Отсюда: Откровения Красоты

На зелёном, цветущем берегу, над тёмной гладью реки или озера, в тени кустов, под шатром исполинского осокоря или кудрявой ольхи, тихо трепещущей своими листьями в светлом зеркале воды... улягутся мнимые страсти, утихнут мнимые бури, рассыплются самолюбивые мечты, разлетятся несбыточные надежды. Природа вступит в вечные права свои, вы услышите её голос, заглушённый на время суетнёй, хлопотнёй, смехом, криком и всею пошлостью человеческой речи! Вместе с благовонным, свободным, освежительным воздухом вздохните в себя безмятежность мысли, кротость чувств, снисхождение к другим и даже к самому себе.

Сергей Тимофеевич Аксаков




 
































































































..........

Игорь Петрович Мосийчук родился в 1963 году в Украине.



Детские годы были проведены среди живописной природы Волыни, что повлияло на дальнейшую творческую работу. С 1984 года живет и работает в Приднестровье. Игорь Мосийчук – доцент, заведующий кафедрой декоративно-прикладного искусства ПГУ им. Т.Г. Шевченко, член совета Союза художников Приднестровья, Народный художник Приднестровской Молдавской Республики (ПМР).

В 1982 году окончил Одесское Государственное художественное училище им. М.Б. Грекова, скульптурное отделение. В 1994 году окончил украинский полиграфический институт им. И. Федорова по специальности «Графика».
Преподает: рисунок, композицию, пропедевтику, скульптуру и пластическое моделирование, рисунок, декоративный рисунок, технику графики. Работает в области графики, скульптуры, дизайна.

Игорь Петрович занимается научно – исследовательской, методической работой, является научным руководителем курсовых и дипломных проектов. Работает в области графики, скульптуры, монументально-декоративного искусства и дизайна. Автор памятников, монументальных работ в Приднестровье и Украине.

Произведения находятся в музеях республики и частных коллекциях Молдовы, Украины, России, Польши, Греции, Турции, Германии, США и Швейцарии. Игорь Мосийчук является участником 5 международных симпозиумов, 60 республиканских, 24 международных и 9 персональных выставок.

http://rfpgu.ru/page.php?97

Картины отсюда:
https://www.facebook.com/igor.mosiychuk.7

• #Графика
• #Живопись 

Великий французский художник-импрессионист Огюст Ренуар говорил: «Я еще не умел ходить, а уже любил женщин». Женщины были для него воплощением гармонии и красоты, источником вдохновения и главной темой творчества. У него было много возлюбленных, но только Лиза Трео, Маргарита Легран и Алина Шариго стали для него музами на долгие годы.

Огюст Ренуар. Молодая женщина в лодке, 1870

Ренуара называли певцом радости жизни. Он говорил: «Для меня картина… должна быть всегда приятной, радостной и красивой, да – красивой! В жизни достаточно скучных вещей… Я знаю, трудно добиться признания того, что большое искусство может быть радостным».

Огюст Ренуар. Слева – *Лиза с зонтиком*, 1867. Справа – *Женщина с попугаем*, 1871

Огюст Ренуар. Одалиска (Алжирская женщина), 1870

В течение 7 лет музой Ренуара была Лиза Трео. Они познакомились, когда девушке было 18 лет, а художнику – 24 года. Он изобразил ее на картинах «Лиза с зонтиком», «Лето», «Дама в лодке», «Женщина с попугаем», «Одалиска» и других (всего около 20 работ). Инициатором их разрыва стала Лиза после того, как Пьер Огюст отказался на ней жениться, даже после того, как был принят в доме ее родителей как зять.

Огюст Ренуар. Слева – *Бал в Мулен де ла Галетт*, 1876. Фрагмент. Справа – *Чашка шоколада*, 1878

Все лето 1876 г. Ренуар работал над картиной «Бал в Мулен де ла Галетт». Следуя своей привычке, он изобразил на полотне не профессиональных натурщиков, а своих друзей и знакомых. В левой части картины изображена танцующая девушка. В этом образе художник увековечил свою юную музу – 16-летнюю швею Маргариту Легран, которую на Монмартре прозвали Малышка Марго.

Огюст Ренуар. Бал в Мулен де ла Галетт, 1876

Художник познакомился с ней в 1875 г. Марго стала его возлюбленной и музой на 4 года. Его не смущало то, что знакомые характеризовали ее как развязную уличную девчонку, которая водила знакомство с подозрительными личностями. Ему нравился ее бойкий нрав и безудержная веселость. Она позировала для таких картин как «Качели», «Девушка в лодке», «После концерта» и «Чашка шоколада». А в 1879 г. она скончалась от оспы. Для Ренуара это стало большим потрясением.

Огюст Ренуар. Мадам Ренуар с собакой, 1880

Актриса Жанна Самари, портреты которой писал Ренуар, утверждала: «Ренуар не создан для брака. Он сочетается узами брака со всеми женщинами, которых пишет, через прикосновение своей кисти». Однако любвеобильный художник все же женился. Его сердце покорила Алина Шариго.

Огюст Ренуар. Слева – *Танец в деревне*, 1882-1883. Справа – *В саду*, 1888

Художник был очарован 20-летней ученицей модистки и пригласил ее поработать с ним в качестве натурщицы. Алина согласилась, хотя была далека от живописи: «Я ничего не понимала, но мне нравилось смотреть, как он пишет, –позже рассказывала Алина своим детям. – Я только знала, что Огюст был создан, чтобы писать, как виноградник – чтобы давать вино».

Огюст Ренуар. Завтрак гребцов, 1881. На первом плане – Алина, играющая с собачкой

Ренуар долго сопротивлялся возникшему чувству и не хотел воспринимать его всерьез. Он даже пытался порвать с Алиной и отправился в путешествие, но по возвращении все же остался с ней. Их совместная жизнь была на удивление спокойной и счастливой, но жениться он не спешил. Свадьба состоялась, когда их сыну шел уже пятый год. Благодаря мудрости и терпению Алины Шариго их брак оказался долговечным: в течение 35 лет женщина закрывала глаза на измены мужа, считая, что у художников иначе и не бывает.

Огюст Ренуар. Слева – *Материнство*, 1886. Справа – *Белокурая купальщица*, 1880-1882

Алина оставалась рядом с ним и тогда, когда болезнь приковала его к инвалидному креслу и он едва мог держать кисти в руках. Когда Анри Матисс спросил его о том, почему он не откажется от работы, если каждое движение приносит такие страдания, Ренуар ответил: «Боль проходит, красота остается…».

Огюст Ренуар. Разговор в лодке (Ренуар и Алина Шариго), 1880-1881

• #Живопись 

Журнал по вышиванию крестом. Каждый выпуск содержит множество проектов и увлекательных идей для творчества. В выпуске отличные проекты на тему зимы и Рождества, идеи вышитых аксессуаров. Интересные идеи вышитых аксессуаров, цветные схемы вышивки, журнал предлагает самые красивые проекты вышивки крестом от лучших дизайнеров, в котором сочетаются современные интересные проекты и классические приемы вышивки.

Название: CrossStitcher
Автор: коллектив
Издательство:  Dennis Publishing
Год издания: 2017
Номер: 313
ISBN: не определено
Жанр: вышивка
Качество: хорошее
Формат: pdf
Размер: 50 Mb
Количество страниц: 93
Вид издания: журнал
Язык: английский

Скачать файл >>>

DepositFiles
Twobit

• #Архитектура. Интерьеры 

Винсент Ван Гог — один из тех художников, кого специалисты единодушно причисляют к категории художников душевнобольных. По этому поводу написано огромное количество работ, авторами которых являются психиатры и психоаналитики, историки искусства и культурологи, и даже «Википедия» при запросе «душевнобольные художники» выдает информацию о нем.
Исследователи спорят о диагнозах, выдвигая предположения о наличии у Ван Гога биполярного расстройства, шизофрении или эпилепсии, отягченных злоупотреблением алкоголя. Но все эти диагнозы лишь интерпретации уникального ансамбля текстов, написанных самим Винсентом Ван Гогом.

Немногие художники, взявшись за перо, оставили нам наблюдения, дневники, письма, значение которых было бы сопоставимо со сделанным ими вкладом в области живописи.

Но письма Ван Гога — это потрясающий, ни на что не похожий документ, растянувшийся на сотни страниц, это диалог с адресатами писем, но также и с самим собой, Богом, миром.

