Рена́та Григо́рьевна Му́ха (31 января 1933, Одесса — 24 августа 2009, Беэр-Шева, Израиль) — детская поэтесса.
Биография
Работала на кафедре английской филологии Харьковского университета, защитила кандидатскую диссертацию, автор более 40 научных работ. Занималась исследованиями в области английского синтаксиса, подготовила курс «Матушка Гусыня в гостях у Курочки Рябы» о влиянии английской детской литературы на русскую, разработала методику «Сказочный английский» об использовании устного рассказа при обучении иностранным языкам.
С 1995 года Рената Муха жила в Израиле, в городе Беер-Шева. Преподавала в университете им. Бен-Гуриона. В 2006 стала лауреатом медали общества «Дом Януша Корчака в Иерусалиме».
Автор сборников стихов «Переполох» (с Ниной Воронель, 1968), «Про Глупую Лошадь, Забывчивую Сову, Братьев-Бегемотов, Кота-который-не-умел-мурлыкать и Котенка-который-думал-что-он-тигр» (с Полли Камерон и Вадимом Левиным, 1993), «Гиппопопоэма» (1998), «Недоговорки» (2001), «Бывают в жизни чудеса» (2002). Автор десятков стихотворений для детей и нескольких сборников стихов.
«Герои моих стихов, — писала она, — звери, птицы, насекомые, дожди и лужи, шкафы и кровати, но детским поэтом я себя не считаю. Мне легче считать себя переводчиком с птичьего, кошачьего, крокодильего, туфельного, с языка дождей и калош, фруктов и овощей. А на вопрос, кому я адресую свои стихи, отвечаю: — Пишу до востребования».
Книги
«Переполох» (с Ниной Воронель, 1968);
«Про Глупую Лошадь, Забывчивую Сову, Братьев-Бегемотов, Кота-который-не-умел-мурлыкать и Котёнка-который-думал-что-он-тигр» (с Вадимом Левиным и Полли Камерон, 1993).
«Гиппопопоэма» (1998);
«Недоговорки» (2001);
«Бывают в жизни чудеса» (2002);
«Немного про осьминога» (2004);
«Я здесь не сплю!» (2006);
«Однажды, а может дважды. * * Стихи для бывших детей и будущих взрослых» (2005, переиздание 2008).
«Между нами. * * Стихи, сказки и развлечения для общения с детьми» (с Вадимом Левиным, 2009);
«Ужаленный уж»(2012);
«Вежливый слон» (с Виктором Луниным и Вадимом Левиным, 2013)
Жемчужины мысли
Таракан
Жил в квартире Таракан,
В щели у порога.
Никого он не кусал,
Никого не трогал,
Не царапал никого,
Не щипал,
Не жалил,
И домашние его
Очень уважали.
Особая точка на пальце руки и шикарная точка на ногах! Если Вам не просто плохо, а ужасно плохо,надавите на точку и держите долго…
Практически любая боль человека — это следствие нарушения потока энергии в теле.
Особая точка на пальце.
Снижает резко давление, нормализует многие вещи.
Сознание проясняется, в глазах станет ясно.
В ушах — на грани звона.
Этим пользуются в военной медицине.
А там лечение от обычной сильно отличается. Там экстремальная медицина. Там нужно делать все быстро,быстро восстановить, быстро остановить, быстро поднять на ноги.
Точка находится на среднем пальце на подушечке.
Очень болезненная… Держать надо долго — 1 минуту.
Но зато потом любая боль уходит.
Уходит и другая боль — из позвоночника.
А еще есть шикарная точка на ногах:
Называется точка устранения злости.
Ежедневный 5-ти минутный массаж на обеих ногах избавит от многих заболеваний,вызванных именно накоплением негатива человеком.
Точка очень болезненная, ошибка невозможна. Находится перед бугорком.
В африканской саванне водится несколько видов диких кошек. Разумеется, первым на ум приходит лев, далее леопард и гепард. Но это самые «раскрученные» виды. Есть одна кошка, которую довольно трудно встретить, так как она небольшого размера и чаще всего прячется в кустах – сервал!
Давайте посмотрим, чем интересна эта маленькая кошка:
1. Сервалы – это невероятно прыгучие. Высота прыжка с места составляет 3 м! Прыгая с места, они легко ловят птиц.
2. Своим мехом они сильно похожи на гепардов. Однако, в африке их часто называют «Бэйби леопард»
3. У сервалов самые большие уши среди всех кошачьих (в масштабе, разумеется). Именно благодаря этому они отлично слышат.
4. А еще у сервала самые длинные ноги среди всех кошачьих (в масштабе, разумеется), которые позволяют им развивать впечатляющую скорость – до 80 км/час!
5. Сервалы довольно трусливые, стараются не вступать в схватки с другими хищниками, предпочитая убежать.
6. Сервалы хорошо плавают и способны переплыть реку с быстрым течением
7. Период размножения у сервалов не привязан к какому-либо времени года. Когда самка готова к спариванию, она зазывает самца специфическими звуками. Самка сервала вынашивает детенышей от 65 до 75 дней.
8. Питаются сервалы мелкой дичью, грызунами, птицей, периодически нападают на маленьких антилоп
9. Сами сервалы нередко становятся добычей леопардов.
