Жестокий бог литературы!
Давно тебе я не служил:
Ленился, думал, спал и жил,-
Забыл журнальные фигуры,
Интриг и купли кислый ил,
Молчанья боль, и трепет шкуры,
И терпкий аромат чернил...

Но странно, верная мечта
Не отцвела - живет и рдеет.
Не изменяет красота -
Всё громче шепчет и смелеет.
Недостижимое светлеет,
И вновь пленяет высота...

Опять идти к ларям впотьмах,
Где зазыванье, пыль и давка,
Где все слепые у прилавка
Убого спорят о цветах?..
Где царь-апломб решает ставки,
Где мода - властный падишах...

Собрав с мечты душистый мед,
Беспечный, как мечтатель-инок,
Придешь сконфуженно на рынок -
Орут ослы, шумит народ,
В ларях пестрят возы новинок,-
Вступать ли в жалкий поединок
Иль унести домой свой сот?..

1912 г

1 октября 2004 года
умер выдающийся мастер фотопортрета
Ричард Аведон


Ричард Аведон (Richard Avedon, 1923-2004) родился в Нью-Йорке в еврейской семье эмигрантов из России. Он начал заниматься фотографией довольно рано: в 9 лет он впервые берет в руки фотоаппарат, в 12 — записывается в местный фото-клуб, в 19 — устраивается фотографом на торговый флот, а через пару лет — рекламным фотографом в универсальный магазин. Тут его быстро заметил и переманил к себе художественный директор журнала «Harper's Bazaar» Алексей Бродович. Дела Аведона резко пошли в гору и уже в 22 года он открывает собственную студию. Он много работает и продает свои фотографии в такие знаменитые журналы как «Vogue» и «Life».

В 1940-х происходит расцвет fashion-фотографии и Аведон принимает в нем активное участие. Модели на его фотографиях не стоят, уставившись в камеру безразличным взглядом — они полны эмоций и движения. В этом он берет пример со знаменитого венгерского фотографа Мартина Мункачи, которым всегда восхищался. Аведон иногда снимает своих моделей на улице, но все же в основном он был студийным фотографом: именно Ричард Аведон и Ирвин Пенн открыли выразительный минимализм студийных съемок моды.

Популярность Ричарда Аведона постоянно растет. В 1955 году он делает знаменитую фотографию популярной модели Давимы в окружении двух африканских слонов. В 1967 году Аведон фотографируют Beatles: эта фотография до сих пор входит в двадцатку самых дорогих фотографий на планете. А кроме этого великое множество фотографий для журналов мод, великое множество своих знаменитых студийных портретов. А еще то, до чего редко опускаются fashion-фотографы: пациенты больницы для душевнобольных, борцы за гражданские права, протесты против войны во Вьетнаме, падение берлинской стены….

Начиная с 1970-х годов, Ричард Аведон был уже признанным мастером. Один за другим выходят альбомы фотографий, выставки его работ проходят в лучших музеях Америки. Он получает гранды, награды, медали…. И продолжает работать. «Если я хотя бы один день не занимался чем-нибудь связанным с фотографией, мне казалось, что я пропустил что-то очень важное — как будто забыл проснуться», — говорил Аведон. Даже кровоизлияние в мозг, приведшее к смерти фотографа, застает его за работой над крупным проектом «О демократии».

http://www.photoisland.net

1 октября 2004 года
умер выдающийся мастер фотопортрета
Ричард Аведон


Ричард Аведон (Richard Avedon, 1923-2004) родился в Нью-Йорке в еврейской семье эмигрантов из России. Он начал заниматься фотографией довольно рано: в 9 лет он впервые берет в руки фотоаппарат, в 12 — записывается в местный фото-клуб, в 19 — устраивается фотографом на торговый флот, а через пару лет — рекламным фотографом в универсальный магазин. Тут его быстро заметил и переманил к себе художественный директор журнала «Harper's Bazaar» Алексей Бродович. Дела Аведона резко пошли в гору и уже в 22 года он открывает собственную студию. Он много работает и продает свои фотографии в такие знаменитые журналы как «Vogue» и «Life».

В 1940-х происходит расцвет fashion-фотографии и Аведон принимает в нем активное участие. Модели на его фотографиях не стоят, уставившись в камеру безразличным взглядом — они полны эмоций и движения. В этом он берет пример со знаменитого венгерского фотографа Мартина Мункачи, которым всегда восхищался. Аведон иногда снимает своих моделей на улице, но все же в основном он был студийным фотографом: именно Ричард Аведон и Ирвин Пенн открыли выразительный минимализм студийных съемок моды.

Популярность Ричарда Аведона постоянно растет. В 1955 году он делает знаменитую фотографию популярной модели Давимы в окружении двух африканских слонов. В 1967 году Аведон фотографируют Beatles: эта фотография до сих пор входит в двадцатку самых дорогих фотографий на планете. А кроме этого великое множество фотографий для журналов мод, великое множество своих знаменитых студийных портретов. А еще то, до чего редко опускаются fashion-фотографы: пациенты больницы для душевнобольных, борцы за гражданские права, протесты против войны во Вьетнаме, падение берлинской стены….

Начиная с 1970-х годов, Ричард Аведон был уже признанным мастером. Один за другим выходят альбомы фотографий, выставки его работ проходят в лучших музеях Америки. Он получает гранды, награды, медали…. И продолжает работать. «Если я хотя бы один день не занимался чем-нибудь связанным с фотографией, мне казалось, что я пропустил что-то очень важное — как будто забыл проснуться», — говорил Аведон. Даже кровоизлияние в мозг, приведшее к смерти фотографа, застает его за работой над крупным проектом «О демократии».

http://www.photoisland.net

Это не было сходство, допусти-
мое даже в лесу,- это было то-
ждество, это было безумное превра-
щение одного в двоих.
(Л.Андреев. "Проклятие зверя")

Все в штанах, скроённых одинаково,
При усах, в пальто и в котелках.
Я похож на улице на всякого
И совсем теряюсь на углах...

