#texas #техас ЭЛЕКТРОННАЯ ОДИССЕЯ ЛЬВА ТЕРМЕНА |
Тридцатого мая, в пятницу, в 7:30 вечера в Русском Культурном Центре «Наш Техас» состоится показ документального фильма «Электронная Одиссея Льва Термена» режиссера С. Мартина (1994).
Русский изобретатель и музыкант Лев Сергеевич Термен (1896-1993) прожил большую и бурную жизнь. Он изобрел группу электромузыкальных инструментов (терменвокс, ритмикон и терпситон) , охранную сигнализацию, систему подслушивания «Буран» и первую в мире телевизионную установку «дальновидение».
Лев Термен был самый настоящий «человек-оркестр», в университете он учился одновременно на физическом и астрономическом факультетах, и при этом занимался в консерватории по классу виолончели.
Уникальный инструмент терменвокс, названный по имени своего создателя, родился, вообще, случайно. Молодой Лев Термен работал в институте Иоффе, занимался радиоизмерением диэлектрической постоянной газов при переменных температуре и давлении. Прибор издавал звук, высота и сила которого зависели от положения руки между обкладками конденсатора.
Так и назвали прибор: Терменвокс – голос Термена. Кстати, упрощенный вариант терменвокса до сих пор используется в системах охранной сигнализации.
Хотя коллеги и посмеиваились над молодым Терменом, дескать, тот играет Глюка на вольтметре, но электромузыкальный инструмент, обладающий загадочным, инопланетным звучанием, проложил изобретателю сначала дорогу в Кремль (Ленин восхитился инструментом и дал добро на зарубежные гастроли Термена), а затем и в Америку.
Со своим загадочным инструментом Термен объехал всю Европу, ему рукоплескали лучшие театры, им восхищались, и терменвокс вошел в моду. Термена приглашают в США. Он должен курировать работы по массовому производству своего инструмента.
В Америке карьера Термена развивалась блестяще: концерты, контракты, поклонницы… С одной из них, Кларой Рейзенберг, у Термена завязался страстный роман, несмотря на двадцатилетнюю разницу в возрасте, Клара стала играть на терменвоксе, выступать с концертами и, в конце концов, вышла замуж за своего импресарио Рокмора.
А Термен продолжал работать в своей студии на 54-ой авеню, музицировал с Эйнштейном, изобрел ритмикон, принимал визиты миллионеров Дюпона, Форда, Рокфеллера. Поговаривали, что Термен и сам к тому времени стал миллионером. Наверняка никто этого не знает, поскольку есть и другая версия: финансировала Термена советская разведка, поскольку главным заданием его заокеанской командировки был шпионаж.
Во время работы над терпситоном – электроинструментом, звук из которого извлекался посредством танца, - Термен познакомился с чернокожей танцовщицей, на которой впоследствии и женился. Этот брак в корне изменил его жизнь – американское высшее общество от него отвернулось. В 1938 году Термена, по одной версии, похитила советская разведка, по другой версии, ему просто приказано было отбыть на Родину.
Вскорости после прибытия на Родину Термена арестовали. Дальше в жизни гениального изобретателя были и тюрьмы, и лагеря, и «шарашка». Кстати, именно в шарашке и была создана легендарная подслушивающая система «Буран». В 1947 году заключенному Термену была присвоена Сталинская премия Первой степени.
После освобождения Лев Сергеевич работал в секретных лабораториях КГБ до 1964 года, когда его благополучно отпустили на пенсию.
Пенсионер устраивается в акустическую лабораторию Московской консерватории, где себе и трудится спокойно, до тех пор пока в 1968 году его там не обнаруживает корреспондент Нью-Йорк Таймс. Американские друзья, обрадовавшиеся воскресению Термена из мертвых, начинают забрасывать его письмами, в ответ на что консерваторское начальство старика увольняет, а лабораторию ликвидирует.
Режиссер Стив Мартин, зачарованный неземным звучанием терменвокса и искавший музыку к своему фильму, знакомится в 1980 году в Америке с Кларой Рокмор, известной исполнительницей концертов на чудо-инструменте. Она-то и поведала ему историю Льва Термена, и режиссер загорелся идеей найти изобретателя и сделать о его, полной приключений, жизни фильм. Через 11 лет режиссер приедет в Москву, познакомится с Терменом и привезет его в Америку. Самыми трогательными кадрами фильма станет встреча двух стариков, когда-то страстно любивших друг друга. Вот бредут они по улице Манхэттана, держась под ручку, нетвердой походкой, и становится так грустно и светло на душе, потому что, живя долго, человек до всего доживает.
Вскоре по возвращении в Россию, в ноябре 1993 года, в возрасте 97 лет Лев Термен умер.
Фильм «Электронная Одиссея Льва Термена» вышел на экраны в 1994, через год после смерти героя.
30 мая после просмотра фильма Heather Brand будет играть на терменвоксе.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ТРИ ХОРЕОГРАФА В ОДНОМ ФЛАКОНЕ |
По количеству выступлений мужчин в юбках на сцене Wortham Center нынешний сезон может считаться рекордным. Посудите сами: сначала Злые сестры и Мачеха в «Золушке» (постановка Стэнтона Вэлча), потом выступление на фестивале Dance Salad чешских танцоров в «Сне Марии» Петра Зуски, и в заключение – «Сильфида», где, как известно, главный герой танцует в шотланском килте, то есть, опять-таки, в юбке. В спектакле Little Dancer (хореография Джеймса Куделки на музыку Филипа Гласса) в юбках танцевали ни много ни мало, двенадцать мужчин. Остается загадкой, почему были выбраны именно такие костюмы. Ни сюжетной подоплеки, ни национальной принадлежности (греки, шотланцы), ни гомосексуального подтекста, ни какой другой видимой причины не было. Но на этом несуразности заканчиваются, и остается впечатление о Little Dancer как о гармоничном творении, где танец неразрывно связан с музыкальной партитурой. Юбки нисколько не мешали восприятию мужественного, напористого танца.
Джеймс Куделка – бывший художественный директор Национального балета Канады и один из самых известных деятелей искусства и культуры страны -славится своим интеллектуальным подходом к выбору музыки. Таллис, Перселл, Бах, Бетховен, Брамс, Стравинский, Барток, Хиндемит – вот неполный перечень композиторов, на музыку которых он ставил балеты. У Куделки даже есть балет на музыку «Битлз». В основу постановки, о которой идет речь, легла Восьмая симфония Филипа Гласса- композитора-легенды, при жизни получившего статус классика. Филип Гласс известен своей дружбой с Рави Шанкаром, оперой «Эйнштейн на пляже», минималистическими произведениями вроде «Music in twelve parts» и музыкой к Олимпийским играм 2004 года в Афинах. Восьмую симфонию (2006 г.) можно причислить к минималистическим работам. Три части симфонии по времени написаны в порядке убывания - двадцать, двенадцать и семь минут, соответственно. Куделка выстроил хореографию на контрастах. В первой части танцует мужской ансамбль, во второй - смешанный, а в третьей части - пронзительной кульминации всего произведения - на сцене остается лишь одна пара. Хореограф утверждает, что прототипом для названия его балета послужила скульптура Эдгара Дега «Четырнадцатилетняя танцовщица». Вот еще одна загадка - каким образом этот темный балет связан с хрупкой фигуркой Дега? Вопросов остается много…
В тот вечер труппа хьюстонского балета показала «Пять танго» нидерландского хореографа Ханса Ван Манена. Этот балет написан на музыку Астора Пьяццоллы - выдающегося аргентинского музыканта и композитора, родоначальника стиля nuevo tango.
Ханс Ван Манен прославился как один из хореографов-новаторов, которые в 1960-е помогли сформулировать общепринятые положения синтеза академического и модернового направлений танца. Международная репутация Ван Манена широка - более сорока компаний по всему миру сохраняют его сочинения в своем репертуаре.
В программе был дан анонс к балету «Пять танго», с описанием истории возникновения и эстетики аргентинского танго. Но, к сожалению, сама постановка, кроме отдельных элементов (мужского танца в паре, например) с танго не имела почти ничего общего. Пластика, скорее, подходила для испанских танцев, которыми и так изобилует классический балетный репертуар. Получился довольно невнимательный взгляд европейца на «экзотический» танец. Конечно, для балетмейстера первичным была именно музыка Пьяццолы с ее прихотливым рваным ритмом и постоянными сменами темпов, но и сам жанр не мешало бы учесть. Спора нет, постановка яркая, движения отточенные, костюмы красивые, но как-то «не про то»…
Единственным человеком, который адекватно отразил язык аргентинского танго в балете, был Хулио Бокка, кстати сказать, аргентинец. Повторить его ощущения танца было бы сложно.
Стэнтон Вэлч представил балет «Falling» на музыку Моцарта. Чрезвычайно милый балет ни о чем. Не было ни интересных хореографических приемов, ни малейшего намека на драматизм, ни даже характерных различий между мужской и женской пластикой. Но, самое главное, танец существовал отдельно от музыки. Строго говоря, к данной постановке можно было «подогнать» любую другую музыку, и осталось бы сходное впечатление. Странным было то, что Вэлч в числе всего прочего выбрал Дивертисмент Ре мажор, который остроумнейшим образом использовал Иржи Килиан в своем “Birth Day”. С единственным отличием - музыка Моцарта не рождает таких ярких фантазий у Вэлча, как у Килиана.
Благодарную хьюстонскую публику, впрочем, это не смутило, и она наградила танцоров бурными овациями.
Главным плюсом этого вечера была возможность сравнить работы трех известных хореографов, экспериментирующих в разных жанрах.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас МИХАИЛ БАШАКОВ: «Я БЕЗ ЭТОГО НЕ МОГУ» |
«До сих пор неизвестный себе самому исполнитель» - так спел про себя Михаил Башаков в своем новом альбоме «Сигналы из глубины». И если уж музыкант сам себе не вполне известен, что тогда говорить о почтенной публике, больше знающей о том, кто такая Элис, нежели о том, кто такой Михаил Башаков. Зато благодаря Михаилу все знают, что для того, чтобы быть счастливым, нужно не париться - или наоборот. И если его новых песен не слышно в маршрутках среди кучи всяких там «посылок для братвы» - значит, с Башаковым все в порядке. Потому что, как сказал бы персонаж советского фильма про влюбленность по собственному желанию, он не ширпотреб, он - индпошив.
Надо признаться, что заранее вопросы для интервью не составлялись. Подумалось, что все-таки Михаил Башаков, прости господи, это не Киркоров и, надо полагать, не шибко расстроится из-за того, что корреспондент не вполне готов. Однако на всякий случай было принято решение розовую кофточку не надевать. И после того, как концертный директор Владимир Кульматов опрокинул на столе солонку, подумалось, что, наверное, с вопросами про ремиксы все же не стоит спешить. Разговор изначально зашел о детях. Может быть, оттого, что Михаил, уже далече на тот момент, отъехавший от родного Питера (концертный тур длился уже эдак с полмесяца), успел соскучиться по семье. Так вот, детей у Михаила трое. Старшему Егору двадцать лет, он довольно успешно дизайнерствует - плоды сыновнего креатива - значки, например, с изображением Джимми Хендрикса красуются у Михаила на головном уборе. Егор же и оформлял обложку нового отцовского альбома. А нынче вот поехал на год учиться в Швецию в художественный колледж - сам заработал деньги на обучение и проживание. Среднему, Артему, пятнадцать лет, он увлекается спортом. А младшая дочь - Аполлинария, ей девять, и учится она в итальянской школе. В общем, как поет Михаил Башаков, «я нажал на кнопку Рэк».
– Скажи, а ты веришь в то, что имя как-то влияет на судьбу его носителя?
– Верю. Вот Тему мы изначально хотели назвать Федором Михайловичем, как Достоевского. А он родился семимесячным, и я срочно побежал в больницу, говорю жене: «Аня, нужно называть Артемием, что по-гречески значит «здоровый», чтобы даже имя ему как-то помогало». И сейчас он спортом занимается - знаешь как бегает.
– Помогло, стало быть. А назвал бы Федором Михалычем?
– Век бы мучался.
– Не, в карты бы играл вместо того, чтобы бегать.
– Слушай, вот я молодец, а! А старшего Егором назвал, потому что у одного из моих любимых поэтов - Цветаевой было такое: «И внучек мой Егорушка вскричит - давай ружье!»
– Ну Егор, Артем - понятно. А Аполлинария?
– Это в честь бабушки моей, Аполлинарии Николаевны. Она была очень значимым для мня человеком, я с ней рос в деревне, она меня воспитывала до семи лет. Бабушка, собственно, была импресарио моего первого концерта. Было мне тогда шесть лет, и очень любил я песню «Враги сожгли родную хату». Я ее выучил и когда пел, во мне просыпалось тонкое такое лирическое чувство. Представляешь, стоит такой шпендрик и поет: «Не осуждай меня, Прасковья, что я пришел к тебе такой. Хотел я выпить за здоровье, а должен пить за упокой». И когда я начинал петь, бабушка, как по команде, начинала плакать. У нее муж и брат на войне погибли, трудная судьба вообще была. А как-то она взяла меня за руку - решила проверить, только ли на нее одну мое пение так действует, - и повела на село. Там на завалинке бабушки сидели, гармонист какой-то, который только мне мешал петь. Это было мое первое публичное выступление.
– Споешь сегодня на концерте про врагов и хату?
– Не уверен. Но знаешь, я эту песню потом даже записывал. Был такой проект ко Дню Победы на радио «Балтика» в Питере, я там иногда делаю разные проекты. И меня попросили записать фонограмму для разных известных людей, которые хотели исполнить песни военных лет. И «Враги сожгли родную хату» пел главный митек страны Митя Шагин, а я ему подпевал.
– Вот, кстати, хотел спросить насчет ремиксов. Группа «Смоки» претензий не предъявляют по поводу «Эллис»?
– Однажды мы выступали с ними на российском МТV, было весело. «Смоки» прилетели без инструментов, и я играл песню «Эллис», а они пели. А на нашем МТV всех заставляют танцевать. Три такие тетки, как собаки, - бегают и кричат на публику: «Танцевать! Всем танцевать! Сейчас выгоним!». Когда «Смоки» пели, спокойно как-то зал реагировал, а когда я свои куплеты исполнил - народ завелся. Скоро мы поедем в один крутой екатеринбургский клуб, директор пригласил «Смоки» и мне позвонил - приезжай, споешь. Так что никаких претензий нет, мы со «Смоки» очень мило пообщались. Да они себе такого не позволят, парни ездят в Россию выступать за очень хороший гонорар - в частности, благодаря и тому, что песня «Эллис», так сказать, прозвучала на русском языке.
– Про свою банду расскажи немного.
– Все в порядке с бандой. Недавно вот выступали в Москве с презентацией «Сигналов из глубины». У меня музыканты играют всегда только хорошие, поэтому их обычно приглашают туда, где платят очень много. Одного вот забрала Сурганова, другого - Юра Шевчук, третьего – «Кукрыниксы».
– А ты как зарабатываешь, хорошо?
