Олег Евгеньевич Погудин родился 22 декабря 1968 года в Ленинграде, учился в музыкальной школе. В 1979–82 годах солист детского хора радио и телевидения. К этому периоду относятся первые выступления на таких площадках, как БКЗ Октябрьский, Большой зал Филармонии им. Д. Шостаковича, Государственная Академическая Капелла им. М. Глинки, первые записи на радио и телевидении, грамзаписи.
В 1985–1990 годах – студент Ленинградского Государственного Института Театра, Музыки и Кинематографии им. Н. Черкасова, который закончил с отличием. Стажировался в Театральном центре им. Юджина О’Нила (Eugene O’Niel Theater Center), в США.
В 1990–93 годах – актер Санкт-Петербургского Академического Большого Драматического Театра им. А. М. Горького. С 1993 года активно концертирует в России и за рубежом. Первый сольный концерт Олега Погудина состоялся в знаменитом клубе авторской песни «Восток» в 1987 году. С тех пор он выступал на таких известных сценических площадках, как Государственная Академическая Капелла им. М. Глинки (Санкт-Петербург), Большой и Малый залы Петербургской Филармонии, Большой зал Московской Консерватории, Концертный зал им. П. И. Чайковского (Москва), Светлановский зал Московского Международного Дома Музыки, Большой Концертный Зал «Октябрьский» (Санкт-Петербург), Государственный Кремлевский Дворец (Москва), Государственный Центральный Концертный Зал «Россия» (Москва), и других.
В 1993–96 годах на Российском телевидении вышло несколько музыкальных фильмов с участием артиста, шесть из которых («Жаворонок» 1993, «Звезда Любви» 1994, «Поговорим о странностях любви» 1994, «Цыганский романс» 1995, «Русская песня и старинный романс» в 2-х частях, 1995–96 гг.) посвящены непосредственно его творчеству. Концерты и передачи с участием Олега Погудина регулярно транслируются на отечественных и зарубежных теле- и радиоканалах.
В 2005 – 2006 годах – ведущий программы «Романтика Романса» на канале «Культура».
В 1997 году Олег Погудин стал лауреатом фестиваля «Глас Ангельский России» и был удостоен награды «Ангел Трубящий», а в 1999 году – «Царскосельской художественной премии». В 2002 году – Молодежная премия «Триумф», в 2003 он награжден медалью «В память 300-летия Санкт-Петербурга», а в 2004 – Медалью Лермонтова «за личный вклад в отечественную многонациональную культуру и укрепление российской государственности». В том же году награжден Медалью В. С. Розова «За вклад в отечественную культуру», Церковно-общественным орденом Святого Александра Невского «За возрождение традиции русского романса и духовного пения, многолетнюю просветительскую и патриотическую деятельность». В конце 2004 года Олегу Погудину присвоено звание заслуженного артиста Российской Федерации.
С 2004 года – преподаватель, а с 2007 года – доцент кафедры Эстрады и Музыкального Театра Санкт-Петербургской Академии Театральных Искусств. При его участии на сцене Учебного театра (Петербург) поставлены спектакли «Голоса ушедшего века», «Алые паруса», «Дорога без конца», явившиеся яркими событиями петербургской театральной жизни.
По единодушному мнению слушателей и средств массовой информации, певца по праву называют «Серебряный голос России». В печати постоянно отмечают прекрасные вокальные данные, уникальный тембр голоса и безупречный художественный вкус певца, тонкое понимание им исполняемых произведений, сложность, разнообразие и, вместе с тем, цельность концертных программ, редкостную самоотдачу во время выступлений и исключительно теплое и уважительное отношение к зрителю.
Своим творчеством Олег Погудин убедительно доказывает, что романс, традиционно считавшийся камерным жанром, может иметь успех на самых крупных сценических площадках, собирая многотысячную зрительскую аудиторию. Творчество Олега Погудина, несомненно, одно из самых ярких и знаковых явлений подлинной современной культуры России.

Продолжение...

Лучано Паваротти
Luciano Pavarotti

Лучано Паваротти – это один из самых талантливых и популярных исполнителей за всю историю оперной музыки. Его называли классиком уже при жизни. Многие его арии стали бессмертными хитами. Он принес оперное искусство в широкие массы. И именно благодаря нему классическая музыка пережила настоящий ренессанс в конце двадцатого века. Лучано Паваротти появился на свет в небольшом итальянском городе Модена в семье пекаря и рабочей фабрики по изготовлению сигар. Его семья жила очень бедно, а потому денег постоянно не хватало даже на самые необходимые вещи. Несмотря на это, Лучано всегда очень тепло и трепетно говорил о своем детстве. В раннем возрасте любимым увлечением нашего сегодняшнего героя был футбол. Он мечтал стать вратарем, однако впоследствии оставил эту затею. Из-за Второй мировой войны в 1943-м году семья Паваротти была вынуждена оставить Модену и переехать на одну из пригородных ферм. В этом месте вся семья будущего великого тенора стала заниматься фермерским хозяйством. И, как это ни удивительно, в определенный момент Лучано стал получать удовольствие от подобного распорядка жизни.
Что касается любви к музыке, то она всегда сосуществовала в душе молодого парня параллельно с другими увлечениями. Основы музыкального вкуса Лучано заложил его отец, который в молодости также увлекался оперным пением. В личной коллекции Фернандо Паваротти было огромное множество различных пластинок с ариями Энрико Карузо, Тито Скипа и некоторых других исполнителей. Кроме того, по воскресеньям отец нашего сегодняшнего героя иногда пел в церковном хоре. В определенный момент выступать вместе с ним начал и сам Лучано. Так продолжалось в течение многих лет, однако, после окончания средней школы о карьере оперного певца наш сегодняшний герой поначалу всерьез даже не задумывался. Он хотел поступать в спортивную академию, однако мама Лучано убедила его устроиться на работу учителем. Так наш сегодняшний герой стал преподавателем музыки в начальной школе. В этом качестве он проработал в течение двух лет, однако впоследствии именно эти годы, наконец, позволили Лучано понять, насколько большое место в его жизни занимает музыкальное искусство. Паваротти решил стать оперным певцом, и уже в девятнадцать лет начал заниматься пением с известным тенором Арриго Пола, который, кстати сказать, даже согласился учить молодого парня бесплатно. После этого наш сегодняшний герой некоторое время также работал над развитием своих вокальных данных под руководством Эттори Кампогаллиани. Занятия музыкой в один прекрасный момент познакомили Лучано с его первой супругой – начинающей оперной певицей Адуа Верони. Они поженились еще в юности – сразу после того, как Лучано получил свой первый гонорар за выступление. Но впоследствии довольно-таки скоро разошлись. Много лет спустя Лучано Паваротти не раз признавался, что именно Адуа заставила его всерьез задуматься о карьере в мире оперного искусства. Лучано Паваротти - Карузо Возможно, по этой причине после расставания с возлюбленной карьера Лучано Паваротти резко пошла на спад. Он выступал очень редко, а в какой-то момент и вовсе узнал о появившемся в его голосовых связках утолщении, которое в один момент поставило под вопрос всю его карьеру. Голос певца сильно испортился, но Лучано продолжал выступать. В итоге концерт в городе Феррара вызвал целый град критики и стал одним из самых больших провалов в жизни музыканта. После него наш сегодняшний герой решил раз и навсегда завязать с миром музыки. Он полностью сконцентрировался на работе страхового агента (которой раньше занимался параллельно с музыкальной карьерой) и в какой-то момент полностью поставил крест на всех выступлениях. Лучано Паваротти - друзья Однако, как это ни удивительно, утолщение в гортани певца в какой-то момент вдруг само собой рассосалось. Более того именно после перенесенной болезни голос музыканта приобрел желанную глубину и насыщенность. Лучано Паваротти вновь мог выступать. И в итоге именно этот момент стал поворотным в его жизни и творчестве. Звездный путь БОЛЬШОЙ УСПЕХ ТЕНОРА ЛУЧАНО ПАВАРОТТИ Уже в 1961-м году наш сегодняшний герой стал обладателем главной премии Международного конкурса вокалистов. После него Лучано Паваротти дебютировал на сцене престижного Театра Реджио Эмилия, а уже совсем скоро появился также на сцене Венской оперы и лондонского «Ковент-Гарден». С этого момента карьера итальянского тенора стала стремительно двигаться вверх. Он пел на лучших площадках нашей планеты. Ему рукоплескали Лондон, Вена, Париж, Нью-Йорк, Марсель и многие другие крупные города планеты. В 1990-м году во время проведения в Италии футбольного чемпионата мира Лучано Паваротти исполнил свою знаменитую арию «Nessun Dorma», которая впоследствии стала очень популярна даже среди людей далеких от оперного искусства. Причиной смерти Лучано Паваротти стал рак Именно в этот момент наш сегодняшний герой воспылал идеей о популяризации классической музыки. В скором времени он вместе с Пласидо Доминго и Хосе Каррерасом образовал трио «Три тенора», которое исполняло классику в более современной обработке. Подобный подход принес певцам огромный коммерческий успех и сделал их подлинными звездами не только оперной, но и эстрадной сцены. Их критиковали, но они оставались верными себе. В итоге именно благодаря творчеству «Трех теноров» популярность оперной музыки в девяностые годы возросла в разы. Помимо музыкальных выступлений Лучано Паваротти всю свою жизнь работал также и в качестве мецената. Он плотно сотрудничал с организацией «Красный крест», а также организовал ряд музыкальных фестивалей для продвижения молодых музыкантов. Как принято считать брак Паваротти с Адуа Верони распался из-за частых измен певца. Впоследствии в жизни артиста было много романов. Однако в более преклонном возрасте он все-таки решился вновь связать себя узами брака. Его новой спутницей жизни стала молодая женщина по имени Николетта Мантованни. Впоследствии она родила тенору дочь, которая стала для него уже четвертым ребенком (три предыдущих родились вне браков). Несмотря на все слухи, Николетта оставалась со своим супругом вплоть до его кончины. В середине 2000-х годов у Лучано был обнаружен рак поджелудочной железы. В 2007-м году именно он стал причиной его смерти. Незадолго до своей смерти выдающийся оперный певец написал завещание, в котором передал все свои миллионы жене, сестре и четырем дочерям.

HammerFall (в пер. с англ. «падающий молот») - легендарная шведская метал-группа, играющая хэви-пауэр-метал.

Группа основана в 1993 году гитаристом Оскаром Дроньяком, покинувшим группу Ceremonial Oath, и басистом Джеспером Стрёмбладом из группы In Flames, также раньше игравшего в Ceremonial Oath. К этому времени Дроньяк уже сочинил песню «Steel Meets Steel», которая позже вошла в их дебютный альбом. Вскоре к ним присоединились гитарист Никлас Сундин, басист Йоханн Ларсон и вокалист Микаэль Станне (из группы Dark Tranquillity).

На следующий год Сундина и Ларссона сменили Глен Люнгстрём (из группы In Flames) и Фредрик Ларссон (басист распавшийся шведской дэт-метал-группы Dispatched). Таким образом, состав группы был в основном набран из бывших и даже действующих музыкантов In Flames, и музыкальные обозреватели изначально рассматривали HammerFall как их сайд-проект.

В 1996 году группа приняла участие в конкурсе Rockslaget с песней Judas Priest Breaking the Law. Прямо по ходу выступлений HammerFall поменяли вокалиста на Йоакима Канса, что не помогло группе пройти полуфинал. Йоаким стал одним из лидеров и основных композиторов группы.

В 1997 году на лейбле Nuclear Blast вышел дебютный альбом группы Glory to the Brave, который имел значительный успех в Скандинавии и был назван альбомом месяца сразу тремя музыкальными изданиями. HammerFall приняли участие в фестивале Wacken вместе с Gamma Ray и Lake of Tears. В то же время к группе присоединился новый гитарист Стефан Эльмгрен. В конце года группа получила шведскую премию Грэмми. После релиза в 1998 году альбома Legacy of Kings шведы отправились в мировой тур в его поддержку вместе со Stratovarius и Lordi. Часть песен на первых двух альбомах была написана Стрёмбладом, который вскоре покинул группу, сосредоточившись на карьере в In Flames, и параллельно основал Sinergy.

HammerFall записали ряд кавер-версий песен Helloween, собираясь выпустить трибьют-альбом. Однако лэйбл Nuclear Blast отказался издавать подобный эксперимент, ограничившись синглом I Want Out, записанным дуэтом с основателем Helloween и лидером Gamma Ray Каем Хансеном.

Альбом 2000 года Renegade достиг первой отметки по рейтингам продаж в Швеции. В поддержку альбома группа провела ещё один тур и выпустила DVD «The Templar Renegade Crusades», записанный в декорациях развалин замка. Следующий релиз Crimson Thunder, выпущенный в 2002 году, стал шагом к переменам: группа от быстрого и мелодичного пауэр-метала стала постепенно склоняться к классическому средне-темповому хэви-металу с «галоповым» риффом.

Тур в поддержку альбома был сорван в результате опасного инцидента. Йоакима, сидевшего со своей подругой в баре, некий неизвестный хулиган ударил в лицо стеклянной кружкой. Врачи с трудом спасли вокалисту глаз, проведя пластическую операцию. Как только стало возможным, Йоаким присоединился к группе и принял участие в совместном туре с Дио. Тур был успешным, однако менеджер группы скрылся, похитив значительную часть выручки.

В последние годы группа также выпустила альбом Chapter V: Unbent, Unbowed, Unbroken, где присутствовал дуэт с гроулинг-вокалистом группы Venom. Песня Blood Bound и видеоклип на неё имели большой успех в европейских хит-парадах. Последним был выпущен альбом Threshold, на котором группа ещё больше склонилась в сторону хэви-метала. Перед записью альбома Йоаким, испытывавший проблемы с голосом, перенёс операцию на связках. По его словам, она вернула ему целую октаву голосового диапазона.

Группа часто выступала в поддержку олимпийской сборной Швеции, в частности по кёрлингу (ставшей победителем Олимпийских игр-2006), и сняла два клипа с участием известных спортсменов.

В конце 2006 года, после успеха их друзей и частых партнёров по турам Lordi на конкурсе песни «Евровидение», в прессе и на интернет-сайтах, посвящённых музыке, распространялась информация, что жюри конкурса пригласило Hammerfall и Europe к отбору на Евровидение-2007 от Швеции. Однако Йоаким Канс в интервью публично заявил, что HammerFall не заинтересованы участием в конкурсе.

В это же время концертная деятельность группы была временно приостановлена в связи с поисками нового бас-гитариста. Эту позицию занял вернувшийся в группу Фредерик Ларссон. Годом позже Стефан Эльмгрен приостановил участие в группе, так как начал карьеру лётчика.

В 2008 году вышел сборник каверов, которые группа делала на самые легендарные металлические группы прошлых лет.

Весной 2011 года вышел альбом «Infected». Группа отправилась в тур в поддержку нового альбома, завершив его в августе 2012 года выступлением на шведском рок-фестивале Helgeåfestivalen. Далее группа объявила о творческой паузе, с намерением выпустить следующий альбом в 2014 году. Альбом под названием «(r)Evolution» вышел 27 августа в Швеции, 29 августа в Европе, 1 сентября в Великобритании и 2 сентября в США. 4 сентября альбом занял первую строчку в Шведском чарте. Осенью группа объявила о старте нового тура по Европе, который должен был начаться в Москве. 29 ноября 2014 года Hammerfall с успехом выступили на фестивале «Ария Фест», наряду со Stratovarius, Edguy и Гран-КуражЪ.

С самого начала группа избрала имидж и тематику средневековых рыцарей-храмовников. Большинство песен группы так или иначе посвящено сражениям, походам, боевым гимнам и борьбе за справедливость, а сценический имидж группы включает в себя кожаные «доспехи». Тематика песен HammerFall близка к воинственной эстетике Manowar с тем существенным отличием, что, в отличие от своих американских коллег, шведы делают основной упор не на упоении битвой и мощью, а на возмездии и рыцарской чести.

Талисман группы — храмовник Гектор (Hector the Templar), присутствующий на всех обложках альбомов и синглов. Изначально нарисованный Андреасом Маршаллом, сейчас он в основном известен по рисункам Сэмвайса Дидье, художественного редактора компаниии Blizzard (что заставило некоторых поклонников ассоциировать группу с игрой Warcraft, чей дизайн был создан Сэмвайсом, а Гектора — с паладином из этой игры). Гектор фигурирует в некоторых видеоклипах группы, в частности Renegade и Natural High.

Продолжение

Шуфутинский, Михаил Захарович


Родился в еврейской семье участника войны и врача Захара Давидовича. Когда Михаилу было пять лет, его мама погибла, поэтому его воспитывали бабушка Берта Давидовна и дедушка Давид Яковлевич.

Окончил музыкальную школу по классу баяна и музыкальное училище имени Ипполитова-Иванова по специальности дирижёр-хоровик. В одно и тоже время и на той же специальности с Михаилом Шуфутинским в училище училась Алла Пугачёва.

Выступал с различными ансамблями в Москве и в Магадане в ресторанах (исполнял песни Александра Вертинского и Петра Лещенко), позже стал руководителем ВИА «Лейся, песня», который, в основном, исполнял песни Вячеслава Добрынина.

В 1981 году вместе со своей семьёй эмигрировал в США, а в 1983 году уже в качестве аранжировщика, клавишника и продюсера выпускает альбом Анатолия Могилевского: «У нас в Одессе это не едят», а в 1984 год — «Я Вас люблю, мадам». Около десяти лет играл в составе различных ансамблей в ресторанах, создал собственную шоу-группу «Атаман — бэнд» (так же, как и ресторан «Атаман»).

Однажды Михаил приехал с концертом в Лос-Анджелес и сразу влюбился в этот город. Именно на тот период пришёлся русский ресторанный бум в Лос-Анджелесе. Михаила, как уже известного певца и музыканта, пригласили работать в голливудский ресторан «Арбат». Для эмигрантского исполнителя такая популярность стала сюрпризом — в США он мог рассчитывать лишь на бывших соотечественников.

В 1990 году впервые после эмиграции приехал в СССР и дал несколько концертов. С тех пор Михаил Шуфутинский постоянно приезжал в Россию на гастроли.

В 1998 году написал автобиографическую книгу: «И вот стою я у черты…»

В 2003 году переехал в Россию на постоянное место жительства.

Михаил Шуфутинский — участник ежегодной Национальной Премии Шансон Года в Кремле 26 марта 2011.

В репертуар Михаила Шуфутинского входят песни таких авторов, как: Вячеслав Добрынин («Две свечи», «Кубики»), Игорь Крутой («3-е сентября», «Пальма-де-Майорка», «Московское такси», «Москва слезам не верит»), Олег Митяев («Ночной гость», «Москвичка»), Александр Розенбаум («Крещатик», «Заходите к нам на огонёк», «Гоп-стоп»), Никита Джигурда, Александр Новиков («Вези меня, извозчик», «Улица Портовая»), Олег Газманов, Игорь Зубков, Игорь Кисиль («Ты от меня далеко»), Вацлав Лисовский, Олеся Атланова, Карен Кавалерян, Михаил Звездинский, Кирилл Крастошевский, Иван Кононов («Обожаю я тебя, обожаю», «А над Доном Золотые купола»), Константин Ундров («Левый берег Дона») и многие другие.

Вот сядьте в мягкое кресло и просто послушайте хорошую музыку.

Юрий Александрович Гуляев.


Оперный и эстрадный певец (лирический баритон), Народный артист СССР Юрий Александрович Гуляев родился 9 августа 1930 г. в Тюмени. Учился в музыкальной школе. В 1949 г. после окончания школы поступил в Свердловский медицинский институт, но, осознав ошибку в выборе профессии, перешел в консерваторию на вокальный факультет.
В 1954 г. Юрий Гуляев окончил Уральскую консерваторию по классу пения Фриды Образцовской. До четвертого курса Гуляев пел тенором и только позже открылся его бархатный баритон.
В 1954-1956 гг. Юрий Гуляев пел в Свердловском театре оперы и балета, где он исполнил партии: Моралес в опере "Кармен " Жоржа Бизе, Молодого цыгана в опере Сергея Рахманинова "Алеко", Януша в опере Станислава Монюшко "Галька", Елецкого в опере "Пиковая дама" Петра Чайковского, Валентина в опере "Фауст" Шарля Гуно и др.
В 1956-1960 гг. он был солистом Донецкого оперного театра, исполнял партии Лисницкого ("Тихий Дон", Ивана Дзержинского), Онегина ("Евгений Онегин" Петра Чайковского), Фигаро ("Севильский цирюльник", Джоаккино Россини), Сильвио ("Паяцы", Руджеро Леонкавалло), Жермона ("Травиата", Джузеппе Верди) и др.
С 1961 по 1975 год Юрий Гуляев был солистом Киевского театра оперы и балета. В его репертуаре были партии Ренато ("Бал-маскарад", Джузеппе Верди), Эскамильо ("Кармен", Жоржа Бизе), Щорса ("Полководец", Бориса Лятошинского), Папагено ("Волшебная флейта" Моцарта), Графа ди Луна ("Трубадур", Верди), Роберта ("Иоланта", Чайковского).
В 1972 г. состоялся дебют Юрия Гуляева в партии Онегина в Большом театре, а с 1975 года он стал солистом Государственного Академического Большого театра, где пел до последних дней жизни. Наиболее удачные партии – Жермон ("Травиата"), Онегин, Валентин ("Фауст"), граф Ди Луна ("Трубадур"), Фигаро ("Севильский цирюльник"), Тараш ("Похищение луны"), Эскамильо ("Кармен"), Рамиро ("Испанский час"), Роберт ("Иоланта"), Дон Карлос ("Обручение в монастыре"), Шарплес ("Чио-Чио-сан").
Параллельно с оперной развивалась его концертная деятельность. В своих сольных концертах он исполнял как арии из опер, так и романсы, народные песни. В репертуаре Гуляева было более 200 песен: народные песни ("Вдоль по улице метелица метет", "Дывлюсь я на небо", "Из-за острова на стрежень", "Вдоль по Питерской" и др.), русские романсы ("Средь шумного бала", "Не лукавьте", "Не пробуждай воспоминаний"), зарубежная классика (Шуман, Григ) и современная песня, которой он отдавал много сил.
С 1966 г. началась творческая дружба певца с композитором Александрой Пахмутовой, песня которой на стихи Николая Добронравова "Знаете, каким он парнем был" навсегда стала визитной карточкой певца, как и песни "Твоя нежность", "Созвездие Гагарина", "Русское поле" Яна Френкеля и Инны Гофф, "На безымянной высоте" Вениамина Баснера и Михаила Матусовского, "Мой Киев" Игоря Шамо и Дмитрия Луценко.
Юрий Гуляев исполнял песни Тихона Хренникова, Георгия Свиридова, Дмитрия Шостаковича, Дмитрия Кабалевского, Микаэла Таривердиева.
Он и сам писал песни, являясь автором музыки более 40 песен и романсов, наиболее известны "Воспоминания о полевом оркестре", "Желаю Вам", "Посвящение" на стихи Роберта Рождественского, "Берегите друзей" на стихи Расула Гамзатова, "Мне дарила Россия " на стихи Игоря Шаферана, цикл песен на стихи Сергея Есенина ("Над окошком месяц", "Дорогая, сядем рядом") и др.
При жизни певца было выпущено более 25 грампластинок, последняя – в 2005 г. ("Юрий Гуляев. Избранное. К 75-летию со дня рождения").
Юрий Гуляев снимался в художественном фильме "Украинская рапсодия" режиссера Сергея Параджанова (1960), телефильмах "Евгений Онегин" (1972), "Три эскиза к портрету Ю. Гуляева" (1973), фильмах‑концертах "Созвездие Гагарина" и "Поет Юрий Гуляев" (1979). О творчестве певца снят документальный фильм "Юрий Гуляев" (1972).
Певец много гастролировал в США, Канаде, Франции, Японии, Бельгии, на Кубе.
Юрий Гуляев был лауреатом VII Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Вене (1959), заслуженным артистом Украинской ССР (1960), народным артистом Украинской ССР (1965).
В 1968 г. ему было присвоено звание Народного артиста СССР, в 1975 году он стал лауреатом Государственной премии СССР. Был награжден орденом Трудового Красного Знамени (1971), орденом Дружбы народов (1975).
Юрий Гуляев скончался 23 апреля 1986 г. в Москве, за рулем собственного автомобиля от приступа астмы, когда собирался ехать в театр. Похоронен певец на Ваганьковском кладбище.
После его смерти были сняты документальные фильмы "Монологи о Юрии Гуляеве" (режиссер Геннадий Бабушкин, 1990), "Желаю вам... " Юрий Гуляев" (режиссер Юрий Мамин, 2005), "Улыбка Юрия Гуляева" (Укртелефильм, 2 серии, 2005) и "Неоконченная песня. Юрий Гуляев" (режиссер Ираида Максимова, 2009).
В 2006 г. вышла книга, посвященная Юрию Гуляеву "Соловьем залетным..." (авторы-составители: Лариса Гуляева, Юрий Гуляев‑младший), в которую вошли воспоминания сына, коллег, музыкальных критиков, поклонников и друзей певца.
В Донецке есть Музей Юрия Гуляева, его именем названы Концертный зал Тюменской филармонии; улицы в Донецке и Тюмени. В 2001 г. именем певца была названа "Малая планета". В 2005 г. Юрий Гуляев стал почетным гражданином города Тюмени.
В память о нем создан фестиваль-конкурс молодых оперных певцов им. Юрия Гуляева, обретший статус государственного.

Продолжение...

Иван Козловский


Иван Семёнович Козловский (24 марта 1900, Марьяновка, Киевская губерния, Российская империя — 24 декабря 1993, Москва) — русский и украинский певец, лирический тенор, обладатель необычного тембра и высочайшей вокальной техники. Выдающийся интерпретатор оперной, камерной и духовной вокальной музыки. Народный артист СССР (1940). Лауреат двух Сталинских премий первой степени (1941, 1949). Герой Социалистического Труда (1980). Иван Козловский родился в селе Марьяновка Киевской губернии (ныне - Васильковский район, Киевская область) в простой польско-украинской семье. С 10 лет пел в хоре Киевского Михайловского монастыря, где был замечен известным духовным композитором Александром Кошицем. С 1916 по 1925 год также сотрудничал в оперных труппах Полтавы, а также в столичном театре города Харькова. В 1925 году стал солистом Свердловского оперного театра. В 1926 году был приглашен на службу в Большой театр. Дебютировал в роли Альфреда (Травиата), с первых лет службы в Большом театре, исполняя заглавные теноровые партии, приобрел популярность и массу почитателей, в конце 1930-х Козловский неожиданно становится одним из любимых певцов Сталина. В 1954 году, находясь на пике популярности, Иван Семёнович, по так до конца и неизвестным до сих пор причинам, навсегда покинул Большой театр.



Творческая деятельность


Концертный репертуар Ивана Козловского включал песни разных народов, в первую очередь русские и украинские, старинные русские романсы, классические романсы русских и песни западных композиторов.
Свой певческий путь он начал в монастырском хоре, поэтому нередко в свои программы он включал произведения так или иначе связанные с религиозной тематикой. Например, он исполнил и записал ряд произведений И. С. Баха (арии из кантат и книгу напевов Шемели). Также Козловский участвовал в редких для того времени концертах русской духовной музыки. До наших дней дошли записи его соло во Всенощной Рахманинова, в «Разбойнике благоразумном» Чеснокова и ряде других православных песнопений. Иван Семёнович решил подготовить и записать программу, состоящую из украинских рождественских колядок. Колядки были записаны и исполнены со сцены. Однако прямая радиотрансляция с концерта была прервана, а тираж пластинок, уже поступивших на продажу в магазины, уничтожен. На сегодняшний день пока неизвестно сохранились ли записи с тех пластинок.


Голос Козловского уникальный, средний по тембру между лирическим тенором и тенором-альтино. Диапазон велик — до ми второй октавы. За счёт использования главным образом головного регистра голос имеет лёгкое, серебристое, очень высветленное звучание, голос очень полётный, назализованный, однако многие критики и слушатели находят его излишне резким и пронзительным. Ход голоса очень свободный, певец обладает прекрасной кантиленой и широкой динамической палитрой звучания. Певец отличается высочайшей музыкальной культурой, тончайшим музыкальным слухом и виртуозным владением голосом. Уникальной чертой исполнения Козловского является его «бесконечное» певческое дыхание, для всех его партий характерны особые ферматы, с удлинением особенно эффектных нот на несколько целых. Кроме высококлассного вокала, певец выступает как мастер филигранной актёрской интонации, акцентированного произношения, имеющего особенное значение в характерных ролях. Козловский выступает одновременно как певец и выдающийся драматический артист.

Козловский внёс большой вклад в музыкальную сокровищницу России, посещая деревни, слушая, обрабатывая и исполняя деревенские напевы, романсы, страдания. Так, он случайно нашёл, записал на ноты и исполнял романс «Я встретил вас…», каковой романс впоследствии стал чрезвычайно популярным у камерных певцов. Козловский относился к своему голосу и здоровью вообще с фанатичной бережливостью, в результате чего он выступал до 85-летнего возраста.

Лемешев, Сергей Яковлевич


Сергей Яковлевич Лемешев родился в селе Старое Князево Тверской губернии (ныне Калининский район Тверской области) в крестьянской семье. В 1914 году окончил церковно-приходскую школу, затем некоторое время учился сапожному делу в Санкт-Петербурге. В 1918 году окончил общеобразовательную школу в Твери. Азы нотной грамоты и пения освоил в художественно-ремесленной школе, где участвовал в самодеятельных спектаклях и концертах. Во время учёбы на Тверских образцовых курсах комсостава РККА (1920) получил направление на учёбу в консерваторию.

В 1921—1925 годах он учился в Московской консерватории в классе профессора Н. Г. Райского. С 1924 года пел в оперной студии К. С. Станиславского при Большом театре, где, среди других, исполнял партию Ленского (опера П. И. Чайковского «Евгений Онегин»). Именно эта роль, которую Сергей Яковлевич исполнил более 500 раз, принесла ему широкую известность и любовь зрителей. «Ленский целиком заполнил мою жизнь, — говорил певец. — Из моих более чем тридцати ролей эта — самая дорогая, любимая, самая большая радость моего творчества». Лемешев пел эту партию всего 501 раз: 500-е исполнение прошло в 1965 году (после этого Лемешев покинул оперную сцену), 501-е и последнее исполнение состоялось в Большом театре в июне 1972 года в честь предстоящего 70-летнего юбилея певца.

В 1926 году дебютировал на профессиональной сцене в Свердловском театре оперы и балета.

В 1927—1929 годах — солист Русской оперы при Китайско-Восточной железной дороге в Харбине.

