«Я люблю, чтобы партии исполнялись так, как этого хочу я».

Из письма Верди к музыкальному издателю Джулио Рикорди. 1871 г.

Роль Джильды в опере «Риголетто» написана Верди для колоратурного сопрано. Но, поскольку певиц с таким голосом найти трудно, то любители оперы нередко слушали Джильду в исполнении сопрано далеко не колоратурного. Достаточно вспомнить известную запись этой оперы с Марией Каллас. Или постановку «Риголетто» в Метрополитен-опера, где дирижировал великий Тосканини с Зинкой Милановой в роли Джильды.
Слушая Альбину Шагимуратову, невольно вспоминаешь легенды о «Великой Амелите Галли-Курчи», колоратурном сопрано, царившей в Метрополитен-опера в 1910-20 годы. Ей не было равных тогда в мире, и грамофонные записи дают представление об этом небесном голосе и о ее совершенной вокальной технике. Такова же была слава и у Тоти Даль Монте, певшей несколько позже, и у русской Антонины Неждановой. Их записи тоже широко известны.

Альбина, колоратурное сопрано, обладательница редкого по красоте и полетности звука показала хьюстонским зрителям, чего хотел Верди от исполнительницы роли Джильды в опере «Риголетто». Композитор очень не любил замены голоса, для которого написана партия, другим. Кроме того, Верди всегда требовал от певцов не только хорошего голоса, но и хорошей драматической игры. Такое сочетание встречается нечасто.

Итак, «Риголетто» Джузеппе Верди в хьюстонской Гранд-опера в апреле 2009 года! Я не стану рассказывать о сюжете и действии в опере. Эту оперу знают все. По замыслу композитора Джильда претерпевает в опере не просто трагедию. Она, являясь в первом акте наивной 16-летней влюбленной в Герцога девочкой, в финале оперы сознательно идет на смерть, чтобы спасти возлюбленного. И петь эту роль одним и тем же звуком на протяжении всего спектакля нельзя. А спеть ее звуком разной окраски, но сохраняя характер героини - задача далеко не легкая. И Альбина блестяще с ней справилась. Тем, кто читает об опере, приходилось знакомиться с рассуждениями о том, что Джильду надо петь двумя разными голосами. Но, мне кажется, что речь идет о двух разных окрасках звука у одного и того же голоса. Ведь героиня-то одна, что бы с нею ни происходило! Поэтому и голос должен быть тот же, но вот выражать он должен разное. Окраска звука, по словам Ф.Шаляпина, не менее важна, чем красивый голос и певческая техника!

В первом акте голос Альбины звучит, как нежнейший инструмент. Это голос ангела, не имеющего представления о мерзостях жизни. И только колоратурное сопрано, со звуком как бы отрешенным от земных забот, правильно выражает душевное состояние героини. Такова же и музыка, сопровождающая ее первую арию. Это по существу дуэт первой скрипки оркестра, инструмента нежного, лирического и певицы. Тем более контрастно звучит тот же голос в финале, окрашенный в обертоны трагедии и смерти.

И здесь Альбина проявила понимание, техническое совершенство и вместе с тем обнаружила феноменальную полетность своего голоса. В квартете финала ее голос легко прорезал толщу звука оркестра с мощным звучанием медных духовых и ударных. Понятно, что речь идет не о мощности звука. Никакой женский голос по мощности не может соперничать даже просто с оркестром, звучащим «форте». Речь идет о редком и не совсем понятном качестве голоса, который звучит на такой частоте, которая именно прорезает частоты оркестра и частоты голосов других певцов. Не у всех даже хороших певцов есть такой голос. Тот же эффект отчетливо слышен, когда Альбина заканчивает музыкальную фразу, постепенно уменьшая силу звука. Этот прием называется «филировкой звука». Вы слышите этот нежно исчезающий звук даже тогда, когда певица уже закрыла рот, а звук все еще висит в воздухе. Этому не научишь! С этим рождаются великие мастера вокала.

Колоратурные сопрано часто поют и упражняются в сопровождении флейты, гобоя или кларнета - инструментов с высокой частотой звучания. Инструмент - не человек. Он не заболеет, не огорчится чем-нибудь, не изменит своего звука с возрастом или под влиянием жизненных обстоятельств. То, как Альбина-Джильда пела во втором акте в сопровождении гобоя арию, в которой она рассказыывает отцу о своем похищении и любви, можно считать эталонным дуэтом инструмента с голосом. Трудно было отличить, где звучит инструмент, а где голос. Так инструментально точно настроен звук у исполнительницы!

Ее голос сильно отличается от голоса великих колоратурных сопрано прошлого. Бестелесный звук на высоких нотах часто превращался у них в звук несколько расслабленный в среднем регистре. Не то у Альбины! Как только звук переходит у нее в средний регистр, тотчас появляется звук насыщенный, сочный и в этом отношении она скорее сопрано лирическое, что очень хорошо оттеняет перемены в жизни Джильды.

Мне посчастливилось побывать на четырех представлениях «Риголетто», и каждый раз я убеждался в том, что у Альбины не просто прекрасный голос, не только технически совершенная колоратура. В роли Джильды одной красотой пения и сверхвысокими нотами не возьмешь. Ее движения, жесты и мимика в точности соответствовали музыкальным характеристикам ее героини. В опере иначе и быть не должно. При этом от спектакля к спектаклю менялось ее исполнение. Это не был, пусть и прекрасный, но трафарет однажды хорошо сыгранной и спетой роли. От спектакля к спектаклю росло проникновение певицы в суть образа, в суть музыки, и всякий раз это был живой творческий процесс на глазах изумленной аудитории. Публика вскакивала с кресел, приветствуя певицу. Ее бесконечно вызывали в конце спектаклей. Я слышал и видел плачущих женщин и даже мужчин, так певица смогла убедить всех в реальности происходившей с оперной героиней трагических событий. Плачущий зритель - редкое дело в современном театре! Зритель, привыкший к кино, не принимает всерьез оперных трагедий. Такая реакция зала тем более ценна, что весь состав спектакля был достаточно сильный и выделиться тут было не так-то просто. Мы присутствовали в хьюстонской Гранд-опера при выступлении большого мастера и необыкновенно одаренной личности! Такие спектакли никогда не забываются.

Очевидно, что Альбина Шагимуратова является уже сейчас, в начале своей международной карьеры, выдающейся оперной певицей, и мы ждем от нее совершенного исполнения будущих ролей. К счастью, она не раз будет петь в Хьюстоне.

Ходите в оперу, дорогие читатели! Ведь это уникальное сочетание всех известных искусств хоть на несколько часов сделает вас существами возвышенными, заботящимися о собственной душе, а не только о прозе жизни.

На прошедшей неделе Хьюстон попал в плен таланта и обаяния скрипача Евгения Угорского, который исполнил Первый концерт Никколо Паганини с хьюстонским симфоническим оркестром. Такие концерты случаются нечасто! На протяжении всего сложнейшего сочинения зрители были буквально загипнотизированы и, казалось, не дышали, поражённые техникой и харизмой молодого музыканта.

К девятнадцати годам Евгений Угорский приобрёл репутацию одного из самых одарённых и виртуозных скрипачей своего поколения. «Русский феномен» - таким эпитетом награждают его ведущие музыкальные критики. Самому музыканту «звёздная болезнь» абсолютно не свойственна, он охотно согласился дать интервью нашей газете.

Евгений, когда Вы почувствовали, что к Вам относятся не как к вундеркинду, а как к зрелому музыканту?
Хотелось бы сказать: когда начал играть серьёзный репертуар, но это было бы неточно. Серьёзные, крупные произведения я играл с восьми-десяти лет, но это как раз был такой возраст, когда люди умилялись: «Смотри-ка, маленький, а как шпарит». Я бы сказал, что перелом наступил где-то в 15 лет, когда я сыграл Концерт Чайковского с Валерием Гергиевым. Это было в Москве - русская публика, дикое напряжение. Одновременно это была большая честь. Вот, думаю, тогда закончилась «эпоха вундеркинда».

Со времени своего дебюта с симфоническим оркестром Сан-Диего в 1998 году Вы играли со многими оркестрами. В связи с этим вопрос: что для Вас важнее - личность дирижёра или ранг оркестра?
И то, и другое. Хороший пример - Хьюстон. Маэстро Граф - чуткий музыкант и дирижёр с огромным опытом, при этом ещё есть и шикарный оркестр, который всё понимает с полуслова. И это было слышно на концерте. Мне повезло, что я могу играть с авторитетными элитными оркестрами, такими как Los Angeles Philharmonic, Boston Symphony.

О том, что Вы были лауреатом нескольких конкурсов, упоминается в Вашей биографии как-то вскользь. Как Вы считаете, необходимы ли конкурсы для успешной музыкальной карьеры?
У некоторых музыкантов карьера построена на конкурсах, или победа в конкурсе становится первой ступенью в карьере. В моём случае было иначе. Я не придавал значения конкурсным победам. Другое дело, что в немногих конкурсах, в которых я участвовал, я занимал первые места. Например, национальный конкурс в Калифорнии. До меня самым молодым лауреатом в истории этого конкурса был Джошуа Белл. Он выиграл в 13 лет, я - в 9. Но сам я не считаю конкурсы такими уж важными для карьеры делом. Это всегда огромный стресс, буквально полгода жизни можно выкинуть и не получить ничего взамен, одно разочарование.

Вы уехали из России в пятилетнем возрасте. Кем Вы себя больше ощущаете - русским или американцем?
Это трудный вопрос. Я прожил 15 лет в Америке, в Калифорнии и до определённой степени «американизировался». Я учился в самой обыкновенной американской школе, не специализированной, у меня есть американские друзья. Но с другой стороны, я родился в России и сохранил привязанность и к языку, и к культуре. Думаю, что в смысле менталитета я склоняюсь больше к европейскому типу.

И поэтому Вы переехали в конечном итоге в Голландию?
Это одна из многих причин. Во-первых, Европа - это центр культуры; во-вторых, там всё рядом: Вена, Париж, Берлин, Лондон, Амстердам. В Америке тоже есть центры культуры, но они сильно отдалены друг от друга. Поэтому я считаю более логичным жить там, где концертирую, а не мотаться каждую неделю из Калифорнии в Европу (такое уже было).

Некогда корреспондент Boston Globe Ричард Дайер сравнил Вашу игру с игрой Давида Ойстраха. Что для Вас это замечание, и повлиял ли кто-нибудь из великих российских скрипачей на то, как Вы играете?
У меня русская школа, идущая по линии Хейфец-Ауэр. Что касается сравнений с Ойстрахом - мне, конечно, приятно, что крупный критик наградил меня таким эпитетом, но если често, мне было и немного некомфортно от подобного сравнения. Ойстрах - великий скрипач, он гигант, его невозможно поставить в один ряд ни с кем.

Три года назад Вы сказали, что Скрипичный концерт Чайковского - Ваше любимое произведение. Изменилось ли отношение к этому сочинению со временем?
Дело в том, что чаще чем Концерт Чайковского, я ничего не играл. С этой музыкой я, можно сказать, прославился, она мне очень дорога. Но есть ещё и такой момент: когда где-нибудь надо срочно сыграть Чайковского, обычно звонят мне, вроде как молодой, мобильный, сорвался с места, поехал. Хотя не могу сказать, что я специалист по этому сочинению, просто так получается. Конечно же, я играю весь мировой скрипичный репертуар, но в этом году есть выбор и разнообразие - и Паганини, и «Испанская симфония» Лало, а в прошлом - практически сплошной Чайковский. Не очень хочется быть «исполнителем одного произведения».

Был ли Первый концерт Паганини Вашим выбором или выбором Houston Symphony?
На самом деле Ханс Граф хотел исполнить это сочинение и искал солиста. Это сложная, редко исполняемая пьеса. По очевидным причинам её сейчас мало кто играет, к сожалению. Для того чтобы выдержать напряжение на протяжении всех трёх частей, нужна энергия, как говорится, «глюкоза». Я с удовольствием согласился: всё-таки эту пьесу я играю с 11 лет.

Как Вы думаете, современная публика воспринимает музыку Паганини так же бурно, как в 19 веке - имеется в виду транс, обмороки и тому подобные «экстазы»?
Я думаю, интерпретация Паганини собственной музыки была не сравнимой ни с чем. В наше время это произведение сто раз уже переиграно и записано - есть совершенно гениальные записи, сделанные, например, тринадцатилетним Менухиным и другими мастерами. Мне кажется, что сейчас люди воспринимают музыку Паганини больше, как спектакль с уже известным сюжетом. В обморок, конечно, современные зрители не падают, но ахают и охают всё время.

Ваши впечатления о концертах в Хьюстоне.
Мне очень приятно было сотрудничать с хьюстонским симфоническим оркестром и маэстро Хансом Графом. Также мне было приятно узнать, что в Хьюстоне очень много русскоговорящих, многие из которых, думаю, пришли на мои концерты.

Хочется пожелать Евгению дальнейших успехов. А нам, зрителям, новых встреч с блистательным музыкантом у нас в Техасе.

Миллана Нова - композитор, поэт и исполнитель своих песен. Автор 2-х музыкальных альбомов. Песни Милланы звучат не только на радио и телевидении России, Украины, США, но и в кино, и даже на борту Международной космической станции. Миллана Нова исполняла свои песни в прямом эфире программ украинского телевидения, а также в популярной программе «Времечко» на российском канале. Миллана живёт в Хьюстоне. В течение 7 лет она преподавала русский язык астронавтам НАСА в космическом центре. Но страсть к музыке и поэзии занимала и занимает большую часть её жизни. Корреспондент «Нашего Техаса» беседует с Милланой о музыке и космосе.

А началось всё с музыки. Миллана окончила музыкальную школу. Пела в вокально-инструментальном ансамбле. Первые стихи и первую песню написала ещё в школе. Как и все девочки, мечтала стать актрисой. «Я даже брала уроки у знаменитого кинорежиссёра Сергея Параджанова, сестра которого жила по соседству с нами, - вспоминает Миллана. - Он был человеком весьма требовательным и непредсказуемым. Однажды Сергей Иосифович сказал мне, что можно научиться стать хорошей актрисой, но великой актрисой надо родиться… А хотелось же быть великой! Юношеский максимализм требовал только этого».

Но Миллана сделала шаг в противоположную от искусства сторону - окончила физический факультет Московского Менделеевского института, получив степень Магистр технических наук. А потом был еще и Московский педагогический университет. Но творчество манило и звало. И когда после победы в поэтическом конкурсе Миллану пригласили на должность корреспондента газеты Военно-воздушной академии им. Ю. Гагарина, с радостью приняла предложение. Печатала свои статьи, стихи. Это было началом восхождения. «Сейчас стихи пишу каждый день, буквально ни дня без строчки. И музыка спускается с небес - успевай подставлять ладони и ловить. Мною написано около 200 стихотворений, 50 песен. Не все еще песни увидели свет - ждут на стартовой площадке своей очереди, чтобы сразу - в космос», - улыбается Миллана.

Стиль песен Милланы Новы - городской романс, поп-баллады. На вопрос, почему выбор упал не на авторскую песню и не на поп-музыку, а на городской романс, Милана ответила: «У авторской песни более простые музыкальные формы. Мои же песни хором не споешь. Они очень индивидуальны, образны, чувственны. Не моя стихия и поп-музыка, которая грешит легковесными текстами. Стихи у меня - не фон, а основа, oбраз, сюжет, как бы набросанный крупными мазками эскиз. А музыка завершает рисунок и дополняет разными оттенками, нюансами».

Оба музыкальных альбома - «Импровизированный дождь» и « И нет души моей границ» записаны на российской студии «Космос». Продюсер - композитор и певец Василий Богатырёв. С ним Миллану связывают не только совместные музыкальные проекты, но и давняя дружба. «Василий - профессионал высокого класса, - говорит Милана. - Под его влиянием я стала серьёзнее относиться к музыке. И здесь, в Хьюстоне, даже стала брать уроки вокала у оперной певицы Зои Голофеевой».

Некоторые песни Милланы уже стали хитами. Две композиции - «И бесконечно долог путь» и «Мне все равно» - с марта этого года уверенно занимают соответственно 4-е и 6-е место в лучшей десятке хит-парада на канале Российского интернет-радио Radio101.RU. А песня «Портрет на память» прозвучала в кинопередаче 5-го канала Российского телевидения. Очень интересна песня «МКС» («Международная космическая станция»), написанная специально для экипажа 15-ой Международной космической экспедиции и отправленная на борт космической станции. В конце этой песни звучит «голос из космоса» - голос астронавта Клэя Андерсона, позвонившего Миллане с орбиты. Миллана была удостоена специальной награды НАСА «за огромную психологическую поддержку 15-го международного экипажа».

