С именем Бетховена  связано рождение нового симфонического жанра - программной увертюры, которая в свою очередь дала жизнь большой разветвленной семье одночастных программных произведений, получивших в дальнейшем наименование поэм, фантазий, картин и т.п. Созданные первоначально как музыкальные вступления к театральным спектаклям, увертюры Бетховена превратились в самостоятельные симфонические произведения, своего рода лаконичные инструментальные драмы.

  Увертюра "Кориолан" была написана Бетховеном в 1807 году под впечатлением одноимённой трагедии австрийского драматурга Генриха-Иозефа Коллина (1772-1811). В её основу была положена история жившего в V веке до н.э. римского полководца Гая Марция, прозванного Кориоланом. Она была изложена знаменитым греческим историком Плутархом в  "Сравнительных жизнеописаниях" - книге, которой Бетховен восхищался.

   Бетховен был, бесспорно, увлечён трагической фигурой Кориолана, этого изгоя, заставившего трепетать перед собой родной Рим. Изгнанный из города и охваченный жаждой мести, он приводит под римские стены огромное войско. Кориолан непреклонен к мольбам сограждан, но не в силах противостоять просьбам матери и жены. Гордый и непримиримый, Кориолан не находит иного выхода, кроме самоубийства. Эта острая психологическая коллизия стала исходным моментом инструментальной "драмы".

   Противоречия, раздирающие душу Кориолана, нашли выражение в первой же теме, сочетающей порывистое движение вперед и пересекающие его резкие, как сабельный удар, аккорды оркестра. Стремление и непреодолимая преграда - таков смысл этого музыкального образа. Начало увертюры вводит слушателя в мир мучительных противоречий, полных драматизма переживаний. Их острота оттенена второй темой, певучей и женственной, содержащей интонацию мольбы, мягкой, но настойчивой просьбы. Строение увертюры отмечено особой слитностью разделов. Вся она пронизана единой линией музыкального развития, колеблющегося между смятением и вспышками гнева, отчаяния. Эмоциональная напряженность музыки достигает высшего предела в репризе. Вновь возникают могучие звучания начала увертюры, но постепенно они утихают. Порывистый лейтмотив героя замедляет свой "бег" и словно обессиленный "умирает". Увертюра заканчивается едва слышным pizzicato струнных...

Увертюра "Кориолан" до минор, соч. 62

Vienna Philharmonic Orchestra
Christian Thielemann, conductor

26 марта - День памяти великого композитора

 Для истории музыки огромное значение имели стихи итальянского поэта Франческо Петрарки (1304-1374) — мадригалы, секстины, канцоны, сонеты. Впервые их положили в основу своих светских сочинений, преимущественно мадригалов, уже композиторы XIV века. Особенно интенсивно стихи Петрарки озвучивали мадригалисты XVI — начала XVII веков, среди которых был Клаудио Монтеверди. Мировая слава Петрарки, как поэта, основана исключительно на его итальянских стихах и они имеют больше историческое значение. Сам Петрарка относился к ним с пренебрежением, как к «пустякам», «безделкам», которые он писал не для публики, а для себя, стремясь «как-нибудь, не ради славы, облегчить скорбное сердце». Непосредственность, глубокая искренность итальянских стихов Петрарки обусловила их громадное влияние на современников и позднейшие поколения. С окончанием эпохи Возрождения интерес музыкантов к Петрарке угас, но с новой силой разгорелся у романтиков XIX века (песни Ф. Шуберта, фортепианные «Сонеты Петрарки» Ф. Листа). Изредка к ним обращались композиторы и в XX веке (А. Шёнберг. Серенада, op. 24: iv-sonett von petrarca).

