Йозеф Гайдн (1732 — 1809)

Гайдна справедливо считают отцом симфонии и квартета, великим основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного оркестра.

Йозеф Франц Гайдн родился 31 марта 1732 года в деревне Рорау (Нижняя Австрия).

В шестилетнем возрасте Йозеф был отдан в школу в Хайнбурге, где обучался игре на различных музыкальных инструментах и пению. В 1740 Гайдн, благодаря прекрасному голосу, стал певчим в соборе Святого Стефана в Вене. В хоре собора он пел до 1749. Живя в крайней бедности и нужде, Гайдн находил отраду только в занятиях музыкой. В австрийской столице он познакомился с итальянским поэтом, драматургом и либреттистом П. Метастазио, который познакомил Гайдна с композитором и педагогом Н. Порпорой.

С 1753 по 1756 Гайдн работал у Порпоры аккомпаниатором и одновременно изучал основы композиции. Порпора просматривал композиторские опыты Гайдна и делал ему указания. Гайдн, чтобы вознаградить учителя, был аккомпаниатором на его уроках пения и даже прислуживал ему. 

Читать далее...

Фильм-опера "Катерина Измайлова" Д.Шостаковича.

«Леди Макбет Мценского уезда» — опера в 4 действиях  Д. Д. Шостаковича на либретто Д. Д. Шостаковича и А. Г. Прейса по мотивам одноимённой повести Н. С. Лескова. Либретто Д. Д. Шостаковича — А. Прейса следует фабульной канве повести, но все же несколько отличается от неё. По ходу постановок либретто подвергалось значительному изменению; в 1932—1935 годах сложилось три  литературно-сценических версии произведения. Отчасти изменение было связано со смягчением языка и натурализма в изображении сцен. Опера послужила поводом к осуждению композитора руководством коммунистической партии и запрещена к постановке во второй половине 1930-х — 1950-х годах. В 1962 году поставлена  в автоцензурированном виде под названием «Катерина Измайлова», в 1966 году снят фильм под тем же названием В целом опера была хорошо принята публикой, критикой и тогдашним советским музыкальным начальством. Однако заметна была и критика, касавшаяся, в основном, экспрессии и изобразительного натурализма, усмотренного в музыке, например, композитором С. С. Прокофьевым и критиком американской «Нью-Йорк Сан».

Тематика оперы актуальна как для того времени, так и сейчас: падение женщины на самое дно. Но ради чего? Ради любви. В театре опера воспринимается прекрасно, на одном дыхании, но и экранизация сделана не менее талантливо! Дмитрий Шостакович писал партию Катерины специально для Галины Павловны Вишневской. Вместе они сотворили настоящий шедевр. В фильме принимает участие хор и оркестр Киевского академического театра оперы и балета им. Шевченко. Дирижёр Константин Симеонов. Почётный диплом на XXI международном кинофестивале в Эдинбурге, Шотландия (1967).

В ролях: Галина Вишневская, Артем Иноземцев, Николай Боярский, Александр Соколов, Роман Ткачук, Татьяна Гаврилова, Вера Титова, Любовь Малиновская, Константин Адашевский, Игорь Боголюбов, Константин Тягунов, Марк Решетин

"Крейцерова соната" и "Интимные письма" Леоша Яначека


ЛЕОШ ЯНАЧЕК - один из наиболее интересных представителей чешской музыки.
(1854—1928)


БИОГРАФИЯ

Творчество Леоша Яначека совершенно уникально. Способ выражения и темы у него сугубо индивидуальны, стиль неподражаем.Яначек - характерно реалистический композитор, всегда выражавший правду жизни. Музыка его полнокровна, сгущена, вся она - движение. Это здоровая, кипящая и захватывающая музыка, в которой он не раз удачно использует мелодийные элементы интонаций человеческой речи.