– А как, по-твоему, я должен зарабатывать, если у меня трое детей? Я зарабатываю только тем, что пою. В основном, конечно, в Москве и Питере. Но есть города, где уже четко сформировалась своя публика. Сейчас мы пытаемся выработать собственную музыкальную политику, независимую от масс-медиа. Мне вот Володя сказал: не взяли ни одной песни на радио из нового альбома - пошли их всех, надо ехать и играть людям живьем. И вот мы едем, хотя заработок, в общем-то, такие копейки.
– И как принимают «живьем»?
– Положительно, я даже сказал бы: восторженно. И, честно говоря, я к этому привык, не буду скромничать. Хотя понимаю, что первый тур и все такое… Вернее, второй тур, первый на Урал был. Но вот по Украине катаемся впервые.
– Не напрягает такое количество концертов?
– Напрягает в последнее время, голос уже сажаю, мне нельзя так много петь. Я даже предлагал Володе вчера закончить гастроли. Устал, говорю, не могу - поехали домой, а? Но сегодня ночью мы садимся в поезд и едем играть в Киев.
– Значит, тебе это все же нравится?
– Я без этого не могу.
– Какая-нибудь еще профессия есть? Или ты ничего не умеешь больше делать?
– Да я все умею, вот в чем дело. У меня было несколько эпизодов в жизни, когда судьбой мне предлагалось закончить все это и заняться, например, каким-то бизнесом. В общем, деятельностью поспокойнее. Но я понимаю, что моя стезя - выходить на сцену и играть.
И вышел он, и сыграл. И было всем «щастя». А кому не было - того не было на концерте в арт-кафе «Агата». По-настоящему хороший вышел концерт, душевный. Правда, «Враги сожгли родную хату» Миша так и не спел. Ну да ладно, когда в следующий раз приедет, мы его уже как следует попросим. А пока что людям, не лишенным музыкального вкуса, рекомендуется слушать «Сигналы из глубины» - там много чего есть. И лирика, и гидроакустика, и «пример борьбы со злом», и «не просто хороший, а очень хороший милиционер», там популярно объясняется, что такое «русский экстрим» и даже присутствует околохудожественный авторский свист. Жаль только, что сигналы из глубины до глубинки благодаря отечественной музыкальной политике доходят с дикими помехами или же не доходят вообще - дисками с песнями Михаила Башакова здесь обзавестись проблематично.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ЭТОТ БЕЗУМНЫЙ, БЕЗУМНЫЙ, БЕЗУМНЫЙ ЦИРК |
Цирк под руководством Богатырева привез замысловатую клоунаду с дикими темпами, безумными сценами, хаосом к нам в Галвестон, Moody Garden.
Клоуны, как и дети, обожают беситься до упаду, хохотать без причины, обливаться водой, кидаться бумагой и нарушать запреты слишком серьезных взрослых. Поэтому на шоу «Ага-бум» лучше не ходить, если вы принципиально против всего этого.
«Ага-бум» - это шоу клоуна Дмитрия Богатырева. В начале 90-х он уехал за океан работать в знаменитом «Цирке Дю Солей», а теперь представляет свой собственный цирк эмоций, веселую и немножко безумную игру, в которой зрители участвуют наравне с актерами. Будут и фокусы, и акробатические трюки. Смех до слез не просто обещают, его гарантируют!
Шоу «Ага-Бум», как называют его в Европе, — это разгул веселья. Причем до экстаза публику доводят не столько шуточки самих артистов, сколько органичное сочетание юмора речевого и телесного (здесь много акробатики и пластики), а также целого арсенала подручных материалов, при помощи которых шоу выглядит действительно зажигательно и смешно. Здесь вам и огромные кучи туалетной бумаги, неожиданно превращающиеся в реки, надутые мусорные баки и огромных размеров воздушные шары, летающие по залу.
«Ага-Бум» — на самом деле, перевернутое слово «бумага», и всю эту клоунаду, которая уже несколько лет гастролирует по миру, придумал Дмитрий Богатырев - украинский клоун, уехавший в 90-х годах за рубеж. Сейчас Богатырева называют одним из ведущих клоунов мира.
«Ага-Бум» в некотором смысле является семейным шоу Богатырева и его жены Ирины Иваницкой, исполняющей роль Бума. Иваницкая в роли уличного мальчишки открывает представление. С белыми волосами на голове, как после электрошока, в длинном желтом пальто, он пытается навести порядок на сцене. Но от бумаги, липнущей к его швабре и мохнатым тапкам, ему становится не по себе. Обнаружив на стене большую красную кнопку с надписью «Не трогать», сорванец начинает забавно двигаться, причем движения эти иногда бесконтрольны. Руки, ноги, пальцы — все движется как будто само по себе. Как только Бум нажимает на кнопку, раздается звонок, включается рок, и все на сцене начинает двигаться и плясать. Появляются еще клоуны, отпускающие шуточки.На сцене происходит невообразимое: трюки с чемоданом в горошек, с полосками туалетной бумаги и игрушечным самолетом, маниакально летающим вокруг головы артистов.
Публика вовлечена в действо. Богатырев вызывает зрителей. Один мужчина нянчит швабру, как младенца; другие инсценируют поединок, как в немом кино. А в это время все больше бумаги появляется на сцене из-за кулис. Огромное количество скомканных листов и связки воздушных шаров. Бумага не просто высыпается в зрительный зал в конце представления. Ею просто выстреливают из пушек в такт шумной песне, устраивая переполох и суматоху в зале. И в этот самый момент «Ага-Бум» перестает быть просто шоу и превращается в настоящий разгуляй. Хоть один раз, но надо обязательно посмотреть.
Основанный на уникальном европейском театральном стиле и универсальном языке Клоунады, АГА-БУМ ломает барьеры языка и культуры своим искусством фарса, юмором эксцентрической комедии и вызывает восхищенное волнение детства. АГА-БУМ вовлекает зрителей в озорное действие и с возмутительным абсурдом и несдержанным смехом переносит их в Зазеркалье кривого зеркала.
Этот часовой взрыв чистой семейной радости несет в себе высочайшую энергию как для детей, так и для взрослых. Ничего подобного вы никогда не видели прежде!
Созданный ветераном Театра Дю Солеиль Димитрием Богатыревым, АГА-БУМ был номинирован на Ovation Award , в категории лучшего гастролирующего шоу, наряду с The Producers, 42nd Street, Лили Томлин и Элайн Стрич.
АГА-БУМ с успехом выступал на Бродвее, в Лас-Вегасе, Сан-Франциско, Бостоне, и Лос-Анджелесе. Их выступления высоко оценила критика по всей Америке.
Шоу взволновало и восхитило зрителей во всем мире, его увидели более чем 300000 зрителей в Японии, Мексике, Корее, Сингапуре и Объединенных Арабских Эмиратах.
По матералам интернета
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ТАКИЕ РАЗНЫЕ КЛОУНЫ |
Этот человек работал во всех знаменитых клоунских труппах России и Украины. Дмитрий Богатырев сравнивает себя с Колобком - и от бабушки ушел , и от дедушки ушел - с той разницей, что выжил и создал свое шоу «Aga-Boom», которое сейчас является одним из интереснейших в мире.
На прошлой неделе театр клоунады Aga-Boom выступил в Галвестоне. По окончании финального представления артисты Aga-Boom Дмитрий Богатырёв, Ирина Иваницкая и Валерий Слемзин дали интервью «Нашему Техасу».
Сколько лет этому шоу, и как вы решили сделать сольную программу?
Дмитрий: Шоу 6 лет. Это набор номеров, над которыми я работал в течение 20 лет. Сюжет довольно условный - это всё-таки театр абсурда. Когда я приехал в Штаты, то решил, что пришло время подвести итог моей работы в разных коллективах. Я взял, собрал все, что делал в других группах, и получился Aga-Boom.
Сколько лет вы живете в Америке?
Ирина: Уже почти 10 лет. Мы начали в Монреале: объехали всю Америку с цирком Дю Солей. У нас была возможность все увидеть, перед тем как окончательно иммигрировать. И все-таки иммигрировали в Канаду и только потом переехали в Лас-Вегас, где до сих пор и живем. Сейчас мы американцы.
Каково смешить людей, осознавая, что в мире идут войны?
Дмитрий: Войны были всегда. Просто сейчас существует Интернет и можно посмотреть, как идет война. Раньше было так: ты знаешь, что где-то далеко идет война, а сейчас ты можешь эту войну приблизить - посмотреть кадры, фотографии. А смех нужен всегда, даже во время войны.
Я сам служил в Советской армии, правда, оружия в руках не держал. И так сильно служил, что этой страны больше не существует. Перестарался, видимо… До армии я работал в «Маски-шоу» - в то время уже знаменитой труппе - и меня после прослушивания приняли в Ансамбль песни и пляски одесского Краснознаменного военного округа. Было много гастролей, я побывал во всех военных округах, были даже двухмесячные гастроли по военным базам в Афганистане. Я могу сказать, что я получил чин ефрейтора за службу в Афганистане.
Сейчас в Штатах мы выступили на американских военных базах в Японии - Акинава, Токио, Тикакота, Кадина, Нисава, Якота, Мисава. Это случилось впервые в мире - русские клоуны выступают на американских военных базах. Был такой успех, что нас пригласили второй раз. Собирался многотысячный зал - люди стояли в длинных очередях, как в мавзолей.
К сожалению, по Америке мы не так много выступаем. Американские продюсеры не слишком доверяют клоунам, считают, что это развлечение для детей.
А в России выступаете?
Дмитрий: Совсем недавно выступили в Москве. Было очень тяжело, в том смысле, что публика очень тяжёлая: «Мы тут деньги заплатили, а ну давайте смешите нас по полной». И хотя там билеты были раскуплены, нам легче отработать сто шоу в Мексике, скажем, чем одно в Москве. Наш основной зритель живёт в Латинской Америке: Мексика, Чили.
То безумие, которое творится на сцене, оно продолжается у вас и в повседневной жизни?
Дмитрий: В жизни мы нормальные люди. Просто на сцене действие воспринимается зрителем настолько реально, что всем верится, что мы так и живем загримированными - едим, спим, ходим по улицам.
Мы сами себя клоунами не считаем. Мы актёры-импровизаторы в клоунских характерах. Клоун в Соединённых Штатах - совершенно другое понятие - непрофессиональный актёр, который на детских праздниках жонглирует тремя мячиками и водит хороводы. Мы этим не занимаемся (кроме случаев, когда я работал на новогодних ёлках в Москве). Однако мы любим детей, дети любят нас, особенно, в конце представления пытаются попасть бумажкой в глаз - думают, что мы ненастоящие. Нам больно, а они получают удовольствие, потому что мы открываем им двери в такую комнату, где вся аудитория превращается в детей.
Самые запоминающиеся случаи во время выступлений.
Дмитрий: Однажды в Чили в самом конце шоу, когда шары летают, ко мне подошел мальчик и протянул клоунский красный нос. Я взял нос и думаю, что с ним делать - у меня свой есть. Перекрестил нос и отдал обратно.
Ирина: В той же Чили одна женшина с грудным ребенком месяцев шести подходит и мне этого ребенка прямо в руки дает. Я его беру, делаю круг по сцене, качаю и отдаю. А сама думаю: почему, почему она это сделала? Видимо, люди настолько нам доверяют, что готовы отдать своих детей.
Вы всё время работаете втроём или кого-то ещё подключаете?
Ирина: У нас есть два состава. Иначе работать тяжело, обязательно нужна замена. К тому же у нас есть расширенный вариант шоу, в котором работает наш двенадцатилетний сын, он играет моего героя Бума, только маленького. Мы с ним как бы превращались друг в друга: я заходила за бумажную кулису, он выходил, нажимал на кнопку “Do not touch”. А сейчас у нас тот же характер играет Валерин сын. Ему 4,5 года. Мы его называем «Мини-Бум». Когда малыш выступает, тогда в шоу работает и Валерина жена. В общем, у нас семейный подряд. Наш звукооператор и автор музыки к шоу Димин брат, Василий Богатырев.
Как вы выбираете реквизит и как понимаете, что именно эта вещь будет работать?
Дмитрий: Все, что мы используем, по большому счету - мусор. На таможне всегда спрашивают: «Что везете?» «Реквизит». «А дорогой ли реквизит?» «Ну, какое там: мусорные мешки, швабры, бумага и шарики…»
Мы ставим целью делать мобильное шоу. Так как продюсеры лишних денег не платят, мы облегчаем шоу до максимума. Максимум восприятия народом при минимуме затрат. Такой же эффект, как от цирка Дю Солей, только стоимостью в три копейки. Мы насыщаем спектакль за счет актерской игры, за счет образов.
В Украине существует театр Мимикричи, среди их спектаклей было «Бумажное шоу». Актеры театра утверждают, что Aga-Boom использует довольно большую часть этого шоу и, по-видимому, в обиде на вас, Дмитрий.
Дмитрий: В Мимикричи я проработал три года. Потом в группе произошел раскол, и она распалась на «Мимикричи» и «Мимиричи». То есть понятно, что эти группы создали дубликаты существовавших шоу. Я работал в «Бумажном шоу», и многие из кусков этого шоу принадлежат мне, поэтому я их использую. Как я сказал вначале, Aga-Boom - это сборник идей разных лет. Кроме «Мимикричи», я работал в «Маски-шоу», в «Каламбуре», я работал с Вячеславом Полуниным, я работал у Терезы Дуровой. То есть, я хочу сказать, что работал во всех знаменитых группах России, и у всех в работе мои номера, каждый получил кусок от моего пирога.
А с «Мимикричи» и «Мимиричи» произошло то же, что и с «Лицедеями»: существует Полунин, существуют «Лицедеи» старые, «Лицедеи» молодые («Семенюки»), то есть целая плеяда. Советская театральная клоунада насчитывала более 25 клоунских групп. Все настолько перемешались, что непонятно, кто и с кем работает. У Полунина номера «Мимикричи», у «Мимикричи» - номера «Масок», у «Масок» - еще чьи-то.
Из этого следует, что в клоунском искусстве жестких авторских прав не существует, и все с удовольствием делятся идеями?
Валерий: С удовольствием ли - это другой вопрос. Клоунада - это такая вещь, что вы можете мне назвать любой номер, и я назову три-четыре его аналога.
Ирина: Достаточно пойти в Интернет и посмотреть, сколько групп работает с бумагой и бросает шарики в зал. В Штатах Bluemen Group использует бумагу в конце представления. Шоу De La Guarda из Нью-Йорка использует бумагу: бумажный потолок прорывается, бумага сыплется сверху. «Семенюки» тоже используют: в конце шоу конфетти падают, и зал накрывается бумагой.
Дмитрий: Бумага сама по себе не является «копирайтом», а все остальное - сюжеты, характеры - это индивидуальное. Хотя не всегда. Был один случай. Я работал с Вячеславом Полуниным в Allegria, и после того как он ушел, он поменял свой грим - взял мой. Или я придумал номер «Учебная тревога» - солдат спит, просыпается, бежит, стреляет… Этот номер стал классикой. Все этот номер используют, не задумываясь, кто его придумал - типичная история с классической пантомимой. Происходит обогащение после общения друг с другом. Мы как бы стали все братьями и сестрами. Кто-то что-то придумывает, оно моментально получает распространение. Это я бы назвал эволюцией.
