#texas #техас ЗАМЕТКИ К ПОСТАНОВКЕ ВОДЕВИЛЯ ИЛЬФА И ПЕТРОВА «СИЛЬНОЕ ЧУВСТВО» |
30 марта в Хьюстоне с большим успехом состоялась премьера музыкального спектакля «Сильное чувство», сыгранного самодеятельным русским театром города Хьюстона. Это был настоящий мюзикл, где артисты вживую пели и танцевали, чем доставили истинное удовольствие зрителям.
Те, кто по какой-либо причине не смогли попасть на премьеру, могут ознакомиться с записками режиссера Владимира Штерна.
В спектакле важно вскрыть, почему стоит смотреть историю, которая случилась 80 лет назад, и на поверхностный взгляд мало интересную. Мол, решила молодая дамочка Ната (Наталья Галицкая) поменять мужа, чтобы улучшить жилищные условия, а на свадьбе выяснилось, что улучшения-то не будет, и она отыграла назад.
Дело в том, что Ильф и Петров - классики. Во-первых, у них язык замечательный – реплики сочны и смешны, хоть сейчас на поговорки. Во-вторых, и это самое главное, структура водевиля многослойна, как луковица, и изложенный выше сюжет – только шелуха этой луковицы.
Ната произносит несколько коротких реплик, а её экс-муж Лифшиц (некто загадочный А.Д.) вообще ни одной, да и появляется на сцене в самом конце водевиля. Основная пружина действия и главная героиня – Рита (Ирада Набаталиева), младшая сестра Наты. Она мечтает выйти замуж за иностранца и считает свадьбу сестры подходящим и, возможно, уникальным событием, когда может осуществиться её мечта. Иностранца надо зазвать в качестве «свадебного генерала», а остальное, как говорится, дело техники.
Рита- девушка решительная и самоуверенная. Она излучает обаяние молодости и не сомневается в силе своих женских чар. В неё без памяти влюблён Чуланов (Василий Любченко), готовый выполнить любую Ритину прихоть. Ему-то она и поручает привести иностранца и раздобыть провизию, что в Москве начала 1930-х сделать было совсем нелегко. Рита очень озабочена тем, чтобы свадебная пирушка удалась на славу, потому что надеется на ней поймать свою «птицу счастья».
Чуланов на первый взгляд выглядит глупцом, человеком поверхностным и трусоватым. Он влюблён в Риту, хочет чтобы она вышла за него замуж, грозится повеситься, если Рита откажет…, а с другой стороны сбивается с ног в поисках иностранца – своего потенциального соперника. Он отказывается «по мужски» поговорить с Лифшицем, существом весьма тщедушным. Несколько странно, что при всём этом Чуланов оказывается победителем: именно ему под занавес достаётся Ритин поцелуй.
Но он не так прост, как кажется. Оба иностранца, которых он приводит, оказываются на поверку второсортными (с точки зрения Риты): «японец» оказывается китайцем (Александр Боткунов) из прачечной, а мистер Пип из Филадельфии (Петр Векилов) – безработным. На их фоне Чуланов – энергичный, удачливый и страстный – выглядит «Иваном-царевичем» и поэтому побеждает. Пожалуй, он сознательно подставил Рите таких невыигрышных иностранцев. Чуланов на поверку хитроумен.
И трусость Чуланова сомнительна: он направляется на вечеринку к Поповым и с боем уводит оттуда Пипа. То-есть, когда надо, он для выполнения своей цели безоглядно ввязывается в драку. А вот в случае с Лифшицем ему это не надо. Чуланов проницателен, он чувствует, что Рита считает Лифшица «гораздо лучше Стасика» (Сергей Белостоцкий) (нового мужа Наты). Поэтому от «разруливания» ситуации с Лифшицем Чуланов уклоняется. Получается не трусость, а умно выбранная тактика.
Заметим, что мама (Надежда Держи) с самого начала считает, что Чуланов «вполне приличный молодой человек» и Рите подходит. Мама, вообще, человек тонко чувствующий и мудрый. Именно она резюмирут водевиль: «Вот говорили – водки не хватит, а все перепились!» По контрасту с категоричной Ритой (хочу и всё!) мама человек мягкий и рассудительный. Хотя она и оправдывает второе замужество Наты тем, что Лифшиц – караим, а у Стасика большая комната, но при этом панически боится гнева Лифшица, хотя прекрасно знает, какой он физически тщедушный. В основе этого страха, скорее всего, лежит подспудное ощущение, что правда на стороне Лифшица.
Кроме двух любовных треугольников Ната-Стасик-Лифшиц и Рита-Чуланов-Пип и пытающейся их разрулить мамы, остальные персонажи – харАктерные и социально характЕрные. Тут переход от любовно-марьяжных к гражданским конфликтам. Перед нами представитель новой бюрократии Бернардов (Наум Держи), доктор-шарлатан Справченко (Александр Поминов), певец советской пенитенциарной системы Мархоцкий (Владимир Штерн) и светская львица Сегедилья Марковна (Елена Филипс).
Бернардов олицетворяет основной экономический принцип социализма: «Мы делаем вид, что работаем, а вы делаете вид, что нам платите». И ещё новый тип «ответственного работника», который может заниматься чем угодно – от культуры до пожарного дела – и всюду это будет лишь имитация деятельности и шкурничество. В добавок, чванство и чувство превосходства над «лохами».
Мархоцкий расписывает своё чуть ли не идиллическое пребывание в тюрьме. Здесь за внешней комичностью скрыт сарказм: в стране уже прогремели процессы по «шахтинскому» делу, «Промпартии» и пошла перековка «вредителей» на Беломоро-Балтийском канале. А уж если из сегодняшнего дня вспомнить ужасы ГУЛАГА…
Ещё характерно, как Мархоцкий не раз проговаривается про тюрьму и свой срок, а гости как будто его не слышат. Это напоминает, как многие граждане Страны Советов не замечали репрессии и ГУЛАГ и как многие добропорядочные бюргеры в фашистской Германии не замечали ужасов концлагерей. Психологическая самозащита обывателя.
Доктор, как и Бернардов, имитатор, в чем сознаётся во хмелю: «Шарлатан я!», но его образ потенциально имеет и другой смысл. Уж очень кажутся похожими «чудодейственное» лечение буриданом и применение «научного коммунизма» на практике. Степень «научности» и катастрофичность результатов аналогичны.
Здесь мы вступаем на зыбкую почву аллюзий, то-есть, намёков и аналогий. Классика всегда их допускает, даже если её творцы сознательно к аллюзиям не стремились. Более того, возможность аллюзий, можно сказать, отличительное свойство гениальной литературы – в силу своего таланта, авторы много подмечают и отражают, что обеспечивает их произведениям долгую жизнь.
Литературоведы отмечают, что в женских протагонистах классики, как правило, персонифицируют своё видение всей страны, в данном случае – России. При всей сомнительности и субъективности нижеприведённых толкований, всё-таки их стоит обсудить.
Начнём с треугольника Ната-Стасик-Лифшиц и спроектируем его на
треугольник Россия-Сталин-Троцкий. Троцкий – «караим», авантюрист и «романтик» мировой революции. Против Сталина он оказался слабаком, как тщедушный Лифшиц. Сталин тогда считался серым функционером, которому далеко до «златоуста» Троцкого и других партийных интеллектуалов. Но «съезде победителей» (1934 г.) был популярен «самый короткий» анекдот: «Сталин – гений», то есть его считали тупым, вроде Стасика.
Сталин выступал за «построение социализма в отдельно взятой стране» и Россия пошла за ним, а не за Троцким, как Ната за Стасика с его комнатой, бросив Лифшица. Авторы симпатизируют «романтику» и делают победителем Лифшица, пусть не в реальности, так в своём произведении. Это теперь мы знаем, что Сталин и Троцкий друг друга стоят. Говоря словами Шекспира, «чума на оба ваши дома». И романтический и бюрократический, короче, всякий коммунизм, гибельны.
Если первый треугольник допускает аллюзию, связанную с политической ситуацией 20-х и 30-х годов, то второй треугольник может быть истолкован в более масштабном и скорее культурном, чем политическом плане. Рита-Чуланов-Пип проецируется на Россия-почвенники-западники. Ильф и Петров были западниками, судя по их «Одноэтажной Америке». Но они иронически относились к возможному влиянию Запада на ситуацию в России, что и выразили репликой Остапа Бендера «Запад нам поможет», когда он дурачил лохов из «Меча и орала». И в «Сильном чувстве» авторы вышучивают и опровергают стремление Риты выйти за иностранца. Они делают победителем Чуланова, который свой, «тутошный», но ориентирован на Запад. Так авторы видят подходящий для России путь развития. Проблема «Россия-почвенники-западники» имеет тысячелетнюю историю, не потеряв злободневность и в сегодняшней России.
Конечно, аллюзии должны оставаться на втором плане, они предназначены для «проницательного читателя». А на первом должен быть бурлеск, весёлое, динамичное, музыкально-танцевальное действо, увлекающее широкую публику.
Также в ролях: Эдита Розенберг, Ариадна Деворкин, Михаил Пеккер, Александр Иерусалимский.
|
|
#texas #техас ЗВОНОК ИЗ КОСМОСA (ИСТОРИЯ ОДНОЙ ПЕСНИ) |
Знакомьтесь – Миллана Нова, композитор и поэт, исполнитель своих песен.
Пишет в стиле городского романса. Живет в Хьюстоне (штат Техас).
Первый альбом “Импровизированный дождь” вышел в 2007 г. в России. В том же году одноименная песня из этого альбома побывала на международной Космической станции, где находился экипаж 15-й международной экспедиции. Песни Милланы звучат на радио России, Украины, США.
Недавно в своем интервью Крымскому телевидению (Украина) Миллана рассказала не только о своем творчестве, но и о том, как живут соотечественники за рубежом . И теперь даже в далеком Крыму знают о существовании в Хьюстоне русского радио, культурного центра и газеты “Наш Техас”.
В апреле 2008 г. выходит второй диск Милланы под названием “И нет души моей границ“. В новом альбоме привлекает внимание песня с необычным названием - “МКС” (международная Космическая станция). В преддверии Дня космонавтики мы пригласили Миллану в редакцию и попросили рассказать об этой песне…
12 апреля Россия отмечает День космонавтики. В этот день в 1961 году советский летчик-космонавт Юрий Гагарин на космическом корабле “Восток” впервые в мире совершил исторический полет вокруг Земли. Сейчас околоземное пространство осваивают представители разных стран. Крупнейший проект сотрудничества в области пилотируемой космонавтики – международная Космическая станция (МКС).
По полгода международные экипажи несут трудовую вахту на МКС. Надо отдать дань мужеству, выдержке и профессионализму космонавтов – они успешно выполняют сложнейшую работу в жестких условиях невесомости. Но космонавты – не запрограммированные роботы. Они скучают по дому, волнуются за своих близких. Космонавты – обычные люди, которым ничто не чуждо. Так выстроилась эмоциональная линия моей песни “МКС”. Это песня о любви к тем, кто остался ждать на Земле…
А сама идея создать что-то «космическое» пришла совершенно неожиданно. Уже после того как мой первый альбом «Импровизированный дождь» был записан на студии Василия Богатырева в Москве, я узнала , что эта студия называется «Космоc». Я к тому времени уже проработала 6 лет преподавателем в Космическом центре им. Джонсона (Хьюстон, Техас). Все вокруг было связано с космосом. Это судьба, подумала я, «космическая» песня просто обязана появиться на свет!
Кстати, Василий Богатырев – мой продюсер. Он известный в России певец, композитор и аранжировщик. Я счастлива, что наши “космические” творческие пути пересеклись, и надеюсь, что у нас еще будет много интересных совместных проектов.
Песня “МКС” была написана мною специально для экипажа 15-ой международной космической экпедиции (члены экипажа: Федор Юрчихин, Олег Котов и Клэй Андерсон). Эта песня была отправлена на борт международной Космической станции в сентябре 2007 года к знаменательной дате - 100-дневному пребыванию американского астронавта Клэя Андерсона на орбите. В конце песни звучит голос Клэя Андерсона. Мне довелось в течение нескольких лет быть его преподавателем русского языка в Космическом центре им. Джонсона (Хьюстон, Техас). Он позвонил мне с международной Космической станции и в конце сеанса связи сказал несколько слов специально для песни “МКС” :
“ПРИВЕТ ОТ ЭКИПАЖА ЭКСПЕДИЦИИ ПЯТНАДЦАТЬ. ЖЕЛАЮ ВСЕМ ЛЮБВИ!”
Так впервые в истории космонавтики на международную Космическую станцию была отправлена песня, специально написанная для экипажа МКС, и впервые реальный голос с орбиты прозвучал в песне.
В октябре 2007г. в Москве мой продюсер представил меня популярному российскому певцу Филиппу Киркорову и рассказал ему об истории песни “МКС “. Филипп Киркоров с интересом выслушал этот рассказ, потом долго пожимал мне руку и на прощание сказал: «Супер»…
|
|
#texas #техас ЗОЯ ШУХАТОВИЧ ПОЛУЧИЛА ЗВАНИЕ STEINWAY ARTIST |
Имя Зои Шухатович известно всем хьюстонским любителям камерной музыки. Недавно пианистка получила звание Steinway Artist. В преддверьи концерта госпожи Шухатович с Houston Chamber Orchestra, для меня было удовольствием побеседовать с ней.
Кто удостаивается звания Steinway Artist?
Видимо, это прозвучит нескромно, но удостаивается таким званием фортепианная элита. Организация Steinway Artist, которая объединяет лучших пианистов мира. Если посмотреть в список людей, принятых в состав Стейнвей-артистов, то можно найти выдающихся пианистов прошлого и настоящего: Антон Рубинштейн, Ферручо Бузони, Владимир Горовиц, Эмиль Гиллельс, Марта Аргерих, Евгений Кисин - все они Steinway Artists.
Для того чтобы попасть в такое общество, надо не только обладать артистическими заслугами, но и признавать рояль марки Steinwei and Sons «своим инструментом»- инструментом, который ты предпочитаешь для занятий и выступлений.
То есть музыканту, который играет на Yamaha или Petroff, путь туда закрыт?
Вовсе нет. Однако не во всех концертных залах есть Steinway. Никто не может запретить мне играть на Блютнере или Бехтштейне, но в моем контракте я отмечаю, что предпочитаю именно эту марку. Будет справедливо сказать, что в лучших концертных залах мира, в основном, стоят Стейнвеи.
Когда вы официально стали Steinway Artist?
Я всегда почитала Стейнвей за лучший инструмент в мире – это как Роллс-Ройс среди роялей. Когда моя карьера стала развиваться в правильном направлении, я стала задумываться о том, чтобы стать членом этой организации. Во-первых, это большая честь, во-вторых, это дает некоторые привелегии в плане концертирования: компания помогает с репетициями, с арендой, с настройкой инструмента. У нас в Хьюстоне есть магазин Forshey, который занимается эксклюзивной продажей Стейнвеев; у меня с ними сложились теплые отношения, и одни из самых теплых рекомендаций для общества Steinwei были как раз от Forshey.