«У меня очень дружеские отношения со всеми своими студентами, многие из которых астронавты, - рассказывает певица. - Они не раз приглашали меня на старт своих шатлов в качестве специального гостя, а это большая честь, и, согласитесь, очень приятно. Один из моих студентов, японский астронавт Такао Дой, во время своего полёта на МКС брал с собой мой первый альбом. Так что и астронавты, и космонавты, и даже инопланетяне слышали мои песни! Я бережно храню свой диск, побывавший на МКС. На нём стоит специальный штамп об этом уникальном событии».

Так получилось, что не только работа, но и творчество Милланы связано с космосом. Как исполнитель собственных песен Миллана Нова принимала участие в концерте в честь 50-летия НАСА, а также в концерте, посвященном Юрию Гагарину.

Где бы Миллана ни пела, её приветствуют тепло и радушно. Потому что каждую песню она пропускает через свое сердце. «Особенно запомнился мой творческий вечер в Ивановcкой области, - вспоминает Миллана. - Там мне сказали, что мои песни - это песни для души. Очень трогательно».
Хьюстонские ветераны Второй мировой войны тоже познакомились с творчеством Милланы. На вечере, посвящённом Дню Победы, она исполнила свои новые песни, которые написала специально для этого праздника. «Военная тема занимает особое место в моей жизни, - говорит Миллана. - Оба моих деда воевали рядовыми солдатами на фронтах Второй мировой войны. Я, кстати, тоже офицер запаса».
У Милланы Новы, кроме работы над новым альбомом, грандиозные творческие планы - она готовит к изданию книгу своих стихов.
«Очень хочется сделать свой сайт, видеоклипы на свои песни - уже есть идеи сценариев. Надеюсь на интересные встречи со зрителями в Хьюстоне и в Техасе», - сказала Миллана в заключение.

17 октября Houston Grand Opera открывает сезон операми Пьетро Масканьи «Сельская честь» и Руджеро Леонкавалло «Паяцы». Лучший из современных российских теноров, Владимир Галузин, выступит в роли Канио в «Паяцах».

Певец известен своим уникальным голосом, неистовым сценическим темпераментом и глубинным проникновением в суть ролей. Контракты Галузина расписаны на годы вперед, что делает его появление в Хьюстоне настоящим праздником для любителей оперного искусства.

Корреспондент «Нашего Техаса» встретился со знаменитым тенором в перерыве между оперными репетициями. Мягкий, спокойный человек с прекрасным чувством юмора, Галузин нe имеет ничего общего со своим демоническим сценическим образом.

Владимир, это не первое Ваше выступление в хьюстонской Гранд-опере. Зная, что Вы предпочитаете Европу Америке, хотелось бы спросить, почему возвращаетесь в этот театр уже третий раз?

Для меня в театре важны три компонента - оркестр, хор и организация. В хьюстонской Гранд-опере все эти компоненты на высочайшем уровне. Скажу Вам честно, что в первый раз в жизни услышал оперный хор такого качества. Я сначала не поверил своим ушам. В «Турандот» Пуччини, в сложнейшей опере, хор пел, как один человек. Мне очень приятно работать в таком профессиональном окружении.

Этот театр не декларирует, что он лучший, а на самом деле, он экстра-театр. Все постановки, в которых я участвовал, были традиционные, без изощрений. Наверняка здесь ставят и модерн, но я пел «Турандот», «Манон Леско» и вот сейчас «Паяцев», и никакого шока от режиссуры не получил.

Стало быть, Вы не любитель модерна?

В принципе, я «за», но против того чтобы модерн расходился с замыслом композитора и либретиста, когда переворачиваются сами идеи спектакля. Если современная трактовка помогает раскрыть новые стороны оперы - я за это. Но, к сожалению, случается по-другому.

Как Ваше оперное амплуа «пришёл, увидел, задушил (зарезал)» соотносится с Вашим характером?

Я человек мирный и вся эта оперная экспансивность мне чужда. Однако роли накладывают свой отпечаток, потому что стараешься вживаться в них и чувствуешь, что перевоплощаешься. Натурально чувствую, что меняюсь буквально на уровне клеток. Вдруг начинаю беспричинно ревновать, когда пою Отелло или Канио, или неожиданно пробуждается безумный азарт, как у Германа в «Пиковой даме». Видимо, это очень опасно, поскольку практически все мои роли, за редким исключением, связаны с ревностью и убийством. Скажем, Водемон в «Иоланте» или Калаф в «Турандот» - роли лирические.

Что всё же ближе?

И то, и другое. Но, поскольку моё амплуа уже давно «киллер-профессионал», чаще исполняю «тяжёлые» роли.

Ваше чувство юмора помогает на сцене?

На меня часто обижаются режиссёры, за то что на репетициях я шучу. Но с другой стороны, если я буду серьёзно воспринимать драматическую ситуацию именно на репетиции, мне будет сложно дожить до спектакля. Я считаю, что должна быть пауза.

В одном из интервью Вы сказали: «У меня голос, которому нет названия».

У меня, действительно, другой голос, я не считаю себя тенором. Но мало ли что я не считаю - композиторы написали, и я пою. И приглашают меня тоже как тенора. Я могу петь и баритоновые партии, но так получилось, что конкурировать могу больше как тенор. К тому же мне нравятся все мои партии, и я не решаюсь с Отелло переходить на Яго.

Сейчас некоторые оперные певцы чувствуют потребность выразить себя в других жанрах: кто в джазе, кто в старинной, кто в народной музыке. Нет ли у Вас такой тяги?

Дело в том, что эти артисты начинали сразу с оперы. У меня как раз получилось обратное - я начал с музыкальной комедии. Разумеется, хотелось бы расширить свой репертуар. Я пою только русские и итальянские оперы, а хотелось бы рискнуть - спеть и Вагнера, и французов: «Самсон и Далила» Сен-Санса, «Кармен» Бизе, «Фауст» Гуно. Но так как я живу во франкоязычной стране и немного говорю по-французски, то знаю, как щепетильно французы относятся к своему языку. Меня неоднократно приглашали на французские постановки, но приходилось отказываться, потому что я просто боюсь.

Вам не стыдно в этом признаться?

Не стыдно. Я перфекционист по своей натуре. И если знаю, что не смогу сделать роль за короткий срок идеально, то лучше не буду за неё браться вовсе. Мне, по меньшей мере, нужно месяца три занятий - это и другой язык, и другой вокальный подход, другой стиль. Я должен познакомиться с французской и немецкой школой пения, иначе получится «Владимир Галузин поёт Вагнера в русско-итальянской манере, слова немецкие». К тому же я не умею делать два дела сразу, к примеру петь «Паяцев» и в это время учить «Зигфрида».

Известно, что «Пиковая дама» - Ваша любимая опера.

Я считаю, что это самое цельное произведение из написанного для оперного театра и по музыке, и по драматургии. В итальянской опере таким произведением считаю «Паяцев».

Как-то Вы сказали, что некоторые певцы, чтобы заработать, берутся за исполнение диких современных опусов. За этим стоит некое негативное отношение к современной музыке. А если бы Вам предложили участвовать в исполнении очень талантливой оперы, скажем, «Жизнь с идиотом» Шнитке или что-то подобное, согласились бы на такой шаг?

Так как я воспитывался на драматическом театре, то я очень люблю САМ театр. Если музыка написана по законам театра, я с удовольствием буду петь. Если можно считать прокофьевского «Игрока» современной оперой (хотя сейчас это уже классика) - я не против такой музыки. В Петербурге есть композитор Александр Смелков, который в своё время написал оперу «Пегий пёс, бегущий краем моря» по Чингизу Айтматову – это феноменальное сочинение. Я тогда работал в Камерной опере и пел в этом спектакле с удовольствием. Должен сказать, что «Женитьба» Мусоргского - это одна из самых современных опер. Серьёзно, в ней такая музыка, до которой наше оперное искусство ещё не доросло.

Немногие композиторы до конца понимают театр.

По поводу цельности музыки и драматического действа - как это относится к опере «Паяцы»?

Я повторюсь, что считаю эту оперу самой цельной во всём итальянском репертуаре, из неё ни ноты не выкинешь. Мне, однако, недостаёт продолжения действия.

Во многих постановках «Паяцев» ставят рядом с «Сельской честью» Масканьи. Можно ли предположить какое-нибудь другое соседство?

Если честно, я бы эти оперы вообще не ставил рядом. Для меня «Сельская честь» к понятию веризма никак не относится. Просто обе оперы были написаны в одно и то же время молодыми композиторами, обе получили премии на конкурсе, вот их и ставят рядом. «Сельская честь» - опера красивая, но статичная, традиционная, с ней можно ставить «Аиду» и сделать цикл вагнеровского плана на 5-7 часов. Это мне кажется логичней, чем соседство с «Паяцами». «Паяцы» - динамичная, сконцентрированная по форме опера. Сюжет закручен феноменально: там не просто любовный треугольник, а что-то большее. Это театр в театре.

Как складываются сценические отношения с исполнительницей роли Недды, Анной -Марией Мартинез?

Я пел с ней в «Турандот», мы давно знаем друг друга и мне приятно с ней работать. Вот если бы Вы спросили про другую певицу, Долору Зайчик, которая поёт Сантуццу в «Сельской чести», я бы ответил, что есть хорошие певицы, а есть уникальные. Она уникальная певица.

Нынешняя постановка будет повторяться в Чикагской Лирик-опере с теми же солистами. Не скучно ли повторяться, ведь выступление в новом театре должно нести элемент новизны?

Конечно, мы, солисты, приедем подготовленные, а там другой оркестр и хор - с ними всё заново. Это немножко скучно, но немножко…

О Вас пишут давно и с удовольствием. Есть ли секрет, о котором читатели не знают?

Я-то считаю, что не сильно избалован вниманием прессы. Всё-таки, опера - жанр элитарный. Кто причисляет себя к элите, тот и интересуется. А мой секрет сидит напротив меня, это моя жена Наталья Тимченко. У нас союз и семейный, и творческий тоже. Мы часто вместе поём в Мариинском театре, а недавно выступили в Карнеги- холл. Опера - это наша жизнь, а жизнь личная совпадает с оперой. Лишь бы только с оперными персонажами не совпадала.

Задушить на сцене любимую женщину - вот и сублимация.

Слава богу, что мы разыгрываем бурные сцены только в опере.

По традиции несколько слов для наших почитателей оперы.

Я рад, что приехал в Хьюстон, у меня здесь много друзей. Считаю, что хьюстонский зритель счастлив, что в городе есть высокопрофессиональный оперный театр, куда приезжают очень хорошие певцы. Ну вот и я приехал…

В Хьюстоне вовсю бушуют оперные страсти на сцене Wortham Center, и все любители музыки надолго захвачены в кольцо любви и ненависти операми итальянского веризма. Но есть и другой мир, который существует в нашем городе параллельно - тихий , интимный, утончённый мир камерной музыки.

Две мировые войны, постоянное предчувствие третьей, невиданный технический прогресс; тоталитарные государства, трагизм атомной бомбардировки и моральные катастрофы человечества; нарастание космического сознания, проблема защиты собственной планеты; и еще многое, сложное и мучительное, на что порой нет ответа , нашло отражение в сочинениях композиторов ХХ века. Проект общества Da Camera «Damaged Romanticism» (можно перевести как «ущербный» или «искарёженный романтизм») включает в себя произведения композиторов США, Германии и России. Эти произведения (за исключением «Ноктюрна» из Фортепианного трио Ф. Шуберта) - реакция композиторов на катаклизмы прошлого века. В том числе в концерте прозвучит и «Струнное трио» А. Г.Шнитке.

Альфреда Шнитке считают совестью постшостаковического периода в русской музыке. Его музыка, на грани между светом и мраком, составляла духовную атмосферу времени, в котором жил композитор. Струнное трио, посвященное Юрию Башмету, Шнитке сочинил к столетию композитора Альбана Берга (1989). Это лирическая композиция, в которой звучит парафраз на тему «Happy birthday to you».

Концерты Da Camera, как всегда, диалог между музыкой и визуальным искусством: живописью, фотографией. Нынешний концерт организован в сотрудничестве с выставкой в Blaffer Gallery всё с тем же названием «Damaged Romanticism». Проект объединил группу выдающихся музыкантов из разных стран- лауреата конкурса им. Ростроповича, виолончелистку Соню Видер-Атертон (Sonia Wieder-Atherton), лауреата Национального Нидерландского конкурса, скрипачку Веру Бетс (Vera Beths) и скрипачку Кюнг Сун Ли (Kyung Sun Lee) - лауреата конкурса Королевы Елизаветы и конкурса им. П.И.Чайковского

Концерт «Damaged Romanticism» состоится в субботу, 8 ноября в 8 часов вечера в Moores Opera House, University of Houston.

Дмитрий Шостакович и Пауль Хиндемит- два композитора разной творческой судьбы. Но объединяет их колоссальность дарования, глубина и философское наполнение музыки. Оба композитора являются общепризнанными крупнейшими полифонистами ХХ века.Творчеству Шостаковича и Хиндемита посвящён концерт Камерного оркестра Хьюстона «Два титана двадцатого века».

Шостакович был признан величайшим мастером симфонической музыки после Густава Малера. Концерт для виолончели №1, написанный в 1959 году, является одним из ярчайших примеров стиля Шостаковича. Композитор посвятил это произведение Мстиславу Ростроповичу, который впервые и сыграл его.

Ростропович вспоминал: «О том, что Шостакович написал концерт для виолончели, я узнал из газет. Я был убит и раздавлен, потому что решил, что он нашел другого виолончелиста. Мне даже в голову не пришло, что мой друг и учитель - величайший композитор и музыкант - не признавался мне, что пишет для меня концерт, потому что он смущался и не был уверен, что мне эта музыка понравится!»

Ростропович выучил Концерт на память за несколько дней, и это вызвало искреннее восхищение композитора. Первое исполнение Концерта состоялось в августе 1959 года на даче Дмитрия Дмитриевича, который аккомпанировал Ростроповичу на пианино, в присутствии небольшого числа гостей. А через два месяца состоялось первое публичное исполнение Концерта с оркестром Ленинградской филармонии под руководством Евгения Мравинского. 8 ноября 1958 года Ростропович выступил с Филадельфийским симфоническим оркестром под управлением Юджина Орманди. Это было его первое выступление в Америке и первая запись Первого виолончельного концерта.

Занятная деталь: в финале Концерта звучит саркастическая танцевальная тема, которая основана на разрозненных фрагментах «Сулико», как известно, любимой песни Сталина. «Я сомневаюсь, - скажет позже Ростропович, - что я бы узнал эту цитату, если бы сам Дмитрий Дмитриевич не подсказал мне это».

Первый виолончельный концерт прозвучит в исполнении концертмейстера хьюстонского Камерного оркестра, Джефри Батлера (Jeffry Butler).

Пауль Хиндемит - крупнейший немецкий композитор, один из признанных классиков музыки XX в. Будучи личностью универсального масштаба (дирижер, исполнитель на альте и виоле д’амур, теоретик музыки, публицист, поэт - автор текстов собственных произведений), Хиндемит был столь же универсален в своей композиторской деятельности. Его творчество охватило все жанры музыки, начиная с симфоний и опер и заканчивая камерной музыкой и экспериментами с электронными инструментами.

Der Schwanendreher («Жарящий лебедя на вертеле») - концерт для альта и оркестра на темы старинных немецких народных песен. Произведение это исполняется нечасто, тем интересней будет услышать его в исполнении и музыкантов Камерного оркестра Хьюстона и Wei Jiang (альт).

Концерт «Два титана ХХ века» пройдёт 3 ноября, в 7:30 вечера в Zilka Hall (Hobby Center for the Performing arts).

Общество SPA представляет программу «Портрет Рахманинова» в исполнении музыкантов нью-йоркского общества камерной музыки Линкольн-центра.Тема концерта - произведения великого русского композитора, написанные им в драматические моменты его жизни. Например, будет исполнена Сюита для двух фортепиано до минор, последовавшая после провала Первой симфонии Рахманинова, который композитор тяжело переживал. Трио ре минор (1893) написано в год смерти П.И.Чайковского и посвящено памяти учителя и друга. Последнее произведение Рахманинова, «Симфонические танцы» написано в 1941 году в разгар Второй мировой войны.

