Адриан ван дер Верфф ( Adriaen van der Werff, 21 января 1659, Кралинген-Амбахт, ныне Роттердам — 12 ноября 1722, Роттердам)-североголландский архитектор, художник, рисовальщик и художник-орнаменталист  ; старший брат художника  Питера ван дер Верффа. Сын обеспеченных  родителей,, Адриан ван дер Верфф родился в Kralingen, теперь часть Роттердама, 21 января 1659 года.    В 1669—1670 учился рисованию у К. Пиколе, в 1671—1676 — у Эглона Хендрика ван дер Нера. После завершения образования жил и работал в Роттердаме.Художник женился на Маргарет Rees в 1687 году. Он был деканом гильдии Св. Луки в Роттердаме между 1691 и 1695.  В 1696 году его посетил курфюрст Пфальца Иоганн Вильгельм и заказал два полотна: свой портрет и картину на тему «Соломоново решение», по исполнении которых назначил мастера своим придворным художником и в 1703 году возвёл в рыцарское звание. Позднее А. ван дер Верфф жил попеременно в Дюссельдорфе и в Роттердаме, где и скончался в 1722 году.В начале своей карьеры, ван дер Верфф  писал модные жанровые сцены и портреты, его тщательная и изощренная техника принесла ему покровительство многих влиятельных коллекционеров. С середины 1690-х годов он стал писать исторические и библейские сюжеты.   Среди учеников художника был его младший брат Петр (1661/65-1722) - Pieter van der Werff, (Кралинген-Амбахт, ныне Роттердам — похоронен 26 сентября 1722 года, Роттердам) —  художник Золотого века Голландии.Ученик старшего брата, писал на исторические темы, но чаще всего — жанровую живопись. Портретист богатых и влиятельных людей Роттердама. Под конец жизни впал в ипохондрию, воображал, что его хотели отравить ядом, и умер не дожив до 60-ти лет в один год смерти и старшего брата.  

Пастух и пастушка (1689) 

Выдающийся фламандский живописец Питер Пауль Рубенс (1577-1640) был человеком редкого по масштабу гения, который обладал всеми достоинствами, столь необходимыми как для великих свершений в искусстве, так и для успеха в обществе, — мощным интеллектом, кипучей энергией, крепким здоровьем, приятной внешностью, удивительным даром гармонии и, в придачу, ясной головой для творческой и деловой активности. Рубенс был счастливым художником, не знавшим сомнений и разочарований в своем творчестве. Достаточно посмотреть на его картины, и в этом не останется ни малейшего сомнения. Больше всего его приводила в восторг податливая, пластическая красота человеческого тела. Хотя ему нравился окружающий его материальный мир, он весь был наполнен глубокой, доводящей до экзальтации религиозной верой своего времени. Что бы он ни рисовал — белокурую Венеру в окружении нимф или задумчивую Богоматерь с ребенком на руках, сияющую светом аллегорию мощных фигур на облаках, плодородный пейзаж возле дома, — его творчество всегда было гимном, восхваляющим красоту нашего мира. "История искусства не знает ни единого примера такого универсального таланта, такого мощного влияния, такого непререкаемого, абсолютного авторитета, такого творческого триумфа", - писал о Рубенсе один из его биографов.  Даже великие художники очень редко заслуживают чести называться основоположниками нового стиля в живописи. Рубенс — исключение. Он стал создателем живого, волнующе-яркого стиля художественного выражения, позже названного барокко. Картины Рубенса почти на полвека предвосхитили широкое использование стиля «барокко» художниками в других европейских странах. Яркий, пышный рубенсовский стиль характеризуется изображением крупных тяжелых фигур в стремительном движении, возбужденных до предела эмоционально заряженной атмосферой. Резкие контрасты света и тени, теплые богатые краски, кажется, наделяют его картины кипучей энергией. Он писал грубоватые библейские сцены, стремительную, захватывающую охоту на животных, звонкие ратные побоища, примеры высочайшего проявления религиозного духа, и все это делал с равным пристрастием к перенесению на холст высочайшей жизненной драмы. Один из его величайших поклонников, художник Эжен Делакруа, писал о Рубенсе: «Его главное качество — это пронзительный дух, то есть поразительная жизнь; без этого ни один художник не может быть великим... Тициан и Паоло Веронезе кажутся рядом с ним ужасно смирными»... 