Как бы мне не обменяться личностью:
Он войдет в меня,а я в него,-
Я охвачен полной безразличностью
И боюсь решительно всего...

Проклинаю культуру! Срываю подтяжки!
Растопчу котелок! Растерзаю пиджак!!
Я завидую каждой отдельной букашке,
Я живу, как последний дурак...

В лес! К озерам и девственным елям!
Буду лазить, как рысь, по шершавым стволам.
Надоело ходить по шаблонным панелям
И смотреть на подкрашенных дам!

Принесет мне ворона швейцарского сыра,
У заблудшей козы надою молока.
Если к вечеру станет прохладно и сыро,
Обложу себе мохом бока.

Там не будет газетных статей и отчетов.
Можно лечь под сосной и немножко повыть.
Иль украсть из дупла вкусно пахнущих сотов,
Или землю от скуки порыть...

А настанет зима- упираться не стану:
Буду голоден, сир, малокровен и гол -
И пойду к лейтенанту, к приятелю Глану:
У него даровая квартира и стол.

И скажу: "Лейтенант! Я - российский писатель,
Я без паспорта в лес из столицы ушел,
Я устал, как собака, и - веришь, приятель -
Как семьсот аллигаторов зол!

Люди в городе гибнут, как жалкие слизни,
Я хотел свою старую шкуру спасти.
Лейтенант! Я бежал от бессмысленной жизни
И к тебе захожу по пути..."

Мудрый Глан ничего мне на это не скажет,
Принесет мне дичины, вина, творогу...
Только пусть меня Глан основательно свяжет,
А иначе - я в город сбегу.

1907 или 1908

ЧЁРНЫЙ, САША (1880–1932) (псевд.; наст. имя, отчество и фамилия Александр Михайлович Гликберг; другие псевдонимы – Сам по себе, Мечтатель), русский поэт, прозаик, переводчик.

Родился 1 (13) октября 1880 в Одессе в семье еврея-провизора. Крещенный отцом в возрасте 10 лет, чтобы иметь возможность поступить в гимназию вне «процентной нормы», обучения не закончил (неоднократно отчислялся за неуспеваемость). В 1902–1904 служил в Новоселицкой таможне, с 1905 – чиновник в Петербурге, где благодаря женитьбе на ученице видного профессора философии А.И.Введенского и родственнице известных купцов Елисеевых получил возможность заняться самообразованием.
В 1906–1907 прослушал курс лекций в Гейдельбергском университете. На Первой мировой войне был санитаром. В марте 1917 Временным правительством назначен заместителем комиссара Северного фронта. После Октябрьской революции (которую Черный не принял, несмотря на предложения большевиков возглавить газету в Вильно) осенью 1918 уехал в Прибалтику (где были созданы стихи о Литве и цикл Русская Помпея, впервые обозначивший мотив ностальгии, отчетливо звучащий в эмигрантском творчестве поэта); в 1920 – в Берлин; со второй половины 1923 до начала 1924 – в Италии, в семье Л.Н.Андреева (впечатления от Вечного города отразились в лирических и юмористических миниатюрах Из римской тетради и Римские офорты). С 1924 жил в Париже, сотрудничал в газетах «Последние новости», парижском «Сатириконе» и др. периодических изданиях, устраивал литературные вечера, ездил по Франции и Бельгии, выступая со стихами перед русскими слушателями.

Начал печататься в Житомире в 1904. В 1900-е годы активный сотрудник прогрессивных сатирических журналов «Зритель», «Молот», «Маски», «Сатирикон» и др. Дерзкая политическая сатира Черного Чепуха (1905; «Трепов – мягче сатаны») принесла ему известность. Первый сборник стихов поэта Разные мотивы (1906), содержащий наряду с лирикой литературные и политические юморески, был запрещён цензурой. Сборник Сатиры (1910) с ироническим посвящением «всем нищим духом», представивший оригинальную сатирическую маску интеллигентного обывателя, обличает мелочность, пустоту и однообразие суетного мещанского существования во всех сферах общественного и литературного бытия, сочетая сарказм с нотами пессимизма. Во втором сборнике, Сатиры и лирика, проявилось тяготение Черного к «чистой» лирике, тонким пейзажным и психологическим зарисовкам.

Уйдя весной 1911 из «Сатирикона», где он был одним из поэтических лидеров с 1908, Черный печатается в газетах «Киевская мысль», «Русская молва», в журналах «Современный мир», «Аргус», «Солнце России», «Современник» и др. Выступает как детский писатель (книги Тук-Тук, 1913, Живая азбука, 1914). Щемящей тоской по утраченной Родине, острым ощущением бесприютности пронизаны книга стихов Черного Жажда (1923), поэма Кому в эмиграции жить хорошо (1931–1932), обнаруживающая единственного счастливца на чужбине – малыша в кроватке. Органический синтез сатиры, мягкого юмора и лиризма, обнаженно резкий стиль и нарочитый антиэстетизм виртуозного стиха Черного, его принципиальная антибуржуазность (стихотворение На могилах, 1912, после посещения Веймара: «Гете и Шиллер на мыле и пряжках, /На бутылочных пробках, /На сигарных коробках /И на подтяжках... /Мещане торгуют титанами...»), повлиявшие на формирование В.В.Маяковского, выдвинули поэта в ряд наиболее оригинальных художников Серебряного века.

Среди других его произведений – поэма Ной (1914), печально предрекающая современному поколению новый «всемирный потоп»; стихотворный цикл Война (1918), впечатляющая картина ужасов фронтового и лазаретного быта; стихи, повести, рассказы (кн. Сон профессора Патрашкина, 1924; Дневник фокса Микки, 1927; Кошачья санатория, 1928; Белка-мореплавательница, 1933 и др.) и пьеса Возвращение Робинзона (1922) для детей; произаический сборник Несерьезные рассказы (1928), с «легкой улыбкой, беззлобным смехом, невинной проказливостью» (А.И.Куприн) воскрешающий петербургский, московский и провинциальный быт старой России, издалека видящейся Черному безвозвратно потерянным раем; по тональности близкая ему повесть Чудесное лето (1929); многочисленные рассказы о скудном быте, материальных лишениях и моральном унижении эмигрантской жизни.