Не нуждаясь в посредниках и переводчиках, Винсент Ван Гог сам рассказывает о своем опыте переживания психического расстройства, представая перед читателями удивительным, думающим, трудолюбивым и очень чутким человеком, который в периоды между приступами ужасной болезни был куда более здоров, чем большинство его интерпретаторов и диагностов.

Щемящий сердце рассказ художника об опыте переживания психического расстройства начинается 2 января 1889 года в письме, адресованном его брату Тео, из психиатрической больницы французского города Арль, где Винсент оказался после всем известного происшествия с отрезанным ухом.

«Чтобы рассеять все твои опасения на мой счет, пишу тебе несколько слов из кабинета уже знакомого тебе доктора Рея, проходящего практику в здешней лечебнице. Я пробуду в ней еще два-три дня, после чего рассчитываю преспокойно вернуться домой. Прошу тебя об одном — не беспокоиться, иначе это станет для меня источником лишних волнений».

Кстати, в знак благодарности за ту помощь, которую г-н Рей оказывал Ван Гогу во время приступов болезни, художник нарисовал его портрет. Современники утверждали, что портрет получился очень похожим на модель, однако Феликс Рей был равнодушен к искусству. Картина Ван Гога провалялась на чердаке, потом ей еще какое-то время закрывали дырку в курятнике, и только в 1900 году (через 10 лет после смерти художника) картину нашли во дворе доктора Рея. Работа была приобретена знаменитым российским коллекционером Сергеем Щукиным и хранилась в его личной коллекции вплоть до 1918 года. Уезжая в иммиграцию, коллекционер оставил картину на родине, так она попала в коллекцию Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина в Москве.

После этой первой госпитализации Винсент Ван Гог напишет брату Тео: «Уверяю тебя, что несколько дней, проведенных мною в лечебнице, оказались очень интересными: у больных, вероятно, следует учиться жизни. Надеюсь, что со мной ничего особенного не случилось, — просто, как это бывает у художников, нашло временное затмение, сопровождавшееся высокой температурой и значительной потерей крови, поскольку была перерезана артерия; но аппетит немедленно восстановился, пищеварение у меня хорошее, потеря крови с каждым днем восполняется, а голова работает все яснее».

В письме брату Тео от 28 января 1889 года Винсент Ван Гог предлагает свой ответ на интересующий многих вопрос о связи гениальности и помешательства, искусства и психопатологии: «Не скажу, что мы, художники, душевно здоровы, в особенности не скажу этого о себе — я-то пропитан безумием до мозга костей; но я говорю и утверждаю, что мы располагаем такими противоядиями и такими лекарствами, которые, если мы проявим хоть немного доброй воли, окажутся гораздо сильнее недуга».

3 февраля 1889 года Винсент Ван Гог делает любопытное наблюдение в отношении жителей города Арль — нет, не пациентов местной психиатрической лечебницы, а обычных горожан: «Должен сказать, что соседи исключительно добры ко мне: здесь ведь каждый чем-нибудь страдает — кто лихорадкой, кто галлюцинациями, кто помешательством; поэтому все понимают друг друга с полуслова, как члены одной семьи… Однако полагать, что я вполне здоров, все-таки не следует. Местные жители, страдающие тем же недугом, рассказали мне всю правду: больной может дожить до старости, но у него всегда будут минуты затмения. Поэтому не уверяй меня, что я вовсе не болен или больше не заболею».

Из письма художника брату от 19 марта 1889 года мы узнаем, что жители Арля обратились к мэру города с заявлением, подписанным некоторыми горожанами, о том, что Ван Гог не имеет права жить на свободе, после чего полицейский комиссар отдал распоряжение снова госпитализировать художника. «Словом, вот уже много дней я сижу в одиночке под замком и присмотром служителей, хотя невменяемость моя не доказана и вообще недоказуема. Разумеется, в глубине души я уязвлен таким обращением; разумеется также, что я не позволю себе возмущаться вслух: оправдываться в таких случаях — значит признать себя виновным».

21 апреля Винсент Ван Гог сообщает брату Тео о своем решении после выхода из больницы поселиться в приюте для психически больных в Сен-Реми-де-Провансе: «Надеюсь, будет достаточно, если я скажу, что решительно не способен искать новую мастерскую и жить там в одиночестве… Работоспособность моя постепенно восстанавливается, но я боюсь потерять ее, если стану перенапрягаться и если на меня, сверх того, ляжет вся ответственность за мастерскую… Меня начинает утешать то обстоятельство, что теперь я начинаю считать безумие такой же болезнью, как любая другая».

Пребывание Винсента Ван Гога в психиатрической больнице, а позже в приюте для душевнобольных финансировал брат художника — Тео. Помимо этого, Теодор на протяжении более чем 10 лет обеспечивал Винсента средствами к существованию, давал деньги на аренду жилья и ателье, на холсты, краски и текущие расходы. «Я не знаю такого лечебного заведения, куда меня согласились бы принять бесплатно на том условии, что я буду заниматься живописью за свой счет, а все свои работы отдавать больнице. Это — не скажу большая, но все же несправедливость. Найди я такую лечебницу, я без возражений перебрался бы в нее».

Перед отъездом из Арля в приют для душевнобольных Сен-Реми-де-Прованса Винсент Ван Гог пишет брату следующее письмо: «Я должен трезво смотреть на вещи. Безусловно, есть целая куча сумасшедших художников: сама жизнь делает их, мягко выражаясь, несколько ненормальными. Хорошо, конечно, если мне удастся снова уйти в работу, но тронутым я останусь уже навсегда».

Винсент Ван Гог провел в приюте Сен-Реми-де-Прованса год (с мая 1889-го по май 1890-го), директор приюта разрешил художнику работать и даже предоставил отдельную комнату под мастерскую. Несмотря на повторяющиеся припадки, Винсент продолжал рисовать, видя в этом единственное средство борьбы с болезнью: «Работа над картинами — необходимое условие моего выздоровления: я лишь с большим трудом перенес последние дни, когда был вынужден бездельничать и меня не пускали даже в комнату, отведенную мне для занятий живописью…»

В Сен-Реми-де-Провансе художник рисует пейзажи, изображающие виды из окна мастерской и сад, а когда Винсенту разрешили под присмотром покидать приют, то на его холстах появились и окрестности Сен-Реми.

Несмотря на три тяжелейших припадка, которые на многие недели вывели Винсента из строя, он написал за этот год более 150 картин, сделал более 100 рисунков и акварелей.

Из письма Ван Гога сестре: «Здесь, правда, находятся несколько тяжелобольных, но страх и отвращение, которые вселяло в меня раньше безумие, значительно ослабели. И хотя тут постоянно слышишь ужасные крики и вой, напоминающие зверинец, обитатели убежища быстро знакомятся между собой и помогают друг другу, когда у одного из них начинается приступ. Когда я работаю в саду, все больные выходят посмотреть, что я делаю, и, уверяю Вас, ведут себя деликатнее и вежливее, чем добрые граждане Арля: они мне не мешают. Вполне возможно, что я пробуду тут довольно долго. Никогда не испытывал такого покоя, как здесь и в арльской лечебнице».

Искреннее восхищение вызывает стремление Винсента Ван Гога работать, несмотря на болезнь, продолжать заниматься живописью и не сдаваться: «Жизнь проходит и ее не воротишь, но именно по этой причине я и работаю не жалея сил: возможность поработать тоже не всегда повторяется. В случае со мной — и подавно: ведь более сильный, чем обычно, приступ может навсегда уничтожить меня как художника».

Важно отметить, что Ван Гог, вероятно, был единственным жителем приюта, который занимался делом: «Следовать лечению, применяемому в этом заведении, очень легко даже в случае переезда отсюда, ибо здесь ровно ничего не делают. Больным предоставляется прозябать в безделье и утешаться невкусной, а порой и несвежей едой».

В конце мая 1890 года Тео предложил брату перебраться поближе к нему и его семье, на что Винсент возражать не стал. Проведя три дня у Тео в Париже, художник поселяется в Овер-сюр-Уаз (небольшой деревушке, находящейся недалеко от Парижа). Здесь Винсент работает, не позволяя себе ни минуты отдыха, каждый день из-под его кисти выходит новое произведение. Таким образом, за последние два месяца жизни он создает 70 картин и 32 рисунка.