Союз Земли и Воды, 1618. Холст, масло, 223х180.

  Walter Launt Palmer (American, 1854-1932) - "великий живописец снега", американский художник. Родился в 1854г. в Олбани (штат Нью-Йорка) в семье известного скульптора Erastus Dow Palme. Walter проявлял интерес к искусству с раннего детства, вырос среди художников. Его первые уроки профессиональной живописи в юности были получены у американского художника-портретиста Charles Loring Elliott (1812–1868)    и художника школы реки Гудзон пейзажиста Frederic Edwin Church (1826 – 1900) .Поступил в Национальную академию дизайна в 1872 году, когда ему было всего 18 лет.После европейского турне в 1873 году, Уолтер Launt Палмер продолжил свое обучение искусству в Париже до 1876 года.  Он учился пейзажной живописи в Париже у французского мастера Carolus-Duran, Charles Emile Auguste Durant (Carolus-Duran  начал учиться живописи в родном городе, Лилле; здесь же получает городскую стипендию, на которую затем в течение 2 лет живёт и учится в Париже (в Академии Сюисс). В Париже принял псевдоним Каролюс-Дюран, которым и подписывал свои работы до конца жизни. В первое время обучения Каролус-Дюран копирует картины Лувра, в особенности Леонардо да Винчи; параллельно с этим начинает писать оригинальные полотна. В 1860 году молодой художник получает премию на конкурсе Викар. В 1861 году он уезжает на учёбу в Италию, живёт в Риме, Венеции, на несколько недель задерживается в Помпеях, а в 1866 году возвращается в Париж. За период с 1861 по 1866 год Каролюс-Дюран создал немало полотен, запечатлев сценки из итальянской повседневной жизни.В 1866 году большим успехом художника стало его полотно «Убийца», купленное городом Лиллем. За эту картину Каролюс-Дюран получил столько денег, что осуществил в 1867-1868 годах учебную поездку в Испанию, во время которой он особо интересуется творчеством Диего Веласкеса.С 1904 член Института Франции и с 1905 директор Французской академии в Риме. Писал пейзажи, картины на исторические, религиозные и мифологическиетемы, но больше всего портреты, принесшие ему большую известность.  После возвращения во Францию Каролюс-Дюран женится на художнице Полине-Марии Круазет, открывает большое художественное ателье и набирает учеников , среди которых и был наш художник).

 Хорошая погода после метели. 

Валерий Иванович Яко́би (Яко́бий)   (1834 - 1902) — русский живописец, профессор, академик Императорской академии художеств, один из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. Брат революционера, впоследствии психиатра и этнографа П.И. Якоби. Якоби Валерий Иванович — жанровый и портретный живописец, сын помещика; получив общее образование в казанской гимназии, поступил студентом в Казанский университет, но не окончил в нём курса. Когда составлялось в Казанской губернии ополчение для участия в Крымской кампании, Якоби записался в него и отправился в его рядах к месту военных действий, но на пути туда был, вместе со своим отрядом, остановлен, так как война прекратилась. Тогда он решил посвятить себя живописи, любовь к которой чувствовал ещё на школьной скамье, и, прибыв в 1856 году в Санкт-Петербург, стал посещать классы академии художеств. Состоя в ней учеником профессора А. Маркова, он прошёл её курс чрезвычайно быстро и получил одну за другой все награды, установленные для полного его окончания, а именно малую серебряную медаль в 1858 году, за картину «Разносчик фруктов» (находится в Третьяковской галерее в Москве), большую серебряную медаль в 1859 году, за картину «Татарин, продавец халатов», малую золотую медаль в 1861 году, за картину «Светлое Воскресенье нищего» и большую золотую медаль в 1862 году, за картину «Привал арестантов» (в Третьяковской галерее), произведшую большое впечатление на публику, живо принимавшую тогда к сердцу вопросы, вызвавшее благотворные реформы императора Александра II, между прочим и вопрос об облегчении участи каторжников и ссыльных.  Вскоре по получении большой золотой медали, Якоби отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетив сперва Германию, он проехал в Швейцарию и работал некоторое время в Цюрихе, под руководством профессора Колера, а затем жил в Париже, Неаполе и Риме. В это время, кроме небольших жанровых картин, им написаны две исторические — «Террористы и умеренные первой французской революции» (в московском публичном музее, самое лучшее из всех произведений художника) и «Кардинал Гиз, получивший голову адмирала Колиньи, убитого в Варфоломеевскую ночь»; последняя, находившаяся на академической выставке 1864 году, доставила Якоби звание академика. Он возвратился в Санкт-Петербург, в 1869 году и через год после того, за картину «Арест герцога Бирона», был возведен в звание профессора, а в 1870 году сделан членом академического совета. 