Струнный квартет No. 1 "Крейцерова соната" (1923)
String quartet n°1 "The Kreutzer Sonata"





Квартет создан под впечатлением от рассказа Л.Н. Толстого. В музыке изображена психологическая драма: "Я воображал бедную измученную женщину, точно такую же как у Толстого в Крейцеровой сонате", пишет Яначек. Главная тема квартета напоминает мелодический материал из неоконченной симфонии "Дунай" композитора. Используя принцип тематического монтажа, Яначек в этом квартете почти оставляет позади область традиционной гармонии, и вместо этого бесцеремонно обращается с различными звуковыми сочетаниями, типичными для его позднего стиля, включая его "торговую марку" - модальные окончания. Меланхоличная первая часть - сцена в поезде, где Позднышев рассказывает свою историю. Скерцо, подобное мрачной польке, описывает историю женитьбы и невесёлых будней семейной жизни. Звучащие в скерцо отголоски скрипичной сонаты Бетховена, когда скучающая жена восхищена скрипачом, и они совместно музицируют, в третьей части приобретают гротескный характер, словно передающий впечатления ревнивого мужа. В финале мы слышим повторение темы первой части, играемой скрипкой (она отмечена в партитуре как "в слезах"). Яростное развитие этой мелодии приводит драму к её ужасному концу - возвратившись, ревнивец, застаёт скрипача и жену вместе. Музыкант сбегает, а Позднышев кинжалом убивает жену.


Читать далее...

Ламара Чкония - начало карьеры

Знаменитая на весь мир грузинская певица Ламара Чкония родилась 27 декабря 1930 года. Она относится к тому счастливому поколению, которому в 60-70 годах XX столетия удалось внести огромный вклад в развитие мировой вокальной культуры.

Ламара Чкония первая грузинская вокалистка, которая благодаря своему таланту и профессионализму, сумела прорвать «железный занавес» Советского Союза и выйти на мировую арену.

Ламара Чкония, концерт в Москве, 1975 год, дирижер Ю. Силантьев

В 1956 году она с отличием закончила тбилисскую консерваторию и сразу же была зачислена солисткой тбилисского оперного театра. Очень быстро ей доверили исполнение главной роли – Маро в новой премьерной постановке оперы З. Палиашвили «Даиси».

Жизнь творческого человека полна трудностей, препятствий и тяжелых переживаний. Исключением в этом отношении не является и творческая жизнь Ламары. После триумфального выступления в «Даиси», против нее заработала мощная система интриг. Здесь мы хотим привести отрывок из ее книги, созданной по дневникам певицы, которая была издана в Киеве, в 2009 г.

Lamara Chkonia, Maro's aria(Maros Tirili),opera Daisi,Kiev 1964

Читать далее...

Чудесное произведение Альфреда Шнитке "Сюита в старинном стиле"

Сегодня хочется представить произведение Альфреда Шнитке "Сюита в старинном стиле", написанное в 1972 году.

Оригинальным жанром в отечественной музыке второй половины XX века становится инструментальный «театр миниатюр».
 Образец инструментального «театра миниатюр» представлен в сочинении   А.Шнитке шестидесятых-семидесятых годов «Сюите в старинном стиле».
"Сюита в старинном стиле" - лёгкое для восприятия сочинение Шнитке — образец его мастерства стилизатора - появилось на основе киномузыки.

Работа А. Шнитке над «Сюитой в старинном стиле» охватывает длительный период – с 1965 по 1972 годы. Первоначально у автора возник замысел создания серии инструментальных пьес, предназначенных для педагогических целей. Позднее отдельные пьесы из педагогического сборника стали музыкальной канвой для звукового оформления двух кинофильмов Элема Климова – «Похождение зубного врача»  и «Спорт, спорт, спорт». Лишь в семидесятые годы, окончательно завершенная «Сюита в старинном стиле» становится концертным произведением. Это произведение представляет собой пять музыкальных частей, стилизованных под барочную музыку. Изначально это были три пьесы, написанные для фильма «Похождения зубного врача» (Пастораль, Балет и Пантомима) и две пьесы для фильма «Спорт, спорт, спорт» (Менуэт и Фуга). 

Однако сумма этих частей в корне изменила смысл общего – получилось очень сильное произведение, в котором за счет интонаций возникает глубочайшее философское содержание. То есть ее можно слушать и как красивую барочную музыку, и как   путешествие познающей себя души. Потому важны и слушатель, и исполнение. Существует более десятка вариантов исполнения Сюиты, и можно услышать как минимум три-четыре совершенно разных произведения.