Особое место в творчестве Черного занимают Солдатские сказки (опубл. в 1933), написанные в стиле своеобразного анекдотически-бытового реализма, близкого к сказу Н.С.Лескова и М.М.Зощенко. Оставил также переводы из Г.Гейне, Р.Демеля, К.Гамсуна и др. Цикл музыкальных произведений на слова Черного создал Д.Д.Шостакович.

Умер Черный в Ла Фавьер, близ местечка Лаванду (Франция) 5 августа 1932.

http://www.krugosvet.ru

ПАНМОНГОЛИЗМ

Панмонголизм! Хоть слово дико,
Но мне ласкает слух оно,
Как бы предвестием великой
Судьбины божией полно.

Когда в растленной Византии
Остыл божественный алтарь
И отреклися от Мессии
Иерей и князь, народ и царь,-

Тогда он поднял от Востока
Народ безвестный и чужой,
И под орудьем тяжким рока
Во прах склонился Рим второй.

Судьбою павшей Византии
Мы научиться не хотим,
И всё твердят льстецы России:
Ты - третий Рим, ты - третий Рим.

Пусть так! Орудий божьей кары
Запас еще не истощен.
Готовит новые удары
Рой пробудившихся племен.

От вод малайских до Алтая
Вожди с восточных островов
У стен поникшего Китая
Собрали тьмы своих полков.

Как саранча, неисчислимы
И ненасытны, как она,
Нездешней силою хранимы,
Идут на север племена.

О Русь! забудь былую славу:
Орел двухглавый сокрушен,
И желтым детям на забаву
Даны клочки твоих знамен.

Смирится в трепете и страхе,
Кто мог завет любви забыть...
И Третий Рим лежит во прахе,
А уж четвертому не быть.

Мне этот бой не забыть нипочем,-
Смертью пропитан воздух.
А с небосвода бесшумным дождем
Падали звезды.

Вот снова упала, и я загадал -
Выйти живым из боя!
Так свою жизнь я поспешно связал
С глупой звездою.

Нам говорили: "Нужна высота!"
И "Не жалеть патроны!"
Вон покатилась вторая звезда -
Вам на погоны.

Я уж решил - миновала беда,
И удалось отвертеться...
С неба скатилась шальная звезда
Прямо под сердце.

Звезд этих в небе - как рыбы в прудах,
Хватит на всех с лихвою.
Если б не насмерть,- ходил бы тогда
Тоже героем.

Я бы звезду эту сыну отдал,
Просто на память...
В небе висит, пропадает звезда -
Некуда падать.


Июль 1964 г

30 сентября 1985 года
умер знаменитый немецкий дизайнер, архитектор,
художник и фотограф Герберт Байер


Герберт Байер (Herbert Bayer, 1900-1985) родился в Австрии 5 апреля 1900 года.
Получив диплом архитектора, он продолжил обучение в Баухаузе — самой авангардной школе дизайна того времени. В Баухаузе господствовала установка «Искусство и техника — новое единство», которая предполагала влияние дизайна на процесс промышленного производства и соответствующую ориентацию художественного образования.
Это вполне отвечало устремлением молодого Байера, и после окончания обучения он возглавил в Баухаузе студию типографского дела и рекламы. Одновременно он работал художественным директором популярного журнала моды «Vogue».

В 1928 году Герберт Байер переехал в Берлин, где работал в области рекламы, дизайна, книгопечатания и фотографии. В 1930 годах фотография и фотомонтаж становятся основными средствами самовыражения художника, большинство его известных работ были сделаны именно в это время. В 1938 году Байер переехал в Америку, где в основном концентрируется на рекламе и дизайне. В 1943 году он получил американское гражданство.

В течение своей карьеры Герберт Байер имел более 150 персональных выставок, его творчеству посвящено множество книг, статей, исследований и даже фильмов. Его работы — фотографии в том числе — хранятся более чем в сорока музеях Европы и Америки.

http://www.photoisland.net

Корабли постоят и ложатся на курс,
Но они возвращаются сквозь непогоды.
Не пройдет и полгода - и я появлюсь,
Чтобы снова уйти,
чтобы снова уйти на полгода.

Возвращаются все, кроме лучших друзей,
Кроме самых любимых и преданных женщин.
Возвращаются все, - кроме тех, кто нужней.
Я не верю судьбе,
я не верю судьбе, а себе - еще меньше.

Но мне хочется думать, что это не так, -
Что сжигать корабли скоро выйдет из моды.
Я, конечно, вернусь, весь в друзьях и мечтах.
Я, конечно, спою,
я, конечно, спою, - не пройдет и полгода.

1966 г

В Вене 30 сентября 1791 года в театре «Ауф дер Виден» состоялась премьера оперы «Волшебная флейта» – последнего произведения австрийского композитора Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791). Либретто к опере написал давний приятель композитора и антрепренер Эммануэль Шиканедер.

Опера имела огромный успех у зрителей. Гёте так нравилось это произведение, что он делал попытки написать продолжение либретто, которые, впрочем, успехом не увенчались.

Сюжет, обработанный в духе популярных в то время народных феерий, полных экзотических чудес, Шиканедер почерпнул в сказке К.Виланда «Лулу»: Дочь Царицы ночи похитил волшебник Зарастро. Царица посылает принца Тамино спасти девушку и дает ему волшебный атрибут – флейту, и помощников. Принц переходит на сторону волшебника, проходит испытания и получает Любовь.

«Волшебная флейта» – последняя опера Моцарта, и, как младший ребенок у родителей, его самая любимая опера. Легенда гласит, что на смертном одре он пожелал послушать именно ее и стал напевать песенку Папагено.