В прошлом году я послала документы (записи, афиши, газетные ревью) в Нью-Йорк, где находится руководство американского отделения Steinway(европейский офис расположен в Гамбурге). 15 апреля я играла концерт в Музее города Нью-Йорка, и на следующий день я была приглашена на интервью в Steinway Hall (это историческое здание, где давали концерты Рахманинов и Горовиц). После получасового интервью мне было сказано: «Вы нам подходите по всем параметрам», и я вышла оттуда Стейнвей- артистом. Скорость, с которой всё произошло, явилась для меня приятным сюрпризом, и я, окрылённая, полетела в Европу, где у меня был ряд концертов. По возвращении мое имя стояло уже на вебсайте Steinway, и я получила все документы, подтверждающие мой титул. Безусловно, состоять в этой оранизации рядом с гениями прошлого и настоящего - огромная честь. Это как бы приподнимает тебя на другую ступень.
Теперь несколько слов о вашем предстоящем концерте, который, думаю, все любители музыки ждут с нетерпеньем.
Первый фортепианный концерт Шостаковича, который я играю с Хьюстонским камерным оркестром, - один из лучших концертов ХХ века. По какой-то причине он редко исполняется в Америке. В России он чрезвычайно популярен, да и в Европе его часто играют. Существует много отличных записей этого концерта: Марта Аргерих, Виктория Постникова, запись самого Шостаковича. В бытность в России у меня не было повода прикоснуться к этому произведению - я всегда избегала исполнять ту музыку, которая у всех на слуху. Только в Америке я начала играть и концерт Шостаковича, и «Картинки с выставки» (которые здесь бытуют преимущественно в равелевском оркестровом варианте).
Для данного выступления выбор произведения был за вами?
Да. Я подумала: когда ещё в Хьюстоне сыграют Шостаковича? У меня в городе репутация шопенистки, и предполагалось, что с Хьюстонским камерным оркестром я буду играть концерт Шопена или Баха. Но я решила сыграть произведение, которое в нашем городе, по крайней мере на моей памяти, никто не играл (а концерты Шопена или Баха играют многие). И потом, когда русская пианистка исполняет прозведение русского композитора, это более стилистически достоверно. По-моему, я не ошиблась в выборе произведения - послушать Первый концерт Шостаковича будет интересно всем.
Немного о самом произведении.
Я думаю, что о музыке Шостаковича сложился стереотип, что это должно быть что-то сложное, длинное, пессимистичное и на слух не легко воспринимаемое. Но этот фортепианный концерт необычен. Дмитрий Дмитриевич написал его в возрасте 27 лет (в 1933 году). Концерт просто сверкает юмором, переливается «фортепианной эквилибристикой». В третьей части Шостакович использует цитаты из других произведений. Мы слышим и бетховенскую тему из «Ярости по поводу потерянного гроша», и марш «Прощание славянки», и темы, которые граничат с банальными уличными песенками нэповских времён. Это яркое произведение сразу завоевало невероятную популярность, поскольку явилось новым «антиромантическим» словом в музыке по сравнению с концертами Рахманинова, например.
Можно сказать, что это произведение завершило юношеский период творчества Шостаковича- период иллюзий по поводу роли композитора в жизни страны, его независимости от государства, свободы его творческих проявлений.
Уникальность этого концерта в том, что кроме рояля на роль солирующего инструмента претендует и труба. Партия трубы виртуозна и чрезвычайно развита и в некоторых местах даже конкурирует с роялем.
Расскажите о своих взаимоотношениях с хьюстонским камерным оркестром. Это Ваше первое выступление с коллективом?
Да, это мой первый концерт с этим оркестром. Дирижёра Майка Лоу (Mike Lowe) я давно знаю как музыканта талантливого. Оркестр и дирижер очень заинтересовались музыкой Шостаковича, они с большим увлечением работают над партитурой. Нас ожидают три оркестровых репетиции. Трубачка хьюстонского камерного оркестра, Theresa Hanebury - очень известный музыкант, и я с нетерпением ожидаю репетиций с ней.
KUHF в предвкушении этого события, потому что концерт будет записываться, а потом транслироваться на радио. Естественно, на концерт сможет прийти ограниченное количество людей, а по радио его услышат тысячи. Я приглашаю всех любителей музыки на концерт, который состоится 22 октября, и на мои последующие сольные концерты.
|
|
#texas #техас РОК-ФЕСТИВАЛЬ В ОСТИНЕ |
Много ли мы знаем об американском роке? Да мы на нем выросли, скажете вы, мои читатели. А много ли американцы знают о русском роке? Это уже другой вопрос. Русско-американский фестиваль мира (RAPF)- своеобразный культурный мост, который должен соединить две культуры….
Один из организаторов фестиваля,человек недюжинного таланта и огромной заразительности, Евгений Колыханов, он же Zhenya Rock, давно известен в музыкальных и околомузыкальных кругах как гитарист и автор многих песен небезызвестной группы «Red Elvises». Покинув «Элвисов», Женя стал работать над сольными проектами и начал ваять «нетленки» направо и налево. Flying Balalaika Brothers явилось одним из его любимых детищ. Кроме Жени в группе играют «Джимми Хендрикс от балалайки», Сергей Ващенко и «лучший басист на деревне», Александр Кузнецов. «Пилоты-балалаечники», как музыканты сами себя называют, играют «эклектическую музыку на балалайке» - этакий замес из русского фольклора, кантри, blue grass, цыганской и современной акустической музыки. Музыканты преуспели в соединении русского фольклора с blue grass, получились частушки на английском языке, которые уходят корнями в старые композиции «Red Elvises». Как говорится, «с миру по нитке - симфония Шнитке» - вот вам «музыка для продвинутых русских и для ищущих американцев.
«Strong Medicinе» - импровизационная музыка в ключе blue grass и roots. Попытка американцев выйти за рамки своих собственных, годами сложившихся жанров. На «Strong Medicinе» оказали влияние Bella Fleck, Sam Bush и прочие представители американского модернового blue grass.
«Репа» - не пустой звук и овощ какой-нибудь, «Репа» - это техасская команда, исполняющая забойный русский рок. Заводные ребята из группы «Репа» в свое удовольствие играют музыку групп «Кино», «DDT», «Браво», «Алиса», «Ария», «Nautilus Pompilius», а также собственные сочинения. Кроме того, что музыканты постоянно играют в Техасе, недавно они наведались на Четвертый фестиваль русского рока в Чикаго, где выступили с громогласным успехом.
Группа Blind Vandal основана в 1988 году, но, по сути, ее настоящее становление (или второе рождение) произошло в 1996-ом, когда состав команды стал представлять собой настоящий сплав опытных музыкантов. Трио (гитарист Александр Фирсов, басист Вадим Тряпицын , барабанщик Александр Харев) играет тяжелый гитарный рок, в духе Джо Сатриани. Специалисты называют их музыку «прогрессив-роком», а сами музыканты в шутку называют свой стиль «тяжелым джазом». Так уж сложилось, что в состав самых лучших рок-групп входят люди, «обремененные» классическим музыкальным образованием. Музыканты Blind Vandal имеют дипломы Архангельского музыкального училища. А как же без этого? Без этого нет настоящей инструментальной музыки, так, одно бренчание. В 2000-м году горячие архангельские парни получили все возможные регалии- лучший гитарист, лучший бас-гитарист, лучший среди барабанщиков. И это еще не все- в том же году специалисты и публика единодушно назвали Blind Vandal Группой года, а ее дебютный одноименный альбом - Лучшим альбомом года. С тех пор музыканты галопом скачут по всевозможным рок-фестивалям- «Арт-Платформа» в Магнитогорске, «Рыбка» в Сегеже (Карелия), «Чистый драйв» в Вологде, «Крис-Фестиваль» в Челльфьорде (Норвегия), «Беломор-Буги», «Рок-Прогрессив», «Культурные герои XXI века». С 2004 года группа ездит на зарубежные гастроли- Дания, Голландия, Польша, Финляндия. В 2005 «Вандалы» заезжали с концертами в США (северные штаты- Массачусетс, Мэйн). В этом году крупно повезло и нам лицезреть команду на Русско-американском фестивале мира.
В завершение фестиваля ожидается грандиозный джэм- сейшн. Фестивальный «сводный хор», Everyone Peace Orchestra, исполнит ностальгические композиции, близкие всякому, кто любит рок- песни Боба Дилана, Джона Леннона, Боба Марли.
Обе стороны: и американская, и российская живо заинтересовались проектом. Достаточо сказать, что спонсорами фестиваля стали Банк Москвы и фирма «Овация». Хозяин остинского «Threadgills South» 20 октября гостеприимно раскрывает двери своего заведения для толпы поклонников рок-музыки.
Отмечая 200-летие дипломатического мира в отношениях между Соединенными Штатами и Россией, хочется пожелать, чтобы российско-американская дружба расцветала и чтобы российские команды чаще и легче приезжали в Штаты, а американцы больше бы интересовались нашей музыкой.
|
|
#texas #техас ВОСХИТИТЕЛЬНО ПО-РУССКИ |
Хьюстонский камерный хор, несомненно, один из лучших хоровых коллективов в стране. Кажется, что для музыкантов не существует преград - они с легкостью исполняют и классику, и сложнейшие современные произведения, демонстрируя чистоту стиля, утонченность трактовок и вокальное мастерство.
Нынешний сезон Хьюстонский камерный хор открывает уникальной для Америки программой - светской музыкой русских композиторов. Я беседую с руководителями коллектива Робертом Симпсоном и Марианной Парнас-Симпсон.
Почему Вы выбрали именно светскую русскую музыку?
Р.С. Русская духовная музыка довольно популярна в Америке. Мы исполняли «Всенощное бдение» Рахманинова три года назад и получили огромное удовольствие от исполнения. Мы записали диск и считаю, что очень удачно.
Многие американские коллективы обращались к русской музыке, но к духовной, а не светской. Этот концерт важен для нас, потому что большинство выбранных нами произведений никогда не исполнялось в Америке. Некоторые партитуры, копии которых любезно предоставила библиотека Санкт-Петербургской консерватории, даже в России не переиздавались больше века.
У нас получилась великолепная концертная программа, составленная из романтических произведений 19 века, начиная с Глинки и Даргомыжского и дальше в хронологическом порядке до конца 20 века. Мы назвали концерт «Восхитительно по-русски». В выбранных нами сочинениях прослеживается идея преемствености от учителя к ученику. Хороший пример Чайковский и Танеев, которые чутко прислушивались друг к другу в вопросах композиторского мастерства (Танеев был лучшим и любимым учеником Чайковского).
Что привлекает Вас в этих произведениях?
Р.С. Для нас открылся совершенно новый мир. Мне показалось интересным, что в светской русской музыке романтической эпохи главной темой является природа (тогда как в американской и европейской преобладает любовная тематика) и та философская грань, которой эта тема поворачивается к слушателям.
М.С. Эти произведения не столько картины природы, сколько глубочайшее переживание человека. О чём, например, «Ночевала тучка золотая»? Несомненно, о природе, но и о любви и человеческих отношениях тоже.
Как вы работаете над текстом? Во «Всенощной»Рахманинова каждое слово было чётко произнесено, как вы добиваетесь такого качества?
М.С. Мы очень бережно относимся к тексту и уделяем много времени его изучению. Со «Всенощной» было легче - литургические тексты довольно однообразны. А здесь Пушкин, Лермонтов, Полонский, Блок - в этих произведениях слова летят, как птицы. В русской музыке текст абсолютно равноправен музыкальному материалу, каждая фраза тонко прочувствована.
Для американских певцов русский язык колоссально труден - другая фонетика, другое положение языка. Я записала отдельный текстовой диск - мы его слушаем, потом проговариваем текст и пропеваем на одной ноте по несколько раз.
Можно сказать, что этот концерт самый сложный за всю историю существования хора (хотя, для меня он самый лёгкий- я выросла на этих произведениях). С одной стороны, прекрасная благоуханная музыка, которой хочется полностью отдаться. А с другой стороны, надо постоянно контролировать произношение каждого слова.
Какое произведение наиболее сложное для исполнения?
М.С. То в котором больше текста и нужно этот текст быстро проговорить и проинтонировать. Пожалуй, это рахманиновский «Пантелей-целитель» и «Буря мглою небо кроет» Даргомыжского.
Р.С. При подготовке к программе мы столкнулись ещё с одной проблемой. Нужны были низкие басы-октависты, которых в Америке считанные единицы. Нам понадобилось много времени, чтобы найти нужного человека. К счастью, мы его нашли.Это бас из Вермонта, Дэвид Кек (David Keck), в диапазоне которого есть нижний си-бемоль. Теперь мы уверены, что пьеса В. Гаврилина «Ерунда» из цикла «Перезвоны» будет прекрасно озвучена.
Наряду с классикой 19 века , мы исполним произведения современных, ныне живущих композиторов. Мы включили в свой репертуар миниатюру молодого петербургского композитора Сергея Екимова «Кенгуру», «Незнакомку» Юрия Фалика и «Вокализ» Александра Рома - нынешнего хормейстера Далласской оперы, также выпускника Петербургской консерватории.
Несколько слов о творческих планах хора.
Р.С. В этом концертном сезоне русский репертуар занимает больше места в нашей программе. В марте совместно с Da Camera мы осуществляем нашу давнюю мечту - исполнить «Свадебку» И. Стравинского.
В будущем году нас пригласили в Санкт-Петербург на летний xoровой фестиваль «Поющий мир». Для нас это большая честь и удовольствие побывать в России и поделиться опытом с русскими музыкантами.
|
|
#texas #техас ПИАНИСТ БЕЗ ПРИЧУД |
Кирилл Герштейн – победитель международного конкурса им. Артура Рубинштейна, лауреат международных конкурсов в Дублине и Сарагосе выступил с Houston Symphony в конце сентября. Публикуем интервью, взятое перед концертом.
Кирилл, Вы начинали как джазовый пианист, а сейчас в Вашем репертуаре сплошная классика. Как такое случилось?
Ну это не совсем так. Я, как большинство детей в России, начал заниматься классической музыкой и учился Воронеже в новооткрытой специальной музыкальной школе-десятилетке. В то же время у меня развился интерес к джазу уже в детстве. Вскоре я начал ездить на детские классические конкурсы, и на одном из них (это было в Польше) познакомился с джазовыми музыкантами, и это привело к развитию моих джазовых занятий. Потом я уехал учиться джазу в Berklee College в Бостоне, и после трех лет обучения решил войти обратно в классическое русло, потому что, на мой взгляд, совмещать и то, и другое профессионально невозможно. В Нью-Йорке, а потом и в Мадриде я учился уже классике, но джаз остался как хобби.