Антон Рубинштейн (1829 - 1894), русский композитор, пианист, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель. Многогранный талант Рубинштейна — пианиста, дирижера, композитора, педагога, организатора музыкальной жизни страны — сделал его имя легендарным. Тем обиднее, что он не мог быть вполне счастлив, так как постоянно при жизни его творчество, безосновательно, считали не совсем русским. По этому поводу Рубинштейн с горечью восклицал: «Для евреев я — христианин, для христиан — еврей, для русских я — немец, для немцев — русский, для классиков я — новатор, для новаторов — ретроград». Именно А.Г.Рубинштейн создал первые в России многочастные симфонические циклы, до того в отечественном музыкальном творчестве отсутствовавшие. Многое в них было "по немецким образцам", но Рубинштейн точно уловил потребность своей культуры в симфонии как в жанре, воплощающем картину мира - ведь именно в это время возник и русский психологический роман.
Новое качество явила Вторая симфония Рубинштейна "Океан." Она обладала несомненными художественными достоинствами, постоянно исполнялась и завоевала признание во многих странах Европы и в США. Известно, что ее любил Чайковский. Петр Ильич не утратил по отношению к ней свежести восприятия, в письме к Н. Ф. фон Мекк, утверждал, что тема новая и красивая. «А какая прелестная свежая мысль первой части "Океана" Рубинштейна!» – и выписывает по памяти тему главной партии. В критической статье 1873 года Чайковский называет Вторую симфонию кульминационным пунктом композиторской деятельности Рубинштейна, произведением "кипучего, молодого, но вполне сложившегося таланта".

«Леди Макбет Мценского уезда» — опера в 4 действиях  Д. Д. Шостаковича на либретто Д. Д. Шостаковича и А. Г. Прейса по мотивам одноимённой повести Н. С. Лескова. Либретто Д. Д. Шостаковича — А. Прейса следует фабульной канве повести, но все же несколько отличается от неё. По ходу постановок либретто подвергалось значительному изменению; в 1932—1935 годах сложилось три  литературно-сценических версии произведения. Отчасти изменение было связано со смягчением языка и натурализма в изображении сцен. Опера послужила поводом к осуждению композитора руководством коммунистической партии и запрещена к постановке во второй половине 1930-х — 1950-х годах. В 1962 году поставлена  в автоцензурированном виде под названием «Катерина Измайлова», в 1966 году снят фильм под тем же названием В целом опера была хорошо принята публикой, критикой и тогдашним советским музыкальным начальством. Однако заметна была и критика, касавшаяся, в основном, экспрессии и изобразительного натурализма, усмотренного в музыке, например, композитором С. С. Прокофьевым и критиком американской «Нью-Йорк Сан».

Тематика оперы актуальна как для того времени, так и сейчас: падение женщины на самое дно. Но ради чего? Ради любви. В театре опера воспринимается прекрасно, на одном дыхании, но и экранизация сделана не менее талантливо! Дмитрий Шостакович писал партию Катерины специально для Галины Павловны Вишневской. Вместе они сотворили настоящий шедевр. В фильме принимает участие хор и оркестр Киевского академического театра оперы и балета им. Шевченко. Дирижёр Константин Симеонов. Почётный диплом на XXI международном кинофестивале в Эдинбурге, Шотландия (1967).

В ролях: Галина Вишневская, Артем Иноземцев, Николай Боярский, Александр Соколов, Роман Ткачук, Татьяна Гаврилова, Вера Титова, Любовь Малиновская, Константин Адашевский, Игорь Боголюбов, Константин Тягунов, Марк Решетин

Знаменитая на весь мир грузинская певица Ламара Чкония родилась 27 декабря 1930 года. Она относится к тому счастливому поколению, которому в 60-70 годах XX столетия удалось внести огромный вклад в развитие мировой вокальной культуры.

Ламара Чкония первая грузинская вокалистка, которая благодаря своему таланту и профессионализму, сумела прорвать «железный занавес» Советского Союза и выйти на мировую арену.

Ламара Чкония, концерт в Москве, 1975 год, дирижер Ю. Силантьев

В 1956 году она с отличием закончила тбилисскую консерваторию и сразу же была зачислена солисткой тбилисского оперного театра. Очень быстро ей доверили исполнение главной роли – Маро в новой премьерной постановке оперы З. Палиашвили «Даиси».