Пастораль.

.

Читать далее...

"Пятничные" страсти по кофе или "Кофейная кантата"

«Каждую пятницу с 20.00 в нашем клубе живая музыка — Иоганн Бах со своей группой „Музыкальное содружество“ играют для вас зажигательное необарокко собственного сочинения!» — так можно было бы перефразировать на современный лад вывеску на кофейне Циммермана в Лейпциге.
Лет 300 назад это было культовое местечко, где собиралась самая «продвинутая» молодежь и прочие эстеты, ибо кофепитие начало стремительно входить в моду. Бюргерское общество не одобряло новое увлечение, случалось даже, что кофе запрещали продавать и пить в общественных местах. Но мода на него все больше распространялась, особенно среди женской половины Лейпцига.
Юмористы высмеивали дам всех возрастов, часами распивавших кофе. Однако Бах относился, очевидно, к тем, кто был не прочь снять усталость бодрящим напитком, а не только кружкой пива.

Именно в кофейне Циммермана он решил выступать со своими молодыми друзьями — когда-то кружком студентов, любящих музыку, который Бах возглавил в 1729 году и превратил в «Музыкальное содружество». Это стало настоящей отдушиной для маэстро, к которому проявляли яростное неприятие церковные и городские власти. Пожалуй, впервые в жизни Бах нашел поддержку, единство и горящие глаза, творческую атмосферу, полную юмора и служения музыке! Многие из этих студентов превратились в настоящих виртуозов и стали его учениками.
Читать далее...

"ПЕЛ Я СЛАДОСТНОЮ СКРИПКОЙ..."К 115-летию христианского «Орфея»

Г.Кржижановский "Элегия", посвящённая И.С.Козловскому

"Пошлёшь ли свой привет ты нашим теням
С достигнутых тобой невиданных вершин?"

Иван Семёнович Козловский
(24 марта 1900 — 24 декабря 1993)

Всегда любила слушать романсы и арии из опер в исполнении Ивана Семёновича...
Привычно.Узнаваемо.
Но,подготавливая этот пост,открыла для себя другого Козловского...
Счастлива и рада этому открытию.Предлагаю и вам послушать.
Кто-то слышал это ,а кто-то,как и я, впервые...

И.С.Бах.
"В долине слез как тень блуждая"- ария из кантаты BWV 114
Флейта - Александр Корнеев, орган - Г. Гродберг. 1970 г






И.С.Бах
"Там, где вечный мрак страданий"- ария из кантаты BWV 143



КЛИК ПО ССЫЛКЕ


Читать далее...

Игорь Стравинский. Итальянская сюита

Итальянская сюита из балета «Пульчинелла» для скрипки и фортепиано, созданная Стравинским в 1925 году, представляет собой удивительно стройное сочинение. Органичная композиция из эпизодов самого «солнечного» балетного творения, ставшего предвестником неоклассицизма Стравинского, воссоздает стихию итальянских карнавалов с традиционными представлениями комедии масок dell’arte. Главный герой этих площадных спектаклей – красноносый Пульчинелла, причудливым образом сочетающий в себе черты Петрушки и Дон Жуана. Он брызжет весельем – и в то же время меланхоличен, пускается в философские рассуждения – и предается романтическим мечтам. Реестр его любовных побед вполне оспорил бы пальму первенства у знаменитого дон-жуановского списка. Разъяренные соперники расправлялись с ним много раз, но Пульчинелла неизменно воскресает. 

Читать далее...