«Симфонические танцы», без сомнения, творческое завещание композитора, итог всей его жизни. Рахманинов сам признавал, что на этом произведении «выложился» полностью и вряд ли сможет ещё сочинить что-нибудь равноценное.

В конце первой части «Танцев» звучит отголосок темы Первой симфонии, на которую сам композитор наложил исполнительский запрет. В третьей части - тема «Dies irae» («День гнева», средневековый католический хорал о Страшном Суде), кочующая из произведения в произведение и достигающая в «Симфонических танцах» своего апогея. Кульминация произведения - тема «Благословен еси, Господи» из «Всенощного бдения», написанного ещё в 1915 году. На музыке, соответствующей во «Всенощной» возгласу «Аллилуйя», Рахманинов в рукописи собственноручно написал это слово – «Аллилуйя»…Некоторые исследователи сравнивают «Симфонические танцы» с романом М.Булгакова «Мастер и Маргарита», законченным в это же время.

Бессмертные произведения Рахманинова прозвучат в исполнении блестящего ансамбля солистов: пианистов Жильбера Калиша (Gilbert Kalish), Жиля Вонсаттеля (Gilles Vonsattel), Инона Бернатана (Inon Bernatan), скрипачки Иды Кавафян (Ida Kavafian) и виолончелиста Гэри Хоффмана (Gary Hoffman).

Общество камерной музыки Линкольн-центра было основано в 1969 году. Оно является частью крупнейшей в мире концертной организации «Lincoln Center for the Performing Arts», в которую также входят Нью-Йоркский филармонический оркестр, балетная труппа Нью-Йорк Сити, театр Линкольн-центра, оперный театр Metropolitan Opera.

Программа «Портрет Рахманинова» будет представлена в Хьюстоне 30 октября в 8 вечера в Cullen Hall (Wortham Center).

В самом начале творческого пути, во время дебюта Златы Раздолиной на ленинградском телевидении, классик песенного жанра, Василий Павлович Соловьев-Седой сказал о песнях юного композитора: “Какая свежесть и какая самобытность!”

Раздолина родилась в Ленинграде. Начала заниматься музыкой с 4-х лет, а сочинять- с 5-ти. Первым настоящим учителем композиции был ленинградский композитор С. Баневич, благодаря которому Злата Раздолина решила посвятить свою жизнь композиции и получила высшее музыкальное образование (композитор, дирижёр).

Вершиной её успеха в бывшем СССР стала победа на двух Всесоюзных конкурсах за сочинение и исполнение «Реквиема» на стихи А. Ахматовой. Именно её «Реквием» был выбран Всесоюзной Комиссией по празднованию 100-летия со дня рождения А.Ахматовой и исполнен с огромным успехом в Октябрьском и Колонном Залах Дома Союзов в 1989 году на торжественных юбилейных концертах.

С 1990 Раздолина живёт в Израиле. Ею написаны уникальные циклы романсов и песен на стихи поэтов Серебряного века - А.Ахматовой, Н.Гумилева, А.Блока, М.Цветаевой, И.Северянина, С.Есенина, О.Мандельштама, поэтов-фронтовиков и современных поэтов, 15 концертных программ на русском, иврите и идиш. Здесь она написала “Реквием о катастрофе” - “Песнь об убиенном еврейском народе” для хора, солистов и симфонического оркестра по поэме великого поэта катастрофы Ицхака Каценельсона.

В 1997 г. “Реквием о катастрофе” (в инструментальной версии) был записан Моравским филармоническим оркестром под управлением известного канадского дирижера Виктора Фелдбрилла. Произведение транслировалось 26 радиостанциями мира. В 2002 году перед шеститысячной аудиторией состоялась Нью-Йоркская премьера “Реквиема о катастрофе” в исполнении З. Раздолиной, артиста Голливуда Фрица Вивера и Нью-Йорского симфонического оркестра под управлением А. Лейтуша.

Раздолина написала музыку к многочисленным телефильмам и спектаклям израильских театров, удостоенных израильского “Оскара”, премии им.Шолом-Алейхема и др., а также музыку ко многим спектаклям театров Санкт-Петербурга.

Злата Раздолина - автор 8 альбомов, среди них запись вокального цикла на стихи Н.Гумилева в исполнении Э.Хиля, В.Псарева, А.Анкудинова, программы романсов на стихи петербургских поэтов “Невской воды глоток”, DVD c записью ее концерта в Музее А. Ахматовой в Фонтанном Доме в Санкт-Петербурге.

Произведения Златы Раздолиной звучат на десятках радиостанциях мира. Её концерты проходят с огромным успехом в Финляндии, Швеции, Чехии, Польше, Англии, Америке, Канаде, России и Израиле.

О самобытности и красоте музыкального стиля композитора и ее исполнительском мастерстве пишут известные деятели искусств:

«Необыкновенная эмоциональность, исключительный артистизм, виртуозный аккомпанемент, точнейшее совпадение музыки с поэтическим текстом и вокальная свобода, - все это создает уникальность таланта композитора и исполнителя З.Раздолиной, единственного в своем роде».

Популярный певец Дуду Фишер

«Когда я слушаю исполнение Златы Раздолиной, я ощущаю себя живым свидетелем рождения вечного искусства… Невозможно передать словами прелесть ее музыки так же, как, скажем, красоту живописных полотен или мраморной скульптуры».

Герман Кронгауз, скульптор, журналист

«Наша современница Злата Раздолина, на мой взгляд, уникальное и выдающееся явление в романсовом жанре. Раздолина – тонкий ценитель поэзии, прекрасный композитор, замечательная певица и блестящий аккомпаниатор. Совокупность талантливых составляющих создаёт искренние и глубокие по воздействию на слушателя романсы».

Григорий Генделев (США)

«У неё прекрасный, завораживающий голос. Но главное даже и не в этом: выйдя на сцену, она с артистизмом воплощает в собственном музыкальном и вокальном исполнении все мыслимые и немыслимые оттенки и нюансы настроений стихотворных строк…

Она возрождает тот пласт русской – и мировой – культуры, без которого немыслимо и сегодня наше полноценное нравственное и духовное существование».

Семён Габай, член Союза писателей Израиля

«…У Раздолиной есть свой, непохожий ни на чей, только ей присущий творческий почерк. Так похожи лишь на самих себя Бах и Вивальди, Ван-Гог и Ренуар, Дунаевский и Островский, Пастернак и Бродский. Палитра Раздолиной богата и разнообразна, но это палитра Раздолиной, и ее сразу можно узнать по “лица необщему выраженью”.

Илья Войтовецкий, член Правления Союза писателей Израиля

Весть о неожиданной кончине Народного артиста СССР Муслима М. Магомаева ошеломила всех, кто его знал. А знали его практически все на громадном пространстве бывшего Союза и во многих странах мира. Рано утром 25 октября я, как всегда, сел за компьютер в домашнем офисе и начал просмотр новостей. Прочитав заголовок главной новости из Москвы, о кончине Муслима Магомаева всего несколько часов тому назад, я растерялся. Слёзы полились из глаз ручьём, чего никогда со мной не бывало. Дело в том, что в начале октября я видел сны, не предвещавшие ничего хорошего для нашего общенародного любимца. Меня не покидала мысль о возможной потере Муслима Магомаева, и я решил написать ему на сайт это письмо с просьбой поберечь себя:

“Уважаемый Муслим Магометович, я всегда прошу Вас об одном - берегите себя и Тамару Ильиничну. Вы оба являетесь важной частью Золотого фонда многонациональной культуры всех народов. В силу своей природной скромности Вы даже не представляете себе свою значимость для всех народов огромного пространства, которое называется Земля. Вас знают и ценят во всех уголках мира, куда нас всех разбросала эта суматошная жизнь. Так что Вы, Муслим Магометович и Тамара Ильиничнa, больше принадлежите нам, нежели себе. Нравится Вам это или нет, но это факт глубокого уважения к Вам, Вашему таланту и к огромному пласту Вашего творчества. Берегите себя и друг другa”.

Тофик Канбаевич Ханмамедов, США

С Муслимом Магомаевым я впервые встретился в музыкальном училище им А. Зейналлы в Баку в 1961 г. Я был на первом курсе по классу скрипки, а он - на 3 или 4 по классу вокала. На переменках мы часто слышали: «пойдём в такую-то аудиторию, там Мусик играет и поёт». Он был любимчиком с молодости. Его открытое лицо с очаровательной улыбкой не могло оставить людей равнодушными. После успешных экзаменов, завершающих первый курс музучилища, я решил уйти в науку и поступил в АзИИ. После окончания института был аспирантом в Москве, и несколько раз летал в Москву с Муслимом в одном самолёте. Но наши жизненные пути никогда не пересекались. Лишь после создания им его персональной интернет-странички www.magomaev.info мы продолжили контакты. Обсуждали проблемы, в основном, связанные с музыкальной жизнью в различных частях света. Когда великий певец узнал о том, что я приобщился к симфоническому оркестру Fort Bend и играю на скрипке, он был так восторжен, что поместил мою фотографию с нашим дирижёром Джоном Рикарте у себя на сайте.

В год его 65-летия я выпустил почтовую марку в США с портретом Муслима М. Магомаева и послал весь тираж ему, оставив одну для себя на память. Он поместил эту марку на своём сайте и очень гордился ею. Благодаря его сайту многие находили старых друзей, которых жизнь разбросала по всему свету. Там, собственно, я и нашёл бакинца Анатолия А. Хавкина, проживающего в Павлово-на-Оке. С тех пор мы с Анатолием переписываемся по интернету. Он очень интересный собеседник и многое знает о жизни Муслима Магомаева. Я попросил его написать о своих воспоминаниях. В некоторых газетах Магомаева называли Ив Монтаном. Я всегда считал его нашим Карузо. Анатолий Хавкин с благодарностью принял моё предложение, написал и послал воспоминания о своих встречах с Муслимом Магомаевым, которого он знал с детства. Вот что он пишет:

Первый раз мне довелось познакомиться с Муслимом (тогда все называли его Мусиком) в 1957 году. Мы с моим старшим братом (ныне покойным) учились в музыкальной школе при бакинском Доме офицеров, но после 7 класса его перевели в десятилетку при консерватории. Там он и подружился с Мусиком. Так получилось, что задолго до этого я сильно обиделся на брата и не разговаривал с ним почти полтора года. Возможно, в связи с этим, после примирения брат стал таскать меня с собой везде, и однажды мы вместе были на дне рождения у приятеля Ромы Леонидова. Приятель, кажется, не имел отношения к музшколе. Но там был и Мусик, о котором я уже был наслышан от брата. В то время он уже начал петь, и все друзья были в восторге от его пения. Это был долговязый улыбчивый и симпатичный мальчик с чёрным пушком над верхней губой. Конечно, все гости попросили его спеть, и Мусик с готовностью встал и спел на итальянском песенку Герцога и ещё что-то. Его сильный, по-юношески чистый голос просто заворожил тогда…

Конечно, сильно врезалась в память встреча, когда брат привёл Мусика к нам домой. Тогда родители, несмотря на наше скромное существование, приобрели магнитофон «Спалис», и Мусику захотелось записать на него свой голос. Сразу скажу, что через некоторое время по финансовым соображениям магнитофон родители продали со всеми плёнками… Так вот, Мусик быстренько организовал из нас троих хор и записал с нами «Фуникули-фуникула» и на английском «Маршрут 66». В конце учебного года выяснилось, что у Мусика по общеобразовательным предметам 8 двоек. В общем, он ушел в музучилище, но брат продолжал с ним дружить.

В 2002 году, будучи в Санкт Петербурге, я случайно попал на концерт Муслима Магометовича и Тамары Ильиничны. А в ноябре или в декабре я наткнулся в интернете на сайт Романа Хадина «Магомаев.ру», который к тому времени Муслим Магометович объявил своим официальным. Меня поразило, что Муслим запросто общается на сайте с посетителями. Я, конечно, написал в Гостевую книгу, что являюсь братом покойного Славика Хавкина. Узнав об этом, Муслим Магометович сразу же пригласил меня в гости.

28 января 2003 года я встретился с Романом Хадиным, и он привёл меня к дому Магомаевых в Леонтьевском переулке. Муслим Магометович встретил меня и Сашу (сына покойного брата) очень тепло. Тамара Ильинична угостила нас вкуснейшим кофе. Мне удалось сделать 3 кадра, пока Муслим подписывал нам книгу «Марио Ланца». Интересно, что второй кадр он попросил переснять, так как в этот момент старательно прикусил губу, подписывая книгу.

Активно общаясь на своём сайте с гостями, Муслим Магометович однажды пожелал отметить свой 63-й день рождения в их обществе. 20 августа 2005 года в посольстве Азербайджана в Москве состоялось это торжество, и среди именитых гостей присутствовали приехавшие из разных мест планеты гости сайта, а вместе с ними и мы с супругой.

Одно из самых сильных впечатлений на дне рождении было исполнение Муслимом Магомаевым песни «Ленточка моя финишная». Многие почувствовали тогда, что он вкладывал уже в эти слова особый смысл. Когда через какое-то время Муслим выставил на сайте свою последнюю песню на стихи С. Есенина «Прощай Баку», этот особый смысл стал ещё явственней. Интересно, что сначала он представил на сайте некую импровизацию, а потом вдруг сказал, что на эту музыку отлично ложатся стихи Есенина и вскоре поставил эту песню на сайт.

На сайте Муслима образовалось сообщество очень талантливых и интересных людей. Не обладая такими талантами, я не часто писал в Гостиную, но, как и многие, не мог уже обходиться ни дня, чтобы не почитать заветные странички, особенно, если там встречались строчки, написанные Муслимом. Вообще, созданный Муслимом Магометовичем сайт уникален. В сети нет сайтов, где выдающийся человек, живо общаясь с посетителями, выложил бы для всеобщего пользования практически ВСЁ своё творчество, а также огромное количество различных интересных материалов, в том числе отражающих творчество самих гостей. Не занимаясь непосредственно преподавательской деятельностью, Муслим Магометович фактически превратил свой сайт в академию искусств. Здесь черпали творческие силы многие молодые вокалисты, и все без исключения получили на сайте высочайшую школу общения. Не все люди поколения Муслима М. Магомаева обладают компьютерными навыками. Он же разбирался во всех тонкостях сайта, делал это умело и с большим вкусом.

Вечная ему память!

Техасская осень радует мягкой погодой. Солнце, превратившись из жгучего в ласковое, играет бликами сквозь густую листву деревьев, и чудесной кажется перспектива провести выходной день на воздухе, да еще и в средневековом городе…

На улицах этого города вовсю кипела жизнь, бурлило веселье, оживленно шумел народ, прогуливались богато разодетые дамы и галантные кавалеры, ремесленники и крестьяне спешили по своим делам, уличные акробаты и шуты давали перед толпой представление. Мимо бодро пробегали рикши, развозя своих пассажиров к местам увеселений.

Чего только не происходило на улицах города и на сценах: музыканты играли, танцоры танцевали, зазывалы зазывали, забавные сказочные существа очаровывали. Маги и волшебники фокусничали, прорицатели предсказывали судьбу всем желающим. Стеклодувы, кузнецы, чеканщики показывали свое мастерство. А игривые прачки развлекали народ, брызгая на зрителей мыльной пеной (особенно повезло первому ряду), «стирали» мужчин и пели смешные песни, обнажая черные зубки.

Навстречу нам неторопливо шествовал Его Величество король неизвестного королевства, в камзоле с позументами и пурпурном берете с перьями. Увидев мой интерес к своей царственной особе, монарх принял максимально величавую позу, грациозно отставив ногу в обтягивающем чулке. Sexy! Я сделала кадр и неумелый книксен: «Спасибо, Ваше Величество».

Мимо тащился полуголый кентавр, с некоторым трудом приволакивая задние ноги. Мы с камерой легко обошли его на повороте - есть, запечатлели. Браво прищелкнув передним копытом и по-человечески широко нам улыбнувшись, полуконь двинулся дальше.

В общем, вы уже поняли: в Техасе в очередной раз проходит Ренессанс фестиваль.

Это и фестиваль, и карнавал, и театр. На 50 акрах раскинулась средневековая Англия. Актеры и музыканты дают представления на 14 сценах и посреди толпы, рыцарские турниры проходят по 4 раза в день. Больше 3000 костюмированных персонажей средневековья принимают участие в театрализованном действе, которое проходит на открытом воздухе с утра до самой темноты.