Однако Ваш первый диск включает произведения Гершвина…
На самом деле я исполнял этюды на темы Гершвина, сделанные американским пианистом Earl Wild. Мне было интересно, потому что они совмещают джазовый элемент, который мне хорошо знаком, и, в то же время, фортепианную фактуру a-la Рахманинов. Так сказать, Rakhmaninov meets Gershwin. Это не импровизационный джаз, но в стиле.
Конкурс имени Рубинштейна 2001 года - как он изменил Вашу жизнь? Куда он её повернул?
Все конкурсы временно (я подчеркну - временно) открывают какие-то двери, безусловно. На этой основе автоматически приглашают играть во многие достаточно важные места. Также победа в конкурсе позволила мне перестать ездить на другие конкурсы, что тоже очень позитивно. И, конечно, важен переходный период, когда перестаёшь быть победителем конкурса 2001 года (потому что неминуемо появляются победители и 2004-го, и 2008-го). Для любого молодого артиста важно пытаться закрепиться как индивидуальность - как Вася Иванов или как Кирилл Герштейн, но не как абстрактный победитель того или иного конкурса. В этом смысле мир конкурсов довольно жестокий, он даёт шанс на определённое время, а потом надо действовать самому.
После конкурсов все в унисон начинают говорить: «Вот мы посмотрим, как он себя проявит в ближайшие н-цать лет». Сколько времени уходит на адаптацию после конкурса?
Нельзя сказать точно, какое количество сезонов нужно сыграть, чтобы сложилось окончательное мнение о твоем музыкантском уровне. Если музыкант не выигрывает ни одного конкурса, сразу начинают задавать вопрос: «Почему?», а если выигрывает, говорят: «Каждый выиграл конкурс, давайте посмотрим, как он на самом деле играет». Выиграть конкурс трудно, но многие не осознают, что более напряжённая работа начинается как раз после конкурса.
Вы начали свою карьеру рано. Когда музыкальный мир начал к Вам относиться как к зрелому музыканту, а не как к чудо-ребенку?
Это трудный вопрос. Я не знаю, когда это происходит, в 20 или в 30 лет. Сейчас, на самом деле переходный период - мне 27 лет. По-прежнему некоторые относятся ко мне как к молодому пианисту и считают, что молодой пианист должен играть то-то, и не должен того-то. Это стереотип, такой же как русский пианист, наверное, будет лучше играть русскую музыку. Мы знаем множество примеров, когда русские пианисты не очень хорошо играют русскую музыку, а зарубежную, напротив, очень даже хорошо. Этот стереотип опасен, но с ним часто встречаешься.
Расскажите, пожалуйста, о своих учителях.
Один из самых ярких моментов в моей жизни - обучение у Дмитрия Башкирова. Для русских читателей это имя не нуждается в особых представлениях. Он, как известно, выдающийся концертирующий пианист. Мне всегда хочется отметить его невероятный педагогический талант: у него есть и страсть, и инстинкт к педагогике. Он быстро улавливает индивидуальные наклонности студента и в связи с этим предлагает разные интерпретации одного и того же произведения. У многих педагогов, даже очень хороших, есть определённое представление, как должен звучать концерт Чайковского, например, и они пытаются, более успешно или менее успешно, воплотить это в студентах. Меня всегда поражало в Башкирове, что для четырёх разных студентов он может предложить четыре разных трактовки. У студентов Башкирова я вижу определённые качества, характерные для его школы, но, тем не менее, все играют по-разному.
Потом я был в Италии, в фортепианной академии на озере Комо. Туда каждый месяц приезжают разные знаменитые педагоги не учить, в школьном смысле, а общаться, делиться опытом с молодыми коллегами.
Я много ездил в Будапешт учиться у венгеркого педагога Ференца Радоша, эти занятия на меня невероятно повлияли. Также я многому учусь у музыкантов, с которыми я играю камерную музыку. Очень яркие впечатления остались от игры с Юрием Башметом, с Гидоном Кремером, с Клеменсом Хаагеном из Хааген-квартета. Полезно ещё учиться у дирижёров. Например, с Хансом Графом всегда интересно работать. Кроме того, что он прекрасный дирижёр и музыкант, но у него есть точное представление, как лучше сыграть то или иное произвеение. Это запоминается.
Сколько раз Вы играли с маэстро Графом?
Несколько раз. Мы играли в Detroit Symphony, в Индианаполисе. В январе мы будем играть в Балтиморе концерт Равеля.
Есть ли такой композитор, о котором Вы можете сказать: «Это мой композитор»?
Меня интересует многое в музыке, к тому же, я думаю, что совершенно необязательно выбирать композитора. Можно ли сказать: «Я больше всего люблю макароны». Сегодня люблю макароны, а завтра, скажем, суп. В один период жизни нравится играть одно, в другой - другое. «Пляска смерти» Листа - замечательное произведение, но на следующей неделе будет концерт Шёнберга, и это будет так же интересно.
Есть ли такое произведение, о котором Вы могли бы сказать: «Я никогда и ни за что не буду это играть»?
Как говорят: «Never say never». Но есть вещи, которые хочется сыграть в ближайшем будущем, а есть такие, которые я предпочитаю усышать в концертном зале - пока нет к ним тяги. Я считаю, что некая «всеядность» важна. Думаю, что если всю жизнь специализироваться на Бетховене, то в концертах Чайковского и Рахманинова, например, пианизм страдает. И наоборот, любая соната Бетховена звучит по-другому, когда пианист играет музыку разных стилей.
Бытует мнение, что у каждого пианиста свои странности. Горовиц, к примеру, возил за собой собственный рояль. Есть ли у вас подобные причуды?
Я бы сказал, что Горовиц сделал определенный рекламный трюк из-за того, что гастролировал с собственным роялем. Артур Рубинштейн тоже ездил со своим инструментом, также и Циммерман, а Поллини аж с двумя - вот это, на мой взгляд, достаточно причудливо. Ездить со своим инструментом довольно нормально. В каждом зале свой инструмент и не всегда в оптимальном состоянии. Для нас рояль, как голос для певцов. Не скажут же приезжему певцу: «У нас в хоре есть замечательный голос, почему бы Вам им не воспользоваться?»
У всех музыкантов свои причуды, потому что повторение с детства одного и того же - это тоже определенный склад ума, не совсем здоровый, прямо скажем. Я, лично, думаю, что особенных причуд у меня нет, но люди, которые меня знают, может быть, думают по-другому.
В нескольких словах: что для Вас«идеальный пианист»?
Думаю, такого нет. Сразу же напрашивается вопрос об идеальном в искусстве. Что есть идеал? Можно сказать, гениальное исполнение, но не идеальное. Рахманинов играет «Карнавал» Шумана- это гениально.
Ваши впечатления о репетициях.
Я с этим оркестром играл в летних концертах пару лет назад, это был Второй концерт Листа. Поэтому, оркестр немного знаком, мне приятно снова работать с музыкантами Houston Symphony. Хорошая рабочая обстановка, интересная программа. В данный момент мы играем два произведения, объединенные одной темой грегорианского хорала «Dies Irae» (День гнева) - «Пляска смерти» Листа и «Рапсодию на тему Паганини» Рахманинова - такую идею предложил маэстро Граф.
Я вообще люблю играть по две пьесы в концертах, особенно, когда можно проводить параллели между произведениями.
Несколько слов для читателей «Нашего Техаса».
Было приятно узнать, что в Хьюстоне есть русскоязычная газета - это значит, что в городе большая русская коммуна - а я всегда рад видеть на своих концертах соотечественников.
|
|
#texas #техас САМИ МЫ НЕ МЕСТНЫЕ… |
10 ноября в Хьюстоне состоится мировая премьера оратории “Refuge”.
“Refuge”- главная часть супер-цикла «Песни Хьюстона»- грандиозного проекта Houston Grand Opera. “Refuge”- семичастная композиция, составленная из историй иммигрантов из Африки, Центральной Америки, Индии, Мексики, Пакистана и бывшего Советского Союза, которые выбрали Хьюстон своим домом.
«Все, проживающие в Америке, за исключением коренного населения, могут считаться иммигрантами. Наши предки приехали в страну, чтобы начать новую жизнь. Так что, иммигрантская тема волнует всех без исключения»,- говорит главный дирижер хьюстонской ореры, маэстро Патрик Саммерс.
Идея создания цикла «Песни Хьюстона» зародилась в 2006 году, когда в хьюстонскую оперу пришел новый Генеральный директор, Энтони Фройд. Новичок в Хьюстоне, господин Фройд, в процессе разговорa с советом директоров HGO нарисовал себе четкое представление о городе как о продукте иммиграции и задумал проект, который осветил бы многонациональную хьюстонскую общину.
“Refuge”- величественная интернациональная оратория. Это поэтический и музыкальный портрет не только Хьюстона, но и всей современной Америки, во всём многообразии и динамике», - говорит Энтони Фройд, сам из европейских иммигрантов. Будучи идейным вдохновителем этого проекта, Генеральный директор HGO относится к своему детищу с нескрываемым энтузиазмом и надеется прокатить “Refuge” по всей стране.
Автор музыки “Refuge”, композитор Кристофер Теофанидис родился в Техасе, но его родители- иммигранты из Греции. Теофанидис- довольно молодой композитор, но уже широко известный как в Америке, так и за её пределами, обладатель музыкальной премии Prix de Rome. Его произведения были удостоены многочисленных призов и наград. Одно из наиболее известных — «Тело радуги» было исполнено более 30 раз, став самым часто исполняемым произведением для симфонического оркестра, написанным современным композитором.
Теофанидис обогатил современный язык “Refuge” национальными элементами каждой из культур, представленных в произведении.
В основу либретто Лии Лэкс легли многочисленные интервью реальных людей разных национальностей и поколений, проживающих в Хьюстоне. Каждая часть- это искренний монолог, наполненный болью воспоминаний, надеждой, юмором. Среди представителей русскоязычной общины в интервью участвовали Валентина Валигура, Марк Зальцберг и Валентин Герцман.
Премьеры отдельных частей “Refuge” прошли в Jewish Community Center, Pakistani Community Center, Talento Bilingue de Houston.
Все ресурсы HGO целиком задействованы в оратории. Кроме молодых солистов оперной студии: (сопрано: лауреат конкурса Чайковского, Альбина Шагимуратова и Rebekah Camm, меццо-сопрано: Faith Sherman и Jamie Barton, тенор Beau Gibson, баритон Liam Bonner, и бас-баритон Ryan McKinny) в постановке принимает участие оперный оркестр и хор в полном составе, включая и детский хор. Вдобавок ко всему, исполнители на народных инструментах: Julie Trinh Dang (вьетнамский дан-бау), Chandrakantha Courtney (индийский ситар), David Courtney (индийская же табла), Вадим Ангеров (какая песня без баяна) и африканский вокальный ансамбль Mukule.
Проект «Песни Хьюстона» имеет яркий просветительский характер. В его рамках проходят разнообразные интернациональные мероприятия. В частности, в Русском культурном центре «Наш Техас» прошёл концерт солистки хьюстонской оперы, меццо-сопрано Марии Маркиной. Творчески выбранный репертуар певицы поразил даже знатоков музыки- в концерте, наряду с известными произведениями П.Чайковского и М.Мусоргского, прозвучали «Сатиры» Д.Шостаковича и ранние романсы С.Прокофьева, которые исполняются крайне редко.
Проект «Songs of Houston” продолжается, и мировая премьера “Refuge” обещает стать исключительным событием культурного сезона в нашем городе.
|
|
#texas #техас УЧИТЬСЯ ОПЕРЕ ВСЮ ЖИЗНЬ |
Альбина Шагимуратова - победитель конкурса им. Чайковского в 2007 году, обладательница премии Союза театральных деятелей России и гранта им. М. Ростроповича - гордость Houston Grand opera.
На сайте Хьюстонской оперы стоит сухая официальная информация о певцах, а нам хотелось бы знать о Вас больше. Расскажите, пожалуйста, о своей жизни до HGO.
Я родилась в Ташкенте в музыкальной семье. Мой папа всегда тяготел к татарскому фольклору и мне привил любовь к этой музыке. И можете себе представить, в 4 года я вышла на сцену и спела татарскую народную песню - папа аккомпанировал мне на баяне. Сохранились фотографии, где я стою с хризантемами и с микрофоном.
В Ташкенте я закончила музыкальную школу как пианистка и хотела продолжать профессиональное обучение.
То есть, были предпосылки для пианистической карьеры?
Абсолютно. Пение было как хобби. Никогда не думала, что свяжу свою судьбу с оперой. Честно говоря, я не думала, что у меня есть голос.
Как это открылось?
Когда мне было 14 лет, мы переехали в Казань. Мой папа адвокат, сейчас работает в Казани судьёй. Но, будучи музыкально одаренным человеком, он всё свободное время отдаёт сочинению музыки. Многие певцы в Казани исполняют его песни. Одним из них был народный артист Татарстана и России Хайдар Бегичев. Папа решил предложить ему свою песню и попросил меня спеть её Бегичеву по телефону. Я тогда училась на втором курсе казанского музыкального училища на дирижёрско-хоровом отделении. Спела я своим хоровым голосочком, на что Бегичев сказал: «Передай трубку своему папе». А папе сказал: «Что она делает на хоровом отделении? Ей надо срочно на вокал». Тогда мы впервые задумались, может и вправду надо попробывать: и я параллельно поступила на вокальное отделение училища. Так я закончила два отделения, но даже тогда не думала о карьере певицы. Хотя, конечно, мой голос развивался, я стала больше интересоваться оперой как видом искусства и открыла для себя этот огромный мир.
Следующим шагом было поступление в Казанскую государственную консерваторию, но опять на дирижерско-хоровое отделение. Я просто не видела себя певицей. Мой кумир - Мария Каллас. Когда я впервые услышала ее пение, я плакала. В моем понимании таким должно быть настоящее искусство - сильным, искренним, без какой-либо примеси фальши. Меня покорило, что Каллас - не только певица и актриса, а что-то большее. И если быть, то только такой. Я чувствовала, что могу достичь такого уровня.
После года обучения что-то меня подтолкнуло снова учиться сольному пению, и я поступила на вокальный факультет консерватории к профессору Зиле Сунгатуллиной, у которой занималась и в училище. Тогда я поняла, что невозможно учиться на двух разных факультетах. Совмещать две разные манеры пения - это большая вокальная нагрузка (ежедневные 4-часовые репетиции с хором и оперный класс). Я поняла, что могу вскоре потерять голос. Надо было срочно что-то менять.