В 1929—1931 годах — солист Тифлисского театра оперы и балета.

В 1931 году Лемешев был приглашён в Большой театр, где дебютировал в партиях царя Берендея (Снегурочка), Джеральда (Лакме) и Ленского (Евгений Онегин). Вместе с И. С. Козловским Лемешев был ведущим тенором вплоть до 1957 года, периодически продолжал выступать в Большом театре до 1965 года. Исполнил множество партий: Левко («Майская ночь»), Звездочёт («Золотой петушок»), Индийский гость («Садко») в операх Н. А. Римского-Корсакова, Баян («Руслан и Людмила» М. И. Глинки), Дубровский (одноимённая опера Э. Ф. Направника), а также Герцог («Риголетто»), Альфред («Травиата») в операх Джузеппе Верди, Граф Альмавива («Севильский цирюльник» Джоаккино Россини), Фауст (одноимённая опера Шарля Гуно) и др.

В 1939 году Лемешев единственный раз в своей карьере снялся в музыкальной комедии «Музыкальная история» в роли шофёра Пети Говоркова, который стал оперным певцом. Его партнёрами были З. А. Фёдорова, Э. П. Гарин, С. Н. Филиппов. За роль в этом фильме Сергей Яковлевич был удостоен Сталинской премии II степени.[2]. Правда незадолго до этого он исполнил «политически важную» песню «Принимай нас, Суоми-красавица», своего рода гимн советско-финской войны 1939 года.

В 1940-х годах Лемешев сильно простудился, и у него обострился туберкулёз лёгких. Оперативное лечение включало пневмоторакс правого лёгкого.

В 1947 году гастролировал в Берлинской государственной опере (Ленский в опере «Евгений Онегин»).

В качестве оперного режиссёра дебютировал в 1951 году постановкой оперы «Травиата» на сцене Ленинградского малого оперного театра. В 1957 выступил в Большом театре как режиссёр-постановщик оперы «Вертер» Ж. Массне (и исполнитель заглавной партии).

В 1951—1961 годах руководил кафедрой оперной подготовки, в 1969—1971 — кафедрой сольного пения в Московской консерватории. Вёл циклы передач на Всесоюзном радио, был руководителем вокальной группы.

Автор книги «Путь к искусству» (1968).

Сергей Яковлевич Лемешев скончался 26 июня 1977 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище (участок № 9).

Лемешев собрал самые лучшие творения композиторов и поэтов XIX века, представил их широчайшей советской аудитории, популяризовал русское и советское оперное искусство.

Кроме пения в оперных спектаклях, Лемешев много и плодотворно трудился над исполнением камерного репертуара. С гордостью он отмечал, что ему удалось спеть и записать все 100 романсов П. И. Чайковского (помимо романсов М. И. Глинки, Н. А. Римского-Корсакова и др.).

Лемешев выступал как эстрадный певец, исполняя лучшие песни М. И. Блантера («Моя любимая», «Пшеница золотая»), Т. Н. Хренникова («Песня о Москве», «Песня о песне»), Б. А. Мокроусова («Одинокая гармонь»), А. Г. Новикова («Отъезд партизан», «Россия», «Размечтался солдат молодой»), Н. В. Богословского («Письмо в Москву», «Алёнушка», «Где ж ты, утро раннее?», «Помнишь, мама?»).

ПРОДОЛЖЕНИЕ

ПРОДОЛЖЕНИЕ

Продолжение...

Хор Турецкого

«Хор Турецкого» — музыкальный коллектив под руководством народного артиста России Михаила Турецкого. Основа уникальной концепции коллектива — «живые» голоса. Артисты исполняют композиции более чем на десяти языках без фонограммы, в том числе — а капелла, и могут заменить своими голосами оркестр. Десять вокалистов представляют всю палитру мужских певческих голосов.

«Хор Турецкого» дебютировал в 1990 году в филармонических залах Таллинна и Калининграде. В начале карьеры репертуар коллектива отличался от современных шоу «Хора Турецкого». Истоки арт-группы берут начало в Хоре при Московской Хоральной Синагоге. В конце 80-х годов будущий Хор Михаила Турецкого исполнял Еврейскую литургическую музыку. Спустя нескольких лет амбиции коллектива вышли за пределы этой достаточно узкой области. Сегодня группа успешно комбинирует в репертуаре самые разные жанры: оперную, духовную (литургическую), народную, популярную музыку из разных стран и эпох.

«Очень немногие были заинтересованы в такой музыке тогда, и вообще никто в пост-Советских странах… … … Поэтому, когда я получил возможность, я проделал некоторые исследования в библиотеках Нью-Йорка и Иерусалима и обнаружил этот глубокий, разнообразный, и очень стильный пласт музыки, доступный на эмоциональном уровне каждому человеку… … … Со временем мы пришли к пониманию того, что нам необходим более широкий круг слушателей и начали включать светский материал в наши программы. … … … Сегодня наш репертуар включает музыку четырёх последних столетий: от Генделя и хитов Советской эпохи до шансона и лучших образцов современной поп-культуры…»

1989 — Михаил Турецкий создает и возглавляет мужской хор Московской хоральной синагоги. Там же в 1990 г. официально дебютировал коллектив.

При поддержке благотворительной организации «Джойнт» прошли первые концерты Хора в Калининграде, Таллинне, Кишиневе, Киеве, Ленинграде, Москве и других городах. «Мужской камерный еврейский хор» под руководством Михаила Турецкого в тот период выступил своеобразным локомотивом возрождения интереса к иудейской музыкальной традиции. Музыка, находившаяся на грани исчезновения с 1917 года, вновь прозвучала за пределами синагог и стала достоянием широкого круга зрителей.

1991—1992 — Выступления Хора в США, Канаде, Великобритании, Франции, Израиле. Хор под управлением Михаила Турецкого участвовал в фестивале «Por Me Espiritu» в Толедо (Испания), посвященном 500-летию изгнания евреев. В программе фестиваля принимали участие также звезды мировой музыки Пласидо Доминго, Исаак Штерн, оркестр под управлением Зубина Меты. В мероприятии приняли участие представители Канады, Великобритании, Франции, Италии, Греции, Марокко и Китая.

1993—1994 — вновь гастрольный тур по Великобритании, Израилю, США и Польше. Американская музыкальная ассоциация удостаивает Михаила Турецкого орденом «Золотая корона» — наградой, которой обладают всего восемь человек в мире.

1995—1996 — Хор разделяется на две части: одна остается в Москве, вторая отправляется в Майами на работу по контракту в синагоге «Temple Emmanu-El», где солисты Хора удостаиваются статуса «Почётных жителей города Майами». Совместное выступление с Хулио Иглесиасом. Пополнение репертуара мировыми шлягерами, фольклорными песнями, оперными ариями, бродвейской классикой, джазовыми композициями.

1997 — Коллектив участвует в прощальном турне И. Д. Кобзона по городам России — более 100 концертов. Группа привлекла внимание мэра Москвы Юрия Лужкова, правительство Москвы удостаивает «Мужской Камерный Еврейский Хор» статуса государственного учреждения.

1998—1999 — Хор гастролирует по городам СНГ, Испании, Голландии, Германии, Бельгии, Швейцарии, Австралии и США, где 6 февраля объявляется «Днем Московского Еврейского Хора».

2000—2001 — Совместное концертное турне с Иосифом Кобзоном в Израиле, гастроли в США, Австралии, Германии, Израиле и городах СНГ. Коллектив выступает на сцене Московского Государственного Театра Эстрады.

2002 — Указом Президента Российской Федерации за заслуги в области искусства Михаилу Турецкому присвоено почётное звание «Заслуженный артист Российской Федерации».[2]

2002—2003 — Коллектив активно гастролирует по Германии и США.

2004 январь — Первый сольный концерт арт-группы «Хор Турецкого» в ГЦКЗ «Россия» с программой «Десять голосов, которые потрясли мир», за которую Михаил Турецкий удостаивается звания «Человек Года — 2004» в номинации «Культурное событие года» национальной Премии «Человек Года — 2004».

2004 декабрь — Арт-группа «Хор Турецкого» представляет программу «Когда поют мужчины» в Государственном Кремлевском Дворце (с участием Эммы Шаплан и Глории Гейнор).

2005 январь — Американское турне: концерты в лучших залах Сан-Франциско, Лос-Анджелеса, Атлантик-Сити, Бостона и Чикаго.

2005—2006 — юбилейный тур арт-группы «Хор Турецкого» с новой программой «Рождённые петь» охватывает более 100 городов России и стран СНГ.

2006—2007 — Гастрольный тур коллектива с программой «Музыка всех времён и народов» по 70 городам России и стран СНГ.

2007 — Арт-группа «Хор Турецкого» становится лауреатом премии российской музыкальной индустрии «Рекордъ-2007» за лучший классический альбом года — коллекционное издание «Великая музыка», а также лауреатом Ежегодной Национальной Премии «Эмоция» в номинации «Уважение»[3]. Премия присуждена за самый громкий социально-значимый благотворительный проект — детский благотворительный концерт «Твори добро сегодня!», состоявшийся 27 марта при поддержке Правительства Москвы и Комитета по культуре города Москвы на главной площадке страны, в Государственном Кремлевском дворце, прошедший. Концерт посетило более 5000 детей: одаренные и талантливые ребята, дети из социально незащищенных и многодетных семей, дети-инвалиды. «Наша акция — уникальная возможность обратиться к огромной аудитории слушателей с призывом творить добро, — считает Михаил Турецкий, — ведь не секрет, что язык музыки, как никакой другой, доступен и понятен каждому из нас. Бурные аплодисменты, море цветов, восторженные детские лица, огонь в их глазах — все это свидетельствует о том, что поставленная нами цель была достигнута».[4]

2007—2008 — Гастрольный тур коллектива с программой «Аллилуйя любви» по городам России и стран СНГ. Хор дает рекордное количество концертов в Москве: 4 «сольника» в Кремлёвском Дворце и один дополнительный концерт в Лужниках (ГЦКЗ «Россия»).

2008—2009 — Гастрольный тур коллектива с программой «Шоу продолжается…» по городам России, стран СНГ и США.

2010—2011 — Юбилейный тур «20 лет: 10 голосов».

2011 — стартует тур «Начало».

Солисты


Михаил Турецкий — лидер и создатель группы, лирический тенор, Заслуженный артист РФ с 2002 г., Народный артист РФ с 2010 г.
Окончил Хоровое училище им. Свешникова и институт им. Гнесиных. Руководил детским хором, хором театра Юрия Шерлинга. С 1990 года Михаил Турецкий — организатор и руководитель мужского хора при Московской хоральной синагоге. Теперь этот хор известен, как арт-группа «Хор Турецкого». Американская академия музыкальной культуры наградила Михаила Турецкого орденом «Золотая корона» за вклад в канторское искусство[источник не указан 716 дней].

«Не представляю, чем бы я мог заниматься, если бы не стал музыкантом… Сложные композиции без дирижера невозможно исполнить Я веду хор и вовлекаю аудиторию в наш вокальный диалог XXI век- это век информации и профессионализма Когда я слышу великолепный звук, вижу оригинальную режиссуру и современную сценографию — вот тогда я понимаю, что здесь работает группа настоящих профессионалов»
— М.Б.Турецкий [5]
1989
Алекс Александров — драматический баритон
Один из самых молодых солистов Хора, и, одновременно, старожил коллектива. Алекс Александров не только солист, но также и помощник хореографа, многие танцевальные номера в концертах поставлены с его помощью. Прекрасно копирует голоса других певцов — Бориса Моисеева, Тото Кутуньо и др.
Родился в 1972 г. в Москве. Выпускник Хорового училища им. Свешникова и института им. Гнесиных в 1995 г. Окончил Хоровое училище им. Свешникова и институт им. Гнесиных в 1995 г.

«Арт-группа „Хор Турецкого“ — это вся моя жизнь, большая её часть. Здесь я рос, становился личностью. Не представляю своей жизни вне хора. Маэстро для меня — не просто руководитель и создатель коллектива, для меня он — второй отец… Я верю в себя. Мне ещё есть к чему стремиться, да и просто интересно жить».
— А.Александров [5]
1990
Евгений Кульмис — бас-профундо, поэт, в прошлом — директор хора.
Родился на Южном Урале, под Челябинском в 1966 году. Начинал музыкальную карьеру как пианист. Окончил институт им. Гнесиных по специальности «музыковедение» (историко-теоретико-композиторское отделение), учился в аспирантуре. Евгений Кульмис — автор текстов и стихотворных переводов отдельных номеров Хора. Например, он автор русского варианта композиции из репертуара ELO — «Twilight».

«Это мое, это то, что мне нравится и это то, что я умею делать…Наверное, в ХТ я и умру» — шутит артист. «Сейчас я ощущаю себя в коллективе гораздо увереннее как исполнитель, чем ранее. Все-таки по образованию я — теоретик, а не вокалист. Но сейчас это стало моей профессией, моей жизнью».
— Е.Кульмис [5]
1991
Евгений Тулинов — заместитель художественного руководителя, драматический тенор
Заслуженный артист РФ с 2006 г.[6]
Родился в 1964 году в Москве. Окончил музыкальное училище при Московской консерватории и институт им. Гнесиных. На первых курсах института Евгений пел на службах в Церкви св. Иоанна Воина, был хормейстером в ДК «МЭЛЗ», преподавал в музыкальной школе и работал в «Мужском камерном хоре» под управлением В. М. Рыбина.

«Пение в оперной манере — это величайшее наслаждение для меня самого. Кроме того, я смотрю на пение и с актёрской точки зрения, продумываю, как бы я, например, эту роль не только спел, но и сыграл, передав и показав весь её драматизм… Мы все — творческие единомышленники, некая субстанция, которая существует вне всего остального реального мира. Мы понимаем друг друга и разговариваем на одном языке».
— Е.Тулинов [5]
1991
Михаил Кузнецов — тенор-альтино
Заслуженный артист РФ с 2007 г.
Родился в 1962 году в Москве. Окончил институт им. Гнесиных. Работал в академическом хоре под руководством Владимира Минина и в Мужском хоре издательского отдела журнала «Московская Патриархия».

«Мой коллектив — это мой родной дом. Здесь я ощущаю творческий рост, получаю моральное удовлетворение и профессиональную реализацию, у меня возникает желание жить и работать ещё и ещё… Каждый раз, выходя на сцену, я стараюсь отдать своему зрителю как можно больше любви и душевного тепла».
— М.Кузнецов [5]
1992
Олег Бляхорчук — лирический тенор, мульти-инструменталист (фортепиано, гитара акустическая и электро-, аккордеон, мелодика).
Родился в 1966 году в Минске (Беларусь). Окончил Минское музыкальное училище им. М. И. Глинки и Белорусскую государственную консерваторию им. А. В. Луначарского по специальности «хоровое дирижирование». На третьем курсе училища у Олега была своя вокально-инструментальная группа, в которой он был руководителем, вокалистом и клавишником одновременно. Работал в Хоре радио и телевидения, где главным дирижёром был ученик А. В. Свешникова Народный артист СССР В. В. Ровдо, затем как солист концертного оркестра республики Беларусь под руководством Михаила Финберга.

«Что я думаю сейчас о своей жизни и работе? Я думаю, что все сложилось так, как должно было быть. Я счастлив, что востребован как музыкант. Не всем моим однокурсникам и друзьям так повезло… Сегодня хор для меня — это все: это и работа, и образ жизни, и способ зарабатывания денег».
— О.Бляхорчук [5]
1996
Борис Горячев — лирический баритон.
Родился в Москве, в 1971 году. Окончил Хоровое училище им. Свешникова, поступил в Московскую Консерватории, окончил отделение хорового дирижирования института им. Гнесиных. Работал в Мужском камерном хоре «Акафист» под управлением А. В. Малютина. Коллектив исполнял русскую духовную музыку, что в то время было интересно и ново. В 1995 году перешёл работать в хор «Пересвет» и параллельно занимался собственным проектом — квартетом, который исполнял духовную и русскую народную музыку.

«Когда долгое время живешь в таком стремительном ритме, привыкаешь к нему. Невозможно представить свою жизнь без концертов и поездок. Знаете что такое счастье для музыканта? Когда на сцене чувствуешь уверенность в себе, когда у тебя есть своя определенная ниша, когда видишь благодарные глаза зрителей, когда знаешь, что ещё не полностью раскрыл свои голосовые способности и понимаешь, что все ещё впереди…».
— Б.Горячев [5]
2003
Игорь Зверев — высокий бас (бас-кантанто)
Родился в 1968 году в Подмосковье. Окончил Хоровое училище им. Свешникова, Московскую академию культуры и искусства, отделение «хоровое дирижирование». Работал в ансамбле песни и пляски МВД и в хоровой капелле им. Полянского.

«Я понимал, что работа в этом коллективе может дать мне, как артисту, колоссальную возможность самореализации и профессионального роста… Сейчас я чувствую энергию в своем голосе, уверенность в подаче, просто новое ощущение себя самого».
— И.Зверев [5]
2003
Константин Кабо — баритональный тенор, композитор.
Родился в 1974 году в Москве. Окончил Хоровое училище им. Свешникова, затем РАТИ (ГИТИС) по специальности «актер музыкального театра». Пел в мюзиклах «Норд-Ост», «12 стульев», «Ромео и Джульетта», «Mamma Mia!». Параллельно он писал музыку, в частности, к программе «Цирк на льду».

«Я доволен и счастлив. В „Хоре Турецкого“ я обрел свое „я“. Работа в группе дает мне колоссальный заряд энергии, которой я с удовольствием делюсь как с публикой, так и с близкими мне людьми».
— К.Кабо [5]
2007
Вячеслав Фреш — контр-тенор
Родился в 1982 году в Москве. Окончил факультет музыки и изящных искусств Университета им. Иоганна Гуттенберга в Майнце (Германия).

«Я очень боялся посылать свои записи. Мне они казались „художественной самодеятельностью“, ведь я системно не занимался вокалом и был, по сути, обычным молодым человеком, имеющим голос. Таких — миллионы… Записал несколько треков со своими любимыми „Квинами“, добавил несколько классических композиций — и отправил их по почте в офис коллектива. Прошло несколько месяцев… мне написали, что ждут меня на прослушивании в Москве. Это было просто чудом… Знакомство и сотрудничество с Хором я считаю огромной удачей в своей жизни. Это большая честь для меня, как молодого музыканта выступать с такими профессиональными певцами на одной сцене, впитывать их опыт, умение держаться на сцене, владение голосом, актёрскую игру. Буду стараться соответствовать уровню знаменитого коллектива и расти в профессиональном смысле этого слова».

Кобзон, Иосиф Давыдович


Иосиф Давыдович Кобзон (11 сентября 1937, г. Часов Яр, Донецкая область, Украинская ССР, СССР) — советский и российский эстрадный певец (баритон). Первый заместитель председателя комитета Государственной Думы Федерального Собрания Российской Федерации по культуре (с декабря 2011 года). Народный артист СССР (1987).

Лауреат премии Ленинского Комсомола (1976), Государственной премии СССР (1984), премии Правительства Российской Федерации в области культуры (2011). Кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством» I (2012), II (2002), III (1997) степеней, Мужества (2002), Дружбы Народов, полный кавалер украинского ордена «За заслуги».

Певческий голос Кобзона полностью оформился к 1970-м годам. Звукозаписи Кобзона 1960-х показывают, что в самом начале карьеры (конец 1950-х — 1960-е годы) Иосиф Кобзон пел другим звуком, нежели в 1970-е и более поздние годы. Начинал карьеру Кобзон в дуэте с Виктором Кохно (лирический тенор), репертуар дуэта в основном составляли лирические и гражданские песни Аркадия Островского. Композитор часто сам аккомпанировал певцам на аккордеоне.

Голос Кобзона — лирический баритон ясной высветленной окраски. Положительные качества — специфический красивый и благородный тембр, моментально узнаваемый с первых звуков, и прекрасная дикция.

Иосиф Кобзон родился 11 сентября 1937 года в еврейской семье Давида Куновича Кобзона и Иды Исаевны Шойхет-Кобзон в городе Часов Яр, Донецкая область. Мать, Ида Исаевна, родилась в Подольской губернии, рано потеряла отца и с 13 лет вынуждена была зарабатывать, выращивая табак. В молодости работала на деревообрабатывающей фабрике, в 22 года вступила в ВКП(б)[2]. С 1930 года работала народным судьёй. Певец многократно признавался, что мать играла в его жизни ключевую роль, была нравственным ориентиром.

Перед самой войной семья Кобзонов переехала во Львов. Оттуда отец ушёл на фронт политруком, а мать с тремя детьми, бабушкой и братом-инвалидом отправились в эвакуацию в Узбекистан. Конечным пунктом их назначения оказался город Янгиюль, под Ташкентом.

В 1943 году отец Иосифа Кобзона был сильно контужен и после лечения демобилизован. Однако к родным он не вернулся. Встретив другую женщину, он женился на ней и навсегда остался в Москве.

В 1944 году Иосиф Кобзон вместе с семьей вернулся на Украину, в город Краматорск. Там же он пошёл в первый класс средней школы № 6. В 1946 году мать Иосифа Кобзона повторно вышла замуж за бывшего фронтовика Моисея Моисеевича Раппопорта. Так у Иосифа появилось ещё два сводных брата (кроме них у него было ещё двое родных братьев) и сестра.

В конце 1940-х годов семья Кобзонов переехала в Днепропетровск, где до 1957 года снимала комнату у отставного полковника в одноэтажном домике по улице Димитрова, 16. В домовой книге фамилия Иосифа писалась через букву «п»: Копзон. Буква «б» появилась в ней, когда он получал паспорт.

В 1956 году окончил Днепропетровский горный техникум. Его первые публичные выступления состоялись на сцене техникума, он исполнял песни дуэтом с будущим чемпионом Украинской ССР по бадминтону Борисом Баршаком. Во время учёбы увлекся боксом, выиграл первенство Днепропетровска среди юношей, затем чемпионат Украины, но бросил спорт после того как оказался в нокауте. Учился в техникуме Кобзон в основном на четверки и получал значительную по тем временам стипендию — 180 рублей.

С 1956 по 1959 годы служил в армии, где был приглашён в ансамбль песни и пляски Закавказского военного округа. Его учителем пения после увольнения в запас из армии стал Леонид Терещенко, руководитель хора Днепропетровского дворца студентов. Он готовил его к поступлению в Одесскую консерваторию . Терещенко вспоминал:

— После хоровых упражнений мы занимались по индивидуальной программе. Вхожу, а мой ученик стоит на сцене у моего друга Виктора Фальковского и исполняет песню, при этом так напрягает горло — ужас! Старается звучать должным образом на фоне эстрадной «меди»! Я ему говорю: «Горлань на здоровье, но голос ты посадишь». Ему же нельзя было надрываться до того, как окончательно поставит вокал, который звучал день ото дня лучше. И эстраду он петь тогда перестал .

Чтобы помочь ученику, Терещенко устроил его в бомбоубежище Днепропетровского химико-технологического института протирать спиртом противогазы, с окладом 50 рублей. Там певец и проработал до своего отъезда в Москву.

Болезнь
В июне 2002 года у певца начались проблемы со здоровьем. После операции у Кобзона начался общий сепсис и певец 15 июня впал в кому, в которой находился 15 дней.

В 2005 году певец перенёс сложную операцию по удалению опухоли в клинике в Германии. Однако хирургическое вмешательство привело к резкому ослаблению иммунитета, образованию тромба в лёгочных сосудах, воспалению лёгких и воспалению ткани в почках.

В 2009 году Кобзон был прооперирован вторично в немецкой клинике. Известная певица Лариса Долина говорила: «У него такая сила характера, такая сила воли и такая тяга к жизни, что он перехитрил все. Он перехитрил смерть. Через пять дней после тяжелейшей операции он приезжает в Юрмалу, выходит на сцену, в отличие от многих наших „звезд“ поёт вживую».

В октябре 2010 года выступая на Всемирном форуме духовной культуры в Астане, почувствовал себя плохо и дважды упал в обморок . Врачи прямо на сцене оказали ему помощь, делая искусственное дыхание. По словам специалистов, раковая опухоль привела к анемии, что, в свою очередь, стало причиной потери сознания.

Творческая деятельность


С 1958 года Кобзон работал в Цирке на Цветном бульваре в программе Марка Местечкина «Куба — любовь моя», где исполнял одноимённую песню А. Пахмутовой.

В 1959—1962 годах — солист Всесоюзного радио, в 1962—1965 годах — солист-вокалист Росконцерта, в 1965—1989 годах — солист-вокалист Москонцерта.

В советские времена исполнял лирические и патриотические песни. В 1964 году, после появления в эфире песни Аркадия Островского «А у нас во дворе», к нему пришла всесоюзная популярность.

В 1965 году Кобзон принял участие в международном конкурсе «Дружба», который проходил в шести социалистических странах, и завоевал первые места в Варшаве, Берлине и Будапеште.

С начала 1970-х годов Кобзон ведёт сольную карьеру. Самый первый выпуск «Песни года» (1971) открывается песней О. Фельцмана и Р. Рождественского «Баллада о красках» в исполнении Иосифа Кобзона.

В 1973 году окончил Государственный музыкально-педагогический институт им. Гнесиных по классу вокала.

В 1975 году окончил Университет марксизма-ленинизма МГК КПСС.

В 1980-х годах Иосиф Кобзон записал на грампластинки и вернул слушателям большое количество лирических и шуточных песен 1930-х годов из репертуара В. Козина, И. Юрьевой, К. Шульженко, К. Сокольского, А. Погодина, Г. Виноградова.

С 1984 года Иосиф Кобзон преподаёт эстрадный вокал в Государственном музыкально-педагогическом институте имени Гнесиных (с 1993 года профессор). Среди его выпускников — известные эстрадные певицы Ирина Отиева, Валентина Легкоступова, Валерия.

11 сентября 1997 году в честь 60-летия со дня своего рождения дал юбилейный концерт «Я песне отдал все сполна» в ГЦКЗ «Россия», который продолжался более 10-ти часов.

11 сентября 2007 года отпраздновал 70-летие в Государственном кремлевском дворце, которому предшествовала серия юбилейных концертов по всем столицам республик бывшего СССР.

В 2012 году Иосиф Кобзон заявил, что закончит свою концертную деятельность в день своего 75-летия 11 сентября 2012 года сольным концертом в Государственном Кремлевском дворце.

Репертуар певца включает наиболее известные песни — патриотические, гражданские советские и комсомольские песни, повествующие о трудовых и воинских подвигах народа. Кобзон записал все лучшие песни, посвящённые Великой Отечественной войне, классические романсы, некоторые оперные и опереточные арии и ариозо. В репертуаре Кобзона — русские, украинские и еврейские народные песни.

Кобзон исполнял бардовские песни Окуджавы «О синем троллейбусе», «Молитва Франсуа Вийона», «Песенка об Арбате», Высоцкого «Он не вернулся из боя», Дольского «Господа офицеры» и другие.

В своем творчестве Иосиф Кобзон охватил практически все лучшие песни, созданные И. Дунаевским, М. Блантером, братьями Покрасс, А. Новиковым, В. Соловьёвым-Седым, М. Фрадкиным, О. Фельцманом, С. Туликовым, А. Пахмутовой, Д. Тухмановым и другими советскими композиторами.

В репертуаре Иосифа Кобзона более трёх тысяч песен[9].


Общественная и политическая деятельность

.
В 1960—1970-е годы Кобзон ездил с концертами на ударные комсомольские стройки, активно боролся за мир во всём мире, неоднократно входил в состав официальных делегаций, посещающих зарубежные страны с визитами дружбы.

В 1980-е годы выступал для ограниченного контингента советских войск в Афганистане, ликвидаторов катастрофы на Чернобыльской АЭС.

Член КПСС с 1973 года.

Депутат Верховного Совета СССР с 1990 года. Широко известен своей миротворческой деятельностью во время подавления чеченского сепаратизма в 1990-х годах, а также во время нейтрализации банды Бараева, с которыми он вёл переговоры, 23-26 октября 2002 года в здании Театрального центра на Дубровке (Москва) . Занимается благотворительностью.

Кобзон несколько раз избирался в Государственную Думу от Агинского Бурятского автономного округа.

В 1997 году впервые избран депутатом Государственной Думы. Входил в число депутатов, не входящих в зарегистрированные депутатские объединения, был избран заместителем председателя комитета по культуре.

В 1999 году вновь избран депутатом Государственной Думы, стал членом депутатской группы «Регионы России (Союз независимых депутатов)», был избран заместителем председателя комитета по культуре и туризму. В 2001 году подписал письмо в защиту телеканала НТВ .

24-25 октября 2002 года, во время захвата Театрального центра на Дубровке, террористы, по свидетельству самого Иосифа Давыдовича, назвали среди политиков, с которыми согласны вести переговоры, Кобзона, Г. Явлинского, И. Хакамаду и Б. Немцова. Хакамада ответила, что готова и ради вызволения заложников отправилась вместе с Кобзоном в Театральный центр на встречу с террористами, а Немцов сказал: «Мне нужно согласовать» и исчез со связи . В результате переговоров Кобзон и Хакамада смогли вывести из захваченного террористами зала женщину и троих детей .

В 2003 году вновь избран депутатом Государственной Думы, вошел во фракцию «Единая Россия». Избран председателем комитета по культуре Государственной Думы.


В 2007 году избран депутатом Государственной Думы в составе федерального списка кандидатов, выдвинутого Всероссийской политической партией «Единая Россия» (Забайкальский край), вошел в состав фракции «Единая Россия», избран заместителем председателя комитета по информационной политике, информационным технологиям и связи.

В 2011 году избран депутатом Государственной Думы ФС РФ VI созыва от Забайкальского края от партии «Единая Россия», член фракции «Единая Россия», первый заместитель председателя комитета по культуре.

Иосиф Кобзон — член правления Федерации еврейских общин России, член президиума общероссийской общественной организации «Лига здоровья нации».

Позиция по Украине


После смены президентской власти на Украине в 2014 году и последовавшего за этим воссоединения Крыма с Россией, 11 марта 2014 года Иосиф Кобзон подписал обращение деятелей культуры Российской Федерации в поддержку политики президента РФ В. В. Путина на Украине и в Крыму .

5 июля 2014 года выступил с обращением к народу Украины

В июле 2014 года Латвия запретила Кобзону въезд на территорию страны. Министр иностранных дел Латвии Эдгарс Ринкевичс объяснил запрет «содействием подрыву территориальной целостности и суверенитета Украины» .