И всем этим мы могли наслаждаться в течение восьми уик-эндов. Остался еще один, последний этой осенью. В прошлом году на фестивале побывало 373 тысячи человек. Думается, и в этом было не меньше.

340 магазинов предлагают вам сравнительно честные способы расставания с вашими деньгами. Более 50 харчевен соблазняют едой и напитками. А музыканты предлагают «завернуть вам с собой» немного их музыки.

Лично я не удержалась от покупки CD «Тартаника» - группы, исполняющей кельтскую музыку. Ребята потрясающе играли на волынках, артистично жонглировали барабанами, зажигая народ, и невинно пытались интриговать публику на тему «а что ж у них под юбкой». Как известно, в прежние времена закаленные шотландцы, бегая по горам в килтах, обходились «без ничего».

Даже при не слишком богатом воображении вы можете погрузиться в атмосферу средневековья, но не мрачного времени инквизиции и охоты на ведьм, а прекрасного и одухотворенного Ренессанса.

Возрождение - эпоха интеллектуального и художественного расцвета, эпоха Леонардо да Винчи, Ботичелли, Тициана, Микеланджело, Рафаэля,

началась в Италии в 14 веке. Зародившись в Италии, Ренессанс достиг своего пика в 16 века и оказал значительное влияние на всю европейскую культуру.

Средневековая церковь поддерживала убеждение, что человек изначально греховен и природа его испорчена. Потому человек нуждается в божественной благодати и спасении. В эпоху Ренессанса сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Преклонение перед человеком породило особый эстетический настрой - культ красоты. Состоялось открытие Человека.

Появилась новая мода. Мода Ренессанса отвергла всё, что не отвечало её гармоничному пониманию симметрии и умеренности. Ушла в прошлое готическая мода, неестественно низкое или высокое расположение пояса, были отвергнуты излишне экстравагантные детали: длинные остроносые башмаки, вытянутые углами рукава, высокие шляпы. Мода Ренессанса установила новые каноны, продиктовала точные правила красоты, которые действительны до сих пор: высокая фигура, широкие плечи, тонкая талия, красивый рот, белые зубы, благородные движения и статность..

Важнейшим условием красоты, как её понимали во время Ренессанса, были, к примеру, белокурые волосы. И, хотя от природы темноволосым итальянским дамам пришлось непросто, разумеется, они с честью вышли из положения. Для изменения цвета волос использовали специальные шляпы, так называемые солана (solana). Широкополые шляпы охраняли лицо от солнца и одновременно способствовали обесцвечиванию волос, которые аккуратно раскладывались по полям шляпы.

Даже итальянская светская архитектура Ренессанса учитывала этот «женский» момент, и при постройке лоджий в домах предусматривались удобные места, где дамы могли бы без помех и свидетелей обесцвечивать свои волосы при помощи солнца.

Требованием новой моды, кроме того, был высокий лоб, не обрамленный волосами. Плавность линии лба не должны были нарушать даже брови, которые выщипывали не только женщины, но и мужчины. На что только не пойдешь, чтобы соответствовать моде и времени.

Для эпохи раннего средневековья было характерно острое чувство страха смерти; изображение смерти, как и дьявола, постоянно встречается в средневековой символике. Образ танцующей смерти особенно широко распространился в Европе в XIV в. В периоды эпидемии чумы «танец смерти» часто перерастал в истерическое веселье. Обычно он начинался быстрой пляской; затем один из танцоров внезапно падал на землю, изображая мертвого, а остальные продолжали танцевать вокруг него, представляя в пародийном виде оплакивание покойника.

Песня и танец, будучи главными развлечениями, распространялись по Европе благодаря странствующим менестрелям. Поначалу средневековый танец был во многом импровизированным действом с самыми простыми движениями. Танец зачастую сопровождал пение и был принятой формой ухаживания.

Культ романтической любви и рыцарства в значительной мере преобразил придворный этикет, а с ним и танец, приглушив откровенно эротические черты, сделав его воплощением сдержанности и утонченности. Танцевальные упражнения стали так же обязательны для рыцарей, как и участие в турнирах.

Самым распространенным придворным танцем эпохи являлся бас-данс (фр. basse danse - «низкий танец»), его в эпоху Ренессанса называли королем танцев. Движения плавные, никаких прыжков, темп спокойный. Да и вряд ли дамам и кавалерам, отягощенным пышными одеяниями и турнюрами, было возможно порхать. Так что прохаживание и вздымание рук под музыку вполне заменяло при дворе танцы.

Настоящая танцевальная культура зародилась в низах общества, народные танцы - жига, мореско, гальярда, бранль - отличались темпераментом. В Италии и Испании до сих пор танцуют средневековые сальтарелло и тарантеллу. Танцовщики мореско наносили на лицо черный грим и, в соответствии с сильно романтизированными представлениями о маврах, носили гротескные костюмы с колокольчиками у щиколотки.

Странствующие жонглеры стали первыми профессиональными музыкантами, виртуозными танцовщиками и комедиантами средневековья. Они участвовали в народных празднествах, выступали на ярмарках, исполняли чужие или собственные сатирические песенки и стихи, пели и танцевали, аккомпанируя себе на виоле, ротте или арфе.

В Италии техника танца была самой профессиональной, появились первые труды по танцу. Мастерство итальянских танцмейстеров было хорошо известно в Европе и их приглашали ко всем королевским дворам. К этому времени можно отнести и рождение профессионального балета как нового вида театрального искусства.

Маскарады и карнавальные шествия стали излюбленными развлечениями в средние века. Маски имели в эту эпоху особое значение. Люди, желавшие сохранить свое инкогнито, путешествовали в масках; представители враждующих знатных семейств скрывали свои лица под масками.

Ренессанс фестиваль стал традиционным во многих странах и американских штатах. Но наш Техасский фестиваль по размаху и количеству участников - один из самых грандиозных не только в США, но и в мире.

Чтобы «населить» средневековый город, Ренессанс фестиваль приглашает профессиональных артистов, которые предварительно проходят интенсивную практику по импровизации, скрупулезно вникая в детали средневековой жизни.

Невозможно посмотреть все концерты и представления в один день - так их много. Каждый из восьми уик-эндов фестиваля был посвящен разным темам: Пивной немецкий фестиваль, Фантазия на тему восточных сказок «1001 ночи», Ночь всех святых, Хэлоуин, Приключения пиратов, Римская вакханалия, Шотландские танцы, Нашествие варваров, Кельтское Рождество. Если вам не довелось попасть на Фестиваль в этом году, постарайтесь не пропустить его следующей осенью. Редакция газеты ежегодно предлагает билеты на Ренессанс-фестиваль с большой скидкой.

Переезд в Америку для многих из нас стал поворотным пунктом биографии. Оказалось, что смена места жительства зачастую приводит к необходимости смены профессии даже у тех, кто, на первый взгляд, мог проявить себя в знакомой специальности. При этом, как это ни парадоксально, у многих начинают проявляться таланты, так глубоко скрытые, что о них ни они сами, ни окружающие даже и не догадывались.

Так в Хьюстон 11 лет назад приехала женщина с четырьмя детьми. Ей, врачу-невропатологу, практически, без английского языка, кем только ни пришлось работать, чему ни обучаться. Наконец, новая профессия - массажист, о которой она говорит с сердечной теплотой, новая семья, подрастающие дети. Жизнь, вроде, устроена… И тут она попадает на репетиции спектакля “Самоубийца” и своими глазами видит, как целый спектакль собирается, складывается из отдельных кусочков, как пазл. Вдохновленная этим действом творчества, Люда Вайнер загорается идеей включить в этот процесс детей.

Так начиналось это чудо, это место притяжения детей, проблем родителей и радости бабушек и дедушек, которое называется детским театром “Радость”.

О нем не раз писали, но есть такие области нашей жизни, о которых сколько ни пиши, всего не скажешь, потому что на них отзываются какие-то особо теплые струны сердца.

Для Люды Вайнер детский театр - это полет в неизвестное, туда, где творчество десятков людей соединяется каждый раз в чудо спектакля. Ее вдохновенный и образный рассказ о детях, театре, репетициях слушаешь, затаив дыхание:

- Мы, на самом деле, не театр. Мы играем в театр. Все дети - такие хорошие, такие яркие. Когда распределяются роли, самое главное - защитить самолюбие детишек. В детском спектакле все должны быть первыми. Даже самая маленькая роль делается так, чтобы ребенок почувствовал, что только он ее может сыграть и никто больше. Поэтому у нас, как правило, нет дублеров.

Самое интересное – это репетиции, когда из ничего возникает спектакль. Детям надо дать образ. А дальше только смотреть, что они на каждой репетиции фантазируют. Их переиграть невозможно. Им надо рассказывать сказку - на каждой репетиции с новыми интонациями, чтобы им было интересно. С детьми надо работать быстро. Через 4 - 5 месяцев им в эту сказку играть надоедает.

Мы ставим спектакли не для публики, а для детей. Чтобы в их жизни был этот праздник - выход на сцену, аплодисменты благодарных зрителей. Спектакли мы играем для публики обычно не более двух-трех раз. Детям театр должен быть в радость, в удовольствие. Он не должен превращаться в скучную работу.

Я вовсе не считаю, что дети должны участвовать во всех спектаклях. Я тут недавно посчитала - в нашем театре на сцене играли более ста детей. Это замечательно. Ведь театр дает детям уверенность в себе, раскованность, очень важное умение держаться естественно на публике. Кем бы они ни были потом, это им очень пригодится в жизни.

Здорово, когда в детском спектакле участвуют взрослые. Артисты всех возрастов становятся как бы равными. Во взрослых вдруг открывается детское озорство. А дети поднимаются до уровня взрослых. Это такая радость для всех!

Но за кулисами этой радости стоят часы серьезной работы, пронизанной, пропитанной творчеством… и переживаниями. Это и поиск темы очередного спектакля, и разработка сценария, подбор песен и диалогов и постановка танцев, создание костюмов и декораций, не говоря уже о подготовке каждой репетиции и решении проблем с родителями.

В детском, особенно малышовом театре, есть одна очень важная особенность - готовых сценариев, практически, не существует. Разве что “Теремок” Маршака сделан так, что по нему можно прямо ставить спектакль. А все остальные - в основном, Людино творчество. Так же как и костюмы к спектаклям – подобранные и сшитые, как правило, самой Людой.

Но одна Люда, к которой детишек притягивает, как магнитом, театр создать не могла. Светлая идея детского театра оказалась притягательна не только для детишек, но и для взрослых. Кто-то приходит, чтобы помочь с одним-двумя спектаклями, а кто-то прикипает к театру всей душой. Как не порадоваться, что вокруг “Радости” собралась группа настоящих энтузиастов, отдающих ему силу, время и вдохновение.

Владимир Штерн и Светлана Хассен помогают с режиссурой. Татьяна Рахманова из Израиля и Анна Гринберг из Нью-Джерси сочиняют песни, придающие каждому спектаклю особую индивидуальность, а Слава Надворецкий, Игорь Муратов и Татьяна Каждан – обучают детей этим песням, готовят музыкальное оформление всего спектакля. Алла Шарий, Алена Кочурова и Оксана Чернюк ставят украшающие спектакли танцы. Настя Миронычева, Аня Макарова и Елена Филипс создают очень простые и одновременно емкие декорации. Ольга и Андрей Казанцевы - неизменные звукооператоры, на работе которых все держится во время представления. Инга Грин, Саша Поминов и Герман Генин занимаются лицом и историей театра: полиграфия, фотографии, видеозаписи спектаклей и репетиций. Очень интересный фоторассказ о каждом спектакле готовит и Владимир Штерн. А всего, что делает Ефим Вайнер, и не перечислить. Прежде всего, на нем вся организационная и деловая часть “Радости” - его бюджет, договоры о помещениях, оборудовании… Но, главное - он всегда рядом, всегда и во всем готов помочь и физически и, что иногда гораздо важнее - морально.

С каждым днем расширяется число друзей театра. Москвич Дмитрий Морозов и Татьяна Пеккер из Остина написали стихи специально к “Сказке о потерянном времени”. Юрий Трушин из Далласа создал картину-эмблему к этому спектаклю, а московский художник Евгений Камзолов - к будущей постановке сказки о Дюймовочке. Хьюстончане Владимир Потоман с Ириной Зильберфайн придумали слова заключительной песни к спектаклю “Глупый мышонок”.

Детский театр сам пока находится в детском возрасте - ему чуть больше трех лет. Мало кто помнит домашний, как называет его Люда, спектакль “Золушка”, который появился в зале старого здания пансионата “Синяя птица” - в мае 2005 года. А вот показанный в ноябре того же года спектакль”Кошкин дом” помнят очень и очень многие. Успех постановки не только среди взрослых, но, главное, у детишек, смотревших на сцену горящими глазами, привел к тому театру, который мы знаем сейчас. За эти 3 года поставлено 11 спектаклей - любой взрослый театр позавидует. Да и мало какому театру удается доставлять столько радости и артистам, и их родным, знакомым и незнакомым зрителям!

В этом году “Радость” повернулась к нам новой гранью - начал работать хор под руководством Славы Надворецкого. Значение песни для растущих в Америке русскоговорящих детишек переоценить невозможно. Это не только обучение искусству пения, но и уникальная возможность расширения словарного запаса, гораздо большего, чем предоставляют спектакли театра, и для гораздо большего количества детей.

В этом году впервые за историю “Радости” театр пригласили участвовать в благотворительном концерте - на Новогоднем празднике, устраиваемом Генеральным консульством Российской Федерации в Хьюстоне специально для адаптированных американскими семьями российских ребятишек. Кстати сказать, на этом концерте зрители увидят не только первую часть спектакля “Глупый мышонок”, но и выступление танцевального ансамбля “Узоры” под руководством Алены Кочуровой.

А в следующем году – первые в жизни “Радости” гастроли. Они пройдут не где-нибудь, а в Вашингтоне, куда 24 человека из театра и 12 сопровождающих - дети все-таки - едут с 9 по 11 января. Люда очень благодарна Светлане Соколовой, руководителю гейтерсбургского детского театра-студии “Алые паруса” (штат Мэриленд), предоставившей возможность показать спектакль “Двенадцать месяцев” за пределами Техаса.

Есть договоренность выступить с этим спектаклем в Далласе 1 февраля. Организацию гастролей взяла на себя Елена Гораль.

А Люда уже вовсю работает над сценариями к следующим постановкам - спектаклю “Дюймовочка” и мюзиклу для малышей “Семь музыкальных козлят” и мечтает поставить спектакль, в котором принимали бы участие зрители.

Дорогая наша “Радость”! Мы желаем тебе расти, набираться опыта, обрастать друзьями, но оставаться все тем же местом радости и притяжения для хьюстонских ребятишек.

Мой приятель, скрипач, приветливо и немного печально помахал мне смычком из оркестровой ямы: «У нас опять марафон. «Щелкунчики» начались!»

До Рождества и Нового года ещё далеко, а ощущение праздника уже есть. 28 ноября балет Хьюстона начал первое в бесконечной череде представление самого любимого из балетов Чайковского.

«Щелкунчик», действительно, стал самым русским балетом на Западе, более того, он стал символом наступающих торжеств. Весь первый акт балета является «наглядным пособием» по празднованию Рождества. Это и традиция, и современность, и идея семьи, и, что особенно важно для Техаса, несбыточная мечта о снеге - всё вместе. С другой стороны, «Щелкунчик» является ежегодным беспроигрышным коммерческим проектом, в хорошем смысле. Билет на спектакль - чем не подарок?

Спектакль Бена Стивенсона, который мы лицезреем уже не первый год в Хьюстоне, сделан подчёркнуто проамерикански, со всей трогательностью и сусальностью. Нет в нём ни гофмановского мистицизма, ни пронзительности Чайковского - яркий комический первый акт и блаженное царство сластей - во втором. Здесь всё во власти стереотипов, которые обретают более глубинный смысл, постепенно становясь традицией.

В одном Бен Стивенсон подкачал - в логике развития «лирической» линии. Непонятно, для чего девочка Маша (или Клара) спасла Щелкунчика. Неужели для того чтобы тот, превратившись в принца, танцевал по очереди то с Королевой снежинок, то с феей Драже, но никак не со своей спасительницей. Так не честно. Но Машу (Клару) это нисколько не удручает. Она сидит себе на троне и поедает сладости. Всё оказалось на месте: Принцу - девушки, Маше-Кларе - конфеты. Зритель вполне доволен, мир детства сохранён в своей незыблемости. А где же зарождение любви и прочие романтические рефлексии? Только не в этом спектакле, какие могут быть рефлексии на детском утреннике?