Тогда, в 1999 году в Казани проходил Международный конкурс им. Глинки. Председателем жюри была Ирина Константиновна Архипова. Я не участвовала в самом конкурсе, но прослушалась у членов жюри, и они посоветовали мне перевестись в Московскую консерваторию. В Москву с первого раза меня не взяли, я приехала и во второй, и в третий раз. И, в конце-концов, поступила сразу на третий курс к профессору Галине Писаренко. Моя жизнь абсолютно изменилась, поскольку, конечно, культурная жизнь Москвы несравнима с провинциальной. Эта жизнь поглотила меня целиком. Решение переехать было трудным, но надо отдать должное моим родителям: они меня поддержали и отпустили в столицу жить самостоятельной жизнью после «тепличных» домашних условий. Можно сказать, что моя пятилетняя московская жизнь была отчасти подготовкой к американской. Хотя в Америке другие требования к певцам. Здесь ты «свободный художник», а в Москве, в этом сумасшедшем ритме жизни, только и успеваешь спеть то там, то здесь, но абсолютно нет времени для развития, для работы над собой.
На пятом курсе я начала работать в музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко. С первых дней я пела заглавную роль в «Травиате» Верди. В 2004 году завоевала третью премию на конкурсе имени Франсиско Виньяса в Испании - это был мой первый конкурс. Через два года – перове место на конкурсе Глинки, и в этом году - первое место на конкурсе Чайковского. Для меня эти конкурсы всегда были недосягаемой высотой. Но сейчас понимаю, что это только начало пути.
То есть, Вы планируете участвовать и в других конкурсах, и конкурс Чайковского - не предел мечтаний молодого певца?
Это начало настоящей серьезной работы, начало профессиональной карьеры. Возможно, я и поеду на другие международные конкурсы, хотя конкурс слишком большое испытание - и физическое, и психологическое, и , конечно, музыкантское. Нужен определенный запас прочности, чтобы озвучить все произведения. На конкурсе Чайковского, в отличие от других, была очень сложная разнообразная программа.
Где был больший резонанс на вашу победу в конкурсе Чайковского: в России или в Америке?
Для Америки это больший по значимости конкурс, потому что именно из Америки и Европы я получила предложения. К сожалению, Россия не ценит свои таланты, поэтому многие талантливые российские певцы уезжают работать на Запад. Конечно, конкурс Чайковского - это престижный, авторитетный конкурс, и победить на нем - большая честь, но это не самая главная победа в жизни, я так считаю.
Если не секрет, откуда еще поступили приглашения?
Сразу после конкурса мне предложили участвовать на моцартовском фестивале в Зальцбурге в партии Царицы ночи в «Волшебной флейте» с дирижером Риккардо Мути. В следующем сезоне я получила предложение от оперного театра Лос- Анджелеса, также получила предложение работать с Валерием Гергиевым в Мариинском театре.
Houston Grand Opera мне предложила три контракта подряд. В следующем году я пою в «Риголетто», через год - «Лючия де Ламермур», еще через год - «Травиата».
Вы сохраняете свои отношения с оперными театрами в России, насколько это возможно, живя в Америке?
Я сохраняю отношения с Казанским оперным театром - всегда рада петь на Родине. В этом театре меня очень любят. К сожалению, мне пришлось уйти из театра Станиславского перед своим отъездом в Америку - они просто не отпускали меня. Я бы с удовольствием работала в России, но, видя уровень работы театров на Западе, нет особого желания петь в московских театрах: в них существует некая зависимость певцов от руководства. Певец должен принадлежать театру всецело.
Это значит, что гастрольная деятельность ставится под вопрос. А как с этим обстоит дело на Западе?
Знаете, я второй год пою в Houston Grand Opera, и должна поблагодарить руководство театра, которое отпускает меня спеть тот или иной спектакль, в том числе, и в Москве. Это две разные культуры - американская и русская. Мы, певцы, не можем принадлежать одному театру. К сожалению, не все руководители театров это понимают.
Как вы попали в Houston Grand Opera?
Даян Зола, артистический директор оперной студии ежегодно ездит на мастер-классы в Москву. Я с ней познакомилась в 2001 году, и мы часто общались и переписывались. В 2005 году она предложила мне прослушивание для главного дирижера хьюстонской оперы Патрика Саммерса и только пришедшего в HGO директора Энтони Фройда. Я спела, и мне предложили петь в оперной студии. В то время в Москве моя карьера развивалась успешно, и снова садиться на ученическую скамью не очень-то хотелось. Но надо отдать должное Даян, которая сказала: «Альбина, опере ты будешь учиться всю жизнь». Это мне открыло глаза, и я поняла, что Москва - это Москва, но в Америке открываются совсем другие горизонты.
Публика чем-нибудь отличается?
Здорово отличается. Если честно, мне не очень по душе, когда американская публика взрывается аплодисментами. Никогда не знаешь правды: понравилось или нет? Я помню, когда я выступала в Америке с театром Станиславского в «Травиате» - аплодировали всегда, даже там, где не надо. В этом смысле российскую публику заставить кричать «Браво!» и вставать с кресел практически невозможно. 1-го октября я давала сольный концерт с Российским филармоническим оркестром под управлением Владимира Спивакова. Сколько я выступала в Москве - первый раз я заставила публику подняться.
Мы знаем, как живут молодые звезды оперных театров в России. А как проводят время молодые певцы в Хьюстоне?
У певцов очень замкнутая жизнь.У меня, к сожалению, нет свободного времени- если я не в театре, то работаю дома. Все-таки хочется попеть не пять лет, а двадцать пять и больше. Для этого необходимо время на восстановление голоса, а это означает отсутствие вечеринок, отсутствие ресторанов, зачастую отсутствие общения с друзьями. Прибавьте к этому постоянные перелеты и множество контрактов. Очень многие крупные певцы, которые поют в ведущих театрах мира, не имеют личной жизни. Вот такие мы особенные люди.
В этом году у вас большая нагрузка в хьюстонском оперном театре?
Я буду петь Мюзетту в «Богеме» Пуччини и Царицу ночи в «Волшебной флейте» Моцарта.
Я так понимаю, что Царица ночи на нынешнй момент - Ваша коронная роль, коль скоро приглашают в разные театры именно на эту партию.
Эту роль, на самом деле, исполняют единицы, поэтому на нее такой большой спрос.
Несколько слов об оратории “The Refuge”, в постановке которой Вы участвуете. Насколько интересна эта постановка?
Тема этого произведения мне близка. После развала Советского Союза моих родителей, буквально, выгоняли из Ташкента. Я еще училась в школе и помню, как на улице с меня сдергивали портфель и кричали: «Убирайся в свою Россию». Я через это прошла.
С вокальной точки зрения партитура “Refuge” очень сложна. Все-таки оперные певцы привыкли к бельканто, к Верди, к Моцарту. Чтобы выучить такую партитуру, требуется год. Нам нужно было выучить ее за два месяца. Для меня как для русскоговорящей певицы дополнительную сложность составляет язык, крайне неудобный для пения (именно, американское произношение английского). Отчасти я рада, что принимаю участие в исполнении «Refuge», но с другой стороны, на мне лежит огромная ответственность. Вокруг меня поют все американцы, у которых нет проблем с произнесением текста. Я от себя требую хорошего языка, много работаю с преподавателем, который поправляет мой акцент. Я требовательный к себе человек, но и театр не дает мне никаких поблажек. Мне было приятно, что маэстро Патрик Саммерс сделал мне комплимент, он отметил, что мой язык более понятен в пении, чем у остальных, поющих на родном языке.
Я обещаю чителям, что премьера “Refuge” будет запоминающимся событием. Это праздник , и одновременно, очень правильный шаг со стороны руководства театра. Я думаю, что у этого проекта будет большой резонанс не только в Хьюстоне, но и по всей Америке.
Я знаю, что Русский культурный центр «Наш Техас» сейчас ведет переговоры с Хьюстонской оперой по поводу Вашего сольного концерта. Хватает ли у Вас времени на камерную музыку?
Если честно, то не хватает. Но я бы очень хотела спеть такой концерт. Я бы с удовольствием исполнила романсы Рахманинова (большое спасибо Сергею Васильевичу, который написал большое количество музыки именно для моего голоса). А во втором отделении - исключительно итальянскую и французскую музыку.
|
|
#texas #техас ФЕСТИВАЛЬНЫЙ ОРКЕСТР ВЕРБЬЕ |
Приезд в этом году в Хьюстон молодежного Фестивального оркестра Вербье с легендарной аргентинской пианисткой Мартой Аргерих и дирижёром Шарлем Дютуа смело можно считать одним из главных симфонических событий сезона. В репертуаре оркестра - Третий фортепианный концерт Прокофьева и Фантастическая симфония Гектора Берлиоза. Последний раз оркестр выступал в США в 2001 году. На сцене хьюстонского Jones Hall музыканты выступили 11 ноября.
Выступление Марты Аргерих - настоящий подарок судьбы. Такие музыканты, что называется, «штучный товар». Немногие пианисты вызывают такой благоговейный трепет и неистовые овации у публики. Великая пианистка, пользуясь своим совершенно особым положением легенды, не моргнув глазом, может отменить концерт, в независимости от престижности сцены. Я до последнего момента не могла поверить в её приезд, памятуя отмененный концерт в Санкт-Петербурге.
Для меня было счастьем услышать мой любимый концерт Прокофьева, Третий, в исполнении Марты Аргерих. Никакие высокопарные слова, типа «изумительное владение инструментом», не смогут объяснить смысла творческого процесса Аргерих. Ее игра с одной стороны непредсказуема, а с другой - логична и объективна. Если вы видели вблизи руки пианистки, то согласитесь, что техника ее игры - нечто совершенно непостижимое для ума. Думаю, все, кто был на концерте сумели почувствовать магию и благодать искусства Марты Аргерих.
Марта Аргерих родилась в Буэнос-Айресе. Первые уроки фортепиано начала брать в возрасте пяти лет под руководством Виченцо Скарамуцца. В 1955 г. переехала в Европу и продолжила обучение в Лондоне, Вене и в Швейцарии. В 1957 г. Марта Аргерих победила на конкурсах в Больцано и Женеве, а в 1965 г. - на конкурсе Шопена в Варшаве. С тех пор она входит в число наиболее выдающихся пианистов мира как по исполнительскому дарованию, так и по уровню популярности.
Марта Аргерих принадлежит к пианистической элите, она величайший виртуоз нашего времени. Она Командор Ордена Искусств и Литературы Франции, академик Santa Cecilia в Риме, Музыкант 2001 года в США, кавалер Ордена Восходящего солнца и Золотых лучей с Розеткой японского императора, обладательница престижной Praemium Imperiale Японской Ассоциации искусств.
С 1998 Марта Аргерих является художественным руководителем Beppu Festival в Японии; в 1999 она основала Международный фортепианный конкурс и фестиваль в своем родном городе Буэнос-Айресе, а в 2002 – Progetto Martha Argerich в Лугано.
Со времени своего основания в 2000 году фестивальный оркестр Вербье заслужил признание во всем мире. С ним выступали ведущие мировые дирижеры и солисты. Каждый год на условиях нелегкого конкурса в оркестр принимаются лучшие молодые музыканты со всего мира в возрасте от 17 до 29 лет из 25 стран. В нынешнем составе Фестивального молодежного оркестра несколько музыкантов из России и Украины. Мне удалось пообщаться с молодыми исполнителями в перерыве между отделениями концерта.
Добрый вечер, расскажите, пожалуйста немного о себе: откуда вы и как попали в оркестр?
Алексей Ключник (контрабас): Я с Украины, родился в Днепропетровске. Уже 8 лет живу в Америке. Я учился в Лос-Анджелесе. Только что получил степень бакалавра и сейчас работаю над Diploma-Artist, что приравнивается к нашей аспирантуре: нужно сыграть 4 сольных концерта за 2 года. В этот оркестр я попал, как и все, - поехал в Нью-Йорк на прослушивание и, как говорится, отыграл.
Евгений Каплан (скрипка): Я из Москвы, сейчас живу в Барселоне. Прослушивание я играл тоже в Нью- Йорке, а потом в Брюсселе. Это мой четвертый год с оркестром Вербье.
Елизавета Золотова (альт): Я тоже из Москвы. Я играю на альте, учусь в Московской консерватории.
Сколько русских (или русскоязычных) музыкантов в оркестре?
Е.К.: Сейчас немного, человек десять. В начале создания проекта, 8 лет назад, было гораздо больше. Оркестр постоянно обновляется. Существует также другой состав - камерный.
Вы часто играете с главным дирижёром?
Е.К.: Главный дирижер, маэстро Джеймс Левайн играет с нами 3 концерта в год, иногда ездит на гастроли. Среди других дирижёров, выступающих с оркестром: Зубин Мета, Эса-Пекка Салонен, Неэми Ярви, Валерий Гергиев - огромные имена.
Сколько всего концертов в сезоне?
Е.З.: Приблизительно 15 концертов: 7 во время летнего фестиваля в Вербье, остальные на гастролях.
С какими солистами вы выступали?
Е.З.: Нам посчастливилось играть со многими крупными музыкантами, такими как Марта Аргерих, Юрий Башмет, Джошуа Белл, Леонидас Кавакос, Евгений Кисин, Ланг Ланг, Миша Майский, Анна-Софи Муттер, Михаил Плетнев.
Что для вас Фестиваль в Вербье?
Е.К.: Это фестиваль с большой историей, одно из самых больших сборищ молодых музыкантов. Это мастер-классы, лекции, дискуссии, уличные концерты в течение целого дня. Нам бесконечно приятно там находиться, потому что в течение двух недель мы получаем оркестровую практику с лучшими дирижерами мира. К тому же это возможность услышать игру состоявшихся знаменитых музыкантов, которые встречаются именно на этом фестивале, чтобы сыграть друг с другом.
Естественно, вы все продолжаете обучение в разных консерваториях, с большой ли охотой отпускают вас педагоги?
Е.З.: Меня в Москве отпускают, мой педагог рад, что я играю в таком престижном оркестре, да и учебный процесс на последних курсах не такой уж напряженный.
В каком оркестре хотелось бы играть?
А.К.: Оркестр - это прежде всего ансамбль. Идеально играть в таком оркестре, где лучший ансамбль музыкантов. В основном таких оркестров больше в Америке и в Европе.
Спасибо и удачи вам в американских гастролях.
|
|
#texas #техас ДАЛЛАССКИЙ ДЕБЮТ ДОН ЖУАНА |
В этом году сразу два блистательных баритона - россиянин Дмитрий Хворостовский и поляк Мариуш Квечень почтили своим вниманием Даллас. Определенно, далласским любителям оперного пения несказанно повезло.
Хьюстонский зритель уже знаком с творчеством молодого польского певца по опере В. А. Моцарта «Дон Жуан». Мариуш Квечень - певец с роскошным голосом, прекрасным произношением и статной осанкой - был украшением спектакля на сцене HGO. Демонический и харизматичный - таким запомнился герой Квечена хьюстонцам.
Даллассцы же услышат польского баритона в его дебютном камерном концерте на сцене Kimbell Art Museum (Форт- Уэрт).