В Овер-сюр-Уаз наблюдение за художником принимает на себя доктор Гаше, который был специалистом в области сердечных заболеваний и большим любителем искусства. Об этом враче Винсент напишет: «Насколько я понимаю, рассчитывать на доктора Гаше не приходится ни в коей мере. Во-первых, как мне кажется, он болен еще больше, чем я, — уж во всяком случае не меньше; такие вот дела. А коли слепой ведет слепого, не рухнут ли они оба в канаву?»

Рухнули… 29 июля 1890 года уйдет из жизни Винсент Ван Гог, пустив пулю себе в грудь, он умрет в присутствии вызванного доктора Гаше. В кармане художника найдут последнее письмо, адресованное Тео Ван Гогу, которое заканчивается так: «Что ж, я заплатил жизнью за свою работу, и она стоила мне половины моего рассудка, это так…»

Смерть старшего брата обернется катастрофой и для Теодора Ван Гога: после неудачной попытки организовать посмертную выставку картин брата у Тео обнаружатся признаки помешательства, его жена примет решение поместить больного в психиатрическую лечебницу, где он и умрет 21 января 1891 года.

Совместный труд братьев будет высоко оценен посмертно, и невероятной несправедливостью кажется то, что ни один из них не дожил до того дня, когда к Винсенту Ван Гогу пришли мировая известность и признание.

• #Живопись

Тайны дамы в голубом: магия портретов Томаса Гейнсборо 

• #Живопись

24 мая 1819 г. родилась королева Виктория – женщина, именем которой называют целую эпоху в британской истории и культуре. Ко времени ее правления относится деятельность прерафаэлитов – художников, чье творчество произвело революцию в искусстве того времени. Их называли авангардом викторианской эпохи. Братство прерафаэлитов провозгласило совершенным особый тип женской красоты. Его живым воплощением были рыжеволосые девушки, ставшие музами художников.

Слева – Артур Хьюз. Офелия, 1863. Справа – Уильям Холман Хант. Далекая нежность, 1866

По мнению прерафаэлитов, академическая живопись зашла в тупик и постепенно близилась к своей гибели. Единственным выходом им представлялось возвращение к искренности и простоте искусства раннего итальянского периода – до Рафаэля, которого художники считали основателем академизма. Так появилось «Братство прерафаэлитов» – общество, противостоящее официальным художественным течениям.

Данте Габриэль Россетти. Sancta Lilias, 1874. Фрагмент

Прерафаэлиты считали, что нужно писать с натуры, и на своих полотнах изображали своих знакомых и близких. При этом социальному статусу моделей они не придавали никакого значения. Главным критерием был определенный тип красоты – отрешенный, спокойный, таинственный, ассоциировавшийся у прерафаэлитов с эпохой Средневековья и раннего Возрождения. Это средневековый идеал женственности, достойной поклонения и восхищения.

Джон Эверетт Милле. Офелия, 1852

Данте Габриэль Россетти. Слева – Блаженная Беатриче, 1864-1870. Справа – Блаженная Беатриче (второй вариант картины), 1882. Посмертный портрет Элизабет Сиддал

Музой для большинства художников братства стала Элизабет Элеонор Сиддал – натурщица, поэтесса, художница, портреты которой писали Данте Габриэль Россетти, Уолтер Хоуэлл Деверелл, Уильям Холман Хант и Джон Эверетт Милле. Самой известной картиной, на которой изображена Элизабет, стала «Офелия» Милле. Она была единственной женщиной, участвовавшей в выставке прерафаэлитов в 1857 г.

Данте Габриэль Россетти. Слева – Ramoscello, 1865. Справа – Мона Ванна, 1866

Слева – Уильям Моррис. Прекрасная Изольда (Королева Джиневра), 1858. Натурщица – Джейн Берден. Справа – Данте Габриэль Россетти. Возлюбленная (Невеста), 1865-1866

С Россетти Элизабет связывали не только творческие, но и сложные личные взаимоотношения. Они познакомились в 1852 г. в мастерской Милле. В течение нескольких лет, несмотря на любовь к Элизабет, Россетти не мог порвать связи с другими женщинами. Он изобразил ее на картинах «Паоло и Франческа да Римини», «Любовь Данте», «Явление Данте Рахили и Леи». Их свадьба состоялась в 1860 г., а через два года больная туберкулезом девушка умерла от передозировки лауданума – лекарственного препарата, содержащего опиум. Россетти не мог простить себе ее гибели и до конца дней страдал от приступов депрессии и кошмаров, находя забвение в алкоголе и наркотиках.

Данте Габриэль Россетти. Портреты Джейн Берден

Данте Габриэль Россетти. Слева – Прозерпина, 1874. Натурщица – Джейн Берден. Справа – Портрет Джейн Берден

Джейн Берден – еще одна муза прерафаэлитов. Она была дочерью конюха и не получила образования, но после частных уроков так преобразилась, что сумела войти в высшее общество. Есть версия, что она послужила прототипом героини «Пигмалиона» Б. Шоу. Ее красота вдохновляла Россетти и Уильяма Морриса, женой которого она стала. Одно время ее связывали любовные отношения и с Россетти, но с мужем она оставалась до его смерти.

Данте Габриэль Россетти. Слева – Bocca Baciata, 1859. Справа – Леди Лилит, 1868. Натурщица – Фанни Корнфорт

Прерафаэлиты переосмыслили традиционную викторианскую концепцию женственности: они утверждают право женщины испытывать сексуальное желание и страсть, которая часто становится губительной и даже приводит к трагической гибели. При этом внешность женщин напоминает средневековый идеал: белокожие рыжеволосые красавицы изображены на большинстве полотен. Даже если девушка вела себя вульгарно – это не имело значения. Фанни Корнфорт шокировала простонародным акцентом и развязным поведением, зато у нее была царственная осанка и золотые волосы. В ней Россетти видел воплощение сексуальности, а в Джейн Берден – романтический образ небесной богини.

Данте Габриэль Россетти. Возлюбленная (Невеста), 1865-1866. Фрагмент

Джон Уильям Уотерхаус. Леди из Шалот, 1888

• #Живопись

Три сестры в парке

Искусствоведы утверждают, что Григорий Мясоедов вошел в историю живописи вообще и русской живописи в частности, как один из отцов-основателей и активных деятелей передвижничества. Я с этим утверждение не согласен.

Он прежде всего художник и не просто художник, а действительно великий художник. А уже потом, если угодно, общественный деятель в области живописи. Пройдет ещё 100 лет и про передвижников будут знать, и помнить, только глубокие и узкие специалисты. А картины художника Григория Мясоедова будут изумлять своей глубиной и радовать красотой любителей живописи.

Биография Григория Мясоедова

Григорий Григорьевич родился в апреле 1834 году в селе Паньково Тульской губернии, в семье дворян. Некоторое время учился в Орловской гимназии, а потом оставил гимназию и поступил в Академию художеств, в классы профессоров Т.А. Неффа и А.Т. Маркова.

В 1861 году Мясоедов получил малую золотую медаль за картину «Поздравление молодых», а в 1862 году (в год выпуска из академии) – большую золотую медаль за картину «Бегство Григория Отрепьева из корчмы». Кроме золотой медали Григорий Мясоедов был награжден правом на зарубежный пенсион в Европу за государственный счет.

Несколько лет (до 1869 года) художник жил и работал в Европе, однако часто приезжал в Россию и посещал «вечера» Крамского. Именно там Григорий Григорьевич заболел идеей создания сообщества прогрессивных художников, которые бы работали независимо от академии художеств и формировали собственное иное мировоззрение живописца.

В 1870 году Мясоедову было присвоено звание академика. И в том же году в Министерство внутренних дел (2 ноября 1870 года) был подан проект «Товарищества передвижных выставок).

Я не буду перечислять самые знаменитые картины художника – я эти картины вам покажу. Но, только действительно знаменитые, поскольку Григорий Григорьевич работал много и продуктивно, и каждая его картина – это события. Не все, в своё время, были приняты публикой и не все попали в созданный критиками раздел «великих произведений».

Умер Г.Г. Мясоедов 18 декабря 1911 года под Полтавой, в своём имении Павленки, и был похоронен в саду усадьбы.

