяти последующих лет он оттачивал свое мастерство и в этой области. В 1889 году состоялась знаменательная встреча Ци Байши с Ху Циньюанем, известным китайским художником. Тот пришел в восторг от живописных работ художника и настоял на том, чтобы Ци пошел к нему учиться.

У Ху он изучал не только живопись, но и литературу, особенно поэзию, и сам начал писать стихи. Поэтические надписи Ци Байши на его картинах дополняют живописное изображение, составляют с ним единый художественный образ. В тот период Ци постигает все изобразительные возможности живописи с тушью. В начале девяностых Ци Байши овладевает традиционным ремеслом оформления свитка и вырезанием печати (кто занимался китайской живописью или каллиграфией, наверняка знает, что на своем рисунке автор ставит свою именную печать, часто сделанную собственноручно).

В конце века Ци Байши впервые покидает родные места и отправляется по приглашению к известному художнику Ван Сянци. С этого времени он, по собственному высказыванию «отложил долото и взял в руки вместо него кисть для живописи». В первое десятилетие нового века художник прошел едва ли не весь Китай, и результатом этих путешествий было около пятидесяти пейзажей, исполненных тушью в национальном стиле. Ци тонко и живо передает свое восприятие природы, ощущения от общения с ней. Но в этих пейзажах еще нет той точности и уверенности линий, которые появятся позже.

К концу десятых годов в живописи Ци происходят изменения. В этот период в его пейзажах сочетается широкий, свободный размыв с тонкой тщательностью штриха. В пейзажных композициях 30-х видно художник уходит от натурализма. «Изображая жизнь, я не стремлюсь к явному сходству….мастерство находится на грани сходства и несходства; полное сходство – вульгарно, несходство – обман».

В 1946 г. с окончанием войны он преподает в Академии изящных искусств Пекине, а через год становится ее главой. Как художник, Ци Байши оказался чрезвычайно плодовитым. За многие годы он лишь 2 раза оставлял кисть – во время тяжелой болезни и по случаю траура после смерти матери. За год он писал несколько сотен картин. В 1953 Ци стал одним из авторов картины «Гимн миру», а в 1955 удостоен Международной премии мира.

Источник http://sadpanda.cn/archives/6426

H.А.Иoнинa

 Когда в 1956 году Всемирный совет мира присудил Международную ленинскую премию "За укрепление мира между народами" 94-летнему китайскому художнику Ци Бай-ши, в Европе это имя многие услышали впервые. А между тем показанные за 25 лет до этого на выставке дальневосточного искусства (сначала в Вене, потом в Берлине и Будапеште) произведения художника вызвали пристальный интерес европейских любителей живописи. Они восхищались смелостью колорита рисунков и выразительностью их линий, сделанных кистью.

 

Ци Бай-ши был большим знатоком малоизвестной техники "гохуа", но старался не только продолжить традиции своих предшественников, но и создать произведения новой "гохуа".

Этим термином с начала XX века стали называть национальную китайскую живопись, в которой национальные традиции связаны с особыми художественными приемами, сложившимися еще в VIII-XIII веках. Картины "гохуа" имеют форму свитков в виде удлиненного прямоугольника, а по композиции они различаются на горизонтальные и вертикальные. В отличие от европейских произведений живописи китайцы не вывешивают свои картины на стенах, обычно они хранят их в коробках и достают оттуда только по праздникам. Внизу у таких картин-свитков есть круглая палка, концы которой обычно украшены слоновой костью или дорогими породами деревьев.

Старые мастера очень любили рисовать на таких свитках, длина которых иногда достигала нескольких метров. Обычно на узкой полосе свитка изображался красивый поэтический пейзаж: цветы, рыбы или птицы, а также персонажи старинных легенд и романов. Для картин "гохуа" употреблялись особая бумага или особый шелк, а пишутся такие произведения черной тушью или тушью в сочетании с разноцветными красками (минеральными или растительного происхождения). Изображение "вытягивается" по длине свитка, лишенный фона предмет как бы "вынимается" из своего окружения и вводится в белое поле картины, сопровождаемой каллиграфическими надписями (стихами самого художника), располагавшимися в верхнем углу, и красными печатями. Таким образом, классические "гохуа" являлись единством трех элементом - рисунка, стихов и каллиграфии.