Мариуш Квечень родился в Кракове. Профессиональную карьеру начал в 1993 г. в Краковской опере, исполнив партию Энея в опере “Дидона и Эней” Г. Перселла. Певец стажировался в Метрополитен-опере, будучи участником молодежной программы Линдеманна. Выступал на сценах крупнейших театров мира - Метрополитен-оперы, Королевской оперы Ковент Гарден, Парижской национальной оперы, Венской государственной оперы, Лирической оперы Чикаго, Оперы Сан-Франциско.
В 1996 г. был награжден призами Венской и Гамбургской государственных опер на Международном конкурсе певцов имени Ханса Габора (”Бельведер”) в Вене.
В 1999 г. представлял Польшу на конкурсе “Певец мира” в Кардифе (Уэльс).
В сентябре 2006 в Москве много спорили об “Евгении Онегине” режиссера Дмитрия Чернякова на Новой сцене ГАБТа. Мнения об опере были самые разные, но в одном критики были единодушны: Мариуш Квечень в заглавной роли был безупречен. Певец проявил себя не только первоклассным певцом, но и ярким личностным актером. «Я люблю роли, где нужно много играть, не только петь»,- признается Квечень в одном из интервью.
Квечень великолепен в моцартовском репертуаре. В 1998 г. певец стал обладателем приза за лучшее исполнение произведения Моцарта и приза зрительских симпатий на Международном конкурсе певцов имени Франсиско Виньяса в Барселоне. “Дон Жуан” В. А. Моцарта - наиболее часто исполняемая и, можно сказать, коронная роль Мариуша Квечена. Он спел Дон Жуана на сценах Национальной оперы Варшавы, Венской государственной оперы, Оперных театров Санта-Фе, Сан-Франциско, Сиэтла, Хьюстонской Гранд-оперы (США), оперы Бильбао и оперы Сантандера (Испания).
Что ещё известно о Мариуше Квечене? Что он учит любую роль за две недели, что доверяет режиссёрам только в том случае, если они дают возможность певцу самовыразиться и разделить ответственность за постановку в расчете 50/50%. Если бы не сложилась карьера на Западе, он бы писал музыку, проектировал мебель, шил одежду, профессионально занимался бы фотографией и легкой атлетикой. Что он свободно говорит по-английски и по-русски. Что он истинный патриот Польши и при каждом удобном случае исполняет польскую музыку.
Кстати, в концертной программе “Cliburn at the Kimbell” прозвучат романсы польского композитора Мечислава Карловича. Ну и, конечно, не обойтись без классического баритонового репертуара: шумановского цикла «Любовь поэта», романсов Чайковского «Нет, только тот, кто знал» и «Серенады Дон Жуана». Можно сказать, что Квечень даже в камерном концерте возвращается к своей лучшей роли севильского обольстителя.
Организованный «Фондом Вана Клиберна» концерт Мариуша Квечена в сопровождении пианиста Howard Watkins состоится 6 декабря, в четверг в 7:30 вечера в Kimbell Art Museuм.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас «ПОДРУЖИТЬ РЕМЕСЛО И ИСКУССТВО» |
В Русском Культурном Центре «Наш Техас» по адресу 2337 Bissonnet, Houston, TX 77005 до 19 февраля продолжится выставка скульптора Олега Закоморного, любезно ответившего на несколько вопросов нашей газеты.
В американской культуре существует понятие «self-made man». Под этим подразумевается человек скромного происхождения, добившийся успеха собственными силами. Вы попадаете в эту категорию или, напротив, у вас с детства были благоприятные условия для карьеры в искусстве?
Наверное, меня можно отнести к этой категории, поскольку никакого протежирования и каких-то особых условий для развития карьеры у меня никогда не было. Напротив, в основе всего лежал настоящий энтузиазм и огромное желание, даже страсть к изобразительному искусству. Мне очень повезло в том, что мои родители поддерживали мое увлечение и нашли возможность дать мне хорошее специальное образование (Московская средняя художественная школа им. Томского и Московский государственный академический художественный институт им. Сурикова) и всегда оказывали большую человеческую поддержку. Я и теперь всегда опираюсь на своих близких во всех жизненных вопросах и в профессиональном развитии. У меня удивительно понимающая, дружная семья, и это мой основной двигатель как в искусстве, так и в жизни. Например, скульптурные и графические портреты моих близких выполнены с натуры (портреты отца, мамы, Ирины, Сони, Андрюши), а также многие скульптурные композиции темы детства – это живые наблюдения за моими детьми («Мужичок с башмачок», «Чуть не поймал», «Взрослая песня», «Большие друзья»). Все эти работы можно увидеть на сайте, некоторые из них находятся в музеях. Сейчас в работе находится еще несколько скульптур на тему детства, и в начале следующего года я представлю их московскому зрителю.
Перечислите этапы работы над бронзовой скульптурой от замысла до конечного результата. В чем состоит удовлетворение и трудности каждого этапа?
Изначально я должен хорошо представлять себе будущую скульптуру, т.е. то, что я хочу сделать. Тогда я начинаю работу в мягком материале – пластилин, глина. Обычно я параллельно веду несколько композиций, работаю сериями в какой-то одной теме. Законченную работу в пластилине необходимо отформовать (сделать гипсовую форму) для изготовления восковой модели. Восковая скульптура впоследствии отливается из бронзы, проходит детальную механическую обработку, тонируется. Весь процесс трудоемкий, порой занимает несколько месяцев, и автор должен пройти все эти технические этапы создания скульптуры, чтобы донести изначальный художественный замысел до зрителя. И в этом многоэтапном процессе существует множество нюансов, технических и творческих, и автор обязан иметь необходимый опыт, чтобы подружить ремесло и искусство, заставить их идти параллельно, не мешая друг другу, создавая гармонию.
Прокомментируйте какие-нибудь особенности техники или композиции скульптур, представленных на выставке в Хьюстоне, или, может быть, с какой-нибудь из работ связана интересная история, случай? На что обратить внимание?
Все эти работы создавались в разное время, с различным настроением, состоянием, пониманием мною искусства и жизни, но, безусловно, все они – часть меня. Некоторые работы выполнены с обнаженной натуры, иные – созданы под впечатлением танца и балета («Балерина», «Струна», «Полнолуние», «Баллада»). Есть ранние вещи на мифологические сюжеты («Флора», «Даная»). Одна из последних работ, «Чуть не поймал», посвящена теме детства. Серия «Скорпионы» – чистейшая фантазия, стилизованное понимание формы, попытка создать образ острый, сильный, загадочный. Все работы разные, говорить о каждой можно долго, но люди находят в них что-то свое и воспринимают по-своему.
Чем для вас отличается выставка в России и выставка за границей?
Принципиальных отличий нет, язык искусства не требует перевода, общение идет на эмоциональном уровне восприятия. Разница лишь в том, что в России я имею возможность делать выставки намного более полные, развернутые, представлять все самое новое.
О вас достаточно лестно отзывается печать: «Закоморный «заковал» балет в бронзу. Его мастерская наполнена не танцовщицами – танцем…» (Литературная газета); «…трехмерный мир, отчасти фантастический, отчасти современный и понятный нам» (Искусство народов мира); «His sculptures have won critical acclaim…» (Guardian)… Как чувствуется для вас признание других людей?
Мне всегда очень приятны признательность и поддержка совершенно незнакомых людей – это знак моей удачи, определенный показатель моих трудов. Приносить людям радость, дарить добро – для меня огромное счастье. Безусловно, это помогает, вдохновляет, дает силы и указывает на то, что я не зря живу и работаю.
Общеизвестно, что зарабатывать искусством на жизнь проблематично. Многим ли вашим сокурсникам по институту повезло так же, как вам? Какое применение своим навыкам находят остальные?
Конечно, многие люди, с кем я учился, растерялись по жизни. Я не могу сказать точно, кто и чем занят, но могу сказать определенно, что фактор везения совершенно не определяющий не только в области искусства, а вообще в жизни. Почти все решает желание добиться той или иной цели, посвятить свою жизнь какому-то делу. Пожалуй, область искусства не является здесь исключением. Зарабатывать на жизнь искусством, действительно, непросто, и если при этом думать только о заработке, не стоит заниматься искусством вообще – есть более прибыльные занятия. Я не богат, но имею возможность работать по-настоящему творчески, так, как мне это представляется. Не работаю под чью-то диктовку, не нахожусь под чьим-то давлением, не иду на компромиссы, не считаю деньги дороже творческой независимости. Я благодарен судьбе за то, что у меня есть возможность жить и развиваться дальше, кормить семью за счет реализации своих творческих работ. Правда, работать всегда приходилось и приходится очень много.
Были ли у вас конфликты на почве творчества, когда из-за вашего видения вещей вы что-то или даже кого-то теряли в материальной жизни?
Слава богу, жизнь проходит без потерь, и это главное, но всевозможных трудностей, конечно, всегда было немало. Пожалуй, и конфликтов особых не было, но поскольку, как я уже говорил, в искусстве существую самостоятельно и автономно, ни на чью поддержку не привык рассчитывать, и всего добиться самому непросто. В искусстве я опираюсь на реалистические традиции, затрагиваю темы вечные, благородные, близкие и понятные всем людям, стараюсь создавать эмоциональное, человечное искусство, нести доброту – мое творческое видение вполне традиционно, неагрессивно, понятно и близко обществу. Поэтому нередко жизнь меня сводит с хорошими людьми, новыми друзьями, приобретающими мои произведения, дающими мне моральную и материальную поддержку.
Вы живете в Москве, где культурная жизнь бьет ключом, а мы здесь отстаем от российских событий, хотя нам все интересно. Поделитесь какими-нибудь свежими впечатлениями, будь то книга, спектакль, музыка, выставка или что-либо другое, заинтересовавшее Вас в последнее время.
Москва, действительно, – не город, а целая страна, жизнь в которой проносится очень быстро и перенасыщена всевозможными культурными событиями – и спектаклями, и концертами, и выставками, и музейными экспозициями. Везде успеть побывать практически невозможно. Приобрел большую книгу – монографию очень уважаемого мной художника Николая Фешина, кстати, прожившего половину жизни в Америке. В Третьяковской галерее осенью проходила выставка классика нашего искусства Дмитрия Жилинского. Недавно посещал с детьми Оружейную палату Московского Кремля, музей-панораму «Бородинская битва», уникальный дом-музей Виктора Васнецова и не перестаю удивляться, насколько богата Москва уникальными музейными коллекциями и шедеврами культуры.
Но Москва – это еще не вся Россия. Летом в творческой поездке по Сибири посетил свой родной город Новосибирск, где в Новосибирском художественном музее провел выставку и преподнес в дар одну из своих работ. Открыл для себя уникальную деревянную архитектуру старого Томска и сейчас веду переговоры с руководством области о создании соответствующего монумента. В Томском художественном музее принимал участие в III Томской триеннале «Рисунок России», где оставил в дар музею одну из своих графических работ. Много происходит интересного, и творческие планы многообразны. Сердечно приглашаю всех на выставку!!
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ИГРА ВООБРАЖЕНИЯ В БРОНЗЕ И СТАЛИ |
Стройный мост из железа ажурного,
Застекленный осколками неба лазурного.
Попробуй вынь его
Из неба синего -
Станет голо и пусто.
Это и есть искусство.
Давид Самойлов
Выбирая подарок газете и ее читателям к Новому году, я подумала о тех местах Хьюстона, которые дарю всем своим гостям. О многих из них я уже писала на страницах газеты. А эта, относительно новая, украсившая театральный центр города скульптурная группа “In Minds”, все ждала своего часа.
Она появилась чуть более 5 лет назад, после открытия в Хьюстоне в мае 2002 года здания Hobby Center for the Performing Arts, встав на углу улиц Бегби (Bagby) и Уолкер (Walker) так органично и естественно, как будто всегда здесь стояла.
Отлитые в Германии бронзовые фигуры на стальной арматуре прибыли в Хьюстон на корабле из голландского порта Роттердам. При современной технике их доставка и установка никоим образом не были уникальны. Это доказывается, прежде всего тем, что в новостях тех дней о них и не упоминается. Скульптура, что повыше, размером 8,4 на 1,2 метра весит 800 килограмм, а та, что пошире (6,6 на 3,3 метра), - 1,7 тонны.
Эти статуи можно рассматривать долго. Сначала воспринимаешь их как просто ни с чем не связанные абстрактные фигуры, потом начинаешь различать лица, с каждой стороны свое, да и одно ли? Потом приходит ощущение, что в высокой и изящной скульптуре лица, похоже, женские, а во второй - скорее мужские. И начинаешь воспринимать их как гимн женской и мужской половинам человечества. Стоящие рядом, они как бы любуются и одновременно не замечают друг друга. Жизнь, театр, игра…
И становится понятно, почему они были выбраны именно для этого места, почему расположились в театральном районе рядом с театрально-концертными залами.
Автор композиции - один из наиболее знаменитых в мире современных скульпторов Тони Крэг (Tony Cragg), родился в Ливерпуле (Великобритания) в 1949 году. Проработав около трех лет лаборантом, он круто изменил свою жизнь, в 1968 году поступив в Челтнемский институт Gloucestershire College of Art and Design. Затем он учился в Wimbledon School of Art и в Royal College of Art. В 1977 году, после окончания учебы Тони переехал в немецкий город Вупперталь, где живет до сих пор. С 1978 года он преподает в академии Kunstakademie в Дюссельдорфе, в 1988 году получил там звание профессора.
Первые персональные выставки Тони Крэга прошли в 1979 году в Лондоне, Берлине и Гамбурге. С тех пор по всему миру ежегодно проходят выставки его новых работ. И это всегда очень интересно, поскольку он все время новый, неожиданный, не похожий на себя прежнего.
Про него пишут, что он един в ста лицах. И это соответствует действительности. Никто из мастеров не экспериментировал столько с различными материалами. Он начал с конструкций из бросовых материалов, вставляя в свои работы все, что мог подобрать - от домашних обломков и консервных банок до строительных отходов. Затем он перешел к более традиционным материалам - дереву, бронзе, мрамору.
Был период, когда Тони Крэг увлекался воспроизведением в бронзе модифицированной химической посуды -колбы, реторты разных видов и ракурсов своим происхождением явно восходят к периоду лаборантского опыта. Тони уверен, что будущее скульптуры только начинается, что ее потенциал в настоящее время выше, чем когда-либо что у нее все впереди, что язык и формы ее только сейчас проявляются.
Заслуги Тони Крэга признаны во всем мире. В 1994 году он был избран действительным членом Королевской академии искусств Великобритании, в 1996 году получил звание почетного профессора в Будапеште, а в 2001 году - звание профессора в берлинском Hochschule der Kunste, почетное звание доктора Суррейского университета и почетное членство Ливерпульского университета им. Джона Мура. В 1988 году Тони Крэг получил премию Тернера, а в 2001 году - Шекспировскую премию.