10. Сервалы могут совокупляться с домашними кошками, давая при этом гибридное, но вполне здоровое потомство.
Франц Йо́зеф Гайдн (нем. Franz Joseph Haydn, 31 марта 1732 — 31 мая 1809) — австрийский композитор, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет. Создатель мелодии, впоследствии лёгшей в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии. Сын каретного мастера.
Биография
Йозеф Гайдн родился в имении графов Гаррахов — нижнеавстрийской деревне Рорау, недалеко от границы с Венгрией, в семье каретного мастера Маттиаса Гайдна (1699—1763). Родители, серьёзно увлекавшиеся вокалом и любительским музицированием, обнаружили в мальчике музыкальные способности и в 1737 году отправили его к родственникам в город Хайнбург-на-Дунае, где Йозеф стал учиться хоровому пению и музыке. В 1740 году его заметил Георг фон Рейттер, директор капеллы венского собора с хором Гайдн часто выступал на городских празднествах, свадьбах, похоронах, принимал участие в придворных торжествах. Одним из таких событий было отпевание Антонио Вивальди.
Последующий десятилетний период был для него весьма трудным. Йозеф брался за разную работу, в том числе был слугой у венского композитора и преподавателя пения Никола Порпоры. Гайдн очень хотел быть учеником Никола Порпоры, но его уроки стоили очень больших денег. Поэтому Гайдн договорился с ним о том, что во время уроков он будет сидеть за занавеской и слушать не мешая никому. Гайдн старался восполнять пробелы в своём музыкальном образовании, усердно занимаясь изучением творений Эммануила Баха и теорией композиции. Изучение музыкальных произведений предшественников и теоретических трудов И. Фукса, И. Маттезона и других восполнило Йозефу Гайдну отсутствие систематического музыкального образования. Написанные им в это время сонаты для клавесина были изданы и обратили на себя внимание. Первыми крупными его сочинениями были две мессы brevis, F-dur и G-dur, написанные Гайдном в 1749 году ещё до ухода его из капеллы собора святого Стефана. В 50-х годах XVIII века Йозеф написал целый ряд произведений, положивших начало его известности как композитора: зингшпиль «Хромой бес» (был поставлен в 1752 году в Вене и других городах Австрии, не сохранился до наших дней), дивертисменты и серенады, струнные квартеты для музыкального кружка барона Фюрнберга, около десятка квартетов (1755), первая симфония (1759).
В период с 1754 по 1756 год Гайдн работал при венском дворе на правах свободного художника. В 1759 году он получил должность капельмейстера при дворе графа Карла фон Морцина, где под его началом оказался небольшой оркестр — для него композитор сочинил свои первые симфонии. Однако вскоре фон Морцин начал испытывать финансовые трудности и прекратил деятельность своего музыкального проекта.
В 1760 году Гайдн женился на Марии-Анне Келлер. Детей у них не было, о чём композитор весьма сожалел. Жена холодно относилась к его профессиональной деятельности, использовала его партитуры на папильотки и подставки для паштета. Брак был несчастливый, однако законы того времени не позволяли им разойтись.
Служба при дворе князей Эстерхази
Вид на замок князей Эстерхази, Венгрия
После расформирования в 1761 году музыкального проекта потерпевшего финансовый крах графа фон Морцина, Йозефу Гайдну была предложена аналогичная работа у князя Павла Антона Эстерхази — главы крайне богатой венгерской семьи Эстерхази. Поначалу Гайдн занимал должность вице-капельмейстера, однако он сразу же был допущен к руководству большинством музыкальных учреждений Эстерхази, наравне со старым капельмейстером Грегором Вернером, сохранившим абсолютные полномочия только для церковной музыки. В 1766 году в жизни Гайдна произошло судьбоносное событие — после смерти Грегора Вернера он возведён в капельмейстеры при дворе нового князя Эстерхази — Миклоша Иосифа Эстерхази, представителя одной из самых влиятельных и могущественных аристократических семей Венгрии и Австрии. В обязанности капельмейстера входило сочинение музыки, руководство оркестром, камерное музицирование перед патроном и постановка опер.
1779 год становится переломным в карьере Йозефа Гайдна — был пересмотрен его контракт: в то время как ранее все его композиции были собственностью семьи Эстерхази, то теперь ему было разрешено писать для других и продавать свои работы издателям. Вскоре с учётом этого обстоятельства, Гайдн переносит акцент в своей композиторской деятельности: меньше пишет опер и больше создаёт квартетов и симфоний. Кроме того, он ведёт переговоры с несколькими издателями, как австрийскими так и зарубежными. О заключении Гайдном нового трудового договора Джонс пишет: «Этот документ подействовал в качестве катализатора на пути к следующему этапу карьеры Гайдна — достижение международной популярности. К 1790 году Гайдн находился в парадоксальном, если не сказать странном положении: будучи ведущим композитором Европы, но связанный действием подписанного ранее контракта, тратил своё время в качестве капельмейстера в отдалённом дворце в венгерской деревне».
За почти тридцатилетнюю карьеру при дворе Эстерхази композитор сочинил большое количество произведений, его известность растёт. В 1781 году во время пребывания в Вене Гайдн познакомился и подружился с Вольфгангом Амадеем Моцартом. Он давал уроки музыки Сигизмунду фон Нейкому, который в дальнейшем стал его близким другом.