Привал арестантов 1861 г.  Масло, холст Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия 

  Анонимные мастера Северного  Возрождения, сколько их было...Редко прочтёшь о них несколько строк в многотомных энциклопедиях по изобразительному искусству, ещё реже встретишь качественные репродукции их произведений в интернете, разве что случайно наткнёшься в каком-нибудь музее. А ведь их картины не менее интересны и великолепны, чем произведения именитых мастеров. Некоторые из этих скромных тружеников условно названы искусствоведами «Мастер Девы среди дев», или «Мастер алтаря святого Иоанна Крестителя», или «Мастер из Франкфурта»,   но многие не имеют и этих условных наименований. Вот этим-то незаслуженно отодвинутым в тень творцам красоты и гармонии и посвящена данная серия...  

Оплакивание Христа    1486-1487

Maitre de la Vierge entre les vierges Мастер Вирго интер виргинес (Мастер Девы  среди дев) - крупный нидерландский художник , работал в Делфте в последней четверти XV в. Его условное имя происходит от названия картины «Дева среди дев» (Амстердам, Гос. музей). Близость его стиля характерной делфтской манере миниатюристов, а также его собственные рисунки к книгам, отпечатанным в Делфте, подтверждают, что Мастер Девы среди дев работал именно в этом городе.

Аллегория любви. 

    Неизвестный мастер, картина неизвестного художника... Как часто в музеях мира мы встречаем этот прочерк в графе «Автор», и проходим мимо чьей-то судьбы... Иногда - равнодушно, часто - нет...Существует вот такая интересная точка зрения по поводу анонимности авторства : название автора «Неизвестный мастер» заменило когда-то в средние века фамилии реальных, но, увы, малоизвестных, как сказали бы сегодня, «не раскрученных», или даже совсем неизвестных, но хороших мастеров, прославившихся какой-либо картиной - по названию этой работы, либо  по названию города, в котором он творил...Происходило это в Германии, Бельгии и Нидерландах - богатых странах и культурных центрах того времени. Почему именно в средние века? Это был расцвет искусств, в том числе, живописи, и торговли картинами.

Святой Христофор (от греч. Χριστοφορος — носящий Христа) 

Триптих Крещение Христа, масло, сусальное золото, дерево, Museu Nacional d'Art de Catalunya  

   В пятнадцатом  веке картины почти никогда не подписывали и те, которые сохранились до наших дней, редко могут быть связаны с определенным  именем художника, упомянутого в архивах  и каталогированного . Начиная с ХХ века  эти анонимные картины были классифицированы и сгруппированы на основе стилистических сходств . Каждая группа была приписана к отдельному «Мастеру» , который соответствовал либо названию одной из его картин, либо городу, где он работал, либо теме картин   ( Мастер легенды о Святой Екатерине , Мастер легенды о Святой Варваре,  Мастер легенды о Святой Магдалине ) , или серия картин (Мастер   жизни Иосифа ) или характерным ( Мастер "Вышитая Листва" , Мастер вида Санкт Гудулы ) .С помощью современных методов , таких как ИК- рефлектография , можно различить разных участников , или "руку" , в каждой группе.  