В произведениях "гохуа", как правило, отсутствует светотень, и предметы как бы одинаково освещены со всех сторон. Китайские художники не пользовались и приемами линейной перспективы для передачи пространства и моделирования объема предметов. С помощью тончайших градаций туши они создавали ощущение воздуха, окутывающего дальние предметы, тумана, впечатление ярких солнечных бликов, играющих на листьях. Линия - то нервная и тонкая, то густая и разливающаяся в пятно - являлась основой всей китайской живописи. Кроме того, предметы, расположенные на переднем и заднем планах картины, изображаются в одинаковую величину, без всякой перспективы. И тогда создается впечатление, что зритель смотрит на картину сверху вниз.

Для "гохуа" существует 16 различных кистей, которые по-разному применяются - в зависимости от того, каким способом пишется картина. А видов письма "гохуа" существует несколько: способом "суньфа" пишется рельеф; способом "дяньфа" - листва на деревьях, лишайники и мох; "способом "жаньфа" - небо, звезды и большие поверхности; способом "гоуфа" - контурные рисунки. В зависимости от избранного метода художник и кисть держит по-разному - наклонно или вертикально, с нажимом или без нажима.

Китайские художники отличаются от европейских не только по технике работы, но и по манере воспринимать видимое. Для европейца плоскость картины - это окно, через которое он видит кусочек мира и пишет на холсте то, что видит через это окно. Для китайцев плоскость картины та же бумага, на которой он пишет иероглифы. Только на картине явления мира он передает не иероглифами, хотя в обоих случаях пользуется одними и теми же средствами - кистью и тушью. Поэтому для китайского художника достаточно изобразить что-нибудь одно, а всю остальную плоскость картины оставить чистой, или самое большее - наметить задний план.

Выше уже говорилось, что для создания произведений "гохуа" художник должен был владеть техникой рисунка, уметь писать стихи и обладать красивой каллиграфией. А Ци Бай-ши, сын бедного крестьянина, не получил даже начального образования: в детстве он был пастухом, в юности - столяром, и только благодаря, своему таланту и огромному труду он сумел найти свой путь в искусстве. Ци Бай-ши занимался столярничаньем 14 лет, его изделия помогали жить все увеличивающейся семье. Но свободное время он отдавал живописи. Когда ему попал в руки знаменитый учебник "Альбом Сада горчичного зерна", он по ночам копировал рисунки из него. А соседи и знакомые выпрашивали у молодого художника эти рисунки, чтобы украсить ими свои жилища. Так понемногу Ци Бай-ши стал известен в округе не только как столяр и резчик по дереву, но и как художник.

Но он понимал, что настоящий художник должен обладать глубокими познаниями, знать историю своей страны и тонко чувствовать ее культуру. Будущий мастер обращается к изучению поэзии - и сам становится выдающимся поэтом, изучает древние искусства - и становится прославленным резчиком печатей, обращается к изучению каллиграфии - и становится первоклассным каллиграфом.

Уже первый период творчества Ци Бай-ши отмечен произведениями, исполненными с большой тщательностью. Он скрупулезно выписывал все до мельчайших деталей, не умея пока отделить главное от второстепенного. Это был еще не тот Ци Бай-ши, которого мы сейчас знаем.

Постепенно, изучая произведения других художников, он отходит от излишней детализации, удар его кисти становится уверенным и сильным, линии рисунка более выразительными. Усиливая или ослабляя удар кисти, Ци Бай-ши с поразительным умением начинает передавать специфические особенности и фактуру изображаемого предмета. С течением времени он становится одним из крупнейших мастеров национальной школы живописи, и в его творчестве начинают проявляться характерные черты "гохуа" - ясность, простота и красочность. В Китае о нем говорят: "Он в малом видел большое, из ничего рождал многое". Поэтому для китайцев столько волнующих чувств таится в рисунке, на котором изображены желтые листья и сидящая на них цикада. В таком рисунке передана чудесная осенняя пора с ее золотом и багрянцем в листьях - своеобразная красота увядающей природы.