Все почувствовали, что сегодня был особенный спектакль.
Дмитрий: Сегодня был последний, так называемый «зелёный спектакль». Мы просто импровизировали, делали друг-другу сюрпризы. Смеялся не только зал, но и вся техническая бригада. Можно сказать, что это был спектакль для своих. Некоторые зрители пришли и в третий, и в четвёртый раз - мы их уже знаем в лицо. Думаю, для Галвестона это шоу было необычным.
Вместо послесловия:
Дмитрий: Я всю жизнь хотел быть космонавтом, но вот не вышло, не взяли меня в космос. Пришлось клоуном работать. Но продолжаю летать во сне. Всегда в жизни есть выбор: быть героем или быть клоуном. Я выбрал клоуна.
А клоун - тоже герой?
Дмитрий: Герой типа анти-Рэмбо. Мы выглядим глупо и тем доставляем удовольствие зрителям. Да, да, люди получают удовольствие, от того что кто-то выглядит глупее их. И более того, они платят за это деньги, уходят домой довольные и приходят снова и снова. Не так всё плохо, просто мы выбрали такой путь.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ТАКИЕ РАЗНЫЕ КЛОУНЫ |
Этот человек работал во всех знаменитых клоунских труппах России и Украины. Дмитрий Богатырев сравнивает себя с Колобком - и от бабушки ушел , и от дедушки ушел - с той разницей, что выжил и создал свое шоу «Aga-Boom», которое сейчас является одним из интереснейших в мире.
На прошлой неделе театр клоунады Aga-Boom выступил в Галвестоне. По окончании финального представления артисты Aga-Boom Дмитрий Богатырёв, Ирина Иваницкая и Валерий Слемзин дали интервью «Нашему Техасу».
Сколько лет этому шоу, и как вы решили сделать сольную программу?
Дмитрий: Шоу 6 лет. Это набор номеров, над которыми я работал в течение 20 лет. Сюжет довольно условный - это всё-таки театр абсурда. Когда я приехал в Штаты, то решил, что пришло время подвести итог моей работы в разных коллективах. Я взял, собрал все, что делал в других группах, и получился Aga-Boom.
Сколько лет вы живете в Америке?
Ирина: Уже почти 10 лет. Мы начали в Монреале: объехали всю Америку с цирком Дю Солей. У нас была возможность все увидеть, перед тем как окончательно иммигрировать. И все-таки иммигрировали в Канаду и только потом переехали в Лас-Вегас, где до сих пор и живем. Сейчас мы американцы.
Каково смешить людей, осознавая, что в мире идут войны?
Дмитрий: Войны были всегда. Просто сейчас существует Интернет и можно посмотреть, как идет война. Раньше было так: ты знаешь, что где-то далеко идет война, а сейчас ты можешь эту войну приблизить - посмотреть кадры, фотографии. А смех нужен всегда, даже во время войны.
Я сам служил в Советской армии, правда, оружия в руках не держал. И так сильно служил, что этой страны больше не существует. Перестарался, видимо… До армии я работал в «Маски-шоу» - в то время уже знаменитой труппе - и меня после прослушивания приняли в Ансамбль песни и пляски одесского Краснознаменного военного округа. Было много гастролей, я побывал во всех военных округах, были даже двухмесячные гастроли по военным базам в Афганистане. Я могу сказать, что я получил чин ефрейтора за службу в Афганистане.
Сейчас в Штатах мы выступили на американских военных базах в Японии - Акинава, Токио, Тикакота, Кадина, Нисава, Якота, Мисава. Это случилось впервые в мире - русские клоуны выступают на американских военных базах. Был такой успех, что нас пригласили второй раз. Собирался многотысячный зал - люди стояли в длинных очередях, как в мавзолей.
К сожалению, по Америке мы не так много выступаем. Американские продюсеры не слишком доверяют клоунам, считают, что это развлечение для детей.
А в России выступаете?
Дмитрий: Совсем недавно выступили в Москве. Было очень тяжело, в том смысле, что публика очень тяжёлая: «Мы тут деньги заплатили, а ну давайте смешите нас по полной». И хотя там билеты были раскуплены, нам легче отработать сто шоу в Мексике, скажем, чем одно в Москве. Наш основной зритель живёт в Латинской Америке: Мексика, Чили.
То безумие, которое творится на сцене, оно продолжается у вас и в повседневной жизни?
Дмитрий: В жизни мы нормальные люди. Просто на сцене действие воспринимается зрителем настолько реально, что всем верится, что мы так и живем загримированными - едим, спим, ходим по улицам.
Мы сами себя клоунами не считаем. Мы актёры-импровизаторы в клоунских характерах. Клоун в Соединённых Штатах - совершенно другое понятие - непрофессиональный актёр, который на детских праздниках жонглирует тремя мячиками и водит хороводы. Мы этим не занимаемся (кроме случаев, когда я работал на новогодних ёлках в Москве). Однако мы любим детей, дети любят нас, особенно, в конце представления пытаются попасть бумажкой в глаз - думают, что мы ненастоящие. Нам больно, а они получают удовольствие, потому что мы открываем им двери в такую комнату, где вся аудитория превращается в детей.
Самые запоминающиеся случаи во время выступлений.
Дмитрий: Однажды в Чили в самом конце шоу, когда шары летают, ко мне подошел мальчик и протянул клоунский красный нос. Я взял нос и думаю, что с ним делать - у меня свой есть. Перекрестил нос и отдал обратно.
Ирина: В той же Чили одна женшина с грудным ребенком месяцев шести подходит и мне этого ребенка прямо в руки дает. Я его беру, делаю круг по сцене, качаю и отдаю. А сама думаю: почему, почему она это сделала? Видимо, люди настолько нам доверяют, что готовы отдать своих детей.
Вы всё время работаете втроём или кого-то ещё подключаете?
Ирина: У нас есть два состава. Иначе работать тяжело, обязательно нужна замена. К тому же у нас есть расширенный вариант шоу, в котором работает наш двенадцатилетний сын, он играет моего героя Бума, только маленького. Мы с ним как бы превращались друг в друга: я заходила за бумажную кулису, он выходил, нажимал на кнопку “Do not touch”. А сейчас у нас тот же характер играет Валерин сын. Ему 4,5 года. Мы его называем «Мини-Бум». Когда малыш выступает, тогда в шоу работает и Валерина жена. В общем, у нас семейный подряд. Наш звукооператор и автор музыки к шоу Димин брат, Василий Богатырев.
Как вы выбираете реквизит и как понимаете, что именно эта вещь будет работать?
Дмитрий: Все, что мы используем, по большому счету - мусор. На таможне всегда спрашивают: «Что везете?» «Реквизит». «А дорогой ли реквизит?» «Ну, какое там: мусорные мешки, швабры, бумага и шарики…»
Мы ставим целью делать мобильное шоу. Так как продюсеры лишних денег не платят, мы облегчаем шоу до максимума. Максимум восприятия народом при минимуме затрат. Такой же эффект, как от цирка Дю Солей, только стоимостью в три копейки. Мы насыщаем спектакль за счет актерской игры, за счет образов.
В Украине существует театр Мимикричи, среди их спектаклей было «Бумажное шоу». Актеры театра утверждают, что Aga-Boom использует довольно большую часть этого шоу и, по-видимому, в обиде на вас, Дмитрий.
Дмитрий: В Мимикричи я проработал три года. Потом в группе произошел раскол, и она распалась на «Мимикричи» и «Мимиричи». То есть понятно, что эти группы создали дубликаты существовавших шоу. Я работал в «Бумажном шоу», и многие из кусков этого шоу принадлежат мне, поэтому я их использую. Как я сказал вначале, Aga-Boom - это сборник идей разных лет. Кроме «Мимикричи», я работал в «Маски-шоу», в «Каламбуре», я работал с Вячеславом Полуниным, я работал у Терезы Дуровой. То есть, я хочу сказать, что работал во всех знаменитых группах России, и у всех в работе мои номера, каждый получил кусок от моего пирога.
А с «Мимикричи» и «Мимиричи» произошло то же, что и с «Лицедеями»: существует Полунин, существуют «Лицедеи» старые, «Лицедеи» молодые («Семенюки»), то есть целая плеяда. Советская театральная клоунада насчитывала более 25 клоунских групп. Все настолько перемешались, что непонятно, кто и с кем работает. У Полунина номера «Мимикричи», у «Мимикричи» - номера «Масок», у «Масок» - еще чьи-то.
Из этого следует, что в клоунском искусстве жестких авторских прав не существует, и все с удовольствием делятся идеями?
Валерий: С удовольствием ли - это другой вопрос. Клоунада - это такая вещь, что вы можете мне назвать любой номер, и я назову три-четыре его аналога.
Ирина: Достаточно пойти в Интернет и посмотреть, сколько групп работает с бумагой и бросает шарики в зал. В Штатах Bluemen Group использует бумагу в конце представления. Шоу De La Guarda из Нью-Йорка использует бумагу: бумажный потолок прорывается, бумага сыплется сверху. «Семенюки» тоже используют: в конце шоу конфетти падают, и зал накрывается бумагой.
Дмитрий: Бумага сама по себе не является «копирайтом», а все остальное - сюжеты, характеры - это индивидуальное. Хотя не всегда. Был один случай. Я работал с Вячеславом Полуниным в Allegria, и после того как он ушел, он поменял свой грим - взял мой. Или я придумал номер «Учебная тревога» - солдат спит, просыпается, бежит, стреляет… Этот номер стал классикой. Все этот номер используют, не задумываясь, кто его придумал - типичная история с классической пантомимой. Происходит обогащение после общения друг с другом. Мы как бы стали все братьями и сестрами. Кто-то что-то придумывает, оно моментально получает распространение. Это я бы назвал эволюцией.
Все почувствовали, что сегодня был особенный спектакль.
Дмитрий: Сегодня был последний, так называемый «зелёный спектакль». Мы просто импровизировали, делали друг-другу сюрпризы. Смеялся не только зал, но и вся техническая бригада. Можно сказать, что это был спектакль для своих. Некоторые зрители пришли и в третий, и в четвёртый раз - мы их уже знаем в лицо. Думаю, для Галвестона это шоу было необычным.
Вместо послесловия:
Дмитрий: Я всю жизнь хотел быть космонавтом, но вот не вышло, не взяли меня в космос. Пришлось клоуном работать. Но продолжаю летать во сне. Всегда в жизни есть выбор: быть героем или быть клоуном. Я выбрал клоуна.
А клоун - тоже герой?
Дмитрий: Герой типа анти-Рэмбо. Мы выглядим глупо и тем доставляем удовольствие зрителям. Да, да, люди получают удовольствие, от того что кто-то выглядит глупее их. И более того, они платят за это деньги, уходят домой довольные и приходят снова и снова. Не так всё плохо, просто мы выбрали такой путь.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ДРУГОЙ ОНЕГИН |
Балет Джона Кранко «Онегин» является одним из самых лучших спектаклей в жанре неоклассики, ставившихся в XX веке. Кранко работал над «Онегиным» в течение восьми лет. Ровно столько же работал над своим романом и Пушкин. Но идея обращения к пушкинскому роману была подсказана Кранко не Пушкиным, а Чайковским.
В конце 50-х годов в Англии ставили оперу Чайковского «Евгений Онегин», где Кранко был постановщиком танцевальных номеров. Работая с партитурой оперы, хореограф ближе познакомился и с текстом Пушкина. К концу работы он принял решение ставить балет «Онегин» на музыку одноименной оперы Чайковского. Однако совет директоров театра категорически отверг эту идею как слишком дерзкую по отношению к классике. Кранко пришлось пойти на компромисс и использовать в качестве музыкальной основы своего балета другие сочинения Чайковского.
Интересно, что похожая история произошла в своё время и с самим Петром Ильичом. У него возникли разногласия с руководством московского Малого театра по поводу финала оперы. В результате финал был переписан. Да и что говорить, Чайковский и соавтор либретто Шиловский основательно потрудились над текстом Пушкина… Вышло так, что пушкинский «Онегин» был исторически обречён на роль «бродячего сюжета», который интерпретировался с разной степенью вольности - начиная с оперы Чайковского и заканчивая современным англоязычным художественным фильмом с Ральфом Файнсом и Лив Тайлер в главных ролях.
Надо отдать должное Джону Кранко, он в балете «Онегина» бережно придерживался сюжета и сумел сохранить дух и смысл первоисточника.
Итак, в окончательном варианте музыкальная партитура балета не содержит ни единого такта из оперы, на три четверти базируясь на фортепианных пьесах Чайковского из цикла «Времена года», мастерски оркестрованных дирижёром и композиторм Куртом Хайнецом Штольцем. Видимо, подсознательно и Штольцем, и Кранко двигала тоска по новому, ещё не написанному балету Чайковского. Вроде того, что жаль, что Пётр Ильич не написал ещё один балет, но мы предположим, будто бы он написал. Вся музыка Чайковского подчёркнуто танцевальна, так что получилось очень органично и убедительно. Так или иначе, балет «Онегин» любим и исполняем во всём мире.
В этом сезоне хьюстонский балет снова возвращается к «Онегину», который ставился три года назад. Один из исполнителей главной роли - эстонец Линнар Лоорис, отвечает на вопросы нашего корреспондента.
Линнар, для наших читателей будет сюрпризом, что в труппе балета Хьюстона, кроме Ильи Козадаева, есть танцоры, говорящие по-русски. Пожалуйста, расскажите немного о себе.
Я работаю в балете Хьюстона уже второй год. До этого работал год в Англии в Бирмингемском Королевском балете и ещё пятью годами раньше - в Национальной опере Эстонии.
Среди Ваших педагогов были ли русские?
Я начал заниматься в балетной школе с десяти лет. Все наши учителя были русские. К тому же в моём классе русскими была половина учеников, так что я говорю по-русски свободно с детства.
По-моему, это большая редкость, учитывая процессы, которые происходили в между Россией и Эстонией в 90- годах. Русский язык перестал быть желанным, а для молодёжи и вовсе чужим.
Но не в нашей балетной школе, где национальных напряжений не было вовсе. Для нас язык не был барьером, мы все были друзьями - русские, эстонцы. Сейчас, наверное, в Эстонии уже не хотят говорить по-русски. Хотя, зря. У нас такая маленькая страна, что со знанием только одного эстонского языка можно потеряться в мире. Нужно, по возможности, учить все популярные языки. Мне, к примеру, пригодились и английский, и русский.
Какими судьбами Вы попали в Хьюстон?
Дело в том, что в хьюстонском балете танцует мой друг и одноклассник, Роберт Аролд. Я из Англии просто заехал к нему в гости посмотреть, как он здесь живёт, заодно и попробовать, вдруг предложат работу? Было интересно узнать, как протекает жизнь в Хьюстоне: и художественная, и профессиональная. В Штатах я никогда не работал, но когда-то в детстве у меня была мечта танцевать в Америке, как Барышников. Работу мне предложили, чему я рад. Я считаю хьюстонский балет очень хорошей труппой. Пока мне нравится работать здесь.