Мастер вида Санкт Гудулы . Святая проповедь. 1480 Paris, Musée du Louvre

"...Магдалина билась и рыдала,
Ученик любимый каменел,
А туда, где молча Мать стояла,
Так никто взглянуть и не посмел..."

 «Реквием» Анна Ахматова

    Мельница и крест ( The Mill and the Cross) - именно так называется фильм, впервые представленный в 2011г. в рамках  Роттердамского международного кинофестиваля (производство Польша-Швеция). В основе фильма — написанный в 1564 году Питером Брейгелем Старшим шедевр «Путь на Голгофу», созданный на сюжет Страстей Христовых.Вдохновленный масштабным полотном нидерландского живописца, польский кинорежиссер Лех Маевски  создал свою картину, смысловым центром которой, как и у Брейгеля, остаются  Страсти Христовы, Крестный путь и смерть.  Картина представляет собой фантазию на тему судеб десяти персонажей, которых можно увидеть на знаменитом полотне (в их числе — Дева Мария), самого Питера Брейгеля и антверпенского купца, коллекционера предметов искусства Николоса Йонгелинка, по заказу которого художником было создано несколько картин.  

  Питер Брейгель Старший, Путь на Голгофу (Несение креста). 

Dieffenbach, Carl Wilhelm (1851 Hadamar in Nassau - 1913). Прибрежное шоссе от Сорренто-Амальфи .1911.

Альслот Дэнис ван Зимний пейзаж 1610

 Константин Федорович Юон (12 октября 1875 — 11 апреля 1958) —  русский художник, график, театральный художник, теоретик искусства. Родился 12 (24) октября 1875 года в Москве в швейцарско-немецкой семье. Отец —  служащий страховой компании, позже — её директор; мать — музыкант-любитель.   С 1892 по 1898 год учился в МУЖВЗ. Его преподавателями были такие мастера, как К. А. Савицкий, А. Е. Архипов, Н. А. Касаткин. По окончании училища два года работал в мастерской В. А. Серова. Затем основал собственную студию, в которой преподавал с 1900 по 1917 совместно с И. О. Дудиным. Его учениками были, в частности, А. В. Куприн, В. А. Фаворский, В. И. Мухина, братья Веснины, Н. Д. Колли, Ройтер Михаил Григорьевич. Пейзажист, автор портретов, жанровых картин. Константин Юон - представитель символизма и модерна, органично продолживший эти традиции в советскую эпоху. Живописная манера Константина Юона сложилась под влиянием уроков и творчества  Костантина Коровина и Валентина Серова. Константин Юон принимал участие в выставках Московского товарищества художников (1899, 1902), Товарищества передвижных художественных выставок (1900), «Мира искусства» (1901, 1906). С 1903 был постоянным экспонентом Союза русских художников, с 1904 — входил в состав Комитета «Союза». Константин Юон работал преимущественно как пейзажист, снискав «широкую известность» у московской и петербургской публики. В конце 1900-х — начале 1910-х оформлял оперные постановки Русских сезонов С. П. Дягилева в Париже.Жил и работал в основном в Москве.    После революции Константин Юон был одним из инициаторов создания школ изобразительного искусства при Московском отделении народного образования. В 1920 получил первую премию за проект занавеса для Большого театра. В 1921 избран действительным членом Российской Академии художественных наук. С 1925 — член Ассоциации Художников Революционной России. В 1938–1939 руководил персональной мастерской во Всероссийской Академии художеств в Ленинграде.  В 1940 выполнил эскизы мозаичного оформления Дворца Советов. В 1943 награжден Сталинской премией, в 1947 избран действительным членом Академии художеств СССР. С 1943 по 1948 Константин Юон работал главным художником Малого театра. В 1950 был удостоен звания «Народный художник». В 1948–1950 возглавлял НИИ истории и теории изобразительного искусства Академии художеств СССР. Доктор искусствоведения. В 1952–1955 преподавал в Московском государственном художественном институте им. В. И. Сурикова, профессор. С 1957 — первый секретарь правления Союза художников СССР.