В 2005 году опера была поставлена в Государственном академическом центральном театре кукол имени С.В.Образцова (режиссёр-постановщик – Андрей Денников). А имя Моцарта стало символом высшей музыкальной одарённости, творческой гениальности и единства красоты.

http://www.calend.ru

КОНЕЦ ПРЕКРАСНОЙ ЭПОХИ

Потому что искусство поэзии требует слов,
я - один из глухих, облысевших, угрюмых послов
второсортной державы, связавшейся с этой,-
не желая насиловать собственный мозг,
сам себе подавая одежду, спускаюсь в киоск
за вечерней газетой.

Ветер гонит листву. Старых лампочек тусклый накал
в этих грустных краях, чей эпиграф - победа зеркал,
при содействии луж порождает эффект изобилья.
Даже воры крадут апельсин, амальгаму скребя.
Впрочем, чувство, с которым глядишь на себя,-
это чувство забыл я.

В этих грустных краях все рассчитано на зиму: сны,
стены тюрем, пальто, туалеты невест - белизны
новогодней, напитки, секундные стрелки.
Воробьиные кофты и грязь по числу щелочей;
пуританские нравы. Белье. И в руках скрипачей -
деревянные грелки.

Этот край недвижим. Представляя объем валовой
чугуна и свинца, обалделой тряхнешь головой,
вспомнишь прежнюю власть на штыках и казачьих нагайках.
Но садятся орлы, как магнит, на железную смесь.
Даже стулья плетеные держатся здесь
на болтах и на гайках.

Только рыбы в морях знают цену свободе; но их
немота вынуждает нас как бы к созданью своих
этикеток и касс. И пространство торчит прейскурантом.
Время создано смертью. Нуждаясь в телах и вещах,
свойства тех и других оно ищет в сырых овощах.
Кочет внемлет курантам.

Жить в эпоху свершений, имея возвышенный нрав,
к сожалению, трудно. Красавице платье задрав,
видишь то, что искал, а не новые дивные дивы.
И не то чтобы здесь Лобачевского твердо блюдут,
но раздвинутый мир должен где-то сужаться, и тут -
тут конец перспективы.

То ли карту Европы украли агенты властей,
то ль пятерка шестых остающихся в мире частей
чересчур далека. То ли некая добрая фея
надо мной ворожит, но отсюда бежать не могу.
Сам себе наливаю кагор - не кричать же слугу -
да чешу котофея...

То ли пулю в висок, словно в место ошибки перстом,
то ли дернуть отсюдова по морю новым Христом.
Да и как не смешать с пьяных глаз, обалдев от мороза,
паровоз с кораблем - все равно не сгоришь от стыда:
как и челн на воде, не оставит на рельсах следа
колесо паровоза.

Что же пишут в газетах в разделе "Из зала суда"?
Приговор приведен в исполненье. Взглянувши сюда,
обыватель узрит сквозь очки в оловянной оправе,
как лежит человек вниз лицом у кирпичной стены;
но не спит. Ибо брезговать кумполом сны
продырявленным вправе.

Зоркость этой эпохи корнями вплетается в те
времена, неспособные в общей своей слепоте
отличать выпадавших из люлек от выпавших люлек.
Белоглазая чудь дальше смерти не хочет взглянуть.
Жалко, блюдец полно, только не с кем стола вертануть,
чтоб спросить с тебя, Рюрик.

Зоркость этих времен - это зоркость к вещам тупика.
Не по древу умом растекаться пристало пока,
но плевком по стене. И не князя будить - динозавра.
Для последней строки, эх, не вырвать у птицы пера.
Неповинной главе всех и дел-то, что ждать топора
да зеленого лавра.

Декабрь 1969

29 сентября 1922 г. 87 лет назад

Из Петрограда вышел «Философский пароход» - высылка из России по идеологическим соображениям за границу деятелей российской науки, культуры, искусства


В мае 1922 года В.И.Ленин предложил заменить применение смертной казни для активно выступающих против советской власти высылкой за границу.

Тогда же Ленин в своём письме Ф.Э.Дзержинскому высказал мысль, что журнал «Экономист» – «явный центр белогвардейцев. … Все это явные контрреволюционеры, пособники Антанты, организация ее слуг и шпионов и растлителей учащейся молодежи. Надо поставить дело так, чтобы этих военных шпионов изловить и излавливать постоянно и систематически и высылать за границу».

Л.Д.Троцкий так прокомментировал эту акцию: «Мы этих людей выслали потому, что расстрелять их не было повода, а терпеть было невозможно».

29 сентября 1922 года из Петрограда отплыл пароход «Обербургомистр Хакен», пассажирами которого были философы Н.А.Бердяев, С.Л.Франк, И.А.Ильин, С.Е.Трубецкой, Б.П.Вышеславцев, А.А.Кизеветтер, М.А.Ильин (Осоргин), М.М.Новиков, А.И.Угримов, В.В.Зворыкин, Н.А.Цветков, И.Ю.Баккал, профессор МВТУ В.И.Ясинский и другие.

30 сентября пароход прибыл в Штеттин (Германия). На борту находилось примерно более трех десятков высылаемых из Москвы и Казани, а также из других городов (с семьями примерно 70 человек).

Это событие получило в публицистике название «философский пароход». 16 ноября 1922 года из Петрограда отплыл второй пароход с изгнанниками на борту - «Пруссия», на котором из страны выдворялись Н.О.Лосский, Л.П.Карсавин, И.И.Лапшин и другие (всего вместе с семьями 44 человека).

http://www.calend.ru

Рекламные фотографы: Инфракрасная съемка, платинотипия...

...литографический процесс - может ли их очарование заменить компьютерная программа.
Стремительным течением нас уносит время, предлагая не только новые возможности, но и новые условия для выживания.

Ольга Фомина

Николай Маслов и Марина Ефимова - одни из немногих, которые остались верны исключительно настоящей традиционной фотографии, благородным методам печати, они не используют в своей работе компьютер никогда. Они верны себе и друг другу, они более десяти лет в браке и счастливы. Их фотографии украшают галереи многих европейских стран.