26 октября 2014 года Служба безопасности Украины заявила о внесении Иосифа Кобзона в список из нескольких сотен деятелей российской культуры, которым запрещён въезд на Украину из-за их политической позиции. Сам Кобзон сказал, что ему «плевать на то, что они придумали с пьяных глаз» и он поедет на свою родину в Донбасс ]. На следующий день он посетил Донецк и Луганск, где передал землякам гуманитарную помощь и выступил с концертами. Аккомпанировал Кобзону академический ансамбль песни и пляски внутренних войск МВД России .

В марте 2014 года был лишён звания почетный гражданин Кобеляк, в сентябре 2014 года — звания почётного гражданина Днепропетровска. Горсовет Днепропетровска также решил, что он не должен исполнять официальный гимн города «Днепропетровск — мой дом родной»

Трошин, Владимир Константинович


Родился 15 мая 1926 года в посёлке Михайловский (ныне г. Михайловск) Уральской области (ныне в Свердловской области). Десятый ребёнок в многодетной семье рабочих. В 1935 году родители переехали в Свердловск.

Окончил музыкальную школу. В 1943 году в Свердловске проходил набор учащихся в Школу-студию МХАТ. Из 280 претендентов выбрали четверых, среди них был Трошин. Первую роль — начальника штаба лейтенанта Масленникова в пьесе Константина Симонова «Дни и ночи» — Трошин сыграл в 1946 году. Первой творческой удачей Трошина стал дипломный спектакль в Школе-студии МХАТ «Молодая гвардия», в котором он играл главную роль — Олега Кошевого. В 1947 году Владимир Трошин окончил Школу-студию[1] и был принят в труппу МХАТа. С 1947 по 1988 год Владимир Константинович сыграл в родном театре свыше 80 больших и маленьких ролей. Среди них: Бубнов («На дне» М. Горького), Семён («Плоды просвещения» Л. Н. Толстого), Хлынов («Горячее сердце» А. Н. Островского), Осип («Ревизор» Н. В. Гоголя) и другие.

Участвует в музыкальных спектаклях, в которые для него стали вводить вокальные номера. К спектаклю «Дни и ночи» специально для Трошина композитор Матвей Блантер и поэт Константин Симонов написали песню «Подруженька-гитара». В спектакле «За власть Советов» Трошин играл роль разведчика, и тоже для него было подобрано несколько песен. Для спектакля «Илья Головин» композитор А. Хачатурян написал песню-раздумье «Травушка в поле тропою примята». Большую популярность принесла актёру роль придворного шута Фестэ в спектакле «Двенадцатая ночь» в 1954 году. Здесь у Трошина было 10 музыкальных номеров, написанных композитором Эдуардом Колмановским на стихи поэта П. Антокольского. Один из них — лирическая песенка шута — сразу стала шлягером.

Трошин снялся в 25 кинофильмах, таких как «Олеко Дундич», «Гусарская баллада», «Дело было в Пенькове», «Из жизни Федора Кузькина», «Вход в лабиринт», «Серые волки», «Старый Новый год». На экране Трошину часто приходилось играть вождей и политических лидеров. Он сыграл Климента Ворошилова, сэра Уинстона Черчилля, Николая Подгорного. Владимир Константинович — первый в мире исполнитель роли Михаила Горбачёва в кино, в голливудском фильме «Чернобыль — последнее предупреждение» (1990—1992), где все остальные роли играли американские актёры. Песни в исполнении Владимира Трошина звучат за кадром в 69 фильмах. Многие из них, такие как «За фабричной заставой» и «Мы жили по соседству», сразу становились известными и получали самостоятельную жизнь на эстраде. Владимир Трошин много дублировал переводные фильмы. Около сотни героев зарубежных картин говорят его голосом.

В 1955 начинает исполнять песни, созданные уже независимо от театра и кино. Звёздный час артиста-певца пробил после исполнения им песни «Подмосковные вечера». Впоследствии, где бы ни гастролировал артист, его визитной карточкой всегда были «Подмосковные вечера», ставшие также своеобразным музыкально-поэтическим символом страны. За 40 лет активной работы на эстраде он сотрудничал с известными отечественными композиторами и поэтами-песенниками. Это композиторы Э. Колмановский, с музыки которого началась его жизнь на эстраде, М. Блантер, Н. Богословский, М. Фрадкин, В. Соловьёв-Седой, С. Туликов, О. Фельцман, А. Цфасман, Б. Мокроусов, М. Таривердиев, А. Эшпай, А. Лепин, А. Островский, Ю. Саульский, В. Махлянкин, А. Бабаджанян, А. Долуханян, К. Молчанов, В. Мурадели, М. Табачников, О. Строк, И. Симановский, М. Чистов. Поэты: Л. Ошанин, Н. Доризо, В. Орлов, М. Матусовский, Е. Долматовский, И. Шаферан, М. Пляцковский, В. Харитонов, А. Поперечный, С. Островой, Е. Евтушенко, А. Фатьянов, Л. Дербенёв и другие. Такие песни, как «Березы», «Одинокая гармонь», «Тишина», «Морзянка», «Зелёный огонек», «Ночной разговор», «Люди в белых халатах», «Товарищ мой», «Журавленок», «А годы летят», «Рано или поздно», «Светлана», «Тихий дождь», «Идут белые снеги», «Наши мамы», «Жду весну» и многие другие в его исполнении, стали отечественной песенной классикой. В общей сложности Владимир Трошин исполнил более 2 тысяч песен, вышло около 700 записей певца, и около 150 компакт-дисков с его участием. С концертами Владимир Трошин не раз объехал всю Россию, много гастролировал за рубежом: в Японии, Израиле, Франции, Югославии, Чехословакии, Болгарии, США, Германии.

Голос Трошина — небольшой, низкий мягкий баритон. Поклонники артиста говорят об уникальном, всегда узнаваемом тембре и о задушевной, доверительной интонации исполнения.

Ушёл из жизни 25 февраля 2008 года. Владимира Трошина похоронили 28 февраля 2008 года на Троекуровском кладбище Москвы.

В Екатеринбурге установлена мемориальная плита Владимиру Трошину на фасаде дома № 17 по улице Ильича, где он жил с 1935 по 1943 годы. На памятной доске его портрет и нотный фрагмент песни «Подмосковные вечера».

Унылая пора! Очей очарованье!
Приятна мне твоя прощальная краса —
Люблю я пышное природы увяданье,
В багрец и в золото одетые леса,
В их сенях ветра шум и свежее дыханье,
И мглой волнистою покрыты ,
И редкий солнца луч, морозы,
И отдаленные седой зимы угрозы.




Константин Бальмонт "Осень"

Поспевает брусника,
Стали дни холоднее,
И от птичьего крика
В сердце стало грустнее.

Стаи птиц улетают
Прочь, за синее море.
Все деревья блистают
В разноцветном уборе.

Солнце реже смеется,
Нет в цветах благовонья.
Скоро Осень проснется
И заплачет спросонья.



Аполлон Майков "Осень"

Кроет уж лист золотой
Влажную землю в лесу...
Смело топчу я ногой
Вешнюю леса красу.

С холоду щеки горят;
Любо в лесу мне бежать,
Слышать, как сучья трещат,
Листья ногой загребать!

Нет мне здесь прежних утех!
Лес с себя тайну совлек:
Сорван последний орех,
Свянул последний цветок;

Мох не приподнят, не взрыт
Грудой кудрявых груздей;
Около пня не висит
Пурпур брусничных кистей;

Долго на листьях, лежит
Ночи мороз, и сквозь лес
Холодно как-то глядит
Ясность прозрачных небес...

Листья шумят под ногой;
Смерть стелет жатву свою...
Только я весел душой
И, как безумный, пою!

Знаю, недаром средь мхов
Ранний подснежник я рвал;
Вплоть до осенних цветов
Каждый цветок я встречал.

Что им сказала душа,
Что ей сказали они -
Вспомню я, счастьем дыша,
В зимние ночи и дни!

Листья шумят под ногой...
Смерть стелет жатву свою!
Только я весел душой -
И, как безумный, пою


Иван Бунин "Листопад"

Лес, точно терем расписной,
Лиловый, золотой, багряный,
Веселой, пестрою стеной
Стоит над светлою поляной.

Березы желтою резьбой
Блестят в лазури голубой,
Как вышки, елочки темнеют,
А между кленами синеют
То там, то здесь в листве сквозной
Просветы в небо, что оконца.
Лес пахнет дубом и сосной,
За лето высох он от солнца,
И Осень тихою вдовой
Вступает в пестрый терем свой...



Афанасий Фет "Осенью"

Когда сквозная паутина
Разносит нити ясных дней
И под окном у селянина
Далекий благовест слышней,

Мы не грустим, пугаясь снова
Дыханья близкого зимы,
А голос лета прожитого
Яснее понимаем мы.



Борис Пастернак "Золотая осень"

Осень. Сказочный чертог,
Всем открытый для обзора.
Просеки лесных дорог,
Заглядевшихся в озера.

Как на выставке картин:
Залы, залы, залы, залы
Вязов, ясеней, осин
В позолоте небывалой.

Липы обруч золотой —
Как венец на новобрачной.
Лик березы — под фатой
Подвенечной и прозрачной.

Погребенная земля
Под листвой в канавах, ямах.
В желтых кленах флигеля,
Словно в золоченых рамах.

Где деревья в сентябре
На заре стоят попарно,
И закат на их коре
Оставляет след янтарный.

Где нельзя ступить в овраг,
Чтоб не стало всем известно:
Так бушует, что ни шаг,
Под ногами лист древесный.

Где звучит в конце аллей
Эхо у крутого спуска
И зари вишневый клей
Застывает в виде сгустка.

Осень. Древний уголок
Старых книг, одежд, оружья,
Где сокровищ каталог
Перелистывает стужа.





Федор Тютчев "Есть в осени первоначальной..."

Есть в осени первоначальной
Короткая, но дивная пора —
Весь день стоит как бы хрустальный,
И лучезарны вечера...
Пустеет воздух, птиц не слышно боле,
Но далеко еще до первых зимних бурь
И льется чистая и теплая лазурь
На отдыхающее поле...


Сергей Есенин "Нивы сжаты, рощи голы..."

Нивы сжаты, рощи голы,
От воды туман и сырость.
Колесом за сини горы
Солнце тихое скатилось.
Дремлет взрытая дорога.
Ей сегодня примечталось,
Что совсем-совсем немного
Ждать зимы седой осталось...





Николай Некрасов "Перед дождем"

Заунывный ветер гонит
Стаю туч на край небес.
Ель надломленная стонет,
Глухо шепчет темный лес.
На ручей, рябой и пестрый,
За листком летит листок,
И струей, сухой и острой;
Набегает холодок.
Полумрак на все ложится,
Налетев со всех сторон,
С криком в воздухе кружится
Стая галок и ворон...



Иван Демьянов "Осень"

На кусте-кусточке -
Жёлтые листочки,
Виснет тучка в просини, -
Значит, дело к осени!

В красных листьях бережок.
Каждый листик - как флажок.
Стал наш парк осенний строже.
Бронзой весь покроется!

Осень, кажется мне, тоже
К октябрю готовится...
В красных листьях бережок.
Каждый листик - как флажок!




Иван Демьянов "Летят дождинки"

Летят, летят дождинки,
Не выйдешь из ворот.
По вымокшей тропинке
Сырой туман ползет.

У погрустневших сосен
И огненных рябин
Идет и сеет осень
Душистые грибы!

U2


U2 (произносится «Ю ту») — рок-группа из Дублина, Ирландия. Сформированная в 1976 году, U2, начиная с середины 1980-х, является одной из самых популярных и успешных групп в мире. Было продано около 180 миллионов копий альбомов группы . По состоянию на 2006 год в их активе двадцать две премии «Грэмми» , больше, чем у любой другой группы в мире.

Группа была сформирована, когда Боно (вокал и гитара), Эдж (гитара, клавиши и вокал) и Адам Клейтон (бас-гитара) откликнулись на объявление, размещенное Ларри Малленом; в то время они были подростками-музыкантами средней руки. К середине 1980-х они выпустили 4 альбома и обрели преданное движение фанатов, большей частью за счёт гастролей, неповторимого, ставшего визитной карточкой, исполнения гитарных партий Эджем, голоса Боно и глубоких по содержанию текстов песен. Они обрели статус звёзд с выходом в 1987 году альбома The Joshua Tree, который часто называют одним из величайших альбомов рока .

В начале 1990-х они ответили на революцию в альтернативной и танцевальной музыке, критику в свой адрес, и то, что, по их мнению, было застоем в музыке, альбомом Achtung Baby и грандиозным шоу Zoo TV. В это время они непрестанно экспериментируют, исследуя разные музыкальные направления.

В начале XXI века U2 играет более привычную музыку, но использует свои прежние наработки и продолжает пользоваться успехом у публики и критиков. В 2004 году группа заняла 22 место из 100 в рейтинге «Лучшие артисты всех времён» (100 Greatest Artists of All Time) журнала Rolling Stone[4]. В 2005 их включили в «Зал славы рок-н-ролла».

Члены группы известны своей активной политической деятельностью в области защиты прав человека и социальной справедливости: участие в «Международной амнистии», Make Poverty History, кампании ONE, Live Aid, Live 8, DATA — Debt, AIDS, Trade in Africa Боно и Music Rising Эджа.

Gene Pitney


Gene Pitney (Eugene Francis Alan Pitney) (17 февраля 1940 – 5 апреля 2006) - американский композитор-песенник, музыкант и звукоинженер.

Джин Питни родился в штате Коннектикут в 1940 году. Свою музыкальную карьеру он начал как автор песен для звезд 60-х: его композицию "Hello Mary Lou" исполнил Рик Нельсон, "Today's Teardrops" - Рой Орбисон, "Rubber Ball" - Бобби Ви и Марти Уайлд, "He's a Rebel" - группа The Crystals.

В 60-е он начал сам выступать на сцене. Успех ему принесли хиты "Twenty Four Hours From Tulsa", "The man who shot Liberty Valance", "Town without pity". Последнюю вещь он пел на церемонии вручения "Оскаров" в 1962 году, став первым поп-исполнителем, попавшим на сцену американской киноакадемии. Всего песни Питни попадали в американские чарты 16 раз, а в английские - 40. среди других его известных записей были "Only Love Can Break a Heart", "If I Didn't Have a Dime", "Half Heaven, Half Heartache", "Mecca", "It Hurts to be in Love", "True Love Never Runs Smooth", "I'm Gonna be Strong", "Looking Through the Eyes of Love", "I Must be Seeing Things", "Princess in Rags", "Backstage", "Just One Smile", "Something's Gotten Hold of My Heart" and "Nobody Needs Your Love".

С 1962 года Gene Pitney стал известен в Италии как композитор и певец. Вышло несколько пластинок на 45 оборотов с его песнями по-итальянски. Певец участвовал в Фестивалях Санремо с 1964 по 1967 год, исполнил песни «Quando vedrai la mai ragazza» и «E se domani», «Nessuno mi può giudicare», «La rivoluzione» и др. Певец говорил, что влюблен в Италию. В этой стране он отпраздновал и свою свадьбу. В последующие годы еще не раз сюда приезжал, участвовал в концертах и телепередачах.

В 70-е и 80-е он понемногу гастролировал по США, Канаде и Европе, где его принимали очень тепло. В 1989 году его песня "Something's Gotten Hold of My Heart", исполненая дуэтом с Марком Алмондом, попала на первую строчку британского хит-парада. В 2002 году его имя было занесено в Зал славы рок-н-ролла.

BJ Thomas

Билли Джо "BJ" Томас (родился 7 августа 1942, Хьюго, Оклахома ) является американским популярным певицом. Он особенно известен своими хитами 1960-х и 1970-х годов, которые появились на поп, кантри, и христианских музыкальных чартах. Его самый известный запись была Берт Бакара / Hal David песня " Капли дождя Держите Fallin 'на My Head ".

Томас окончил среднею школу в г Розенберг . Перед его сольной карьерой, он пел в церковном хоре, будучи подростком, затем присоединился к музыкальной группе Триумфов.
В 1966 году, BJ Томас и Триумфы выпустила альбом, я так Lonesome I Could Cry (кардиостимуляторов Records).

Ранние хиты Томаса были со скипетром Records, его лейбле в течение шести лет. Он оставил скипетр отчеты в 1972 году и провел короткий период, в 1973 и 1974, с Paramount Records, , во время которого он выпустил два альбома, песни (1973) и Longhorns & Лондон Бриджес (1974).
Томас, выступления на Showcase Live, в Фоксборо, штат Массачусетс, декабрь 2012
В 1975 году Томас выпустили альбом Reunion на ABC Records , который впитал в себя метку Paramount; он содержал " (Эй не будешь играть) Еще Кто урон Кто Неправильный Песня "(самый длинный названием Номер 1 хита либо на Hot 100). Это был первый большой хит Томаса с 1972 года и обеспечило ему свой четвертый золотой диск.

В 1976 году Томас выпустил Главная Where I Belong , выпускаемых Крис христианина на женам рекордов , первым из нескольких евангельских альбомов. Это был первый христианский альбом пойти платину , и Томас стал крупнейшим современный христианский художник периода.

На MCA Records, Томас и Крис Кристиан записал то, что будет его последняя Топ 40 хит, " Не волнуйтесь Детка ", на своем последнем поп-альбом, который также включал в A / C хит" Still Lovin 'Is Fun ".

В 1980-х, его успех на поп-чарты начал ослабевать, но многие из его синглов достигли высших регионы на одиночных стран графике, в том числе двух 1983 диаграммы ботворезы, " Что случилось с Брак по-итальянски »и« Новые взгляды от Старый Любовник "(см 1984 в музыке ), а также " гараж на две машины ", который достиг № 3 в 1981 году, на его 39-й день рождения, Томас стал 60-членом Grand Ole Opry . [ 4 ]

Томас забил еще один хит, записи "Пока мы Получил друг друга", тема для Growing Pains , с Дженнифер Warnes . Более поздняя версия, используется для четвертого сезона шоу, был записан с британской певицей Дасти Спрингфилд . Томас впервые выпущен этот трек на его 1985 альбом бросали камни на Луне ( Columbia Records ).

Томас также является автором двух книг, включая автобиографию Главная Where I Belong , и снималась в кино Джори и "Corner Джейка". Несколько коммерческих джинглы в том числе Coca-Cola , Pepsi , и Белл, фигурируют его певческий голос и музыку. 31 декабря 2011 года, Томас был показан тайм исполнитель в 2011 Hyundai ВС Bowl в Эль-Пасо, штат Техас .

3 декабря 2013 года, Национальная академия Запись искусств и наук объявила, что его 1969 сингл " Капли дождя Держите Fallin 'на My Head "будет введен в Грэмми Зал славы .

Томас был женат на певице и композиторе Глория Ричардсон с декабря 1968 года. У них есть три дочери, Пейдж (1970 г.р.), Нора (принят из Кореи в 1978 году), и Эрин (родился в 1979 году). У них также есть три внучки. Вскоре после начала карьеры Томаса, стал зависимым от наркотиков и алкоголя.

Силла Блэк

Силла Блэк (англ. Cilla Black, урождённая Присцилла Мария Вероника Уайт (англ. Priscilla Maria Veronica White), род. 27 мая 1943) — британская певица, актриса и телеведущая. С 1964 по 1971 годы одиннадцать её синглов занимали высокие позиции в британских чартах, среди них такие хиты, как «Anyone Who Had a Heart» (1964), «You’re My World» (1964) и «Step Inside Love» (1968). При этом сингл «Anyone Who Had a Heart», по мнению журналиста BBC Radio 2, считается самой продаваемой в Великобритании записью 1960-х.[1] Несмотря на большой успех на родине, за её пределами певица была известна мало. В 1970-х Силла Блэк продемонстрировала себя в качестве комедийной актрисы, исполнив главные роли в двух собственных ситкомах на британском телевидении. Помимо этого, начиная с 1980-х годов Блэк выступала ведущей во многих телешоу и передачах, став при этом самой высокооплачиваемой телеведущей в истории британского телевидения.

Del Shannon


Дел Шеннон (англ. Del Shannon; настоящее имя — Чарльз Уидон Вестовер (англ. Charles Weedon Westover); 30 декабря 1934 — 8 февраля 1990) — американский певец и музыкант.

Дел Шеннон родился в городе Гранд Рэпидс (Grand Rapids) штата Мичиган. Свою молодость провёл в Куперсвилле (Coopersville), маленьком городке неподалеку от Гранд Рэпидс. Там он учился игре на укулеле и гитаре. В это же время он увлекается музыкой в стиле кантри. Среди любимых исполнителей кантри были Хэнк Уильямс (Hank Williams), Хэнк Сноу (Hank Snow) и Лефти Фриззл (Lefty Frizzell). В 1954 году Чарльз был призван на службу в армии и отправлен для ее прохождения в Германию. В течение этого времени он был гитаристом группы Cool Flames.

По окончании службы он вернулся в Бэтл Крик (Battle Creek), штат Мичиган, где работал на мебельной фабрике в качестве водителя грузовика и торговца коврами. В это же время он подрабатывал ритм-гитаристом и вокалистом в группе Дуга ДеМотта (Doug DeMott), выступавшей в клубе Хай-Лоу (The Hi-Lo Club). Когда же в 1958 году ДеМотт был уволен, Вестовер сделался лидером группы. Он взял себе псевдоним Чарли Джонсон (Charlie Johnson), а группу переименовал в The Big Little Show Band («Большой оркестр маленьких представлений»).

В начале 1959 года Вестовер принимает в группу клавишника Макса Крука (Max Crook), который играл на изобретённом им самим инструменте — музитроне (Musitron), модифицированном синтезаторе. Крук сделал записи песен и убедил Олли Маклафлина (Ollie McLaughlin), дискового жокея из Энн Эрбор (Ann Arbor), прослушать их. В свою очередь Маклафлин передал демозаписи группы Гарри Балку (Harry Balk) и Ирвингу Миканику (Irving Micahnik) из Talent Artists в Детройте. В июле 1960-го Вестовер и Крук подписали контракт с лейблом Big Top. Балк посоветовал Вестоверу взять другой псевдоним, тогда и появился «Дел Шеннон» — комбинация из фамилии друга и названия марки любимого автомобиля Вестовера — Cadillac Coupe de Ville.

Первые выступления в Нью-Йорке не принесли особых результатов, и Маклафлин убедил Шеннона и Крука переписать одну из их ранних песен, в оригинале называвшуюся «Little Runaway», используя музитрон как ведущий инструмент. 21 января 1961 года они записали песню «Runaway», которая в феврале того же года была выпущена синглом. А в апреле она заняла первое место в чартах. В 60-х ездил с гастролями по Великобритании.

8 февраля 1990 года покончил жизнь самоубийством выстрелив в себя из охотничьего ружья. Это было последствием депрессии, вызванной алкозависимостью.

*** С.А.Есенин

Нивы сжаты, рощи голы,
От воды туман и сырость.
Колесом за сини горы
Солнце тихое скатилось.

Дремлет взрытая дорога.
Ей сегодня примечталось,
Что совсем-совсем немного
Ждать зимы седой осталось.

Ах, и сам я в чаще звонкой
Увидал вчера в тумане:
Рыжий месяц жеребенком
Запрягался в наши сани.

Timi Yuro


Тими Юро (полное имя - Розмари Тимати Юро, англ. Rosemary Timothy Yuro, род. 4 Августа 1940 года в Чикаго, штат Иллинойс, ум. 30 Марта 2004 года в Лас-Вегасе, штат Невада) - американская соул и ритм-н-блюз певица. Считается одной из первых исполнителей «голубоглазого соула» (blue-eyed soul).
На синглах 1961 года «Hurt» и 1962 года «What’s a Matter Baby (Is It Hurting
You?)», Юро показала эмоциональный, но изящный вокальный стиль, отдавая дань
уважения Дине Вашингтон (англ.Dinah Washington) и другим черным джазовым
певицам. Многие слушатели поначалу думали, что Тими негритянка - так необычно
звучал её голос.
В 1963 году выходит альбом «Make the World Go Away», содержащий кантри и
блюзовые стандарты. Юро также известна по переработкам таких известных
американских песен, как «Let Me Call You Sweetheart», «Smile», и «I
Apologize». В 60х годах Тими два раза выступала на шоу Эда Салливана (англ. The Ed
Sullivan Show) и была в качестве гостя на таких шоу, как «American Bandstand»,
«Where the Action Is» и «The Lloyd Thaxton Show».
К концу 60х её карьера сбавляет обороты и она полностью уходит из музыки после
свадьбы в 1969 году. Когда Юро решает вернуться к работе, в начале 80х,
доктора обнаруживают у неё рак гортани. Её последней записью был альбом на
виниле «Today», который был выпущен в 1982. В 1990 альбом был ремастерингован
и заново смикширован самой Юро на её собственном лейбле и издан под названием
«Timi Yuro Sings Willie Nelson».





http://video.yandex.ru/users/aleksandra-m2010/view/3619/

Фрэнк Синатра
Frank Sinatra


Фрэ́нсис А́льберт Сина́тра (англ. Francis Albert Sinatra: 12 декабря 1915, Хобокен, Нью-Джерси — 14 мая 1998, Лос-Анджелес) — американский актёр, певец и шоумэн. Cлавился романтическим стилем исполнения песен и «медовым» (crooning) голосом, а также эффектной внешностью. В молодые годы имел прозвище Фрэнки (Frankie) и Голос («the Voice»), в более поздние годы — Мистер Голубые Глаза (Ol' Blue Eyes), а затем уважительное Старейшина («Chairman of the Board»). Песни в его исполнении вошли в классику эстрады, на них воспитаны несколько поколений американцев. За 50 лет активной творческой деятельности записал около 100 неизменно популярных дисков-синглов, исполнил все самые известные песни крупнейших композиторов США — Джорджа Гершвина, Кола Портера и Ирвинга Берлина.
Синатра — сын итальянских эмигрантов, которые на рубеже столетий ещё детьми со своими родителями осели на восточном побережье Америки. Его отец был уроженцем Палермо (Сицилия) и работал профессиональным боксёром, пожарным и барменом. А его мать была родом из североильтаянского города Лумарцо у Генуи и занимала должность местного председателя Демократической партии в Хобокене. Надо думать, что Синатра как единственный ребёнок в семье рос в целом хоть и в скромной обстановке, по сравнению с положением многих других итальяно-американских иммигрантов, но вполне «хорошей».
С ранних лет его интересовала музыка, и с 13 он подрабатывал с помощью своих укулеле, маленькой музыкальной установки и мегафона в барах своего города. С 1932 у Синатры были небольшие выступления на радио; и с тех пор как он в 1933 на концерте в Джерси-Сити увидел своего кумира Бинга Кросби, он выбрал профессию певца. Кроме того, он работал также спортивным журналистом местной газеты во время Великой депрессии в 30-е гг., после того как без диплома покинул вуз. Кино вызвало у него большой интерес; его любимым актёром был Эдвард Г. Робинсон, который тогда снимался прежде всего в фильмах про гангстеров.
С группой «The Hoboken Four» Синатра выиграл в 1935 конкурс молодых талантов популярного тогда радиошоу «Major Bowes Amateur Hour» («Любительский час майора Боуза») и через некоторое время поехал с ними в своё первое национальное турне. После этого 18 месяцев с 1937 он работал по обязательству в качестве шоумэна в музыкальном ресторане в Нью-Джерси, который также посещали такие звёзды, как Кол Портер,и вместе с выступлениями на радио заложил основы для своей профессиональной карьеры.
В феврале 1939 Синатра женился на своей первой любви Нэнси Барбато. В этом браке в 1940 родилась Нэнси Синатра, позже самостоятельная успешная певица. За ней последовали в 1944 Фрэнк Синатра-мл. (1988—1995 руководитель оркестра Синатры) и в 1948 Тина Синатра, которая работает кинопродюсером.
В конце 1940-х годов у Синатры начался творческий кризис жанра, совпавший по времени с бурным романом с актрисой Aвой Гарднер. 1949 год стал самым тяжёлым в карьере Синатры, когда его уволили с радио, а через полгода планы по проведению концертов в Нью-Йорке были грубо нарушены, Ненси подала на развод, а роман с Гарднер перерос в громкий скандал. Более того «Columbia Records» отказала ему в студийном времени. В 1950 году его контракт с MGM был расторгнут, а новый агент из MCA также отвернулся от Синатры. В возрасте 34 лет Фрэнк стал человеком прошлого, о нем говорили в прошедшем времени. На нём поставили большую точку. В 1951 году Синатра женился на Aве Гарднер, с которой развёлся через шесть лет. Помимо всего этого, Синатра потерял голос после сильнейшей простуды. Все эти несчастья были настолько неожиданны и тяжелы, что певец решил покончить жизнь самоубийством.
К счастью, проблемы с голосом были временными, и когда он восстановился, Синатра начал всё сначала. В 1953 году он снялся в фильме «Отныне и вовеки веков» («From Here to Eternity»), получив за него «Оскар» как лучший актёр второго плана. Его стали приглашать в различные кинопроекты, самыми удачными из которых стали «Человек с золотой рукой» («The Man With the Golden Arm», 1955), «Детектив» («The Detective», 1968).
В конце 1940-х годов Синатра выступал в Лас-Вегасе с такими эстрадными звездами, как Сэмми Дэвис (Sam Davis), Дин Мартин (Dean Martin) , Джо Бишоп (Joe Bishop) и Питер Лоуфорд (Peter Lowford). Их компания, известная как «Rat Pack» работала с Джоном Кеннеди во время его президентской кампании в 1960 году.
В 1966 году Синатра женился на актрисе Миа Фэрроу. Ему был 51 год, а ей — 21. Парочка разошлась на следующий год. Через десять лет Синатра женился в четвертый раз на Барбаре Маркс, с которой прожил до конца своей жизни.
В 1971 году Синатра объявил, что уходит на пенсию, однако продолжал давать редкие концерты, становившиеся настоящей сенсацией в музыкальном мире. В 1980 году Синатра записал один из своих шедевров — супер-хит «New York, New York», став единственным певцом в истории, сумевшим через пятьдесят лет вернуть себе популярность и любовь публики. В 1988—1989 годах прошел прощальный тур «Rat Pack», а последнее концертное выступление Синатры состоялось в 1994 году, когда ему было 78 лет. 14 мая 1998 года Фрэнк Синатра скончался от сердечного приступа в возрасте 83 лет.

Hermans Hermits

В 1964-67 годах название этой группы было непременным составляющим хит-парадов Европы и Америки. Песня "Mrs. Brown, You’ve Got a Lovely Daughter" (с одноимённого альбома "Herman’s Hermits" 65-го года) стала в США супер-хитом и целых три недели возглавляла тамошние чарты, так же было и в Австралии.