Весенний вечер. Ростов Великий. 1906  Серпуховский художественно-исторический музей

Сын военного врача из Таганрога Константин Аполлонович Савицкий был вынужден уйти из Академии художеств фактически сразу же после поступления в нее в 1862 году. Сказалась недостаточная подготовка даровитого юноши, стремившегося стать настоящим живописцем. После двух лет упорной самостоятельной работы Савицкий возвращается в Академию. Талантливый молодой художник уже успешно осваивает академический курс, регулярно получая за свои учебные работы медали различных достоинств. Более того, с 1871 по 1873 год он являлся стипендиатом императора Александра II.  Типичный представитель передвижничества, замечательный мастер жанровой живописи Константин Аполлонович Савицкий (1844-1905) был разночинцем по происхождению. Учился Савицкий в Академии Художеств (1862–1873) вместе с И. Е. Репиным, дружба с которым, а также сближение с И. Н. Крамским, М. М. Антокольским, И. И. Шишкиным, В. В. Стасовым предопределили во многом идеалы и творческие стремления художника. Был отчислен из Академии и претерпевал сильные материальные затруднения.Лето 1873 года Савицкий вместе с И. Н. Крамским проводит на станции Козловка-Засека под Тулой, где «возгорается» замыслом картины «Ремонтные работы на железной дороге» (1874) — первого и одного из наиболее значительных своих произведений. Вслед за Репиным, написавшим за год до того «Бурлаков», Савицкий в картине отражает не отдельный, пусть даже значимый, факт, а целое явление современной ему жизни. Главным героем монументального полотна становится крестьянство. В сложной, но мастерски построенной композиции, где представлено огромное количество людей, движущихся в различных направлениях, Савицкому удалось прекрасно передать ритм и напряженность тяжелейшего труда крестьян, ставших рабочими-поденщиками на строительстве железной дороги. Здесь впервые с небывалой силой проявилось то «хоровое начало» (В. В. Стасов), которое будет свойственно творчеству художника и позднее. Двое персонажей первого плана (мужчины с гружеными тачками) намеренно выделены среди остальных, в них подчеркнуты сила, упорство, решительность. Колорит картины строится на тональном единстве серых, желтых, сине-серых, коричневых красок.  Показанная на III передвижной выставке, эта картина сделала имя автора широко известным и получила положительную оценку в среде художников и в прессе. Третьяков приобрел ее для своей галереи. После продажи картины молодой художник смог выехать во Францию, где уже жили его друзья — И. Е. Репин и В. Д. Поленов. Вместе с ними Савицкий изучал опыт французских живописцев, работал над проблемой пленэра. В созданных им во Франции картинах — «Море в Нормандии (Рыбак в беде)» (1875), «Путешественники в Оверни» (1876) — он в основном сосредоточился на передаче световоздушной среды. Пробыв во Франции около двух лет, художник возвращается на родину и окунается в гущу проблем российской действительности. Он делает много рисунков на различные темы. Переведенные в гравюру, эти рисунки воспроизводились в журналах «Всемирная иллюстрация», «Пчела», «Художественный журнал», «Север», «Артист». 

Охотник 1874 холст, масло   

Питер Брейгель Старший. Мир вверх тормашками 1559 Staatliche Museen, Berlin

  Говорить о  картине "Мир вверх тормашками"   как о произведении искусства, как о части культурного наследия, очень сложно. Обычные в этом случае слова корректны как-то невпопад и смешны, как только может быть смешон трезвый и непринужденно ведущий себя человек в шикарном костюме среди голых в бане. А что впопад? Корректный вежлив, тактичен и учтив. В латыни correctus – выправленный. То есть корректность противопоставляется грубым нравам, и есть нечто безусловно положительное, правильное. Как-то не так это правильно. Во-первых, в текстах Сенеки встречается поговорка: Corrigo curva – выпрямлять все кривое, что означает: 1) делать почти невозможное; 2) задаваться неосуществимыми целями.