11 февраля 1785 года Гайдн был посвящён в масонскую ложу «К истинной гармонии» («Zur wahren Eintracht»). Моцарт не смог присутствовать на посвящении, так как был на концерте своего отца Леопольда.
На протяжении XVIII века в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и других) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе» — в творчестве Гайдна, Моцарта и Бетховена. Вместо полифонической фактуры большое значение приобрела гомофонно-гармоническая фактура, но при этом в крупные инструментальные произведения зачастую включались полифонические эпизоды, динамизирующие музыкальную ткань.
Таким образом, годы службы (1761—1790) у венгерских князей Эстерхази способствовали расцвету творческой деятельности Гайдна, пик которой приходится на 80 — 90-е годы XVIII века, когда были созданы зрелые квартеты (начиная с опуса 33), 6 Парижских (1785—86) симфоний, оратории, мессы и другие произведения. Прихоти мецената нередко заставляли Йозефа поступаться творческой свободой. Вместе с тем работа с руководимыми им оркестром и хором благотворно сказалась на его развитии как композитора. Для капеллы и домашнего театра Эстерхази написано большинство симфоний (в том числе получившая широкую известность «Прощальная», 1772) и опер композитора. Поездки Гайдна в Вену позволили ему общаться с виднейшими из современников, в частности с Вольфгангом Амадеем Моцартом.
Снова свободный музыкант
В 1790 году, после смерти Николая Эстерхази, его сын и преемник, князь Антон Эстерхази, не будучи любителем музыки, распустил оркестр. В 1791 году Гайдн получил контракт на работу в Англии. Впоследствии он много работал в Австрии и Великобритании. Две поездки в Лондон (1791—1792 и 1794—1795) по приглашению организатора «Абонементных концертов» скрипача И. П. Заломона, где он для концертов Заломона написал свои лучшие симфонии из
Лондонских (1791—1792, 1794—1795) симфоний, расширили кругозор, ещё более упрочили славу и способствовали росту популярности Гайдна. В Лондоне Гайдн собирал огромные аудитории: на концерты Гайдна собиралось огромное количество слушателей, что повышало его известность, способствовало сбору больши́х прибылей и, в конечном итоге, позволило стать финансово обеспеченным. В 1791 году Йозефу Гайдну присуждена степень почётного доктора Оксфордского университета.
Проезжая через Бонн в 1792 году, он познакомился с молодым Бетховеном и взял его в ученики.
Последние годы
Дом в Вене, в котором Гайдн провёл последние годы своей жизни, в настоящее время является музеем.Гайдн вернулся и поселился в Вене в 1795 году. К тому времени принц Антон умер и его преемник Николай II предложил возродить музыкальные учреждения Эстерхази под руководством Гайдна, выступающим снова в роли капельмейстера. Гайдн принял предложение и занял предлагаемую вакансию, хотя и на неполный рабочий день. Он провёл своё лето с Эстерхази в городе Айзенштадт, и в течение нескольких лет написал шесть месс. Но к этому времени Гайдн становится общественным деятелем в Вене и проводит бо́льшую часть своего времени в своём собственном большом доме в Гумпендорфе (нем. Gumpendorf), где написал несколько работ для публичного исполнения. Среди прочего, в Вене Гайдн написал две свои знаменитые оратории: «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801), в которых композитор развил традиции лирико-эпических ораторий Г. Ф. Генделя. Оратории Йозефа Гайдна отмечены новой для этого жанра сочной бытовой характерностью, красочным воплощением явлений природы, в них раскрывается мастерство композитора как колориста.
Гайдн пробовал свои силы во всех родах музыкального сочинения, однако не во всех жанрах его творчество проявлялось с одинаковой силой. В области инструментальной музыки он справедливо считается одним из крупнейших композиторов второй половины XVIII и начала XIX веков. Величие Йозефа Гайдна как композитора максимально проявилось в двух итоговых его сочинениях: больших ораториях — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801). Оратория «Времена года» может служить образцовым эталоном музыкального классицизма. Под конец жизни Гайдн пользовался громадной популярностью. В последующие годы этот успешный для творчества Гайдна период сталкивается с началом старости и пошатнувшимся здоровьем — теперь композитор должен бороться, чтобы завершить свои начатые работы. Работа над ораториями подорвала силы композитора. Последними его произведениями стали «Harmoniemesse» (1802) и неоконченный струнный квартет опус 103 (1802). Примерно к 1802 году, его состояние ухудшилось до такой степени, что он стал физически не в состоянии сочинять. Последние наброски относятся к 1806 году, после этой даты Гайдн уже не писал ничего.
Скончался композитор в Вене. Он умер в возрасте 77 лет 31 мая 1809 года, вскоре после нападения на Вену французской армии под предводительством Наполеона. Среди его последних слов была попытка успокоить своих слуг, когда в окрестностях дома упало пушечное ядро: «Не бойтесь, дети мои, ибо там, где Гайдн, никакого вреда быть не может». Две недели спустя, 15 июня 1809 года, в церкви Шотландского монастыря (нем. Shottenkirche) состоялась панихида, на которой был исполнен Реквием Моцарта.