А начал всё полупрофессиональный музыкант Питер Нун (р. 5 ноября 1947) начал свою карьеру с обучения в манчестерском музыкально-драматическом колледже. Еще в детстве он снялся в одной из главных ролей в мыльной опере "Coronation Street", а также появился в паре других фильмов. Тем временем Манчестер, как и всю Англию, накрыла волна бита, и в городе существовала масса команд, играющих эту музыку. Среди них была и "Heartbeats", в состав которой входили Кит Хопвуд (р. 26 октября 1946; гитара, вокал), Карл Грин (р. 31 июля 1947; бас, вокал), Дерек "Лек" Лекенби (р. 14 мая 1945; гитара, вокал) и Барри Уитвом (р. 21 июля 1946; ударные). На одном из концертов ансамбль остался без ведущего вокалиста, и его заменили подвернувшимся Нуном. С тех пор тот так и остался в команде, взяв себе псевдоним Питер Новак. Группа выступала в местных клубах и на танцплощадках, пока ее не приметили и не взяли под свою опеку менеджеры Харви Лисберг и Чарли Силверман. То ли они, то ли Карл Грин заметили внешнее сходство Нуна с персонажем мультфильма "Mr. Peabody & Sherman", из-за чего Питер и получил прозвище Херман.
Сам коллектив также сменил вывеску на "Herman & His Hermits", которую вскоре сократили до "Herman's Hermits". Мелодичный рок-н-ролл, который исполняла группа, и привлекательный голос Хермана привлекли внимание известного в те времена продюсера Мики Моста. Мики с удовольствием взялся за раскрутку "Herman's Hermits", организовав им контракт с английской "EMI-Columbia" и с американской "MGM Records".
Дебютный сингл, "I'm Into Something Good", выпущенный под его руководством, стартовал в британских хит-парадах на первом месте и занял 13-ю позицию в штатовских. Самое интересное, что этот сингл имел самое "английское" звучание в отличие от всех последующих релизов, на которых чувствовался "американско-калифорнийский" налет. Мост избрал политику, сходную с будущими действиями руководства "Monkees", не давая музыкантам самим записываться, а для студийной работы привлекал в основном сессионщиков, среди которых попадались такие личности как Джимми Пейдж и Джон Пол Джонс. Материал для песен Мики предпочитал брать у популярных композиторов типа Джерри Гофина, Кэрол Кинг или у того же Сэма Кука. В 1965 и 1966 годах "Herman's Hermits" раз по шесть попадали в лучшую английскую двадцатку с такими композициями как "Wonderful World", "Silhouettes", "No Milk Today" и "There's A Kind Of Hush".
Покорение Америки началось с песни "Mrs. Brown You've Got A Lovely Daughter", которая целых три недели возглавляла тамошние чарты (такая же история с ней получилась и в Австралии). Сингл с этой композицией был продан общим тиражом свыше 10 миллионов экземпляров (причем в Англии он так и не был никогда издан). Благодаря такой бешеной популярности с большим успехом прошло первое крупное американское турне "Herman's Hermits". Вслед за этим состоялось появление группы в фильме "When the Boys Meet the Girls".
С этого момента Мост сделал ставку на американскую публику, тем более что дома конкуренция была очень большой. Так, песня "I'm Henry the Eighth, I Am" совершенно не пользовалась популярностью в Британии, зато в Америка она стала хитом номер один и получила "золото". Альбомы "Herman's Hermits" постоянно присутствовали в штатовском Топ 10, но совершенно иная картина наблюдалась на родине кол

лектива. Там в чартах оказалась лишь дебютная пластика "Herman's Hermits", занявшая 16-е место. Продажи синглов тоже потихоньку падали, и положение несколько удалось подправить (Топ 10) с выходом "No Milk Today" Грэма Гоулдмэна. В 1966-м ансамбль снялся в фильме "Hold On!", повествующем о полете группы на космическом корабле.
А вскоре в Америке начался сериал с "Monkees" и популярность "Herman's Hermits" быстро пошла на спад. Коллектив с переменным успехом боролся за свое существование вплоть до 1970 года, когда Питер Нун решил заняться сольной карьерой. Остальные "Hermits" перебрались в Штаты, где какое-то время продолжали свою деятельность. В 1973-м состоялся реюнион группы на концерте в Нью-Йорке, посвященному "британскому вторжению", но это возрождение было кратковременным.

Сьюзи Кватро


Сьюзи Кватро (Suzi Quatro) родилась 3 июня 1950 года в городе Детройте (штат Мичиган, США) в семье джазового музыканта, американца итальянского происхождения - Арта Кватро и венгерки Хелен Шанишлаи. Известно, что изначально фамилия Сьюзи была несколько другой. По одной из версий она звучала как Кватроччио, но дед Сьюзи, по отцовской линии, приехавший в США в 1901 году, решил укоротить фамилию до «Кватро», для более легкого и благозвучного произношения.
Детство Сьюзи Кватро прошло в пригороде, а именно в районе Гросс-Пойнт, что неподалёку от озерного побережья.
Отец Сьюзи работал на заводе компании «General Motors», а по вечерам играл джаз в местных клубах, возглавляя коллектив Art Quatro Trio. Именно он впервые вывел Сьюзи, в восьмилетнем возрасте, играть в его банде на конгах. Со временем Сьюзи осваивает и фортепиано.
В 14 лет Сьюзи Кватро становится участницей женского ансамбля Pleasure Seekers, в составе которого на тот момент уже находились две её сестры Арлин и Патти. На то время Pleasure Seekers была одной из немногих гаражных рок-групп, где все участницы самостоятельно играли на музыкальных инструментах, да еще и регулярно выступали в молодежном клубе Hideout, который прославился тем, что именно здесь начал свою музыкальную карьеру рок-исполнитель Боб Сигер (Bob Seger).
В 1966 году группа Pleasure Seekers выпускает сингл, в который вошли две песни: «Never Thought You’d Leave Me» и «What a Way to Die». Сингл был выпущен на собственном лейбле хозяина клуба Hideout. Позднее, обе эти песни были переизданы в 80-х годах, в компиляции гаражного рока 60-х под названием «What a Way to Die». Сингл принес успех группе, ими заинтересовался известный лейбл Mercury Records, с которым девчонки заключили контракт, записали «Light of Love» и отправились в тур по США и провели ряд выступлений перед американскими войсками во Вьетнаме.
В 1967 году группа сменяет свое название на Cradle, из группы уходит Арлин в связи с рождением ребенка, а ее место занимает третья сестра Сьюзи Кватро – Нэнси. Группа начинает играть хард-рок. Брат Сьюзи – Майкл Кватро становится менеджером группы, и договаривается с Микки Моустом (Mikkie Most) о встрече на одном из концертов Cradle. Моусту понравилась экспрессивная манера исполнения Сьюзи, и он предлагает контракт с собственным лейблом RAK Records.
Через полгода после образования группа Cradle распадается. Сестра Патти уходит в женскую лос-анджелесскую группу Fanny, а президент компании Elektra Records предлагает Сьюзи Кватро заключить контракт. Но Сьюзи отказывается от предложения: «Если верить президенту Elektra, мне предстояло стать второй Дженис Джоплин. Микки Мост предложил мне поездку в Англию, чтобы там я стала — единственной и неповторимой Сьюзи Кватро. Становиться кем-то-номер-два я не собиралась», — говорит Сьюзи в интервью c Джейн Холл.
В конце 1971 года Сьюзи Кватро покидает родной Детройт и летит в Англию, где под руководством Микки Моуста Сьюзи устраивается в звукозаписывающую компанию RAK Records. Там Сьюзи знакомится с известными хит-мейкерами Майком Чепмэном и Никки Чинном, которые писали материал для многих известных глэм-групп того времени (Sweet, Smokie, T.Rex, Mad, Gary Glitter).
В результате плодотворного сотрудничества Сьюзи Кватро с Чепмэном и Чинном в свет выходит песня «Can the Can», которая мгновенно становится популярной и оказывается на первых местах британских, австралийских и японских хит-парадах. Позже выходит песня «48 Crash». Обе песни написанные Чепмэном и Чинном вошли в альбом 1973 года под названием "Suzie Quatro". Некоторые песни альбома были написаны Сьюзи Кватро в соавторстве с гитаристом группы Ленни Таки (Lennie Tuckey), но большая часть хитового материала была написана Чепмэном и Чинном. Альбом приносит Сьюзи определенный коммерческий успех.
В 1974 году, на волне успеха, Кватро проводит концертный тур по Австралии.
До конца 70-х Сьюзи остается практически неизвестной американской аудитории, не смотря даже на то, что провела американский тур с Alice Cooper и попала на обложку журнала Rolling Stone.
В этом же 1974 году вышел второй альбом группы под названием «Quatro», главным хитом которого стала песня «Devil Gate Drive». Также на диске присутствует ритм-энд-блюзовый вариант песни «Hit The Road Jack» исполненный на кватровский манер.
В 1975 году выходит альбом «Your Mama Won’t Like Me», который прославила песня «I Bit Off More Than I Could Chew». Вслед за альбомом «Your Mama Won’t Like Me» выходит «Agro Phobia» в 1976 году. Этот альбом получился несколько слабым, хотя кавер на «Heartbreak Hotel» пришелся многим фэнам группы по вкусу.
В 1977 году Сьюзи Кватро поступает предложение сняться в комедийном телесериале Happy Days. Сьюзи принимает предложение и снимается в 7-ми эпизодах, но потом отказывается продолжать.
В 1978 году Сьюзи выходит замуж за своего гитариста Ленни Таки (Lennie Tuckey). Сначала свадьбу отыграли в Англии, затем в Японии.
Альбом «If You Knew Suzi», выпущенный в 1978 году, показывает переход к более «зрелому» звучанию. Композиция «Stumblin' In», записанная в дуэте с Крисом Норманом приносит известность Сьюзи Кватро в США.
В 1982 году Сьюзи снимается в нескольких британских телешоу, и будучи уже беременной записывает новый альбом под названием "Main Attraction".
23 сентября 1982 года у Сьюзи Кватро родилась дочь Лора (Laura). Уже через год маленькая дочь Лора сопровождает свою мать в турах по Великобритании и Австралии.
В 1983 году у Сьюзи родился сын - Ричард Леонард (Richard Leonard). Сьюзи Кватро продолжает гастролировать, не оставляя детей.
В 1986 году Сьюзи Кватро предлагают роль в мюзикле «Annie Get Your Gun» , на что она с удовольствием соглашается.
В 1990 году Сьюзи Кватро выпускает новый альбом под названием «Oh Suzi Q» (лейбл Bolland & Bolland). Диск вышел в Германии, Скандинавии и Японии.
В 1992 году, после 16-ти летнего брака Сьюзи Кватро разводится с мужем Ленни Таки (Lennie Tuckey), и уже в 1993 году Сьюзи выходит замуж за Райнера Хааса (Rainer Haas), концертного промоутера туров по Германии.
В 1993 году Сьюзи берет своего отца на гастроли по Австралии, где Арт Кватро с изумлением наблюдает, как его дочь «отжигает» на концертах, выплескивая в зал невероятный драйв.
В 1996 году выходит диск «What Goes Around» в который вошли старые хиты, а также несколько новых композиций. Сьюзи Кватро дает тур в поддержку нового альбома.
В 1997 году Сьюзи отправляется в Нью-йорк чтобы закончить вместе с Майклом Чепменом несколько новых песен и записать новый альбом. В 1998 году в Соединенном Королевстве выходит новый альбом Сьюзи Кватро под названием «Unreleased Emotion». Часть материала этого альбома была записана ещё в 1983 году.
В 1999 году Сьюзи Кватро отправляется в масштабный тур по Англии, Германии, Австралии, Малайзии и Финляндии.
С 2000 года Сьюзи становится ведущей популярной радиопрограммы BBC Radio «Rockin' with Suzi Q». В 2002 году умирает мать Сьюзи - Хелен Кватро.
Позже выходят альбомы «Back To The D

The Animals




The Animals («Животные») — британская группа, начинавшая на блюзовой и ритм-энд-блюзовой сцене Ньюкасла и Лондона. Одна из основных представителей «британского вторжения» на американскую музыкальную сцену в начале 1960-х. Всемирную известность приобрела благодаря собственной обработке народной песни «Дом Восходящего Солнца».

Фактически группа образовалась в Ньюкасле в 1959 году, когда два парня Алан Прайс (19.04.1942, клавишные) и Брайан («Чэс») Чендлер (18.12.1938, бас-гитара) познакомились в группе «The Kansas City Five». На волне общих увлечений блюзом и джазом они вскоре решили организовать собственную группу. К ним присоединился барабанщик Джон Стил (04.02.1941), и группа получила название Alan Price Rhythm & Blues Combo. Поскольку группа была неполная и немного не вписывалась в тогдашние представления о составе музыкального ансамбля (а некоторые клубы требовали строгого соответствия этим представлениям от выступавших в них групп), иногда они приглашали на свои выступления знакомых: студента местного колледжа искусств и промышленного дизайна Эрика Бёрдона (11.05.1941), обладавшего неординарным голосом и певшего в группе «The pagans», в качестве вокалиста и гитариста Хилтона Валентайна (22.05.1943) из группы The Wild Cat. Отличались они и репертуаром: в то время как большинство любительских групп того времени играли популярные песни рок-н-ролльных исполнителей, основу репертуара будущих «The Animals» составили ритм-энд-блюзовые и блюзовые композиции американских блюзменов, что в большей степени отвечало характеру города Ньюкасла, знаменитого своими угольными шахтами, и образу жизни в нём.

Группа всё чаще и чаще выступала в различных клубах города, приобретая славу и профессионализм, и наконец настал момент, когда наличие постоянного вокалиста и гитариста стало необходимостью. Особо долго искать их не пришлось: музыканты уже сработались с Бёрдоном и Валлентайном, и когда им поступило предложение стать участниками группы на постоянной основе, они согласились. Это произошло в 1962 году. Тогда же в жизни музыкантов произошло ещё два события: они определились с постоянным местом выступлений — им стал клуб «Downbeat» — и сменили название. Последнее, правда, произошло почти случайно. Дело в том, что музыканты выделялись среди остальных групп оригинальной интерпретацией исполняемых композиций, в которых главный упор делался на клавишные, а не на гитару, и необычайно экспрессивной манерой исполнения Эрика Бёрдона, который буквально выкрикивал слова в микрофон. Сдержанными британцами подобное поведение и манера подачи песен были признаны эксцентричными, хоть и достойными внимания, а пресса окрестила музыкантов «животными» («animals»). Это слово и стало новым названием группы.
К концу 1963 г. музыканты приобрели уже достаточную известность в Ньюкасле и окрестностях, что позволило им дать ряд концертов с приехавшим в Англию на гастроли негритянским блюзменом Сонни Боем Уильямсоном. Они не выступали у него на разогреве: это было полноценное совместное турне, во время которого и Уильямсон подыгрывал на гитаре «The Animals» в некоторых композициях, и музыканты из группы (в частности, Алан Прайс и Эрик Бёрдон) участвовали в исполнении некоторых песен Уильямсоном. Таким вот образом 30 декабря 1963 г. они дали концерт в ньюкасльском клубе «A Go-Go», ставший для «The Animals» судьбоносным. Часть этого концерта с выступлением группы была записана для их поклонников на мини-LP (такие пластинки назывались ещё EP) и выпущена ограниченным тиражом в 500 экземпляров (позже этот альбом был переиздан под названием «In the begining». Вторая часть концерта, с выступлением Сонни Боя Уильямсона, была издана в 1974 г. под названием «The night time is the right time», а весь концерт — в 1990 г. под названием «Charlie Declare»). Один экземпляр этой пластинки попал к лондонскому менеджеру Джорджио Гомелски, результатом чего стал неожиданный переезд группы в Лондон в 1964 г., где фирма Columbia Records (филиал EMI) подписала с ней контракт. С этих пор делами группы от имени компании стал ведать продюсер Микки Мост. 2 мая 1964 г. вышел дебютный сингл группы — композиция из репертуара Боба Дилана «Baby Let Me Take You Home», слегка измененная версия блюзового стандарта «Baby Let Me Follow You Down». Песня заняла 21-е место в хит-параде. Это был успех.

Весь май группа гастролировала по Англии вместе с Чаком Берри и группой «The Swinging Blue Jeans», в июне отправилась на гастроли в Японию, а 11 июня вышел в свет сингл House of the Rising Sun. Песня была достаточно давно известна публике: до этого её исполняли и записывали, начиная с 1933 года, различные фолк- и блюзовые певцы, в числе которых отметились Вуди Гатри (1941 г.) и легендарный Лидбелли (1948 г.). Также эту песню записывали Джош Уайт, Дэйв ван Ронк, Нина Симон, Джоан Баэз и Боб Дилан, но лишь в исполнении «The Animals» она стала мега-хитом (122-е место в списке 500 лучших песен по версии журнала «Роллинг Стоун»). Критика отметила как вокал Бёрдона, так и необычную аранжировку Алана Прайса. По словам Бёрдона, он слышал эту песню в Ньюкасле от певца Джонни Хандла во время майских гастролей с Чаком Берри, и музыканты решили записать её, чтобы разнообразить свой блюзовый репертуар фолк-песней. Вся работа заняла не более 15 минут. Именно после этой песни «The Animals» стали группой № 3 в мировой музыке, а само понятие «британское вторжение» стало ассоциироваться именно с вокалом Бёрдона. В этом же году вышел первый полноценный альбом группы, почти весь состоявший из кавер-версий песен Фэтса Домино, Джона Ли Хукера, Ларри Уильямса, Чака Берри и некоторых других исполнителей. Исключение составляла лишь песня «Story of Bo Diddley», написанная Бёрдоном на музыку Элиаса Макданиэла и исполненная в стиле «речитативных блюзов» Боба Дилана. Альбом занял высокие места в чартах и вскоре был выпущен и в американском варианте, слегка отличавшемся от английского.

В течение следующих двух лет The Animals достигли суперзвездного статуса, чему способствовал ряд хит-синглов (в основном это были кавер-версии: Bring It On Home To Me Сэма Кука, Don’t Let Me Be Misunderstood Нины Симон) и несколько масштабных гастролей по США, по материалам которых они выпустили в 1965 году альбом «The Animals on the tour». Группа пользовалась огромной популярностью, в особенности у негритянского населения Америки, чью музыку они активно пропагандировали. Эта популярность была так велика, что крупнейший негритянский журнал «Ebony» посвятил музыкантам пятистраничную статью, а после этого группа выступила в гарлемском концертном зале «Apollo». Ни до, ни после них ни одна белокожая музыкальная группа или исполнитель не удостаивались подобного приглашения.

Группа была на вершине славы. В 1965 г. вышел ещё один альбом, как и первый, состоявший из кавер-версий известных стандартов, однако весной этого года между музыкантами начались конфликты. Суть их была в том, что Бёрдон хотел исполнять аутентичные, народные американские блюзы (видимо, под влиянием работы над «House of the Rising Sun»), в то время как остальные музыканты по-прежнему предпочитали играть кавер-версии песен, написанных профессиональными авторами. Кроме того, Прайс и Бёрдон никак не могли поделить лидерство в группе. В результате 5 мая Алан Прайс после турне по Скандинавии ушёл из группы и создал группу «Alan Price Set». На его место был приглашён клавишник Дэйв Роуберри, по стилю напоминавший Прайса. Следующим шагом стало расторжение контракта с фирмой «Columbia», смена продюсера и заключение контракта с фирмой «Decca» с условием творческой свободы в выборе материала. Группа приступила к записи нового альбома, названного «Animalism», однако в феврале 1966 г. в разгар записи альбома коллектив покидает барабанщик Джон Стил. Его заменил Барри Дженкинс. Вышедший альбом, в котором была записана ещё одна фолк-песня «Inside Looking Out», в очередной раз подтвердил высокий статус группы, заняв 4-е место в чарте, но это не привело к миру внутри коллектива. Разногласия усиливались, и в сентябре 1966 г. группа распалась.

Судьба музыкантов сложилась по-разному. Чэс Чэндлер стал менеджером Джими Хендрикса, затем — английских групп The Soft Mashine и Slade, Джон Стил, выпустив один сингл, вернулся в Ньюкасл и стал бизнесменом. Эрик Бердон записал сольный альбом «Eric is here» (1967) и собрал новый состав под названием Eric Burdon & The New Animals, с которым выступил на поп-фестивале в Монтерее, Калифорния. Вместе с ним Бердон записал четыре сильных и интересных альбома Winds of Change (1967), The Twain Shall Meet (1968), Every One of Us (1968) и Love Is (1968), отдав дань уважения царившей в музыке психоделии. Вскоре после выхода альбома Love Is Эрик распустил The New Animals и присоединился к фанк-роковой группе «War», став их вокалистом и продюсером.

Однако через два года после своего распада музыканты The Animals играли вместе на рождественском представлении в Ньюкасле. Затем они опять расстались, но в январе 1976 г. снова собрались и в классическом составе, с Прайсом и Стилом, отыграли несколько джем-сейшнов в доме у Чеса Чендлера, после чего было решено записать альбом под маркой «The Original Animals». Альбом, названный Before We Were So Rudely Interrupted, был записан, но из-за разных юридических сложностей был выпущен лишь через год, после того как Чендлер, недовольный своей игрой, попытался восстановить утраченную гибкость пальцев и переписал свою партию бас-гитары. Альбом получил отрицательные отзывы критиков (особенно досталось Чендлеру как музыканту и продюсеру) и занял лишь 70-е место в хит-параде, и то в США. Группа распалась вновь.

В следующий раз музыканты собрались вместе летом 1983 года, выпустив сингл «Love is for all love», попавший в американский ТОП-50, затем — альбом «Ark», а в октябре дав два концерта в лондонском «Albert Hall». В начале следующего года был выпущен концертный альбом, записанный на стадионе Уэмбли, и записана телепрограмма с участием The Animals, после чего музыканты совершили два турне по Англии. Однако всё это уже не имело успеха, и группа распалась вновь.

В третий раз группа собралась в 1993 году по инициативе Хилтона Валентайна, уговорившего Чендлера поиграть в группе Hilton Valentine’s Animals. В 1994 году к ним присоединился Стил, после чего группа сменила название на The Animals II. Музыканты исполняли классические песни The Animals, однако в 1996 г. Чэс Чендлер скончался от острой сердечной недостаточности. Группа временно прекратила свою деятельность, пока в 1999 г. к ним не присоединился Роуберри, на место вокалиста не пришёл Тони Лиддл, а место басиста не занял Джим Родфорд. Этот состав вернул себе классическое название группы. В 2000 году Родфорд ушёл из группы, на его место был приглашён Крис Аллен. В этом составе был записан неплохой концертный альбом.

ЛЕЙСЯ ПЕСНЯ


ВИА был основан в 1974 году в филармонии г. Кемерово на базе существовавшего там же с 1972 по 1974 годы ВИА «Витязи». Название "Лейся, песня" было дано коллективу по предложению бас-гитариста Юрия Захарова.

Файл:ВИА "Лейся, песня". 1975.jpg
Первыми руководителями ансамбля «Лейся, песня» стали Валерий Селезнёв, пришедший в ВИА «Витязи» в 1973 году из ансамбля «Самоцветы», и Михаил Плоткин. Лидер-солистом с основания коллектива и до 1980 года был Владислав Андрианов, исполнивший такие хиты, как «По волне моей памяти» на альбоме Д. Тухманова, «Где же ты была», «Вот увидишь» и многие другие. Игорь Иванов, работавший в коллективе в 1974—1975 годах, записал широко известные песни «Прощай», "Из вагантов"("На французской стороне") и другие.

В 1976 году коллектив возглавил Михаил Шуфутинский, при котором ансамбль достиг наивысшего расцвета и стал всенародно любимым. При нем были записаны почти все хиты, по которым и сейчас помнят ВИА «Лейся, песня».
В сопровождении ансамбля записывались такие известные исполнители, как Иосиф Кобзон, Анна Герман, Валентина Толкунова, Геннадий Белов, Евгений Мартынов, Яак Йоала и другие певцы.

В 1978 году ВИА «Лейся, песня» стал победителем Всероссийского конкурса исполнителей советской песни «Сочи-78».

Ансамбль записывался на телевидении в программах «Служу Советскому Союзу», «А ну-ка, девушки», «Шире круг», «Здоровье» и др.

В 1980 году ансамбль возглавил Виталий Кретов (Кретюк). При нем звучание коллектива стало более жестким, репертуар резко изменился.В этом году был записан главный хит ансамбля — «Обручальное кольцо» (музыка В. Шаинского, слова М. Рябинина) в аранжировке В. Кретова, солист — Владимир Ефименко.

В 1984 году за несдачу программы (на основании приказа Министерства Культуры РСФСР № 361 от 25.07.84 «О мерах по упорядочению деятельности в вокально-инструментальных ансамблях, повышению идейно-художественного уровня их репертуара») ВИА был закрыт. Попытка восстановить коллектив, предпринятая бас-гитаристом Леонидом Смилянским, в 1986 году окончилась неудачей.

В 1990—2000 годы появилось несколько коллективов с названием «Лейся, песня», исполнявших песни из репертуара, созданного в 1974—1980 годы. Эти коллективы слишком смело называли себя "наследниками коллектива". Однако музыкантов, исполнивших и записавших эти песни, в них уже не было, да и уровень их исполнительского мастерства далёк от уровня "звёзных составов"

Pink Floyd

Pink Floyd — британская рок-группа. Знаменита своими философскими текстами, акустическими экспериментами, инновациями в оформлении альбомов и грандиозными шоу. Является одной из влиятельных и наиболее успешных групп в рок-музыке — 74,5 млн проданных альбомов в США (седьмое место)[3], в мире же было продано около 300 млн (не считая сольных работ)[4].

Группа была основана в 1965 году однокурсниками по архитектурному факультету лондонского политехнического института (Regent Str. Polytechnic) Ричардом Райтом (клавишные, вокал), Роджером Уотерсом (бас-гитара, вокал), Ником Мэйсоном (ударные), и их кембриджским другом Сидом Барреттом (вокал, гитара). В 1968 году к четверке присоединился Дэвид Гилмор, который заменил Барретта после того как последнему пришлось покинуть группу. После ухода Барретта доминирующими фигурами в группе вначале стали бас-гитарист Роджер Уотерс и клавишник Ричард Райт, но со временем Райт уступил позиции гитаристу Дэвиду Гилмору. Уотерс с каждым новым альбомом закреплял лидерство, постепенно придя к единоначалию. После ухода Барретта и вплоть до 1983 года Уотерс был автором подавляющего большинства текстов песен группы (начиная с 1973 года в течение десяти лет тексты писал только он один) и главным автором самого концептуального альбома группы The Wall. Последний альбом группы (The Division Bell), последний тур и негласный распад состоялись в 1994 году. Каждый из участников группы сделал в той или иной степени успешную карьеру, в основном опираясь на опыт альма-матер. Последнее выступление классического состава произошло в июле 2005 года на концерте Live 8.

Название Pink Floyd возникло после ряда переименований групп Sigma 6, T-Set, Meggadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs и The Abdabs. Вначале группа именовалась The Pink Floyd Sound, и только затем просто The Pink Floyd в честь двух блюзовых музыкантов из Северной и Южной Каролины — Пинка Андерсона (англ.) (англ. Pink Anderson) и Флойда Кансила (англ.) (англ. Floyd Council)[5][6]. Определённый артикль «The» был отброшен из названия только после 1970 г. (см., напр., обложку пластинки с музыкой к «Забриски-пойнт»).

Формирование (1963—1964)
Ник Мэйсон и Роджер Уотерс познакомились в университете Вестминстера в Лондоне, где оба учились на факультете архитектуры. Они начали играть вместе в группе, сформированной Китом Ноблом и Кливом Меткалфом. Позже к ним присоединился Ричард Райт, и секстет был назван Sigma 6. Девушка Райта — Джульетта Гейл — была частой гостьей на репетициях группы. Роджер Уотерс, прежде чем перейти на бас-гитару, играл на ритм-гитаре. Sigma 6 играла песни группы The Searchers и материал, написанный студентом Кеном Чэпменом, который стал менеджером группы и автором песен. В сентябре 1963 года Мэйсон и Уотерс переехали на более дешевую квартиру на Стэнхоп Гарденс, владельцем которой был преподаватель университета — Майк Леонард. Леонард помогал молодой группе в репетициях. Sigma 6 использовала эту квартиру для своих репетиций. Позже Мэйсон выехал из квартиры, а его комнату занял новый гитарист Боб Клоуз. На протяжении выступлений название группы неоднократно менялось. Вскоре Меткалф и Нобэл покинули состав группы. Осенью 1963 года семнадцатилетний Сид Барретт прибыл в Лондон для учёбы. Уотерс и Барретт были приятелями с детства (Уотерс часто навещал Барретта в доме его матери). Барретт присоединился к составу Tea Set в 1964-м году и поселился у Уотерса и Клоуза.

Период с Сидом Барреттом (1964—1968)
Как The Pink Floyd Sound
После ухода Ноубела и Меткалфа Tea Set лишился вокалистов. Испытывая сильный недостаток в вокале, Клоуз познакомил группу с Крисом Деннисом. Под предводительством Денниса Tea Set сменило название на The Pink Floyd Sound, в честь двух блюзовых музыкантов, записи которых Барретт держал в собственной коллекции — Пинка Андерсона и Флойда Каунсила. Баррет переименовал группу, поскольку на одном из выступлений он выяснил, что на нём присутствовала группа, которая тоже носила название Tea Set. Сам Деннис позже уехал в Бахрейн, назначив Сида Барретта фронтменом группы.

Первый визит на студию звукозаписи произошёл в декабре 1964 года. Члены группы попали в студию благодаря связям Райта. Его друг работал в студии на Вэст Нампстиде и использовал перерыв для записи нескольких сетов The Pink Floyd Sound. Во время их сессий были записаны четыре песни, которые стали первыми демозаписями группы, и включали в себя кавер на классическую ритм-н-блюзовую композицию «I’m A King Bee» и три песни сочиненных Сидом Барреттом: «Butterfly», «Lucy Leave» и «Double O Bo».

Затем The Pink Floyd Sound стали постоянными гостями в лондонском Каунтдаун Клаб, где отыгрывали по 90 минут с позднего вечера до раннего утра. Также группа была приглашена на телепередачу «Ready Steady Go!», которая искала молодые таланты. Боб Клоуз покинул группу в 1965-м году, а лид-гитаристом и вокалистом группы стал Сид Барретт.