- У вас за спиной большой опыт в традиционной художественной фотографии, прошло много ваших выставок, также вы имеете немалый опыт в коммерческой и рекламной фотографии, от которой на сегодняшний день вы совсем отказались. Вы отказались от компьютера, вы используете исключительно те эффекты и приемы, которые можно воспроизвести обычным фотографическим путем.
Суррогатным способом на компьютере какие-то эффекты можно постараться повторить. Но вряд ли произойдет и родится то очарование, которым обладают Ваши фотографии. Почему Вы выбрали такую непростую на сегодня нишу? Из любви к искусству? Или Вы считаете, что таким образом Вы можете больше заработать.

- Сразу скажу, что мы занимаемся не только традиционной фотографией. Это одно из наших направлений. Платинотипия - это действительно совершенно чистый процесс, хотя даже в него иногда вклинивается цифра. К примеру, при увеличении негатива. Но мы стараемся этого не делать, кайф теряется. То есть, в платинотипии изначально используется негатив «камерный», он необходим для контактной печати. На хлопковую бумагу кистью наносится светочувствительный слой из солей платины, все это помещается в контактную раму вместе с негативом, производится экспозиция ультрафиолетовым светом в течение почти часа. Затем отпечаток промывается в растворе, и получается очень особенное изображение, образованное чистой металлической платиной.

- Практически ювелирное изделие! По сути, без цифрового увеличения негатива платинотипия по определению не может иметь большого размера?
- Размер платинотипии ограничен размерами используемой камеры и соответственно негатива. Бывают камеры в мире 50х60. Это максимальный размер. А заработать альтернативными процессами в России сейчас невозможно. Говорю это совершенно откровенно. Еще несколько лет назад про это речь вообще не шла. Сейчас появляются люди, покупающие наши работы и то, только потому, что интерес в мире к этому очень велик. И нас, например, больше знают в Швеции, Японии, Швейцарии, Америке... Там интерес к альтернативным процессам существовал всегда.

- В этих странах люди живут спокойно, в плане покупательской способности есть более многочисленная категория людей. Там предмет искусства может купить не только миллионер. Есть традиция, наконец. Я не обвиняю нашего российского гражданина, я его жалею. Куда ему, тратить деньги на фотографию, если у жены трескаются руки без стиральной и посудомоечной машины. Или нет зимних сапог. Я поддерживаю выбор в пользу стиральной машины.

- Я бы вернулся к фотографии. У нас в России, к сожалению, после того как пикториалистов фактически уничтожили и не давали им заниматься тем, что они делали, начиная с двадцатых годов...

- А кто это? От слова «picture», я понимаю.
- От «picturial». Пикториализм - это художественная фотография, это то, что делал еще Андреев, Свищев-Паоло, это благородные процессы печати, бромомасляная печать, та же платинотипия, Гринберг, поздний Родченко.

- А поздний Родченко что делал?
- Он отошел от своих классических репортерских традиций. Мысль такова, что художественной фотографии с 20-х годов не существовало...

- Вряд ли соглашусь. Совсем не соглашусь. Художественная фотография - это прежде всего замысел и его воплощение различными фотографическими инструментами. На каждом историческом этапе, если уж мы заговорили в таком масштабе, что-то было. Справедливости ради скажу, если фотограф снимает на цифру - это тоже может быть художественной фотографией. Коммерческая съемка может быть художественной фотографией.
- Давай тогда назовем это арт-фотографией...

- Это одно и то же.
- Но рынка художественной фотографии до сих пор нет, он только начинает формироваться.

- Вот с этим я согласна. И если в области коммерческой фотографии движение началось давно, то в арт-фотографии пока тишь да гладь.
- Сейчас ситуация начинает меняться. Если раньше были две-три фотогалереи, и они продавали работы за достаточно смешные цены, то сейчас появилось много галерей, но при этом спрос есть на большие фотографии, то есть на фотографию для интерьера, чтобы метр на метр, чтобы ее можно было повесить в офисе или у себя дома. Тогда человек это купит. Спроса на маленькие такие штучки, на вещь в себе... Нет, такой покупатель пока не появился. Развитие этих людей еще не дошло до того момента, когда насытились все остальные депо, и настала, наконец, очередь обогатиться искусством, будь то фотография или что-то другое.

- На западе коллекционная фотография, кроме обязательных художественных достоинств должна иметь определенные качества, она должна быть определенным образом выполнена. Никаких принтеров, никакой бумаги с полиэтиленовым покрытием, только баритовая основа.

У нас важен размер и чтобы что-то абстрактное. Голых баб любят, но У нас важен размер и чтобы что-то абстрактное. Голых баб любят, но боятся показаться пошлыми, голых юношей не любят и тоже боятся, но уже, что подумают о них. Поэтому на стену в офисе «вешают» Президента, на стену домой с непонятными очертаниями часто мрачные изображения. Мрачные для того, чтобы серьезно и солидно.
- Западный рынок фотографии существует с 70-х годов, тогда она стала предметом искусства, которое продается. Цены постепенно вырастали. Но и сейчас они не пришли к ценам актуального искусства. Заформалиненную акулу продают за 30 миллионов долларов, а фотография Анселя Адамса была продана за 600 тысяч долларов.

- Кого? Кого?
- Ансель Адамс. Таких людей надо знать. Это классик.

- Черт с ним с Адамсом. Но эта сумма тоже немалая. Сразу задам такой вопрос, а нет такого элемента безнравственности, когда на каждом шагу любой пенсионер - это нищий, каждый ребенок в детском доме вряд ли живет хорошо, и, покидая его, он часто оказывается выкинутым, обманутым, даже без положенной ему жилплощади. И человек, который деньги может потратить, к примеру, на благотворительность, покупает фотографию за 600 тысяч евро или клуб Челси за миллионы.
- Ну, люди тратят деньги, как они хотят. И это все-таки уникальная цена за фотографию.