Есть ещё одно упущение, но уже в музыкальном плане - в «снежной» сцене начисто отсутствует хор. Вы думаете, это признак кризиса и не нашлось денег на певцов? Вовсе нет, так повторяется из года в год. И это в нашем-то городе с фундаментальной хоровой традицией. Достаточно было бы набрать волонтёров - детские или женские голоса, и партитура зазвучала бы по-новому. А ведь многие из американских зрителей и не подозревают, что в «Щелкунчике» есть хор.

Если в труппе имеется русский танцор, то именно он будет исполнять «Русский» танец во втором акте, иными словами, если есть русская душа в труппе, то нужно её показать. Так в одном из составов в хьюстонском балете «Русский» танцует Илья Козадаев и делает это блистательно. Вообще, во втором акте танцев гораздо больше. На нынешней премьере зрителям более всего запомнился арабский танец «Кофе» в исполнении Amy Fote и Nicholas Leschke.

Со «Щелкунчика» зритель должен уходить влюблённым, труппе хьюстонского балета удаётся сохранить это ощущение во многом благодаря образу принца. На премьерном спектакле эту роль исполнял эстонский танцор Линнар Лоорис. На вопрос, насколько важно и престижно танцевать на премьере в первом составе, Линнар ответил: «На премьере танцует ведущий состав. В этом году в него попал я. Это случилось в первый раз и для меня это большая честь».

Принц-Щелкунчик для Линнара была самая первая сольная роль. «Эту партию всегда дают молодым солистам для проверки: справится или не справится. Были случаи, когда эта роль была первой и последней в сольной карьере. Интересный это спектакль, «Щелкунчик». Он может открыть тебе весь мир, а может и закрыть на пару лет, а то и навсегда», - говорит танцор.

Чем можно удивить зрителей в спектакле, повторяющемся каждый год? Линнар считает, что, кроме того что попросту лучше танцевать из года в год, можно добавить импровизации в первом акте, где для каждого артиста существует определённая свобода действий. Это касается сцен с участием детей, где простора для импровизации - хоть отбавляй. «Импровизировать, конечно, можно, но в рамках дозволенного. Я помню, во время постановки «Щелкунчика» в Бирмингеме на одном из последних спектаклей, ребята, танцевавшие солдат, стали играть пьяных и ходить задом-наперёд. Но они так хорошо отрепетировали сцену, что получилось всё чётко, без сбоев и уморительно смешно, так что ругать их за это не стали. В Америке не очень-то принято делать капустник из серьёзного спектакля (а «Щелкунчик» таковым и является). Зритель хочет видеть людей в трико и пачках, исполняющих добротный классический балет. А как же? За что деньги платили?»

«Щелкунчик» для зрителей - это праздник в чистом виде. Для исполнителей – тоже, но…до определённого момента. В какой же момент для исполнителей он перестаёт быть праздником, и как бороться со сценической рутиной?

На этот вопрос Линнар ответил: «Есть такой момент, когда ты чувствуешь, что работа начинает главенствовать над искусством, но я нашёл для себя лекарство - надо каждый вечер танцевать, как будто это последний спектакль. Я не попадаю в плен рутины и стараюсь ценить каждую минуту своей карьеры (ведь век танцоров короток). И когда у меня получается, я чувствую, что становлюсь чуточку лучше».

И спектакль, несомненно, от этого становится лучше. Давайте снова поверим в эту прекрасную сказку.

4 января 2009 года в Хьюстоне состоялась Новогодняя премьера Детского театра «Радость» с представлением «12 месяцев». Яркие костюмы и декорации, прекрасно отрепетированные танцы и сцены, интересные дополнительные номера к знакомому сюжету сказки и, главное, - сплочённый коллектив детей, родителей и помощников под управлением руководителя театра Людмилы Вайнер сделали этот спектакль не только самым лучшим новогодним подарком детям и взрослым, но и позволили воплотить в жизнь первый в истории театра «проект» - поездку на гастроли в Вашингтон.

Детский театр подготовил спектакль, костюмы и декорации. Билеты на самолёт и оплату гостиницы родители и все помощники оплатили сами, автобус для перевозки коллектива выделило посольство РФ в Вашингтоне, аренду зала, афиши, билеты, покупку подарков и организацию питания взяла на себя директор школы «Алые паруса» в Вашингтоне Светлана Соколова, экскурсию по ночной столице оплатили из выручки за представление.

Выступление в Вашингтоне состоялось 10 января 2009 года и прошло с огромным успехом: зал был полон, дети счастливы, организаторы довольны.

Вот одно из мнений о спектакле: «В субботу вы выступили в Мэриленде - великолепно! Какая замечательная постановка, какие талантливые дети! Дети вообще не бывают неталантливыми. Родители бывают ленивые. Вы вкладываете в детей всю душу; у них будет что вспомнить и за что благодарить детство и вас! Спасибо вам! Как замечательно, что у вас в постановке участвуют все возможные возраста, от мала до велика. Прекрасно вставлены танцевальные номера. Как хорошо подобрана музыка. Костюмы - у меня вообще слов нет. От лошадок в конце у меня слезы на глаза выступили. Очень трогательна главная героиня. Мальчик-апрель, танец огня, танец братьев-месяцев, последний танец, мачеха с дочкой – просто незабываемы. МОЛОДЦЫ!!!»

А вот мнение Люды Вайнер: «Закончились наши первые гастроли. Грустно и радостно! Было все просто замечательно, столько событий, впечатлений, переживаний… Все помогали друг другу, чувствовали поддержку и участие. Настоящая команда!А главное, как замечательно выступили ребята. Мы можем гордиться нашими детьми! Большое спасибо всем ! Гастроли в Вашингтоне - это новая, незабываемая страница нашего театра».

Алых парусов тебе, детская «Радость»! УРАА!

«Танцующего израильтянина невозможно

остановить, как поющего Кобзона» (цитата)

В Израиле нет традиции классического балета. В государстве, родившемся в 1948 году, почти сразу воцарился модерн.

Когда-то, в начале XX века, один из самых известных Ротшильдов, глава французской линии этого рода, барон Эдмон-Джеймс Ротшильд, вложил в экономику возрождающегося Эрэц-Израэля миллионы франков. Однако он не захотел делиться славой филантропа с роднёй и запретил израильтянам принимать помощь от других Ротшильдов. Но на родную дочь этот запрет не распространялся. Батшева Ротшильд была инициатором создания на израильской земле первой труппы современного балета, которая стала впоследствии носить её имя.

Баронесса Батшева родилась в Париже в 1916 году. Эмигрировав из Франции в 1940 г., она была принята вольнослушательницей в американскую студию Марты Грэхем. Говорят, новенькая не была блестящей танцовщицей, к тому же носила дешевые платья, купленные на распродажах. Но это вовсе не говорило о скупости. В конце 40-х, когда труппе Грэхем угрожал серьёзный кризис и отмена целого сезона выступлений, Батшева выписала чек на фантастическую по тем временам сумму, спасшую коллектив. Подобные ситуации повторялись несколько раз.

К 70-м годам труппа, стараниями баронессы Батшевы, успела стать «национальным достоянием» со скромным, но постоянным бюджетом от Министерства культуры Израиля. Апогеем того периода стали, несомненно, гастроли сначала в Париже, затем в Нью-Йорке в 70-м и 72-м гг. «Батшева» блестяще выдержала экзамен. И если не всегда хватало виртуозной техники, она возмещалась яркой сценичностью. В дальнейшей истории ансамбля выделяется два события. Это создание оригинальных спектаклей двумя крупнейшими хореографами. Джон Кранко поставил с труппой мистическую по силе и глубине работу «Народ мой– море, народ мой – лес», а Марта Грэхем создала для «Батшевы» свой «Сон Яакова» (в американской, более поздней, версии – «Сновидения»).

Сегодня труппа «Батшева Данс» - это сочетание пластики, мощнейшей энергетики, динамики, ярчайшей хореографии с уникальными техническими трюками. Авангардные постановки «Батшевы» пользуются успехом у самой взыскательной публики и очень популярны среди молодежи. «Батшева» гастролирует в Европе, Японии, Австралии, США и Латинской Америке, участвует в престижных международных фестивалях, выступает в известнейших театрах мира.

В 1990 году труппу возглавил Охад Нахарин, к тому времени уже известный во всём мире хореограф. Нахарин, наряду с Иржи Килианом, Уильямом Форсайтом, Хансом ван Маненом и Начо Дуато, входит в число лучших балетмейстеров конца 20-го века. Именно благодаря Нахарину и его уникальным проектам «Батшева» получила мировое признание.

Внук выходцев из России (что он любит подчеркнуть в интервью русскоязычным журналистам), Охад Нахарин родился в кибуце в артистической среде: его мать преподавала танец и композицию, а отец был актёром. Нахарин учился в США, танцевал в труппе Мориса Бежара, затем был приглашен в Нидерландский танцевальный театр, сотрудничал с Иржи Килианом. Для «Батшевы» Нахарин создал одни из самых ярких своих работ, в том числе, «Анафаза», «Вирус», «Deca Dance», «Мамутот»,«Шалош».

Хореограф из страны, живущей в режиме войн и переговоров, сменяющих друг друга, в своём творчестве сосредоточен на теме взаимопонимания людей. В репетиционном классе он убирает зеркала, чтобы танцовщики смотрели друг в друга, как в зеркало, отражали друг друга и существовали в режиме предельной внимательности. «Отмена зеркала, мощного отвлекающего момента, для меня принципиальна, - говорит Нахарин. - Думаю, не найдется в мире классического танцовщика, который бы не контролировал себя в зеркале. Я запрещаю артистам делать это, даже когда репетируем в балетном классе с зеркалами, где-нибудь на гастролях. Танцовщики не видят, как они выглядят, и это связывает их с пространством, с самоощущением так, как того требует сцена, выстраивает их отношения друг с другом. Постигнуть искусство можно, только растворившись в нем, размыв границы между танцем, театром и бытовой пластикой. Средством общения становится не то, «как я выгляжу», а сосредоточенность на развитии движения».

Вряд ли можно представить себе более согласованный, более чуткий друг к другу ансамбль, чем в «Батшеве». Артисты откликаются не только на жест другого, но на крохотный намек, на самое начало жеста. Идеальное взаимодействие - самая сильная сторона ансамбля. Тела танцовщиков «переливаются» друг в друга, танцевальная масса колышется и плещет кончиками пальцев, сидящие на поставленных полукругом стульях артисты по очереди вскидывают руки с синхронностью костяшек домино. Всё это пластическое великолепие можно увидеть в программе «Deca Dance», которую «Батшева Данс» привозит в Хьюстон.

«На мой взгляд, идея нашего танца – создать впечатление, что у нас нет стиля, это попытка связать удовольствие с движением без каких-либо ограничений, включить на полную мощь силу воображения», - говорит Охад Нахарин. Музыка к постановке взята из разных стилей и жанров, начиная от классики до хип-хопа. «Я люблю хорошую, динамичную музыку. Таким примером может послужить интерепретация «Болеро» Равеля на синтезаторе, в которой осталась суть музыки без пафоса», - продолжает Нахарин. Программа «Deca Dance» - это квинтэссенция современного танца, которая не может не заинтересовать зрителя.

19 декабря в Национальной портретной галерее Вашингтона состоялась презентация портретов Джорджа Буша и его жены, Лоры. Буша написал его университетский друг Роберт Андерсон (Robert Anderson), а Лору - русский художник Александр Титовец. Уходящий президент США и первая леди лично провели торжественную церемонию, на которой присутствовали около 800 гостей.

Первая леди изображена сидящей в кресле у окна с книгой в руках. Лора Буш осталась бесконечно довольна работой. Она особенно отметила романтичный стиль, в котором выполнен её портрет. «В работах Александра Титовца чувствуется влияние Старого света», – заметила госпожа Буш. «Ностальгия его портретов и пейзажей поражает. Я была особенно рада, что мой портрет рисовал художник, живущий в Эль-Пасо, где прошло детство моей матери», - продолжила бывшая первая леди.

Александр Титовец, или Саша, как любовно называют его американские друзья, переехал из Санкт-Петербурга в Эль-Пасо вместе с женой Любой (тоже художницей) и двумя дочерьми в 1992 году. Он выпускник Санкт-Петербургского художественного училища, работающий в фигуративном и пейзажном жанре, навеянном традиционным русским искусством.

Александр приехал в Америку настоящим «бедным художником», с несколькими долларами в кармане, перебивался случайными заработками, например, раскрашивал двери гаражей. Но его талант пробил себе дорогу, и в течение нескольких лет Титовец достиг национального признания. Заказ портрета Лоры Буш Александр считает для себя большой честью.

После возвращения из Вашингтона и визита в Белый дом Титовец и его жена Люба начали готовиться к совместной выставке в остинской галерее Shoal Creek. На выставке, которая откроется 30 января и продлится до 21 февраля, будут представлены работы Александра: пейзажи и фигуративная живопись, а также натюрморты и фольклорные сцены работы Любы.

Оба художника в своём искусстве склонны отдавать дань традиции реалистического направления. Александр тяготеет к тому, что он называет «тихой живописью». Его картины отражают оптимистическое мироощущение. Его твердая, уверенная манера класть мазки и гармоническое использование цвета создают тепло, которое доминирует даже в зимних пейзажах художника. На его картинах лежит отпечаток классической русской школы живописи: стиль, который сочетает в себе мощный реализм с мягкой, лирической эфемерностью импрессионизма.

Александр принимал участие в конкурсе Национальной академии дизайна в Нью-Йорке и в конкурсе американской живописи. Ассоциация художников Америки в 1998 году присудила ему премию Artist’s Choice. Его работы включены в государственные и частные коллекции по всему миру, в том числе, в коллекцию Софи Лорен и короля Испании Хуана Карлоса.

Родившаяся и выросшая в Санкт-Петербурге, Люба впитала в себя всё культурное богатство своего родного города. Специфика творчества Любы заключается в ее таланте «визуального рассказчика». Она выбирает универсальные темы (люди, обычаи, каждодневная жизнь) и наполняет их живым цветом и энергией. Каждый из её натюрмортов - это тоже своеобразный яркий рассказ: предметы, которые она выставляет на столе или окне, как бы общаются между собой.

Живя в Соединенных Штатах, Люба получила многочисленные награды на национальных и международных конкурсах, включая Национальный конкурс живописи, выставку «Великие американские художники» в Цинциннати, штат Огайо и выставку в Вестминстерском аббатстве в Лондоне.

Ее имя включено в архив «Национального музея женщин в искусстве» в Вашингтоне. Работы Любы Титовец можно встретить в государственных и частных коллекциях в США и за рубежом. Она является иллюстратором нескольких книг.

Выставка Александра и Любы Титовец состоится в Остине, в Gallery Shoal Creek. Подробности на сайте: www.galleryshoalcreek.com

«Риголетто» - одна из самых репертуарных опер Джузеппе Верди- скоро увидит свет на сцене остинской Лирик-оперы. В роли Джильды выступит знаменитая сопрано Любовь Петрова.

Творческая карьера певицы началась в московской Новой Опере. Потом последовала стажировка в Метрополитен-опера, дебютная роль в прославленном Нью-Йоркском театре (Цербинетта в «Ариадне на Наксосе») и ряд блистательно спетых партий на ведущих оперных площадках. Среди них «Лючия ди Ламермур» в Вашингтонской опере и Адель в «Летучей мыши» на Глайндборнском фестивале в Англии. Критики называют Петрову живой и подвижной, единогласно отмечая её яркое актёрское дарование.

Последнее время Любовь Петрова - частый гость техасских музыкальных театров. В прошлом сезоне она запомнилась хьюстонским зрителям в партии Оскара (опера Верди «Бал-маскарад»), в ноябре прошлого года она пела Сюзанну в моцартовской «Свадьбе Фигаро» на сцене Далласской оперы.

Своей главной музыкальной победой певица считает роль Клеопатры в генделевском «Юлии Цезаре» (постановка Глиммергласс-опера). «Во-первых, я люблю музыку Генделя, хотя петь приходилось редко, кроме «Юлия Цезаря» пела в двух операх «Орландо» и «Ксеркс». А во-вторых, в Глиммергласс у меня была полная свобода импровизации - как актёрской, так и певческой - я могла вставлять в арии любые колоратуры», - говорит певица. Ревю The Post Standard CNY Weekend and Stars, последовавшее за спектаклем, было восторженным: «Российская сопрано Любовь Петрова – не что иное, как сенсация. В роли Клеопатры она обворожительна. Её пение и игра выше всех похвал. Что бы она ни играла - флирт, любовные сцены или страдания - она великолепна. Петрова настолько ошеломила зрителей, что они устроили ей овацию, прямо в середине спектакля».