Картины художника Григория Мясоедова

Страдная пора

Дорога во ржи

Молебен на пашне о даровании дождя

Бегство Григория Отрепьева из корчмы на литовской границе

Поздравление молодых в доме помещика

Чтение Положения 19 февраля 1861 года

Земство обедает

Пристань в Ялте

Дедушка русского флота (Франц Тимерман объясняет юному Петру Алексеевичу устройство ботика, найденного в одном из амбаров села Измайлово)

Монахи. Не туда заехали

Смотрины невесты

У чужого счастья

О Живописи и Творчестве

• #Живопись 

Зима. Холодно. А как насчет устроить чаепитие и выпить чаю, сопровождая это действо красивейшими и фантастическими чайниками?

Источник: http://fishki.net/ © Fishki.net

• #Керамика

Думаете, какой салат приготовить на Новый год петуха? Салат Гранатовый браслет будет идеальным выбором. Зерна граната очень понравятся хозяину наступающего года. Такой салат очень украсит ваш новогодний стол, станет его украшением.

Ингредиенты и состав

Отварная картошка – 2 штуки

Запеченная свёкла – 1 шт.

Вареная морковка – одна крупная

Филе курицы отварное (свинина, говядина) – 350 грамм

Два – три яйца сваренных вкрутую

100 грамм грецких орехов

Майонез

Приправы по вкусу

Целый большой плод граната (зерна)

ГРАНАТОВЫЙ БРАСЛЕТ САЛАТ КЛАССИЧЕСКИЙ РЕЦЕПТ С ФОТО

Всем доброго дня! 

Хочу поделиться с вами своими новогодними снежинками из джутового шпагата. Сделанные своими руками праздничные снежинки украсят ваш дом и превнесут особую атмосферу праздника. 

В работе использовались такие материалы как джутовый шпагат разного цвета, клей Титан, разнообразные стразы, блестки и другие декоративные элементы.

Сделать самим такие снежинки не сложно. Простой мастер-класс с пошаговыми фотографиями процесса можно найти на моем сайте по ссылке.

Желаю всем приятного предновогоднего настроения и благодарю за внимание к моему творчеству!

Источник Творчество в подарок!

• #Декор
• #Мастер-классы
• #Рождество, Новый год
• #Хвастаемся! 

Набор для вышивки крестиком

Название: Юноша на белом коне

Автор: коллектив

Издательство: Алиса

Год издания: н/о

Номер: 4-17

Формат: jpg

Размер: 41 Mb

Количество страниц: 7

Язык: русский

ISBN: н/о

Жанр: рукоделие

Качество: Хорошее

Вид издания: буклет  

Скачать файл >>>

http://turbobit 

http://depositfiles 

• #Библиотека
• #Вышивание 

24 июля исполняется 156 лет со дня рождения всемирно известного чешского художника, иллюстратора, ювелирного дизайнера, плакатиста Альфонса Мухи. Его называют одним из самых известных представителей стиля модерн и создателем собственного неповторимого стиля. «Женщины Мухи» (изображения времен года, времени суток, цветов и т. д. в женских образах) известны во всем мире благодаря открытой чувственности и пленительной грациозности.

Альфонс Муха. Серия *Искусство*. Поэзия и Танец, 1898

Альфонс Муха с детства хорошо рисовал, однако его попытка поступить в пражскую Академию художеств не увенчалась успехом. Поэтому свой творческий путь он начинал как декоратор, художник афиш и пригласительных билетов. Не отказывался и от росписи стен и потолков в богатых домах. Однажды Муха работал над украшением родового замка графа Куэн-Беласси, и тот был так впечатлен работой художника, что согласился оплатить его учебу в мюнхенской Академии изящных искусств. Там он освоил технику литографии, которая впоследствии стала его визитной карточкой.

Альфонс Муха. Рекламные плакаты спектаклей Сары Бернар, 1894-1898

После занятий в Мюнхене Муха переезжает в Париж, где обучается в Академии Коларосси и зарабатывает на жизнь изготовлением рекламных плакатов, афиш, ресторанных меню, календарей и визитных карточек. Судьбоносной стала встреча художника с актрисой Сарой Бернар. Однажды владелец типографии де Бруноф заказал ему афишу, Альфонс сходил на спектакль и под впечатлением набросал эскиз на мраморной плите стола в кафе. Позже де Бруноф выкупил это кафе, и стол с рисунком Мухи стал его главной достопримечательностью. А когда Сара Бернар увидела плакат, выполненный в технике многоцветной литографии, она пришла в восхищение и захотела увидеть автора. По ее рекомендации Муха получил должность главного декоратора театра и с тех пор оформил множество афиш, костюмов и декораций к ее выступлениям.

Альфонс Муха. Серия *Времена года*. Весна, Лето, Осень, Зима

Альфонс Муха. Утро, День, Вечер, Ночь, 1889

В 1897 г. во Франции прошла первая персональная выставка Альфонса Мухи. Тогда же появилось понятие «женщины Мухи»: имелись в виду не его романтические увлечения, а привычка изображать времена года, цветы, время суток, виды искусства, драгоценные камни и т. д. в женских образах. Его женщины всегда были узнаваемы: грациозные, миловидные, пышущие здоровьем, чувственные, томные – они тиражировались в открытках, плакатах, рекламных листовках, игральных картах.

Альфонс Муха. Слева – афиша ХХ выставки *Салона ста*, 1896. Справа – реклама папиросной бумаги *JOB*

Альфонс Муха. Слева – золотой браслет для Сары Бернар, 1899. Справа – цепочка с подвесками, 1899-1900 гг.

Залы ресторанов и стены богатых домов украшали его работы, он был невероятно популярен, заказы поступали со всей Европы. Вскоре Муха стал сотрудничать с ювелиром Жоржем Фуке, который по его эскизам создавал эксклюзивные ювелирные украшения. В то же время художник продолжал работать над дизайном упаковок, этикеток и рекламных иллюстраций – от шампанского и шоколада до мыла и папиросной бумаги. В 1895 г. Муха примкнул к объединению символистов «Салон ста». Они пропагандировали новый стиль – Арт Нуво, и демократизацию искусства, что нашло выражении в понятии «искусство для дома»: оно должно быть недорого, понятно и доступно для самых широких слоев населения. Муха любил повторять: «Бедность тоже имеет право на красоту».

Альфонс Муха. Слева – Портрет жены Марушки. 1905. Справа – Портрет жены художника Марушки, 1917

Альфонс Муха. Слева – Дочери художника – Ярослава и Джири, 1919. Справа – Портрет дочери Ярославы, 1930

В 1900 г. Муха принял участие в оформлении павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже. В ту пору он заинтересовался историей славян, что стало поводом создания цикла «Славянская эпопея». С 1904 по 1913 гг. Муха много времени проводит в Америке, декорирует дома, создает иллюстрации для книг и журналов, афиши и эскизы костюмов для театральных постановок, читает лекции в Институте искусств в Чикаго. А после решает вернуться в Чехию и в течение 18 лет работает над «Славянской эпопеей».

Альфонс Муха. Славянский эпос. Царь Симеон Болгарский, 1923

Альфонс Муха. Отмена крепостного права на Руси, 1914

Альфонсу Мухе довелось побывать и в России. Его персональная выставка тут состоялась еще в 1907 г., а в 1913 г. он отправился в Москву и Петербург, чтобы собрать материалы для «Славянской эпопеи». Большое впечатление на него произвели Третьяковская галерея и Троице-Сергиева Лавра. Муха был в доме художника Пастернака, когда там праздновали выход в свет поэтического сборника его сына, Бориса Пастернака.

Альфонс Муха

• #Живопись 

Пожалуй, нет ни одного взрослого, которого бы не впечатлил этот кукольный домик. Он был построен почти 30 лет назад, но и сегодня сложно представить себе что-то более фантастическое. 29 комнат, более 10 тысяч различных предметов мебели, работающие камины и миниатюрные картины маслом, зеркала и золотые ювелирные украшения на столике будуара, текстиль и крохотные книжные полки с изданиями, которым уже более столетия…

Стоимость этого восхитительного замка оценивается в $8.5 млн. Эта сумма выше, чем стоимость хорошо укомплектованной квартиры в Нью-Йорке. Казалось бы, сложно поверить, но внутри этого замка столько миниатюрных произведений искусства, что голова идет кругом. Идея создания этого замка появилась у Элайн Диль (Elaine Diehl) после прочтения стихотворения о Владычице Озера Альфреда Теннисона. На протяжении 13 лет (с 1974 по 1987 год) Элайн строила замок, заручившись поддержкой лучших мастеров со всего мира.