- Мои слова, возможно, выглядят люмпенской психологией. Но в нищей стране, точнее, в стране с таким количеством нищих людей, такие траты для меня выглядят безнравственными. На собственную свадьбу разобрать церковь в России, собрать ее в Ницце... Для меня эти поступки выглядят одинаково. Что можно получить у нас за свой труд на арт-поприще?
- Есть достаточно коллекционеров, покупающих старых мастеров, ныне не живущих. Они хорошо покупаются. Они уже признаны, оценены...

- То есть, сознание покупателя идет проторенной дорожкой.
- У нас из раскрученных фотографов, успешно продающих свои работы, это только Клавихо, который что-то там игламезирует. Хотя, что такое «игламизе», я не нашел нигде.

- Ловкий маркетинговый ход. И название красивое придумал! Молодец! Если человек находит свои пути заработать, не вижу ничего в этом плохого.
- Когда приносишь в галерею платино-палладиевый отпечаток, хозяйка галереи смотрит и говорит: «Да все эти старинные процессы людей уже не удивляют! Они привыкли к большим цифровым работам». Мы очень любим заниматься платинотипией, но в России в данный момент это можно делать лишь на уровне хобби. Потому что понимания что это такое, его абсолютно нет, мы сейчас печатаем, кладем в стол. Пройдет какое-то время и тогда это найдет свой спрос.

- А не имеет смысл делать такой комплект: настоящая платинотипия небольшого размера плюс ее большая качественная репродукция на фотобумаге для того, чтобы ее можно было красиво повесить на стену. Если очевиден спрос на большой размер, почему его не удовлетворить?
- Не хотелось бы так все смешивать и опошлять идею.

- Все по-честному?
- По-честному - это прежде всего. Для денег мы цветом еще занимаемся. Мы снимаем на слайд, печатаем на фотобумаге, но современные условия печати таковы, что происходит это цифровым способом. Все на фотобумаге, но уже выходит изображение, прошедшее через цифру. Мы продаем свои большие цветные работы и получаем кайф...

- От денег?
- Деньги - это необходимость.

- Так от денег вы, вообще, способны получить кайф? Или только искусство приводит в возбуждение?
- Когда нашу фотографию покупают потому, что человек смотрит и человеку хочется ее видеть, сидеть перед ней и медитировать... Вот тогда мы получаем кайф. Но чаще всего в искусстве покупают «имя». Есть «имя» - фотография может быть совсем никакой.

- Когда человек покупает «имя», мне кажется, это проявление неуверенности в себе. Это как знакомство с девушкой. Когда обеспеченный мужчина обязательно должен прийти с девушкой метр восемьдесят и другими модельными качествами, а иначе его мужское самолюбие будет уязвлено. Он должен постоянно доказывать, часто самому себе: «Я богатый!» Поэтому девушке портфолио от дорогого фотографа, а если денег очень много, то еще и портретик от Сафронова. Чтобы подтвердить в своих же глазах собственное благосостояние. Почти каждая бабешка, снимающаяся у меня, имеет портрет от Сафронова. Некоторые даже по два.
- То есть, ты вошла в обойму людей, возглавляемую Сафроновым и Шиловым, обслуживающих очень богатых клиентов.

- Сколько сарказма в твоих словах! Я об этом не думаю. Хотя в некоторых случаях, как бы я не пыжилась, я просто обслуга. Я, вообще, считаю свою деятельность совершенно бесполезной для общества, не паразитарной, но бесполезной. Но другим способом я деньги зарабатывать не умею, не научилась. Когда вы говорите о цветной фотографии, вы имеете в виду тоже арт-фотографию?

- Эта серия у нас называется «Внутренний космос!». Это психоделические ландшафты, это не просто фотография, это окно в другой мир, в другую реальность, то есть это визуальная психоделика, которая без всяких ЛСД и марихуаны и прочих вещей смещает сознание. Ты посмотрел на фотографию и улетел в другую реальность...

Полностью интервью на www.advertology.ru

КАРАВАДЖО, МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА (Caravaggio, Michelangelo Merisi da) (1573–1610), итальянский живописец.

Имя Караваджо происходит от названия городка в Северной Италии, в котором художник родился 28 сентября 1573.
С одиннадцати лет он работал подмастерьем одного из миланских живописцев, а в 1590 переехал в Рим, который к концу 16 в. стал художественным центром не только Италии, но и всей Европы. Именно здесь Караваджо достиг самых значительных успехов и славы. В отличие от большинства своих современников, которые могли воспринять лишь более или менее привычный набор эстетических ценностей, Караваджо сумел отказаться от традиций прошлого и создать собственный, глубоко индивидуальный стиль. Отчасти это стало реакцией на штампы позднего маньеризма. Биографы Караваджо пишут, что он относился с презрением к великим мастерам прошлого и даже к античному искусству. Рассказывают историю о том, как художник привел с улицы цыганку, написал с нее гадалку, предсказывающую судьбу молодому человеку, и заявил, что натура – единственная наставница, в которой он нуждается. Независимость мастера от предшествующей художественной традиции явно преувеличивалась его завистниками, но новизна и оригинальность его искусства действительно сделали Караваджо революционной фигурой в культурной жизни Рима того времени.

Реализм Караваджо – это нечто большее, чем просто подражание природе; в его живописи сочетаются глубокое понимание психологии человека и точная передача характера света и формы, что дает возможность преобразить реальность в драму, разыгрывающуюся на холсте. Эти черты лучше всего заметны в картинах на религиозные сюжеты, относящихся к римскому периоду его творчества: Обращение Савла (1601) для церкви Санта Мария дель Пополо и Успение Богоматери (1605–1606, Лувр). В первой из них будущий апостол Павел, а пока еще гонитель христиан Савл, изображен в тот момент, когда он услышал глас Божий и, пораженный, упал с лошади.
Кажется, что воздетые руки распростертого на земле Савла и его голова выходят за раму картины в пространство зрителя, который, таким образом, оказывается непосредственным участником происходящего. Сверхъестественность события подчеркивается интенсивным искусственным светом.