The Pink Floyd Sound продолжали играть в клубах преимущественно ритм-н-блюзовые композиции. На одном из таких выступлений в марте 1966 года их заметил Питер Дженнер. Дженнер, лектор в лондонской школе экономики и политических наук, был восхищён акустическими эффектами, созданными Барреттом и Райтом во время их выступления, и совместно со своим другом Эндрю Кингом стал менеджером группы. Именно в это время группа стала экспериментировать в музыке и со своими выступлениями. Под предводительством Дженнера группа начала выступать на лондонских подпольных концертах в таких клубах как UFO, а продюсеры группы организовали менеджерскую компанию для рок-групп под названием Blackhill Enterprises. Отношения The Pink Floyd Sound с Blackhill Enterprises укрепилось, превратившись в шестигранное предприятие. К октябрю 1966 года записи группы пополнились ещё несколькими сетами собственных песен.

Первые записи
Первая профессиональная запись была сделана на фирме Polydor в январе 1967 года, это были композиции «Arnold Layne» и «Interstellar Overdrive». Однако почти сразу группа подписала контракт с EMI, и первые синглы вышли уже на EMI. 11 марта 1967 вышел сингл «Arnold Layne/Candy And A Currant Bun», достигший 20-го места в чартах. Однако воспроизведение на радио песни «Arnold Layne» было вскоре запрещено из-за текста: он содержал рассказ о трансвестите по имени Арнольд Лейн, который ночью при свете луны похищал с верёвок женское белье, а потом перед зеркалом наряжался в похищенное. Композиция «Candy And A Currant Bun» первоначально называлась «Let’s Roll Another One» («Давай скрутим ещё по одной»), но текст с явными намёками на употребление наркотиков пришлось срочно изменить.

16 июня вышел второй сингл «See Emily Play / The Scarecrow».

Впоследствии ранние синглы группы, сочиненные Барреттом, были изданы на альбомах The Best of the Pink Floyd (1970), Relics (1971), Masters of Rock (1974).

The Piper at the Gates of Dawn
Изданный в августе 1967 года дебютный альбом группы The Piper at the Gates of Dawn (распространён некорректный перевод названия альбома — «Волынщик у врат зари», хотя на самом деле это всего лишь название главы из любимой книги Сида «Ветер в ивах» Кеннета Грэма, где «The Piper» — это, конечно, никакой не «волынщик», а бог Пан, играющий на свирели, в переводе Ирины Токмаковой — «Свирель у порога зари») считается лучшим примером английской психоделической музыки[7]. Треки с этой пластинки демонстрируют музыкальную смесь — от авангардной «Interstellar Overdrive» («Космическая перегрузка») до причудливой «Scarecrow» («Пугало»), меланхоличной песни, написанной под вдохновением от сельских ландшафтов, окружавших Кембридж. Альбом был успешен и стал шестым в британских чартах[8].

Однако не все участники группы выдержали бремя свалившегося на них успеха. Употребление наркотиков и постоянные выступления сломали лидера группы Сида Барретта. Его поведение становилось всё более невыносимым, нервные срывы и психозы повторялись всё чаще, выводя из себя остальных членов группы (особенно Роджера). Неоднократно бывало, что Сид просто «выключался», «уходил в себя» прямо на концерте. В январе 1968 года к группе присоединился давний знакомый Роджера и Сида гитарист Дэвид Гилмор, чтобы заменить Барретта. Тем не менее планировалось, что Сид, хотя и не будет выступать, продолжит писать песни для группы. К сожалению, из этой затеи ничего не вышло.

В апреле 1968 года «отставка» Барретта была формализована, но Дженнер и Кинг решили остаться с ним. Шестистороннее предприятие «Blackhill Enterprises» прекратило свою деятельность. После ухода из группы Сид выпустил два сольных альбома, а затем вернулся в Кембридж к матери и стал вести отшельнический образ жизни вплоть до смерти от рака поджелудочной железы в 2006 году.

A Saucerful of Secrets
Несмотря на то, что Барретт написал бо́льшую часть материала для первого альбома, на второй альбом A Saucerful of Secrets («Блюдце, полное секретов»), вышедший в июне 1968 года, попала лишь одна песня, сочинённая им, — «Jugband Blues» («Блюз для шумового оркестра»). A Saucerful of Secrets занял девятое место в Великобритании[9].

Без Барретта (1969—1972)
More, Ummagumma
После написания в 1969 году группой саундтрека к фильму More («Ещё») режиссёра Барбета Шрёдера, в том же, 1969, году вышел альбом Ummagumma, частично записанный в Бирмингеме, частично в Манчестере. Это был двойной альбом, первый диск которого был первой (и на почти двадцать лет единственной официальной) записью живого выступления группы, а второй был поровну поделён на четыре части, по числу участников группы[10]. Альбом стал высшим достижением группы на тот момент. Он занял пятую позицию в британском чарте и попал в хит-лист в США на семидесятое место.



Роджер Уотерс, 1970 год
Atom Heart Mother
В 1970 году появился альбом Atom Heart Mother («Мать с атомным сердцем») и занял первую строчку в чарте Великобритании. Группа росла в музыкальном плане, и теперь для реализации идей понадобился хор и симфонический оркестр. Усложнённая аранжировка потребовала привлечения специалиста со стороны, которым стал Рон Гисин (Ron Geesin). Он написал вступление к заглавной композиции, а также оркестровку альбома.

Meddle
Год спустя, в 1971 году, вышел Meddle («Вмешательство») — схожий с предыдущим по структуре (но никак не по музыке): одну сторону пластинки занимают короткие песни и одна инструментальная пьеса, вторую — развёрнутая многочастная сюита, 23-минутная «эпическая звуковая поэма» (как её назвал Уотерс) под названием «Echoes» («Эхо»), где группа впервые использовала 16-дорожечные магнитофоны взамен четырёхканальной и восьмиканальной аппаратуры, которая применялась на Atom Heart Mother, а также синтезатор VCS3. Альбом также включал «One of These Days» — концертную классику «Пинк Флойд», где барабанщик Ник Мэйсон сильно искажённым через вокодер голосом обещал «порезать вас на мелкие кусочки» («One of these days, I’m going to cut you into little pieces»)[11], лёгкие и беззаботные «Fearless» и «San Tropez» и озорная «Seamus» (Шеймус — кличка собаки), где на «подпевки» была «приглашена» русская борзая. Meddle занял третье место в британском хит-параде.

Obscured by Clouds
Менее известный альбом группы был выпущен в 1972 году под названием Obscured by Clouds («Скрытая облаками»), как саундтрек к фильму Барбета Шрёдера «La Vallee» («Долина»). Альбом является одним из самых любимых у Ника Мэйсона. Всего лишь 46-е место в «Топ 50» США и шестое место у себя дома. Этот альбом вплоть до A Momentary Lapse of Reason останется последним альбомом группы с текстовым вкладом Гилмора.

Пик успеха (1973—1982)
The Dark Side of the Moon
Основная статья: The Dark Side of the Moon
Альбом 1973 года The Dark Side of the Moon («Тёмная сторона Луны») стал звёздным часом для группы. Это была концептуальная запись — не просто собрание песен на одном диске, а работа, проникнутая единой, связующей идеей давления современного мира на психику человека[12]. Идея была мощным катализатором творчества группы.



Pink Floyd на концерте в 1973 году
Совместно её члены составили список тем, раскрываемых в альбоме: композиция «On The Run» («На бегу») рассказывала о паранойе; «Time» («Время») описывала приближение старости и бессмысленную трату жизни; «The Great Gig In The Sky» («Шоу на небесах», первоначально называлась «Mortality Sequence» — «Смертная череда») повествует о смерти и религии; «Money» рассказывает о деньгах, которые приходят со славой и овладевают человеком; «Us And Them» («Мы и они») говорит о конфликтах внутри общества; «Brain Damage» посвящена безумию.

Благодаря использованию нового 16-дорожечного звукозаписывающего оборудования на студии «Abbey Road», почти девяти месяцам, ушедшим на запись, и стараниям звукоинженера Алана Парсонса, альбом получился беспрецедентным и вошёл в сокровищницу звукозаписи всех времён.

Сингл «Money» попал в двадцатку хит-парада в США, а альбом стал № 1 (в Великобритании только № 2) и оставался в «Топ 200» США на протяжении 741 недели, включая 591 неделю с 1973 по 1988 годы последовательно, и несколько раз попадая на первое место. Альбом побил множество рекордов, и стал одним из самых продаваемых альбомов всех времён[13].

Wish You Were Here
Основная статья: Wish You Were Here
Wish You Were Here («Жаль, что тебя здесь нет») был выпущен в 1975 году и заглавной темой в нём стало отчуждение. Вдобавок к заглавной песне, ставшей классикой Pink Floyd, альбом включает горячо принятый критикой[14] 20-минутный трек «Shine On You Crazy Diamond» («Сияй, безумный бриллиант»), как и заглавная песня, посвящённый Сиду Баррету и его психическому распаду. Сам Барретт, располневший и стриженный наголо, неожиданно появился в лондонской студии Эбби Роуд (Abbey Road), где группа записывала альбом, посвященный ему, произведя сильнейшее впечатление на участников Pink Floyd. Кроме того, в альбом вошли «Welcome to the Machine» («Добро пожаловать в систему») и «Have a Cigar» («Сигару?»), посвящённые бездушным нравам дельцов шоу-бизнеса. Альбом стал первым в Великобритании и в Америке. В 1995 году Гилмор и Райт назвали этот альбом своим любимым альбомом Пинк Флойд.

Animals
Основная статья: Animals


Дэвид Гилмор, 1977 год
Ко времени выхода альбома Animals («Животные») в январе 1977 года музыка группы стала подвергаться всё более интенсивной критике со стороны нарождающегося направления панк-рока за чрезмерную «слабохарактерность» и надменность, ухода от простоты раннего рок-н-ролла. Это в значительной степени концептуально-текстовая работа со значительным влиянием Роджера Уотерса как автора текстов. Кроме того, в этом альбоме наметились тенденции использования Уотерсом акустики и бытовых звуков в качестве музыкальных элементов, столь характерных для сольных работ басиста Pink Floyd впоследствии.

Альбом содержал три длинные основные песни и две короткие, дополняющие их содержание. Концепция альбома была близка смыслу книги Джорджа Оруэлла «Скотный двор». В альбоме образы собак, свиней и овец используются как метафоры для описания или обличения членов современного общества. В музыке Animals значительно чаще используются гитары, чем в записях с предыдущих альбомов, что, возможно, связано с возрастающим напряжением между Уотерсом и Райтом, который не внёс большого вклада в альбом.

The Wall
Основная статья: The Wall
Рок-опера The Wall («Стена») была создана при ярко выраженном доминировании Уотерса, однако и при значительном влиянии Дэвида Гилмора, а также известного продюсера из Канады Боба Эзрина. Эта работа вновь получила восторженный приём у фанатов, хотя здесь наметился отчётливый уход от привычной стилистики группы (около половины материала стало предпосылкой к сольному стилю Уотерса). Сингл из этого альбома — «Another Brick in the Wall, Part II» («Ещё один кирпич в стене, часть 2»), затрагивающий проблемы педагогики и образования, — попал на первое место в рождественском чарте синглов в Великобритании и впоследствии стал материалом ремиксов в стилистике диско и техно. Вдобавок к третьему месту в Великобритании, The Wall 15 недель в течение 1980 года находился в американском хит-параде. Альбом стал очень дорогим в процессе написания и принёс очень много расходов из-за проведения масштабных шоу. Но продажи пластинок вывели группу из финансового кризиса[15]. В период работы над альбомом Уотерс расширил своё влияние и укрепил свою руководящую роль в деятельности группы, порождая в ней постоянные конфликты. Например, пытался склонить членов группы уволить Ричарда Райта, который практически не принимал участия в работе над альбомом. Райт в конце концов принял участие в концертах, за фиксированное вознаграждение. По иронии судьбы, Ричард стал единственным, кто сумел заработать какие-то деньги на этих концертах, так как остальные члены группы были вынуждены покрывать непомерные расходы на шоу «The Wall». Уотерс выдворил Боба Эзрина из лагеря шоу «Пинк Флойд» после того, как Эзрин неосторожно поговорил с другом-журналистом о сюрпризах шоу. «Стена» оставалась в списке альбомов-бестселлеров на протяжении 14 лет.

В 1982 году на экраны вышел полнометражный фильм на основе альбома — «Pink Floyd The Wall». В главной роли рок-звезды «Пинка» снялся основатель группы Boomtown Rats и будущий организатор фестивалей Live Aid и Live 8 — Боб Гелдоф (Bob Geldof). Сценарий фильма был написан Уотерсом, режиссёром стал Алан Паркер, а анимация была создана известным мультипликатором Джеральдом Скарфом (Gerald Scarfe). Фильм можно назвать провокационным, так как одной из основных идей был протест против устоявшихся идеалов и английской страсти к порядку. Также фильм являлся определённым манифестом в защиту рокеров. В фильме «Стена» прямо не показывается ни одна из проблем. Весь фильм соткан из аллегорий и символов, например, безликие подростки, которые один за другим падают в мясорубку и превращаются в однородную массу. Известный американский кинокритик Роджер Эберт признал этот фильм величайшим. Клипы из этой ленты были цензурированы во время трансляций по американскому MTV.

Создание фильма сопровождалось дальнейшим ухудшением отношений между двумя наиболее сильными личностями группы: Уотерсом и Гилмором.

Последние альбомы и распад группы (1983—1994)
The Final Cut
В 1983 году появился альбом The Final Cut («Окончательный монтаж» или «Смертельная рана») с подзаголовком «Реквием послевоенной мечте Роджера Уотерса, исполненный Пинк Флойд». Более мрачный, чем «Стена», этот альбом пересматривает многие её темы, а также обращает внимание на проблемы, которые как были актуальными, так и остаются по сей день. Сюда вошли недовольство и злость Уотерса на то, что Британия участвует в Фолклендском конфликте — композиция «The Fletcher Memorial Home» («Мемориальный дом Флетчера»), где Флетчер — отец Уотерса — Эрик Флетчер Уотерс. Тема трека «Two Suns in the Sunset» («Два солнца на закате») — страх перед ядерной войной. Отсутствие Райта при записи альбома привели к некоторому недостатку клавишных эффектов, характерных для предыдущих работ «Пинк Флойд», хотя приглашённые музыканты Майкл Кэймен (Michael Kamen, фортепиано и фисгармония) и Энди Боун (Andy Bown) внесли некоторый вклад как клавишники. Среди музыкантов, принимавших участие в записи «The Final Cut», отметился тенор-саксофонист Рафаэль Рэйвенскрофт (Raphael Ravenscroft). Несмотря на противоречивые отзывы об этом альбоме, The Final Cut имел успех (№ 1 в Великобритании и № 6 в США), и вскоре после выхода стал «платиновым». Наиболее хитовыми композициями по версии радиостанций были «Gunner’s Dream» («Сон Артиллериста») и «Not Now John» («Не сейчас, Джон»). Трения между Уотерсом и Гилмором в период записи альбома были настолько сильными, что они никогда не появлялись в звукозаписывающей студии одновременно. С этим альбомом группа не ездила с концертами. Вскоре Уотерс официально объявил об уходе из группы.

После альбома The Final Cut члены группы пошли каждый по собственному пути, выпуская сольные альбомы вплоть до 1986 года, когда Гилмор и Мэйсон начали воссоздавать «Пинк Флойд». Это породило жаркие юридические споры с Роджером Уотерсом, который после ухода из группы в 1985 году решил, что без него группа существовать всё равно не сможет. Тем не менее, Гилмор и Мэйсон сумели доказать, что они имеют право продолжать музыкальную деятельность как группа «Пинк Флойд». Уотерс в то же время оставил за собой некоторые традиционные образы, созданные группой, включая большинство реквизита и персонажей из «Стены» и все права на The Final Cut.

A Momentary Lapse of Reason, The Division Bell
В результате группа под руководством Дэвида Гилмора вернулась в студию совместно с продюсером Бобом Эзрином. Во время работы над новым альбомом группы под названием A Momentary Lapse of Reason («Кратковременная потеря рассудка», № 3 и в Великобритании, и в США) к коллективу вновь присоединился Ричард Райт, вначале как сессионный музыкант с еженедельной оплатой его работы, затем как полноценный участник вплоть до 1994 года. В 1994 году вышел последний студийный альбом Pink Floyd The Division Bell («Колокол отчуждения», № 1 в Великобритании и США). Тур в поддержку The Division Bell стал одним из наиболее доходных за всю историю рок-музыки.

Все члены группы выпустили собственные сольные альбомы, достигшие различных уровней популярности и коммерческого успеха. Amused to Death («Доразвлекались до смерти») Роджера Уотерса был принят публикой наиболее тепло, но всё-таки был встречен неоднозначными отзывами критиков[16].

Поздняя деятельность группы
С 1994 года и альбома The Division Bell «Пинк Флойд» не выпускали студийных материалов. Единственными результатами работы группы стали:

Концертный альбом 1995 года P*U*L*S*E («Пульс»);
Живая запись «Стены», скомпилированная из концертов 1980 и 1981 годов Is There Anybody out There? The Wall Live 1980—81 («Есть ли кто там снаружи? Стена вживую, 1980—81») в 2000 году;
Двухдисковый набор, содержащий наиболее значимые хиты группы Echoes: The Best of Pink Floyd («Отголоски», «Эхо») в 2001 году;
Посвящённое 30-летнему юбилею альбома переиздание Dark Side of the Moon в 2003 году (пересведенное Джеймсом Гатри в SACD);
Переиздание The Final Cut 2004 года с добавленным синглом «When the Tigers Broke Free» («Когда тигры вырвались на свободу»);
Переиздание дебютного альбома группы в моно и стерео варианте, с добавленными песнями, некоторые из которых нигде раньше не издавались;
Юбилейный бокс-сет Oh, By the Way («О, кстати»), включающий в себя репродукции всех студийных альбомов группы в виде мини-винилов.
Альбом Echoes вызвал множество споров из-за того, что песни перетекают друг в друга в другом порядке, чем на оригинальных альбомах, из некоторых вырваны значительные части, а также из-за самой последовательности песен, которая, по мнению любителей, не соответствует логике.

Дэвид Гилмор в ноябре 2002 года выпустил DVD своего сольного концерта «David Gilmour in Concert» («Дэвид Гилмор на концерте»). Он был составлен из записей шоу с 22 июня 2001 года по 17 января 2002 года в Королевском фестиваль-холле (англ. Royal Festival Hall) в Лондоне. Ричард Райт и Боб Гелдоф были приглашены на сцену как гости.

Из-за того, что члены группы занимаются по большей части собственными проектами — например, Мэйсон написал книгу «Inside Out: A Personal History of Pink Floyd» («Наизнанку: Личная история „Пинк Флойд“»), из-за смерти Стива О’Рурка 30 октября 2003 года — менеджера группы на протяжении многих лет, из-за сольного проекта Дэвида Гилмора (альбома On an Island и одноимённого концертного тура) и смерти Ричарда Райта 15 сентября 2008 года — будущее группы неясно.

Выступление на Live 8 (2005)


Выступление Pink Floyd на Live 8 2 июля 2005 года
2 июля 2005 года, на один вечер отбросив прошлые разногласия, «Пинк Флойд» в последний раз выступили в своём классическом составе (Уотерс, Гилмор, Мэйсон, Райт) на всемирном шоу Live 8, посвящённом борьбе с нищетой.
Это выступление на время увеличило в 13 с лишним раз продажи альбома Echoes: The Best of Pink Floyd[17]. Гилмор пожертвовал все вырученные средства благотворительным фондам, что отражало цели концерта Live 8, сказав:

« Хотя главной целью концерта было повысить сознательность и оказать давление на лидеров «большой восьмерки», я не получу прибыли от этого концерта. Эти деньги должны быть потрачены на спасение жизней. »
Группа сыграла всего четыре песни: «Breathe» («Дыхание») (впервые в истории группы к этой композиции была добавлена миниатюра «Breathe Reprise», в оригинале являющаяся концептуальной добавкой к композиции «Time»), «Money» («Деньги»), «Wish You Were Here» («Жаль, что тебя здесь нет») и «Comfortably Numb» («Приятное оцепенение»), при этом фонограммой были проиграны трек «Speak to Me», открывающий альбом «The Dark Side of the Moon», за которым на альбоме как раз следовал «Breathe», а также звон монет и звуки кассового аппарата из «Money» и фрагменты радиопередач из «Wish You Were Here».

После концерта Live 8 Pink Floyd было предложено 150 миллионов фунтов стерлингов за тур по США, но группа отклонила предложение[18]. Позже Дэвид Гилмор признался, что дав согласие на выступление на Live 8, он не позволил истории группы закончиться на «фальшивой ноте».

« Была ещё одна причина. Во-первых, поддержать дело. Во-вторых, сложные, высасывающие силы, отношения между Роджером и мной, которые тяготят мое сердце. Поэтому мы и захотели выступить и оставить все проблемы позади. В-третьих, я бы сожалел, если бы отказался. »
The Endless River (2014)
5 июля 2014 года, Полли Самсон, жена Дэвида Гилмора, сообщила в Твиттере, что новый альбом Pink Floyd под названием The Endless River, выйдет в октябре 2014 года. Сам альбом будет включать в себя записи с сессий 1993—1994-x годов. Данный альбом, по словам Самсон, станет "лебединой песней Рика Райта". [19] В доработке записей также примет участие Дэвид Гилмор, который запишет партии ведущего вокала и бэк-вокала с Дургой Макбрум, которая также являлась сессионной бэк-вокалистой Pink Floyd в позднем приоде их творчества. Подтверждено участие и Гая Пратта, сессионного бас-гитариста группы в 1987—1994-х годах.

Fausto Papetti


Fausto Papetti - это гениальный итальянский саксофонист, который свой стиль нашел в создании собственных версий известных хитов, аранжируя их в неповторимой неоклассической манере

Трудно найти более романтичного итальянца и дамского угодника, чем Фаусто Папетти. Самые выдающиеся мелодии этого композитора всегда узнаваемы по его ненавязчивому тону, живописным сценкам и легкой меланхолии, когда хочется, чтобы твоя рука была в руке любимого человека, и вы вдвоем в живописном уголке мира вспоминали счастливые, пронизанные любовью, моменты жизни. Музыкальные критики, рассуждая о творениях Фаусто Папетти, говорят, что "его аранжировки просты и не перегружены. Его акценты точны и всегда подчеркивают мелодию. Фаусто Папетти никогда не сделает ничего такого, что пошатнуло бы мелодическую основу композиции".

Сингл "Estate violenta" был опубликован в 1960 году под именем "Fausto Papetti Sax and rhythms", и разошелся настолько огромным тиражем превышающим по продажам сам оригинальный саундтрэк из фильма, что фирма звукозаписи Durium после столь ошеломляющего успеха предоставила Папетти время и место на студии для записи уже сольного альбома. И в этом же году Папетти выпустил свой первый альбом, под простым названием "Raccolta" (Коллекция).
В этот альбом вошли композиции известных песен того времени (такие как, музыкальная тема из фильма "La Dolce Vita" (Сладкая жизнь), написанная Нино Рота или "Scandalo al sole" (A summer place),

Начиная с этого диска, все остальные будут иметь то же название, изменяя лишь нумерацию. Среди музыкантов участвовавших в записях его альбомов был знаменитый барабанщик Pupo De Luca, который в последующие годы, будет играть с Адриано Челентано и Enzo Jannacci, а затем посвятит себя кино, уже как актер.

Папетти был очень популярен в 60 и 70-х годах, и каждый его новый альбом публика ждала с нетерпением. Он был популярен не только в Европе, но и во всей Латинской Америке.

В период расцвета своей популярности, в 70-х годах, Папетти выпускает по два "Raccolta" в год.

Наиболее популярным становится Raccolta-20, который занял первое место в европейских хитпарадах в 1975 году.
Еще при жизни он становится классиком основанного им жанра, а в 70-х годах у него появляется множество подражателей, самые известные из них Johnny Sax и Piergiorgio Farina. .

Помимо дисков серии "Raccolta", Папетти записал немало альбомов, ставших в свое время не менее популярными. Среди них альбомы: "Old America" (Старая Америка), "Evergreen", "Bonjour France" (Здравстуй, Франция), "Made in Italy" (Сделано в Италии), "Rhythms of Latin America" (Ритмы Латинской Америки), "Cinema anni '60" (Из фильмов 60-х),"Cinema anni '70" (Их фильмов 70-х).

В 1985 году после 25 летнего сотрудничества, он покидает "Durium" и переходит на CBS, которую в 1988 году покупает компания Sony Music, а с 1989 он записывается на фирме звукозаписи Fonit Cetra.

Умер Фаусто Папетти 15 июня 1999 г. и похоронен в г. Ospedaletti (Италия), где он жил в течение последних двадцати пяти лет.

Нирвана была образована в 1987 году вокалистом и гитаристом Курта Кобейна и басист Крис Новоселич , с позицией барабанщика время заполнены различными музыкантами. Группа выпустила свой ​​дебютный альбом, Bleach , в 1989 году на независимом лейбле Sub Pop . После присоединились окончательного барабанщик Дэйв Грол и подписания к Geffen Records вспомогательных DGC Records , группа выпустила свой ​​второй студийный альбом, Nevermind , который стал одним из самых продаваемых альтернативных альбомов 1990-х годов и популяризировал Сиэтл гранж движение и альтернативная музыка. Третий альбом группы, в утробе матери , был также успех среди критиков и, хотя это не соответствовало прецедент продаж, установленный Nevermind -как членов группы ожидается. Нирвана расформирован в 1994 после смерти Кобейна; С тех пор несколько посмертных релизов были выпущены из группы, которая когда-то привела к правовой коллизии между вдовой Кобейна, Кортни Лав , и оставшихся в живых членов группы над выпуском песни " Ты знаешь, что справа ". В марте 2006 года Любовь продал значительную долю прав на публикации каталога Nirvana к Ларри Mestel первичной Wave Music Publishing. С момента своего дебюта, группа продала 26410000 альбомов в одних только Соединенных Штатах, и более 75 миллионов записей по всему миру.

Beirut

Beirut — американский инди-фолк коллектив из Санта-Фе (Нью-Мексико). Звучание группы сочетает в себе элементы балканского фолка, стандарты западной поп-музыки и инди-попа.

Вокалист Зак Кондон начал свои музыкальные эксперименты в возрасте 15 лет. До того, как он собрал вокруг себя группу единомышленников, которые и составляют коллектив Beirut, Зак попробовал себя в джазе, ду-вопе и электро-акустических экспериментах. В возрасте 16 лет он отправляется в путешествие по Европе, где знакомится с балканской брасс-музыкой и фольклором цыган. В 2006 году Зак записывает со своим коллективом первый полноформатный студийный альбом Gulag Orkestar, который вышел на лейбле Ba Da Bing!. В записи также принимали участие Джереми Барнс и Хизер Трост из группы A Hawk and a Hacksaw. Релиз повлек за собой волну положительной реакции как со стороны публики, так и со стороны музыкальных критиков. В октябре 2007 года следует выпуск второго альбома The Flying Club Cup. На этом альбоме заметно смещение ориентиров музыканта от Балканского полуострова ко французской Бретани.

Beirut Soire de Poche La - Blogothque

Ласковый май

«Ласковый май» — культовая популярная музыкальная группа конца 80-х и начала 1990-х годов в СССР, играющая в стиле евродиско. Первая группа, ориентированная на подростков в СССР. Группа приобрела большую популярность в СССР в конце 1980-х годов не только среди подростков, но и среди людей всех возрастов, во многом благодаря тому что её участники были сами подростки из детских домов, и в песнях эксплуатировалась тема сиротства; сыграла свою роль и реклама в прессе (грамотная раскрутка группы Андреем Разиным). Основатель группы Сергей Кузнецов покинул её в 1989 году. В настоящее время группа успешно гастролирует благодаря ностальгии по прошлому, но не в основном составе, солист и руководитель — Андрей Разин. Визитной карточкой группы была песня Белые розы.

Группа «Ласковый май» была создана 6 декабря 1986 года в Оренбургской школе-интернате № 2 руководителем музыкального кружка Сергеем Кузнецовым и тринадцатилетним учеником школы Юрием Шатуновым.

Солисты: главный солист Юрий Шатунов, Константин Пахомов, Андрей Разин (с 1988 года — руководитель группы), композитор Сергей Кузнецов,музыкальный руководитель (с 1989 года),композитор Владимир Бойко.


Бывший в то время администратором группы «Мираж» Андрей Разин перевозит группу в Москву, где участники группы «Ласковый май» жили в Московском интернате № 24 на Каховке, там же работала студия «Ласковый май»[1]. предлагая им хорошие деньги за гастроли и бесплатную запись на студии «Рекорд» Ю. Чернавского. Позднее он становится руководителем и солистом студии «Ласковый май». Первым директором группы становится Рашид Дайрабаев. В 1989 году, после ухода Сергея Кузнецова, Андрей Разин приглашает на должность музыкального руководителя студии Ласковый май, основателя группы "Белые Розы", композитора - Владимира Бойко. Все фонограммы были перезаписаны у Игоря Бабенко в одной из аудио-студий «Рекорда». Все аранжировки, за исключением поздних работ, принадлежат Сергею Кузнецову. Сотрудник «Рекорда», звукорежиссёр Анатолий Мешаев, работавший там в то время, оказался непосредственным участником всех созданных хитов «Ласкового мая».

Первая в Советском Союзе юношеская музыкальная группа, работавшая в стиле «Евро-диско 80-х» и апеллировавшая к молодёжи в возрасте от 13 до 18 лет. Имела небывалую[2] популярность как у юной аудитории страны, так и среди людей разного возраста, но была полностью дезавуирована средствами массовой информации Советского Союза. Вместе с тем обрела и скандальную известность. Благодаря невероятному успеху группы, в 1989 году на пике популярности «Ласкового мая» разнообразные «клоны» группы с названием «Ласковый май» гастролировали одновременно в разных городах. В 1989 году была основана студия, в которой прослушивались одарённые дети. Сам же «Ласковый май» собирал многотысячные стадионы (40-60 тысяч человек) и установил рекорд по количеству концертов в день. В период с 28 декабря 1989 года по 10 января 1990 года, группа с программой "Белый розы — белой зимой ..." даёт 13 сольных аншлаговых концертов в московском спорткомплексе "Олимпийский". Количество концертов в других городах бывшего Советского Союза достигало восьми за день и более сорока за месяц.

Российская эстрада столкнулась с тем, что песни, на первый взгляд простые, не смогли написать многие композиторы и поэты, которые уже давно работали в шоу-бизнесе.

Попытки создания новых песен похожих на «Розовый вечер» и «Белые розы» и другие хиты не имели такого успеха, как и копирование самого стиля группы «Ласковый май». Вместе с тем «Ласковый май» был группой, оказывавшей огромное влияние на формирование жанра поп-музыки в России.