Любовь утверждает, что переломом в её понимании актёрского мастерства явилась работа над «Волшебной флейтой» Моцарта. В 2007 году английский актёр и режиссёр Кеннет Брана снял феерически зрелищный фильм-оперу, переведя текст с немецкого на английский язык, и перенёся действие оперы во времена Первой мировой войны со всеми вытекающими последствиями. Например, Царица ночи, которую и исполняла Любовь Петрова, выезжала пред очи принца Памино…на танке. Певица вспоминает работу над «Волшебной флейтой» с восторгом: «Для меня это был потрясающий опыт соприкосновения с иным видом искусства, нежели традиционная опера, увлекательное сотрудничество с Кеннетом Брана - режиссёром выдающимся, и, конечно, было очень интересно поработать на камеру».

О нынешней остинской постановке «Риголетто» Любовь рассказывает, как об искреннем следовании замыслу композитора: «Мы, певцы, стараемся вести себя на сцене максимально естественно и правдиво, без сгущения красок. Сюжет оперы настолько драматичен и музыка Верди настолько психилогична, что следовать по пути ещё большей драматизации не стоит. Всё написано в нотах, нужно только исполнить. Прекрасно, что мои коллеги по спектаклю чутко понимают это. У нас собрался замечательный состав - блестящие певцы и актёры, которые отвечают на любые импровизации и помогают, не «тянут на себя одеяло», а именно помогают существовать на сцене».

На оперу «Риголетто» у певицы личный, лирический взгляд: «Для меня эта опера о любви в разных её проявлениях. Каждый из персонажей любит по-своему. У Герцога - это физическая, сладострастная любовь, у Риголетто - отеческое чувство, которое даже где-то граничит с безумием. Моя героиня, Джильда, в каком-то смысле, для меня олицетворение идеала, когда любят безраздельно и жертвуют собой во имя любви».

На вопрос, чем запомнится спектакль «Риголетто» зрителям, Любовь ответила: «Каждый человек в этой опере может найти что-то для себя. К примеру, отец семейства, имеющий дочь, наверняка примет близко к сердцу трагедию Риголетто, потерявшего самое дорогое и любимое, что было в жизни. Для какой-нибудь девушки это будет история любви с ожиданием, изумлением, восторгом и страхом потери. Если мы, исполнители, сможем достучаться до каждого зрителя, оставить след в его душе, это будет нашей победой».

Певица с присущей ей скромностью умолчала о том, что именно её присутствие в этом спектакле будет главным событием, особенно для русскоязычных любителей оперного искусства.

Читателям газеты «Наш Техас» Любовь адресовала тёплые слова: «Мне чрезвычайно приятно, что в Техасе есть русскоязычная газета, а значит, и много людей, которые её читают. Для меня это приятный сюрприз. Я всех приглашаю на спектакль и буду рада, если люди получат удовольствие от моей работы. Я желаю всем счастливого Нового года - мы всё ещё в январе, так что это вполне уместно - и побольше счастливых дней и светлых впечатлений и ощущений».

За свою долгую жизнь Джузеппе Верди создал почти три десятка опер, однако именно «Риголетто» (1851 г.) обычно приходит на ум первой, когда вспоминают имя великого итальянского композитора. По своей популярности с «Риголетто» могут соперничать разве что «Травиата» и «Трубадур», увидившие свет в те же 50-е годы 19 века.

Сюжетом для оперы послужила драма Виктора Гюго «Король забавляется». Сценическая жизнь этой пьесы после премьеры 1832 года, вызвавшей манифестацию, была прервана и возобновлена лишь через пятьдесят лет. 11 марта 1851 года - герои пьесы Гюго под другими именами предстали в опере Верди на сцене театра La Fenice в Венеции.

Постановке оперы предшествовала упорная борьба композитора с цензурой, наложившей запрет на либретто Ф. Пиаве. Цензура требовала убрать исторический персонаж - короля Франциска I, затушевать его всевластие и развратность, заменить безобразного главного героя (шута Трибуле) на традиционного оперного героя и даже были претензии к мешку, в который Спарафуччиле прячет свою жертву. Верди поначалу решительно отвергал нелепые требования цензуры, стойко защищал все детали сюжета, но в итоге согласился на некоторые уступки. Место действия перенеслось из Франции в Италию, король Франциск понизился в звании и стал герцогом Мантуанским, поменялись имена действующих лиц, а опера, прежде называвшаяся «Проклятье», получила более нейтральное название по имени шута. Однако после всех переделок суть и смысл оперы остались неизменными. Сам композитор считал сюжет «Риголетто» лучшим из всех, положенных им на музыку.

Опера «Риголетто» - подлинный шедевр вердиевского оперного театра - с его страстями, слезами, нежностью, коварством, мощными драматическими коллизиями и прекрасным пением. Доверьтесь магии искусства, насладитесь музыкой Верди на сцене Austin Lyric Opera.

Февраль и март - горячая пора в культурной жизни штата Техас. Мы решили познакомить вас, дорогие читатели, с самыми интересными музыкальными событиями, ожидающимися вскоре.

«Всенощное бдение» С. Рахманинова по праву считается одним из мировых шедевров духовной музыки. Сам композитор особо выделял «Всенощную» среди своих сочинений. Больше всего в этом сочинении он ценил пятую часть «Ныне отпущаеши» и хотел, чтобы именно она звучала во время его погребения.

Композитор не раз обращался к жанру духовной музыки. Известен его ранний Концерт для хора a cappella «В молитвах неусыпающую Богородицу» (1893), Литургия святого Иоанна Златоуста ор. 31 (1910) и, наконец, Всенощное бдение ор. 37 (1915).

Всенощное бдение или Всенощная (ночное бодрствование) - богослужение православной церкви, совершаемое вечером накануне воскресения и церковных праздников. Впервые к этому жанру обратился П. Чайковский в 1882 году; в числе других композиторов -создателей Всенощной - А. Кастальский, П. Чесноков, А. Архангельский, А. Гречанинов.

Вершинным произведением стало «Всенощное бдение» Рахманинова.

Его «Всенощная» появилась в разгар Первой мировой войны и впервые была исполнена 10 марта 1915 года в Большом зале Благородного собрания Синодальным хором под управлением знаменитого регента Н. М. Данилина. Среди публики было много духовных лиц. Аплодисменты в зале запрещались, так как исполнялась церковная музыка. Успех был огромен, но несмотря на грандиозный успех сочинения, дальнейшая судьба его складывалась парадоксально. Сначала эта музыка не нашла себе места в церковном обиходе из-за своей «нецерковности», которую представители духовенства видели в её повышенной эмоциональности, чрезмерной пышности, концертности и крайней исполнительской сложности. Далее, в советское время, сочинение вовсе не было допущено на концертную сцену в силу своей принадлежности к культовому искусству.

В СССР «Всенощная» не исполнялась с 1926 г. до 80-х гг., когда её возродили в Петербурге и Москве. Произведение вернулось в концертные залы, фрагменты его иногда звучат на богослужениях, но однозначного мнения по поводу рахманиновской «Всенощной» в среде православного духовенства до сих пор нет.

«Всенощная» создавалась на основе и церковной, и светской музыки, поэтому её можно рассматривать как цикл и литургический, и концертный. В основу Всенощной положены древнерусские церковные мелодии, бытовавшие в практике православного богослужения - знаменный распев и его разновидности (греческий, киевский и другие). В десяти частях из пятнадцати композитор непосредственно обратился к первоисточникам, в пяти ввел свои собственные темы (их Рахманинов называл «подделкой под стиль»). На слух сочиненные им мелодии не отличались от цитируемых напевов.

Главное отличие рахманиновской духовной музыки заключается в невероятной свободе музыкального письма. Можно сказать, что «Всенощное бдение» невозможно для исполнения на уровне авторского замысла. Эта музыка написана как будто не для людей, а для ангелов, колоколов и небесных и земных стихий. Партитура чрезвычайно сложна в вокально-хоровом отношении и требует от исполнителей высокого профессионального мастерства. Если хоровой коллектив и дерзнёт исполнить «Всенощную» Рахманинова целиком, это свидетельствует о его творческой зрелости и высочайшем уровне исполнительства.

На Западе «Всенощная» исполняется крайне редко. Это обусловлено не только сложностью церковно-славянского языка, но и наличием в партитуре низких басов -октавистов, явления вполне типичного для России, но редкого для Америки. В 2003 году «Всенощное бдение» блистательно исполнил камерный хор Хьюстона под управлением Р.Симпсона. В этом году это произведение включил в репертуар остинский хор Conspirare.

Conspirare был создан в 1991 году. Название коллектива произошло от латинского слова «conspirare» - «вместе звучать», «согласоваться», «дышать вместе».

Под управлением основателя и художественного руководителя Грэга Хелла Джонсона, Conspirare сочетает вокальное мастерство с новаторским подходом к концертным программам. Один из самых именитых дирижёров страны, Джонсон собрал вокруг себя лучшие голоса со всей Америки и создал коллектив мирового класса.

Записи хора Conspirare два года подряд (2007 и 2008) номинировались на премию “Грэмми” («Реквием» композитора Герберта Хоуэллса, который выпустила фирма Clarion в 2006 году и «На пороге ночи», выпущенный в 2008 год компанией Harmonia Mundi). Conspirare выступал в престижных концертных залах, в том числе в нью-йоркских Карнеги Холле и Линкольн Центре, а также на восьмом Всемирном симпозиуме хоровой музыки в Копенгагене. Хор продолжает получать международное признание и восторженные отзывы, в том числе публикация в октябре 2008 года в журнале «Gramophone». В октябре прошлого года состоялся концерт Conspirare, который был записан для национального вещания на PBS и будет транслироваться в марте 2009 года.

«Всенощное бдение» Рахманинова в исполнении хора Conspirare прозвучит не только в Остине, но ещё и в Сан-Антонио.

Voces Intimae («Сокровенные голоса») - молодое далласское музыкальное сообщество, основанное в 2005 г., позаимствовало своё название у одного из квартетов финского композитора Яна Сибелиуса.

Voces Intimae популяризирует высокое искусство пения в среде любителей музыки и делает это в интимной, личной манере, что позволяет слушателям теснее приобщиться к этому искусству. Музыканты Voces Intimae ставят своими целями возродить интерес к искусству пения среди современной аудитории и включают в программы различные по жанру вокальные композиции - от Гуго Вольфа и Сергея Рахманинова до Джорджа Гершвина и Боба Дилана.

В этом музыкальном сезоне Voces Intimae приноcят северный колорит в Даллас. Белые ночи и северное сияние – явления, с которыми ассоциируются страны Скандинавии и Север России, явились темой для следующего концерта Voces Intimae. Объединение в одном концерте произведений русских и скандинавских композиторов оказалась благодатной почвой для творчества музыкантов сообщества. У далласского зрителя появится возможность насладиться романсами и песнями М.Мусоргского, С.Рахманинова, С.Прокофьева, Я. Сибелиуса и Э. Грига.

М. Мусоргский - один из величайших музыкальных психологов. Последователь Даргомыжского, он в вокальных жанрах пошёл по пути раскрытия психологии, переживания, речевой интонации. Мусоргский создавал музыкальные портреты, в которых можно углядеть характер личности, манеру поведения. Например, в вокальном цикле «Детская» (на собственные слова) Мусоргский с необыкновенной глубиной и проницательностью раскрывает мир детских радостей и огорчений, предваряя музыкальный психологизм искусства XX в.

Цикл «Песни и пляски смерти» на слова А.Голенищева-Кутузова является венцом вокального творчествоа композитора. Тема смерти – одна из вечных тем искусства. Почему цикл называется не только «песни», но и «пляски» смерти? Здесь «пляска» смерти рассматривается шире: как последняя игра, как кружение, как обман. Смерть никогда не показывает своего истинного лица, поэтому ее никто и не знает. Исполнить «Песни и пляски смерти» - большая честь для любого певца. Этот цикл имеет огромные исполнительские традиции, взять хотя бы великого Шаляпина. Цикл этот необычен и сложен и в вокальном, и в актёрском смысле. Необычна и сама тема: смерть, предстающая в разных обличьях, и её жертвы. В концерте Voces Intimae «Песни…» исполнит бас Brandon Gibson.

Романсы С. Рахманинова по своей популярности соперничают с его фортепианными произведениями. Композитором написано около 80 романсов, среди которых «Весенние воды», «В молчаньи ночи, тайной», «Не пой, красавица, при мне», «Утро», «Сирень». Личность человека раскрывается композитором в философском осмыслении Бога, жизни, смерти, мира природы и любви к России. В исполнении артистов Voces Intimae прозвучат романсы «Она , как полдень, хороша», «В моей душе», «Здесь хорошо», «Весенние воды».

Ян Сибелиус - автор более 100 романсов и песен, лучшие из них - «Чёрные розы», «Тростник», «Девушка вернулась со свиданья». Не цитируя народных мелодий, Сибелиус органично претворял музыкальный фольклор, используя его ладово-гармонические и ритмические особенности. Сочинения Сибелиуса отличаются своеобразной северной строгостью и одновременно непосредственностью высказывания. Романсы финского композитора прозвучат в исполнении сопрано Elizabeth Racheva.

Романсы и песни - один из основных жанров творчества Эдварда Грига (композитор написал около 150 романсов и песен). Связь со словом, лиризм, близость к народной песне, широкая доступность произведений песенного жанра - все это отвечало самому существу дарования Грига. Григ создавал романсы и песни на протяжении всей творческой жизни. Первый цикл романсов появился в год окончания консерватории, а последний - совсем незадолго до завершения творческого пути композитора. Интересен и биографический факт - песни Грига были написаны главным образом для жены композитора Нины Хагеруп, которая была превосходной певицей. В концерте романсы Грига исполнит сопрано Jeanine Thames.

Хоровой дирижер, композитор и вокальный педагог, выпускник Ленинградской консерватории, Александр Ром, посвятивший опере Далласа 18 лет на посту главного хормейстера, выступит в концерте Voces Intimae в качестве лектора. Александр Ром является специалистом по творчеству Э.Грига, а с музыкой Сибелиуса его связывает тот факт, что он приглашённый профессор Консерватории и Академии Сибелиуса в Хельсинки, финская музыка ему близка и дорога, так же, как и русская.

Не пропустите этот концерт, который сулит множество открытий в области трактовки русской классики американскими певцами и знакомство с новыми сочинениями.

Общество старинной музыки Ars Lyrica представляет программу «Женщины на грани», остроумно обыгрывая название знаменитого фильма Педро Альмодовара «Женщины на грани нервного срыва».

Музыканты выбрали вечную тему - образы женщин, некогда любимых и покинутых, презираемых и желающих отомстить. В программу включены арии, дуэты и трио «знаменитых роковых женщин» из опер композиторов от Клаудио Монтеверди до Йозефа Гайдна.

В качестве солисток выступят три блистательные певицы, хорошо известные хьюстонским любителям оперного искусства - сопрано Melissa Givens, меццо-сопрано Marie Lenormand и меццо-сопрано Соня Бразаускас.

Американское сопрано Melissa Givens была высоко оценена аудиторией и критиками за красоту тембра, интеллектуальную интерпретацию и выразительность актёрской игры. Она чрезвычайно разносторонний художник, исполняющий и музыку барокко, и ультра-современные произведения 21-го века. Певица удостоилась самых лестных похвал Чарльза Уорда из «Houston Chronicle» за исполнение соло в баховских «Страстях по Иоанну». Дэвид Мид из «Austin American-Statesman» назвал её соло в «Немецком реквиеме» Брамса «ангельским пением» и отметил, что такое звучание полностью соответствует замыслу композитора.

Меццо-сопрано Marie Lenormand стажировалась в студии хьюстонской Гран-оперы с 1999 по 2002гг. Хьюстонскому зрителю она известна по ролям Дорабеллы в моцартовской опере «Так поступают все женщины» и заглавной роли в опере Монтеверди «Коронация Поппеи». Недавно мы могли наблюдать певицу в роли Гермии на сцене HGO («Сон в летнюю ночь» Бриттена) и оценить её вокальные и актёрские данные.