В Успении Богоматери религиозный сюжет трактован очень человечно и просто. Ослабевшее и истощенное тело Богоматери покоится на ложе; вокруг – скорбящие апостолы и Мария Магдалина. В полутемной комнате царит атмосфера тихого и всепоглощающего горя.
И здесь яркие потоки света вторгаются в темноту, высвечивая детали и усиливая драматизм. Именно за такие картины Караваджо критиковали его современники. В эпоху Контрреформации были установлены строгие каноны для религиозного искусства, которым должен был следовать каждый мастер. Караваджо обвиняли в том, что он профанирует память святых и священных событий, говоря о них обычным «человеческим» языком.
Однако во многом его искусство можно рассматривать и как воплощение основных духовных ценностей Контрреформации, поскольку оно делало религиозные идеи более понятными и значимыми для верующего. Религиозное чувство, которым проникнуты произведения Караваджо, близко по духу житиям святых Филиппо Нери и Игнатия Лойолы.

Личность и события биографии Караваджо поражают воображение почти так же сильно, как и его живопись. Очевидно, он приехал в Рим без средств к существованию и в ранний период творчества писал натюрморты и жанровые композиции, такие, как упоминавшаяся выше картина Гадалка (ок. 1595, Рим, Капитолийские музеи) и Шулеры (ок. 1596, ранее в коллекции Скьярра).
Две картины, написанные для римской церкви Сан Луиджи деи Франчези в 1597–1599, Призвание апостола Матфея и Мученичество апостола Матфея, отмечают переломный момент в творчестве Караваджо. Обе работы близки по стилю ранним жанровым сценам, но уже наполнены тем внутренним драматизмом, который достиг своего полного выражения в алтарных образах начала 1600-х годов. Начиная с 1600, времени его наивысшего творческого подъема, имя Караваджо стало появляться в протоколах римской полиции. В большинстве документов речь идет о незначительных проступках: вместе со своими друзьями он привлекался к суду за непристойные стишки, написанные в адрес одного из живописцев, за угрозы официанту в таверне или за оскорбления в адрес полиции.
Однако были и случаи физического насилия, за которыми следовали аресты. В мае 1606 Караваджо убил своего молодого знакомого в драке, возникшей из-за спора при игре в мяч.

После убийства художник бежал сначала в окрестности Рима, а затем в Неаполь. Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи. В 1608 он переехал на Мальту, где написал портрет магистра мальтийского ордена и сам вступил в орден. Но и здесь трудный характер Караваджо довел его до беды: он оскорбил старшего по званию, был заключен в тюрьму и бежал на Сицилию.
Прожив там несколько месяцев, художник возвратился в Неаполь, где подвергся нападению в какой-то таверне и был изуродован. В конце июня 1610 он сел на корабль, очевидно, намереваясь вернуться в Рим. Однако на берегу его по ошибке арестовали испанские гвардейцы и задержали на три дня.
В это время Караваджо, вероятно, уже был болен малярией, от приступа которой он умер в городке Порто-Эрколе 18 июля 1610.

http://www.krugosvet.ru

Йом Кипур
28 сентября (дата для 2009 года)

Десятый день еврейского нового года — Судный день (Йом Кипур) — день искупления грехов и Высшего суда. Это единственный день в году, когда Тора предписывает человеку не заниматься ничем, кроме анализа своих поступков и помыслов.

В древности, когда в Иерусалиме еще стоял Храм, в Судный день первосвященник совершал процедуру самоочищения, входил в храм, готовил жертву для заклания и приносил ее во искупление грехов всего народа Израилева. Сегодня суть обрядовых действий перешла из Храма в синагогу, а место жертвоприношения заняли молитвы.

«Открывающая молитва» — Кол-Нидрей — превратилась в символ всего праздника. Она произносится трижды и поется вслух. Нет сомнений, что этому способствовал прекрасный мотив, пришедший из средневековой Испании.

В Йом Кипур читают также поминальную молитву, к которой в наши дни добавилось еще две части: поминовение жертв Катастрофы и погибших в войнах за независимость Израиля.

В 1973 году в этот день армии Египта и Сирии предприняли внезапное нападение на Израиль. Прямо из синагог и из своих домов люди отправились в бой, и рев моторов нарушил покой праздника. Многие не вернулись. Так старые обрядовые формы наполнило новое трагическое содержание — утраты и скорбь.

В канун Йом Кипур принято есть «разделяющую трапезу», после которой до исхода Судного дня — строгий пост. Синагоги наполняются народом: приходят даже те, кто не бывает там в течение года, закрыты все учреждения и предприятия, не работает транспорт, радио, телевидение. На улицах не видно даже частных автомашин, зато полно детей на велосипедах, свободно разъезжающих по пустым улицам.

Судный день, согласно еврейской традиции, завершается тем, что каждый еврей получает положительную или отрицательную оценку своих деяний, а на ее основе — приговор милостивый или осуждающий. Это день, когда выясняется, принята или отклонена просьба о прощении Высшим судом на небесах.

Особое значение приобретает «закрывающая молитва», произносимая при заходе солнца — после нее уже как бы закрыты врата милосердия, через которые поднимаются к небу просьбы и молитвы народа Израиля. Раздаются звуки шофара и слышен завершающий все обряды призыв: «В следующем году — в Иерусалиме».

http://www.calend.ru

28 сентября 1979 года
умер известный немецкий
фотограф Лотар Уоллех


Когда я вижу хорошую фотографию, мои чувства похожи на те, которые я испытываю, слушая концерт для скрипки Брамса или Бетховена.
/ Лотар Уоллех /


Первую половину жизни Лотара Уоллеха (Lothar Wolleh, 1930-1979) трудно назвать счастливой: детство и юность будущего фотографа пришлись на военные годы, во время одной из бомбежек он потерял семью. В 1950 году, готовясь к поступлению в Берлинскую Художественную академию, Лотар чем-то не угодил оккупационному правительству и был осужден на 15 лет лагерей в Сибири. Ему повезло: всего (!) через шесть лет он был освобожден и вернулся на родину. Злоключения закалили дух молодого человека: «Нет ничего невозможного», — говорил он в 1958 году, — «Если вы прошли через то, что прошел я — ничто не сможет вас остановить». После освобождения Уоллех решил связать свою жизнь с фотографией и некоторое время учился у своего знаменитого соотечественника Отто Штайнерта.