Повторить феноменальный успех группы «Ласковый май» пока в нашей стране не удалось никому. По некоторым данным, каждый третий житель России хоть раз, но был на концерте группы. Газета «МК» 25.10.2008

В 1992 году «Ласковый май» перестал существовать. Сразу после ухода из «Ласкового мая» Юра Шатунов уезжает в Германию и на некоторое время прекращает выступления. Позднее успешно начинает свою сольную карьеру.

В 2009 году на волне нового витка популярности, связанной с модой на 1980-е годы и выходом фильма «Ласковый май», группа «Ласковый Май» снова появилась на сцене в составе: Андрей Разин, Сергей Серков, Андрей Кучеров и Сергей Ленюк.

Как сообщалось ранее, с 1 июля 2014 года на территории стран Таможенного союза введен запрет на производство, ввоз и продажу кружевных трусов. В настоящее время эта новость живо обсуждается в социальных сетях, форумах и блогах.

Известный российский поэт Игорь Иртеньев также не смог остаться равнодушным к этой теме и написал по этому поводу стихотворение: Ода кружевным трусам.




Сединою до срока покрылись власы,
Стан согнулся, а был словно азимут прям,
Износились мои кружевные трусы,
Что в минуту любви подарил мне Хайям.

Ты, - сказал, он - предмет этот с честью носи,
Этой мой тебе, брат, поэтический дар,
В кружевах их сокрыта загадка фарси,
Что доныне сумел разгадать лишь Омар.

Не подумай, Иртеньев, что я пидарас,
Но таскать столько лет их уже не могу,
В них прошел я Тебриз, Исфахан и Шираз,
Ночевал с ненаглядной певуньей в стогу.

Кстати, мне их когда-то в минуту любви,-
Неожиданно вспомнил под занавес он,-
Подарил напоследок Реза Пехлеви,
Перед тем, как оставить наследственный трон.

Подивись на изысканный их силуэт
Как изящна, заметь, по краям бахрома,
Их просил у меня мой кунак Грибоед,
Комильфо, обладатель большого ума.

И какой-то довольно смазливый урус,
Сторговать их хотел для своей Шаганэ,
И кричал, что я выжига, сволочь и трус,
Хоть до этого лез обниматься ко мне.

Скоро гурий прелестных предстанут красы
Перед взором, что был ими с детства маним,
А пока что примерь кружевные трусы,
Как к лицу они чреслам упругим твоим.

Не найдешь ты таких в вашей дикой Руси,
Где замкнуты людские сердца на засов,
Где шального бабла, хоть косою коси,
Но не встретишь на ком-то приличных трусов.

The Rolling Stones

The Rolling Stones (МФА: [ˈrəʊ.lɪŋ stəʊnz]; букв. с англ. «катящиеся камни», идиоматический перевод — «вольные странники» или бродяги, «перекати-поле»[2]) — британская рок-группа, образовавшаяся 12 июля 1962 года и многие годы соперничавшая по популярности с The Beatles. Rolling Stones, ставшие важной частью Британского вторжения, считаются одной из самых влиятельных и успешных групп в истории рока[3]. Rolling Stones, которые по замыслу менеджера Эндрю Луга Олдэма должны были стать «бунтарской» альтернативой The Beatles, уже в 1969 году в ходе американского турне рекламировались как «величайшая рок-н-ролльная группа в мире» и (согласно Allmusic), сумели сохранить этот статус по сей день[1].

Музыкальный стиль Rolling Stones, формировавшийся под влиянием Роберта Джонсона, Чака Берри, Бо Диддли и Мадди Уотерса, с течением времени обретал индивидуальные черты; авторский дуэт Джаггер-Ричардс получил в конечном итоге всемирное признание.

Группа выпустила в Великобритании двадцать два студийных и восемь концертных альбомов (в США, соответственно, — 24 и 9). Двадцать один сингл входил в первую десятку UK Singles Chart, 8 из них поднимались на вершину хит-парада[4]; соответствующие показатели Rolling Stones в Billboard Hot 100 — 28 и 8[5].

Общемировой тираж альбомов Rolling Stones превысил 250 миллионов[6][7], 200 миллионов из них были проданы в США[8]; по этим показателям группа является одной из самых успешных в истории. В 1989 году Rolling Stones были включены в Зал славы рок-н-ролла, а в 2004 году заняли четвёртое место в списке 50 величайших исполнителей всех времён по версии журнала Rolling Stone.
История группы[править | править исходный текст]
Мик Джаггер и Кит Ричардс познакомились в начальной школе Дартфорда. Затем в течение семи лет они не общались и случайно встретились вновь в 1961 году, когда Кит увидел на дартфордском железнодорожном вокзале Мика, державшего в руках несколько грампластинок с записями ритм-энд-блюза.

В последовавшем разговоре выяснилось, что оба они увлекаются блюзом и ритм-энд-блюзом (в отличие от большинства своих сверстников, отдававших предпочтение рок-н-роллу), и что у них есть общий знакомый — Дик Тейлор, учившийся в художественной школе Sidcup Art School[1]. Втроём они решили создать группу, которой дали название Little Boy Blue and the Blue Boys и разучили несколько песен из репертуара Чака Берри и Бо Диддли.

Брайан Джонс родился и вырос в Челтнеме. Как и многие его ровесники, он увлекался скиффлом, позже — традом (сокр. от «традиционный джаз»). Под влиянием записей Чарли Паркера Джонс научился играть на саксофоне и кларнете, позже освоил гитару и играл на танцах с местными группами Trad Band, Dixielanders и Delta Jazzmen. В 1959 году шестнадцатилетняя подружка Брайана забеременела, и из-за разгоревшегося скандала Брайан бросил школу и нелегально уехал в Скандинавию, где провёл лето, зарабатывая себе на жизнь игрой на гитаре на улицах[9]. По возвращении домой Брайан увлёкся блюзом и стал в поисках единомышленников периодически ездить в Лондон. В январе 1962 года он познакомился с Полом Пондом (позже выступавшим в группе Манфреда Манна под псевдонимом Пол Джонс) и присоединился к его группе Thunder Odin’s Big Secret.

Формирование состава[править | править исходный текст]
Некоторое время спустя один из основных британских пропагандистов блюза Алексис Корнер начал регулярные выступления со своей группой Blues Incorporated (барабанщиком которой был Чарли Уоттс) в лондонском клубе Ealing. Брайан Джонс познакомился с Алексисом Корнером и присоединился к его группе в качестве сессионного музыканта, играя по выходным на слайд-гитаре под псевдонимом Элмо Льюис.

В апреле 1962 года Мик Джаггер и Кит Ричардс побывали в клубе Ealing и увидели выступление Брайана Джонса, которое произвело на них большое впечатление и после концерта познакомились с ним. Став завсегдатаями «Илинга», они познакомились с Алексисом Корнером, которому дали прослушать любительские записи своей группы. Некоторое время спустя группа Blues Incorporated стала выступать также и в Marquee Club; здесь в составе её стали периодически появляться — сначала Мик Джаггер в качестве вокалиста, затем гитарист Кит Ричардс.

Брайан Джонс в это время решил создать собственную ритм-энд-блюзовую группу и дал соответствующее объявление в газету «Jazz News». Первым на это объявление откликнулся пианист Иэн Стюарт, с которым Брайан приступил к репетициям. В июне Мик и Кит побывали на одной из репетиций новоиспечённой группы, после чего было принято решение играть вместе.

12 июля 1962 года Blues Incorporated получили приглашение выступить на Би-Би-Си. Поскольку в это же время группа должна была выступать и в «Marquee», Корнер предложил Брайану, Мику, Киту, Иэну и Дику выйти на клубную сцену. Именно на этом концерте группа (в составе которой играл также барабанщик Мик Эйвори (англ.)) впервые выступила под названием The Rolling Stones, назвав себя по одной из песен Мадди Уотерса 1950 года[9].

Дебют[править | править исходный текст]
В августе 1962 года Дик Тейлор покинул группу и был заменен Биллом Уайменом из The Cliftons, а на место Айвори (позже присоединившегося к The Kinks) был приглашен Тони Чепмен, вскоре уступивший место Чарли Уоттсу, который в то время работал в рекламном агентстве[9].

К началу 1963 года состав стабилизировался и на 8 месяцев «осел» в клубе Crawdaddy, где привлек к себе внимание, в частности, Эндрю Луга Олдхэма, который «перекупил» Stones у клубного менеджера Джорджио Гомелски и тут же решил создать подопечным «грязный» имидж — в пику «чистеньким» The Beatles. По одной из версий, по его настоянию Стюарт был вытеснен из состава — только за то, что внешне контрастировал с остальными участниками. По другой версии, Олдхэм считал, что состав слишком велик для рок-группы. Пианист не утратил с группой контакта: стал одним из главных рабочих сцены и выступал с ними на концертах вплоть до своей смерти в 1985 году[9]. Получив контракт с Decca Records, The Rolling Stones в июне выпустили дебютный сингл «Come On» (композицию Чака Берри), который поднялся в Британии до 21-го места[10].



Ронни Вуд и Мик Джаггер в Чикаго
Затем последовали «I Wanna Be Your Man» (композиция Леннона-Маккартни) и «Not Fade Away» (Бадди Холли, 3-е место в Британии[10] и первое попадание в американский Top 50). К этому времени у себя дома The Rolling Stones уже сделались скандально знаменитыми: ставка Олдэма на «грязный» имидж сработала. После выхода дебютного альбома (в Британии он назывался The Rolling Stones, в США — England's Newest Hit Makers The Rolling Stones), группа провела первые американские гастроли, в ходе которых записала Five by Five EP. К моменту завершения гастролей они уже имели первый британский чарттоппер: «Little Red Rooster», композицию Хаулин’ Вулфа.

После выхода дебютной пластинки The Rolling Stones, Великобританию захлестнула настоящая истерия, которая на концертах то и дело перерастала в дебоши. Одним из самых буйных шоу в истории английского рок-н-ролла остается концерт группы в зале Winter Gardens Blackpool, во время которого фанаты начали крушить светильники, сломали рояль «Стейнвей» и устроили свалку, в результате чего около полусотни человек залечивали раны в больнице. Случалось, что в первые же минуты после появления музыкантов на сцене эмоции накалялись до такой степени, что концерты приходилось прерывать.[источник не указан 1491 день]

С этого момента Олдэм настаивал на том, чтобы группа записывала исключительно собственные композиции. В июне 1964 года сингл «Tell Me» вошёл в американский Top 40 и положил начало серии хитов Джаггера-Ричардса. К суперзвездному статусу авторский дуэт поднял «(I Can’t Get No) Satisfaction» (лето 1965 года). Уже сам по себе (позже признанный классическим) гитарный рифф (изначально копировавший звучание духовой секции) свидетельствовал о том, что Rolling Stones отделились от корней традиционного блюза и вышли на собственный путь развития[9]. Сингл продержался на вершине американских «списков» 4 недели; за ним в «десятку» один за другим вошли — «Get Off of My Cloud», «19th Nervous Breakdown», «As Tears Go By», «Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadow?»[11].

В 1966 году The Rolling Stones решили ответить на избранный The Beatles радикальный путь развития собственным экскурсом в психоделию: Aftermath стал первым альбомом группы, не содержавшим кавер-версий. Брайан Джонс к этому времени уже увлекался самыми разнообразными музыкальными веяниями, и это нашло отражение в таких вещах, как «Paint It Black» (ситар здесь оказался солирующим инструментом) или «Going Home».

Эклектические тенденции ещё более расцвели в Between The Buttons (1967); при этом здесь звучание группы стало легче, аранжировки — изящнее. Помешали группе окончательно влиться в поп-мейнстрим два скандальных эпизода. Сначала Джаггеру пришлось как можно менее внятно исполнить «Let’s Spend the Night Together», (в противном случае группе грозил запрет на Би-би-си)[9], потом Джаггера и Ричардса арестовали с наркотиками; спустя 3 месяца то же случилось с Джонсом. Все трое получили условные сроки, но группе пришлось временно выйти из фокуса общественного внимания, так что «лето любви 67-го года» она отдыхала.

Джаггер с подругой Марианн Фэйтфул приняли участие в организованной участниками The Beatles поездке в Индию к Махариши, после чего «засветились» на международной трансляции битловской «All You Need Is Love». Неудивительно, что следующий сингл The Rolling Stones, «Dandelion»/«We Love You», был выдержан в поп-психоделическом ключе. Ещё более радикальные формы эксперимент принял в альбоме Their Satanic Majesties Request, явившемся своего рода «ответом» альбому «Sgt. Peppers» группы The Beatles.

Психоделический период в творчестве группы длился недолго. К началу 1968 года она рассталась с Эндрю Лугом Олдэмом и пригласила на его место Алена Клейна, одновременно вернувшись (на новом техническом уровне) к прямолинейному рок-н-роллу. Кит Ричардс стал использовать открытый настрой, благодаря чему звучание группы стало гуще и тяжелее, примером чему служил сингл «Jumpin' Jack Flash» (#3, U.K. в мае 1968 года)[9].

Альбом Beggars Banquet вышел осенью (этому предшествовал затянувшийся на пять месяцев скандал, связанный с оформлением обложки), — и тут же был объявлен в музыкальной прессе шедевром. Но мало кто мог предположить, что работа, ознаменовавшая новую эпоху в развитии группы, окажется финальной в личной творческой саге Брайана Джонса, который из-за проблем с наркозависимостью практически самоустранился от работы. 9 июня 1969 год гитарист покинул состав, а 3 июля был найден мертвым в своем бассейне. Официально было объявлено, что причиной смерти стал несчастный случай, но слухи вокруг этого инцидента не утихали многие годы. К этому времени в группе уже играл новый гитарист, Мик Тейлор, пришедший из John Mayall's Bluesbreakers. Впрочем, он не принял участия в записи сингла-чарттоппера «Honky Tonk Women», вышедшего спустя несколько дней после похорон Джонса, и сыграл лишь несколько партий в альбоме Let It Bleed, который продолжил начатую в предыдущей работе линию на «огрубление» звучания и сближение его с ранними, грубыми формами блюза.

В 1969 году, после того как Джаггер закончил работу в Австралии над фильмом «Нед Келли», группа отправилась в (первые за последние три года) американские гастроли, в ходе которых рекламировалась как «World’s Greatest Rock & Roll Band». После гибели чернокожего фаната на концерте в Алтамонте, группа вновь вынужденно отошла от дел и перестала исполнять «Sympathy for the Devil» — песню, которая (как утверждали в то время газеты) инициировала беспорядки. Весной 1970 года вышел Get Yer Ya-Ya’s Out!, последний альбом группы для Decca/London. После этого она образовала собственный лейбл Rolling Stones Records, который стал функционировать «под крылом» Atlantic Records.

В 1970 году Джаггер снялся в культовом фильме Николаса Роуга «Performance» («Представление») и женился на никарагуанской модели Бьянке (полное имя: исп. Bianca Pérez-Mora Macías). Это позволило Ричардсу в какой-то момент стать лидером группы: именно его музыкальные идеи легли в основу альбома Sticky Fingers[9]. Вскоре после выхода пластинки группа, спасаясь от уплаты налогов, спешно перебралась во Францию, где записала двойник Exile on Main St., ознаменовавший, как считают специалисты, пик в её творческом развитии. Затем наметился кризис: Джаггер увлекся ролью героя светских тусовок, Ричардс начал погружаться в омут наркозависимости. Это не помешало альбому Goats Head Soup стать мегахитом, хотя главный хит с этого альбома — полуакустическую балладу «Angie» (5 место в UK Charts и 1 в США) — довольно холодно встретили давние поклонники группы.

В 1972 году группа отправилась в американское турне. На разогреве у них выступал Стиви Уандер, который к тому времени уже был звездой первой величины и широкая белая аудитория услышала его во многом благодаря туру с Rolling Stones. Музыканты решили задокументировать эти гастроли, ожидая, что они станут величайшим событием в истории группы. Для этого был приглашен фотограф и кинорежиссёр Роберт Франк, известный по фотоальбому «Американцы» (1958) и фильму об американских битниках «Погадай на ромашке» (англ. Pull My Daisy, 1959). Франк вместе со своим ассистентом Дэнни Сеймуром отправился в гастрольную поездку вместе с группой. Результатом этого стал документальный фильм Cocksucker Blues (назван по непристойной песне группы, написанной от лица гомосексуалиста-проститутки), снятый в духе эстетики cinema verite и запечатлевший музыкантов, их жен и подружек в разные моменты гастролей. В фильме показаны эротические оргии, ссоры между музыкантами, есть сцены неоднократного приема наркотиков. После первого просмотра смонтированной картины Мик Джаггер высоко оценил результат, но тиражирование и распространение фильма было группой запрещено. Сегодня его экранные копии можно найти на торрент-трекерах или купить на DVD — вышло немало бутлегов, но легально Cocksucker Blues никогда не издавался.

1974 — настоящее время[править | править исходный текст]
После выхода It’s Only Rock ’n’ Roll Тейлор покинул состав, и замену ему группа искала уже во время работы над следующим альбомом Black and Blue (1976). Прослушав множество претендентов (в числе которых были Джефф Бек, Питер Фрэмптон и Рори Галлахер), Rolling Stones остановили свой выбор на приятеле Кита Ричардса Роне Вуде, гитаристе The Faces и Рода Стюарта, который уже участвовал в записи «It’s Only Rock’n’Roll».

В 1977 году Кит Ричардс и Анита Палленберг были арестованы в Канаде за хранение героина: это повлекло за собой судебное разбирательство, в результате которого гитарист получил год условно. В 1978 году (после того, как Ричардс завершил реабилитационный курс) группа собралась вновь и записала Some Girls (в котором ощущалось влияние как панка, так и диско). Как альбом, так и сингл из него «Miss You», возглавили соответствующие списки в США. Emotional Rescue (1980) был принят критикой сдержанно, но Tattoo You (1981) ознаменовал возвращение к прежней форме и продержался 9 недель на первом месте в списках «Биллборда». С ним группа отправилась в мировое турне, документированное фильмом Хэла Эшби «Let’s Spend the Night Together» и концертным альбомом Still Life.

Примерно в это время наметились разногласия в некогда монолитном творческом союзе Джаггер-Ричардс. Первый настаивал на том, чтобы группа непрерывно развивалась, впитывая модные веяния; второй считал, что The Rolling Stones должны оставаться «корневой» группой[9]. Раздор не мог не сказаться на качестве следующих студийных работ: Undercover и (особенно) Dirty Work музыкальная критика сочла провальными. К этому времени Джаггер и Ричардс уже занялись активной сольной деятельностью, причем альбом Ричардса «Talk Is Cheap» многие[кто?] считают сильнейшим в (сольном или совместном) творчестве участников Rolling Stones начиная с 1982 года.

Альбом Steel Wheels получил хорошие отзывы в прессе, но оказался в тени последовавшего за ним мирового турне, собравшего в кассу 140 миллионов долларов. После выпуска в 1991 году концертного альбома Flashpoint (записанного в ходе этих гастролей) Билл Уаймен покинул состав (несколько лет спустя он опубликовал биографическую книгу «Stone Alone»). Лишь в 1994 году группа нашла ему постоянную замену в лице Дэррила Джонса, известного по сотрудничеству с Майлсом Дэвисом и Стингом.

В новом составе (с продюсером Доном Уозом) Rolling Stones записали альбом Voodoo Lounge, принесший им первую «Грэмми» (за лучший рок-альбом). В 1994-95 годах The Rolling Stones установили абсолютный рекорд прибыльности гастрольного тура — Voodoo Lounge, оно стало самым прибыльным турне всех времен. Команда отыграла 62 шоу вместо 28 запланированных и заработала свыше 400 миллионов долларов.

По завершении гастролей Rolling Stones осенью 1995 года выпустили акустический альбом Stripped. Два года спустя за студийным Bridges to Babylon; в ходе последовавшего турне группа побила свой же рекорд, заработав около 500 миллионов. Затем вышел ещё один концертный диск No Security.

В 2002 группа провела широко разрекламированный greatest-hits-тур, за которым последовали концертный Live Licks (2004) и студийный A Bigger Bang.

В 2010 году вышло ремастированное переиздание альбома Exile On Main St.; на втором диске этого издания были собраны лучшие из вещей группы, записанные в период с конца 1969 по 1972 годы и по разным причинам отложенные на «полку». При активном участии Мика Джаггера был снят и документальный фильм о жизни и творчестве группы в начале 1970-х. 23 мая 2010 года перевыпуск Exile On Main St. дебютировал на вершине британского хит-парада, спустя 38 лет после того, как в своей оригинальной версии вышел на эту позицию[12]. В США альбом поднялся до #2. CD-версия, куда вошли десять треков, была выпущена на Target Records как Exile On Main St. (Rarities Edition); она поднялась в списках «Биллборда» до #27[13].

Место в истории[править | править исходный текст]
Влияние The Rolling Stones на формирование и развитие рок-музыки невозможно переоценить — не только в музыкальном, но и в художественно-изобразительном, имиджевом и масс-медийном планах. Группа по сей день остаётся абсолютно оригинальной, узнаваемой с первых аккордов. Незамысловатые, казалось бы, вначале, произведения, некоторые из которых при первом прослушивании создают ощущение шумового хаоса, при последующих прослушиваниях предстают как полноценный высокохудожественный артефакт.

Многие альбомы Rolling Stones, такие как: Beggars Banquet, Let It Bleed, Sticky Fingers, Exile On Main Street, Some Girls, Tattoo You, Steel Wheels, признаны классикой жанра. Без первых четырёх из перечисленных альбомов не обходится ни один итоговый, за последние 30 лет, парад важнейших произведений рок-н-ролла в музыкальных изданиях. Песня Satisfaction стала международно узнаваемым символом Rolling Stones и ритм-энд-блюза 1960-х гг., без которой также не обходится ни один концерт группы.

Их творчество, чрезвычайно гибкое, в смысле реакции на то или иное поветрие и музыкальную моду, тем не менее, не подверглось существенному изменению, и авторский стиль всегда узнаваем. Они черпают из традиционного блюза, расцвечивая его всеми мыслимыми оттенками эмоций, ритмов и музыкальных трюков. Перечень хитов или песен, являющихся образцом того или иного жанра в интерпретации «Роллингов», составит внушительный объём, равно как и список сотрудничавших с ними звезд из художественной, кинематографической, музыкальной, политической, масс-медийной и просто богемной сред. Теперь The Rolling Stones — неотъемлемая часть истории ХХ века, плавно перетёкшая в XXI век.

Интересные факты[править | править исходный текст]
Уже в девятилетнем возрасте Кит Ричардс впервые пел перед королевой Великобритании Елизаветой II — в составе детского хора, выступавшего на церемонии её коронации в 1953 году.
Однажды Джонс, Джаггер и Билл Уаймэн прилюдно помочились на стену бензозаправочной станции, за что были арестованы; на фотосессиях музыканты наряжались в вызывающие женские платья.
Джаггер, Ричардс и Джонс неоднократно подвергались аресту за хранение наркотиков, представали перед судом и даже получали условные приговоры с испытательным сроком. Вопрос, типичный для английских газет 1964 года: «Позволите ли вы своей дочери выйти замуж за участника The Rolling Stones?» — вполне выражал отношение истэблишмента к этим «плохим мальчикам» [1].
На обложке альбома «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» (1967) группы The Beatles изображена, в том числе, тряпичная кукла с надписью: «Welcome the Rolling Stones».
Иэн Дьюри выпустил сингл с названием Sex & Drugs & Rock & Roll (Секс, наркотики и рок-н-ролл) в 1977 году, хотя многие считают, что эта фраза принадлежит Мику Джагерру. Но это мнение ошибочно.
Песня «Sympathy for the Devil» (1968) написана под впечатлением от книги Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита». Перед тем, как написать песню в 1966-м году, Мик Джаггер и сам представлял себя не кем иным, как Воландом, книга же была только переведена на английский (Марианна Фэйтфул подарила Мику данную книгу).
Портрет Мика Джаггера появлялся на обложке журнала «Rolling Stone» рекордное число раз — 15. В первый раз это произошло 10 августа 1968 года в 50-м номере.
В 1968 году Мик Джаггер попробовал себя в кинематографе, снявшись в культовом фильме «Performance» режиссёра Николаса Роуга, который вышел на экраны только в 1970 году.
Концерт в Гайд-парке через два дня после гибели гитариста «роллингов» Брайана Джонса в 1969 году собрал более 250 000 зрителей. Во время шоу Джаггер выпустил в небо несколько тысяч белых бабочек.
Изображение ярко-красных губ и нагло высунутого языка, ставшее фирменной эмблемой The Rolling Stones, придумал не Энди Уорхол, как ошибочно считают многие из-за первого появления данного логотипа на обложке альбома «Sticky Fingers» 1971 года, оформленной Уорхолом (и весьма нестандартно: на конверте пластинки были изображены джинсы от пояса и до колен с настоящей молнией, под которой покупатель обнаруживал тот самый высунутый язык), а менее известным дизайнером Джоном Пашем в 1970 году[14].
Пластинки многих известных рок-групп (Deep Purple, Led Zeppelin) были записаны на передвижной студии группы, известной, как Rolling Stones Mobile (1971).
Альбом «Voodoo Lounge» 1994 года принес The Rolling Stones две первые (и пока последние) премии Grammy. Он был назван лучшим рок-альбомом, а видео на песню «Love Is Strong» названо лучшим среди короткометражных видеороликов.
The Rolling Stones заработали больше всех артистов за участие в рекламной кампании: компания «Microsoft» заплатила группе 8 миллионов долларов за исполнение хита «Start Me Up» (намёк на кнопку «Пуск» — Start) в рекламе операционной системы Windows 95.
Песня «She's a Rainbow» использовалась в рекламе продукции компании Sony и Apple.
Участие в 1997 году в клипе на песню группы The Rolling Stones «Anybody Seen My Baby» у Анджелины Джоли было одной из первых ролей в её актёрской карьере [2].
The Rolling Stones дважды выступали в России: 11 августа 1998 года в Москве, перед самым дефолтом и 28 июля 2007 года в Санкт-Петербурге.
Гитарист Кит Ричардс, отметивший в 2003 году свой 60-летний юбилей, назван зрителями телеканала VH1 самым большим дебоширом за всю историю рок-музыки. Как последовательный проводник принципа «секс, наркотики, рок-н-ролл», он опережает таких конкурентов, как Оззи Осборн, Томми Ли и братьев Галлахер.
При исполнении роли капитана Джека Воробья в фильмах серии «Пираты Карибского моря» (2003—2013) Джонни Депп старался подражать походке и манере разговора Кита Ричардса, который является одним из его любимых музыкантов. В фильме «Пираты Карибского моря: На краю света» по просьбе Деппа музыкант сыграл отца Джека Воробья — Капитана Тига.
У Rolling Stones самый мощный в мире концертный комплект аппаратуры Electro-Voice (2004)[3].
На 42-м году существования The Rolling Stones, рекордсмены долгожительства в рок-музыке, отправились в одно из самых продолжительных в своей карьере турне A Bigger Bang (2004), продлившееся 14 месяцев. Один миллион долларов из своих гонораров группа перечислила в фонд помощи пострадавшим от урагана «Катрина».
В 2005 году песня «Angie» использовалась Христианско-демократическим союзом Германии в избирательной кампании Ангелы Меркель. Что интересно, без разрешения со стороны The Rolling Stones или их агентов. Впрочем, правовые вопросы партии удалось уладить с немецким агентством по управлению авторскими правами.[15]
В Германии в 2008 году построен первый в мире музей The Rolling Stones[16]
Песня «Sympathy for the devil» используется в игре Call of Duty: Black Ops (2010)[17]
Группа The Rolling Stones возглавляет список самых высокооплачиваемых артистов и коллективов в мире за частные выступления.[18]
У Кита Ричардса в коллекции около 3000 гитар, но сейчас он играет только на десяти. Кит планирует открыть музей своих гитар.
В аниме «Девочка, покорившая время», Мамору Хосоды в качестве лозунга использовано название одной из песен Rolling Stones — «Time Waits for No One»
В романе Филипа Киндреда Дика «Трансмиграция Тимоти Арчера» из трилогии Валис упоминается песня «Sister Morphine» из альбома Sticky Fingers. Главная героиня романа Эйнджел Арчер говорит «Поставь „Вороватые пальцы“, сказала я себе. „Роллингов“. „Сестру Морфий“. Когда я слушаю обо всех этих окровавленных простынях, это успокаивает меня.» (Перевод Д. Попова)
В третьем романе цикла "Темная Башня" Стивена Кинга "Бесплодные земли" упоминается песня "Paint It Black", когда Джейк в книжный магазин «Манхэттенский ресторан для ума».

Rammstein

Rammstein — немецкая метал-группа, образованная в январе 1994 года в Берлине. Музыкальный стиль группы относится к жанру индастриал-метала (конкретно — его немецкой сцене Neue Deutsche Härte). Основные черты творчества группы: специфический ритм, в котором выдержана большая часть композиций, и эпатирующие тексты песен[⇨]. Особую известность группе принесли сценические выступления, часто сопровождаемых использованием пиротехники, получивших признание в музыкальной среде.

По состоянию на 2013 год, Rammstein продали в общей совокупности до 35 миллионов единиц записей.

Истоки Rammstein лежат в периоде, предшествовавшем и сопутствовавшем объединению Германии. Сооснователь группы и лид-гитарист Рихард Круспе свою музыкальную карьеру начал в 1989 году в западной Германии в группе Orgasm Death Gimmick, переехав туда из Шверина (тогдашняя ГДР)[4], куда вернулся после падения Берлинской стены. Круспе, поклонник Kiss, искал возможности соединить любимый им хард-рок с электронным звучанием индастриала. Примерно в это время он познакомился с Тиллем Линдеманном (в то время — барабанщиком панк-группы First Arsch), а позднее с Оливером Риделем (бас-гитара) и Кристофом Шнайдером (ударные) из групп The Inchtabokatables и Die Firma соответственно. В этом составе (с Линдеманном как вокалистом и сочинителем песен) они стали играть под названием Rammstein.

19 февраля 1994 года Rammstein с песнями «Das alte Leid», «Seemann», «Weißes Fleisch», «Rammstein», «Du Riechst So Gut» и «Schwarzes Glas» вчетвером выиграли конкурс молодых групп в Берлине, получив право записи на профессиональной студии. Годом позже к группе присоединился второй гитарист Пауль Ландерс, а затем и клавишник Кристиан Лоренц, игравшие в панк-группе Feeling B. В таком составе и с продюсером Якобом Хельнером был записан дебютный альбом Herzeleid. Все тексты в этом альбоме, как и в большинстве последующих, написаны Линдеманном. После нескольких неудачных попыток написать тексты на английском, как того требовал лейбл, Тилль настоял на том, чтобы писать песни на немецком. Выпущенный на лейбле Motor Music, первый диск Rammstein завоевал широкую популярность[5][6].