Работы Тони Крэга известны по всей Америке. Его работы можно увидеть в Вашингтоне и Чикаго, в Атланте и Миннесоте. Давно знают его и в Техасе. В 1992 году с успехом прошла его персональная выставка в Музее современного искусства Хьюстона, его работы вошли в коллекции Музея современного искусства Форт_Уэрта (”Ball Contact”, 1990), Далласского скульптурного центра им. Нэшера (”Glass Instruments”, 1987 и “Solid States”, 1995), Музея изобразительных искусств Хьюстона (”New Forms”, 1991-1992).
Я не профессиональный художественный критик. Очень многое из творчества Тони Крэга, особенно раннего, оставляет меня равнодушной. Но эти две скульптуры, украсившие центр Хьюстона, с самого своего появления не перестают радовать. И каждый раз, бывая около них, я нахожу в них что-то новое, открываю для себя еще какой-то не уловленный раньше нюанс.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас МОЁ ЗНАКОМСТВО С ВЯЧЕСЛАВОМ ТИХОНОВЫМ |
В течение рабочего дня приходится отвечать на разные телефонные звонки. Всех не запомнишь. Но один звонок я не забуду никогда…
В 11.14 секретарь из приёмной, по прямому, сообщила:
− Вас из Москвы от народного артиста СССР Вячеслава Тихонова…
− ?!.
− Александр Викторович, здравствуйте, я ассистент режиссера. Вячеслав Васильевич прочитал в московском журнале ваш рассказ «Рукавичка» и хотел бы встретиться…
***
Три месяца не складывалось, всё что-то мешало… И вот завтра встреча.
На вечернем перроне дорожная суета. Фиолетовые лучи уличных фонарей высвечивают поток белых хлопьев. Громкие голоса пассажиров и провожающих. Редкий смех. Монотонный голос из репродуктора. Мягкий обильный свежий снег под ногами.
В вагон зашёл перед самой отправкой. Отыскал своё место. Снял верхнюю одежду, усыпанную холодными талыми каплями. Сел к окну.
Какой будет встреча с Вячеславом Тихоновым? Что я о нём знаю?
Что Он − для России?
Вячеслав Васильевич Тихонов − Герой Социалистического Труда, лауреат Ленинской и Государственных премий СССР и РСФСР.
После ухода от нас Михаила Ульянова, Василия Шукшина, Михаила Ефремова, Евгения Леонова, Сергея Бондарчука, Евгения Матвеева трудно среди современников найти ему равного. Вячеслав Тихонов поражал зрителей не только правильными чертами лица, врожденной статью и приобретёнными дворянскими манерами. В отечественном кинематографе он сегодня возвышается настоящим утёсом среди прибрежной гальки, по праву считаясь мастером русского слова, мастером паузы, глубокой мысли и философского молчания.
Мастером Чести.
И всё это − благодаря таланту, щедро дарованному ему Богом.
Можно смело сказать, что роли, сыгранные в фильмах Станислава Ростоцкого «Дело было в Пенькове» и «Доживём до понедельника», Сергея Бондарчука «Война и мир», Татьяны Лиозновой «Семнадцать мгновений весны», − обессмертили Вячеслава Тихонова.
В середине бандитских девяностых годов влиятельный федеральный чиновник посетовал: «Тихонов не участвует в политической жизни страны, как ни уговаривали».
Действительно, народный любимец в одночасье исчез с экранов телевизоров и со страниц глянцевых журналов. Не давал интервью. Не бегал из партии в партию. Не ел с «руки»… Не рекламировал товары личной гигиены, как многие.
Многие, но не все!
Его коллега по цеху Георгий Жжёнов, как раз в те годы, непримиримо бросил с экрана: «Я соломой буду питаться, но в рекламу не пойду!»
Так нужно ли удивляться, что такие мэтры, как Тихонов, отказались залезть в агитационную тачанку и разъезжать с «батькой» в обозе по российскому Гуляй-полю, восседая на ворохе награбленного шмотья…
За десять лет Вячеслав Тихонов своим принципам не изменил. Он и сегодня не выезжает в свет.
Артистам, на мой взгляд, славно удаются только те роли, которые они не играют. Всё решает удачное попадание в свой характер, образ мысли, темперамент. Иногда вопреки оценке режиссёра, как это случилось в киноэпопее «Война и мир» с образом Андрея Болконского.
Автор романа − великий русский писатель Лев Толстой − раскрывает внутренний мир князя Болконского такими словами: «Да, да, вот они те волновавшие и восхищавшие и мучившие меня ложные образы, − говорил он себе, перебирая в своём воображении главные картины своего волшебного фонаря жизни, глядя теперь на них при этом холодном белом свете дня − ясной мысли о смерти. − Вот они, эти грубо намалёванные фигуры, которые представлялись чем-то прекрасным и таинственным. Слава, общественное благо, любовь к женщине, самоё отечество − как велики казались мне эти картины, какого глубокого смысла казались они исполненными! И всё это так просто, бледно и грубо при холодном белом свете того утра, которое, я чувствую, поднимается для меня». Фраза принадлежит литературному персонажу, а мне слышится голос Вячеслава Тихонова.
Чтобы достоверно сыграть положительного героя, нужно быть им.
***
Подъехали к даче в полдень. Погода безветренная, пасмурная и влажная. Не декабрьская.
У входа − указатель на столбе: «Павлов Посад 60, Пеньково 440, Берлин 1750». Это названия населённых пунктов, неразрывно связанных с рождением Вячеслава Тихонова. Рождением биологическим, творческим, надвременным.
Великий затворник встретил меня на веранде. Мы познакомились, теперь уже очно. Сначала я чувствовал себя скованно. На меня, в ожидании подвоха, пристально смотрели глаза человека мудрого, уставшего, повидавшего жизнь.
Может, виной тому неудачно пройденный фэйс-контроль?.. Другим представлялся автор сентиментального рассказа?
Понимаю… Моя собственная жена и то в сердцах сокрушается: «Ты посмотри на себя в зеркало… Посмотрел? Ну, какой ты писатель?!» А один из старшеклассников, побывав на моём творческом вечере в школе, затем в сочинении откровенно признался: «Сперва я подумал, что это зашёл охранник Костюнина, а потом оказалось, что это сам писатель и есть!»
Что послужило причиной настороженности в данном случае, не знаю, да это и не важно. Главное − «холод» держался недолго.
Я подарил свой сборник «В купели белой ночи». Кратко рассказал о себе.
Со стороны ворот послышались весёлые голоса. Вячеслав Васильевич оттаял:
− Мои внуки возвращаются, − произнёс он, сделав заметное ударение на слове «мои».
По тропинке, довольно раскачиваясь в такт собственным шагам, шли два карапуза в одинаковых комбинезонах в сопровождении мамы. Первый, поднялся на несколько ступенек вверх по крыльцу, увидел меня. Остановился в нерешительности. Затем, не сгибая ног, согнулся пополам, и стал пальчиком ковырять ботик, едва не касаясь его при этом своим розовым носиком-кнопкой.
− Это мы так стесняемся, − с улыбкой произнёс довольный Вячеслав Васильевич.
Мальчуганы-близнецы облепили деда и стали на языке, понятном только посвящённым, рассказывать об утренней прогулке. Меня они тоже приняли в свою компанию. Я посадил себе на колени Георгия, а Славик остался на коленях у дедушки. Или наоборот.
Потискавшись с дедом, потеревшись накоротке родными душами, мальчишки пошли заниматься дальше по распорядку. Мы остались вдвоём.
− Саша, я прочитал твой рассказ «Рукавичка», он мне очень понравился. В судьбе киноактера многое зависит от режиссера. Но без драматургии нет настоящего кино. Полонский написал прекрасный сценарий о школе. Очень смелый по тем временам. И готовый фильм долго не выпускали. Всё требовали что-то выбросить, перемонтировать. Гавриил Николаевич Троепольский написал добрую повесть о собаке. Он жил в Воронеже, никогда не рвался ни в какие президиумы. Простой, порядочный, очень талантливый, мудрый человек. «Белый Бим…» − это ведь не только о собаке. Это разговор о людях, о жизни. О том, что каждое живое существо индивидуально и нельзя судить всех по одним стандартам. Лев Толстой – отдельный разговор. Мне близки поступки князя Андрея. Его нравственные искания. Помнишь разговор Пьера и Андрея на пароме? Перечитай.
Вячеслав Васильевич говорил, и мне с ним было легко и понятно. Он делал паузы, что-то вспоминал, воскрешал в памяти:
− А помнишь, образ дуба… Человек не сразу начинает понимать жизнь, он проходит через страдания. В твоём рассказе есть глубина, есть второй и третий план, есть чувства. Это хороший материал для сценария. Не переживай, если он понравится не всем. Те, кому не понравится, пусть идут «на тусовку», как сейчас любят говорить. Там не нужно ни думать, ни сопереживать. И твой рассказ «Орфей…» тоже сильный. Я сам не охотник и никогда им не был. А всё почему… Однажды в детстве мы с ребятами не нашли, чем занять себя, и я взял из дому духовое ружьё. Пошли ватагой к Клязьме. Идём по тропке, смотрю: на берёзе стая воробьёв. Сидят себе, весело чирикают. Я вроде и не сильно целился, взял и стрельнул в центр стаи. И оттуда, сверху, прямо мне под ноги свалился маленький воробышек. Крылышки опущены, на боку перья взъерошены. Капелька крови на клювике… Я гляжу на него сверху вниз и думаю: «Зачем?» Так жалко стало… И стыдно.
Вячеслав Васильевич закурил, а я, воспользовавшись паузой, попросил разрешения сделать несколько снимков на память.
− А что я должен делать для этого?
− Вы продолжайте рассказывать.
− Ну, хорошо, тогда слушай. Всё, чем обычно занимается человек в повседневной жизни, не стоит того. Главного мало. И его не сразу выделишь. Князь Андрей это «главное» для себя заметил только после Аустерлица, «то высокое, вечное небо»…
Мы о многом ещё успели поговорить.
На прощанье Вячеслав Тихонов подарил мне открытку с автографом, на которой изображены персонажи сыгранных им всенародно любимых киногероев, и пожелал, пожимая руку, дальнейших творческих успехов.
Этот насыщенный, откровенный, доброжелательный разговор с Мастером теперь нужно спокойно и всесторонне осмыслить. На это могут уйти даже годы. А вот пожелание «творческих успехов», как нельзя более кстати уже сейчас.
Направляясь к машине, я невольно обратил внимание на небо. Тучи шли высоко, их порядок смешался, расстроился, появились голубые окна. Окна двигались плавно, как отходящий от перрона курьерский поезд, и через них мне ободряюще подмигивало вечное солнце.
***
Восьмого февраля 2008 года народному артисту СССР Вячеславу Васильевичу Тихонову исполняется 80 лет.
В этот день я пожелаю ему счастья, любви, здоровья! Пусть небо над ним всегда будет высоким, вечным и безоблачным.
Если вы или ваши друзья хотите поздравить Вячеслава Тихонова в день рождения, присылайте свои обращения по адресу kostjunin@karelia.ru с обязательным указанием в теме «Для Вячеслава Васильевича Тихонова».
От вашего имени они будут вручены юбиляру.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ПРИЗРАК БРОДИТ ПО АМЕРИКЕ, ПРИЗРАК ЩЕЛКУНЧИКА |
Даже люди, далекие от балета, в Рождество превращаются в балетоманов. На спектакль ходят семьями из года в год. Поход в театр превратился в ритуал. Каждая, даже самая заурядная труппа, считает своим долгом поставить «Щелкунчика». По большому счету, танцы уже не важны. Главное - визуальный ряд. Главное, чтобы елка росла, снег падал, солдаты маршировали. Но мы-то хотим настоящего сказочного действа - классического балета! И что же идти смотреть, как не русский балет.
Труппа «Московский балет» в пятнадцатый раз прокатывает своего «Щелкунчика» по более чем 90 городам Америки. «Московский балет» - коллектив, специально созданный для американских гастролей. Само название спектакля: Great Russian Nutcracker, во-первых, подчеркивает рекламность, а во-вторых, некую аутентичность проекта. Дескать, вот это - самый великий из русских «Щелкунчиков». Руководители труппы - балетмейстеры Владимир Трощенко, бывший партнер народных артисток СССР легендарной Надежды Павловой, Людмилы Семеняки и Галины Мезенцевой, и Анатолий Емельянов - Лауреат премии Дягилева. Они бережно хранят традиции русского классического балета, не позволяя экспериментов, и, благодаря этому, успешно держатся на плаву уже 15 лет.
Состав исполнителей включает танцоров из Перми, Киева, Вагановского училища и Московской Государственной Академии хореографии. Солисты: Мария Макаренко, Екатерина Бортякова, Дмитрий Завалевич, Акжол Мусаханов.
Критики вовсю хвалят «Щелкунчика» и хором говорят, что постановка 2007 года превзошла все предыдущие. Особенно им приглянулись наивные декорации в стиле Таможенника Руссо и занавес с изображением райских птиц и единорогов, созданные художником Валентином Федоровым.
Слово за вами, дорогие зрители!
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас СТРАСТИ ПО КАРМЕН |
Если вы следите за гастрольной афишей, то согласитесь, что любителей балета она в этом сезоне радовала и продолжает приносить приятные сюрпризы. Пускай нечасто, но в город все-таки приезжают российские танцовщики.
В первых числах февраля в Хьюстон пожалует Санкт-Петербургский Государственный академический театр балета имени Леонида Якобсона. К сожалению, на американской гастрольной афише значится лишь театр балета Санкт-Петербурга – и ничего больше.
В наши дни многие гастрольные труппы, где выступают танцовшики из России, называют себя «Московский балет», «Балет Санкт-Петербурга», а кого именно они представляют – поди разбери. В Санкт-Петербурге работают 4 академических балетных театра: Мариинский, Михайловский, имени Якобсона и балет Эйфмана. И если слово «академический» в сочетании с балетной труппой в американском варианте означает, что при труппе есть своя балетная школа, то в российском – это говорит о высоком мастерстве коллектива. В данном случае, к нам едет балет Якобсона, и истинным любителям это скажет многое.
Труппа была основана в 1966 году профессором, известным танцовщиком и балетмейстером Петром Гусевым. Но прославился балет во времена Леонида Якобсона, который пришел на смену Гусеву в 1969 и руководил труппой до конца своей жизни (1975 год). При нем труппа получила название «Хореографические миниатюры» по названию спектакля, поставленного великим хореографом в 1958 году.
Наверняка, многие помнят оживающие на сцене античные статуи, образы музыки и живописи и, конечно же, скульптуры Родена. Огюст Роден был одной из постоянных творческих привязанностей мастера. В полнометражных балетах Леонида Якобсона сочетались героика и лирика, сатира и юмор, отзывались героические легенды прошлого и необузданная экспрессия наших дней. Наиболее известные из созданных им балетов: «Шурале», «Спартак», «Клоп», «Ромео и Джульетта».