Творческое наследие
Так подписывал свои партитуры композитор Йозеф Гайдн: di me giuseppe Haydn, он пишет на итальянском языке: «мною, Йозефом Гайдном».
Композитор создал партитуру «Боже, храни императора Франца»,
24 оперы, написал 104 симфонии, 83 струнных квартета, 52 фортепианные (клавирные) сонаты, 126 трио для баритона, увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и других инструментов, оратории, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или виолончелью по желанию). Среди сочинений 3 оратории («Сотворение мира», «Времена года» и «Семь слов Спасителя на кресте»), 14 месс и другие духовные произведения.
Список произведений содержится в Каталоге Хобокена.
Фредери́к Франсуа́ Шопе́н (фр. Frédéric François Chopin [ʃɔpɛ̃] польск. Fryderyk Franciszek Chopin [ˈʂɔpɛn̪], Фреде́рик Франци́шек Шо́пен; 1 марта (по другим данным, 22 февраля) 1810, деревня Желязова-Воля, близ Варшавы — 17 октября 1849, Париж) — польский композитор и пианист-виртуоз, педагог. Крупнейший представитель польского музыкального искусства, основоположник польской национальной композиторской школы. До отъезда на запад жил на территории, являвшейся частью Российской империи, в силу того что Польша перестала существовать как государство еще в 1795 году, а Варшава по итогам Наполеоновских войн находилась на территории, отошедшей к Российской Империи. Исключением являются первые годы жизни, вплоть до 3 мая 1815 года. В это время данная территория являлась частью Варшавского Герцогства, вассального Французской Империи.
Происхождение и семья
Отец композитора — Николя Шопен (1771—1844), из простой семьи[12], в юности переселился из Франции в Польшу. С 1802 года он жил в имении графа Скарбека Желязова-Воля, где работал воспитателем детей графа.
Дом в Желязовой-Воле, в котором родился Фредерик Шопен
В 1806 году Николя Шопен женился на дальней родственнице Скарбеков Текле Юстине Кшижановской[13] (1782—1861). Род Кшижановских (Кржижановских) герба Свинка ведёт своё происхождение с XIV века и владел деревней Кшижаново около Косцяна. К роду Кшижановских принадлежал, в том числе, Владимир Кржижановски, племянник Юстины Кшижановской. По сохранившимся свидетельствам, мать композитора получила хорошее образование, владела французским языком, была чрезвычайно музыкальна, хорошо играла на фортепиано, обладала красивым голосом. Своей матери Фредерик обязан первыми музыкальными впечатлениями, привитой с младенческих лет любовью к народным мелодиям.
Осенью 1810 года, спустя некоторое время после рождения сына, Николя Шопен переселился в Варшаву. В Варшавском лицее он, благодаря протекции Скарбеков, получил место после смерти преподавателя пана Маэ. Шопен был учителем французского и немецкого языков и французской литературы, содержал пансион для воспитанников лицея.
Интеллигентность и чуткость родителей спаяли всех членов семьи любовью и благотворно сказывались на развитии одаренных детей. Кроме Фредерика в семействе Шопенов было три сестры: старшая — Людвика, в замужестве Енджеевич, бывшая его особенно близким преданным другом, и младшие — Изабелла и Эмилия. Сёстры обладали разносторонними способностями, а рано умершая Эмилия — выдающимся литературным талантом.
Детство
Уже в детские годы Шопен проявил необыкновенные музыкальные способности. Он был окружён особым вниманием и заботой. Подобно Моцарту, он поражал окружающих музыкальной «одержимостью», неиссякаемой фантазией в импровизациях, прирождённым пианизмом. Его восприимчивость и музыкальная впечатлительность проявлялись бурно и необычно. Он мог плакать, слушая музыку, вскакивать ночью, чтобы подобрать на фортепиано запомнившуюся мелодию или аккорд.
В своём январском номере за 1818 год одна из варшавских газет поместила несколько строк о первой музыкальной пьесе, сочинённой композитором, учащимся ещё в начальной школе. «Автор этого „Полонеза“ — написала газета, — ученик, которому ещё не исполнилось 8 лет. Это — настоящий гений музыки, с величайшей лёгкостью и исключительным вкусом. Исполняющий самые трудные фортепианные пьесы и сочиняющий танцы и вариации, которые вызывают восторг у знатоков и ценителей. Если бы этот вундеркинд родился во Франции или Германии, он привлёк бы к себе большее внимание».
Молодого Шопена учили музыке, возлагая на него большие надежды. Пианист Войцех Живный (1756—1842), чех по происхождению, начал заниматься с 7-летним мальчиком. Занятия были серьёзные, несмотря на то, что Шопен, помимо того, учился в одном из варшавских училищ. Исполнительский талант мальчика развивался настолько быстро, что к двенадцати годам Шопен не уступал лучшим польским пианистам. Живный отказался от занятий с юным виртуозом, заявив, что ничему больше не может научить его.
Юность
Окончив училище и завершив продолжавшиеся семь лет занятия у Живного, Шопен начал свои теоретические занятия у композитора Юзефа Эльснера.
Дворец Острожских — местонахождение варшавского музея Шопена.