Совсем иные чувства рождает ветка цветущей глицинии. Фиолетово-розовая, с желтыми и голубыми пятнами, будто благоухающая кисть, она как будто вобрала в себя теплые лучи весеннего солнца.

Наблюдательность позволяет Ци Бай-ши воспроизводить момент раскрытия лепестков пиона или венчика вьюнка, полет стрекозы, лопающийся на ветру гранат и неторопливое течение реки, в которой медленно плывут рыбы, чуть шевеля плавниками, и перебирают тонкими лапками "Креветки". К аналитическим наблюдениям, которые в живописи служили ему для смелых обобщений, художник относился очень серьезно. Однажды, когда у него самого были уже ученики, он спросил одного из них, сколько ног имеют различного рода креветки и насекомые, из скольких сегментов состоит их брюшко и т.д. Ученик знал об этом лишь приблизительно, и мастер побранил его, объяснив, что все это надо знать в точности. Не для того, чтобы воспроизводить на картине все 12 ножек, а чтобы (зная их число) решить, сколько ножек можно не изображать и вместе с тем, однако, передать впечатление живого насекомого или креветки.

Ци Бай-ши линейным и цветовым ритмическим строем своих работ заставил "заговорить" даже неодушевленные вещи - грабли и удочки, корзины и чайники, светильники, палочки для еды и даже бухгалтерские счеты. Но общепризнанно, что художник достиг вершины своего мастерства в искусстве изображения креветок, которых он рисовал много и часто. Однако сам Ци Бай-ши очень огорчался, что некоторые видят в нем только мастера изображения креветок. На одном из его свитков есть даже такая надпись: "Мне уже 78 лет, но я слышу часто, как люди говорят, что я умею рисовать только креветок. Как это несправедливо!"

И тем не менее Ци Бай-ши очень любил писать креветок - не экзотических морских, а обычных речных, которых обычно называют "креветками с длинными лапками". Они бывают двух видов - белые и зеленые. В ранний период своего творчества художник чаще рисовал зеленых креветок, позже любил изображать белых, так как их блеклый цвет требует более изощренной работы кистью. Особым изяществом отличает лист "Маленькая зеленая креветка", созданный 80-летним мастером.

Примерно до 60 лет Ци Бай-ши ограничивал себя только изучением образцов классического искусства в изображении креветок, однако вовсе не стремился к слепому копированию. На одном из свитков Чжу Сюэ-гэ, признанного мастера в искусстве рисовать креветок, он написал: "Чжу Сюэ-гэ изображает креветок, но в них нет духа древности и простоты".

Только в 62 года Ци Бай-ши обратился к изучению и изображению своего любимого "героя" с натуры. Каждый день он пристально наблюдал жизнь этих существ в речках, озерах и прудах пекинских парков, стараясь уловить своеобразие их движений, изменение цвета в разной воде, взаимосвязь друг с другом. Когда его спросили, как ему удается с такой точностью передать все детали строения креветок, он ответил: "Я рисую их каждый день. Нельзя пропустить ни одного дня".

Как он их рисовал? Сначала наносится штрих светлой тушью кончиком кисти, потом поперечный штрих центральной частью прямостоящей кисти, затем делается сильный поворот кисти. Так, тремя штрихами Ци Бай-ши рисует тулово креветки. Потом наклонной кистью делаются два штриха по бокам тулова, а для изображения усиков применяются несколько видов прямо поставленной кисти. Глаза их Ци Бай-ши пишет короткими линиями, а при завершении рисунка мастер широким движением наклонной кисти рисует хвост. Красоту и совершенство произведений Ци Бай-ши в изображении креветок китайский зритель видит именно в этих последних горизонтальных штрихах, так как в каллиграфическом отношении они считаются самыми трудными.

Общепризнанный мастер в этой области живописи, сам Ци Бай-ши ощущал эстетическую неисчерпаемость данного явления и ограниченные возможности художника постичь ее. Уже в преклонном возрасте он говорил: "Я рисую креветок уже несколько десятков лет и только сейчас начинаю немного постигать их характер".