Майя Плисецкая, которая исполнила роль Фригии в якобсоновском “Спартаке”, вспоминала, как хореограф заставлял ее по сотне раз повторять каждое движение: “Танцевать в римских сандалиях, ставить ноги прямо, не выворачивая носки наружу и танцевать на носках, хотя нас всегда учили разворачивать ноги и не вставать на носки. Якобсон ставил каждое движение, вплоть до отдельных нот, так что за минуту приходилось делать около пятидесяти па. Твои ноги делают одно, руки - другое, голова - что-то совсем другое, но все это связано общим стилем”. Когда Якобсон загорелся идеей поставить балет “Клоп” по Маяковскому на музыку Шостаковича, композитор разрешил Якобсону любые эксперименты с музыкой! Хореограф вставил в партитуру старинные романсы и даже еврейскую песню “Хава нагила”, что окончательно вывело из себя чиновников.
Хореограф–реформатор, Якобсон создал театр, в котором каждый артист мог стать солистом. Он сам говорил так: «Все они настоящие, глубокие и очень тонкие профессионалы. И главное – умеют говорить на языке хореографии. Тысячи людей заканчивают балетные школы и прекрасно танцуют, но говорить на языке танца редко кто умеет. Наши артисты это умеют».
Практически каждый балет Якобсона перманентно травили, соревнуясь в цветастой демагогии. Номер “В порту” по Мопассану заклевали на основании “Зачем советским людям показывать проституток?”. Балет “Двенадцать” (по Блоку) запрещали 4 раза. Миниатюры по скульптурам Родена отменяли: они разлагают молодежь. Трико телесного цвета приказали сменить на платье - так целомудреннее. Обвинения в эротике - общее место нападок на Якобсона. Хореограф и в самом деле разбавлял горячей телесной энергетикой пресное болото так называемой “советской современной хореографии”. (Не случайно Игорь Кон в недавно вышедшей книге про мужское тело в культуре специально отмечает Якобсона и его роденовский цикл, где царило “обнаженное и страстное тело”).
В 1976 году, после смерти Леонида Якобсона его преемником стал Аскольд Макаров, который приложил все усилия, чтобы сохранить созданное Якобсоном.
Но также Аскольд Макаров обращался и к творчеству других балетмейстеров -экспериментаторов: многие известные во всем мире хореографы сотрудничали с театром: Георгий Алексидзе, Леонид Лебедев, Константин Рассадин, Александр Полубенцев, Наталья Волкова, Дитмар Зейфферт, Анн Хатчинсон, Ласло Шереги, Павел Шмок.
В мае 2001 года, после смерти Aскольда Макарова, пост художественного руководителя занял Юрий Петухов – премьер театра оперы и балета им. М. П. Мусоргского, известный балетмейстер, народный артист России, лауреат Государственной премии России, лауреат всесоюзных и международных конкурсов. Юрий Петухов получил широкое признание в балетном мире как талантливый, блестящий танцовщик и хореограф.
С приходом Юрия Петухова в афише театра появились новая редакция балета «Щелкунчик», хореографическая миниатюра «Танец с саблями», одноактный балет «Итальянское каприччио», балет по мотивам новеллы П. Мериме «Дон Хосе. Страсти по Кармен», трагедия «Ромео и Джульетта», балет-сказка «Шехеразада».
Юрий Николаевич считает, что в театре необходимо поддерживать три главных направления.
Это, во-первых, сохранение наследия Леонида Якобсона - прежде всего, его миниатюр. Знаменитый хореограф создал 180 миниатюр. С разрешения вдовы Леонида Вениаминовича театр реставрирует балеты Якобсона. За восстановление балета «Свадебный кортеж» в 2003 году театр был удостоен Национальной театральной премии «Золотая Маска» в номинации «Наследие», а в 2004 г. балеты «Клоп» и пять хореографических миниатюр были номинированы на Высшую театральную премию Петербурга - «Золотой Софит».
Во-вторых, развитие классического направления, так как труппа представляет из себя классический балет, и именно билеты на классические спектакли, такие как «Лебединое озеро», «Жизель» и «Щелкунчик» раскупаются с наибольшим успехом.
И третье направление - постановка новых современных балетов. У Юрия Петухова на счету множество собственных постановок. Среди них балет по мотивам новеллы П. Мериме «Дон Хосе. Страсти по Кармен», трагедия «Ромео и Джульетта», балет-сказка «Шехеразада».
В этом году труппа совершает большое турне по Соединенным Штатам и везет «Ромео и Джульетту», «Лебединое озеро», а к нам в Хьюстон «Дон Хосе. Страсти по Кармен». Хореограф поставил совершенно другой балет, никак не связанный с балетом Алонсо «Кармен сюита». Спектакль Петухова посвящен не Кармен, а Хосе, который из-за страстной любви превратился в серийного убийцу. Две героини балета — полярны: Микаэла, возлюбленная Хосе, олицетворяет чистоту чувств и самоотверженность любви, Кармен — эгоцентризм страсти, поглощающей разум. По ходу действия эти антагонистические образы то и дело будут сливаться в сознании героя в единый противоречивый лик любви. Хореограф смело смешивает жанры: триллер, шоу, трагедию.
В спектакле звучит музыка Бизе в интерпретации Игоря Пономаренко и практически нет Шедрина. К сожалению, на гастроли невозможно привезти оркестр, будет звучать фонограмма.
Юрий Петухов считает, что любовь – это то чувство, которое держит весь мир. Именно о любви все его балеты. Язык любви понятен всем, приходите на спектакль, и вы с ним согласитесь.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ОСТИН. 28 АПРЕЛЯ. «ЛЁД» |
28-го апреля в Остинском книжном магазине BookPeople (S. Lamar Blvd) состоялась встреча русского писателя Владимира Сорокина с читателями, при участии известной переводчицы художественной литературы Мэриэн Шварц. Поводом послужило издание в США романа В. Сорокина «Лед» в переводе Джэйми Гэмбрэлл. На втором этаже магазина перед небольшим возвышением с двумя креслами, микрофоном и колонками на складных стульях расположились двадцать-тридцать интересующихся. Писатель начал встречу с чтения фрагмента из своего более раннего романа «Голубое сало».
Владимир Сорокин: Книга об альтернативной истории России, т.е. что могло бы быть в России в 20-м веке, но не случилось. Эта часть – описание громадного концерта для советского правительства, и один из номеров этого концерта – выступление персонажа, которое я буду читать. Этот человек обладает уникальным голосом, но болен не менее уникальной болезнью: у него размягчение костей, и он может жить только в ванной, заполненной специальной жидкостью. Он сочиняет уникальные баллады, которые гипнотически действуют на публику и доводят ее до экстаза.
Сейчас я исполню одну из этих баллад, чтобы вы почувствовали русский язык и этот жанр. (Читает с былинной интонацией). «Ах, как зимним утром да январским постучалися мне в дверь стальную, я ни жив, ни мертв лежу, безответный…» (Через минут пятнадцать – аплодисменты). Долго можно пересказывать, о чем он пел, но я надеюсь, что когда-нибудь «Голубое сало» выйдет по-английски. Этот роман уже переведен на немецкий, французский, шведский и прибалтийские языки.
Человек, побритый наголо: Was that the book that caused all the protests in Moscow?
ВС: Да.
ЧПН: I thought that was great that a book can cause such emotion, which means it must be a great book.
ВС: Она вызвала не только протест, но и уголовное дело, которое я, можно сказать, выиграл.
ЧПН: Sorry to hear that… Any book that causes people to think is a good book.
ВС: Обычно так и бывает. У каждого общества есть некий культурный желудок, который привыкает к определенной литературной пище. Если вдруг в него попадает что-то острое или слишком соленое, то первая реакция, это… (иллюстрирующий жест) vomit. Так было и с «Лолитой» Набокова, и с Берроузом, и с разными писателями. Но проходит время, и желудок начинает переваривать острые вещи. Это нормальный процесс: он способствует здоровью общества. Если литература будет лишь похожа на porridge, то это не будет способствовать хорошему настроению, потому что porridge мы имеем в жизни.
ЧПН: Obviously you’ve been redeemed because you achieved international acclaim. So your work has been recognized.
ВС: Ну… I am not a young man… (смех)
Молодая женщина из первого ряда: Why do you think it has not been translated into English but those languages?
ВС: Good question, but not for me… Если говорить серьезно, то «Ice» – я считаю, очень понятная и интернациональная книга. Недаром она уже переведена на восемнадцать языков. А «Голубое сало» – очень русская книга, и для того, чтобы ее понимать, надо знать, какую роль русская литература играет в жизни. Дело в том что русская литература – это как бы русский брэнд, как русская водка, автомат Калашникова или черная икра. Достоевский-Толстой-Пушкин – для нас, русских, больше чем просто писатели, поэтому в России такое трепетное отношение к русской литературе. Для многих людей это священная корова. А в этой книге я как раз снимаю кожу со священной коровы. Это трудно понять западному читателю.
Marian Schwartz, translator: I also have an opinion why. It would be a killer to translate because he’s got language that involves Chinese and English so there’s a good deal of language inventiveness.
Кудрявая девушка: Which of your works is your favorite; you are the most proud of?
ВС: Наверное, последняя книга все-таки. Я пять лет работал над «ледяной» трилогией. Вы держите в руках лишь первую часть. Я надеюсь, что через год выйдет большой том, где все будет вместе, и тогда я приеду и буду гордиться. (Смех).
ВС: Можно к вам вопрос? Кто из русских писателей вам наиболее интересен?
Из публики: Nabokov! – Bulgakov! – Dostoyevsky! – Pelevin! – Gogol is good!
Человек в бейсболке: I am just curious to know. I believe that you have written screen plays as well as novels. How do you see the difference between the two? Which requires more of you?
ВС: Дело в том что я люблю оба жанра. Это очень разные работы и – разные задачи, когда работаешь. Если я устаю от прозы, которая – тяжелый лошадиный труд, я ныряю в написание сценариев и получаю удовольствие от этого. Романы пишешь для себя, сценарий – это часть коллективного проекта. Это как бы создание корабля, и ты должен понимать, что работаешь в команде, и цель – создать корабль, который поплыл бы. Это требует определенной литературной пластики. Именно поэтому не все писатели могут писать сценарии.
Студентка с деревянной прищепкой в руках: По вашему сценарию был поставлен фильм «Четыре». Вам понравилась работа режиссера?
ВС: Из моих шести сценариев экранизировано три. Ни одна экранизация до конца меня не удовлетворяет. «Четыре» получился, в общем, хороший фильм, но у меня претензии к финальной части. Она могла быть короче, что лишь улучшило бы фильм.
Человек в бейсболке: I was wondering if you could say anything about other writers who had also come under attack…if you see any sort of connection between your work and theirs, other than the fact that they’ve been attacked.
ВС: Наверное, мы одинаково чувствуем время. Такие люди часто попадают в болезненные места общества… Дело в том что в советское время власть сделала из писателя своего послушного слугу. Было написано столько лживых и фальшивых романов, что мне очень захотелось это все взорвать и как бы расчистить место. Эти взрывы, а теперь – их эхо, собственно, и вызывают негативную реакцию.
Кудрявая девушка: What kind of implications do you see censorship in Russia having on Russian society?
ВС: Мы говорили об этом целый час вчера. (Накануне в Техасском университете в Остине состоялась беседа «Literature and Censorship in Putin’s Russia»). Это большая тема. Есть попытки в России вернуть цензуру, но я надеюсь, что этого не будет.
Молодой человек в очках: I’ve read an article recently in the New-Yorker and it was talking about Vladimir Putin and a string of assassination of journalists in Russia, Anna Politkovskaya, I think, one of them. And I guess I’m wondering if that’s what you’re referring to.
ВС: Люди, которые сейчас управляют Россией, в основном, хотят одного: вернуть пирамидальную систему подчинения. Построить если не тоталитарное общество, то авторитарное. Учитывая, что во власти очень много людей, которые начинали работать в КГБ молодыми людьми, у них определенная ментальность. Они не демократы, по определению. Практически телевидение и печать у нас уже подконтрольны власти. А журналисты, которые активно сопротивляются, подвергаются не только давлению, но иногда и физическому уничтожению.
Молодая женщина из последнего ряда: Есть такое мнение, что русские люди не могут жить без сильной власти. Как вы к такому мнению относитесь?
ВС: Я русский человек… Я думаю, что у нас достаточно людей, которые не хотят повторения советского общества. Я верю в этих людей. Но не все так просто, не все так просто… О’кей. Я не встретил ни одного американца знакомого, который мне бы сказал, что ему нравится мистер Буш, ваш президент… (смех)
Marian Schwartz: You won’t see one here either!
ВС: … но этот человек почему-то управляет Америкой. Учитывая, что у России гораздо меньше опыт демократии, чем у вас, то у нас все происходит гораздо сложнее.
Студентка с деревянной прищепкой: Читая ваши книги, книги Пелевина… Вчера вы сказали, что литература – это отражение времени, настоящего, да? Когда я читаю Достоевского, я читаю: «красота спасет мир». Он видит в чем-то спасение. Для вас есть спасение для русского человека и, если есть, то в чем вы его видите?
ВС: А вы верите, что красота спасет мир, ммм?
Студентка: Не знаю… Не то что мир… Меня интересует Россия, потому что, читая ваши книжки, я вижу детали, и становится грустно.
ВС: Я не даю никаких рецептов. Я лишь пытаюсь отразить состояние людей и общества. Я думаю, что спасение надо искать не в литературе, безусловно, а в… for example, in love, да? Что такое литература? – Это бумага, покрытая типографской краской, а спасение – в живых людях, в живых чувствах, мне кажется. Но литература – это то что нам помогает не задохнуться от этих чувств. То что помогает нам видеть себя с затылка. Потому что мы каждый раз утром, когда чистим зубы, видим себя в зеркале и нравимся себе. Но если бы мы увидели себя с затылка, я думаю, что мы бы по-другому себя вели по отношению к другим людям. Литература, на мой взгляд, помогает нам это сделать. Если человек хочет, чтобы литература была сладкой конфетой или уютным креслом, то о’кей, но мне кажется, что это не спасение. Именно поэтому современная литература, честная современная литература, и есть такая жесткая. Вот я купил сегодня в этом магазине книгу… (показывает)
Marian Schwartz: He is selling somebody else’s book! (смех)
ВС: Это замечательный писатель, но очень жесткая литература.
Человек, побритый наголо: What’s that?
MS: «Glamorama» by Bret Ellis.
ВС: Я думаю, что спасение – в честной позиции писателя по отношению к миру.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ЖИВОТНЫЙ МАГНЕТИЗМ И ЯЗЫЧЕСКИЕ СТРАСТИ |
Как бы ни любили мы классический балетный репертуар, все-таки иногда хочется чего- нибудь этакого, смелого, авангардного…
И на наше счастье, хьюстонскому балету в этом сезоне есть что показать. Представление под названием Animal Magnetism (“Животный магнетизм”). Именно так, а не иначе перевела бы я название представления, и позднее вы поймете, почему.