В спектакле, открывающем сезон, Вы исполняете роль Онегина. Это Ваша первая сольная роль?
Первая в этом сезоне. А по счёту пятая или шестая. В прошлом году я танцевал Принца в «Щелкунчике», Принца в «Золушке», соло в баланчинской программе и в программе «Falling».
Немного о предстоящем балете. Вы же понимаете, что руссские - это как раз та публика, которая хорошо знакома и с романом Пушкина, и с оперой Чайковского. Что нового могут ожидать наши зрители от балета «Онегин»?
Балет Джона Кранко поставлен настолько хорошо, что и тот зритель, который уже знаком с сюжетом, и тот, для которого эта история неизвестна, будет взволнован происходящим на сцене. Эту историю можно было поставить в традициях классического балета, абстрактного балета так, что публика ничего бы не поняла. Но у Кранко есть всё: и пластика, и чувства, и страсть, и дух пушкинского романа.
Сложно ли играть Онегина? Согласитесь, характер непростой.
Очень сложно. Легче всего просто танцевать - технично, красиво - так почти весь мир умеет. Трудно другое. Во-первых, чтобы донести мысль до публики через дистанцию, разделяющую сцену и зрительный зал, нужно выкладываться эмоционально на двести процентов вместо ста. Во-вторых, именно для этой роли я считаю обязательно нужен личный опыт несчастной любви, чтобы игра была правдивой.
У Вас был такой опыт?
Да. Мой опыт стал как бы трамплином для понимания роли Онегина.
Сейчас все, кого ни спроси в хьюстонском балете, я уверена, читали роман в стихах Пушкина. А с оперой Чайковского знакомы?
Только в отрывках. Полностью оперу никогда не слышал.
Некоторые критики утверждают, что центральная роль в балете Кранко, в отличие от Пушкина и Чайковского, не Татьяна, а Онегин. Считается, что Онегин- alter-ego самого балетмейстера. Как кажется Вам?
Я бы сказал, что эти роли уравновешены. Можно сказать, что всё действие крутится вокруг Татьяны, а можно сказать, что вокруг Онегина. Название балета, конечно, говорит само за себя и подсказывает, кто должен быть главным героем. Но в финале балета Татьяна остаётся на сцене одна, и мы видим именно её страдания.
Какая сцена была для Вас самой сложной?
Наверное две. Первая - сцена после дуэли с Ленским. Всего тридцать секунд. Но как их надо сыграть! И вторая - финальный дуэт Онегина и Татьяны. Показать страсть последнего момента, желание спасти былые чувства - это очень сложо. Надо быть внимательным, чтобы не переиграть. Если играть чересчур эмоционально, тогда получится просто «праздник танца», а дело-то не в этом…
Кстати, музыка последней сцены (увертюра-фантазия «Франческа да Римини») наименее танцевальна.
Мне кажется, что не существует такой музыки, под которую было бы невозможно танцевать. В данном случае хореография Кранко настолько натуральна, что музыкальных трудностей не замечаешь.
В заключение несколько слов для наших читателей.
Нас в балете Хьюстона трое - Илья, Роберт и я, для которых русская танцевальная школа была основой. Думаю, мы до сих пор отмечены своей особенной манерой танца. Мы все участвуем в балете «Онегин». Я хочу пригласить читателей «Нашего Техаса» на этот спектакль и думаю, когда зритель знает, что на сцене танцуют люди, которые говорят с ним на одном языке и разделяют его чувства, он не одинок.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ДИАНА ДАФОВА: «МОЯ МУЗЫКА - МОЯ СУЩНОСТЬ» |
Для болгар Диана Дафова - звезда той же величины, что и Алла Пугачёва для русских. Ее сольная певческая карьера началась в 1985 году и успешно продолжается по сей день. Дафова популярна не только на родине в Болгарии, но и на Западе, что большая редкость для эстрадной певицы из бывшего социалистического лагеря. Песни Дафовой – это сочетание разных стилей и жанров. В них следы болгарского фольклора и современные популярные ритмы, элементы джаза и рока. Кроме родного болгарского, она поет на латыни и иврите, на английском, итальянском, японском, арабском языках.
Вскоре и мы сможем познакомиться с искусством популярной болгарской певицы. Предворяя концерт Дианы Дафовой в Оперном театре Галвестона, корреспондент «Нашего Техаса» задал болгарской поп-диве несколько вопросов.
Госпожа Дафова, когда состоялся Ваш прорыв на рынок музыкальной индустрии Запада?
На протяжении многих лет я выступала в странах Западной и Восточной Европы. Я давала концерты, участвовала в конкурсах и фестивалях, постепенно завоёвывая себе признание и награды. Это было важным в плане профессионального опыта.
Реальный прорыв состоялся тогда, когда я создала новый тип музыки. Была придумана комбинация классических, фольклорных мелодий и различных музыкальных стилей – от джаза до поп-музыки и даже хип-хопа. Я искала новые способы самовыражения, способы контакта с публикой. Как порвать с повседневностью с помощью музыкальных вибраций? Как сделать людей более свободными, открытыми, способными к сопереживанию и восприятию сверхъестественной стороны жизни?
Слова к моим песням написаны на 11 языках. Песни - это своеобразное духовное послание, обращённое ко всему человечеству. Последние альбомы «Звуки Земли» и «Харизма» вышли на трёх материках, но наибольшее признание получили в США. Одна из моих песен, «Талиесин», завоевала первую премию в категории «Песни народов мира» на Ежегодном американском песенном конкурсе в 2000 году. В этой песне с продолжительным вступлением из родопских гайд и болгарских волынок я провожу культурную связь между историческим и фольклорным наследием болгар и кельтов. Талиесин в сущности кельтский аналог фракийского Орфея. Другая моя песня «Ahadiyah» (Вселенная), которая исполняется на арабском языке, была выбрана NASA для космического корабля «Колумбия» и побывала в космосе. Кстати говоря, я была гостем при запуске «Колумбии» во Флориде.
В чём секрет Вашего успеха?
Моя вера и моя увлечённость. Я верю в то, что настоящий артист должен иметь своё лицо, отличающееся от всех остальных, и еще в то, что если посылаешь людям положительные эмоции, это должно быть воспринято моментально. Я пытаюсь выразить через свою музыку мою человеческую сущность. Зритель чувствует, что мне, действительно есть, что сказать, что я искренна и работаю с самоотдачей, и отвечает мне признанием.
Чем Вы жертвуете в своей жизни и во имя чего эти жертвы?
Я не разделяю профессиональную и личную жизнь. Для меня это одно. Мой разум постоянно в работе, я постоянно нахожусь в творческом поиске.
Я должна постоянно совершенствоваться. Невозможно добиться успеха с лёгкостью и быть вечно успешным. Ты должен быть сильным, бороться за свой успех и не сдаваться. Я привыкла жить именно так. Я думаю, что это не жертва, а благословение, и, хотя и очень трудно нести его, это мой выбор.
Какова Ваша цель?
Моя цель – добиться того, чтобы мою музыку узнали и полюбили как можно больше людей во всём мире.
Как Вы уравновешиваете свою художественную карьеру и благотворительную деятельность?
Я их объединяю. Уже несколько лет я являюсь европейским представителем в Высшем комиссариате по делам беженцев (UNHCR). Это агентство по поддержке и защите беженцев, а также оказывающее помощь при переселении или возвращении людей на Родину.
Я получила приглашение от американских продюсеров, которые отвечали за издание двойного диска под лозунгом «Объединенные голоса для Высшего комиссариата». В записи альбома участвовали 22 певца из разных стран, которые подарили свои авторские и исполнительские права в помощь беженцам из Афганистана, Судана и Ирака. Для альбома продюсеры выбрали две моих песни: «Талиесин» и «Шин-кото» из альбома «Харизма».
Многие из своих проектов я посвятила помощи детям с ограниченными возможностями. Мой следующий крупный концерт состоится 20 сентября в Grand 1894 Opera House в Галвестоне. Все доходы от концерта пойдут на нужды местного дома Ronald MC Donald.
Включаете ли Вы в репертуар песни на русском языке?
В своих композициях я использую элементы православной музыки и славянские языки. Я люблю русскую классическую музыку и получаю воодушевление от богатой российской истории и культуры. Сразу после Перестройки я принимала участие в большом концерте в Москве и выступала перед 10-тысячной аудиторией. Я никогда не забуду тепло, исходившее от русских людей.
Связывают ли Вас дружеские или профессиональные узы с российскими исполнителями?
Мне посчастливилось работать с Валерием Леонтьевым и Филиппом Киркоровым. Моим первым педагогом по вокалу была русская певица Ирина Чмихова, которая в то время была очень популярна в Болгарии.
Как Вы относитесь к современной России?
Я считаю Москву одним из красивейших городов мира. В России живёт множество талантливых и образованных людей, и русские всегда с уважением относились к своей культуре и к культуре других стран.
Я думаю, что всех русскоязычных читателей газеты «Наш Техас» заинтересует мой концерт в Галвестоне. Я буду очень рада нашей встрече.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас «БАБИЙ ЯР» - МУЗЫКА И ПОЭЗИЯ |
Хьюстонский симфонический оркестр исполнит знаковое произведение XX века - Тринадцатую симфонию Дмитрия Шостаковича, озаглавленную «Бабий Яр».
Написанная в 1962 году, Тринадцатая симфония явилась событием не только культурного, но и политического значения. Шостакович в своём произведении посмотрел прямо в лицо трагедии сентября 1941 года. Сам композитор говорил, что «Бабий Яр» Евтушенко настолько потряс его, что решение написать музыку на эти слова созрело мгновенно.
У симфонии нелёгкая судьба. Не все смогли выдержать кричащие своей совестливостью строчки поэмы Евтушенко и надрывный музыкальный язык Шостаковича. Как ни горько, геноцид евреев во время Отечественной войны власти СССР признавали лишь скрепя сердце и не желали специально выделять эти события на фоне других преступлений нацистов. Поднятие «еврейского вопроса» в Тринадцатой симфонии вызвало недовольство Хрущёва.
Симфония прозвучала в декабре 1962-го, но позже текст был изменён в сторону «интернациональной» идеи. Сравните первоначальный текст:
«Мне кажется сейчас - я иудей.
Вот я бреду по древнему Египту.
А вот я, на кресте распятый, гибну,
И до сих пор на мне - следы гвоздей».
и новые строчки на ту же музыку:
«Я тут стою, как будто у криницы,
Дающей веру в наше братство мне.
Здесь русские лежат и украинцы,
Лежат с евреями в одной земле».
Сейчас Тринадцатая симфония звучит в своём первоначальном варианте. В ней пять частей, и все они написаны на слова разных стихотворений Евгения Евтушенко: «Бабий Яр», «Юмор», «В магазине», «Страхи», «Карьера».
«Мне, на первый взгляд, симфония казалась странным сочетанием текстов, не имеющих друг с другом ничего общего, но это не так, - говорит маэстро Граф. - Я особенно люблю третью часть «В магазине», где Евтушенко, в то время молодой человек, очень глубоко пишет о судьбе женщин в России».
Главный дирижёр Houston symphony имеет свой взгляд на факты, связанные с произведением: «Тринадцатую симфонию в советские времена дирижировал только Кирилл Кондрашин. Бытует мнение, что Мравинский отказался дирижировать Тринадцатой симфонией по политическим соображениям. Это неправда. Шостакович был членом партии с 1961 г., а вот Мравинский не был. Мравинского никто не мог заставить делать то, чего он не хотел, он был неприкасаемым. Дело было в другом. В то время умерла жена Евгения Александровича, которую он очень любил. Он предпочёл соблюдать ритуал девяти и сорока дней, этим мотивируя отказ дирижировать Тринадцатой симфонией. Существуют письма его к Шостаковичу, из которых ясно, что Мравинский отказался от исполнения симфонии не в силу политических и не в силу художественных причин».
«Мы исполняем оригинальную версию симфонии. В России в 1962 г. Кирилл Кондрашин дирижировал первоначальной редакцией, а в 1967 - уже «партийной». После долгого затишья оригинальная партитура была исполнена впервые на Западе Юджином Орманди с Филадельфийским симфоническим оркестром где-то в 1987. Сейчас во всём мире исполняют именно этот вариант».
«Я был счастлив пригласить Михаила Светлова на роль солиста. Он- классический русский бас. Мы несколько раз сотрудничали. Он пел со мной Лепорелло в «Каменном госте» Даргомыжского, Пимена в «Борисе Годунове» и «Сонеты Микеланджело» Шостаковича.
Наш оркестр глубоко и искренне воспринимает симфонию «Бабий Яр». Музыканты любят такую музыку и прекрасно её понимают.
Я с нетерпением жду приезда Евтушенко, предвкушаю знакомство с ним и очень интересные репетиции».
Поэма Евгения Евтушенко «Бабий Яр» в 1961 г. стала главным событием и не только в России. Она была переведена на 72 языка. Вот как сам поэт вспоминает о замысле этого стихотворения: «В 1961 году, когда я впервые пришёл на поклон к Бабьему Яру, я был потрясён тем, что не нашёл там не то что монумента, но даже скромного памятного знака. Передо мной был овраг, заваленный мусором - бесстыдная свалка поверх стольких жертв, среди которых были женщины и дети. На следующий день я уже прочёл новое стихотворение в Киеве, после чего меня обвинили в наплевательском отношении к русскому народу только за то, что я почувствовал боль другого народа, как свою».
Евгений Евтушенко - живая легенда и «человек-планета» (в 1994 году именем поэта действительно была названа малая планета Солнечной системы) снова в Хьюстоне.
В 2000 году Евтушенко читал свои стихи в хьюстонском Музее Холокоста. Выступление поэта было частью Фестиваля Шостаковича, который организовал тогдашний президент музыкального общества Moores School of Music, а ныне директор Русского культурного центра «Наш Техас», Филлип Берквист - личный друг Евтушенко.
«Первый раз я увидел Евтушенко в 1993 в Петербурге, - рассказывает господин Берквист.- Он выступал в концертном зале «Октябрьский» перед огромной аудиторией - четыре тысячи человек. В числе прочего он читал «Бабий Яр». Стоит ли говорить, что я не понял ни слова, но меня потрясла реакция зрителей - они переживали, плакали, смеялись, передавали на сцену записки, цветы…
Этот вечер был одним из самых ярких в моей жизни. Через пять месяцев я оказался в Портленде, штат Орегон, где в это же время Евтушенко выступал с лекциями в местном университете. Я познакомился с ним, пригласил в Хьюстон, мы стали друзьями. Только что я вернулся из Москвы, где праздновали его 75-летие.
Евтушенко - один из самых смелых и прямых людей, которых я встречал в жизни. Слушая его стихи, иногда кажется, что можно предугадать ход его мыслей. Но он всегда так поворачивает фразу, что беспощадная правда буквально ударяет тебе в лицо».