 На праздновании 93-летия художника известный китайский писатель Лао Шэ сказал: "На картинах Ци Бай-ши движения креветок в воде переданы так, что кажется, будто они живые".                                                                                                                                                     

Источник http://www.ikleiner.ru/lib/picture/picture-0082.shtml

Благодаря Ци Бай-ши китайская и мировая живопись сделала еще один шаг вперед: он сумел создать свой собственный индивидуальный художественный язык, необычайно яркий и выразительный. Он оставил глубокую веху в истории гохуа.

   Ци Бай-ши родился 22 ноября 1863 года в уезде Сянтань провинции Хунань, в селении «Болото Большой Медведицы» в очень бедной семье. Отец и дед мальчика подрабатывали тем, что собирали хворост на продажу. Отец был робким человеком, а вот мать, по свидетельству самого Ци Бай-ши, была «решительная, очень восприимчивая натура, способная твердо защищать свои принципы»

 

 

 

 

 

 

 

Серия сообщений "Китай":
Часть 1 - Китай на картинах В. Харченко
Часть 2 - Китайский Новый год
...
Часть 11 - Ци Байши. Ч.2. Галерея
Часть 12 - Ци Байши. Ч.3. Галерея. Вееры
Часть 13 - Ци Байши. Биография
Часть 14 - Вершительницы судеб – четыре китайские красавицы
Часть 15 - Художник Ли Еву
...
Часть 43 - Учимся китайской живописи
Часть 44 - Канал Касе Гасанова (о Китае)
Часть 45 - Пекинская капуста. Чжан Чжиюань

Японкая художница Уемура Сёэн

Японкая художница Уемура Сёэн


Уемура Сёэн родилась в Киото 23 апреля 1875 года (умерла Сёэн 27 августа 1949 года.) Ее настоящее имя было Цунэ Уемура.
Уэмура Сёэн являлась крупным представителем художественной жизни Японии периодов Мэйдзи, Тайсё и ранней эпохи Сёва. Работы художницы выдержаны в манере бидзинга, изображавшей японский тип прекрасной женщины согласно канонам направления укиё-э стиля нихонга, возрождавшего в конце XIX — начале ХХ веков традиционную японскую живопись и отвергавшего воздействие европейского искусства. В основном Сёэн работала над историческими сюжетами, образами известных личностей японской истории, а также пейзажами, театральными сценками.



"Красавица, читающая книгу" 1941

Уэмура Сёэн была второй, младшей дочерью торговца чаем, умершего за 2 месяца до рождения Сёэн. Под руководством матери Сёэн досконально изучила японскую традиционную чайную церемонию, впитала любовь к прекрасному. Рисовать Сёэн начала ещё в детстве, восхищалась работами в стиле укиё-э художника Кацусики Хокусая. Изучала живопись в школе искусств префектуры Киото под руководством пейзажиста направления гохуа Судзуки Сёнэна. Изучала живопись школ Кано и Сэссю.
Читать далее...

Розы и соловьи корейского художника Oh Young Seong

Работы корейского художника Oh Young Seong представляют живопись Востока.
Это некоторая размытость линий, неясные контуры, воздушность и какая-то неопределенность…
Одновременно символизм и наполненность энергией жизни.






Читать далее...

Лянь Си


много

гармония и умиротворение в живописи

Стиль "сансуй" один из самых распространённых в Японии. Используются натуральные красители, нанесённые на шёлк. На них как правило изображены пейзажи. И выглядят они чарующе нежно и, что самое главное, очень по-японски. Цвета на всех пейзажах слегка приглушенные, затянутые лёгким утренним туманом, а природа спокойна, величественна и осязаема, что иногда так и кажется, что ещё немножко и почувствуется лёгкий ветерок со склонов гор. Гармония и умиротворение в живописи. Несколько приглушенные цвета и подёрнутые лёгким туманом пейзажи, спокойные горы и задумчивые леса. И очень лёгкий ветерок на склонах далёких гор. Маленькие усердные люди, которые не обращают никакого внимания на окружающую их красоту и гармонию. Гармонию природы и человека. В них с особой тщательностью взвешен каждый штрих, каждый мазок, делая их идеальными, а цвета — особо нежными и приглушенными, словно в тумане утреннего восхода солнца. И потому картины выглядят слегка выцветшими, старинными, и как бы переданные из поколения в поколение уже много десятков лет. Смотрите. Это Коокéй Кодьзúма.