Жизнь творческого человека полна трудностей, препятствий и тяжелых переживаний. Исключением в этом отношении не является и творческая жизнь Ламары. После триумфального выступления в «Даиси», против нее заработала мощная система интриг. Здесь мы хотим привести отрывок из ее книги, созданной по дневникам певицы, которая была издана в Киеве, в 2009 г.

Lamara Chkonia, Maro's aria(Maros Tirili),opera Daisi,Kiev 1964

Сегодня хочется представить произведение Альфреда Шнитке "Сюита в старинном стиле", написанное в 1972 году.

Оригинальным жанром в отечественной музыке второй половины XX века становится инструментальный «театр миниатюр».
 Образец инструментального «театра миниатюр» представлен в сочинении   А.Шнитке шестидесятых-семидесятых годов «Сюите в старинном стиле».
"Сюита в старинном стиле" - лёгкое для восприятия сочинение Шнитке — образец его мастерства стилизатора - появилось на основе киномузыки.

Работа А. Шнитке над «Сюитой в старинном стиле» охватывает длительный период – с 1965 по 1972 годы. Первоначально у автора возник замысел создания серии инструментальных пьес, предназначенных для педагогических целей. Позднее отдельные пьесы из педагогического сборника стали музыкальной канвой для звукового оформления двух кинофильмов Элема Климова – «Похождение зубного врача»  и «Спорт, спорт, спорт». Лишь в семидесятые годы, окончательно завершенная «Сюита в старинном стиле» становится концертным произведением. Это произведение представляет собой пять музыкальных частей, стилизованных под барочную музыку. Изначально это были три пьесы, написанные для фильма «Похождения зубного врача» (Пастораль, Балет и Пантомима) и две пьесы для фильма «Спорт, спорт, спорт» (Менуэт и Фуга). 

Однако сумма этих частей в корне изменила смысл общего – получилось очень сильное произведение, в котором за счет интонаций возникает глубочайшее философское содержание. То есть ее можно слушать и как красивую барочную музыку, и как   путешествие познающей себя души. Потому важны и слушатель, и исполнение. Существует более десятка вариантов исполнения Сюиты, и можно услышать как минимум три-четыре совершенно разных произведения.

Пастораль.

.

Пьесы для скрипки с оркестром.

Из века в век, из поколения в поколение переходит наша любовь к Чайковскому, к его прекрасной музыке, и в этом ее бессмертие.

Д. Шостакович
 

Пётр Чайковский 

«Я желал бы всеми силами души, чтобы музыка моя распространилась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и подпору». В этих словах Петра Ильича Чайковского точно определена задача его искусства, которую он видел в служении музыке и людям, в том, чтобы «правдиво, искренне и просто» говорить с ними о самом главном, серьезном и волнующем их. Разрешение такой задачи было возможно при освоении богатейшего опыта русской и мировой музыкальной культуры, при овладении высшим профессиональным композиторским мастерством. Постоянное напряжение творческих сил, повседневный и вдохновенный труд над созданием многочисленных музыкальных произведений составили содержание и смысл всей жизни великого художника.

Пьесы П.И. Чайковского для скрипки с оркестром были написаны во второй половине 1870-х гг., в период высшего расцвета «московского» творческого периода. «Меланхолическая серенада» посвящена выдающемуся скрипачу и педагогу Леопольду Ауэру; «Скерцо» и «Мелодия» входят в цикл «Воспоминание о дорогом месте»  Для самого композитора эти небольшие сочинения явились своего рода подготовкой к созданию более крупного опуса — скрипичного концерта.

Итальянская сюита из балета «Пульчинелла» для скрипки и фортепиано, созданная Стравинским в 1925 году, представляет собой удивительно стройное сочинение. Органичная композиция из эпизодов самого «солнечного» балетного творения, ставшего предвестником неоклассицизма Стравинского, воссоздает стихию итальянских карнавалов с традиционными представлениями комедии масок dell’arte. Главный герой этих площадных спектаклей – красноносый Пульчинелла, причудливым образом сочетающий в себе черты Петрушки и Дон Жуана. Он брызжет весельем – и в то же время меланхоличен, пускается в философские рассуждения – и предается романтическим мечтам. Реестр его любовных побед вполне оспорил бы пальму первенства у знаменитого дон-жуановского списка. Разъяренные соперники расправлялись с ним много раз, но Пульчинелла неизменно воскресает. 