Меццо-сопрано Соня Бразаускас известна своими выступлениями с Хьюстонским Обществом Баха (исполнение соло в Кантате No.79) и Хьюстонским Камерным оркестром (концерт арий Моцарта). Репертуар певицы разнообразен и охватывает множество знаменитых оперных и кантатно-ораториальных партий - от Розины в «Севильском цирюльнике» Россини до соло альта в кантате Прокофьева «Александр Невский».

Концерт Ars Lyrica «Женщины на грани» обещает быть настоящим триумфом искусства оперного пения.

Отец детского киножурнала «Ералаш» встречает 60-летний юбилей с юношеским задором и неизменным юмором..

Мальчишки и девчонки! А также их родители! У человека, который много лет дарит вам праздник – очень большой праздник: дяде Боре, или Борису Юрьевичу (для кого как), художественному руководителю юмористического киножурнала «Ералаш», исполняется 60 лет!

Правда, сам юбиляр важности события, видимо, не осознает.

- Несмотря на мой печальный и глубокий возраст, - при этом Грачевский делает грустное, даже тоскливое лицо - а потом неожиданно «включает» ослепительную улыбку, - во мне сидит какой-то пацан! Он никогда не устает, ему интересно жить, он хочет знать все: и современные песни, и новые анекдоты, и последние достижения науки! Этот пацан не только толкает меня вперед, но и дает возможность разговаривать на языке детей, а главное – всегда быть на пике их интересов. Не новомодного, сиюминутного, а глобального интереса к жизни.

Офис «Ералаша» находится на киностудии имени Горького. Борис Юрьевич все делает одновременно: готовится к беседе, загружает работников заданиями, рассказывает анекдоты. И дает ЦУ секретарю Кате, а когда она пытается возразить – в шутку пытается укусить ее за руку. Катя весело хохочет и бежит выполнять поручения. Да, попутно - еще несколько деловых звонков, в которых тоже проскакивает несколько актуальных анекдотов. Вокруг Грачевского - стопы газет и журналов и пачки документов, грамоты на стене и фотографии детей и внука в красивых рамочках на рабочем столе. Ералаш, одним словом. В этом творческом хаосе и рождается самое смешное детское кино.

- Хорошее настроение должно быть всегда! - утверждает Борис Юрьевич.

В кабинет Грачевского заходит юная актриса Анфиса Черных. Он протягивает ей журнал с репортажем со съемочной площадки его нового фильма «Крыша» - Анфиса там сыграла одну из главных героинь.

- Ой, зачем же они эту фотографию поставили, я на ней такой урод! – кокетничает юная актриса.

- Ну, конечно, ты урод. А я что могу сделать? – спокойно говорит Грачевский. И оба они хохочут.

- Борис Юрьевич, вы со всеми детьми находите общий язык? – спрашиваю я. – И они всегда все сами и охотно делают - или приходится и к ним требования предъявлять, как к взрослым актерам?

- Конечно, нет такого: вот, сейчас скажу - и человек все сделает как надо! Мы к каждому своему актеру подыскиваем индивидуальный ключик. Ребенок – это человек с оголенными нервами, и с ним надо вести себя аккуратно. У нас были разные случаи на съемочной площадке: и истерики случались у юных актеров, некоторых детей даже рвало от того, что переволновались… Мы, конечно, стараемся таких эмоциональных детей не брать на проекты. Это опасно, прежде всего, для них.

- А звездную болезнь знаете, как лечить?

- О, это мы умеем! Быстро ставим таких детей на место!

- Наказываете?

- В каком-то смысле, да. И знаете, какое самое страшное наказание? В следующий раз можем не позвать сниматься.

- У вас, наверное, на талантливых детей уже глаз наметан? Или бывают и неожиданные открытия?

- Способных и ярких детей сразу видно. Нам нужны запоминающиеся лица - смешные, неожиданные, еще нужен талант перевоплощаться. Это и есть «ералашные» дети, мы их выбираем из тысяч претендентов. Если ребенок явно не подходит, я его не обижаю. Просто ищу убедительные причины для отказа: если плохо учится - говорю, что мне нужны отличники, а если хорошо – что двоечники. А вот от родителей, которые навязывают своих детей, так просто не отделаться. Но и с ними мы успешно боремся.

- А ребята, которые когда-то снялись в «Ералаше», понимают, что это вы дали им путевку в жизнь? Не забывают вас?

- Вот с Сашей Головиным часто общаемся. Саша – моя любовь! Он сыграл в фильме «Крыша» школьника. Я растрогался, когда Саша – звезда «Кадетов» и других фильмов - на предложение сняться в моем первом большом фильме так ответил: «Мне не надо никаких денег за фильм! Сколько дадите - столько и дадите». Приятно, что парень помнит, как он стал артистом.

Маленький Боря Грачевский тоже был очень талантливым ребенком – выдумщиком и затейником. В десять лет он поставил свой первый танец. В одиннадцать - организовал кружок по изучению изобразительного искусства и сам водил своих сверстников на экскурсии в Третьяковскую галерею. В младших классах по сценарию своего отца поставил первое шоу: новогодний утренник.

- Свой второй танец я поставил уже в возрасте 55 лет, - с самым серьезным видом говорит Борис Юрьевич. - Это был стриптиз в «Ералаше»…

Детство Грачевский провел в Доме отдыха Полушкино под Москвой. Там работали родители будущего создателя «Ералаша»: отец Юрий Максимович – культработником, а мама Ольга Лазаревна – библиотекарем.

- У меня было хорошее детство, - говорит Грачевский. – И это при том, что жили мы вчетвером в шестиметровой комнатке под лестницей. У нас ничего не было: ни горячей воды, ни собственного туалета, даже окно в комнате было глухое! Раз в неделю мы ходили мыться в общий душ, ели в рабочей столовой. Поэтому сейчас я очень ценю комфорт. Терпеть не могу ходить в походы!

- Отец привил мне любовь к спорту, - рассказывает Борис Юрьевич, - я играл во все спортивные игры - от футбола, до гандбола, ездил на лыжах, на велосипеде…

Родители позаботились о том, чтобы их сын был не только физически развит, но и культурно образован.

- Я и сейчас с наслаждением хожу в галереи, консерватории, - рассказывает Грачевский, – недавно был на концерте Бочелли - это мой любимый тенор. Бочелли запел, а я заплакал! Огляделся вокруг – никто не плачет. Вот, думаю, скажут - старый дурак! Ай, думаю: пусть говорят, а я поплачу!

Отменным чувством юмора и сверхъестественной способностью запоминать и рассказывать анекдоты Грачевский обязан отцу.

- Мой отец был веселого нрава человек, очень любил шутить, - говорит Борис Юрьевич. - Он знал столько анекдотов – не пересказать! А вот мама была сухой женщиной, никогда не сюсюкала со мной. Но любила меня, конечно. Когда я уже вырос и был директором «Ералаша» - говорила мне строго: «Нечего на меня голос повышать! Ты здесь не директор, а сын». Я иногда пою для друзей песню моего приятеля Романа Булгачева «Мама». Все плачут. Там такие трогательные слова:

Если на душе и тоска, и осень,

Сам себя гоню от привычных мест.

Мама за меня Господа попросит,

Ведь она глядит с любовью на меня с небес…

Карьеру в кино молодой Борис Грачевский начинал… грузчиком. Причем, устроился на киностудию имени Горького лишь благодаря протекции. Знакомые рекомендовали его как серьезного, образованного и очень выносливого молодого человека, который к тому же окончил Калининградский механический техникум. Из грузчиков Грачевский перешел в состав съемочной группы. И, будучи уже старшим администратором, сыграл первую роль в кино.

- В сказке «Варвара-краса, длинная коса» из колодца появляется рука со страшными корявыми пальцами и грозит царю: «Должок!» Это моя рука! – с гордостью говорит Грачевский.

Но актерская профессия его не увлекла - он поступил во ВГИК на экономический факультет. Поднабравшись творческих сил и идей, Борис Грачевский и Александр Хмелик взялись за создание детского юмористического журнала. Это было 35 лет назад.

- Алла Сурикова как-то сказала: если есть юмористический киножурнал «Фитиль», пусть будет и «Фитилек» - для детей. Потом она эту затею забросила. А мы с Хмеликом сделали не «Фитилек», а нечто другое, и назвали свое детище «Ералаш». Название долго не принимали, потому что у тогдашнего председателя Госкино фамилия была Ермаш. Думали, что это такая легкая издевка… Но потом все-таки утвердили.

Киножурнал пришелся по душе зрителям с первого выхода. И любовь к нему не угасает.

- Годы идут, а наш журнал не меняется, - говорит Борис Юрьевич. – Возможно, потому, что в обществе уже нет таких свирепых изменений, которые происходили во время горбачевской перестройки. Дети давно уже не знают, кто такой Ленин. Но в этом есть и минусы. Когда выдавливали из людей коммунистические идеи, выдавили и важное качество – любовь к Родине. А я не устану повторять, что мы живем в величайшей стране! Я люблю русский язык, горжусь им. Я люблю наших зрителей, которые выросли на «Ералаше». Из чего мы делаем журнал? Из моей дикой любви к литературе – мировой и отечественной, из любви к классической музыке… И я просто делюсь этой любовью…

Дети Бориса Грачевского - Максим и Ксения - не пошли по стопам своего знаменитого отца, несмотря на то что тоже окончили институт кинематографии. Они стали бизнесменами. Но в «Ералаше», конечно же, в свое время «засветились».

- Пару раз сын бегал на заднем плане, - рассказывает Грачевский. – А дочь снялась в главной роли в сюжете «Нам не страшен серый волк». Может помните: там младшая сестра провожает брата в школу. Он ей говорит: «Смотри, никому не открывай - придет серый волк и съест тебя!» Он выходит на улицу - и видит, что у него на ногах – домашние тапочки, а на улице зима. Он звонит в дверь, а сестра кричит: «Не открою – ты серый волк!» Ксюша тогда хорошо справилась с задачей актрисы. Но больше я своим положением не злоупотреблял.

Грачевский и в повседневной жизни старается не эксплуатировать свою популярность. Но народная любовь порой сильнее принципов.

- Сотрудники ГИБДД меня не раз отпускали без штрафа, - рассказывает Борис Юрьевич. – А бывает, в магазине без очереди пропускают. Я не сопротивляюсь, потому что понимаю: люди хотят мне сделать приятное, потому что любят «Ералаш». А это значит, что я не зря живу и работаю!

- Вот послушайте! – воодушевленно говорит Грачевский. – Новый сюжет. Мальчик прибегает домой. Жуткая жара. Воду в квартире отключили, утолить жажду он не может. Приходит с работы мама. «Мама, ты вчера мне купила мороженое, где оно?» - «В морозилке, наверное». - «Его там нет». - «Папа, наверное, съел». - «Как папа съел?!» - «Ты что не любишь папу?» - «Люблю, - говорит мальчик, - но не до такой же степени!»

Когда отец «Ералаша» все же устает ото всех и от всего, он срывается из Москвы к теплому морю - в Турцию или Египет.

- Не надолго уезжаю, - говорит Грачевский. – Максимум - на недельку. Но, если честно, я даже там много спать не могу – боюсь потерять драгоценное время!

Сын Максим и невестка Светлана подарили Борису Юрьевичу долгожданного внука Кирилла.

- Он еще совсем крошка, ему нет трех лет! И общаемся мы с ним пока совсем несерьезно, - говорит счастливый дед. – Вот купил ему игрушки, на днях встретимся, подарю их Кирюше.

К сожалению, отдавать любимому внуку все свое свободное время у Бориса Юрьевича пока не очень получается. Нет этого свободного времени. Потому что «Ералаш», в отличие от Ленина, жил, жив и будет жить!

С 11 по 20 апреля в Хьюстоне проходит 41-й Международный кинофестиваль независимого кино. Среди фильмов, представленных на фестивале, несколько работ кинематографистов родом из бывшего Советского Союза: «Сваны» (Грузия, режиссеры: Сосо и Бадри Джачвлиани), «Письмо» (Россия, режиссер Матвей Живов), «Joe Mover» (США, режиссеры Лев Горн и Gabe Fazio), «Уборная история - любовная история» (Россия, режиссер Константин Бронзит).

«Сваны- грузинские горцы - чрезвычайно колоритный народ. Они носят на голове войлочные шапочки-сванки, очень любят оружие и охоту. Отличаются простодушием, и за это про них в Грузии слагают всевозможные байки и анекдоты. Они очень упрямы и консервативны. Но зато сваны лучше многих своих соплеменников умеют сражаться. Сваны молятся 24 часа в сутки. Бог и горы помогают им не пропасть», - такое можно прочитать в каком-нибудь туристическом буклете о Грузии. А как же на самом деле?

Слово создателям фильма «Сваны» - Сосо и Бадри Джачвлиани:

«Один из любимых жанров любителей американского кино является “вестерн”, рассказы о жизни на “Диком Западе”. Привлекательность и обаяние этого жанра сохраняются на протяжение нескольких десятилетий. Нам в голову пришла идея: почему бы не попробoвать создать новый жанр - “кавказский вестерн”, с описанием жизни и традиций Кавказа.

Мы сняли фильм о сванах, старейшей грузинской христианской общине, и их строгой жизни, где ошибки не прощаются, более того, могут стать поводом для кровной мести. Однако те же самые люди могут быть терпеливыми и любящими, как никто не в мире.

Фильм рассказывает о любви двух молодых людей, которые являются близкими родственниками. Кровосмешение запрещено в христианской Грузии, но решение обеих сторон - убить любовников - является слишком жестоким. Однако пути назад нет…История заканчивается трагически. Джабег мертв, но он является последней жертвой долгой междоусобной вражды, а его новороженный сын становится надеждой семьи. Жизнь продолжается!

Что хорошо, что плохо? Можно ли оправдать поступки героев фильма? Можно ли принять законы гор или отвергнуть их? Должны ли традиции быть изменены или переданы будущим поколениям в изначальном виде? Довольно трудно ответить на все эти вопросы, тем не менее, наш фильм целиком открыт для обсуждения и критики зрителей».

Для многих из нас грузинское кино - это особый мир. Будет любопытно, как вечная история Ромео и Джульетты разворачивается на фоне кавказских гор.

1944 год. После трех лет разлуки супруги Степан и Шура встречаются у крыльца своего дома, но между ними непреодолимой преградой ложится роковое письмо, написанное Степаном из госпиталя.

Фильм «Письмо» – пронзительная военная история с парадоксальным финалом - дебют молодого режиссера Матвея Живова. Матвей Живов родился в Москве, но живет в Канаде, где и получил кинообразование и проработал несколько лет в различных кино- и телепроектах. «Тема войны и, особенно, ее влияния на судьбы людей, их характеры всегда интересовала меня. Сюжет фильма нельзя назвать «историческим», он, скорее, вневременной - можно запросто перенести действие в наше время или же на тысячу лет назад. К сожалению, войны продолжаются и по сей день, вот почему тема нашего фильма сохраняет свою актуальность. Мне хочется надеяться, что картина найдет понимание у современного зрителя», - говорит режиссер.

В основу сюжета легла подлинная история бабушки и дедушки сценаристки фильма, Татьяны Сарана. Татьянин дед в самом деле написал из госпиталя «проверочное письмо», что потерял обе ноги, хотя ноги были целы (так делали солдаты, чтобы проверить, ждут ли дома, любят ли по-прежнему, примут ли раненым и увечным? Ответы из дома приходили разные). Получил ответ, что его ждут и мастерят тачку, чтобы со станции забрать. Когда бабушка Татьяны поняла, что за проверку устроил ей муж, очень обиделась, но так была рада видеть его живым и здоровым, что вскоре простила. Историю с письмом она вспоминала и рассказывала детям еще очень долго. В фильме Матвея Живова финал совершенно другой.

В главных ролях снялись одни из самых узнаваемых российских актеров - Алексей Серебряков и Виктория Толстоганова. Трагедию человеческих отношений они сыграли сильно, правдиво, с полной отдачей.

Для Роджера Сингха – оператора, снявшего «Терминатор-3», - фильм «Письмо» также стал своеобразным дебютом. Оператор чутко передал аутентичность атмосферы сороковых, не используя никаких голливудских клише. В результате получился типичный русский фильм о войне: неброский и в то же время выразительный.

«Письмо» - обладатель нескольких призов, среди которых приз Международного кинофестиваля в Род-Айлэнде (Первая премия в номинации «Лучшая операторская работа»), Барбадосский Международный кинофестиваль (приз за лучший короткометражный фильм), Нью-Йоркский кинофестиваль «Picturestart» (приз в номинации «Лучшая актриса»), фестиваль короткометражных фильмов в Майами (приз за лучший иностранный фильм).