Модест Петрович Мусоргский. "Борис Годунов"

Юрий Селиверстов. "Модест Мусоргский"

   Мысль написать оперу на сюжет исторической трагедии Пушкина «Борис Годунов» (1825) Мусоргскому подал его друг, видный историк профессор В. В. Никольский. Мусоргского чрезвычайно увлекла возможность претворить остро актуальную для его времени тему взаимоотношений царя и народа, вывести народ в качестве главного действующего лица оперы. «Я разумею народ как великую личность, одушевленную единой идеей,- писал он.-Это моя задача. Я попытался решить ее в опере».
  Работа, начатая в октябре 1868, протекала с огромным творческим подъемом. Через полтора месяца уже был готов первый акт. Композитор сам писал либретто оперы, привлекая материалы «Истории государства Российского» Карамзина и другие исторические документы. По мере сочинения отдельные сцены исполнялись в кружке «кучкистов», собиравшихся то у Даргомыжского, то у сестры Глинки Шестаковой. "Радость, восхищение, любование были всеобщими",-вспоминал В. В. Стасов.  

Читать далее...

"Благословляю вас, леса…" во Всемирный День Поэзии




"Благословляю вас, леса…"
романс для голоса (баса) с фортепиано, ор. 47, № 5.
Пётр Ильич Чайковский. Алексей Константинович Толстой.



Время создания:1880 год.
Посвящение: Александре Валерьяновне Панаевой
Панаева Александра Валерьяновна (1853 - 1942) – русская певица. Много выступала с исполнением романсов П. Чайковского.

Романс на стихи А. К. Толстого звучит как слава высшей любви, на которую способен человек, - любви ко всему живому... Природа - бесценный Божий дар: все времена, все поколения несли ей свою благодарность... Чайковский написал много романсов на стихи этого поэта. Данный романс - первое столь эмоционально яркое выражение отношения самого композитора к природе. Композиторские приемы, которыми выражено это, можно сказать, вселенский масштаб.

На создание романса Петра Ильича Чайковского вдохновило произведение поэта(поэма «Иоанн Дамаскин»), которого композитор давно почитал, и на стихи которого написал много произведений «Толстой - неисчерпаемый источник для текстов под музыку, это один из самых симпатичных мне поэтов», - писал композитор Н. Ф. фон Мекк в июне 1880 года. Как ни странно, но лично они не были знакомы.

А. Толстой в своей поэме «Иоанн Дамаскин» сделал свободное переложение знаменитого погребального гимна этого выдающегося деятеля Православной церкви. В душе П. Чайковского, человека глубоко верующего, эти строки не могли не найти отклика – возвышенного благоговейного чувства.
Вот текст стихотворения:

Благословляю вас, леса,
Долины, нивы, горы, воды,
Благословляю я свободу
И голубые небеса.
И посох мой благословляю,
И эту бедную суму,
И степь от краю и до краю,
И солнца свет, и ночи тьму,
И одинокую тропинку,
По коей, нищий, я иду,
И в поле каждую былинку,
И в небе каждую звезду.
О, если б мог всю жизнь смешать я,
Всю душу вместе с вами слить;
О, если б мог в мои объятья
Я вас, враги, друзья и братья,
И всю природу заключить!

П. Чайковский находился под обаянием лиризма стихов А. Толстого, их яркой открытой эмоциональности. Романс «Благословляю вас, леса» стал выражением собственных мыслей композитора о природе и мироздании. В доме-музее П. И. Чайковского в Клину хранится том стихов А. К Толстого с набросками композитора к этому романсу.
Тема природы впервые с такой силой и пафосом прозвучала в лирике Чайковского. Этот романс – одно из самых совершенных творений Чайковского. Он относится к числу сравнительно немногих страниц его музыки, исполненных внутренней гармонии, полноты счастья. Это ощущается и в спокойной, уверенной поступи мелодии, и в полнокровной, насыщенной фактуре фортепианного сопровождения. Мелодия на редкость естественно передает интонации поэтической речи, ее плавность, величественность.

Этот романс – подлинный гимн. Исполнителю – чтобы со всей силой передать, и слушателю – со всей глубиной воспринять...
 

* * *

С. Лемешев однажды поделился с актером Б. Щукиным своей идеей спеть все романсы П. Чайковского и спросил, не слишком ли это самонадеянно? Щукин горячо поддержал эту идею, но поинтересовался, что певца в этом смущает?
- Да как же, - сказал Лемешев, - романс «Благословляю вас, леса…», например, написан автором для баса, а у меня легкий лирический голос!
На это Б. Щукин не без юмора ответил:
- Не понимаю, дорогой, почему леса надо благословлять обязательно басом? Можно благословлять их и тенором!

