В. Г. Перов был добрачным сыном тобольского прокурора Г. К. Криденера, в дальнейшем сменившего казенную службу на место управляющего имением в Нижегородской губернии. Детские годы будущего художника протекали в деревне, где он имел возможность близко наблюдать крестьянскую жизнь.
В 1846 г. Перов поступил в Арзамасскую художественную школу, а с 1853 г. обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества,. За дипломную картину "Проповедь на селе" (1861) он получил большую золотую медаль и право на заграничное пенсионерство. Одновременно он написал и картину на первоначально предложенный, но отвергнутый училищем сюжет - "Сельский крестный ход на Пасху" (1961) и обе представил на выставку Императорского общества поощрения художеств, но вторая была снята властями за оскорбление духовенства. Язвительно обличавшая российскую действительность и созвучная общественным настроениям, она принесла художнику шумный успех.
В 1862 г. Перов отправился в Париж, но пробыл там гораздо меньше отпущенного ему срока. Во Франции он чувствовал себя сторонним наблюдателем и никак не мог найти тему для работы. Поэтому ему разрешили продолжить пенсионерство на родине, а когда (в 1868 г.) срок закончился - продлили еще на два года.
Это было время взлета его творчества. Несколько картин, исполненных одна за другой и перекликавшихся со скорбной поэзией В. А. Некрасова, на короткий период сделали Перова самым популярным художником России. В полотнах "Проводы покойника" (1865), "Тройка. Ученики-мастеровые везут воду" (1866), "Утопленница" (1867) не было развернутого сюжета, но их немногословность давала пищу для воображения и сочувствия, а монотонная гамма тусклых тонов отвечала угрюмости царившего в них настроения. Самая сильная его работа - "Последний кабак у заставы" (1866) - представляла собой, в сущности, городской пейзаж, исполненный тоски и горечи. Немного особняком стояли картины "Дворник, сдающий квартиру барыне" (1865) и "Приезд гувернантки в купеческий дом" (1866), где были выстроены занимательные сцены, послужившие образцом для художников бытового жанра. За "Тройку" и "Приезд гувернантки" Перов получил звание академика по живописи народных сцен, потом стал профессором и преподавателем в родном училище.
Он оказался отличным педагогом, чутким и внимательным, и воспитал немало прекрасных художников: Н. А. Касаткина, К А Коровина, А П. Рябушкина, А Е. Архипова, М. В. Нестерова и др. Однако в собственном творчестве Перов столкнулся с серьезными трудностями. То направление, в котором он так успешно до сих пор проявлял себя, начало отставать от стремительно развивающейся жизни, а чтобы подняться на новую ступень, художнику уже не хватало таланта.
Он попытался резко изменить характер работы. Так появились картины начала 1870-х гг.: "Птицеловы", "Странник", "Охотники на привале", "Рыболов", "Голубятник", "Старики родители на могиле сына", "Ботаник" - зарисовки провинциальных типов, исполненные психологически достоверно, с массой интересных деталей. Эти работы нравились публике, но ни одна из них не стала значительным явлением. Подлинный успех художнику вновь удалось испытать, лишь обратившись к портретной живописи. Он создал ряд превосходных изображений деятелей русской культуры, в том числе А. Н. Островского (1871) и В. И. Даля (1872); с его знаменитым портретом Ф. М. Достоевского (1872) неразрывно связаны наши представления о великом писателе.
И все-таки художника продолжало тянуть к сюжетным картинам. Более десяти лет он добросовестно трудился над полотном "Монастырская трапезная" (1865-76), но картина получилась скучной. Он бросился в историю: начал большую картину "Суд Пугачева" (1875), потом взялся за другую, "Никита Пустосвят. Спор о вере" (1880-81), но и ее не закончил. Для реализации таких замыслов у него не было ни серьезного понимания истории, ни профессиональных возможностей. Жизнь Перова, трудно начинавшаяся, трудно продолжалась. Он жил бедно - картины свои продавал по дешевке, а преподавал почти задаром, чуть ли не за одно право пользоваться казенной квартирой. Быстро развившаяся чахотка оборвала жизнь этого подвижника.

Петр Петрович Кончаловский родился 9 (21) февраля 1876 года в городе Славянске Донецкой области. Из семьи книгоиздателя П.П. Кончаловского, брат М.П. Кончаловского. В доме своего отца познакомился с В.А. Серовым, К.А. Коровиным, М.А. Врубелем, В.И. Суриковым, на дочери которого женился в 1902.
Учился в академии Жюлиана в Париже (1897-98) и в петербургской Академии художеств (1898- 1907). Жил в Москве. Один из основателей объединения «Бубновый валет», совместно с И.И. Машковым организовал «Студию рисования и живописи Петра Кончаловского и Ильи Машкова». Преподавал в московских Свободных художественных мастерских (1918-21) и Вхутеине (1926-29).