Rammstein заметил лидер Nine Inch Nails Трент Резнор, который порекомендовал две их песни для саундтрека к триллеру Дэвида Линча «Шоссе в никуда». Это принесло группе дополнительную известность. В 1995 году в поддержку альбома Rammstein совершили тур по Европе на разогреве у Clawfinger. На концертах Rammstein демонстрировали яркие пиротехнические шоу. В 1996 году Rammstein впервые выступили на телеканале MTV[7]. Этот же телеканал долгое время отказывался транслировать видеоклипы группы[6]. В том же году был выпущен новый сингл «Engel», к которому был снят клип, имевший успех. За ним вышел второй альбом группы, Sehnsucht, который почти сразу же приобретает статус платинового. К концу 1997 года был выпущен внеальбомный сингл «Das Modell» с кавер-версией одноимённой песни электронной группы Kraftwerk из альбома Die Mensch-Maschine. Группа пользуется большим успехом как в Германии, так и за её пределами. Несколько синглов Rammstein попадали в десятку лучших в Германии[8]. Rammstein в 1998 выступили на летнем фестивале Rock Am Ring перед 100 000 людьми совместно с Rolling Stones, The Prodigy, Guano Apes, а также 22 и 23 августа того же года в Берлине на стадионе «Wuhlheide Festival» (шоу посетили более 17000 фанатов группы Rammstein). Оба выступления были сняты для выпуска концерта Live aus Berlin.[источник не указан 810 дней]

Мировая известность. Mutter
Несколько лет фанаты ждали следующей студийной работы группы. Такой большой перерыв породил множество разных слухов, в основном о распаде группы. Однако в 2000 году Rammstein садятся в студию записывать новый альбом. В 2001 году вышел третий студийный альбом под названием Mutter, занявший 4-е место в рейтинге лучших индастриал-метал-альбомов по версии журнала Metal Hammer[9]. Вскоре был проведён тур в его поддержку, после которого количество фанатов Rammstein значительно увеличилось. Позже были выпущены синглы «Ich will», «Mutter», «Feuer frei!» и видеоклипы к ним. В 2003 году, к десятилетию своего существования, Rammstein выпускают DVD Lichtspielhaus c полным собранием клипов и несколькими концертными записями в хорошем качестве.

Последующая карьера. Reise, Reise, Rosenrot


Тилль Линдеманн исполняет песню «Rammstein»
В начале 2004 года появилась достоверная информация о скором выходе нового альбома. Через несколько месяцев после этого вышли синглы «Mein Teil» и «Amerika». И, наконец, в начале осени был выпущен четвёртый альбом, названный Reise, Reise, который очень отличается от стилистики прошлых альбомов группы, что, однако, не помешало ему стать платиновым. Альбом немедленно был сопровождён туром, в ходе которого выходит сингл с альбома — «Ohne dich». Во время Reise, Reise Tour шоу лишилось многих спецэффектов (пластиковый фаллос, горящий плащ), но взамен приобрело новые.

В начале 2005 года последовал тур вместе с группой Apocalyptica, после чего вышел сингл «Keine Lust» и клип к нему. В сентябре выпускается клип, а затем и сингл «Benzin», одноимённая песня с которого войдёт на следующий, пятый альбом группы. В следующем месяце выходит сам альбом, получивший название Rosenrot, который содержал 7 старых треков, не вошедших в прошлый альбом, и 4 новые композиции. В декабре последовал сингл «Rosenrot». В 2006 году вышел концертный DVD Völkerball, запланированный ещё на 2004-й, но вышедший позднее. Диск получил в основном положительные отзывы.

Liebe ist für alle da
В 2008 году после трёхлетнего перерыва стало известно о том, что группа записывает новый альбом. 18 сентября 2009 года вышел первый сингл с нового альбома — «Pussy», а в середине декабря — клип «Ich tu dir weh». Сам альбом Liebe ist für alle da (рус. «Любовь существует для всех») был выпущен 16 октября. 23 апреля 2010 года состоялась премьера клипа «Haifisch». Альбом выпускался на двух дисках — в первом диске находился собственно альбом, на втором — дополнительные пять песен, записанные во время работы над альбомом. Видеоклип на песню Pussy стал очень скандальным: на протяжении почти всего клипа присутствуют порновставки, демонстрирующие половые акты с участием всех музыкантов группы. Как рассказали впоследствии участники группы, это были дублёры[10]. Видео было запрещено к показу по телевидению[11].

21 декабря 2009 года вышел клип на песню «Ich tu dir weh». Режиссёром был Йонас Акерлунд. Rammstein подверглись критике со стороны государственного комитета по контролю СМИ на предмет опасного для молодёжи содержания (нем. Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien). Этот комитет объявил песню «Ich tu dir weh» восхваливающей насилие и садомазохизм. Кроме того, одна из фотографий внутри буклета изображает Рихарда, готового ударить обнажённую женщину, что также рассматривается комитетом как неприемлемое для распространения среди молодёжи оформление диска.[12] 16 ноября группа выпустила новую версию диска без спорной песни и фотографии. 23 апреля 2010 года состоялась премьера видео «Haifisch».

26 февраля, 28 февраля и 1 марта 2010 года состоялись российские концерты группы в поддержку этого альбома, а 7 марта впервые прошёл концерт в Минске. Это шоу стало самым скандальным концертным мероприятием в истории Беларуси[источник не указан 673 дня]. Сначала совет ветеранов, а затем совет по нравственности, состоящий из церковных деятелей и членов союза писателей, призвали правительство страны к отмене концерта, обвинив команду «неприкрытой пропагандой гомосексуализма, садомазохизма и других извращений, жестокости, насилия и непристойной брани» и заявив, что Rammstein угрожают «белорусской государственности».[13] Тем не менее концерт состоялся при полном аншлаге, собрав рекордное количество посетителей: более 11 000 человек.[14] 9 марта 2010 группа впервые посетила Киев. Первый концерт на Украине собрал возле сцены около 10 000 человек.

С 3 по 6 июня 2010 года группа выступила на фестивале Rock Am Ring. Rammstein дали согласие на трансляцию 7 песен — Rammlied, B********, Ich Tu Dir Weh, Pussy, Sonne, Haifisch и Ich Will. Но две песни были вырезаны из эфира, это песни «B********» и «Pussy», их выступление можно посмотреть на YouTube. 18 июля группа выступила в Квебеке на летнем фестивале. После летних фестивалей в конце 2010 года группа выступила в Латинской Америке и дала один концерт в США, а в начале 2011 года в Австралии, Новой Зеландии (в рамках фестиваля Big Day Out) и впервые в ЮАР. C 5 по 31 мая Rammstein совершили турне по Северной Америке, дав 6 концертов в США, 3 в Канаде и 4 в Мексике.

Made in Germany 1995–2011


Big Day Out, 2011 год
11 июня 2011 года в сети появилась демо-версия песни «Mein Land», а ещё через несколько дней группа объявила, что 6 ноября планирует отправиться в тур, во время которого будут исполняться лучшие песни коллектива с момента основания[15]. Также было сказано, что осенью будет выпущен новый сингл и клип, а затем и сборник лучших песен.

Сингл «Mein Land» и клип на эту песню вышли 11 ноября 2011 года (в Германии, Австрии и Швейцарии)[16]. Мировая премьера состоялась 14 ноября. Также сингл содержит новую песню «Vergiss uns Nicht». Сборник Made in Germany 1995–2011 был выпущен 2 декабря[17].

22 марта 2012 года на ECHO Awards в Берлине группа выступила на одной сцене с Мэрилином Мэнсоном, исполнив его хит «The Beautiful People».

Videos 1995—2012
22 ноября 2012 года Rammstein объявили о выходе видеоальбома Videos 1995—2012, релиз которого состоялся 14 декабря 2012 года[18]. В него вошли все клипы группы, видео об их создании, а также 2 новых клипа на песню «Mein Herz Brennt», вышедшую в качестве сингла к видеоальбому. Специально для этого была записана новая версия песни, исполненная на фортепиано. Релиз грампластинки и клипа «Mein Herz Brennt — Piano Version» состоялся 7 декабря 2012 года. CD макси-сингл и альбомная версия клипа вышли 14 декабря 2012 года[19].

Стиль
Музыка
Стиль музыки Rammstein, который сами музыканты в шутку окрестили «танц-метал» (нем. Tanzmetall), преимущественно представляет собой индастриал-метал в духе новой немецкой тяжести. Однако он смешивает элементы как и электронного индастриала, так и альтернативного метала, и других жанров. Многие композиции выдержаны в одном ритме (за что Rammstein и назвали свой стиль «танц-метал»[20]), встречаются и более сложные композиции.

Тексты
Автором всех текстов, за исключением кавер-версий на произведения других исполнителей, является Тилль Линдеманн.

Тексты можно разделить на альбомные и внеальбомные. Так как у каждого альбома имеется своя тема и концепция, то и тексты входящих в него песен должны соответствовать им. К примеру, второй альбом группы Sehnsucht посвящён странным и извращённым желаниям. Каждая песня этого альбома описывает одно из них: «Tier» («Зверь») — инцест, «Bestrafe mich» («Накажи меня») — садомазохизм, «Bück dich» («Наклонись») — насилие, прелюбодеяние. Показателен в этом отношении и альбом «Liebe ist für alle da» («Любовь для всех»), посвящённый любви. Бонусом к нему вышли 5 треков, которые не попали в альбом потому, что их тексты не связаны с его темой.

Нецензурную лексику Тилль использует крайне редко. Основной провокационный эффект складывается за счёт темы, смысловой нагрузки текста, которые балансируют на грани морали и/или эстетики, хотя иногда без особых проблем перешагивают и их. Тематика текстов — темные стороны жизни. Литературный герой текстов — как правило, в чём-то ущербный с традиционной точки зрения человек — маньяк, извращенец или просто одержимый чем-либо персонаж с нестандартным взглядом на вещи. Многие тексты характеризуются анатомичностью и разной степенью садомазохизма.

Осип Эмильевич Мандельштам



Мы живем под собою не чуя страны,
Наши речи за десять шагов не слышны,
А где хватит на полразговорца, -
Там помянут кремлевского горца.
Его толстые пальцы, как черви, жирны,
И слова, как пудовые гири, верны,
Тараканьи смеются усища,
И сияют его голенища.
А вокруг его сброд толстокожих вождей,
Он играет услугами полулюдей.
Как подковы кует за указом указ -
Кому в лоб, кому в бровь, кому в пах, кому в
глаз.
Что ни казнь у него, то малина
И широкая грудь осетина.

Андрей Макаревич


По отцу Андрей Макаревич полуполяк, полубелорус, а по матери – еврей. Папа артиста участвовал в Великой Отечественной войне и потерял ногу на Карельском фронте. После лечения, в 1945 году, уволился из Советской Армии. Потом он преподавал в Московском архитектурном институте. Мама же была врач-фтизиатр и трудилась научным сотрудником Центрального научно-исследовательского института туберкулеза.

В детстве Андрей Макаревич жил в коммуналке на Волхонке, в доме, которых в былые годы принадлежал князьям Волконским. Будущий певец мечтал быть водолазом, палеонтологом и герпетологом. И большая часть детских желаний, по словам самого музыканта, исполнилась. Потом Макаревич переехал в отдельную квартиру на Комсомольский проспект. Там и родилась сестра Андрея, которая его младше на 9 лет. С ранних лет Андрей Макаревич играл на фортепиано. Под руководством своего отца – музыканта-любителя. Позже Андрей пошел в музыкальную школу, но бросил учебу. Андрей Макаревич на видео Макаревич учился в московской спецшколе с углубленным изучением английского языка. А параллельно собрал уникальную коллекцию бабочек. И мечтал быть специалистом по изучению змей, этих существ даже держал дома. А в четвертом классе «заболел» плаванием, позже увлекся горными лыжами. С 12-ти лет юный музыкант начал сам учиться игре на гитаре. Заслушивался партиями Булата Окуджавы и Владимира Высоцкого. А помимо этого, сам сочинял стихи и играл на струнном дворово-костровые и бардовские песни. Эра «The Beatles» Андрей Макаревич услышал песни «TheBeatles» и стал, по собственным словам, битломаном. Это и определило его судьбу. «Такое чувство, что всю добитловскую жизнь я ходил с ватой в ушах, а потом тут ее вдруг не стало. Я физически ощущал, как внутри меня что-то двигается, ворочается и меняется необратимо. Это начались дни битлов. Я их слушал с утра и до вечера. Перед школой утром, потом после школы и до ночи. В выходные битлы пели весь день. Родители, измученные музыкой, выгоняли меня вместе с магнитофоном на балкон. Там я делал звук погромче и все все-равно слушали битлов», - вспоминает Андрей Макаревич. "Машина времени"

В восьмом классе Андрей Макаревич основал группу «The Kids». Она исполняла кавер-версии иностранных композиций. Впервые на сцену группа вышла в 1968 году. А спустя год, вместе с одноклассниками Александром Ивановым, Игорем Мазаевым, Павлов Рубиным и Юрием Борзовым, была создана группа «Машина времени». В ней Макаревич до сих пор «лицо» и автор большей части песен. Андрей Макаревич на концерте

В 1970 году Андрей Макаревич пошел учиться в Московский архитектурный институт. Но в 1974 году его отчислили за «несвоевременный уход с работы на овощной базе». Это официально. А фактически – по распоряжению одной из партийных инстанций, за увлечение рок-музыкой. Тогда Макаревич устроился работать архитектором в Государственном институте проектирования театров и зрелищных сооружений. Там он проработал до 1980 года. А за пять лет до этого восстановился на вечернее отделение МАРХИ и все-таки получил диплом. Но основным занятием, была, естественно, «Машина времени».

Андрей Макаревич на видео В 1980 году с группой «Машина времени» подписал контракт Росконцерт. Это сделало коллектив легальным. Макаревич уволился из Гипротеатра и стал музыкантом и исполнителем официально. Он много гастролировал по стране с группой и даже снялся, в 1982 году, в фильмах «Душа» Александра Стефановича и «Начни сначала» в 1986 году. Откройте, милиция Кстати, после премьеры фильма «Душа» звездная съемочная группа собралась у Макаревича на Ленинском проспекте отметить событие. Соседка, которая терпеть не могла шум и шевеление, после полуночи вызвала наряд милиции. Стражи порядка пришли, но остолбенели, когда им открыл дверь Михаил Боярский, а из квартиры выглянули София Ротару, Ролан Быков и другие знаменитости. Инцидент исчерпал себя.

Начиная с 1982 года и по 1996 иногда Андрей Макаревич исполнял песни на сцене сольно, без музыкантов. Тогда зрители слышали типичные бардовские композиции с одной акустической гитарой. Причем, музыкант пел песни, не предназначенные для «Машины времени». Впоследствии практически все они вышли в составе сольных пластинок. На съёмках передачи \"Смак\" > В 1985 году Макаревич выступил в Ленинграде и исполнил хиты «От Морского закона» до «Вагонных споров». А после начал сочетать рок «Машины времени» с акустической бардовской песней. А в 90-х годах принимал участие в записи альбомов коллектива «Квартал», выступил продюсером альбома «Окурочек» Юза Алешковского. Кроме этого, выпустил сборник стихов и две книги воспоминаний. В День Победы в 1996 году представил программу «Песни, которые я люблю». Ее показали на РТР в прайм-тайм. Летом 2001 года Андрей Макаревич организовал проект «Оркестр креольского танго». Он играет блюз, джаз, босса-нову, свинг, румбу и шансон. В коллективе собрались музыканты из «Машины времени», «Папоротника», «Квартала», «Игорь Бойко Бэнда» и других. А со своим проектом «Джазовые трансформации» и вместе с «трио Евгения Борца», Ирины Родилес музыкант выступает в джаз-клубе «Союз Композиторов». Так же поет в блюзовых джем-сейшнах с приятелем из группы «Удачное приобретение. Кстати, Макаревич президент фестиваля Сотворение мира. Личная жизнь Андрей Макаревич трижды был женат. Первой супругой музыканта стала Елена Фесуненко, дочка известного советского политического обозревателя Игоря Фесуненко. Брак продлился всего три года, с 1976 по 1979. В 1986 году певец женился на Алле Голубкиной, враче-косметологе и бывшей супруге Алексея Романова. Плодом любви стал сын Иван, который родился в 1987 году. Сразу после рождения первенца супруги развелись. В 90-х года ходили слухи о романе музыканта и радиоведущей Ксенией Стриж. Девушка назвала эту информацию сильно преувеличенной, однако добавила, что все-таки несколько лет была близка с рокером. Перед новым веком Макаревич два года прожил гражданским браком с журналисткой и пресс-атташе группы Анной Рождественской. Она родила Андрея дочку Аню в 2000 году. Третьей супругой музыканта стала гример и стилист Наталья Голубь. На ней Макаревич официально женился в 2003 году. Кстати, у лидера «Машины времени» есть внебрачная дочка Дана. Она живет в Филадельфии и иногда видится с отцом.

Макаревич и политика В 70-е году, по собственным утверждениям, Андрей Макаревич относился в политике в СССР негативно. Но диссидентом не был и против коммунистического режима не выступал. Тем не менее, многие песни «Машины времени» воспринимались как с политическим подтекстом («Поворот», «Марионетки», «Кого ты хотел удивить?»). Сам Макаревич утверждает, что никакого подсмысла в композициях не было. Андрей Макаревич на видео Во времена перестройки Макаревич много писал на явно политические темы, например, «Ветер перемен», «У свободы недетское злое лицо», «Аэрофлотовская», «Бурьян породил бурьян» и «Я хочу знать». Но музыкант не состоял в политических партиях и движениях. В 90-е Андрей Макаревич был «за» отстранение коммунистов от власти. А во время путча в 1991 году выступил на баррикадах перед защитниками Белого дома. За это и был удостоен медали «Защитник свободной России». Как правило, Андрей Макаревич держится на дистанции от политических событий. Однако поддерживал Бориса Ельцина, Владимира Путина, а затем Дмитрия Медведева. Неоднократно выступал во время политических гонок. А в последних песнях Макаревич отражает недовольство общественной жизнью. Это «Улетай», «Простите», «Пой», «Рассмеши меня, Петросян», «К нам в Холуёво приезжает Путин». Кроме этого, разочаровывается в религии и четко выражает свою точку зрения в композиции «Я не буду танцевать под чужую дуду». В конце 2011 году Макаревич сказал, что недоволен тем, что происходит в данный момент. «Нам уже рассказали, кто у нас будет президент, и дело тут не в Путине, а в том, что нас лишают остатков права выбора». Однако подчеркивает, что не сожалеет о том, что поддерживал Дмитрия Медведева.
В 2014 году музыканта, не согласного с присоединением Крыма к России, зачислили "в пятую колону"
Вот так и живем

Nautilus Pompilius — советская и российская рок-группа. Основана в Свердловске (ныне Екатеринбург), официально в 1982—1983 годах, когда началась совместная работа Вячеслава Бутусова и Дмитрия Умецкого над первым альбомом «Переезд». С 1982 года состав группы неоднократно менялся. Изменениям подвергался также и музыкальный стиль группы.

Наиболее известные песни группы: «Последнее письмо» («Гудбай, Америка…»), «Эта музыка будет вечной», «Взгляд с экрана», «Я хочу быть с тобой», «Дыхание», «Скованные одной цепью», «Шар цвета хаки», «Прогулки по воде», «Все, кто нёс», «Тутанхамон», «Титаник», «Крылья», «Синоптики», «Хлоп-Хлоп», «Князь тишины», «Воздух», «Колёса любви», «На берегу безымянной реки», «Падший ангел», «Доктор твоего тела», «Падал тёплый снег», «Одинокая птица», «Чёрные птицы», «Тихие игры».

Название
Официально группа называется «Nautilus Pompilius». Nautilus pompilius — систематическое название вида моллюсков рода наутилусов. На нескольких альбомах оба слова написаны заглавными буквами латиницей — «NAUTILUS POMPILIUS», ещё на нескольких — заглавными русскими буквами — «НАУТИЛУС ПОМПИЛИУС». Также группу называют «Наутилусами», «Наусами» или ещё короче — «Нау».

Первоначальный вариант названия группы — «Али-Баба и сорок разбойников». Вариант «Наутилус» был предложен в 1983 году звукорежиссёром группы Андреем Макаровым. В 1985 году по инициативе Ильи Кормильцева, с которым группа уже тогда начала сотрудничество, название было расширено до «Наутилус Помпилиус», чтобы избежать путаницы, поскольку в то время в стране существовало большое количество групп с аналогичным названием[1], в том числе и московский «Наутилус» Евгения Маргулиса, незадолго до этого покинувшего «Машину времени». В сопроводительной записке ко второму альбому группы — «Невидимка», выпущенному в том же 1985 году, факт обретения группой окончательного названия был зафиксирован следующим образом: «Группа названа в честь голожаберного[2] моллюска, который от природы красив и обаятелен».

История
Основание
Деятельность группы «Наутилус» уходит своими корнями в конец 70-х гг. XX века. Она была основана в Свердловске Вячеславом Бутусовым и Дмитрием Умецким — студентами Свердловского архитектурного института (САИ). В первый период своего существования группа выступала на танцах, исполняя преимущественно песни западных рок-групп, а также «Машины времени», «Воскресения» и Константина Никольского. Попытки зафиксировать на магнитной плёнке собственный материал были предприняты в 1982 году, тогда было записано несколько песен, позднее вошедших в дебютный альбом «Наутилуса» «Переезд» (1983 год), созданный под заметным влиянием творчества «Led Zeppelin».

Второй альбом группы, «Невидимка», явил собой заметное изменение стиля «Наутилуса», его переориентацию на нововолновую эстетику по примеру ленинградских рок-групп.

Начало популярности
Всесоюзную известность «Наутилус» получил после выхода альбома «Разлука» в 1986 году. Тогда же группа нашла свой особый имидж, с которым «Нау» периода 1980-х ассоциируется у большинства поклонников — квазивоенная форма, скупой грим и ещё более скупая, но выразительная в своей сдержанности пластика. Блестящими выступлениями на Пленуме Союза Композиторов РСФСР и рок-фестивале в Новосибирске весной 1987 года «Наутилус» полностью опроверг мнение о периферийности свердловской рок-сцены, претендуя на то, чтобы стать одним из лидеров советского рока, наряду с ленинградскими командами «Аквариум», «Алиса», «Кино» и др.
Успех группы был подкреплён выступлениями на фестивалях «Литуаника-87» в Вильнюсе летом того же года, в подмосковном Подольске в сентябре, и на декабрьской «Рок-Панораме-87» в Москве, после чего в стране началась «наутилусомания». Появились публикации в центральной прессе (первая журнальная публикация — в органе ЦК ВЛКСМ «Смена» (№ 7, апрель 1988), статья Евгения Додолева «Наутилус или Pompilius?»[3][4]). Своей популярностью группа была обязана прежде всего музыкальной выразительности, подчёркнутому мелодизму, порой, правда, граничащему со шлягерностью, профессионально написанным текстам Ильи Кормильцева (преимущественно злободневной социальной направленности, в перестроечный период наиболее востребованной публикой) и харизматичности лидера группы Вячеслава Бутусова.

Пик популярности «Наутилуса» пришёлся на 1988 год. В этот период группа активно гастролировала по СССР, выезжала за границу (в Финляндию в конце года) после участия в съёмках финского фильма о советском роке «Серп и гитара», выпустила на «Мелодии» свою первую пластинку «Князь тишины», в которую вошли переигранные хиты «Наутилуса» с двух предыдущих альбомов («Последнее письмо», «Взгляд с экрана», «Скованные одной цепью», «Шар цвета хаки» и «Казанова»), а также несколько новых песен, которые до этого исполнялись на концертах, но в студии записаны не были, в том числе «Я хочу быть с тобой».

Популярность группы отчасти была обусловлена её участием в программе «Взгляд». Сергей Ломакин в газете «Музыкальная правда» вспоминал[5]:

« «Взгляд» эксплуатировал закономерный интерес публики к социальному року. И показал массовой публике лучшие команды: ДДТ, «Наутилус Помпилиус», «Кино». Это была настоящая гражданская поэзия, и мы пробили этой музыкой брешь в цензурной стене. Параллельно с нами и с нашей помощью на музыкальные площадки страны прорывались подпольные музыканты. На т.н. «большой» планёрке в Останкино один из музыкальных редакторов однажды сказал: «Огромное спасибо «Взгляду» за то, что он открыл стране советский рок». Бутусов, Цой, Шевчук – это литература неравнодушных людей. Тогда музыка делала революцию… »
Уход Умецкого
Бесконечные гастроли, коммерческий успех, столкновение с зарождающимся российским шоу-бизнесом неблагоприятно отражались на обстановке внутри группы, что приводило к постоянным разногласиям, ссорам и лихорадочной смене состава. Пиком кризиса стал уход из «Наутилуса» одного из основателей группы — Дмитрия Умецкого. Когда стало абсолютно очевидно, что «Наутилус» и шоу-бизнес несовместимы в принципе, Вячеслав Бутусов, уставший от постоянных проблем и неурядиц, принял решение распустить группу. Это произошло в ноябре 1988 года.

В 1989 году Бутусов попытался восстановить личные и творческие отношения с Дмитрием Умецким, результатом чего явился альбом «Человек без имени», где также приняли участие Александр Беляев из «Телевизора» (гитара) и Игорь Доценко из «ДДТ» (барабаны). Но возобновившиеся разногласия, касающиеся судьбы этого альбома и будущего группы в целом, привели к окончательному разрыву между Бутусовым и Умецким. Альбом был выпущен только спустя шесть лет компанией «Апекс Рекордз».

В 1989 году Бутусову, Кормильцеву и Умецкому была присуждена Премия Ленинского комсомола. Кормильцев публично и в категорической форме от неё отказался — из идейных соображений, поскольку считал получение премии от организации, доставлявшей в своё время рок-музыкантам очень много неприятностей, недопустимым. Бутусов на вручение не пришёл, а деньги перечислил в Фонд Мира и в один из свердловских детских домов, Умецкий же явился на вручение и премию получил.

1990-е
В конце 1989 года Бутусов окончательно перебирается в Ленинград и набирает новый состав группы, делая упор на жёсткий гитарный звук, в противовес клавишно-саксофонному звучанию прошлых лет. Публика, привыкшая к старому «Наутилусу», поначалу скептически отнеслась к такой перемене: первые концерты группы в новом составе оказались провальными, но, выпустив альбомы «Наугад» (1990 год) и «Чужая земля» (1992 год), Бутусов доказал творческую состоятельность нового «Наутилуса», а песни «Прогулки по воде» и «На берегу безымянной реки» смогли стать хитами уровня «Я хочу быть с тобой» и «Скованных». Вместе со стилем группы изменилась и тематика песен — социальность ушла в прошлое, Кормильцев и Бутусов больше внимания стали уделять философским, эзотерическим, религиозным темам. В этот же период место барабанщика в группе на некоторое время занимает Игорь Джавад-Заде, считавшийся на тот момент одним из лучших барабанщиков в Советском Союзе, которого с большой теплотой вспоминали музыканты после его ухода в 91-ом году.

1993 год отмечен в истории группы празднованием 10-летнего юбилея и выпуском в связи с этим событием альбома «Отчёт 1983—1993», ставшим первым российским трибьютом, на котором песни «Наутилуса» были перепеты его свердловскими и питерскими коллегами по сцене, а также музыкантами самого «Нау».

В том же году внутри группы опять начались разногласия и в результате «Наутилус» покинули гитаристы Егор Белкин и Александр Беляев. Поэтому к записи альбома «Титаник» (1994 год), демо-версия которого была записана годом раньше при участии музыкантов «Аквариума» и получила название «Титаник на Фонтанке», в качестве гитариста был привлечён Вадим Самойлов из «Агаты Кристи», в 1994 году принимавший участие в концертных выступлениях «Наутилуса», совмещая работу в обеих группах. После ухода Вадима Самойлова из «Наутилуса» в марте 1994 года, в группу вернулся Алексей Могилевский (клавишные, саксофон, бэк-вокал), также по его рекомендации в группу вошёл новый лидер-гитарист — Николай Петров, который был соратником Могилевского по группе «Ассоциация».

«Титаник» считается коммерчески самым успешным альбомом нового «Наутилуса». Следующий альбом «Крылья» (1995 год) сами музыканты называли «вымученным», а журналисты и вовсе считали его явной неудачей группы и не скупились на нападки и колкости в адрес Бутусова.

Самым мягким высказыванием в этой связи является замечание газеты «МузОБОЗ»[6]:

« Никогда уже не всплыть, торпедированному нынешним торжеством киркоровщины и попсятины, завораживающе уральскому «Наутилусу» на сладко-либидинозную вершину успеха конца 80-х, никогда... »
Однако в настоящее время альбом «Крылья», наряду с «Титаником», является одним из самых популярных среди поклонников группы.

В 1996 году музыканты «Наутилуса» решили поэкспериментировать с «акустикой», результатом чего стало несколько концертов, с необычайным подъёмом сыгранных группой в ДК Горбунова в начале марта, интересных прежде всего тем, что акустическая программа позволила переосмыслить многие старые песни группы и придала им не только новое звучание, но и новую жизнь. Концерт 2 марта, запись которого вышла позднее в виде альбома «Лучшие песни. Акустика», считается участниками группы едва ли не самым лучшим в истории коллектива.

Распад группы
Последними альбомами группы стали «Яблокитай», записанный Бутусовым и Кормильцевым в конце 1996 года в Англии при участии Бориса Гребенщикова и английского музыканта Била Нельсона, который стал его продюсером, и «Атлантида» — сборник ранее записанных песен «Наутилуса», по тем или иным причинам не вошедших в другие альбомы. Песни из этих двух и других альбомов вошли в саундтрек к фильму Алексея Балабанова «Брат», где Бутусов появляется также камео. После выхода фильма в широкий прокат группа вновь обретает былой успех. Но Бутусов тогда пришёл к выводу, что «Наутилус» в творческом отношении полностью себя исчерпал, в рамках группы он уже не сможет создать ничего нового и интересного и принял решение распустить группу окончательно. После концерта в ГЦКЗ «Россия» 5 июня 1997 года, получившего название «Последнее плавание», и прощального гастрольного тура по стране группа официально прекратила своё существование. Последний официальный концерт состоялся 12 июня 1997 года в Екатеринбурге на крытом хоккейном корте стадиона «Юность».