источник
 

Интервью Элисо Вирсаладзе к 100-летию Святослава Рихтера

  Элисо Вирсаладзе открыла в Нижегородской филармонии цикл концертов, посвященных 100-летию со дня рождения Рихтера. Кроме неё, в абонементе примет участие Наталия Гутман, что вполне закономерно, поскольку обе исполнительницы относятся к сообществу музыкантов, называемому «кругом Рихтера». Обеих связывают с Рихтером долгие годы дружбы, интенсивного интеллектуального общения, творческого сотрудничества, совместных выступлений, переживаний по поводу радостных и горьких событий.

В первый вечер цикла были исполнены три фортепианных концерта – Грига, Первый Листа и Второй Равеля (для левой руки). Сопровождал выступление пианистки Академический симфонический оркестр Нижегородской филармонии под руководством Александра Скульского. Нижегородцам предстоит также услышать совместное выступление виолончелистки и пианистки в камерной программе и сольный концерт Наталии Гутман. Накануне концерта в интервью корреспонденту Belcanto.ru Элисо Вирсаладзе рассказала о своём общении с великим пианистом ХХ века. 

Читать далее...

"Маэстро королевской фамилии". Ж.Б. Люлли.

Ж. Б. Люлли — один из крупнейших оперных композиторов XVII в., основоположник французского музыкального театра. В историю национальной оперы Люлли вошел и как создатель нового жанра — лирической трагедии (так называлась во Франции большая мифологическая опера), и как выдающийся театральный деятель — именно под его началом Королевская академия музыки стала первым и главным оперным театром Франции, который позднее обрел всемирную известность под названием Grand Opera.
Люлли родился в семье мельника. Музыкальные способности и актерский темперамент подростка привлекли внимание герцога де Гиза, который ок. 1646 г. увез Люлли в Париж, определив на службу к принцессе Монпансье (сестре ко- роля Людовика XIV). Не получивший музыкального образования на родине, умевший к 14 годам лишь петь и играть на гитаре, Люлли занимался в Париже композицией, пением, брал уроки игры на клавесине и особенно любимой им скрипке. Молодой итальянец, добившийся благоволения Людовика XIV, сделал при его дворе блестящую карьеру. Талантливый виртуоз, о котором современники говорили — «играть на скрипке как Батист», он скоро вошел в знаменитый оркестр «24 скрипки короля», ок. 1656 г. организовал и возглавил свой малый оркестр «16 скрипок короля». В 1653 г. Люлли получил место «придворного композитора инструментальной музыки», с 1662 г. он уже суперинтендант придворной музыки, а еще через 10 лет — владелец патента на право основания в Париже Королевской академии музыки «с пожизненным пользованием этим правом и передачей его по наследству тому из сыновей, кто станет его преемником на посту суперинтенданта музыки короля». В 1681 г. Людовик XIV удостоил своего любимца дворянскими грамотами и званием королевского советника-секретаря. Скончавшийся в Париже, Люлли до конца дней сохранил положение абсолютного властителя музыкальной жизни французской столицы.

Читать далее...