 Питер Кук ван Альст (нидерл. Pieter Coecke van Aelst  ) (1502–1550) – фламандский живописец, рисовальщик, гравер, путешественник, универсально образованный человек, знавший несколько языков и переводивший с итальянского теоретический трактат Себастьяна Серлио об архитектуре, писатель и иллюстратор. Питер Кук ван Альст родился 4 или  14 августа 1502 г. в Алсте, являлся  сыном живописца van Jan Coecke и  Ida De Pauw . Он происходил из знатной семьи , которая уходила своими корнями в политиков и художников.  Учился Питер Кук  у  своего отца и затем у   Бернарта Орлея, после этого жил в Италии. В 1527 году он вступил в гильдию Святого Луки г.Антверпена. В 1533г. художник предпринял опасное по тем временам путешествие в Турцию  через Балканы  , в древний Константинополь , где он пробыл около года . Он сделал за эту компанию огромное количество рисунков , которые его жена, овдовев, позднее сделала  как ксилографическую  серию ; но самое главное, он познал тонкости турецкого шерстяного ковроткачества, которые и внедрил   в Брюсселе, хотя и не нашел в Константинополе деловых партнёров для сбыта своих шпалер.В 1544 году открыл свою мастерскую в Брюсселе, изготовлявшую живописные полотна, гравюры и шпалеры. Среди наиболее значимых — серия аррасов (то есть гобеленов) на темы картин Иеронима Босха. Серия была создана в неизвестных мастерских Брюсселя в 1530—1540-е годы. Аррасы серии продали во Францию, причём пять из них указаны в описи имущества короля Франциска І от 1542 г.В промежутке 1530—1550 годов он и Бернар ван Орлей являлись самыми влиятельными лицами в брюссельском ковроткачестве.   Серия пользовалась популярностью и после смерти художника. Она была повторена в 1566 году для кардинала Гранвелла. Два года спустя серию соткали заново для герцога Альбы.  Питер Кук ван Альст   был женат дважды, обе его жены были дочерьми крупных художников, имел от них пятерых детей, к тому же  имел еще трех детей внебрачных, причем, четверо его сыновей стали художниками. Думаю, Вы поймете, что не из-за этого его прозвали "многоплодным"... Вторая женитьба состоялась  в 1538г. на Mayke Verhulst Besse Мерс , известной художнице-миниатюристке из Мехелена , которая родила ему троих детей , младшая  дочь, как мы знаем, выйдет замуж за Питера Брейгеля Старшего позже. Незадолго до своей смерти, а умер он рано - 6 декабря 1550г.,  Питер Кук стал придворным художником у Карла V.  Именно у Питера Кука учился в первую очередь гравюре Питер Брейгель Старший – в дальнейшем самый крупный живописец той эпохи в Нидерландах, женившийся впоследствии на дочери Кука - Марии. Некоторые исследователи опровергают факт обучения Брейгеля у Кука, объясняя это разными стилистическими манерами обоих,  но это неправильно, - действительно, Брейгель связан со своим учителем - первый этап обучения и основной был - обучение гравюре. Много позднее Брейгель пришел к созданию своего стиля в живописи, а ещё позднее и породнился с Куком.

Мадонна с Младенцем 

Семен Федорович Федоров (1867-1910) - ученик выдающегося живописца И. Шишкина. Но в профессию живописца Семен Федоров пришел поздно. Сначала поступил он на военную службу, в течение которой занимался живописью как любитель. Президент Академии Художеств Великий князь Владимир Александрович, увидев его работы, распорядился уволить Федорова в запас и принять в АХ учеником И.И. Шишкина. Художник Федоров писал этюды на станции Сиверская, в окрестностях Валаамского монастыря, в Финляндии, Нижнем Новгороде.   В 1890-е годы работал в мастерской Ю.Ю. Клевера ( долгое время многие его работы считались работами Клевера ).Жил и работал в Петербурге, часто совершая поездки в Финляндию.