Он имел одно виденье,
Непостижное уму,
И глубоко впечатленье
В сердце врезалось ему.
(А.С.Пушкин)

Святослав Рихтер

«Я не играю для публики, я играю для себя, и чем лучше играю для себя, тем лучше воспринимает концерты публика»

20 марта 2015 года исполняется 100 лет со дня рождения Святослава Теофиловича Рихтера — знаменитого советского музыканта, одного из сильнейших пианистов XX века.

«По-моему, он гениальный музыкант. Когда он играет разных авторов, кажется, что играют разные пианисты», — восхищённо писал о нём его преподаватель Генрих Нейгауз.

«Я думаю, что для всего мира он был как бы символом высоты искусства, непревзойдённой высоты. В 1950 году мы вместе играли в первом исполнении новую сонату Прокофьева. Это было желание Прокофьева — нас объединить.
 

С тех пор мы играли много концертов вместе, мы были большими друзьями», — вспоминал о Рихтере Мстислав Ростропович.

Ж. Б. Люлли — один из крупнейших оперных композиторов XVII в., основоположник французского музыкального театра. В историю национальной оперы Люлли вошел и как создатель нового жанра — лирической трагедии (так называлась во Франции большая мифологическая опера), и как выдающийся театральный деятель — именно под его началом Королевская академия музыки стала первым и главным оперным театром Франции, который позднее обрел всемирную известность под названием Grand Opera.
Люлли родился в семье мельника. Музыкальные способности и актерский темперамент подростка привлекли внимание герцога де Гиза, который ок. 1646 г. увез Люлли в Париж, определив на службу к принцессе Монпансье (сестре ко- роля Людовика XIV). Не получивший музыкального образования на родине, умевший к 14 годам лишь петь и играть на гитаре, Люлли занимался в Париже композицией, пением, брал уроки игры на клавесине и особенно любимой им скрипке. Молодой итальянец, добившийся благоволения Людовика XIV, сделал при его дворе блестящую карьеру. Талантливый виртуоз, о котором современники говорили — «играть на скрипке как Батист», он скоро вошел в знаменитый оркестр «24 скрипки короля», ок. 1656 г. организовал и возглавил свой малый оркестр «16 скрипок короля». В 1653 г. Люлли получил место «придворного композитора инструментальной музыки», с 1662 г. он уже суперинтендант придворной музыки, а еще через 10 лет — владелец патента на право основания в Париже Королевской академии музыки «с пожизненным пользованием этим правом и передачей его по наследству тому из сыновей, кто станет его преемником на посту суперинтенданта музыки короля». В 1681 г. Людовик XIV удостоил своего любимца дворянскими грамотами и званием королевского советника-секретаря. Скончавшийся в Париже, Люлли до конца дней сохранил положение абсолютного властителя музыкальной жизни французской столицы.

Берлиоз — яркий представитель романтизма в музыке, создатель романтической программной симфонии. Он смело вводил нововведения в области музыкальной формы, гармонии и особенно инструментовки, тяготел к театрализации симфонической музыки, грандиозным масштабам произведений. 

Вальс  - буквально в переводе с немецкого walzen - выкручивать ногами в танце, кружиться. Само название “вальс” появилось в 70-х годах XVIII века как обозначение народного крестьянского танца некоторых областей южной Германии и Австрии. Постепенно танец завоевал популярность в городах, особенно в Вене в начале XIX века. Расцвет венского вальса связан с творчеством Иоганна Штрауса и его сыновей.  Постепенно из прикладного танца вальс все больше поэтизировался и превращался в лирическую миниатюру,а в творчестве Ф. Шопена и Ф. Листа он приближается к поэмным жанрам романтической музыки, сочетая в себе лирико-поэтическую выразительность с элегантностью и блеском, иногда виртуозностью.
Вальсом пронизаны все виды инструментальной и вокальной музыки XIX века. В симфонии вальс становится целой частью, (вместо менуэта), как, например, в “Фантастической симфонии” Г. Берлиоза, Пятой симфонии П. Чайковского.