«Жаворонковый» концерт Людвига ван Бетховена




Ни одна «академия» (так в XVIII–XIX веках назывались авторские концерты) Людвига ван Бетховена(1770–1827) не обходилась без исполнения фортепианных концертов композитора и его собственного участия в качестве пианиста и обожаемого публикой импровизатора. Наиболее обширная, трехчасовая, «академия» 22 декабря 1808 года включала, помимо Пятой и Шестой симфоний и фрагментов Мессы до мажор, Четвертый фортепианный концерт соль мажор и, как значилось в афише, «Импровизацию для фортепиано с последующим постепенным вступлением полного оркестра и с присоединением хора в финале».
Готовясь к «академии», Бетховен не предполагал сам исполнить Четвертый концерт (ослабевший слух подводил музыканта при игре в ансамбле). Но пианисты, к которым обратился Бетховен, не успевали выучить сложную сольную партию за несколько дней до премьеры, и автору пришлось самому представлять публике новое сочинение. В последнем публичном выступлении Бетховена-пианиста критик отмечал «удивительное совершенство и предельную виртуозность… он подлинно пел на своем инструменте с чувством глубокой меланхолии» (это в особенности, конечно, относилось к Andante – изумительному по глубине драматическому диалогу солиста и струнной группы оркестра). Четвертый концерт, а вслед за ним и Фантазия вопреки непреложной традиции открывались не оркестровым tutti, а вступлением солиста. Само это «тихое» начало предопределяло основное настроение концерта – своеобразного «лирического интермеццо» между суровым, мужественным Третьим и героическим Пятым концертами. Четвертый концерт, сыгранный автором, более при жизни Бетховена не исполнялся (вот один из самых разительных примеров всеобщей глухоты публики и музыкантов!).
Только четверть века спустя Концерт заново «открыл» искатель музыкальных кладов Феликс Мендельсон, исполнив его в 1832 году в Париже. Присутствовавший на его исполнении Шуман был так сильно впечатлен сочинением и талантом исполнителя, что по его словам, «сидел на месте, затаив дыхание и боясь пошевелиться».

«Четвертый концерт соль мажор... самый трогательный, самый душевный концерт. В нем перед нашими глазами, а лучше сказать – перед нашими ушами, выразительнее всего предстают самые сильные чувства бетховенской души. Основная часть концерта полна невероятного напряжения и содержит кантилены, которые насквозь пропитаны эмоциями. Когда я после большой каденции играю коду – эти пассажи в диалоге с гобоем, – то не могу сдержать слез. У меня мурашки ползут по телу. А когда еще в этот момент струнные ткут свой бархатный ковер, передо мной открываются небеса…». Рудольф Бухбиндер Концерт для фортепиано с оркестром №4, Соль мажор, соч.58 Piano Concerto No. 4 in G major, Op. 58 1. Allegro moderato 2. Andante con moto in E minor 3. Rondo (Vivace) Венский Филармонический Оркестр Солист и Дирижёр - Рудольф Бухбиндер

Читать далее...

«Жаворонок» Йозефа Гайдна

Йозеф Гайдн

"Квартет - это беседа четырёх неглупых людей"

Квартеты Йозефа Гайдна – одна из вершин мировой камерной музыкальной классики.
Шесть квартетов, соч. 64 – ровно половина того, что было создано Гайдном в этом жанре между 1787 и 1790 годами.

Квартет No. 5, "Жаворонок" из этого опуса, показывающий Гайдна в блеске своего изобретательного и вдохновенного мастерства, стал одним из самых любимых музыкантами и слушателями произведений этого жанра.

String Quartet in D Major, Op. 64, No. 5 "The Lark" ("Жаворонок")



1. Allegro moderato
2. Adagio cantabile
3. Menuetto. Allegretto
4. Finale. Allegro

В начале первой части аккорды стаккато у второй скрипки, альта и виолончели, контрастируют с гибкой, трепетной мелодией первой скрипки, напоминающей песню жаворонка. Эта часть отмечена одной из гайдновских новаций – двойной репризой. Adagio характеризует простая, красноречивая тема, без перерыва играющаяся первой скрипкой. Третья часть – задорный менуэт с фугированным трио, материал которого появляется в одном из эпизодов финала. Гайдновская способность открывать и переосмыслять найденный материал очевидна повсюду в этом шедевре, входящем ныне в репертуар любого современного струнного квартета.
Читать далее...

"Красавицы Кадикса замуж не хотят!"

«Испанское Болеро», "Красавицы Кадикса", Les Filles de Cadix
 

Французский композитор Лео Делиб (1836-1891) и французский поэт Альфред де Мюссе (1810- 1857) соединились в этом произведении.


 Кадикс - испанский город (Андалуссия), в 1809г — 1812г безуспешно осаждался французами.. . может быть, осада носила другой характер, и француз Делиб был в курсе, почему же эти красавицы не хотят замуж...
Знаменит этот город на весь мир именно как место, где живут красавицы-испанки, которые вдохновили и художников.

Читать далее...