Покровительство князя Антона Радзивилла и князей Четвертинских ввело Шопена в высшее общество, которое было впечатлено обаятельной внешностью и изысканными манерами Шопена. Вот что об этом говорил Ференц Лист: «Общее впечатление его личности было вполне спокойное, гармоничное и, казалось, не требовало дополнений в каких-либо комментариях. Голубые глаза Шопена блистали более умом, чем были подёрнуты задумчивостью; мягкая и тонкая его улыбка никогда не переходила в горькую или язвительную. Тонкость и прозрачность цвета его лица прельщали всех; у него были вьющиеся светлые волосы, нос слегка закруглённый; он был небольшого роста, хрупкого, тонкого сложения. Манеры его были изысканны, разнообразны; голос немного утомлённый, часто глухой. Его манеры были полны такой порядочности, в них была такая печать кровного аристократизма, что его невольно встречали и принимали, как князя… В общество Шопен вносил ту ровность расположения духа лиц, которых не беспокоят заботы, которые не знают слова «скука», не привязаны ни к каким интересам. Шопен был обыкновенно весел; его колкий ум быстро отыскивал смешное даже и в таких проявлениях, которые не всем бросаются в глаза».
Поездки в Берлин, Дрезден, Прагу, где он побывал на концертах выдающихся музыкантов, усердно посещал оперные театры и картинные галереи, способствовали его развитию.
Зрелые годы. За границей
С 1829 г. начинается артистическая деятельность Шопена. Он выступает в Вене, Кракове, исполняя свои произведения. Возвратившись в Варшаву, он её покидает навсегда 5 ноября 1830 года. Эта разлука с родиной была причиной его постоянной скрытой скорби — тоски по родине. В 1830 году прибыла весть о вспыхнувшем восстании за независимость в Польше. Шопен мечтал вернуться на родину и принять участие в боях. Сборы закончены, но по дороге в Польшу его застала страшная весть: восстание подавлено, руководителя взяли в плен. Проехав Дрезден, Вену, Мюнхен, Штутгарт, он в 1831 году приехал в Париж. В пути Шопен написал дневник (так называемый «Штутгартский дневник»), отражающий его душевное состояние во время пребывания в Штутгарте, где его охватывало отчаяние из-за краха Польского восстания. Шопен глубоко верил в то, что его музыка поможет родному народу добиться победы. «Будет Польша блестящая, могучая, независимая!» — так он написал в своем дневнике. В этот период Шопен пишет свой знаменитый «Революционный этюд».
Первый концерт Шопен дал в Париже в 22 года. Успех был полный. В концертах Шопен выступал редко, но в салонах польской колонии и французской аристократии слава Шопена росла чрезвычайно быстро, Шопен приобрел множество преданных поклонников, как в артистических кругах, так и в обществе. Высоко оценил пианизм Шопена Калькбреннер, предложивший тем не менее ему свои уроки. Впрочем эти уроки быстро прекратились, но дружба между двумя великими пианистами продолжалась много лет. В Париже Шопен окружил себя молодыми талантливыми людьми, которые разделяли с ним преданную любовь к искусству. В его окружение входили пианист Фердинанд Гиллер, виолончелист Франкомм, гобоист Бродт, флейтист Тюлон, пианист Стамати, виолончелист Видаль, альтист Урбан. Также он поддерживал знакомство с крупнейшими европейскими композиторами своего времени, среди которых были Мендельсон, Беллини, Лист, Берлиоз, Шуман.
Со временем Шопен сам начал вести преподавательскую деятельность, любовь к преподаванию игры фортепиано была отличительной чертой Шопена, одного из немногих великих артистов, которые посвятили этому много времени.
В 1837 году Шопен почувствовал первый приступ болезни лёгких (с наибольшей вероятностью, это был туберкулез). Много скорби вдобавок к расставанию с невестой ему принесла в конце тридцатых годов любовь к Жорж Санд (Аврора Дюпен). Пребывание на Мальорке (Майорке) вместе с Жорж Санд негативно отразилось на здоровье Шопена, он страдал там от приступов болезни. Тем не менее, многие величайшие произведения, в том числе 24 прелюдии, созданы именно на этом испанском острове. Зато он много времени проводил в сельской местности во Франции, где у Жорж Санд было имение в Ноане.
Десятилетнее сожительство с Жорж Санд, полное нравственных испытаний, сильно подточило здоровье Шопена, а разрыв с ней в 1847 г. помимо того, что вызвал у него значительный стресс, лишил его возможности отдыхать в Ноане. Желая покинуть Париж, чтобы сменить обстановку и расширить свой круг знакомств, Шопен в апреле 1848 г. отправился в Лондон — концертировать и преподавать. Это оказалось последним его путешествием. Последний концерт на публике Фредерика Шопена состоялся 16 ноября 1848 года в Лондоне. Успех, нервная, напряженная жизнь, сырой британский климат, а главное, периодически обострявшееся хроническое заболевание лёгких, — всё это окончательно подорвало его силы. Вернувшись в Париж, Шопен умер 5 (17) октября 1849 года.