В операх, помимо массовых танцевальных сцен, вальс используется как основа сольных вокальных эпизодов.
Характерные черты вальса - лиризм, изящество, пластичность в сочетании с типичной ритмической формулой на три четверти с акцентом на сильную долю можно услышать во многих темах, что позволяет говорить о вальсовости как жанровом признаке.

Жан-Фили́пп Рамо́ ( 25 сентября 1683, Дижон — 12 сентября 1764, Париж) — французский композитор и теоретик музыки эпохи барокко.

 Ставший знаменитым лишь в зрелые годы, Ж. Ф. Рамо так редко и скупо вспоминал о своем детстве и юности, что даже его жена почти ничего об этом не знала. Лишь по документам и отрывочным воспоминаниям современников мы можем восстановить путь, приведший его на парижский Олимп. День его рождения неизвестен, а крещен он был 25 сентября 1683 г. в Дижоне. Отец Рамо работал церковным органистом, и первые уроки мальчик получил от него. Музыка сразу стала его единственной страстью. В 18 лет он отправился в Милан, но вскоре вернулся во Францию, где вначале странствовал с бродячими труппами в качестве скрипача, потом служил органистом в ряде городов: Авиньоне, Клермон-Ферране, Париже, Дижоне, Монпелье, Лионе. Так продолжалось до 1722 г., когда Рамо выпустил в свет свой первый теоретический труд — «Трактат о гармонии». О трактате и его авторе заговорили в Париже, куда Рамо переехал в 1722 или в начале 1723 г.
Человек глубокий и искренний, но совершенно не светский, Рамо приобрел среди выдающихся умов Франции как приверженцев, так и противников: Вольтер называл его «нашим Орфеем», но Руссо, поборник простоты и естественности в музыке, резко критиковал Рамо за «ученость» и «злоупотребление симфониями» (по свидетельству А. Гретри, враждебность Руссо была вызвана чрезмерно прямодушным отзывом Рамо о его опере «Галантные музы»).

Бедржих Сметана (2 марта 1824 — 12 мая 1884 ) — чешский композитор, пианист и дирижёр, основоположник чешской национальной композиторской школы.
 

Среди его произведений есть «Торжественная симфония» E-dur(единственная), написанная в 1853 году (по поводу свадьбы императора Франца Йосифа с Елизаветой Баварской) и впервые исполненная два года спустя уже под управлением автора. (Это было его первое выступление как дирижера).
 

При передаче более масштабных замыслов композитор еще не смог выявить всю самобытность своей творческой индивидуальности. Оригинальнее оказалась третья часть — скерцо в духе польки; оно позже часто исполнялось как самостоятельная оркестровая пьеса.

"Scherzo: Allegro vivo- Allegro moderato"




Сметана вскоре сам осознал неполноценность своей симфонии и более к этому жанру не обращался.