Лиризм и изящество вальсов Александра Глазунова

Вальс  - буквально в переводе с немецкого walzen - выкручивать ногами в танце, кружиться. Само название “вальс” появилось в 70-х годах XVIII века как обозначение народного крестьянского танца некоторых областей южной Германии и Австрии. Постепенно танец завоевал популярность в городах, особенно в Вене в начале XIX века. Расцвет венского вальса связан с творчеством Иоганна Штрауса и его сыновей.  Постепенно из прикладного танца вальс все больше поэтизировался и превращался в лирическую миниатюру,а в творчестве Ф. Шопена и Ф. Листа он приближается к поэмным жанрам романтической музыки, сочетая в себе лирико-поэтическую выразительность с элегантностью и блеском, иногда виртуозностью.
Вальсом пронизаны все виды инструментальной и вокальной музыки XIX века. В симфонии вальс становится целой частью, (вместо менуэта), как, например, в “Фантастической симфонии” Г. Берлиоза, Пятой симфонии П. Чайковского.

В операх, помимо массовых танцевальных сцен, вальс используется как основа сольных вокальных эпизодов.
Характерные черты вальса - лиризм, изящество, пластичность в сочетании с типичной ритмической формулой на три четверти с акцентом на сильную долю можно услышать во многих темах, что позволяет говорить о вальсовости как жанровом признаке.

Читать далее...

Посвящается Пабло Сарасате

"Величайшее значение Сарасате основывается на том широком признании, которое он снискал своим исполнением выдающихся скрипичных произведений своей эпохи".
Л. Ауэр

10 марта 1844 года-20 сентября 1908 года Malaguena, Op.165 No.3

Читать далее...

Портреты на банкнотах: (не)много музыки....

Наибольшее уважение, которое нация может оказать своим лучшим представителям, – это разместить их портреты на денежных знаках.

Во многих странах существуют законы, запрещающие помещать на денежные знаки изображения государственных деятелей.
Монеты и купюры этих стран нередко украшают портреты людей, прославивших собственную страну в области науки, литературы, искусства.

Австрийскую купюру достоинством 5000 шиллингов, выпуска 1988 года, украшает портрет Вольфганга Амадея Моцарта (1756–1791). Моцарт прожил очень короткую жизнь – 35 лет, музыкальные способности у него проявились в раннем возрасте, когда ему было около трех лет, все современники отмечали его феноменальный музыкальный слух и память. Он не только композитор, но и пианист, скрипач, клавесинист, органист, капельмейстер. Банкнота с изображением Моцарта стала первой в мире, на которой применили в качестве защитного средства от подделок кинеграмму. Кинеграмма – это металлизированный элемент, впрессованный в бумагу. Если смотреть на такую купюру под разными углами, рисунок меняется, «сдвигается», возникают радужные переливы.



Австрийская банкнота достоинством 5000 шиллингов.

Художник, работавший над банкнотой, взял за основу прижизненный портрет композитора кисти Йозефа Хикеля, придворного живописца императора Иосифа II. Портрет был написан в 1783 году, вскоре после женитьбы Моцарта на Констанце Вебер, когда композитору было 27 лет. Идентифицировать ранее неизвестный портрет удалось Клиффу Эйзену, профессору истории музыки лондонского колледжа. Сейчас этот портрет находится в частной коллекции и застрахован на два миллиона фунтов стерлингов (примерно 4 миллиона долларов). Портрет композитора на банкноте помещен на фоне архитектурного памятника города Зальцбурга – родины Моцарта. На оборотной стороне изобразили Венскую Государственную Оперу.