наслаждаемся под красивую восточную музыку

Непревзойденный мастер японской ксилографии Утагава Хиросигэ (1797-1858)

Непревзойденный мастер японской ксилографии Утагава Хиросиг э (1797-1858)

***********

«Сто видов Луны» Ёситоси Цукиока/Yoshitoshi Tsukioka

 

«Сто видов Луны» – величайшие гравюры последнего мастера укиё-э Цукиока Ёситоси

 

Японский художник Цукиока Ёситоси творил в период, когда старый мир уходил в забытьё, а на смену ему стремительно наступала эпоха модернизации. С Революцией Мэйдзи Япония открыла границы для иностранцев, привезших в страну достижения западной цивилизации – фотографию и литографию

Новомодные методы репродукции искусства стали уверенно вытеснять гравюры

в стиле укиё-э, процветавшие в стране с 17 века. 

Укиё-э (яп. 浮世絵, картины (образы) изменчивого мира) — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо.

Слово укиё, дословно переводящееся как «плывущий мир», является омофоном к буддистскому термину «мир скорби», но записывается другими иероглифами. Первоначально термин «укиё» употреблялся в буддизме как обозначение «бренного мира, юдоли печали», но в эпоху Эдо, с появлением специально отведённых городских кварталов, в которых процветал театр Кабуки и находились дома гейш и куртизанок, термин был переосмыслен, и зачастую его стали понимать как «мир мимолётных наслаждений, мир любви».

Гравюры в стиле укиё-э — основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре Эдо (современный Токио) во второй половине XVII века.

Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу^[1].

Изначально гравюры были чёрно-белыми — использовалась лишь тушь, с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»).

Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины.

 

Для укиё-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э). Позднее стала популярной пейзажная гравюра.

 

Читать далее...

Корейская живопись. Сон У Ён - Sun Woo Yong (선우영). КНДР

Сон У Ён - Sun Woo Yong (선우영) родился в 1946 году в Пхеньяне. В 1969 году окончил художественно-промышленное училище Пхеньянского университета. В 1970 году начал работать в творческом объединении Мансудэ. В 1989 году получил звание "Заслуженный художник". Сон У Ён снискал славу мастера высокого разрешения и пунктирного прикосновения, изображая акварелью горные и прибрежные скальные пейзажи и природные достопримечательности. В частности, горный хребет Кымгансан - настоящая жемчужина Корейского полуострова. Тигры в его исполнении, по-моему, откровенный кич, но у корейцев к тиграм трепетное и любовное отношение, которое исключает критический взгляд: тигров там любят любых.

Все пейзажи снабжены подробными названиями и содержат иногда до трёх географических наименований, что для точности перевода приходится разбивать на несколько предложений.

.

Облака горного хребта Кымгансан. 2005

.

Гора Пэкту (Пэктусан) утром. 2006

.

Медвежья голова горы Чхильбосан. 2005

.                                                                                                             

Читать далее...

Рассказы о живописи и картинах: Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве, 1832

Рассказы о живописи и картинах:

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве, 1832

Кацусика Хокусай. "Большая волна в Канагаве", 1832. Чернила, бумага

«Большая волна в Канагаве» - не только одна из наиболее известных гравюр Хокусая, но и один из самых узнаваемых образов японской культуры в целом. Это первый лист «36 видов Фудзи» – серии настолько популярной, что отпечатки с нее делали до тех пор, пока деревянные пластины, с которых они производились, не начали изнашиваться. Предположительно, с оригинальных досок Хокусая было отпечатано около 5 000 копий. 

*************

РОЗЫ ВОСТОКА И СОЛОВЬИ

Хочу предложить вашему вниманию работы корейского художника Oh Young Seong.

 

Некоторая размытость линий и контуров, воздушность и неопределенность…

Всё это так свойственно для живописи Востока — символизм и, одновременно, наполненность жизненной энергией. Загадка или вековая мудрость?

Давайте смотреть.