26, 27 и 28 сентября хьюстонскому зрителю представится уникальная возможность услышать легендарную симфонию Дмитрия Шостаковича «Бабий Яр» в исполнении оркестра Houston Symphony под управлением маэстро Ханса Графа с участием знаменитого баса Михаила Светлова. В концерте прозвучат стихи выдающегося поэта Евгения Евтушенко в исполнении автора.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ЛЕГЕНДАРНЫЕ ВОЗЛЮБЛЕННЫЕ |
Легко ли вам представить себя поющим в момент любовного наслаждения? Или в момент смерти? То, что невозможно в реальной жизни, возможно в опере. Там герои всегда чувственны и возвышены, а эмоции экзальтированны. Барочная опера с ее античными и мифологическими сюжетами, захватывающим действием и любовными интригами до сих пор является предметом поклонения многих.
Ностальгическая идея возродить элегантность и простоту самых известных любовных историй античности - Орфея и Эвридики, Марка Антония и Клеопатры легла в основу программы «Легендарные возлюбленные» хьюстонского общества старинной музыки Ars Lyrica. В концерте прозвучат произведения Глюка, Генделя, Клерамбо и Хассе.
Страстная тоска по античной целостности породила ряд бессмертных произведений, среди которых и опера Глюка «Орфей и Эвридика» - первая реформаторская опера великого композитора. По сюжету трагедии певец Орфей спускается в Аид, чтобы вызволить душу жены из объятий смерти. Первоначально Глюк написал партию Орфея для кастрата, позже переделал для тенора. В 1859 году Берлиоз написал свою редакцию шедевра Глюка. В роли Орфея выступила Полина Виардо. С этих пор существует традиция исполнения заглавной партии меццо-сопрано. Эту редакцию и представляет Ars Lyrica.
«Король бель канто», как называли его современники, Иоганн Адольф Хассе - безраздельно царил на музыкально-театральном Олимпе, придя на смену Генделю, отказавшемуся от оперы в пользу оратории. Сохранилось свыше 70 опер Хассе, а также огромное количество вокальных сочинений светского и духовного содержания. Серенада «Антоний и Клеопатра» об одной из наиболее романтичных пар в истории была написана осенью 1725 года по заказу Неаполитанского двора. Премьера, на которой блистали знаменитые исполнители - Виттория Тези и Карло Броски (более известный как Фаринелли), прошла с большим успехом. В концерте Ars Lyrica прозвучат дуэты из серенады.
О Луи-Никола Клерамбо сведений совсем мало. Известно, что он служил придворным музыкантом Людовика XIV, а также перечисляется список церквей, в которых Клерамбо работал органистом. Известны несколько кантат, написанных для воспитанниц пансиона Сен-Сир, среди которых наибольшим успехов у современников пользовалась “Орфей”. Современные исследователи считают «Орфея» центральным произведением композитора. В концерте прозвучат две арии из кантаты.
Общество старинной музыки Ars Lyrica- группа страстных любителей и исполнителей старинной музыки во главе с клавесинистом и дирижёром Мэтью Дёрстом. Ars Lyrica представляет серии концертов музыки барокко и ранней классики- от Монтеверди до Моцарта. Эти концерты - нечто среднее между камерной программой и драматическим действом. Музыканты общества бережно чтут традиции аутентичного пения и исполнения на музыкальных инструментах.
В программе «Легендарные возлюбленные» выступят две молодые певицы, которым вскоре пророчат блестящую вокальную карьеру- сопрано Ава Пайн и меццо-сопрано Джеми Бартон.
Концерт состоится 19 сентября в Hobby Center.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ВОЛШЕБСТВО БЕЗ ВОЛШЕБСТВА |
Комическая опера Моцарта “Волшебная флейта” (1791) имела оглушительный успех в Вене и прославилась не только бессмертной музыкой, но и скандалами, связанными с разглашением масонских тайн и опошлением высоких ритуалов юмором народного зингшпиля.
Либретто «Волшебной флейты» Моцарту предложил его давний приятель, Эммануэль Шиканедер. Сюжет он почерпнул в сказке Виланда из сборника фантастических поэм «Джиннистан, или избранные сказки про фей и духов». Премьера оперы состоялась 30 сентября 1791 года под управлением композитора за два с небольшим месяца до его смерти.
«Флейта» остается самым загадочным сочинением Моцарта и для исследователей, и для зрителей. Что это: красивая сказка со счастливым концом или философская притча, фантастическая комедия или мистерия, марионеточный театр или масонская опера?
Особенность этого произведения в огромном разнообразии музыкальных стилей, пародии и самопародии, в смешении высокого и низкого как в жанрах, так и в тексте. Текст монологов Тамино и Папагено отличается так же, как, скажем, «Илиада» от мыльной оперы.
“Волшебная флейта” - не совсем обычная опера. Она была сочинена для народного театра “Ауф-дер-Винден” в предместье Вены. Публика побогаче размещалась в ложах, а партер был заполнен самым разным народом. Обстановка была демократическая, пиво подавали прямо в зал. Сам жанр оперы - зингшпиль (то есть “веселое представление с пением”) подходил этой публике как нельзя лучше.
С другой стороны, опера «нашпигована» масонской тематикой, символикой чисел и прочими «серьезными» вещами. И, как ни странно, «Волшебная флейта», будучи оперой комической, наполнена атмосферой смерти. И не только потому, что все герои по очереди пытаются покончить с собой. Речь в опере идет об обряде посвящения, иными словами, о ритуальной смерти и возрождении.
Весь вопрос в том, какой из мотивов - комический, лирический или масонский предпочтет тот или иной режиссер?
Существует мнение, что эту оперу может убить традиционная постановка. Постановщики склонны «пуститься во все тяжкие» - игровая основа и неровности сюжета оперы дают множество поводов для самых неожиданных трактовок.
Немецкий режиссер Ахим Фрайер в постановке на сцене театра «Новая опера» вырядил моцартовского мудреца Зарастро в товарища Сталина. В руке он держал молот, а Царица ночи- серп. Ни дать, ни взять - рабочий и колхозница. Царица ночи вырастала на глазах у публики, как Алиса в Стране чудес, и выставляла из разреза юбки ножку этак метра два длиной.
В постановке британца Грэма Вика (Большой театр) храм Осириса и Изиды, иначе говоря, масонская ложа, представлял собой гигантский солярий. Прибавьте еще принца Тамино в одних трусах, дам из свиты Царицы ночи в милицейской форме и Папагено, курящего «косяк», и получится форменный балаган (чего, собственно, и хотел режиссер).
На Зальцбургском фестивале в 2006 г. Папагено разъезжал по сцене на машинке, похожей на Фольксваген-жук, а добрые гении летали на самолете.
Но самым из ряда вон выходящим было совместное действо режиссера Екатерины Поспеловой и Псоя Короленко, сотоварищи под названием «Чудесная дуда», которые превратили зингшпиль в русский вертеп. Там от Моцарта осталась только музыка и то в узурпированном варианте, а либретто (на русском) свободно заменилось цитатами из классики литературы: Пушкина, Тютчева. Царица ночи превратилась в Смерть с косой, Зарастро - в православного старца, а мавр Моностатос - в черта Моностатку.
В недалеком будущем немецкий дирижер и режиссер Кристоф Хагель собирается поставить «Волшебную флейту» в берлинской подземке. Сценой и залом на 600 зрителей послужит недействующая станция метро «Бундестаг» Действие оперы режиссер перенесет в наши дни.
Среди существующих на свете опер «Волшебная флейта» занимает одно из первых мест по числу сюжетных несуразностей, и любой режиссер, «ломает зубы» на середине второго акта.
Постановщик оперы на сцене Houston Grand Opera Кевин Ньюбери (Kevin Newbury) выбрал самую что ни на есть традиционную сценографию (знатоки могли наблюдать оперу в этой постановке в Мет под управлением Д. Левайна в 1991 г). Из-за небольших купюр опера шла гладко и бодренько, но как-то без запала и куража. Не было в этой постановке очарования, волшебства не было.
Человек, выдававший себя за дирижера (Стивен Слоун), видимо хотел, чтобы музыка прозвучала свежо и по-новому. Ему это удалось: все темпы были в полтора раза быстрее обычного. Было впечатление, будто пластинку в 33 оборота провертели на все 45. Было бы понятно, если бы оперу ставили в Петербурге, и надо было быстренько «свернуть» действие, чтобы попасть домой до развода мостов или в метро до закрытия. Но чего бояться в Хьюстоне? Все легко попадают домой на машинах. Вполне можно было без спешки насладиться оперой - музыка того стоит. Не вышло. Певцы едва успевали брать дыхание, подгоняемые резвой палочкой маэстро Слоуна. Кульминацией этой суеты была вторая ария Царицы ночи в предельно быстром, просто бешеном темпе. Царица ночи - Альбина Шагимуратова блистательно исполнила эту сложнейшую арию (равно, как и предыдущую), прекрасно справившись с темпом. В остальных случаях «поединок» между дирижером и певцами был в пользу дирижера.
Можно сказать, что пение Альбины Шагимуратовой подняло всю эту постановку на более высокий уровень. Зрители сидели, как в трансе, не дыша и не моргая, таким мощным был эффект голоса Шагимуратовой. Сложность партии Царицы заключается в так называемом «инструментальном пении», то есть когда человеческий голос по техническим приемам уподобляется музыкальному инструменту. Шагимуратова обладает блестящей виртуозной техникой, которая позволяет ей с легкостью исполнять «нечеловеческие» колоратуры.
«Большой красавец» Эрик Катлер (Eric Cutler) в роли принца Тамино как-то «не показался» - вокально был бледноват и скучноват, да и пел немного в нос.
Ребекка Камм (Rebekah Camm) была бы превосходной, очень трогательной Паминой, если бы не ее габариты (опять о них упоминаем). Певица обладает мягким красивым голосом и незаурядным актерским талантом. Жаль, что тучность мешает ей раскрыться во всей красе.
Патрик Карфицци (Patrick Carfizzi) был классическим Папагено - милым, веселым. Голосовые данные у певца скромные, но пользоваться голосом он умеет. И дурачиться на сцене- тоже. В общем, роль удалась.
Исполнитель роли Зарастро, Раймонд Ачето (Raymond Aceto), был в своем амплуа «каменного гостя» - непроницаемый, если не сказать, непробиваемый. Пропел всю партию довольно тусклым скрипящим звуком, иногда, правда, приятно рокоча низкими нотами.
Сильно удручил терцет дам из свиты Царицы. Это очень сложный ансамбль, который требует многих репетиций и должен быть безупречным. К сожалению, ни одного стройного аккорда не прозвучало. Кристин Клэйтон (Kristin Clayton), Мария Маркина и (Jamie Barton) слишком сильно отличались между собой по манере исполнения. Можно только догадываться, почему был выбран именно такой состав.
Зато трио добрых гениев было спето так, как надо - чисто и легко (за небольшим исключением, что пели девочки вместо положенных мальчиков).
Несомненно, «Волшебная флейта» - большое испытание как для режиссера, так и для дирижера и певцов. Полностью соответствовать идеям и музыке гения - практически непосильная задача. Но попытаться можно.
До встречи в опере.
|
|
#texas #техас ИМИТАЦИЯ КУЛЬТУРЫ ИЛИ ЧТО-ТО ЕЩЕ? |
Месяц назад форум нашей газеты взбудоражило высказывание-перепечатка из «Живого журнала» некого Переседова в адрес авторской песни как жанра, появившееся вслед за статьей «Бард, он и в бане бард». Мы приводим его без изменений и комментариев:
«Бардовскoе творчество - это всегда имитация культуры, если говорить старым штилем, это мещанство, возведенное в абсолют. Где бы оно не создавалось, поет ли оно про лесное солнышко или соседкины ножи, всегда описывает жизнь с позиции маленького человечка, которому своя рубашка ближе к телу, а любой волдырь на ноге ценнее сгоревшей Помпеи. Бардовское творчество - это перечисление частностей, которым присваивается абсолютный статус, и детская (практически идиотическая) идеализация, исключающая возможность критического мышления, а соответственно, и развитие. На все вопросы и проблемы, искания и победы оно повторяет, как радио-няня “как здорово, что все мы здесь сегодня собрались!” Это своего рода инъекция для мозга, позволяющая на время не думать и видеть мир сквозь розовые очки.
Попса хороша тем, что, обращаясь к простейшим эмоциям и желаниям толпы, она не претендует на связь с “высокой” культурой. По сути она разновидность фольклора. Барды же (грезя какой-то нелепой корпоративностью и избранностью) с легкостью распространяют свое одномерное мировосприятие на прошлое и будущее, выставлясь то новыми менестрелями, то ценителями чистой и старой культуры (”в рюкзаке моем сало и спички, и Тургенева 8 томов”).
Отчетливо ощущая свою ущербность и поверхностность, сторонники такого “муравьиного” мировосприятия с радостью записывают в свои ряды всех творцов, замеченных с гитарой в руке. На деле же ни Галич, ни Высоцкий, ни Окуджава никакими бардами не являлись, хотя (к сожалению) периодически заигрывали с этими детьми в их песочнице.
Претензии же бардов на продолжение традиции городского романса, родство с Вертинским справедливы не больше, чем у шансонного блатняка. (Кстати, романс никогда не был “высоким” жанром и в хорошем обществе его скорее терпели, чем пестовали). А вот у бардовской песни и шансона очень много общего.
Повторюсь, бардовское искусство - это детское добродушие и наивность (не святая простота, а добровольная глупость) без надежды на развитие и профессионализм. Для людей, поддавшихся на его внешнюю простоту, оно становится препятствием для внутреннего развития и культурного роста. Это жлобство, наряженное в декорации гармоничного обывательского быта.
Его порочность в создании иллюзии, что можно быть довольным жизнью, не прилагая для этого никаких усилий».
Реакция не заставила себя долго ждать - форум забурлил. И мы, любители авторской песни и устроители КСП, крепко и всерьез задумались над вышесказанным. Может и правда «глас народа - глас божий», и многие разделяют такую точку зрения? Может всеми любимый жанр, на самом деле, никчемная безделушка? Или наоборот: авторская песня как культурное явление - уникальна и возведение ее в ранг «высокой» культуры логично и естественно.
Как бы ни было, авторская песня - понятие, бытующее только у нас. Где еще могла зародиться песня, которую можно исполнять либо на тихой кухне, либо у далекого костра подальше от официальных ушей? Попробуй, объясни представителю другой культуры, что это за жанр. Нам бы самим разобраться. Вот мы и решили спросить мнение о роли, значимости и специфике авторской песни самих творцов этого жанра.
Возможно, заметка на форуме слишком рассердила известного автора и исполнителя Дмитрия Кимельфельда, но его короткое письмо - прямой ответ господину Переседову:
«Бардовское творчество - это имитация и мещанство!
Литературное творчество - это имитация и мещанство!
Изобразительное творчество - это имитация и мещанство!
Кинематографическое творчество - это имитация и мещанство!
Музыкальное творчество - это имитация и мещанство!
Историческое ТВОРЧЕСТВО - это имитация и мещанство!
Телевизионное …
И так далее со всеми остановками.