После Октябрьской революции Кончаловский переходит от принципов живописи «Бубнового валета» к более реалистической манере, становится одним из ведущих мастеров русской живописи («Листья табака», 1929, собрание семьи Кончаловских; «Сирень», 1933, «Хлеб, ветчина и вино», 1948,- оба в Третьяковской галерее).
Кончаловский был также мастером театральной декорации, оставил большое графическое наследие.
Лауреат государственной (Сталинской) премии СССР (1943), награжден орденом Трудового Красного Знамени и медалями.
Умер Пётр Петрович Кончаловский в Москве 2 февраля 1956 года.
Самые ранние провел в Харьковской губернии, в имении родителей. Однако вскоре отец был арестован за участие в революционной деятельности и сослан в Холмогоры. Имение конфисковали. Когда семья переехала в Харьков, Петр уже с восьми лет начал посещать школу живописи Раевской. В 1889 году все перебрались в Москву. Именно в это время отец предпринял издание сочинений Лермонтова, а потом и Пушкина с иллюстрациями лучших художников - Сурикова, Поленова, Репина, Айвазовского, Серова, Васнецова, Шишкина, Врубеля...
В Москве Петр Кончаловский начал посещать вечерний класс Строгановского училища. Но отец уговорил его поступить на естественный факультет Московского университета. Однако живопись неудержимо влекла Петра. И вместе с Коровиным Кончаловский попросил своего отца отпустить его в Париж. Там с 1896 по 1898 год он занимался в академии Жулиана. По возвращении домой Петр Кончаловский сразу поступил в Академию художеств и в 1907 году получил звание художника.
Картины его хвалили, ему предсказывали большое будущее, а он сам чувствовал, что еще не нашел в творчестве чего-то очень важного. И, недовольный, часто смывал свои картины с полотна.
В 1907 году Петр Кончаловский поехал в Париж и посетил там выставку Ван Гога, которая потрясла его. "Произведения Ван Гога,- писал позже Петр Кончаловский,- раскрыли мне глаза на мою живопись. Я ясно почувствовал, что не топчусь больше на месте, как раньше, а иду вперед, знаю, как должен художник относиться к природе. Не копировать ее, а настойчиво искать в ней характерное...". До этого он писал работы в духе К. Коровина. А в 1908- 1909 годах прошел своеобразную стадию фовистской активизации цвета. Влияние Ван Гога ощутимо в "Доме в розовом" и других пейзажах Южной Франции, написанных в это время.
В 1910-х годах Петр Кончаловский увлекался холстами Ларионова. И это нашло отражение в таких его работах, как "Перец и пурон" и "Наташа на стуле". В это время Кончаловский и Машков, Лентулов, Фальк, Куприн образовали общество "Бубновый валет". Все они очень внимательно изучали принципы кубизма, увлекались Сезанном, но всегда оставались верными натуре. Композиции Кончаловского обычно очень просты. Он умел отбросить все случайное, однако всегда придавал натуре чувственную материальность, как бы концентрировал заложенную в каждой вещи энергию. Живопись Кончаловского отличается особой плотностью. Некоторые говорят, что его краски замешаны не на масле, а на глине.
Предпримитивистской можно считать написанную Кончаловским в 1910 году композицию "Бой быков". Натура в натюрмортах и композициях и даже портретах Кончаловского как бы утрачивает свою динамичность, будто находится в оцепенении. Главное в ней - характерность. "Нагнетание характерности" особенно заметно в двух семейных портретах 1911 и 1912 годов, первый из которых П. Муратов назвал "черным", а второй "сиенским". Мы видим жену Кончаловского Ольгу Васильевну, сына Мишу, дочь Наташу, которую он очень любил рисовать. Она в будущем стала известной писательницей, вышла замуж за поэта Сергея Михалкова. А их сыновья - Андрон Михалков-Кончаловский и Никита Михалков сейчас одни из самых популярных и известных в мире кинорежиссеров.
В 1910-1912 годах в работах Кончаловского вдруг появилась так называемая "подносно-черная" основа, которая присутствует не только в натюрмортах, но и в некоторых портретах, давая возможность еще полнее ощутить звучность красок. В это время были написаны натюрморт "Пиво и вобла" и натюрморты с цветами.
По-новому написаны итальянские пейзажи 1912 года - "Сиена", "Сан-Джиминиано". Здесь уже ощущается внутреннее движение, жизнь. Лентулов вспоминал: Кончаловский писал колоссальное количество этюдов ежегодно, не менее шестидесяти". Наиболее же напряженными, энергичными воспринимаются натюрморты с законченными примитивистскими решениями - написанные в 1912-1913 годах "Палитра и краски", "Печка", "Сухие краски".
В 1914 году Петр Кончаловский попал на фронт артиллерийским офицером и сражался против немцев.
Всю жизнь Кончаловский очень любил писать натюрморты. В 1916 году появился его удивительный натюрморт "Агава", в 1939 - "Глухари", в 1946 - "Подсвечник и груши", в 1955 - "Клубника".