1. Маленькая ночная серенада Movt 1
2. Маленькая ночная серенада Movt 2 (7:45)
3. Маленькая ночная серенада Movt 3 (12:50)
4. Маленькая ночная серенада Movt 4 (14:50)
5. Симфония Нет 35 "Хаффнера симфония" Movt 1 (20:08)
6. Симфония № 35 "Хаффнера симфония" Movt 3 (25:54)
7. Симфония № 40 Движение 1 "Molto Allegro" (29:53)
8. Волшебная флейта "Увертюра" (37:29)
9. Женитьба Фигаро "Увертюра" (44:41)
10. Струнный квартет № 23 K 590 Movt 1 (49:12)
11. Струнный квартет № 23 K 590 Movt 4 (58:13)
12. Струнный квартет № 20 K 499 "Менуэт" (1:03:17)
13. Соната K378 "Рондо" (1:06:38)
14. Фортепианный концерт № 21 "Andante" (1:10:46)
15. Фортепианный концерт № 23 Movt 1 (1:16:25)
16. Турецкий марш Соната для фортепиано № 11 (1:27:15)
17. Концерт для кларнета Movt 2 (1:29:35)
18. Концерт для скрипки № 3 K 216 Movt 1 (1:36:36)
19. Флейты с оркестром № 2 K 314 Movt 2 (1:46:08)
20. Концерт для валторны № 3 K 447 Movt 2 (1:51:36)



Читать далее...

Программная музыка Антонио Вивальди


Антонио Вивальди
4 марта 1678 — 28 июля 1741

Произведения программного характера играют в творчестве Вивальди столь значительную роль, что заслуживают специального внимания. Предпосылки к созданию программной инструментальной музыки возникли в Италии еще в XVII веке, когда в оперном театре получили распространение изображения героических деяний и пасторальных идиллий, картин подземного царства и природных стихий - плеска волн, завывания ветра и т. п.; во всех подобных сценах оркестру отводилась доминирующая роль. Естественно, что Вивальди как оперный композитор испытывал повышенное влечение к программной музыке. По сравнению с современными ему композиторами-инструменталистами он обнаружил в этой области особую специфическую одаренность.
Характерно, что наиболее популярными у современников стали программные концерты из ор. 8, особенно знаменитые "Времена года" (Под этим названием приобрели известность 1-е 4 концерта из ор. 8 для скрипки и струнного оркестра с continuo.) В Париже они постоянно исполнялись с 1728 года и были выпущены отдельным изданием; еще в 1765 году там исполнялась вокальная аранжировка концерта "Весна" в виде мотета.
Всего известно 28 инструментальных произведений Вивальди, наделенных программными названиями. 17 из них не входят в число отмеченных опусами.
Названия некоторых концертов носят характер шутки или указывают на элементы звукоизобразительности.
Читать далее...

"Тайна" довоенного фильма...

Есть старый добрый фильм "Антон Иванович сердится"(1941)



Это лирическая музыкальная(музыка Д. Б. Кабалевского) комедия(в гл.ролях-Людмила Целиковская,Павел Кадочников,Сергей Мартинсон и др.), насыщенная недоразумениями, любовными перипетиями и смешными коллизиями. Предвоенный весенний Ленинград. Профессор Ленинградской консерватории Антон Иванович Воронов почитал Баха,Генделя и Гуно(в фильме звучит их музыка), но презирал легкую музыку. А его дочь Сима, талантливая певица, втайне от отца готовилась к дебюту в оперетте..
Два фрагмента из этого фильма.В кадре -Людмила Целиковская

Многие не подозревают,что за кадром за главную героиню исполняла вокальные номера певица Дебора Яковлевна Пантофель-Нечецкая.
И мой рассказ о ней.




Дебора Яковлевна Пантофель-Нечецкая - советская оперная певица (колоратурное сопрано) и пианистка, музыкальный педагог.
Заслуженная артистка РСФСР (1945). Лауреат Сталинской премии второй степени (1946).
Родилась 12 января 1905 года в Омске.
Училась в гимназии и музыкальной школе, затем в музыкальном техникуме Омска (до 1926 года).
Затем вне конкурса принята в ЛГК имени Н. А. Римского-Корсакова по классу Е. А. Бронской.
Была пианисткой клуба при фабрике.
В 1929 году она совершает концертное турне по Сибири.
В том же году выходит замуж за Давида Нечецкого.
Работает в Омске, театрах Новосибирска и Свердловска. В 1939 году становится лауреатом Первого всесоюзного конкурса артистов эстрады. С 1940 года работает в Москве, в МГАФ.
В 1941 году состоялся её дебют в ГАБТ.