Миниатюрная гостиная с картиной на стене

Кухня с печью

Сквозь окна можно рассмотреть интерьер комнат

На столе – миниатюрные блюда

Размеры замка впечатляют – это 7-этажное здание, которое можно рассматривать с любого ракурса. На цокольном этаже располагается винный погребок и оружейная комната, рядом – кухня с необходимой мини-утварью. В замке, как и полагается, есть комната для прислуги, есть и торжественные бальные залы, и комната с фортепиано, и даже балкон. Настоящая жемчужина замка – комната с коллекцией миниатюрных книг, дагерротипов и картин. На верхних этажах располагаются спальни, а под самой крышей обустроена обсерватория с крохотным телескопом.

Кукольный домик за $8,5 млн

На столе – крохотные шахматные фигурки

Спальня для романтического свидания: роскошная кровать и шампанское

Уютная детская комната

До 1996 года замок можно было увидеть в галерее Элайн Диль в Седоне (штат Аризона, США), после он был приобретен коллекционером L. Freeman и экспонировался в музее Nassau County Museum of Art. Freeman.

Кухня с провизией

Шкафы с раритетными миниатюрными книгами

Туалет в кукольном домике

• #Куклы, игрушки

Выдающийся ювелир, использовавший в своих работах нестандартный подход, гений стекла и покоритель множества сердец необычайными вещами, притягивающими взор и восхищающими своей легкостью, неординарностью и великолепием...

Рене Лалик ( 1860 — 1945, Париж) - мастер ювелирных и стеклянных дел, один из самых выдающихся представителей ар нуво - его произведения, несомненно, можно назвать произведениями искусства.
Родился он в небольшой французской деревушке, в регионе Шампань. Родители Рене переехали в Париж, когда он был еще совсем маленьким, однако каждое лето они посещали деревню, благодаря чему Лалик постоянно наблюдал за природой и откладывал в памяти эти частички жизни.

Творения Рене стали классикой XX столетия – ювелирные произведения, дизайнерские вещи. Великолепный стекольщик, он с самого раннего возраста завоевал популярность и признание.
О нем до сих пор говорят только в превосходной степени. Являясь смелым экспериментатором в ювелирном деле, он привнес туда многочисленные идеи о сочетании камней и эмали, различных сплавов металлов. Драгоценные камни объединялись в единое целое с обычными, создавая неповторимые композиции.

Сегодня его изделия котируются наравне с произведениями искусства и стоят на аукционах почти столько же, а порой и больше. Этот человек сделал невозможное: он заставил женщин отказаться от бриллиантов и алмазов ради обыкновенного стекла. Хрупкость и сияние, вот как ювелиры всего мира до сих пор характеризуют работу Lalique. Будучи совсем молодым человеком Лалик искал себя, показывая эскизы знаменитым ювелирам Картье и Бушерону, и они их охотно покупали, затем выпуская по его эскизам свои предметы.

Сначала именитые мастера скрывали имя паренька, однако долго это продолжаться не могло - внимание публики к этим произведениям постоянно повышалось. Так Лалик открыл своей первый магазинчик в центре Парижа. Светские красавицы и именитые актрисы буквально атаковали магазинчик, Рене Лалик не мог обеспечить всех своими предметами - они постоянно находились в дефиците, но он и не гнался за "ширпотребом" - он создавал произведения искусства и каждое выходило особенным, ни на что не похожим.
Рене Лалик своим нестандартным подходом, соединяя, например, кость, жемчуг, яшму и эмаль, произвел настоящую революцию. Лучшие ювелиры того времени были просто поражены его успехом, например, в 1900 году он получает сразу две высших награды Франции: Гран-При и Орден Почетного легиона.

Он любил использовать так называемые «барочные» жемчужины — неправильной формы, не похожие одна на другую, а также широко использовал коралл, кость и рог, а в ювелирную эмаль добавлял частички золота, чтобы она искрилась и сияла теплым светом.

Одна из именитых поклонниц - Сара Бернар - отчасти была музой Лалика - ее черты прослеживаются в нескольких произведениях мастера. Сара Бернар как-то раз появилась в его украшениях на сцене, чем еще больше увеличила популярность гения. Среди заказчиков ювелира впоследствии было немало известных коммерческих гигантов того времени — например, парижский парфюмер Франсуа Коти, чьи духи были достойным содержимым для стеклянных флаконов филигранной работы дома Lalique.

Здесь стоит сказать почему Лалик увлекся стеклом. Имеется версия, что в детстве он мог нарисовать все, что угодно, кроме облаков, он видел, как они трансформируются и принимают разные формы, но запечатлеть это в рисунке никак не получалось. И когда он познакомился со стеклом и хрусталем, то понял, что вот они, облака...
Лалик сосредоточил все свое внимание именно на стекле, окончательно отказавшись от использования драгоценных камней в пользу этого почти алхимического, завораживающего материала, податливого, твердого и хрупкого попеременно. Он перешел от ювелирных украшений практически полностью на стекло. Сначала парижанки очень огорчились, но, когда Лалик представил серию своих флаконов - поняли, что гений продолжает свое дело, только поменял материал.

Однажды, гуляя по площади рядом с магазинчиком Лалик,  Франсуа Коти увидел несколько стеклянных вещиц, выставленных в витрине, и это произвело на него неизгладимое впечатление. Он сделал Лалику предложение о сотрудничестве. Так началась эпоха флаконов Лалика. Содружество двух выдающихся художников – ювелира и парфюмера –  привело к созданию эксклюзивной парфюмерии и эксклюзивного хрустального флакона.
Лалик глубоко и тщательно изучал искусство изготовления флаконов и применял свои новаторские идеи в технике «тающий воск», который существовал ещё в египетском стеклоделии. Он открывает собственную фабрику Combs-la-Ville (Комб-ла-Вилле), недалеко от Парижа.

Из стекла Лалик умудряется делать скульптуры, бытовые вещи - вазы, лампы, даже мебель. Он являлся также архитектором, например, ресторан одного из величайших судов того времени "Нормандия" был полностью украшен произведениями Лалика.

Произведения Лалика хранятся в Эрмитаже - их покупала вся русская аристократия, включая императрицу Марию Федоровну.

В последние годы мастер увлекся фотографией и фотографировал свои безупречные работы.
Как это часто бывает с настоящими мастерами, его искусство продолжило жить и после смерти самого Рене Лалика в 1945 году. Дело отца продолжил сын Марк, не менее талантливый.

Рене Лалик также прославился как дизайнер и архитектор - он самостоятельно занимался обустройством своего дома в Париже. Например, его руками создана резная входная дверь со стеклянными плитами с вырезанными еловыми ветвями.
И еще один необычный поворот - мастер всегда стремился идти в ногу со временем и свой талант он применил в частности на автомобилях - стеклянные талисманы, закреплявшиеся на радиаторе, получили название mascottes. Сегодня миру известны лишь 30 этих маленьких шедевров и их цена выше цены золота того же веса.

Источник: http://fishki.net/ © Fishki.net

• #Ювелирное искусство 

До середины декабря в Пушкинском музее гостят одиннадцать работ (восемь живописных и три графических) величайшего итальянца эпохи Возраждения. Рафаэль Санти — это тот редкий случай в мире искусства, когда творец обретает славу еще при жизни, не потеряв ее после смерти. Выставка, разместившаяся всего в одном зале, скромна по размерам, но не по содержанию: например, здесь можно в живую увидеть знаменитый «Автопортрет», который, к слову сказать, до введения в оборот евро украшал одну из самых крупных итальянских купюр в 500 000 лир.

Автопортрет

Настоящим открытием стал для меня «Портрет Элизабетты Гонзага», во многом предвосхитивший, на мой взгляд, стилистику Климта с его декоративным подходом к изображению и техникой золотых пластин. Как большой почитатель течений XIX века в искусстве я вижу черты модерна повсюду (Ренессанс — не исключение), и радуюсь каждой новой находке!

Портрет Элизабетты Гонзага

В творчестве Рафаэля и на выставке в Пушкинском нашлось место и для жанра парного портрета, набиравшего в то время всё большую популярность: «Портрет Мадаленны Дони» и «Портрет Аньоло Дони» приехали к нам из Национальной пинакотеки Болоньи.