Народная артистка России, прима-балерина Большого театра Светлана Юрьевна Захарова родилась 10 июня 1979 года в городе Луцке (Волынская область, Украина).
Ее отец был военнослужащим, мать — педагог, хореограф детской студии.
В десятилетнем возрасте Светлана поступила в Киевское хореографическое училище.
В 1995 году, завоевав второй приз на Международном конкурсе молодых танцовщиков в Санкт-Петербурге, девушка была принята сразу на третий выпускной курс в Академию русского балета имени А.Я. Вагановой в Санкт-Петербурге .
Будучи студенткой академии, Светлана танцевала "Тени" в "Баядерке" и Повелительницу дриад в "Дон Кихоте" Людвига Минкуса, Машу в "Щелкунчике" Петра Чайковского и "Умирающего лебедя" Камилла Сен-Санса на сцене Мариинского театра.
В 1996 году, по окончании Вагановской академии, Захарова была принята в балетную труппу Мариинского театра.
В театре балерина танцевала партии Принцессы Флорины в "Спящей красавице" и Одетты-Одиллии в "Лебедином озере"  Петра Чайковского, Марии в "Бахчисарайском фонтане"  Бориса Асафьева, Гюльнары в "Корсаре"  и Жизели в одноименном балете Адольфа Адана, Манон в одноименном балете Жюля Масне, Джульетты в "Ромео и Джульетте" Сергея Прокофьева и др.
В сезоне 2003/2004 Светлана Захарова перешла в труппу Большого театра. Дебют в качестве солистки состоялся 5 октября 2003 года в балете "Жизель".
В Большом театре Светлана Захарова исполняет партии Аспиччии в "Дочери фараона"  Цезаря Пуни, Одетты-Одиллии в "Лебедином озере"  и Принцессы Авроры в "Спящей красавице"  Чайковского, Никии в "Баядерке" и Китри в "Дон Кихоте"  Минкуса, Раймонды в одноименном балете Александра Глазунова, Кармен в "Кармен-сюите" Жоржа Бизе — Родиона Щедрина, Эгины в "Спартаке" Арама Хачатуряна , танцует ведущую партия в "Бриллиантах" на музыку Чайковского в балете "Драгоценности".
Балерина — первая исполнительница партии Золушки в одноименном балете  Сергея Прокофьева (хореография Юрия Посохова), Медоры в "Корсаре"  Адана (хореография Мариуса Петипа, постановка и новая хореография Алексея Ратманского и Юрия Бурлаки).
 

  Уже давно стараюсь не пропускать передачу «Царская ложа» на канале КУЛЬТУРА. Это своеообразный  альманах, посвященный музыкальным событиям Питера. Он выгодно - своим высоким качеством - отличается от похожей передачи «Билет в Большой», где разговор идет о Москве.  Его страницы посвящены  премьерам Мариинки и Михайловского театра, но в центре внимания, как правило, Питерская Филармония, ее на загляденье нарядный зал, создающий  настроение праздника, и ее художественный руководитель и дирижер оркестра Юрий  Хатуевич Темирканов. 

"…Люблю музыку и желаю сделать для неё то, что смогу, что в моих силах."

Антон Степанович Аренский родился 12 июля 1861 года в Новгороде, в музыкальной семье. Он обладал прекрасными музыкальными данными и с раннего детства приобщился к музыке.

Антон Аренский учился Петербургской консерватории у Николая Римского-Корсакова, от которого он воспринял серьезное и вдумчивое отношение к русской народной песне. После окончания консерватории он переехал в Москву.

  В 1882 Аренский стал преподавать в Московской консерватории музыкально-теоретические дисциплины – инструментовку, фугу, свободное сочинение. Часто выступал в России и за рубежом как пианист и дирижёр.

Учениками Антона Аренского были Сергей Рахманинов, Александр Скрябин, Рейнгольд Глиэр, Георгий Конюс. Именно Аренскому посвящён цикл «Пьесы-фантазии» ор.3, Рахманинова, включающий знаменитую юношескую «колокольную» Прелюдию до-диез минор, ставшую на десятилетия самым известным и популярным его произведением.

Аренский с учениками 

Риголетто  — опера в трёх актах Джузеппе Верди, написанная в 1850—1851 годах. Опера была задумана по мотивам пьесы Виктора Гюго «Король забавляется». Пьеса была запрещена цензурой как подрывающая авторитет королевского двора. Итальянское либретто было написано Франческо Мария Пьяве, сотрудничавшим с Джузеппе Верди много лет. По требованию цензуры, исторический король был заменён неким герцогом, а безобразный шут Трибуле — Риголетто. Поначалу шута предполагалось сделать традиционным оперным красавцем.
Премьера оперы состоялась 11 марта 1851 года в Фениче, Венеция. Эту оперу Джузеппе Верди считал лучшей из всего, что он написал.