Что ж, высказывание это справедливое, и ничего тут не скажешь,
разве что только замечание, что всё это «БАРДИЛЬЕРО» В.С. Высоцкий и Б.Ш.Окуджава назвали гораздо точнее АП - авторская песня.
Вполне возможно, что и господин Переседов не мещанин, не жлоб, а сам кропал стишки и «по ночам на гитарке играл» - но где-то его высмеяли, где-то покритиковали, и вот она «жаба». Душит, жить не даёт.
И, как любой невежда, даже неудосужился этот «неимитатор» просто прочесть те немногие исследования, которые посвящены жанру АП.
А ведь уже тысячи раз сказано, что это «субкультура», которая возникла для общения и никогда не претендовала на близость к «великому искусству», которое автор Переседов так страстно защищает, почти на уровне Верки Сердючки.
В АП строго следят за чистотой жанра, где были и есть блистательные поэты.
Это, прежде всего, М.К. Щербаков, Ю.Ким, А. Городницкий.
Были и есть и прекрасные музыканты, одинаково сильно владеющие концептуальной поэзией и мелодическим воплощением этой поэзии: Ю.Визбор, В.Луферов, Е.Клячкин, Ю.Кукин, В.Долина, Л.Семаков, А.Мирзаян, В.Бережков, А.Дольский.
А есть просто Сергей и Татьяна Никитины, которые открыли для миллионов людей Ю.Мориц, Ю.Левитанского, Н.Бараташвили, Д.Самойлова.
Должен отметить, что в заметке этого «немещанина» есть довольно точные слова. Особенно насчёт «попсы».
При этом господину Переседову абсолютно неизвестно, что такое « величайшая радость человеческого общения». Неизвестны культурные коды 50-х, 60-х,70-х, 80-х, 90-х годов. А без этих знаний ничего не поймёшь.
Нам и самим было ясно, что среди нас 90 процентов графоманов. Но это графоманство никогда не вело на сцену, ни одна интеллигентная и образованная компания не предоставляла свою квартиру или не сидела в лесу у костра рядом с ними. И тем не менее, даже у графоманов попадались и попадаются замечательные строки и крепкие мелодии.
И когда мы собираемся всё так же на кухне после выступления, пусть даже перед небольшой аудиторией, мы снова возвращаемся в упоительную пору расцвета АП.
Нужно точно и безоговорочно подтвердить, что почти все СЛЁТЫ и ФЕСТИВАЛИ, как в России, так и в Германии, Израиле, Франции и, в особенности, в США выдвигают на главную сцену довольно большое количество «середнячков».
Ну и что? Не нравится, встань и уйди. Подойди к костру, где поют хорошие песни, прислушайся. Может чего и поймёшь».
Конечно, спор этот не нов, что важнее в авторской песне: стихи или музыка. Кто-то слагает замечательные мудрые стихи под 3 гитарных аккорда. Оскорбляет ли он этим высокообразованных музыкантов?
А кто-то блестяще играет на гитаре, но сказать ему при этом, по большому счету, нечего. На самом деле, слушатель всегда прав. Он выбирает тех исполнителей, чьи песни близки ему по духу. Слушает записи дома, в автомобиле, заражает своей любовью детей.
Мэтр АП Александр Городницкий, песни которого у всех на слуху, категоричен:
«Я считал и считаю, что именно стихи являются основой авторской песни. Не расхожие штампы, не проходные тексты из общих слов, которые в последнее время стали выдавать за авторскую песню, а именно стихи».
Молодой автор и исполнитель, недавно выступавший у нас в Техасе, Алексей Кискачи придерживается другого мнения:
«Я против всяческой классификации и навешивания ярлыков. Я считаю, что надо просто делать хорошую музыку и слушать хорошую музыку. В исполнении должно быть что-то притягательное для слушателя. Должно быть интересно, свежо, талантливо. Важно не «количество нот в минуту» или хорошо поставленный оперный голос, а подача материала.
Я, например, считаю Тома Уэйтса совершенно гениальным музыкантом (может это плохой пример - у него и красивые стихи, и интересная музыка), однако, многим он может показаться примитивным.
А что, вообще, есть примитив? Это же чудесно писать о мелочах! Все зависит от степени талантливости изображения повседневности. Можно рассказать, допустим, про свой день скучно и глупо, а можно так, что все будут восторгаться и радоваться моменту узнавания».
Многие профессиональные музыканты не считают зазорным сотрудничать с исполнителями авторской песни. Хорошим примером может послужить кларнетист Леонид Челяпов, которого связывает многолетняя творческая дружба с Алексеем Кискачи. Леонид -человек, «обремененный» классическим образованием, на своем веку поиграл немало- и на джазовых фестивалях, и с рок-группми («Бригада-С», «Браво»), и с многочисленными клейзмер-бэндами. А вот, все же, с удовольствием ездит с Кискачи по городам и весям с концертами и говорит, что его привлекает именно музыкальная сторона творчества Алексея.
Да, наверное, строки «лыжи у печки стоят» или «милая моя, солнышко лесное» не вершина русской поэзии, но песни Юрия Визбора столько лет подряд собирают людей вместе, служат своего рода кодом принятия в круг своих. Нет, не избранных, не претендующих на высокое искусство или некую элитарность, но в круг людей, где превыше всего ценится дружба, взаимовыручка, интеллигентность, где любят поэзию, музыку и многое другое – добавьте сами, дорогие читатели.
А что до господина Переседова, так любой жанр не каждому близок и понятен. Обделен лишь тот, кому не дано…
|
|
#texas #техас ЭЛЕГАНТНЫЙ САЛАТ |
Современное балетное искусство не стоит на месте. Как и любое другое, оно развивается и меняется. Претерпевает изменения и классический балетный танец, и модерн. Бытует мнение, что за модерном можно скрыть недостатки техники: выворотности нет, высокого прыжка нет. А все якобы потому, что модерном занимаются те, то в классике несостоятелен. Между тем его причудливая экспрессия держится на классической технике, как на гранитном фундаменте. Да и граница между жанрами весьма условная.
Живя в Техасе, непросто проследить за всеми новинками в мире балета. Не каждый в состоянии летать на балетные сезоны в Лондон, Москву или Санкт-Петербург. Тем ценнее для нас все те танцевальные представления, которые возможно увидеть в Хьюстоне.
Одно из важных событий в танцевальном мире – ежегодный хьюстонский фестиваль с гастрономическим названием «Танцевальный салат». Нэнси Хендерек – основатель и главный организатор этого фестиваля вот уже 13 раз собирает танцовщиков со всего мира, чтобы 3 вечера подряд знакомить зрителей с самыми последними мировыми новинками современного танца. Целый год она отбирает исполнителей, которые в коротком танцевальном номере могут представить современный танец с необычной, своеобразной хореографией, показать что-то новое, чего наши зрители до сих пор не видели.
В прошлом году никого не оставили равнодушными выступления итальянского балета Compagnia Alterballetto’s (это второй приезд труппы в Хьюстон, зрителем доводилось видеть итальянский балет в танцевальных сериях общества SPA). Эта ведущая балетная труппа Италии со своим почерком, своим незабываемым стилем. Очень интересна хореография Mauro Bigonzetti – главного хореографа театра.
Весьма необычен был танцевальный дуэт из Кореи, танцовщики из Торонто. Но самым сильным номером в прошлогодней программе стал «Средний дуэт» (постановка Алексея Ратманского) в исполнении солистов Большого театра Наталии Осиповой и Андрея Меркурьева. Отличительная черта русской школы – не только высочайшая техника, но и великолепный артистизм, с которым исполнители доносят до зрителей драматический сюжет балета. Обреченные отношения двух молодых людей были переданы танцорами так мастерски, что выражение лица молоденькой Наталии до сих пор стоит перед глазами.
Художественный руководитель Большого театра Алексей Ратманский при встрече с Нэнси Хендерек заметил, что она в свой «Салат» отбирает все самое лучшее. Нэнси, действительно, обладает даром находить таланты. Это о ней писали в журнале «Dance Magazine»: «Продюсер Нэнси Хендерек имеет особое чутье к выбору артистов. Этот фестиваль современного балета не имеет себе равных от восточного до западного побережья».
В этом году мы, к сожалению, не увидим артистов Большого, но фестиваль обещает нам много ярких современных номеров.
Американский дебют пражского Národní divadlo (по-чешски «Народный театр») включает хореографические композиции художественного руководителя театра Петра Зуски («Among the Mountains», «Maria’s Dreам») и Иржи Килиана («Stamping Ground»). Балетная труппа главного театра Чехии славится своими постановками как в классических, так и в современных жанрах. Первый из спектаклей создан на музыку чешских и моравских фольклорных песен (в исполнении популярного ансамбля Cechomor), второй - на музыку К.Сен-Санса и С. Пуни. Идея этого остроумного и романтического балета возникла под впечатлением эксцентрической натуры Марии Тальони - одной из выдаюшихся танцовщиц.
Ни один из мировых фестивалей современного танца не обходится без хореографии Иржи Килиана, ставшего легендарным при жизни. Труппа Národní divadlo исполнит его композицию по мотивам танцев австралийских аборигенов «Stamping Ground».
В программе фестиваля также американская премьера балета «BIRTH-DAY», представленная артистами труппы Paradox On (Нидерланды) на музыку В.Моцарта. Эта постановка - фантазия на темы жизни и смерти (смерть по Килиану - это страна, куда не уходят, а возвращаются) - уже отмечена критиками как шедевр современной хореографии.
Еще один спектакль Килиана «CAR MEN» мы увидим в виде кино. Режиссер Борис Павел Конен снял черно-белый фильм в угольных рудниках Чехии с участием танцоров, которым…за 40. Это была идея Килиана. Как многие килиановские постановки, этот балет - игра, шарада. С одной стороны - вневременной сюжет «Кармен» с его архетипами, с другой - элементы сюрреализма, трагикомедии и ретро. Хьюстонскому зрителю в последнее время везет на спектакли Килиана, как впрочем, и на балеты на тему «Кармен». Наверняка, в этом сезоне вы запомнили «Свадебку», «La Petit Mort», «Double You» в исполнении хьюстонского балета и танцевальной труппы Доминика Волша и, без сомнения, вам захочется увидеть новые работы знаменитого хореографа.
Настоящим открытием нынешнего фестиваля ожидается выступление труппы гамбургского балета с «Ne m’oublie pas» на музыку Я. Тирсена (хореограф Ярослав Иваненко). Эта композиция впервые была показана на гала-концерте, посвященном Вацлаву Нижинскому (Nijinsky-Gala XXXII) в июле 2007 года. Иваненко, обладатель множества наград, сотрудничает с балетом Гамбурга с 1999 г. У нас будет возможность увидеть его выступление в паре с Helene Bouchet- солисткой гамбургского балета.
The National Ballet of Canadа (Торонто) представит балет Кристофера Вилдона «Polyphonia», Beijing Modern Dance Company (Китай) выступит со спектаклем «The Cold Dagger» (хореографы Ли Хан-Жонг и Ма Бо). Спектакли «La Casa de Bernarda Alba» (хореография Бенвиндо Фонтека) германского Staatsballett Berlin, «Les Bourgeois» (хореография Бен ван Ковенберг, музыка Жака Бреля) варшавского Teatr Wielki - далеко не полный список того, что можно увидеть в этом году на фестивале.
|
|
#texas #техас МАСТЕР ЖАНРА |
Почему-то, когда у нас заходит речь о американской aвторской песне, называют десятки фамилий и имён: Владимир Музыкантов, Слава Рутман, Леонид Духовный, Илья Винник, Игорь Рабин, Леонид Позен, Саша Маркман, а вот Григория Дикштейна называют очень немногие. Ответ прост - его знают все и не о чeм говорить.
Это один из лучших авторов жанра и споры тут неуместны. Он замечательно владеет всеми необходимыми компонентами АП: звонкие, мускулистые стихи,
запоминающиеся и стремительные мелодии, блестящее владение гитарой, необыкновенная артистичность и уникальная энергетика.
Лично я знаю двух людей этого поколения, которые сразу захватывают дух аудитории и творят с этим духом удивительную атмосферу авторской песни.
Это Юлий Ким и Григорий Дикштейн.
Мастер лирики песня - «Стужа», «Ностальгия по детству» и автор блистательного «Лаокоона», от которого до сих пор народ сползает под кресла от смеха. Григорий - тонкий стилизатор - песни по Бабелю, и творец афоризмов – «а третьего нам не дано …»
Начиная с 60 годов его имя зазвучало в СССР среди любителей авторской песни. Тембр его голоса и темперамент мне всегда напоминали Евгения Клячкина в его лучших песнях. Звонкая, добрая, доверительная - его песня живёт своей жизнью, а сам автор продолжает писать стихи, музыку. издавать книги и записывать диски. Ведёт одну из наиболее популярных программ об АП в мире. Видимо на нём тот самый спасжилет, который «вынесет даже топор».
|
|
#texas #техас РУССКИЙ ДЕТСКИЙ ТЕАТР «РАДОСТЬ». ВЗГЛЯД ИЗНУТРИ. |
2 марта в зале пансионата «Синяя птица» с большим успехом состоялась премьера спектакля-мюзикла «Сказка о потерянном времени» по мотивам сказки Евгения Шварца.
Это далеко не первый спектакль. Театр существует с 2005 года, но я познакомилась с ним поближе в прошлом 2007 году, когда однажды я повела свою внучку на репетицию, где она участвовала в спектакле «По щучьему велению». Честно говоря, когда я пыталась читать ей русские народные сказки, задача была не из легких, поскольку чуть ли не каждое второе слово нужно было объяснять. А попробуйте удержать внимание и попутно объяснять, что такое «корыто, землянка, светелка или столбовая дворянка». А вот театру это замечательно удается. Я была просто потрясена, когда внучка с выражением декламировала слова: «Мужики здесь все богаты, льют из золота лопаты, вся посуда – серебро, хоть тарелка, хоть ведро».
Постановку «По щучьему велению» я смотрела в театре Kaplan Еврейском центре JCC. Театр был полон детей самого разного возраста, и все с восторгом принимали этот замечательный русский спектакль, прекрасно костюмированный и очень музыкальный. Русские народные песни и танцы, не говоря уже о тексте, исполнялись детьми с удовольствием и настоящим мастерством.
Так где же «взгляд изнутри»? После такого длинного отступления вернусь к спектаклю «Сказка о потерянном времени». Так случилось, что когда я привела внучку на репетицию нового спектакля, режиссер Люда Вайнер попросила меня попробоваться на роль старушки, в которую превратилась девочка, попусту растрачивавшая свое время. Меня приняли, хотя попросили потренироваться прыгать через скакалку. Легко сказать «потренируйся», когда спина болит и ноги не слушаются! Но, как говорят: «Взялся за гуж, не говори, что не дюж». Роль небольшая, и у меня была возможность наблюдать изнутри, как делался спектакль. Сначала я восхищалась тем, как дети заучили такие длинные тексты на русском языке. Некоторые ребятишки поначалу немного скучали. Я сомневалась, будет ли им самим интересно участвовать в спектакле, не говоря уже о зрителях. Большой находкой было решение пригласить на роли злодеев наших замечательных взрослых актеров Володю Штерна, Лилю Абасову, Ирину Набаталиеву и Сашу Боткунова. И тут с детьми произошла метаморфоза. Они смотрели во все глаза на игру взрослых и впитывали их манеру игры. Ребята с удовольствием откликались на все замечания, которые очень деликатно делал Володя Штерн.