О Шопене глубоко скорбел весь музыкальный мир. На его похороны собрались тысячи поклонников его творчества. Согласно желанию покойного, на его похоронах известнейшими артистами того времени был исполнен «Реквием» Моцарта — композитора, которого Шопен ставил выше всех других (а его «Реквием» и симфонию «Юпитер» называл своими любимыми произведениями), а также была исполнена его собственная прелюдия № 4 (ми-минор). На кладбище Пер-Лашез прах Шопена покоится между могилами Луиджи Керубини и Беллини. Композитор завещал, чтобы его сердце после смерти перевезли в Польшу. Сердце Шопена было, согласно его воле, отправлено в Варшаву, где оно замуровано в колонну церкви Святого Креста.
Творчество
«Музыка Шопена изобилует смелостью, изобразительностью и нигде не страдает причудливостью. Если после Бетховена явилась эпоха новизны стиля, то, разумеется, Шопен один из главных представителей этой новизны. Во всём, что писал Шопен, в его чудных музыкальных контурах виден великий музыкант-поэт. Это заметно в законченных типичных этюдах, мазурках, полонезах, ноктюрнах и проч., в которых через край льется вдохновение. Если в чем чувствуется известная рефлективность, так это в сонатах и концертах, но тем не менее и в них появляются удивительные страницы, как, например, похоронный марш в сонате op. 35, adagio во втором концерте.
К лучшим произведениям Шопена, в которые он вложил столько души и музыкальной мысли, можно отнести этюды: в них он внес, помимо техники, составлявшей до Шопена главную и чуть ли не единственную цель, целый поэтический мир. Эти этюды дышат то юношеской порывистой свежестью, как, например, ges-dur, то драматическим выражением (f-moll, c-moll). В эти этюды он вложил мелодические и гармонические красоты перворазрядные. Всех этюдов не перечтешь, но венцом этой чудной группы является этюд cis-moll, достигавший, по своему глубокому содержанию, бетховенской высоты. Сколько мечтательности, грации, дивной музыки в его ноктюрнах! В фортепьянных балладах, форму которых можно отнести к изобретению Шопена, но в особенности в полонезах и мазурках Шопен является великим национальным художником, рисующим картины своей родины.»
Автор многочисленных произведений для фортепиано. По-новому истолковал многие жанры: возродил на романтической основе прелюдию, создал фортепианную балладу, поэтизировал и драматизировал танцы — мазурку, полонез, вальс; превратил скерцо в самостоятельное произведение. Обогатил гармонию и фортепианную фактуру; сочетал классичность формы с мелодическим богатством и фантазией.
Среди сочинений Шопена: 2 концерта (1829, 1830), 3 сонаты (1828—1844), фантазия (1842), 4 баллады (1835—1842), 4 скерцо (1832—1842), экспромты, ноктюрны, этюды, вальсы, мазурки, полонезы, прелюдии и другие произведения для фортепиано; а также песни. В его фортепианном исполнении глубина и искренность чувств сочетались с изяществом, техническим совершенством.
Наиболее интимным, «автобиографическим» жанром в творчестве Шопена являются его вальсы. По мнению российского музыковеда Изабеллы Хитрик, связь между реальной жизнью Шопена и его вальсами исключительно тесна, и совокупность вальсов композитора может рассматриваться как своеобразный «лирический дневник» Шопена
Шопен отличался выдержанностью и замкнутостью, поэтому его личность раскрывается только тем, кто хорошо знает его музыку. Многие знаменитые артисты и литераторы того времени преклонялись перед Шопеном: композиторы Ференц Лист, Роберт Шуман, Феликс Мендельсон, Джакомо Мейербер, Игнац Мошелес, Гектор Берлиоз, певец Адольф Нурри, поэты Генрих Гейне и Адам Мицкевич, художник Эжен Делакруа, журналист Агатон Гиллер и многие другие. Встречал Шопен и профессиональную оппозицию своему творческому кредо: так, один из его главных прижизненных конкурентов, Сигизмунд Тальберг, по преданию, выйдя на улицу после концерта Шопена, громко закричал и на недоумение своего спутника ответил: весь вечер было одно piano, так что теперь нужно хоть немного forte. (По свидетельствам современников Шопен совсем не мог играть форте, верхней границей его динамического диапазона было приблизительно меццо-форте.)
Духовные произведения Вивальди во многом близки различным формам светской, прежде всего оперной музыки. К ХVIII веку уже стерлась резкая грань между светской и духовной музыкой, существовавшая за 2 столетия до этого - в эпоху Палестрины и Орландо Лассо. Oбщeизвecтнa стилевая близость между церковными и светскими кантатами И. С. Баха. По свидетельствам современников, прихожане в XVIII веке часто ходили в церковь специально к началу музыкальной части службы, чтобы слушать ее как концерт. Духовная музыка Вивальди не представляет исключения из общего правила. Пронизанная глубокой эмоциональностью, поражающая своим мелодическим богатством и щедростью оркестровых красок, она естественно гармонировала с театральной пышностью храмов эпохи барокко.
К наиболее известным духовным произведениям Вивальди принадлежат "Gloria" и "Magnificat". Это развернутые вокально-симфонические композиции из многих номеров, объединенных логикой музыкального развития.