Создатели следующего короткометражного фильма «Джо - перевозчик мебели»- Лев Горн и Гэйб Фацио живут в Нью-Йорке. Они профессиональные актеры, которых объединила страсть к писательству. Познакомились они на съемках фильма “Straight Forward” и с тех пор вместе делают свое кино.

Лев Горн приехал в Америку, когда ему было 11 лет. Сначала хотел стать художником, как его дед, потом занялся фотографией, в 20 лет увлекся театром, снялся в нескольких телевизионных сериалах и художественных фильмах (среди которых “The Good Shepherd” Р. Де Ниро и «Веселые Похороны» Ефима Грибова по роману Л. Улицкой).

«Однажды сыграл русского гангстера, - рассказывает Лев, - стали предлагать роли только русского и только ганстера. Для меня как для художника было невыносимым такое «тиражирование» одного и того же персонажа.Чувство неудовлетворенности, что я не мог играть широко, зависимость от мнения режиссера заставляли меня страдать и искать что-то новое. К тому же среди современных фильмов огромное количество второстепенного «проходного» материала, ну и голливудские стандарты - куда от них деться! Я начал писать собственные сценарии. Потом я познакомился с Гэйбом Фацио, он показал свой сценарий, который совершенно меня поразил. Сценарий «Joe Mover» мы написали вместе. Наш герой - простой рабочий, но история, произошедшая с ним, могла бы случиться где угодно и с кем угодно. В 16 веке в Англии бытовала пьеса под названием «Everyman», то есть «всякий и каждый», «рядовой человек».Таков и наш герой, он - это мы все. Для меня этот фильм имеет и иммигрантский подтекст тоже. Я вспоминал историю моего отца, который в первые наши годы в Америке работал в ночную смену на фабрике, которая находилась в опасном районе. Возвращаясь домой, он клал жетон на метро в рот- чтобы не украли- до дома было далеко…»

Как ни парадоксально, сюжет фильма прямиком вышел из «Шинели» Н.Гоголя - трагедия и одиночество «маленького человека», мечта на уровне idea fix - до боли знакомая для русских тема. Герой фильма, Джо, в один прекрасный день открывает бутылку газировки и под крышкой найходит приз. Он мечтает участвовать в гонках Нэскар, но при этом он остается заложником маленького захудалого городка, где для него ничего нет, кроме тяжелой работы, полоумных собеседников и очень больного отца. Эта мечта – единственное, что не дает ему сойти с ума и создает иллюзию смысла жизни. По жанру «Джо» – драма, начиненная смеховыми моментами, но этот смех - смех сквозь слезы, он только обостряет ощущение боли и сочувствия героям этого талантливого фильма.

Известный российский аниматор, режиссер мультфильмов «Алеша Попович и Тугарин-Змей», «На краю земли», «Гора самоцветов. Кот и лиса» Константин Бронзит привозит на хьюстонский фестиваль смешной и нежный фильм под названием «Уборная история – любовная история». Жила-была себе одинокая мечтательная тетенька, которая работала дежурной в мужском туалете и коротала свои дни за чтением журнала «Happy Woman». И вдруг - цветы в баночке для мелочи! Тетенька в смятении и пытается вычислить тайного воздыхателя…

«Я впервые сделал фильм о любви. Там появился нерв, там появилась человечность. Там есть чаплинское настроение, когда и смешно, и грустно одновременно»,- говорит режиссер. По графике фильм до смешного прост: это оживший карикатурный газетный рисунок черное на белом, только букеты цветные. В счастливом финале красные лепестки взлетают фейерверком, роятся в воздухе, как мухи. Не пропустите этот маленький шедевр российской мультипликации, равно как и все остальные фильмы и составьте свое мнение. Лучше один раз увидеть…

Дорогие друзья, дети и родители!

Каждый наш спектакль – это долгий, напряженный труд, огромная творческая работа, в которой участвует много замечательных людей. Но спектакль «Сказка о потерянном времени» - особенный, так как в его создание внесли вклад не только наши земляки, но и энтузиасты из других городов, штатов и даже стран.

Слова к песне «Завтра-завтра» написаны москвичом Дмитрием Морозовым.

Стихи Пети Зубова написаны Татьяной Пеккер из Остина. Анна Гринберг из Нью-Джерси написала и исполнила песню для «Танца плохишей». Татьяна и Владимир Рахмановы из Израиля написали музыку и исполнили пять песен к танцевальным номерам: «Танец ворон», «Менялки», «Завтра-завтра», «Часы», «Песню злых волшебников». В спектакле звучит и инструментальная музыка Рахмановых.

Художник из Далласа Юрий Трушин специально нарисовал картину, которая стала эмблемой нашего спектакля.

Все декорации изготовлены юной художницей Настей Миронычевой из Хьюстона. И, конечно, украшением спектакля являются танцы. Главный постановщик и хореограф - Оксана Чернюк - руководитель танцевальной студии «Russian Fantasy». Именно её фантазия, талант, мастерство превратили наш спектакль–сказку в настоящее танцевальное шоу. Несколько танцевальных номеров поставлены хореографами Аллой Шарий и Марией Приймак.

Необычен и состав исполнителей: на сцене играют 34 актера в возрасте от 7 до 75 лет, в том числе семейные «династии», включающие три поколения!

Мы представляем наш общий труд на ваш суд, дорогие зрители. Надеемся, что спектакль вам понравится. Желаем вам хорошего настроения, радости и улыбок!

“Опера может быть любой, если это итальянская опера”.

(прописная истина).

В 30-х годах XIX века во французском языке появилось новое слово: boheme. Так называли свободных художников, поэтов, артистов и прочий народ, более или менее близкий к искусству, нашедший пристанище в Латинском квартале Парижа До этого bohemien означало “цыган” или просто “бродяга”. Европейцев, видимо, привлекала мысль о свободной жизни без обязанностей и обязательств -«цыганщина», одним словом.

Первым певцом «богемы» был Анри Мюрже, по прозвищу “Плешивая незабудка”, который в нашумевшей серии газетных очерков «Сцены из жизни богемы» остроумно изобразил быт студентов из Латинского квартала. На сюжет этого произведения сразу два итальянских композитора Дж. Пуччини и Р. Леонкавалло одновременно написали оперы с одинаковым названием “Богема”. Пуччини его опера принесла мировую славу, а Леонкавалло в истории музыки так и остался «композитором одной оперы» («Паяцы»). Композиторы между собой крепко разругались и перестали разговаривать.

Пуччиниевскую”Богему” публика приняла с восторгом, чего не скажешь о критиках, которые дружно ругали ее на все лады и предсказывали скорое забвение. Ну и, как говорится, где те критики и где “Богема”, которая до сих пор находится в пятерке самых исполняемых опер в мире. Что же привлекательного в этой опере? Сюжет? Да кого удивишь этой мелодрамой со множеством клише - любовь, бедность, «модная» болезнь чахотка, ночь, улица, фонарь..? Однако с Мими начались образы героинь неброских, ничем не выделяющихся в жизни. Но кого это волновало тогда, когда все оперы были напичканы изменами, убийствами и всяческими интригами? Ответ напрашивается сам собой - музыка. Музыка Пуччини неописуема хороша!

Без сомнения, Пуччини был знаком с «Травиатой» Верди и с «Дамой с камелиями» Дюма-сына: героини «Богемы» Мими и Мюзетта по-своему близки к Виолетте Валери. Одна больна чахоткой и безумно влюблена, вторая, обладающая патологической неверностью, ради любви оставляет жизнь куртизанки. Связь более глубокая - и на уровне сюжета, и на музыкальном уровне - ведь Пуччини являлся прямым наследником Верди, перенявшим у того эстафету итальянской оперы. Именно в “Богеме” композитор осуществил в итальянской опере переворот от бурной романтической патетики к скромному воплощению «маленького мира».

В программках спектакля «Богема» на сцене Houston Grand Opera значился перенос действия из Парижа XIX века в начало XX века. И спрашивается, зачем? Публике напоминают о другом времени только костюмы Мюзетты да пара полотен художника Марселя а-ля кубизм. Весь остальной антураж копирует множество других постановок «Богемы» по всему миру: кривенькая убогая мансарда, похожая на обувную коробку, роскошное кафе «Момюс» - все, как всегда. Исключением было явление паровоза в третьем акте, занимающего две трети сцены. Но опять-таки, зачем?

Для постановки «Богемы» любому оперному театру нужен ровный ансамбль молодых героев, чье пение было бы способно взбодрить любую инсценировку этого «шлягера». На сцене хьюстонской Гранд-Оперы собрался как раз такой ансамбль. Взаимодействие исполнителей, ансамблевая игра были на очень хорошем уровне. Удачно была сыграна сцена, когда друзья-артисты устраивают шумную возню по случаю неожиданного заработка Шонара и набивают пустые шкафы вином и едой. Сочной и динамичной была сцена в кафе «Момюс» с неразберихой вокруг капризной Мюзетты.

Неудивительно, что Альбина Шагимуратова (Мюзетта) пела безукоризненно и играла ярко и раскованно. Удивительно, что Анна-Мария Мартинез - певица с прекрасным голосом и незаурядной внешностью - выглядела на сцене тускло. Мими в ее исполнении выглядит этакой серой мышкой, вечно кутающейся в шаль. Пела Мартинез наполненно, естественно, нигде не форсируя, но ее игры хватало только на сомнамбулическое передвижение по сцене и содрогание от кашля.

Рудольф (Гарретт Соренсон) получился вялым, эгоистичным бездельником, полностью сконцентрированном на жалости к себе и только изредко вспоминающим о любви к Мими. Пел Соренсон довольно звучно, но несколько отстраненно. Удачно в плане ансамбля был исполнен дуэт с Марселем (Джошуа Хопкинс).

Второстепенные персонажи Марсель и Мюзетта, например, были гораздо более органичны и убедительны в своих партиях, чем главные персонажи – Мими и Рудольф. Другой яркий пример - философ Коллен. Его ария-эпитафия старому плащу – несомненно, один из самых драматических моментов спектакля. В исполнении Николая Диденко эта партия прозвучала прекрасно.

В тот вечер на сцене собрались бывшие и настоящие студийцы HGO. Видимо, благодаря единству певческой школы, ансамблевое пение было на высоте. Студия хьюстонской Гранд-Оперы может по праву гордиться своими выпускниками.

1 мая в спектакле «Богема» будет участвовать совершенно другой состав певцов. Среди них - наш соотечественник Алексей Долгов в ведушей роли Рудольфа. Он дебютирует на сцене хьюстонской Гранд-Оперы. Не пропустите этот спектакль.

До встречи в опере.

Хьюстонская Гранд-опера по традиции завершает свой сезон оперой ХХ века.В прошлом году это была «Лисичка-плутовка» Яначека, в этом - «Билли Бадд» Бриттена, открывающая супер-цикл бриттеновских опер на сцене HGO. Маэстро Патрик Саммерс и хьюстонская Гранд-опера начинают многолетнее исследование двусмысленного, увлекательного, провокационного, сложного мира опер Бенджамена Бриттена. В следующем году мы увидим «Сон в летнюю ночь» по комедии Шекспира.

Англичанин Бенджамен Бриттен (1913-1976) из всех оперных композиторов XX века был одним из наиболее одаренных и плодовитых. Ему принадлежат более 10 спектаклей разных жанров. До 30 лет композитор даже не помышлял о написании оперы. Важную роль в зарождении у Бриттена интереса к вокальной музыке сыграла встреча с тенором Питером Пирсом, который стал его близким другом и партнером. После этой встречи на многие годы опера становится для Бриттена основной сферой приложения его огромного таланта.

Первая опера композитора, «Питер Граймс», написанная в 1945 году, обошла все крупнейшие сцены мира. Премьера «Питера Граймса» стала важным явлением, возродившим былую славу английской национальной оперы со времен Генри Перселла. За античной трагедией «Поругание Лукреции» и бытовой комедией «Альберт Херринг» последовали психологическая драма «Билли Бадд», исторический костюмный спектакль «Глориана», символистская фантасмагория «Поворот винта» и волшебная сказка «Сон в летнюю ночь». Оперы Бриттена демонстрируют тонкое проникновение в человеческую психику. В большинстве его опер так или иначе затрагиваются две кардинальные темы: противоречие между личностью и обществом и покушение на невинность.

На формирование творческого облика композитора повлияла музыка И.Стравинского, П.Хиндемита, А.Берга. Истоки оперного творчества Бриттена, как ни странно, нужно искать и в славянской музыке. Музыкальный язык Бриттена близок языку Л.Яначека, Д.Шостаковича, С.Прокофьева.

Со многими русскими музыкантами - Дмитрием Шостаковичем, Мстиславом Ростроповичем и Галиной Вишневской, Святославом Рихтером - Бриттена связывала многолетняя дружба. Шостаковичу он посвятил одну из опер на библейские сюжеты «Блудный сын». Сонату для виолончели и фортепиано, опус 65, Бриттен написал для Мстислава Леопольдовича. Одно из самых выдаюшихся произведений мастера, «Военный Реквием», было посвящено Галине Вишневской (для нее писалась основная партия сопрано).

«Билли Бадд» - признанный шедевр Бриттена в жанре «большой оперы». В основе лежит аллегорическая новелла американского писателя Генри Мелвилла (1819-1891), написанная им в 1891 и посмертно опубликованная в 1924 г., о судьбе несправедливо обвиненного и приговоренного к повешению матроса. Новелла Германа Мелвилла поднимает моральные вопросы, которые всегда волновали Бриттена и которые по-прежнему злободневны, когда заходит речь о смертной казни, военных действиях, человеческой совести.

Опера переносит нас во времена англо-французских войн на военный корабль, где разворачивается драма. Всеобщий любимец матрос Билли Бадд - человек добродушный и общительный - вызывает ненависть у каптенармуса Клэггарта, который является воплощением жестокости и порока. Он замышляет уничтожить молодого моряка и обвиняет его в измене. В решающий момент заикание мешает Бадду защититься от клеветы. В столкновении с Клэггартом, сам не желая, Билли убивает его, и по законам военного времени должен быть казнен.

«Билли Бадд» - опера со сложным и неоднозначным смыслом. Несомненно, произведение имеет гомосексуальный подтекст, но настаивать на просмотре оперы исключительно через объектив сексуальности недостаточно. Можно также легко углядеть христианскую аллегорию, где Билли олицетворяет Иисуса или Адама, капитан Вир - Понтия Пилата, а Клэггарт - Ирода или Сатану.

В опере нет любовных, патриотических мотивов и сильных страстей. Герои пребывают в замкнутом пространстве - на борту военного корабля, среди жестокого холода моря. К слову сказать, Бриттен один из немногих композиторов, который смог изобразить море с помощью выразительных средств музыки.

Несомненно, «Билли Бадд» - лучшая постановка Хьюстонской оперы в этом сезоне. Адская сила Клэггарта, покорность и простодушность Билли и мучительная беспомощность капитана Вира были мастерски воплощены артистами HGO. Эффект от спектакля был равнозначен впечатлению от классической греческой трагедии, где катарсис неизбежен. Опера написана потрясающе сильно, как с драматургической, так и музыкальной точки зрения. Острый драматизм и красота музыки Бриттена буквально парализовывали зрителей. Момент сопереживания героям был очень силен.

В этой опере, как и на любом военном корабле, нет места женщинам. Состав исполнителей включает 16 действуюших персонажей-мужчин, мужской и детской хоры. Музыкальный язык Бриттена чрезвычайно сложен для оркестра и дирижёра, но вокалисты, часто невыразительные в Беллини и Верди, показывают себя с лучшей стороны именно в его операх. Из певцов выделялись британец Андрю Кеннеди, исполнитель роли капитана Вира – красивый лирический тенор - и канадец Филлип Энс (Джон Клэггарт) – бас с примесью металла в голосе. Исполнитель заглавной роли - баритон Даниэл Белчер - пел старательно и играл с запалом, но его чрезвычайно портил русалочий парик, который нацепил на него костюмер, от этого персонаж воспринимался абсолютно несерьезно. Оперный хор был, как всегда, на высоте, и остальные солисты прекрасно звучали. Интересно, что певцы стилизовали британскую манеру произношения, жестко грассируя английское “r”.

Отрадно, что оперный сезон HGO завершился достойным исполнением гениального произведения Бриттена.