После распада
Разовые воссоединения «Наутилуса» происходили в 2003 году на фестивале «Старый Новый Рок» в Екатеринбурге и на «Нашествии-2004». В 2008 году состоялся концерт, посвящённый 25-летию группы «Наутилус Помпилиус». Специально к юбилею Вячеслав Бутусов и группа «Ю-Питер» подготовили 10 хитов «Наутилуса» разных лет в новой трактовке. Кроме этого, свои версии песен «Наутилуса» записали другие известные рок-группы России, такие как: «Машина времени», «Алиса», «Пикник», «Ночные Снайперы»,«Мумий Тролль», «Настя», Найк Борзов, а также украинская — «Вопли Видоплясова» и др. Все композиции собраны на двойном альбоме-сборнике «Нау Бум», презентация которого, наряду с празднованием дня рождения Nautilus Pompilius, состоялась в Санкт-Петербурге (13 декабря 2008 года) и в Москве (17 декабря 2008 года)

До этого — в сентябре-ноябре 2008 года в рамках проекта «Рокгерой» был проведён конкурс «Рокгерой-Трибьют „Нау“»[8], в котором участники исполнили около 250 римейков, трибьютов и каверов песен «Наутилуса»[9]. Победитель конкурса Олег «Tallboy» Карпачёв вместе с группой «Стволы» исполнил римейк на песню «Чёрные птицы» на юбилейном концерте, она также включена в сборник «Нау Бум».

В декабре 2008 года группа «Ю-Питер» во главе с Вячеславом Бутусовым отправилась в тур «НауБум», в рамках которого исполняла песни «Наутилуса».

Последний состав
Вячеслав Бутусов — вокал, гитара, тексты, музыка (1982—1997, 2003, 2004, 2013)
Илья Кормильцев — тексты, со-продюсер (1985—1997) †
Алексей Могилевский — клавишные, бэк-вокал, саксофон (1986—1988, 1994—1997, 2003, 2004, 2013)
Альберт Потапкин — ударные (1986—1987, 1991—1997, 2004, 2013)
Гога Копылов — бас-гитара (1990—1997, 2004, 2013)
Николай Петров — гитара (1994—1997) †
Бывшие участники
Дмитрий Умецкий — бас-гитара, бэк-вокал, тексты, музыка (1982—1989)
Андрей Саднов — гитара (1982—1983)
Игорь Гончаров — ударные (1982)
Александр Зарубин — ударные (1982—1983)
Настя Полева — вокал (1983)
Виктор «Пифа» Комаров — клавишные (1985—1988)
Алексей Хоменко — клавишные (1987—1988, 2003)
Владимир «Зема» Назимов — ударные (1987—1988, 2004)
Владимир Елизаров — бас-гитара, гитара (1988)
Егор Белкин — гитара (1988, 1990—1993, 2003, 2004, 2013)
Александр Беляев — гитара (1989—1993, 2013)
Игорь Джавад-Заде — ударные (1989—1991)
Приглашённые музыканты
Борис Гребенщиков — вокал на альбомах «Отчёт 1983—1993», «Титаник на Фонтанке», «Яблокитай»
Алла Пугачёва — бэк-вокал на альбоме «Князь Тишины», песня «Доктор твоего тела»
Александр Пантыкин — клавишные на альбомах «Переезд» и «Человек без имени»
Вадим Самойлов — гитара и клавишные на альбоме «Титаник»
Билл Нельсон — продюсирование, гитара и клавишные на альбоме «Яблокитай»
Олег Сакмаров — духовые на альбомах «Наугад», «Чужая земля» и «Титаник»
Пётр Акимов — виолончель на альбоме «Наугад»
Продюсирование
Александр Пантыкин — альбом «Переезд»
Владимир Месхи (1994)
Звукорежиссура
Андрей Макаров (1982, 1985—1987; запись альбомов «Разлука», 1986, «Наугад», 1990)
Владимир Елизаров (1988)
Леонид Порохня, Дмитрий Тарик (группа «Урфин Джюс») (запись альбома «Невидимка», 1985)
Александр «Полковник» Гноевых (помощь при записи альбома «Переезд» (1983), 1991—1997)
Александр Кальянов (запись альбома «Князь тишины», 1988)
Александр Кутиков (запись альбома «Отбой», 1988)
Франк Остерланд (ФРГ) (запись альбома «Наугад», 1990)
Художественное оформление альбомов
Александр Коротич («Чужая земля», «Титаник», «Яблокитай»)
Дискография
Номерные альбомы
1983 — Переезд
1985 — Невидимка
1986 — Разлука
1988 — Князь тишины
1988 — Раскол (концертный альбом, но большинства его песен нет в студийных версиях)
1991 — Родившийся в эту ночь (почти все песни позже вошли в альбом «Наугад»)
1992 — Чужая земля
1993 — Титаник на Фонтанке (с группой «Аквариум») (почти все песни в новых аранжировках позже вошли в альбом «Титаник»)
1994 — Титаник
1994 — Наугад
1995 — Человек без имени
1996 — Крылья
1997 — Яблокитай
1997 — Атлантида
Концертные альбомы[править | править исходный текст]
1987 — Подъём (Концерт в Таллине, 21 июня 1987)
1988 — Нау и Бригада С
1988 — Ни кому ни кабельность (Концертные записи 1987—1988 гг., в том числе оригинал концерта в Новосибирске 11 апреля 1987)
1988 — Отбой (Концерт в ГЦКЗ «Россия», Москва, июнь 1988)
1994 — Титаник Live (Концерт в ГЦКЗ «Россия», Москва, 13 июня 1994)
1996 — Акустика (Лучшие Песни) (Концерт в ДК им. Горбунова, Москва, 2 марта 1996)
Трибьюты[править | править исходный текст]
1993 — Отчёт 1983—1993
2008 — Нау Бум
Композиции входят в сборники (наиболее интересные)
1987 — Рок-панорама, часть I
1988 — Литуаника '87
1992 — Рок против террора
1993 — Greenpeace Rocks
1996 — Легенды русского рока

Вильегас, Пабло Сайнс


Пабло Сайнс Вильегас (Pablo Sainz Villegas), род. 1977, — испанский гитарист. Учиться игре на гитаре начал в возрасте 6 лет.
Обладатель почти 30 международных премий, включая конкурсы имени Франсиско Тарреги в Испании (2003), Луиса Сигаля в Чили (2004), "Diamond" в Нью-Йорке (2005), Алирио Диаса в Венесуэле (2006), премии им. Андреса Сеговии от Манхэттенской школы музыки в Нью-Йорке, где он проходил стажировку у Дэвида Старобина. В 2006 году П. Вильегас был удостоен Золотой медали и специального приза на Международном гитарном конкурсе в Малибу (Калифорния, США, 2006), и, как победитель этого конкурса, в 2007 году дал серию сольных концертов и совершил турне с камерным оркестром Лос-Анджелеса. В 2008 году получил национальную премию радио и ТВ Испании. Выступал более чем в 20 странах мира, в том числе в «Карнеги-холл», «Линкольн-центр» и «Меркин-холл» в Нью-Йорке, «Музикферайн» в Вене, Зал Верди в Милане и Концертный зал им. П.И. Чайковского в Москве. Участник II, III и IV фестивалей «Виртуозы гитары», а также II Международного фестиваля "Классическая гитара в XXI веке" (март 2008, г. Казань, Татарстан). На Втором московском международном фестивале "Виртуозы гитары" в марте 2007 года, во время своего первого приезда в Россию, исполнил "Ноктюрны Андалусии" для гитары с оркестром испанского композитора Лоренцо Паломо (род. 1938).
Выступал с оркестрами Нью-Йоркской и Израильской филармоний, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия» и симфоническим оркестром Москвы «Русская филармония». Работает с современными композиторами Дж.Крамбом, К.Хальффтером, Г.Лахенманом; сотрудничает с крупнейшими радиостанциями мира.
Фирма NAXOS выпустила сольные диски гитариста с сочинениями Л.Берио и альбом испанской музыки.

Гайдн Йозеф

ГАЙДН (Haydn) (Франц) Йозеф (31 марта 1732, Рорау — 31 марта 1809, Вена), австрийский композитор, представитель венской классической школы. В творчестве Гайдна откристаллизовались классические инструментальные жанры (симфония, квартет), формы ( сонатная форма ), сложился классический состав оркестра. Для музыки Гайдна характерна широта фольклорных связей. Он автор 104 симфоний, 83 квартетов, 52 фортепианных сонат, ораторий («Сотворение мира», 1798; «Времена года», 1801), 14 месс, опер.

Сын колесного мастера, Йозеф с ранних лет учился пению и около 1740 был принят в хор знаменитого венского собора святого Стефана, где оставался примерно до 1750. В эти же годы овладел игрой на нескольких музыкальных инструментах. Затем около десяти лет вел жизнь независимого музыканта: зарабатывал игрой на скрипке, органе, клавесине, работал аккомпаниатором у известного итальянского композитора и вокального педагога Н. Порпоры (1686-1768), который поощрял занятия Гайдна композицией. К этому периоду относится несколько произведений Гайдна для церкви и для различных камерно-инструментальных составов, а также музыка к зингшпилю «Хромой бес» (1752, утеряна).

У знаменитого мецената
Около 1759-61 Гайдн служил музикдиректором у графа Морцина, после чего занял должность вице-капельмейстера при дворе князя Пауля Антона Эстерхази, представителя знаменитой аристократической семьи венгерского происхождения. Должность капельмейстера перешла к Гайдну после смерти занимавшего ее Г. Й. Вернера (1693-1766) — одного из наиболее значительных австрийских композиторов своего времени. В обязанности Гайдна входило руководство ансамблем из 15—20 музыкантов и сочинение музыки по требованию работодателя, которым с 1762 был младший брат Пауля Антона, князь Николаус Эстерхази, прозванный «Великолепным».
Первоначально деятельность Гайдна проходила в Айзенштадте — родовом замке Эстерхази в 30 км к юго-востоку от Вены. Около 1767 княжеский двор переехал в Эстерхазу — новую резиденцию, построенную на берегу озера Нойзидлер-Зе, вдали от культурных центров. В первые годы службы Гайдн сочинял преимущественно инструментальную музыку, в том числе симфонии и другие пьесы, предназначенные для княжеской «обеденной музыки» (Tafelmusik) и для концертов, устраивавшихся в замке дважды в неделю. Среди произведений этих лет выделяется триптих симфоний «Утро», «Полдень» и «Вечер и буря» (1761). Поскольку князь Николаус играл на так называемом баритоне (струнном инструменте типа виолончели), Гайдн много писал для этого инструмента; за 10 лет он сочинил около 125 трио с участием баритона. Этим же периодом датируются немногочисленные кантаты и произведения для церкви. После смерти Вернера церковная музыка заняла в творчестве Гайдна более существенное место; с 1768, когда в Эстергазе открылся новый театр, Гайдн много работал также в оперном жанре.

Симфонический период
В конце 1760-х — начале 1770-х годов Гайдн отходит от развлекательной, «дивертисментной» разновидности жанра симфонии. Его лучшие симфонии этого периода отличаются серьезностью и драматизмом; в их эмоциональном строе сказалось влияние «Бури и натиска» — течения, которое в третьей четверти 18 в. существенно повлияло на литературу и искусство немецкоговорящих стран. Особенно примечательны минорные симфонии №№ 26 («Жалоба»), 39, 49 («Страдание»), 44 («Траурная»), 45 («Прощальная»), 52. Период «бури и натиска» отмечен размолвками между Гайдном и князем Николаусом, которого не удовлетворял чрезмерно трагический, по его мнению, тон гайдновской музыки. Тогда же Гайдн написал 18 струнных квартетов, составивших опусы 9, 17 и 20 (так называемые «Солнечные квартеты»); по-видимому, импульсом для их создания послужил заказ извне (до конца 1770-х годов Гайдн мог сочинять для других заказчиков только с разрешения Эстерхази). По сравнению с предшествующими камерно-инструментальными ансамблями Гайдна, они характеризуются более смелым, масштабным и изощренным письмом; по существу, с них началась история жанра струнного квартета в его классической разновидности. В эти годы начали складываться характерные для зрелого творчества Гайдна типы инструментального цикла и сонатной формы. В его сонатных allegri контраст между темами главной и побочной партий в экспозиции чаще всего выражен относительно умеренно, а разработка обширна, активна, насыщена полифонией; полифонический элемент играет большую роль и в его финалах, осложняя и обогащая развитие их оживленных танцевальных тем.

Оперы
Среди опер Гайдна выделяются «Аптекарь» (к открытию нового театра, 1768), «Обманутая неверность» (1773) и «Лунный мир» (1777). В 1779 театр в Эстерхазе сгорел; к открытию восстановленного здания (1781) Гайдн написал оперу «Вознагражденная верность». До конца 1770-х годов Гайдн писал главным образом итальянские оперы-буффа; его предпоследняя опера для Эстерхазы, «Роланд-паладин» (1782), относится к смешанному героико-комическому жанру, а последняя «Армида» (1784) — к жанру оперы-сериа. Хотя оперы Гайдна никогда не пользовались особым успехом за пределами Эстерхазы, его известность росла, а издатели всех крупнейших европейских центров охотно печатали его произведения. По условиям нового договора Гайдна с князем Эстерхази последний утратил исключительные права на его музыку.

Русские квартеты
В 1780-х годах слава Гайдна возросла благодаря фортепианным трио и сонатам, новым симфониям (№№ 76—81 были опубликованы в 1784-85, а №№ 82—87 сочинены в 1785-86 по заказу концертной организации из Парижа) и струнным квартетам. Большим успехом пользовались 6 квартетов соч. 33, опубликованные в 1782 и посвященные великому князю Павлу Петровичу, будущему российскому императору Павлу I (отсюда популярное название этих квартетов — «Русские»). Сам Гайдн отмечал, что они написаны «в совершенно новой манере». Возможно, при этом имелись в виду такие их особенности, как оригинальная манера использования инструментов, беспрецедентная интенсивность тематического развития, включение скерцо в состав цикла.

Новый этап
В 1787 появились 6 квартетов соч. 50, посвященные королю Пруссии и, судя по всему, написанные под влиянием квартетов Моцарта, которого Гайдн считал первым композитором мира (Моцарт посвятил Гайдну 6 квартетов, созданных между 1782 и 1785). Вскоре последовали квартеты соч. 54—55 и 64. Все эти произведения знаменуют собой начало нового этапа творческой эволюции Гайдна; они характеризуются стройной и логичной формой, изобретательной и остроумной мотивной работой, гибким мелодизмом, богатством контрастов. Среди других произведений, сделавших имя Гайдна известным за пределами Центральной Европы, — оркестровый пассион «Семь слов Спасителя на кресте», предназначенный для исполнения в соборе испанского города Кадиса в дни Страстной недели (около 1785), и концерты и ноктюрны для колесных лир, написанные по заказу короля Неаполя (около 1790). Впоследствии Гайдн переложил «Семь слов» для струнного квартета (это переложение поныне пользуется широкой известностью) и для хора и оркестра.

Международное признание
В 1790 Николаус Эстерхази умер. Его сын Антон отменил оперные постановки и распустил оркестр, однако сохранил за Гайдном звание и жалование капельмейстера. Теперь Гайдн получил возможность жить в Вене и выезжать в другие страны. Лондонский импрессарио и скрипач Иоганн Петер Заломон (1745-1815) пригласил его в Англию для работы над оперой, симфониями и другими произведениями. Гайдн совершил две длительные поездки в Лондон: в 1791-92 и 1794-95. Здесь он сочинил и с огромным успехом исполнил свои 12 последних симфоний (№№ 93—104); в Лондоне были написаны также Концертная симфония для гобоя, фагота, скрипки и виолончели с оркестром, ряд хоров, фортепианных сонат и трио, песни (в том числе канцонетты на английские слова поэтессы Э. Хантер), обработки британских народных песен, предназначенные для лондонских и эдинбургских нотоиздателей. Премьера оперы-сериа «Душа философа» (на сюжет мифа об Орфее, 1791) не состоялась из-за закулисных интриг. В Англии Гайдн был окружен всяческими почестями; он удостоился степени почетного доктора Оксфордского университета (на церемонии была сыграна его Симфония № 92, так называемая «Оксфордская»), выступал перед королевской семьей. Одним из значительных музыкальных впечатлений стало знакомство с музыкой Г. Ф. Генделя, которую Гайдн слушал в Вестминстерском аббатстве в исполнении больших хоровых коллективов.

Снова в Эстерхазе
В 1795 Гайдн вернулся к исполнению функций придворного капельмейстера семьи Эстерхази (князь Антон умер в 1794, наследником стал его сын Николаус-младший). Теперь основная обязанность Гайдна заключалась в сочинении месс на именины княгини. В 1796-1802 Гайдн написал шесть месс; они весьма различны по тематизму, оркестровке и т. п., однако всем им в равной мере присуще сочетание симфонического размаха и молитвенной сосредоточенности. В некоторых из них отразились переживания, связанные с наполеоновскими войнами (таковы «Месса времен войны», 1796, «Месса тревожного времени, или Нельсон-месса», 1798). Среди инструментальных произведений 1790-х годов выделяются шесть квартетов соч. 71 и 74, написанные между двумя поездками в Лондон, и более поздние квартеты соч. 76 (всего 6) и 77 (2). Свойственные Гайдну дух изобретения и склонность к энергичному, интенсивному развитию музыкальных идей проявились в квартетах соч. 76—77 не менее ярко, чем в лучших симфониях. Некоторые из квартетов характеризуются виртуозным и блестящим письмом, которое свидетельствует о том, что они предназначались для исполнения не столько в салонах, сколько в больших концертных залах. Концертный размах присущ и некоторым поздним сонатам Гайдна для фортепиано, особенно №№50 (C-dur) и 52 (Es-dur) (около 1794-95).
В 1796 был написан Концерт для трубы с оркестром — безусловно лучший (наряду с двумя более ранними концертами для виолончели) инструментальный концерт Гайдна. Поздний период творчества композитора был отмечен также созданием двух монументальных ораторий — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801). Первая из них построена по генделевской модели библейской оратории, тогда как вторая скорее представляет собой цепь ярких, колоритных эпизодов, а не единое вокально-симфоническое целое.

Последние годы
В 1804 Гайдн был избран почетным гражданином Вены. К этому времени он практически перестал сочинять. В последние годы он дважды продиктовал свои мемуары и подготовил каталог своих произведений. Полный тематический каталог музыки Гайдна был составлен только в середине 20 в. голландским музыковедом А. ван Хобокеном. В гигантском по объему наследии Гайдна есть произведения, которые до сих пор не записаны и почти не исполняются.
Многие квартеты и симфонии Гайдна известны под разного рода «неофициальными» названиями. В одних случаях эти названия отражают звукоподражательный или изобразительный аспект гайдновских тем, в других напоминают о том, кому посвящены те или иные произведения, об обстоятельствах их создания или первого исполнения. Среди наиболее популярных — симфонии №№ 48 «Мария Терезия» (до 1773), 53 «Величественная» (1778-81), 55 «Учитель» (1774), 59 «Пламя» (1769), 60 «Рассеянный» (1774), 73 «Охота» (около 1782), 82 «Медведь» (1786), 83 «Курица» (1785), 85 «Королева [Франции]» (около 1785), 92 «Оксфордская» (1789), 94 «Сюрприз, или С ударами литавр» (1791), 96 «Чудо» (1791), 100 «Военная» (1794), 101 «Часы» (1794), 103 «С тремоло литавр» (1795), 104 «Заломон, или Лондон» (1795), квартеты соч. 33 № 3 «Птичий» (около 1781), соч. 50 № 6 «Лягушачий» (1787), соч. 64 № 5 «Жаворонок» (1790), соч. 74 № 3 «Всадник» (1793), соч. 76 №№ 2 «Квинты», 3 «Императорский», 4 «Восход солнца», (все около 1797).

Композитором был и младший брат Гайдна Михаэль (1737-1806). С 1763 он служил придворным музыкантом и концертмейстером князя-архиепископа Зальцбургского, был близко знаком с отцом и сыном Моцартами (первый относился к Гайдну неприязненно, а второй — дружески). В 1777 стал органистом церкви св. Троицы, а в 1781 сменил Моцарта в должности органиста Зальцбургского собора. Пользовался высокой репутацией как мастер церковной музыки. (отголоски его Реквиема c-moll [1771] отчетливо слышны в позднейшем Реквиеме Моцарта). Был также плодовитым автором инструментальной музыки.

Матусовский Михаил Львович


(1915-1990) советский поэт

Михаил Матусовский родился на Украине в городе Луганске в семье фотографа. В своих воспоминаниях «Семейный альбом» поэт иронически заметил, что, «как во всякой приличной интеллигентной семье», его решили учить музыке. К обучению мальчика подошли очень ответственно: Мику (так будущего поэта звали в детстве) отдали к лучшей учительнице в городе. Но она оказалась сторонницей «жесткой» системы обучения и за каждый промах била ученика по пальцам толстым карандашом.

Михаил стал заниматься у другой учительницы, а потом попал к Кушлину, где впервые столкнулся с постановкой спектаклей. Полученные навыки пригодились ему в дальнейшем, когда ему пришлось работать тапером в кинотеатре.

Когда Михаилу еще не исполнилось двенадцати, в местной газете «Луганская правда» появились его стихи. Они были весьма незрелыми, но юного автора переполняло тщеславие. Потом он признавался, что тогда его стихи сверстали вместе со стихами брата, который впоследствии выбрал другую профессию, став специалистом по транспортному машиностроению.

Родители Матусовского были небогатыми людьми, поэтому после окончания седьмого класса он решил поступить в техникум и получить профессию. Но планам будущего поэта не суждено было осуществиться. Его отца сочли кустарем, объявили лишенцем, и юный Михаил не смог никуда поступать. Вместо учебы ему пришлось искать работу. Он писал афиши, работал тапером.

Все изменил случай: приезжий фотограф высоко оценил работы его отца и помог тому вернуться к прежней деятельности. Михаил наконец-то смог начать обучение в строительном техникуме, закончив который он получил работу на стройке. Но долго на этой работе он не остался. Матусовский поехал в Москву поступать в Литературный институт им. М. Горького. Там он вошел в круг молодых авторов, среди которых были будущие известные поэты В. Луговской и К. Симонов. Вместе с Симоновым Матусовский побывал в родных местах, и опять же вместе они написали книгу «Луганчане» (1939).

В 1940 г. Матусовский издал сборник «Моя родословная», где проявил себя как поэт, живо откликающийся на события современности. Закончив в 1939 г. Литературный институт, он поступил в аспирантуру.

После начала Великой Отечественной войны Матусовский уходит на фронт военным корреспондентом, проходит через многие жестокие испытания, но все же продолжает писать стихи, в которых рассказывает о героях фронта и тыла. Это сборники «Фронт» (1942), «Песня об Айдогды Тахи-рове и его друге Андрее Савушкине» (1943), «Когда шумит Ильмень-озеро» (1944).

После войны поэт издал сборник «Слушая Москву» (1948), тем самым отдавая дань уважения городу, в котором прошла его молодость. Некоторые стихотворения, вошедшие в книгу «Улица мира» (1951), написаны под впечатлением от многочисленных поездок по разным странам мира.

Рассказывая о своих детских и отроческих годах, Матусовский вспоминал многих своих учителей. Особенно тепло и с благодарностью он отзывался о своей учительнице литературы Марии Семеновне, у которой он писал и стихи, и прозу. Позже свою благодарность поэт выразит в стихотворении «Школьный вальс», музыку к которому написал И. Дунаевский, знаменитый советский композитор. Песню на эти стихи исполнила М. Пахоменко.

Дунаевский однажды сказал Матусовскому, что между поэтом и композитором обязательно должно сложиться единомыслие, общность вкусов, умение понимать друг друга с полуслова. Поэтому, когда композитор и поэт решили вспомнить о своих школьных годах, форма вальса оказалась близка обоим.

В шестидесятых годах, после появления «Школьного вальса» и «Подмосковных вечеров», к поэту приходит широкая известность. Лирические песни Матусовского отличает особая доверительная интонация. Обращаясь к своему собеседнику, он создает элегическое или ироническое настроение. Его лирические песни сюжетны и образны одновременно.

Матусовский всегда придерживался принципа, по которому мелодия звучала внутри стихотворных строк. Он не только стремился сделать значимым отдельное слово, но даже хотел выразить смысл через знаки препинания: «Песня требует хрестоматийной простоты, акварельности красок, соразмерности всех частей, органичности перехода запева в припев, полной естественности и непосредственности».

Игровой характер произведений, четко выраженная мелодичность вызвали интерес к произведениям поэта со стороны кинематографистов. Он написал тексты песен к кинофильмам «Верные ребята», «Испытание верностью», «Неподдающиеся».

Над песнями к картинам «Фронт без флангов», «Тишина», «Щит и меч» Матусовский работал вместе с В. Баснером. Песни «На безымянной высоте» и «С чего начинается Родина» стали отражением судьбы целого поколения. Поэт также работал с В. Соловьевым-Седым, Т. Хренниковым. С последним Матусовский написал песни для картины «Верные друзья» («Лодочка», «Что так сердце растревожило», «Шуточная песня»).

Поэт также создал сценарии хроникально-документальных фильмов «Рабиндранат Тагор» (1961) и «Мелодии Дунаевского» (1964). «Подмосковные вечера» стали визитной карточкой картины «В дни Спартакиады», музыку к песне написал Соловьев-Седой.

Матусовский писал песни к самым разным фильмам: комедийным, драматическим, многосерийным и короткометражным, художественным и документальным. Он создавал произведения для разных исполнителей. Особенно он выделял работу с Леонидом Утесовым и Марком Бернесом, сумевшими прекрасно воплотить его лирическую тональность. Лучшие произведения Матусовского отличает особая искренность.

Люблю грозу в начале мая,
Когда весенний, первый гром,
Как бы резвяся и играя,
Грохочет в небе голубом.

Гремят раскаты молодые!
Вот дождик брызнул, пыль летит...
Повисли перлы дождевые,
И солнце нити золотит...

С горы бежит поток проворный,
В лесу не молкнет птичий гам,
И гам лесной, и шум нагорный —
Все вторит весело громам...

Ты скажешь: ветреная Геба,
Кормя Зевесова орла,
Громокипящий кубок с неба,
Смеясь, на землю пролила!

Ф. И. Тютчев

НИКОЛАС ХУПЕР

британский композитор, пишущий музыку для кино и телевидения


Николас Хупер является одним из лидирующих композиторов Европы. Он написал музыку более чем к 250 теле- и кинофильмам, как к документальным, так и к художественным. Он развил репутацию композитора, который создает оригинальную, красочную и вдохновляющую музыку.

Его музыка удостоилась нескольких главных наград и номинаций. В 2004 году он был награжден премией BAFTA за фильм "А вот и гости!" («The Young Visiters») в номинации "Best Original Score" (Лучшая оригинальная партитура - дословно). На эту же премию он был номинирован неоднократно за телефильмы "Большая игра" («State of Play», 2003), «Дороги, которые мы выбираем» («The Way We Live Now», 2001) и «Девушка из кафе» ("The GIrl In The Cafe", 2005). За написанную им музыку к документальным фильмам Хупер был неоднократно награжден премией «Золотая Панда» (The Golden Panda), отмечающей международные достижения в документалистике. Например, в 1998 он выиграл "Панду" за фильм BBC "Земля тигров" ("Land of the Tiger"), и в следующем году он взял эту награду.

Он получил множество наград за такое игровое кино, как "Сердце моё" ("The Heart Of Me", 2002), где в главной роли сыграла Хелена Бонэм Картер и "The Tichborne Claimant", 1998.

Последние его наиболее значительные работы - саундтрек к 2-м фильмам о мальчике-волшебнике - Гарри Поттере. ("Гарри Поттер и Орден Феникса" и "Гарри Поттер и Принц-полукровка"). За музыку к "Полукровке" Николас был номинирован на премию "Грэмми-2010".

Надо сказать, что Хупер отказался сочинять музыку для последних двух фильмов о Гарри Поттере ("Дары Смерти") мотивировав тем, что очень устал за последние два года и мало проводил времени с семьей.

Андре Рье


Андре Рье (Andre Rieu) родился в 1949 году в большой Голландской семье. Свои первые уроки скрипки он начал брать в 1954 году. В том же году он поступил в начальную школу, где проучился шесть лет, а затем еще столько же провел в средней школе продолжая изучать скрипку наряду с другими предметами.

В 1962 году Андре Рье (Andre Rieu) познакомился со своей будущей женой Марджори. В период с 1968 по 1973 года, обучался в музыкальной академии, изучая скрипку с учителями высшего класса Jo Juda и Herman Krebbers. Затем Андре Рье отправляется в Брюссель, где продолжает свое музыкальное образование, три года обучаясь у Andre Gertler.

В 1975 году состоялась свадьба Андре Рье и его возлюбленной Марджори. Спустя три года рождается его первый сын Марк.

В 1978 году Андре Рье начинает играть в оркестре «The MAASTRICHT SALON ORCHESTRA». В период с 1978 по 1989 года работает с оркестром «LIMBURG SYMPHONY ORCHESTRA». Начиная с 1978 года гастролирует с оркестром «MAASTRICHT SALON ORCHESTRA», выступая в городах Бельгии, Германии, Америки и Нидерландов, вплоть до 1998 года.

В 1981 году у Андре Рье рождается его второй сын Пьерр. Спустя шесть лет Андре Рье начинает работать с оркестром «The JOHANN STRAUSS ORCHESTRA» и совместно своими коллекгами становится основателем компании «Andre Rieu Productions».

В период с 1988 по 2002 года Андре Рье гастролирует совместно с оркестром «the JOHANN STRAUSS ORCHESTRA», выступая в крупных городах Бельгии, Нидерландов, Германии иФранции.

В 1994 году Андре Рье выпускает успешные «THE SECOND WALTZ» и «Strauss & Co», ставшие популярными не только в Недерландах, но и за его пределами. Докозательством тому стало поподание его произведений в лучшую десятку и пребывание их в там целый год. Произведение «Wiener Melange» было удостоено первого места в ТОР 100, а так же «Strauss & Co» был удостоен семи платиновых дисков.

В 1996 году Андре Рье был удостоен награды «WORLD MUSIC AWARD». В период с 1997 по 2000 год он записал и выпустил следующие произведения: «Mein Weihnachtstraum», «Romantic Moments», «100 Jahre Strauss», «Das Jahrtausendfest», «La Vie est Belle»

В 2000 году к компании Андре Рье присоединился его младший брат Жан Филлип, совместно с которым был записан вальс «La Vie est Belle». В 2001 году у Андре Рье состоялся первый гастрольный тур по Японии.
В том же году он со своими коллекгами сформировали свою студию звукозаписи. В 2002 году к компании Андре Рье подключился его сын Пьерр.