Потом в каждый кусочек действия стал вплетаться танец с зажигательной музыкой, их становилось все больше, появились очаровательные костюмы. И хотя репетиции длились порою по 2-3 часа, действие развивалось настолько стремительно,что скучающих глаз уже давно не было видно, настолько все были увлечены. Дети с удовольствием приходили на репетиции, пропусков репетиций было немного. Мне не надоедало каждый раз наблюдать за ними, и сердце мое наполнялось гордостью за этих любознательных, трудолюбивых и талантливых ребят.
Не только премьера, но и несколько месяцев репетиций стали для меня праздником, как и для остальных участников, в том числе и детей. Ведь нельзя насильно заставить детей ходить в театр, учить роль на русском языке, в то время когда между собой они говорят по-английски. Значит им интересно!
И за этот детский интерес к русскому языку, к музыке, к действию перевоплощения, я хочу сказать большое спасибо нашим великим энтузиастам Людмиле и Ефиму Вайнерам и всем тем, кто помогает им в этом замечательном деле.
|
|
#texas #техас А ТЕПЕРЬ – МЮЗИКЛ! |
Русский театр Хьюстона до сих пор «специализировался» в двух формах: юмористическая миниатюра и полномасштабная комедия. Создатели театра – Соня Табаровская, Дмитрий Скоробогач и Сергей Туканов – избрали первую форму.15 декабря 2007 года на спектакле, посвящённом десятилетнему юбилею театра, зрители могли оценить её образцы: «Медведь» Чехова, «Случай на фабрике N 6» Горина и «Тореодор» Горина и Арканова.
Второй формой были спектакли «Самоубийца» по Эрдману (2005) и «Обмен женами» по Полякову (2006). Техасские зрители благосклонно отнеслись к обоим спектаклям. Некоторым «Обмен женами» понравился, в основном, благодаря «харизме» наших актрис, что особенно приятно упомянуть вслед недавнему Дню 8 марта.
А ведь потенциал наших «прим» был реализован далеко не полностью. Эдита Розенберг, Ирада Набаталиева (Маша и Кси в «Обмене жёнами») и Ариадна Деворкин (Клеопатра в «Самоубицйе») ко всему ещё хорошо поют и танцуют. И просто безобразие, что эти способности Русский театр Хьюстона до сих пор в полной мере не использовал! Так возник замысел поставить что-то вроде мюзикла.
В качестве драматической основы взят водевиль «Сильное чувство» Ильи Ильфа и Евгения Петрова. Эта «плодотворная дебютная идея» (пользуясь словами Остапа Бендера) была озвучена Еленой Филипс. 
Когда я предложил использовать некоторые коллизии из «Сильного чувства» в программе её очередной дискотеки, Елена воскликнула: «А почему бы этот водевиль не поставить нашему театру?». И труппа её единодушно поддержала.
Действительно, почему бы? «Сильное чувство» – замечательное произведение знаменитых сатириков. Очень смешной и остроумный текст, динамично развивающийся сюжет с парадоксальной концовкой и, конечно, как и полагается классике, богатый подтекст, что делает этот водевиль злободневным и сегодня. При неисчислимых инсценировках и экранизациях дилогии «Двенадцать стульев»-«Золотой телёнок» просто поразительно, что водевиль, можно сказать, незаслуженно забыт. А ведь по литературному качеству и смысловой глубине, «Сильное чувство» отнюдь не уступает шедеврам, описывающим похождения Остапа Бендера.
Переделка водевиля в мюзикл была осуществлена посредством добавления двенадцати куплетов-танцев. Для этого мобилизован пока невостребованный потенциал не только упомянутых выше, но и других наших актрис, а также мужской части нашей труппы. В мюзикл включены несколько известных песен, но большая часть куплетов написана специально для спектакля. Мне очень нравятся мелодии, сочинённые Евгением Бруком и Василием Любченко, и текст, добавленный Еленой Филипс. Неоценимый для мюзикла вклад сделан режиссёром-хореографом Ирадой Набаталиевой и хореографами Марией Приймак и Ильёй Карашом. Говоря языком современной молодёжи, я «тащусь» от поставленных ими танцев.
Но ведь ценность имеет отнюдь не моё, а ваше мнение, уважаемая публика. Приходите и оцените наш спектакль. Приглашаем на премьеру мюзикла «Сильное чувство»!
|
|
#texas #техас РОССИЙСКОЕ КИНО НА ХЬЮСТОНСКОМ КИНОФЕСТИВАЛЕ |
Московская кинокомпания «Абсолют фильм» и Одесская киностудия представят на 41-м Международном кинофестивале в Хьюстоне (крупнейшем в мире фестивале независимого кино) мелодраму Сергея Струсовского «Блаженная». Картина номинирована на Гран-При и будет представлена в основном конкурсе кинофестиваля.
«Блаженная» (в английсом варианте «Blissful»)- жизнеутверждающая история о том, что чистота и искренность способны победить лицемерие, обман и жестокость современного мира.
Картина не оставит зрителя равнодушным: многие задумаются не столько над сюжетом, сколько над движущими мотивами поступков героев фильма. Создатели киноленты строят сюжет на несходстве окружающей жизни с внутренним духовным миром главной героини: ее натура настолько оригинальна и многогранна, что в каждой сцене происходят непредсказуемые ситуации, создающие вокруг нее особую ауру, а у окружающих ее людей (и кинозрителей) – особый ход мыслей и ассоциаций.
По замыслу создателей, фильм представляется в виде картин юной художницы Александры, приехавшей в Москву. Она странный персонаж. Александру находят немного не в себе: она выделяется среди других, ее считают “белой вороной” в современной жизни. Александра не стесняется проявлять свои эмоции. Поэтому ее объявляют блаженной. Как и любая девушка, героиня фильма хочет встретить принца на белом коне и заниматься любимым делом. Но её мечтам суждено столкнуться с жестокой действительностью. Заботливое отношение деда превращается в тиранию. Преуспевающий молодой бизнесмен оказывается жалким существом: он заботится только о своих деньгах. Героиня попадет в руки сексуального маньяка, скрывающегося под маской заведующего психосоматическим отделением. Наконец героиня встречает любовь, правда, оказавшись на волоске от смерти. Но спасением является…не удивляйтесь, ее чистота и искренность.
«Ни супергерой, ни вундеркинд, ни новые технологии не могут изменить этот мир к лучшему, а только Любовь. Именно о такой Любви, ничего не требующей для себя, а лишь отдающей, и сделан этот фильм»- говорят создатели картины. Режиссер Сергей Струсовский убеждён, что «Блаженная» - фильм не о любви, это гимн любви.
Фильм во многом символичен. Он учит добру, но не морализму. Для этого постарались режиссёр-постановщик Сергей Струсовский, оператор-постановщик Григорий Яблочников, художник-постановщик Александр Холодцов, продюсер Анастасия Лунькова. В фильме прозвучит трогательная музыка Александра Пантыкина.
В главных ролях снялись Карина Разумовская, Даниил Страхов, Александр Масалов, Виктор Тереля, Ада Роговцева, Алексей Вертинский.
Перед картиной «Блаженная» на фестивале будет показан короткометражный анимационный фильм «Колокольчик». Это увлекательная история о том, как появилась традиция звонить в колокола. Зритель попадёт в яркий и безмятежный мир цветов, где светло и уютно, где все радуются друг другу и, похоже, что это навсегда. Но однажды приходит зло и оказывается, что кому-то оно не угрожает, кто-то рождён не для того, чтобы сражаться, а кто-то предпочитает его и вовсе не замечать. И зло не остановить, если не найдётся тот, для которого не бывает чужой беды…
|
|
#texas #техас ГДЕ ЖЕ ТЫКВА? |
Под душераздирающий скрежет часов в бальную залу вламываются призраки мертвецов, срывают с Золушки наряд и исчезают так же неожиданно, как и появились.
Хореограф Стэнтон Велч после 19-летнего перерыва поставил в Хьюстоне «Золушку» Прокофьева, перенеся на сцену свою мельбурнскую постановку 1997 года. Признаться, спектакль преподнес массу сюрпризов. Начнем с того, что вместо феи в роли ангела-хранителя выступает призрак матери Золушки. Сцена преображения перед балом происходит…на кладбище! Вот вам еще один постановочный аттракцион: вместе с призраком матери появляется добрая дюжина «живых мертвецов»- они-то и творят чудеса. Инфернальные существа буквально срывают с себя последний саван, чтобы пошить приличный бальный наряд для Золушки и ее пажа-трубочиста, и пешком отправляют их во дворец. «А где же тыква?» - кричит возмущенный зритель. Пардон, тыквы не будет. Дальше - больше. На балу Золушка обнаруживает, что принц - совершенно омерзительный молодой человек, который купается в самолюбовании, никого не замечая вокруг. Она влюбляется совсем не в принца, а в его секретаря, некоего Дандини. Вся сказка переворачивается с ног на голову!
«Для меня очень важно было, чтобы балет “Золушка” получился наиболее танцевальным, чтобы танцы вытекали из сюжетной канвы, были разнообразны… Я писал “Золушку” в традициях старого классического балета, в ней есть pas de deux, adagio, гавот, несколько вальсов, павана, паспье, бурре, мазурка, галоп. Каждое действующее лицо имеет свою вариацию…» (Сергей Прокофьев).
Прокофьев, наряду с Чайковским, Стравинским, Хачатуряном, остается крупнейшим русским балетным композитором. «Золушка» - прямая наследница балетов Чайковского с их симфоническим развитием, жанровостью, вальсовостью и «испанщиной».
Обруганная балетными поколениями музыка Прокофьева (как тут не вспомнить: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете»?) выстояла и в наши дни является предметом поклонения. Несомненно, Сергей Сергеевич - настоящий авангардист, его музыкальный язык сложен. Но в балетах вся эта сложность подчинена пластике танца - композитор отлично знал балет.
Свою «Золушку» Прокофьев писал в военные 40-е годы. Балет был завершен в 1944 году и впервые поставлен 21 ноября 1945 года в Большом театре в Москве (балетмейстер Р. Захаров). Первоначально”Золушка” предназначалась для Галины Улановой и Кировского театра, но в Кировском была поставлена в следующем, 46-м (постановка К. Сергеева).
К партитуре Прокофьева обращались многие известные хореографы, в России - В. Чабукиани, О. Виноградов, В. Васильев, А.Ратманский, за рубежом - Ф. Аштон, Т. Шиллинг, Р.Нуриев.
Вернемся к хьюстонскому спектаклю.
В наши дни практически не осталось хореографов, которые были бы способны организовать во времени трехчасовую партитуру Прокофьева: каждый начинает постановку балета с ножницами в руках, перекраивая музыку на свой лад. Стэнтон Велч оставил партитуру без купюр, но переставил смысловые акценты, отсюда возникло несоответствие между танцем и музыкой.
Сильно бросалось в глаза неумение строить сольные номера. По правде сказать, солисты почти никогда не остаются на сцене в одиночку. Все действие держится на ансамблевых сценах. Даже свои сольные(!) вариации Золушка танцует в паре с трубочистом.
Второй промах - создателям балета не лишним было бы внимательнее изучить партитуру. Допустим, если в партитуре черным по белому значится «Танец апельсинов», а в оркестре звучит тема марша из оперы «Любовь к трем апельсинам» (Сергей Сергеевич здесь цитирует сам себя), то апельсины ДОЛЖНЫ БЫТЬ! Или совершенно недопустимое разрушение номерной структуры балета - внутри одного номера могли танцевать разные группы персонажей или несколько номеров были объединены в один тематический танец. Так было с пресловутыми «живыми мертвецами». Они захватили и вальс, и музыку «фей времен года». Танцы последних отсутствовали как таковые (наверное, для удобства хьюстонской публики, которая напрочь забыла о существовании четырех времен года). А ведь это знаменитые сольные номера! Испанский и арабский танцы (в 3 акте) были довольно тусклыми и пролетели незамеченными.
Однако были удачные находки, например, комические персонажи. Кривляния сестер и злой мачехи были исполнены солистами-мужчинами. Этот «трансвеститский рай» был придуман для «Золушки» англичанином Фредериком Аштоном в 1948 году, и с тех пор мужские пуантовые танцы воплощались в нескольких современных постановках (цюрихский балет, балет Statsoper (Берлин)).
Жеманный и напыщенный принц (Коннор Волш), упиваясь своим нарциссизмом, не только прыгал (кстати, довольно высоко) и кружился, но и двигал бедрами на манер Майкла Джексона.
Традиционного танца с метлой не было, да и главная героиня была не сильно работящая.
Золушка у Велча - вовсе не кроткое безответное создание. Она не ждет милостей от природы, вполне может за себя постоять и сама выбирает свою судьбу. Этакая девочка-Гаврош, она лихо раздает затрещены сестрицам и смело идет против программы, которую написали для нее гениальный сказочник Перро и гениальный композитор Прокофьев.
Эми Фоут (Золушка) и Ян Кассады (Дандини) трогательно воплотили инфантильный любовный сюжет, хотя времени потанцевать у них было мало. Даже в финальном Адажио только половина отдана танцу, остальную половину герои проводят, болтая ногами в оркестровой яме, целуясь и вертя головами, как на уроке физкультуры. В конце пара уходит в звездное небо.
Мне хотелось написать, как мне понравился спектакль, что в нем были сильные по эмоции моменты и яркие комические эпизоды. Хотелось написать, что молодые солисты хьюстонского балета стали танцевать ярче, а кордебалет слаженнее, что стало гораздо больше танца как такового, а не хождения по сцене. Хотелось похвалить Илью Козадаева - единственного русского в труппе - за искренность исполнения небольшой роли (трубочист Баттонз). Очень хотелось отметить страстную игру оркестра под управлением Эрманно Флорио. Но статья получилась совсем не о том.
Мне до сих пор не понятны идеи Стэнтона Велча. Спектакли его резко рознятся друг с другом. Раз он выступает как мыслящий и ищущий художник, другой раз создает спектакль на манер лоскутного одеяла, копируя других хореографов. В его постановках чудесным образом уживаются возвышенные идеи и эпическая глупость их воплощения. Тем не менее, хьюстонский балет под его руководством постоянно развивается, и в следующем сезоне мы увидим «Лебединое озеро». А пока танцоры копят силы и умение для этого непростого спектакля.
|
|
#texas #техас ФЕСТИВАЛЬ ТАНЦЕВАЛЬНЫХ ПАРАДОКСОВ |
В этом году «Танцевальный салат» можно было смело назвать «Фестивалем имени Иржи Килиана». Кроме трех балетов самого мастера, показанных на фестивале, практически каждая постановка обнаруживала килиановский стиль.