Gloria in excelsis Deo (Слава в вышних Богу [лат.]), или Глория — древний христианский богослужебный гимн, доксология, входящая в состав католической мессы латинского обряда и англиканской литургии. Латинский текст Глории — перевод греческого оригинального текста. В византийском обряде, принятом в православии и у грекокатоликов, Глория является началом Великого славословия (см.).
Назван по первым словам. Первый стих гимна — «Слава в вышних Богу и на земле мир людям [Его] благоволения» (др.-греч. Δόξα ἐν ὑψίστοις Θεῷ, καὶ ἐπὶ γῆς εἰρήνη, ἐν ἀνθρώποις εὐδοκία) — представляет собой ангельскую песню, прозвучавшую во время поклонения пастухов и приведённую во второй главе Евангелия от Луки. По этой причине Глорию (в католической традиции) называют «ангельским гимном» (лат. hymnus angelicus)
"Gloria" в ре мажоре написана для хора и оркестра. Вивальди свободно подошел к трактовке текста "Gloria", 2-й части мессы, используя отдельные фразы и даже слова для создания контрастных музыкальных образов. (Позднее так же будет поступать Бах в своей мессе си минор.) "Gloria" Вивальди состоит из 12 номеров, образующих самостоятельный музыкальный цикл. Первые 7 номеров раскрывают образы беспредельного ликования, прославления мира на земле и в сердцах людей. Номера 8 и 9, где говорится о страданиях Христа-человека, создают лирический центр произведения; музыка проникается глубокой скорбью, страстной мольбой о пощаде. Номер 10 возвещает торжество справедливости, подготавливая переход к смысловой и образной репризе цикла; музыку начала "Gloria" (№ 11) сменяет грандиозная двойная фуга финала (№ 12).
Дорогие друзья!
Очень хочется вспомнить замечательного режиссёра детских фильмов
Илью Фреза.
Илья́ Абра́мович Фрэ́з (1909 — 1994) — советский российский кинорежиссёр, сценарист. Народный артист СССР (1989). Лауреат Государственной премии СССР (1974).
Автобиография
Илья Фрэз родился 20 августа (2 сентября) 1909 года в Рославле, ныне Смоленской области. Его родители были далеки от искусства (отец служил в лесничестве, мать занималась домашним хозяйством), однако театральным увлечениям детей они не препятствовали. Старший сын стал актёром ивритской театральной студии «Габима», дочь (ученица Айседоры Дункан) участвовала в представлениях, организуемых знаменитой танцовщицей.
Когда Илье исполнилось двенадцать лет, умерла мать; вскоре трагически погиб старший брат. Отец, обременённый семейными заботами, женился второй раз. К счастью, его вторая жена оказалась, по воспоминаниям Ильи Фрэза, добрейшей души человеком.
По примеру старших, в 1926 году Илья уехал в Москву, поступать в Госкиношколу. Однако его не приняли, так как от поступающих требовалась почти цирковая подготовка.
Илья уезжает в Ленинград к дяде. Там он временно устраивается на завод слесарем.
В 1928 году Илья Абрамович поступает в Ленинградский техникум сценических искусств (ныне — Санкт-Петербургская государственная академия театрального искусства). В 1932 году Илья Фрэз окончил киноотделение, а в 1935 году режиссёрский факультет этого учебного заведения.
В 1931 году Илья Фрэз начал работать на киностудии «Ленфильм» у Григория Козинцева и Леонида Трауберга. Первым фильмом, в работе над которым он принимал участие, стал фильм «Одна». «Высшую школу обучения», как вспоминал Илья Абрамович, он прошёл, работая с Григорием Козинцевым и Леонидом Траубергом над трилогией о Максиме (1934—1938 годы).
Осенью 1941 года киностудия, в том числе и Илья Фрэз, были эвакуированы из блокадного Ленинграда в Казахстан.
В 1943 году Илья Фрэз перешёл работать на киностудию «Союздетфильм», (в 1948 году была переименована в ЦКДЮФ имени М. Горького). Его первыми режиссёрскими работами стали фильмы «Слон и верёвочка» и «Первоклассница».
В 1948—1953 годах работал на Киевской и Московской студиях научно-популярных фильмов.
С 1953 года на ЦКДЮФ имени М. Горького, где снял картину «Васёк Трубачёв и его товарищи» и её продолжение. Илья Фрэз стал одним из ведущих советских режиссёров, снимавших фильмы о детях и подростках, которому равно удавались и комедийные ленты о детях и для детей, и произведения с серьёзной драматической фабулой, посвящённые теме взросления и столкновения со взрослым миром. С большим интересом зрители встретили вышедшую в 1967 году картину Фрэза «Я вас любил…», затрагивающую тему подростковой влюблённости, а лирический фильм «Чудак из пятого «Б»», раскрывающий сложный внутренний мир двенадцатилетнего героя, оказался одним из лучших в творчестве режиссёра. До сих пор пользуется популярностью сказочная комедия «Приключения жёлтого чемоданчика», отмеченная интересными актёрскими работами Т. И. Пельтцер и Е. А. Лебедева.
Мягким юмором и лиризмом отличаются фильмы «Вам и не снилось…» и «Карантин», снятые Ильей Фрэзом по произведениям Г. Н. Щербаковой в первой половине 1980-х годов. В ряде случаев режиссёр выступал и как соавтор сценариев к своим фильмам.