Представление объединяет три спектакля: «Карнавал животных» на музыку К. Сен-Санса (постановка Кристофера Вилдона), “Clear” на музыку И.С. Баха (постановка Стантона Вэлча) и «Свадебка» на музыку И.Стравинского (постановка Иржи Килиана) - дань уважения великому русскому композитору, 125-летие со дня рождения которого отмечается в этом году.
«Карнавал животных» - балет-фантазия молодого британского балетмейстера Кристофера Вилдона на простой и трогательный сюжет: мальчик Оливер засыпает в American Museum of Natural History. В его снах все перепутывается, и люди из реальной жизни принимают облик животных: его школьный учитель превращается во льва, у одноклассников вырастают крысиные хвосты, школьная медсестра вальсирует в образе слонихи, библиотекарша мечтает из кенгуру превратиться в русалку, тетя Оливера предается воспоминаниям и исполняет знаменитый танец лебедя.
Партитура Сен-Санса известна как своеобразный путеводитель по инструментам симфонического оркестра (каждому характеру соответствует свой музыкальный инструмент). Одно из любимейших произведений в репертуаре концертов для юношества, «Карнавал животных» несет яркую образовательную функцию. Думаю, то же самое можно сказать и о спектакле Вилдона. Его забавная и по-детски беззаботная постановка открывает для юных зрителей мир классического балета.
Хьюстонскую премьеру балета Стантона Вэлча, художественного руководителя балетной труппы, думаю, зрители ждут с нетерпением. Балет “Clear”- aбстрактная композиция для восьми мужчин и одной женщины. Этот спектакль - своеобразная реакция художника на события 11 сентября 2001 г.
«Что объединяет людей в дни трагических потрясений? Что становится наиболее важно? Для меня это любовь и семья. В моем балете «Clear» женщина приносит чистоту в мир мужчин. Она олицетворяет те силы, которые ведут человека к истокам, к дому, прочь от хаоса», - говорит о своем замысле С. Вэлч. Хореограф сочетает в своей постановке классическую технику и современный стиль. Критики отмечают академичность «Clear» в значении естественности и глубины воплощения. Несомненно, выбор музыки не случаен. Музыка И.С. Баха сама по себе является синонимом гармонии и стройности композиции.
«Свадебка» (Le Noces) явилась кульминацией «русского» периода творчества И.Ф. Стравинского. Долгая работа над произведением проходила в Европе, и премьера состоялясь в 1923 г. в Париже в рамках Русских сезонов Сергея Дягилева. Авангардная постановка «Свадебки» (совместное творение Стравинского, балетмейстера Брониславы Нижинской и художницы Натальи Гончаровой) произвела эффект разорвавшейся бомбы. Новым и неожиданным было выворачивание наизнанку классической балетной традиции и использование опыта русского авангарда 1910-1920-х годов, кубизма и конструктивизма, а также трактовка фортепиано, как ударного (!) инструмента.
«Свадебка» Игоря Стравинского, несомненно, одна из культовых партитур ХХ века. Жанр ее определяется как «хореографические сцены с пением». Это новый тип музыкального спектакля, установленный Стравинским. В балет вводится пение, музыкальное действие поясняется речевой декламацией, причем, функции танца и пения равны. Действующие лица деперсонифицированы, то есть совершенно обезличены, например, роль жениха исполняет солист - танцор на сцене, а также певцы в хоре - то тенор, то бас, то двухголосный мужской хор. И все они играют одну и ту же роль!
Сюжетная линия пьесы раскрывает ход свадебного обряда, начиная с традиционного расплетания косы, плача невесты, и заканчивается буйным хмельным застольем.
Вековая драма русской свадьбы и экзотический язык Стравинского привлекли хореографа Иржи Килиана еще в 1982 г. Его спектакль «Свадебка» давно стал известным всему миру.
Сам родом из Чехии, Килиан глубоко проникает в ритуальное славянское сознание. Его творение окрашено в драматические краски. Языческое кипение страстей и христианстианская обрядовость, национальный колорит и личное прочтение музыкальной партируры - все в этом спектакле.
Теперь - к общему названию спектакля. Известно, что термин «животный магнетизм» употреблял врач Ф. Месмер применительно к гипнозу. Думаю, что-то похожее имели в виду создатели этого действа - заворожить зрителя, привести в восхищение и уж, точно, не оставить равнодушным.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФЕСТИВАЛЬ-ИНСТИТУТ В РАУНД-ТОПЕ ОТКРЫВАЕТ 37-Й СЕЗОН |
Ни для кого не секрет, что ежегодный летний фестиваль в Раунд-Топе - один из крупнейших в Штатах фестиваль камерной и симфонической музыки. 37-ой сезон по традиции открывается в живописнейшем месте – на просторах Фестивального холма в окрестностях Раунд-Топа в обновленном 1000-местном концерт-холле, грандиозным гала-концертом в субботу 9 июня и завершается в субботу 14 июля заключительным гала-концертом. Программа фестиваля включает оркестровые концерты, концерты камерной музыки, тематические музыкальные вечера и мастер-классы, проводимые преподавателями Фестиваля-Института.
Техасский фестивальный оркестр соберет в этом сезоне исполнителей из 14 разных стран и 25 штатов в общей сложности из 35 различных консерваторий, колледжей и университетов со всего мира. Каждую субботу оркестр будет выступать под управлением таких дирижеров как Паскаль Верро, Григорий Вайда, Михаэль Гюттлер, Эммануэль Ледюк-Баром (кстати, воспитанник Петербургской школы), Чарльз Оливьери-Монро и Грант Левеллин (музыкальный руководитель знаменитого общества Генделя и Гайдна). Дополнительные представления включают концерты юных исполнителей во вторник 19 июня и в пятницу 22 июня (дирижер Дэниель Миссик). Ожидается, что наибольший интерес вызовет «Патриотический концерт», который состоится в воскресенье 1 июля (оркестр под управлением Лоренса Айзаксона).
Обширна программа работ, представленных юными дарованиями - от стандартного репертуара до произведений, исполняемых редко: среди прочих опера «Замок герцога Синяя Борода» Белы Бартока (в главных партиях сопрано Кристина Забо и баритон Иштван Ковач), «Адажио для струнных» Гийома Ликё, «6 багателей для квинтета духовых» Дьёрдя Лигети, «Рождественская симфония» Кшиштофа Пендерецкого, «Концерт для духовых» Франка Мартена и «Большая партита» Вольфганга Амадея Моцарта.
Часть мероприятий открыта для бесплатного посещения. Следите за календарем.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас «ХОАКИН МУРЬЕТА» 30 ЛЕТ СПУСТЯ |
Музыкальному спектаклю «Звезда и Смерть Хоакина Мурьеты» недавно исполнилось 30 лет. Сочинение композитора Алексея Рыбникова и поэта Павла Грушко, в основе которого лежит драматическая кантата Пабло Неруды, для многих является культовым произведением, шутка ли - первая русская рок-опера! Драматическая история о легендарном разбойнике времен Золотой лихорадки получила воплощение в различных формах - сначала появился альбом, потом знаменитый спектакль театра «Ленком», потом кинофильм. А сейчас и балет! И не где-нибудь, а у нас, в Техасе.
Балетмейстер Александр Ветров, художественный руководитель Metropolitan Classical Ballet, представляет премьеру своего балета «Хоакин Мурьета».
- Александр, когда возник замысел поставить балет?
- Года 2 назад. Тогда в Москве, на «Горбушке» купил CD «Мурьеты», страшно обрадовался. Раньше в ходу были только виниловые диски, а в Америке проигрыватель практически не найти. В свое время эта музыка произвела на меня ошеломлящее впечатление, сравнимое только с «Jesus Christ Superstar».
Я начал переговоры с композитором Алексеем Рыбниковым и либретистом Павлом Грушко. Будучи людьми творческими, они заинтересовались проектом и очень поддержали меня. Павел Моисеевич, который сейчас живет в Бостоне, должен приехать на премьеру спектакля.
- Для балета Вы оставляете весь музыкальный материал, без купюр?
- Без купюр и даже с некоторыми шумовыми дополнениями, например, шумом прибоя.
Музыкального материала оказалось достаточно для двухактного спектакля длительностью в 1 час 10 минут.
- Чем отличается Ваша постановка от того старого ленкомовского спектакля?
- Как ни посмотри, «Хоакин Мурьета» - произведение об эмигрантах. Я несколько изменил концепцию, переставил акценты. У меня это больше спектакль о любви и ненависти.
- Остались ли теми же главные герои пьесы?
- В общем, да. Актер, играющий роль Смерти и Предводителя местных, исполняет еще и третью роль - Капитана корабля. Есть еще друзья Хоакина - Трехпалый и Заика. Балетными средствами изобразить заику сложно: с одной стороны, потребовались бы какие-нибудь движения с прихрамыванием, а с другой - не хочется показывать танцора в неприглядном свете. Вот и остались просто два друга Хоакина, без имен.
Ну и, конечно, главная женская роль - Тереза и ее воплощение - Звезда.
Но в целом спектакль получился мужской, темпераментный- суровые схватки, оружие в ходу. Главную роль исполняет замечательный танцор, Анатолий Емельянов, который недавно получил орден Дягилева.
- Ваша труппа славится трепетным отношением именно к классическому репертуару, а тут, вдруг рок-опера - жанр, требующий современных форм воплощения…
- На самом деле, здесь достаточно лирических сцен, дуэтов, где я оставил классическую хореографию. В основе массовых сцен, таких как «Таверна-заваруха» лежат ковбойские народные танцы, в схватках - элементы карате, трюковые вещи, сцена «Золотая лихорадка» - модерн. В танце Смерти присутствует гротеск. Смерть танцует не в одиночестве, а с «ассистентками» - тремя девушками с косами.
- Как Вы думаете, будет ли спектакль понятен американскому зрителю?
- Понятен будет по многим соображениям. Во-первых, поэзию Пабло Неруды изучают в американских университетах. Во-вторых, Хоакин Мурьета - мифологический герой, который во многом ассоциируется с Зорро - образ понятный. То, как американцы представлены в спектакле, тоже довольно правдиво: Дикий Запад, Золотая лихорадка, первые поселенцы, почти все как один – бандиты. Все это часть американской истории, об этом все знают. Мы сделали перевод на английский поэмы Павла Грушко, и если зритель прочитает текст перед спектаклем - многое прояснится.
Для меня есть вещи, на которых время останавливается, которые вечны. «Звезда и Смерть Хоакина Мурьеты» - одна из них.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
#texas #техас ИНАЯ СТОРОНА ПОРТРЕТА |
«Зеркало и маска: портретизм в эпоху Пикассо» в Kimbеll Art Museum – блестящее собрание лучшего, что было создано в жанре портрета за целый век. Выставка приехала к нам из Мадрида, где имела ошеломляющий успех. Не только любители Пикассо, Ван Гога, Модильяни, Климта и Сезанна имеют возможность лицезреть произведения мастеров, но и специалисты не устают говорить о выставке как о первом и единственном наиболее глубоком исследовании портретуры в искусстве 20 века.
Более 100 портретов и целый ряд скульптурных работ дают возможность проследить развитие жанра портрета на рубеже двух прошедших веков. Временные рамки исследования определены 1890-1990 годами, где революции, мировые войны, последующее медленное и трудное возрождение не могли не отразиться «в» и «на» художественной жизни Европы и Америки.
Время требовало новых технических, эстетических и психологических решений. Такие решения и отражены в тематических разделах выставки: «Перед зеркалом» - серия автопортретов, взгляд в себя – как у Ван Гога, Гогена и Эдварда Мунка. Или же, наоборот, взгляд на себя – демонстрация жестов, игра лицом – как у Эгона Шиле и Оскара Кокошки. «Современный цвет» - интерпретация цвета как символа, несущего информацию, смысл, настроение. Ван Гог впервые ввел цвет как равноправный, наряду с лицом, элемент портрета. Это по сути и явилось признаком трансформации жанра от парадного, облагороженного заказного портрета к выражению характера героя. «Портрет почтальона» Ван Гога - праздник желтого и синего, и, оказывается, это не только прерогатива в изображении его знаменитых пейзажей, но и человеческих лиц.
Следующий раздел – «Разбитое зеркало» - портреты кисти Пикассо и Северини в стиле кубизма. Как в осколках зеркала – лица, руки, предметы интерьера – разноцветная мозаика, где целостность деталей и законченность видеоряда изначально не предусмотрена. «Сны и кошмары» - сюрреалистические эксперименты внутри жанра портретуры. Символизм и метафора – принципиальные вещи в работах Хуана Миро и Сальвадора Дали. Лицо на портрете абстрактно и, даже обладая конкретным именем, искажено до неузнаваемости, да и не обязательно вообще. «Человеческая глина» - обнаженная натура. В отличие от древних, где тело являлось символом жизни, наслаждения, продолжения рода, в 20 веке тело человека несет на себе нагрузку незащищенности и одиночества.
Неожиданным среди остальных кажется раздел «Портрет общества». В какой-то мере, удачнее было бы назвать его «назад к традициям». Портрет в реалистической манере, классическая техника рисунка, реальные лица конкретных людей – портрет Ольги, жены Пикассо или послевоенная работа «Девушка с розами» Люсьена Фрода, немца по происхождению, британца по проживанию. Это период между войнами и сразу после них, когда становится не до эстетических исканий и модных течений.
Наиболее поздний период 20 века представлен работами Энди Уорхола – его «теневые портреты», так непохожие по манере на его коммерческие работы в области рекламы и торговли.
Экспозиция «Зеркало и маска» привезла не только всеми известных выше перечисленных мастеров живописи. Устроители выставки – испанский музей «Тиссен-Борнемица» и Kimbеll Art Museum в Форт-Уэрте представляют и малоизвестных американцам художников Австрии, Германии, Англии, среди которых – Оскар Кокошка, Отто Дикс, Людвиг Кирхнер, Макс Эрнст, редко вывозимый за пределы Европы замечательный Кристиан Шад и многие другие. Среди них самый известный – Фрэнсис Бэкон, с жестким подходом к изображению своих героев – где жизнь граничит с трагическим концом, а свет застилает тьма. На этом фоне здорово выручают картины Давида Хокни, ныне здравствующего британца, ему в свое время присвоили кличку «плейбой современного искусства». Красный, голубой, зеленый – его любимые цвета. Тюльпаны, светлые просторные комнаты, гольфовые поля, бассейны – его игровое поле.
150 работ, 60 очень разных художников, объединенных в уникальную экспозицию в стенах Kimbеll Art Museum. Слишком долго портрет как жанр почти не менялся – портреты рисовались на заказ, а потому неизменно приобретали официальный или по крайней мере приукрашенный вид. Двадцатый век сломал классические каноны. Лица часто неузнаваемы, некрасивы, нереалистичны. Поэтому удивительны и неожиданны. Смысл изображения, цель написания стала иной: что происходит с людьми, с человеком – вот это действительно интересно.
Теги: #texas,#техас,#Жизньвтехасе,#
|
|