Портрет Мадаленны Дони,
Портрет Аньоло Дони

Но проще всего заметить черты Возрождения, пожалуй, в религиозной живописи, которая на выставке представлена двумя картинами — «Мадонна Грандука» и  «Экстаз Святой Цецилии со святыми Павлом, Иоанном Евангелистом, Августином и Марией Магдалиной». Первая написана не без влияния Леонардо да Винчи: темный фон, лёгкое сфумато, сочетание оттенков красного и приглушенного синего. Вторая, выполненная насыщенными цветами, вызвала у меня иные ассоциации, направленные не в прошлое, а в будущее — куда-то в сторону Александра Иванова. Впрочем, дело здесь не только в колористике, но и в религиозном сюжете, а еще — в особом уважении автора «Явления Христа народу» к Рафаэлю.

Мадонна Грандука,

Экстаз Святой Цецилии со святыми Павлом, Иоанном Евангелистом, Августином и Марией Магдалиной

Через четыре года исполняется 500 лет со дня смерти Рафаэля, но мероприятия, приуроченные к этой дате, проводятся уже сейчас, и выставка в Пушкинском стала первым из них. По традиции к открытию экспозиции был выпущен альбом- я немало удивилась, увидев, что обращение к читателю написал не кто иной, как Президент России В.В. Путин. Можно себе представить размах мероприятий, которые будут проводиться в ближайшие годы на родине великого мастера - в Италии!

Источник: https://paintingrussia.wordpress.com

Даты проведения выставки: 13.09.2016 – 11.12.2016

ГМИИ им. А.С. Пушкина, Волхонка, 12

Страница в интернете: http://www.arts-museum.ru

• #Живопись

Никто не знал, когда она говорит правду, а когда лжет. Никто не догадывался, где она пропадала по несколько дней. Никто не спрашивал, кем был отец ее ребенка. Ее называли «страшной Мари» и обвиняли в расчетливости, эксцентричности и бездушии. Сюзанна Валадон была одной из самых популярных натурщиц Монмартра, она позировала Ренуару и Тулуз-Лотреку. Никто не догадывался о том, что она тоже пишет картины и сможет стать успешной художницей.

Сюзанна Валадон, фото 1885 и 1890 гг.

Мари-Клементина Валадон была дочерью прачки, а об отце она ничего не знала. С 11 лет ей пришлось работать: она нянчила детей, подавала напитки в бистро, торговала овощами на рынке. В 15 лет она поступила на службу в любительский цирк и стала акробаткой. Ее цирковая карьера закончилась после того, как она сорвалась с трапеции и упала на арену. Из-за полученной травмы девушка больше не могла выполнять акробатические трюки.

Слева – Т.-А. Стейнлейн. Портрет Сюзанны Валадон. Справа – С. Валадон, фото 1887 г.

Ее мать открыла прачечную, и Мари-Клементина помогала ей разносить белье заказчикам. Среди них были художники, и один из них – Пюви де Шаванн – обратил внимание на привлекательную девушку, предложив ей работу натурщицы. В каждом персонаже картины «Священная роща» угадываются черты Мари-Клементины.

П. де Шаванн. Священная роща, 1889

Ф. Зандоменеги. Беседа

Позже девушка стала натурщицей также для Ф. Зандоменеги и О. Ренуара. В 1883 г. Валадон родила сына, отцом которого называли каждого из художников, с которыми она работала. Девушка не отличалась пуританскими взглядами и вела свободный образ жизни. В том же году натурщица позировала для двух картин из танцевальной серии Ренуара. «Страшная Мари» в его исполнении – само очарование, мягкость и женственность.

С. Валадон с сыном, 1890 и 1894 гг.

О. Ренуар. Слева – Сюзанна Валадон, 1885. Справа – портрет Сюзанны Валадон, 1885

Для этих картин Ренуару позировала С. Валадон: *Танец в Буживале*, 1883, *Танец в городе*, 1883, *Зонтики*, 1886

Совсем по-другому видит ее Тулуз-Лотрек. В своих работах художник не льстит девушке, заостряя внимание на тех чертах, которые выдают в ней вздорный характер. Исследователь жизни и творчества Тулуз-Лотрека А. Перрюшо писал: «В портретах Лотрека у Мари резкие, жесткие черты лица, такие, какими они станут, когда она утратит прелесть своих двадцати лет. У нее не по возрасту печальное лицо, сжатые губы, мрачный, устремленный в пространство отсутствующий взгляд».

А. де Тулуз-Лотрек. Девушка за столом, 1887. Фрагмент

А. де Тулуз-Лотрек. Портреты Сюзанны Валадон 1885 и 1887 гг.

По совету Тулуз-Лотрека Мари-Клементин взяла псевдоним Сюзанна, и именно под этим именем позже ее узнал весь мир. В ту пору у натурщицы с художником начался бурный роман, в котором А. Перрюшо видит не только страстное увлечение друг другом, но и творческий союз двух талантливых людей: «Мари нравилась любовь. Она занимала в ее жизни большое место. Вид Лотрека, его уродливая внешность, его страстная натура не отпугнули ее, а скорее наоборот – привлекли. Она стала любовницей Лотрека. Оба они, казалось, были созданы друг для друга. И эта плебейка и потомок графов де Тулуз были абсолютно свободны от каких-либо предрассудков. И он и она трезво смотрели на действительность. Пользуясь любым случаем, чтобы поучиться у художников их ремеслу, Валадон ценила талант Лотрека, его острый глаз психолога, трезвость его взглядов, его неумение писать «красиво», его зачастую бичующие карандаш и кисть».

А. де Тулуз-Лотрек. Похмелье, 1889

Сюзанне Валадон нравилось рассказывать о себе небылицы, что подтверждал Тулуз-Лотрек: «Воображения у нее предостаточно, ей ничего не стоит солгать». Но об одном она никогда не говорила – о своем серьезном увлечении живописью. Тулуз-Лотрек однажды случайно увидел ее работы и был поражен незаурядным талантом художницы. Он показал ее картины Эдгару Дега, и тот воскликнул: «Вы – наша!».

С. Валадон. Обнаженная, 1926

С. Валадон. Слева – автопортрет, 1917. Справа – Адам и Ева, 1901

«Страшная Мари» заставляла Тулуз-Лотрека выполнять все ее капризы, изводила его истериками, надолго исчезала без объяснений, постоянно врала. После того, как она разыграла спектакль с самоубийством, терпению художника пришел конец, и больше они не встречались. Позже она вышла замуж, а в 44 года ушла от мужа к 23-летнему любовнику, с которым прожила почти 30 лет.

С. Валадон. Голубая комната, 1923

К своим произведениям Валадон относилась куда более серьезно, чем к мужчинам: над одной картиной она могла работать более 10 лет. В 1894 г. Валадон стала первой художницей, принятой в Национальное общество изящных искусств, и одной из немногих, кто добился признания и финансового благополучия при жизни. Своему сыну Морису Утрилло Сюзанна Валадон не дала ни материнской заботы, ни любви, но зато передала любовь к живописи – он также стал художником. Их называли последними наследниками импрессионизма.

С. Валадон, М. Утрилло и А. Уттер

С. Валадон в студии.

• #Живопись

Безусловно, одной из любимых моделей Эдуарда Мане была Викторина Меран. Быть может, ее даже можно назвать самой любимой моделью художника, так как позировала она для самых смелых, скандальных (для своего времени, разумеется) и знаменитых его полотен.
Викторина Мёран родилась в Париже в семье гравёра Жана-Луи-Этьенна Мёрана и его жены Луизы-Терезы в 1844 году. Её дядя был скульптором, а сама она хорошо играла на гитаре. Кроме этих фактов о юности и образовании Викторины Мёран известно немного. Амбруаз Воллар описывал её как своенравное существо, разговаривавшее как парижские уличные женщины. С декабря 1861 по январь 1863 г. она работала моделью в мастерской художника Тома Кутюра. Мане познакомился с ней в 1862 г., когде ей было 18 лет. Она позировала ему для таких известных картин, как:

«Уличная певица». 1862

Вот что пишет об этом Анри Перрюшо:

Однажды художник замечает где-то там девушку лет двадцати, она сразу же привлекла его незаурядностью своего облика – вызывающе-дерзкий взгляд, лицо, отмеченное яркой красотой. Какой натурщицей была бы эта девушка. Она наверняка могла бы помочь создать большую картину, о какой он давно мечтает. У нее маленькое, но сильное, тонкое, изящное тело. Это блондинка с рыжеватым оттенком волос, матовой, очень бледной кожей, большими карими глазами, окаймленными такими светлыми ресницами, что их почти не заметно. Вдруг Мане оказывается рядом с ней и с присущей ему очаровательной непринужденностью, улыбкой гурмана игриво спрашивает, не согласилась бы она ему позировать.