Член Союза кинематографистов СССР.
Скончался 22 июня 1994 года в Москве. Похоронен на Кунцевском кладбище.
Награды и звания
Заслуженный деятель искусств РСФСР (1968)
Народный артист РСФСР (1982)
Народный артист СССР (1989)
Государственная премия СССР (1974)
Два ордена Трудового Красного Знамени
ВКФ (Первая премия за лучший фильм для детей и юношества, фильм «Я вас любил…», Ленинград, 1968)
МКФ в Венеции фильмов для детей и юношества (Диплом, фильм «Я вас любил…», 1968)
МКФ в Москве (Приз Министерства просвещения СССР, фильм «Я вас любил…», 1969)
МКФ в Венеции фильмов для детей и юношества (Серебряная медаль и Почётный диплом жюри «Сильдак», фильм «Приключение жёлтого чемоданчика», 1971)
МКФ в Тегеране (Спец. диплом детского жюри, фильм «Приключение жёлтого чемоданчика», 1971)
Приз ЦК ВЛКСМ «Алая гвоздика» за лучший фильм года для детей и юношества (фильм «Чудак из пятого „Б“», 1972)
ВКФ (Приз за лучший фильм для детей, фильм «Чудак из пятого „Б“», Алма-Ата, 1973)
МКФ фильмов для детей и юношества в Хихоне (Приз детского жюри «Золотой лучник», Приз жюри Ассоциации кинодраматургов и писателей Испании, Премия жюри испанского Центра для детей и юношества, фильм «Чудак из пятого „Б“», 1973)
МКФ детских фильмов в Панаме (Приз за лучший сценарий, фильм «Это мы не проходили», 1976)
ВКФ (Второй приз за фильм для детей и юношества, фильм «Вам и не снилось…», Вильнюс, 1981)
Лучший фильм 1981 года по опросу журнала «Советский экран» — фильм «Вам и не снилось…»
МКФ комедий и сатирических фильмов в Габрово, Болгария (за режиссуру, фильм «Карантин», 1983)
МКФ детского фильма в Авелино, Италия (Гран-при «Золотое плато», фильм «Карантин», 1984)
1939 — Станица Дальняя (второй режиссёр)
1944 — Зоя (второй режиссёр)
1945 — Слон и верёвочка
1948 — Первоклассница
1955 — Васёк Трубачёв и его товарищи
1955 — К новому берегу (второй режиссёр)
1957 — Отряд Трубачёва сражается
1959 — Необыкновенное путешествие Мишки Стрекачёва
1960 — Рыжик
1962 — Я купил папу
1965 — Путешественник с багажом
1967 — Я вас любил…
1970 — Приключения жёлтого чемоданчика
1972 — Чудак из пятого «Б»
1975 — Это мы не проходили
1977 — Хомут для Маркиза
1980 — Вам и не снилось…
1983 — Карантин
1985 — Личное дело судьи Ивановой
Сценарист
1957 — Отряд Трубачёва сражается (в соавторстве с В. А. Осеевой)
1965 — Путешественник с багажом (в соавторстве с В. К. Железниковым)
1970 — Приключения жёлтого чемоданчика (в соавторстве с С. Л. Прокофьевой)
1975 — Это мы не проходили (в соавторстве с М. Г. Львовским)
1980 — Вам и не снилось… (в соавторстве с Г. Н. Щербаковой)
Писатель[править | править вики-текст]
Во второй половине сороковых годов XX века писателем Евгением Шварцем в соавторстве с Ильёй Фрэзом была написана детская повесть «Наш завод», вышедшая в издательстве «Детгиз» в 1949 году
Сто девятый псалом — 109-й псалом из книги Псалтирь (в масоретской нумерации — 110-й). Подзаголовок «Псалом Давиду». Известен по латинскому инципиту «Dixit Dominus», в церковнославянском переводе — «Рече́ Господь». В Западной Европе от Средних веков вплоть до XVIII века Сто девятый псалом — один из самых популярных текстов для григорианских хоралов и композиторской духовной музыки.
«Ксеркс» (итал. Serse) — опера-сериа Георга Фридриха Генделя в трех действиях. Была впервые исполнена в Лондоне 15 апреля 1738 года.
«Ксеркс» — сороковая опера Генделя. В первооснове либретто оперы лежало либретто, написанное Николо Минато для оперы Франческо Кавалли, поставленной в 1654 году. Это либретто было переработано Сильвио Стампилья для оперы Джованни Бонончини 1694 года. И только после обработки версии Стампильи неизвестным автором литературная основа приобрела форму, использованную Генделем.
Действие оперы разворачивается в Персии в 480 году до н. э. и очень вольно повествует об истории царя Ксеркса I, хотя прямого указания на это нет ни в тексте либретто, ни в музыке. Партия Ксеркса написана для певца-кастрата, в современных постановках, как правило, роль исполняет меццо-сопрано, контральто или контртенор.
Ария Ombra mai fu в исполнении Карузо. 1920 год.
Открывающая оперу ария Ксеркса Ombra mai fu (Листья нежные, густые…) считается одной из самых известных и красивых мелодий Генделя, обычно её называют «Ларго» Генделя (хотя в партитуре указан темп larghetto).
levnmr