В конце 1950-х годов Лотар Уоллех был известным фотожурналистом и одним из самых успешных коммерческих фотографов в Европе. Ему еще не было тридцати лет, когда его пригласили работать в знаменитое фотоагентство «Магнум». Это было большой честью для молодого фотографа, однако, сославшись на недостаточную подготовленность, он отклонил предложение. Соответствует ли истине эта «официальная причина», мы, вероятно, никогда не узнаем.

В конце 1960-х годов Уоллех перестал заниматься коммерческой фотографией. Он издал несколько фотоальбомов, в частности «СССР» («UdSSR», 1970), которые пользовались успехом, как у критики, так и у широкой публики. До конца жизни он работал над проектом посвященным художникам, скульпторам и другим деятелям искусства. Среди его моделей много великих имен, но главная причина успеха заключена не в этом. «Лотар Уоллех был гением» — писал вице-президент международной ассоциации художественных критиков Хайнер Штахелхаус, — «Он был художником с фотокамерой вместо кисти, создающий одновременно фантастические и реалистические образы».

http://www.photoisland.net

Мы рядом шли, но на меня
Уже взглянуть ты не решалась,
И в ветре мартовского дня
Пустая наша речь терялась.

Белели стужей облака
Сквозь сад, где падали капели,
Бледна была твоя щека
И, как цветы, глаза синели.

Уже полураскрытых уст
Я избегал касаться взглядом,
И был еще блаженно пуст
Тот дивный мир, где шли мы рядом.

Запущены моих друзей дела,
нет в их домах ни музыки, ни пенья,
и лишь, как прежде, девочки Дега
голубенькие оправляют перья...

Б.Ахмадулина

ДЕГА, ЭДГАР (Degas, Edgar) (1834–1917), французский живописец, график и скульптор.

Илэр Жермен Эдгар Дега родился 19 июля 1834 в Париже. В 1855 он поступил в Школу изящных искусств. В это время Дега совершал частые поездки в Италию, где изучал искусство старых мастеров и классические принципы композиции. В 1862 он познакомился с Эдуаром Мане (1832–1883) и другими импрессионистами, вместе с которыми впоследствии участвовал в художественных выставках.

Работы Дега, исполненные до 1860, представляют собой в основном портреты друзей и родственников; кульминацией этого периода творчества мастера стало создание группового портрета Семья Беллили (1858–1860). В конце 1860-х годов Дега начал писать сцены из городской жизни, изображая быт художественных мастерских, театров и кафе. В 1870-е годы он часто изображал танцовщиц и скачки. Свежесть, непосредственность и динамичность этих работ сближает их с искусством импрессионистов. Одно из самых известных произведений этого периода – Танцевальный класс (1872, Париж, Лувр).

Работы Дега 1880-х годов отражают его увлечение японской гравюрой и фотографией. Резкое перспективное сокращение ускоряет переход от переднего плана к заднему, пол опрокидывается, фигуры обрезаются краем холста – таким образом создаются асимметричные композиции, отражающие подвижную, изменчивую реальность, которую можно наблюдать с самых необычных точек зрения. В 1880 Дега впервые обратился к технике пастели; он стал часто изображать лавочки модисток, прачек и пр. В эти годы Дега упростил и очистил свой рисунок от всего лишнего так, что мог с помощью одного только контура передать игру мышц движущегося человеческого тела. Среди работ этого периода – Гладильщицы (ок. 1884) и Обнаженная, расчесывающая волосы (1885). Поскольку изображенные им женщины были показаны без всякой идеализации, Дега часто несправедливо обвиняли в женоненавистничестве. После 1890 живописные работы Дега приобретают более скульптурный характер. Контуры подчеркиваются толстой, прочерченной углем линией, а в колорите начинают преобладать пурпурные, розовые и зеленоватые оттенки, придающие ему звонкость; детали сводятся к минимуму.

В 1880-е годы Дега начинает работать в скульптуре, отчасти из-за усиливавшейся болезни глаз. Дега создавал свои статуи из глины или воска, которые он наносил на каркас, и многие из них погибли из-за несовершенства этой техники. Около 150 статуэток, оставшихся в мастерской после его смерти, были отлиты из бронзы.

Дега создал огромное количество подготовительных набросков и законченных произведений. Его рисунки могут служить свидетельством последовательности творческого процесса художника; они показывают, как пастельные композиции с изображением танцевальных сцен составлялись из набросков отдельных движений и поз.

Дега умер в Париже 27 сентября 1917. Кроме живописных и скульптурных работ, он оставил заметки и значительную коллекцию гравюр и живописи 19 в. В этой коллекции, распроданной с аукциона в 1918, были произведения таких крупнейших мастеров французской живописи, как Энгр, Делакруа и Гоген.

День памяти святого Винсента де Поля (Feast of Saint Vincent de Paul) — покровителя Мадагаскара — отмечают на острове 27 сентября.

Святой Винсент де Поль (Сент-Винсент де Поль) был апостолом любви и одним из величайших французских святых. Он родился в 1581 году в крестьянской семье. Был рукоположен священником в возрасте до 20 лет.

Пять лет спустя, во время путешествия по морю, его корабль был захвачен мавританскими пиратами, которые перевезли его в Африку и продали в рабство. Он был освобожден в 1607 году.

Когда Сент-Винсент вернулся во Францию, он стал приходским священником вблизи Парижа. Позже он основал Орден Сестер милосердия (Sisters of Charity) — это были первые собрания женщин, которые заботились о бедных и больных за пределами монастыря.

Сент-Винсент де Поль посвятил всю свою жизнь служению бедным. Он умер 27 сентября 1660 года в Париже, и был канонизирован папой Климентом XII в 1737 году. Сент-Винсент де Поль является покровителем благотворительных обществ, больниц и больничных работников, заключенных, добровольцев и Мадагаскара.

http://www.calend.ru