Ну разумеется! Почему бы и нет? Уроженка Монмартра, девушка эта – ее зовут Викторина-Луиза Меран – мечтала только об одном: вырваться из нищеты. Торговала ли она собой? Выть может. Разглядывая в зеркале личико ослепительно снежной белизны, карие, с золотым отливом глаза, она предается несбыточным мечтам о театре, воображает себя актрисой. У нее – так ей кажется – артистическая натура. Предложение Мане ее не шокирует, не удивляет – она ждала его; это знамение судьбы.
Викторина Меран тотчас же начинает позировать в мастерской на улице Гюйо. Она умеет бренчать на гитаре. Так отчего бы ей не стать музыкантшей? И вот Мане уже пишет с нее «Уличную певицу»– придерживая одной рукой инструмент, она, выходя из кабаре, ест вишни. Викторина обладает всеми качествами великолепной натурщицы; прежде всего естественностью, очень редкой у представительниц этой профессии, и одновременно свойством замечательно приноравливаться к художнику, входить в самые разные роли – способность, которой объяснялись, несомненно, театральные помыслы Викторины; помимо этого, еще и терпением, пониманием значимости работы живописца, аккуратностью. Викторина нравится не только Мане-художнику, она нравится и Мане-мужчине. Вскоре между ними возникает интимная близость, а слух об этом ползет по Парижу.

Мадмуазель Меран в костюме матадора». 1862

«Завтрак на траве»

Под первоначальным названием «Купание» эта картина предназначалась для Парижского Салона, однако её вместе с 3 тысячами других полотен жюри не допустило к выставке. Все эти картины были выставлены на так называемом Салоне отверженных, созданном по инициативе императора Наполеона III.
Выбор сюжета картины — двое полностью одетых мужчин с нагой женщиной на природе — вызвал полное непонимание и обвинения в декадентстве и плохом вкусе. Публика была возмущена не только сюжетом, но и тем, как обнажённая женщина, моделью для которой стала Викторина Меран, бесстыдно смотрит прямо на зрителя, а также узнаваемостью персонажей- мужчин, для которых позировали брат Мане Густав и будущий шурин художника Фердинанд Леенхофф (фр. Ferdinand Leenhoff). Одеты мужчины как денди. Они так увлечены разговором, что, кажется, совсем не замечают женщины.
Мане задумал «Завтрак на траве» во время воскресной поездки в Аржантей (Argenteuil), на берег Сены. Когда он решил изобразить мирную идиллию, он уже предполагал ярую негативную реакцию из-за сюжета будущей картины, однако закончил работу. Если раньше источником вдохновения Мане служили испанские художники, то теперь он обратился к итальянской живописи и решил создать современную версию «Сельского концерта» Джорджоне. Картине, написанной на 350 лет раньше и ставшей классикой, можно было простить фривольный сюжет, но Мане, фактически запечатлевшему современность, публика не простила.

«Олимпия». 1863.

На Парижском салоне 1865 года картина стала причиной одного из самых больших скандалов в истории искусства.
«Олимпия» явилась одной из самых знаменитых ню XIX в. Однако у Олимпии есть много предшествовавших ей известных образцов: изображение лежащей обнажённой женщины имеет в истории искусства давние традиции. Прямыми предшественницами «Олимпии» Мане являются «Спящая Венера» Джорджоне 1510 г. и «Венера Урбинская» Тициана 1538 г. Обнажённые женщины написаны на них практически в одинаковой позе.
Прямой и открытый взгляд обнажённой Олимпии уже известен по «Обнажённой Махе» Гойи, а контраст между бледной и тёмной кожей уже обыгрывался в картине «Эстер» или «Одалиска» Леона Бенувиля 1844 г., хотя на этой картине белокожая женщина одета. К 1850 г. в Париже также получили широкое распространение фотографии ню лежащих женщин.
Одной из причин скандальности полотна послужило и его название: художник не последовал традиции оправдывать наготу женщины на картине легендарным сюжетом и не назвал свою ню «мифологическим» названием типа «Венера» или «Даная». В живописи XIX в. появились многочисленные «Одалиски», самая известная из которых, конечно же, «Большая Одалиска» Жана Огюста Доминика Энгра, однако Мане пренебрёг и этим вариантом.
Наоборот, стиль немногочисленных ювелирных украшений и фасон туфель девушки указывают на то, что Олимпия живёт в современное время, а не в какой-либо абстрактной Аттике или Османской империи.
Необычно и само имя, которое дал девушке Мане. За полтора десятка лет до этого, в 1848 г. Александра Дюма публикует свой прославленный роман «Дама с камелиями», в котором имя Олимпия носит главная антагонистка и коллега героини романа. Мало того, это имя было нарицательным: так часто называли дам полусвета. Для современников художника это имя ассоциировалось не с далёкой горой Олимп, а с проституткой.
Это подтверждает и символический язык картины:
Чернокожая служанка несёт букет цветов от поклонника — цветы традиционно считаются символом дара, пожертвования. Орхидея в волосах Олимпии — афродизиак.
Украшение на шее Олимпии выглядит как лента, завязанная на упакованном подарке.
Прогнувшийся котёнок с поднятым хвостом является классическим атрибутом в изображении ведьм, знаком плохого предзнаменования и эротических излишеств.
Кроме того буржуа были особенно возмущены тем, что модель (голая женщина) вопреки всем нормам общественной морали не лежала, скромно потупив глазки. Олимпия предстаёт перед зрителем не дремлющей, как джорджоновская Венера, она смотрит ему прямо в глаза. Прямо в глаза проститутке обычно смотрит её клиент, в этой роли, благодаря Мане, оказывается каждый, кто смотрит на его «Олимпию».
Кому пришла идея назвать картину «Олимпией», осталось неизвестным. В 1864 г., спустя год после создания картины, появились поэма «Дочь оcтрова» и стихи Захари Астрюка, посвящённые Олимпии. Эта поэма указана в каталоге Парижского салона в 1865 г. В ней есть такие строки:

Черный вестник с охапкой весны перед ней;
То посланец раба, что не может забыться,
Ночь любви обращая цветением дней:
Величавая дева, в ком пламя страстей.

Из-за «Олимпии» Мане разразился один из самых крупных скандалов в искусстве XIX в. Скандальным оказался как сюжет картины, так и живописная манера художника. Мане, увлекавшийся японским искусством, отказался от тщательной проработки нюансов светлого и тёмного, к которой стремились другие художники. Из-за этого современники не смогли увидеть объёмности изображённой фигуры и считали композицию картины грубой и плоской. Гюстав Курбе сравнил Олимпию с дамой пик из колоды карт, только что вышедшей из ванны. Мане обвинили в аморальности и вульгарности. Антонин Пруст позднее вспоминал, что картина уцелела лишь благодаря мерам предосторожности, принятым администрацией выставки:

«Никогда и никому ещё не приходилось видеть что-либо, более циничное, чем эта «Олимпия», — писал современный критик. — Это — самка гориллы, сделанная из каучука и изображённая совершенно голой, на кровати. Её руку как будто сводит непристойная судорога... Серьезно говоря, молодым женщинам в ожидании ребенка, а также девушкам я бы советовал избегать подобных впечатлений».

Полотно, выставленное на Салоне, вызвало ажиотаж и подверглось дикому глумлению со стороны толпы, взбудораженной обрушившейся из газет критикой. Испуганная администрация поставила у картины двух охранников, но и этого было недостаточно. Толпа, хохоча, завывая и угрожая тростями и зонтами, не пугалась и военного караула. Несколько раз солдатам приходилось обнажать оружие. Картина собирала сотни людей, пришедших на выставку лишь для того, чтобы обругать картину и плюнуть на неё. В итоге картину перевесили в самый дальний зал Салона на такую высоту, что её было почти не видно.