«Между днем рождения и днем смерти у нас есть уйма времени, наполненного творчеством, любовью и неразберихой. Изрядную часть этого времени мы проводим забавляясь и дурачась», - так писал Иржи Килиан о своем балете «Birthday». Американская премьера хореографического шедевра легендарного чешского балетмейстера стала «гвоздем» фестиваля. На первый взгляд могло бы показаться, что старик Килиан пребывает в глубочайшем маразме, настолько неожиданным было все происходящее на сцене. Актеры (ветераны Netherlands Dance Theater) в костюмах XVIII века собираются, чтобы отметить день рождения Сабины Купферберг. Далее они разыгрывают комическую пантомиму на музыку Моцарта: то сидя за столом, то поочередно выходя и появляясь на киноэкране в интерьерах дворца- прыгают на кроватях, размахивают шпагой, пекут на кухне праздничный пирог. “День рождения” – это потрясающая безумная композиция на тему быстротечности времени, поставленная и сыгранная с удивительной фантазией и юмором. Килиан не был бы Килианом, если бы не продемонстрировал доскональное, «дирижерское» знание моцартовской музыки. Каждая нота, каждая ритмическая фигура были «протанцованы».
Если «День рождения» сочетает в себе сценическое дейвсто, сопровождаемое кинематографическим рядом, то еще одна работа Иржи Килиана, показанная на фестивале, относилась к жанру чистого кино. «Car Men» - еще один эксперимент Килиана и режиссера Бориса Павела Конена в эксцентрическом жанре с полным набором гэгов немого кино - от гонок на автомобилях до комических драк. Голландский композитор Ханс Оттен переаранжировал музыку Бизе в современном стиле, препарировав основные музыкальные темы оперы «Кармен». Получилось смешно.
Четверо актеров (все те же бывшие танцоры NDT) изображают основных персонажей оперы Бизе: неустанную соблазнительницу Кармен; неудачливого любовника Дона Хозе, донжуана Эскамильо и «милосердную самаритянку» Микаэлу. Также героем действа является…чешский автомобиль «Tatra» модели 1930-х, которому поклоняется главная героиня и на котором в финале она отчаливает в мир иной. Это замечательная работа - изобретательная и забавная по пластике, мимике, музыке, костюмам.
Сколько лет можно продержаться на балетной сцене и куда податься потом? Иржи Килиан, известный свой репутацией хореографа, вливающего «свежую кровь» в балет, выступил также как хореограф, дающий танцорам старшего поколения «вторую жизнь». Кто еще может этим похвастаться?
Балет Национального театра Чехии (Прага) показал еще одну постановку Килиана “Stamping Ground”и два спектакля Петра Зуски: «Среди гор» и «Сон Марии».Третий спектакль, наверное, самый удачный по исполнению - пародия на романтический балет. Знаменитая балерина XIX века Мария Тальони (та самая, которая впервые стала на пуанты) поведала свой сон некоему лондонскому психиатру. Сон заключался в следующем: лебедь гуляет по парку. Праздные гуляки сначала кормят лебедя хлебом, а потом вдруг переодеваются в белые тюлевые юбки и начинают валять дурака. Спустя полтора века Петр Зуска пошутил на тему этого сна , смешав два хита классического балета: «Па-де-Катр» Пуни (который Тальони сама танцевала на протяжении многих лет) и «Умирающего Лебедя» Сен-Санса (который Фокин поставил через несколько десятилетий после смерти великой балерины). Этот номер – пародия не только на классический танец, но еще на дефиле моделей, на «нетрадиционную» ориентацию, на то, как чехи смотрят футбол и бог знает еще на что.Что интересно, мужчины, одетые как женщины, танцуют именно как мужчины - с угловатыми движениями, с вывернутой стопой, только в конце каждой вариации принимая позочки из Па-де-Катра. В общем удачная «шутка юмора», если бы не переборщили в финале, когда танцоры повернулись к публике голыми задами.
Китайская труппа «Beijjing Modern Dance Studio Company» продемонстрировала свой собственный стиль, не похожий на европейский. Высокое техническое мастерство, поразительная синхронность, умение танцевать без музыки, только под аккомпанемент собственного дыхания отличало исполнение балета хореографов Ли Хан-Жонг и Ма Бо “The Cold Dagger”.
Коротенькая зарисовка “Буржуа” на музыку Жака Бреля с невообразимо прыгучим Марчином Краевским из Teatr Wielki (Польша) была прекрасной интермедией - глаз отдыхал. Герой там пьет, курит, обнимается с воображаемыми дамами и жестами показывает буквально каждое слово, при этом он прекрасно танцует, очень артистичен и техничен.
Лирический номер «Не забывай» артистов Гамбургского балета Ярослава Иваненко и Элен Буше был одним из самых органичных по сочетанию музыки (Ян Тирсен - автор саунд-трека к «Амели») и хореографии (Ярослав Иваненко), классического и современного искусства, а также по взаимоотношениям актеров в процессе танца. Иваненко явно создавал этот балет для себя и своей партнерши, с учетом характеров и особенностей пластики. Думаю, многим запомнился этот красивый трогательный дуэт.
Были на фестивалe и явные проколы. Национальный балет Канады с «Полифонией» Кристофера Уилдона выглядел скучно и топорно. Дело, видимо, в неуместном сочетании прихотливой музыки венгра Лигети с холодной британской хореографией. Весь танец походил на бесконечный скучнейший экзерсис. Даже «живое» сопровождение Андрея Бурашко (фортепиано) никоим образом не оживило эту мертвую композицию.
Но самым нелепым был номер «не для всех» японца Макото Мацушима на тему «Как выжить в мегаполисе». На протяжении всей композиции танцор стоял на освещенном пятне, прислушивался к звукам и изредка дергался. Зритель напряженно ждал, что вот-вот из обрывочного скрежета родится музыка, а из вялого копошения героя - танец. Ничего подобного не произошло! Ну должно же быть присутствие танца на фестивале с танцевальным названием!
Это замечательно, что к нам в город едут молодые танцовщики со всего мира. Прекрасно, что мы можем увидеть все самое новое, самое неординарное, что происходит в мире современного балета. При этом хотелось бы, чтобы среди показанных новинок было больше высококлассных танцовщиков и, конечно же, хотелось более широкого участия наших с вами соотечественников.
|
|
#texas #техас ЗАМЕТКИ К ПОСТАНОВКЕ ВОДЕВИЛЯ ИЛЬФА И ПЕТРОВА «СИЛЬНОЕ ЧУВСТВО» |
30 марта в Хьюстоне с большим успехом состоялась премьера музыкального спектакля «Сильное чувство», сыгранного самодеятельным русским театром города Хьюстона. Это был настоящий мюзикл, где артисты вживую пели и танцевали, чем доставили истинное удовольствие зрителям.
Те, кто по какой-либо причине не смогли попасть на премьеру, могут ознакомиться с записками режиссера Владимира Штерна.
В спектакле важно вскрыть, почему стоит смотреть историю, которая случилась 80 лет назад, и на поверхностный взгляд мало интересную. Мол, решила молодая дамочка Ната (Наталья Галицкая) поменять мужа, чтобы улучшить жилищные условия, а на свадьбе выяснилось, что улучшения-то не будет, и она отыграла назад.
Дело в том, что Ильф и Петров - классики. Во-первых, у них язык замечательный – реплики сочны и смешны, хоть сейчас на поговорки. Во-вторых, и это самое главное, структура водевиля многослойна, как луковица, и изложенный выше сюжет – только шелуха этой луковицы.
Ната произносит несколько коротких реплик, а её экс-муж Лифшиц (некто загадочный А.Д.) вообще ни одной, да и появляется на сцене в самом конце водевиля. Основная пружина действия и главная героиня – Рита (Ирада Набаталиева), младшая сестра Наты. Она мечтает выйти замуж за иностранца и считает свадьбу сестры подходящим и, возможно, уникальным событием, когда может осуществиться её мечта. Иностранца надо зазвать в качестве «свадебного генерала», а остальное, как говорится, дело техники.
Рита- девушка решительная и самоуверенная. Она излучает обаяние молодости и не сомневается в силе своих женских чар. В неё без памяти влюблён Чуланов (Василий Любченко), готовый выполнить любую Ритину прихоть. Ему-то она и поручает привести иностранца и раздобыть провизию, что в Москве начала 1930-х сделать было совсем нелегко. Рита очень озабочена тем, чтобы свадебная пирушка удалась на славу, потому что надеется на ней поймать свою «птицу счастья».
Чуланов на первый взгляд выглядит глупцом, человеком поверхностным и трусоватым. Он влюблён в Риту, хочет чтобы она вышла за него замуж, грозится повеситься, если Рита откажет…, а с другой стороны сбивается с ног в поисках иностранца – своего потенциального соперника. Он отказывается «по мужски» поговорить с Лифшицем, существом весьма тщедушным. Несколько странно, что при всём этом Чуланов оказывается победителем: именно ему под занавес достаётся Ритин поцелуй.
Но он не так прост, как кажется. Оба иностранца, которых он приводит, оказываются на поверку второсортными (с точки зрения Риты): «японец» оказывается китайцем (Александр Боткунов) из прачечной, а мистер Пип из Филадельфии (Петр Векилов) – безработным. На их фоне Чуланов – энергичный, удачливый и страстный – выглядит «Иваном-царевичем» и поэтому побеждает. Пожалуй, он сознательно подставил Рите таких невыигрышных иностранцев. Чуланов на поверку хитроумен.
И трусость Чуланова сомнительна: он направляется на вечеринку к Поповым и с боем уводит оттуда Пипа. То-есть, когда надо, он для выполнения своей цели безоглядно ввязывается в драку. А вот в случае с Лифшицем ему это не надо. Чуланов проницателен, он чувствует, что Рита считает Лифшица «гораздо лучше Стасика» (Сергей Белостоцкий) (нового мужа Наты). Поэтому от «разруливания» ситуации с Лифшицем Чуланов уклоняется. Получается не трусость, а умно выбранная тактика.
Заметим, что мама (Надежда Держи) с самого начала считает, что Чуланов «вполне приличный молодой человек» и Рите подходит. Мама, вообще, человек тонко чувствующий и мудрый. Именно она резюмирут водевиль: «Вот говорили – водки не хватит, а все перепились!» По контрасту с категоричной Ритой (хочу и всё!) мама человек мягкий и рассудительный. Хотя она и оправдывает второе замужество Наты тем, что Лифшиц – караим, а у Стасика большая комната, но при этом панически боится гнева Лифшица, хотя прекрасно знает, какой он физически тщедушный. В основе этого страха, скорее всего, лежит подспудное ощущение, что правда на стороне Лифшица.
Кроме двух любовных треугольников Ната-Стасик-Лифшиц и Рита-Чуланов-Пип и пытающейся их разрулить мамы, остальные персонажи – харАктерные и социально характЕрные. Тут переход от любовно-марьяжных к гражданским конфликтам. Перед нами представитель новой бюрократии Бернардов (Наум Держи), доктор-шарлатан Справченко (Александр Поминов), певец советской пенитенциарной системы Мархоцкий (Владимир Штерн) и светская львица Сегедилья Марковна (Елена Филипс).
Бернардов олицетворяет основной экономический принцип социализма: «Мы делаем вид, что работаем, а вы делаете вид, что нам платите». И ещё новый тип «ответственного работника», который может заниматься чем угодно – от культуры до пожарного дела – и всюду это будет лишь имитация деятельности и шкурничество. В добавок, чванство и чувство превосходства над «лохами».
Мархоцкий расписывает своё чуть ли не идиллическое пребывание в тюрьме. Здесь за внешней комичностью скрыт сарказм: в стране уже прогремели процессы по «шахтинскому» делу, «Промпартии» и пошла перековка «вредителей» на Беломоро-Балтийском канале. А уж если из сегодняшнего дня вспомнить ужасы ГУЛАГА…
Ещё характерно, как Мархоцкий не раз проговаривается про тюрьму и свой срок, а гости как будто его не слышат. Это напоминает, как многие граждане Страны Советов не замечали репрессии и ГУЛАГ и как многие добропорядочные бюргеры в фашистской Германии не замечали ужасов концлагерей. Психологическая самозащита обывателя.
Доктор, как и Бернардов, имитатор, в чем сознаётся во хмелю: «Шарлатан я!», но его образ потенциально имеет и другой смысл. Уж очень кажутся похожими «чудодейственное» лечение буриданом и применение «научного коммунизма» на практике. Степень «научности» и катастрофичность результатов аналогичны.
Здесь мы вступаем на зыбкую почву аллюзий, то-есть, намёков и аналогий. Классика всегда их допускает, даже если её творцы сознательно к аллюзиям не стремились. Более того, возможность аллюзий, можно сказать, отличительное свойство гениальной литературы – в силу своего таланта, авторы много подмечают и отражают, что обеспечивает их произведениям долгую жизнь.
Литературоведы отмечают, что в женских протагонистах классики, как правило, персонифицируют своё видение всей страны, в данном случае – России. При всей сомнительности и субъективности нижеприведённых толкований, всё-таки их стоит обсудить.
Начнём с треугольника Ната-Стасик-Лифшиц и спроектируем его на
треугольник Россия-Сталин-Троцкий. Троцкий – «караим», авантюрист и «романтик» мировой революции. Против Сталина он оказался слабаком, как тщедушный Лифшиц. Сталин тогда считался серым функционером, которому далеко до «златоуста» Троцкого и других партийных интеллектуалов. Но «съезде победителей» (1934 г.) был популярен «самый короткий» анекдот: «Сталин – гений», то есть его считали тупым, вроде Стасика.
Сталин выступал за «построение социализма в отдельно взятой стране» и Россия пошла за ним, а не за Троцким, как Ната за Стасика с его комнатой, бросив Лифшица. Авторы симпатизируют «романтику» и делают победителем Лифшица, пусть не в реальности, так в своём произведении. Это теперь мы знаем, что Сталин и Троцкий друг друга стоят. Говоря словами Шекспира, «чума на оба ваши дома». И романтический и бюрократический, короче, всякий коммунизм, гибельны.
Если первый треугольник допускает аллюзию, связанную с политической ситуацией 20-х и 30-х годов, то второй треугольник может быть истолкован в более масштабном и скорее культурном, чем политическом плане. Рита-Чуланов-Пип проецируется на Россия-почвенники-западники. Ильф и Петров были западниками, судя по их «Одноэтажной Америке». Но они иронически относились к возможному влиянию Запада на ситуацию в России, что и выразили репликой Остапа Бендера «Запад нам поможет», когда он дурачил лохов из «Меча и орала». И в «Сильном чувстве» авторы вышучивают и опровергают стремление Риты выйти за иностранца. Они делают победителем Чуланова, который свой, «тутошный», но ориентирован на Запад. Так авторы видят подходящий для России путь развития. Проблема «Россия-почвенники-западники» имеет тысячелетнюю историю, не потеряв злободневность и в сегодняшней России.
Конечно, аллюзии должны оставаться на втором плане, они предназначены для «проницательного читателя». А на первом должен быть бурлеск, весёлое, динамичное, музыкально-танцевальное действо, увлекающее широкую публику.
Также в ролях: Эдита Розенберг, Ариадна Деворкин, Михаил Пеккер, Александр Иерусалимский.
|
|