Эдгар Дега сказал: «Известность, которую Мане завоевал своей Олимпией, и мужество, которое он проявил, можно сравнить только с известностью и мужеством Гарибальди.»

 Думаю, мужество проявил не только Мане, но и Викторина Меран,, согласившая позировать художнику для заведомо скандального полотна. 

«Дама с попугаем». 1866

Достаточно неожиданно для Мане Викторина Меран прекратила ему позировать и уехала в Америку.
После поездки в Америку она не только снова позировала Мане, но и стала брать уроки живописи и представила свой автопортрет на Парижском салоне 1885 г.
Вот что Пишет Анри Перрюшо:

«… пишет «Партию в крокет», а в соседнем садике, принадлежащем одному приятелю, тоже художнику, – «Железную дорогу»: у решетки, расположенной перед полотном Западной железной дороги, сидит женщина, рядом с ней стоит девочка.
Эта женщина, чей силуэт присутствует и в «Партии в крокет», – да, ее не сразу узнаешь, но нет, ошибки тут нет – это она, конечно, она, Олимпия, это Викторина Меран. Мане не видел ее более шести лет. Она не дала ему – ни ему, ни кому-нибудь другому – никаких объяснений по поводу своего долгого отсутствия. Кажется, она влюбилась в американца, долго жила в Соединенных Штатах и теперь, измученная неудачной любовью, вернулась во Францию. Чтобы оказать Мане услугу, она снова согласилась позировать, но тут обнаружились и ее собственные притязания: отныне она тоже хочет писать красками и добиваться почестей в Салоне».

«Партия в крокет»

«Железная дорога». 1873

После смерти Эдуарда Мане в жизни Викторины уже не было удачи.
Она стала питать слабость к алкоголю и завела любовные отношения с моделью Мари Пеллегри.
Вот что пишет Перрюшо:

«Ко времени смерти Мане о Викторине Меран уже несколько лет не было никаких сведений. Ей отчасти удалось осуществить мечты о живописи; она несколько раз экспонировалась в Салоне: в 1876 году (в год, когда не приняли «Художника» и «Стирку» Мане) она выставила портрет, а в 1879 году – «Нюрнбергскую бюргершу XVI века». Затем наступило время полной неизвестности. Можно было только строить догадки, что стало с Викториной, когда спустя шесть месяцев после похорон живописца, в начале августа 1883 года мадам Мане обнаружила среди корреспонденции любопытное письмо:
«Вам, несомненно, известно, что я позировала для многих его картин, особенно для „Олимпии“, его шедевра, – писала Викторина. – Г-н Мане принимал во мне большое участие и часто говорил, что если он продаст картины, то уделит мне какую-то сумму. Я была тогда слишком молода, беззаботна... Уехала в Америку. Когда я вернулась, г-н Мане, который как раз продал много картин г-ну Фору, предложил мне кое-что. Я отказалась; но, когда благодарила, сказала, что если не смогу больше позировать, то напомню ему об этом обещании. Эти времена настали раньше, чем я предполагала; в последний раз, когда я видела г-на Мане, он пообещал заняться мною, помочь устроиться билетершей в театр и еще сказал, что отдаст то, что мне причитается...»
Короче, не имеющая ни работы, ни денег Викторина взывала к помощи мадам Мане. Нам неизвестно, что ответила на эту просьбу вдова живописца. Но любая щедрость не могла бы остановить необратимого падения Викторины. В последний раз Меран выставлялась в Салоне 1885 года ; торгуя своими увядшими прелестями, она пыталась дополнительно выручить жалкие гроши тем, что предлагала какие-то рисунки клиентам сомнительных заведений Монмартра. Потом ходила с ручной обезьяной и играла на гитаре перед кафе на площади Пигаль. Пила. Ей дали прозвище «Ля Глю» – Смола. Около 1893 года Тулуз-Лотрек время от времени бывал в ее убогой лачуге и приносил ей сласти».

Некоторое время Викторина Меран жила со своей матерью в Аньер-сюр-Сен, пока в 1898 г. не познакомилась с некой Мари Дуфур. С ней она переехала в Коломбе, где и умерла в преклонном возрасте 17 марта 1927 года. Большинство её полотен и рисунков считаются сегодня утерянными.

Тем не менее, она навсегда вошла в историю мировой живописи как Олимпия.

• #Живопись

В. Бычков

Б.Вепхвадзе

Д.Вепхвадзе

Е.Вилкова

Г.Гордон

О.Дыдышко

И.Егоров

В.Екимов

И.Белковский

Ю.Краснова

Н Антонов

П.Васильев

И.Помелова

С.Андрияка

С.Сиденко

А.Соловьев

А.Сусол

У.Харнетт

И.Фатеева

С.Федосов

М.Хавова

В.Хайрутдинова

М.Хачатрян

С.Штоскопф

Л.Эйсмонт

• #Живопись

Польский художник-иллюстратор Яцек Йерка и его картины в стиле фентези в каком-то особом представлении не нуждаются.

И я уже рассказывал о творчестве этого талантливого автора на страницах сайта.

Jacek Yerka (Яцек Йерка) родился в семье художника, в 1952 году. Да, Яцек Йерка – это творческий псевдоним. Фамилия художника: Ковальский.

Яцек закончил Торуньский Университет Николая Коперника, специализировался в области эстампа. С 1980 года начал работать как профессиональный художник, а через 15 лет трудов получил «Всемирную премию фентези», как лучший художник.

Сейчас я хочу предложить вашему внимаю работы, которые не вошли в предыдущую (опубликованную на сайте) галерею.

Работы художника Яцека Йерки

О Живописи и Творчестве

• #Живопись 

Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек… Потомок одного из самых знатных дворянских родов Франции, от рождения предназначенный военной службе, он стал знаменитым художником, творчеством которого восхищаются в разных странах уже более века. Любой аукционный дом рад его работе, даже зарисовке, сделанной наспех. Его картины и афиши продают по баснословным ценам, хотя при жизни признания он так и не дождался…

Лотрек родился в 1864 году, и, казалось бы, жизнь маленького аристократа предопределена и расписана на долгие годы вперед. Но, к сожалению, слабое здоровье сделало военную службу, охоту, спорт, балы невозможными. Это было страшным разочарованием для его отца, который так никогда и не сумел принять сына таким, какой он есть.

Анри из-за переломов шейки бедра обеих ног, полученных в 13 и 14 лет, так и не вырос, оставшись навсегда очень низкого роста. Юноша обладал почти карикатурной внешностью, это постоянно мешало в личной жизни: он так и не сумел создать семью, его любовь всегда оставалась без ответа.

О его боли, чувствах говорят картины. Насмешливый и яркий, неподражаемый и неповторимый, мастер живописи и графики, он без остатка отдавался ночной жизни Монмартра, посещая все злачные заведения, которые только было возможно. Герои его произведений — певицы и проститутки, танцовщицы, поэты и клоунесса.

Он любил цирк, обожал лошадей. И если прекрасные дамы, увидев свои изображения, на которых были утрированы все их недостатки, порой впадали в ярость, то лошади на картинах Тулуз-Лотрека всегда прекрасны.

Художник, которому каждый шаг порой давался с трудом, великолепно умел передать движение, будь то скачки, вихрь танца или напряжение голосовых связок певицы Иветт Гильбер. Она сказала о себе в воспоминаниях, что право на любой риск дало бы ей своеобразие, поэтому она хотела бы его больше всего.

Лотрек был более чем своеобразен и легко рисковал собой и остатками своего здоровья. Его знаменитые коктейли на основе абсента валили с ног всех, кто имел неосторожность их пробовать. Умер художник, не дожив до 37 лет…

Вся палитра человеческих чувств…

Не только аукционные дома и коллекционеры охотятся за полотнами Лотрека, но и публика, чьи возможности позволяют лишь любоваться шедеврами. Стоит сегодня привезти в город выставку мастера — успех экспозиции обеспечен на 100 %.

Картины художника узнаваемы, его невозможно перепутать ни с кем другим, несмотря на то что творил он в разных жанрах и техниках, а отнести его работы к точно определенному направлению не возьмется ни один критик. Искренность, саркастичность — и глубокая нежность, трепетность… Вся палитра человеческих чувств нашла отражение в картинах Лотрека.

• #Живопись