Своим духовным отцом Петр Кончаловский всегда считал Сурикова. В конце 20-х годов ему пришлось подолгу жить и работать в Новгороде, и художник вдруг с особой остротой ощутил необходимость воплощения национального начала, которое так полнозвучно звучало в творчестве его духовного наставника.
Очень интересны портреты Кончаловского, где человек показан в мгновение особого вдохновения - это и портреты Пушкина, Лермонтова, композитора Прокофьева, режиссера Мейерхольда.
Одной из наиболее интересных работ художника в театре было оформление оперы А. Рубинштейна "Купец Калашников" для театра Зимина, где Кончаловский, увлеченный в это время примитивами, использовал стилизацию "под лубок".

Родился 23 сентября 1897 года в Антейте (провинция Льеж, Бельгия). Обучался в Королевской академии художеств в Брюсселе. В 1920-1924 годах Дельво испытал влияние Джорджо де Кирико и де Смета - фламандского экспрессиониста с его особой концепцией обнаженного тела и атмосферой молчания и сдержанности. Обнаженная модель стала темой par excellence творчества Дельво ("Розовые банты", Антверпен, Королевский музей изящных искусств). Строго определен план изображения, где сад, северный городской пейзаж, античные руины составляют главный мотив картины. Обнаженные женщины на полотнах Дельво словно ожидают прихода мужчин, которые выведут их из летаргии. Поль Дельво в своих картинах всегда подчеркивал контраст одетых и обнаженных персонажей, усиливая эротическую составляющую. В религиозных композициях Дельво ("Распятие", 1951, Государственное собрание, Брюссель, и др.) интересна тема присутствия скелетов, заменяющих собой персонажи. Поэтичностью наполнена картина художника с изображением ночного, провинциального вокзала, в который не осмеливается проникнуть девочка ("Вечерние поезда", 1957, Королевский музей, Брюссель).
Одним из лучших творений художника-сюрреалиста Дельво считают настенную живопись, исполненную в неоклассическом стиле для здания Ж.Перье в Брюсселе.
Картина Поля Дельво "Спящая Венера". Венера, спящая в окружении скелета и манекена, изображена в залитом лунным светом городе. Она спит с раскрытыми ногами, ей грезится, что она соблазняет Смерть. Это сочетание юной женской красоты и смерти, желания и ужаса придает картине столь беспокойный характер.
Многие сюрреалисты, такие как Дельво, часто изображали странные и одновременно прекрасные образы, вдохновленные сновидениями и подсознанием. Художник Поль Дельво пришел к сюрреализму уже после своих импрессионистских и экспрессионистских опытов и стал особенно популярен в модных художественных кругах после Второй мировой войны, когда сюрреализм был в зените славы. В 1939 году Дельво посетил Италию, архитектура Древнего Рима произвела на него глубокое впечатление. Художник-сюрреалист Поль Дельво известен своими призрачными образами прекрасных, часто обнаженных девушек, как правило расположенных на фоне скрупулезно выписанных зданий.
Картины Дельво представлены в музеях Бельгии, а также в Метрополитен музее и Музее современного искусства в Нью-йрке, в Лондоне (галерея Тейт), в Париже (Музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду). В 1978 был учрежден фонд для основания персонального музея Поля Дельво. который открылся в 1982 в Сен-Идесбальде (провинция Западная Фландрия). В 1950–1962 годах Дельво занимал пост профессора брюссельской Академии художеств. Скончался Дельво в Вёрне 20 июля 1994 года.

Поль Сезанн - известнейший французский художник, представитель постимпрессионизма, как и другие мастера этого направления, работавший одновременно с импрессионистами, однако в поисках собственного стиля ушедший дальше них. Некоторое время живописец находился под их влиянием, учился у них, выставлял с ними свои работы, но не ограничивался находкой импрессионизма - передачей сиюминутного состояния природы и видимой человеческому глазу реальности. Напротив, Сезанн искал в действительности формообразующую основу и внутреннюю логику.
Искусство мастера получило признание лишь в конце его жизни. Заслуженная слава пришла к нему с опозданием. Его картины долго не могли найти своего зрителя. Общество не было готово к восприятию нового искусства, которое, обходя и игнорируя привычную всем спокойную живопись академического направления, пошло даже дальше искусства импрессионистов, и так считавшегося дерзким, однако, постепенно все же обрело почитателей.
Сезанн был одиночкой, он шел непроторенным путем, почти никем не понимаемый и слишком многими осмеянный. Живописец не хотел простого воспроизведения натуры, но стремился к выявлению ее внутренней сути, основополагающей структуры и передаче ее на плоскости холста. Творчество художника предвосхитило кубизм и абстракционизм, отображающие не видимую реальность, но реальность, преломленную сознанием конкретного человека. Он открыл миру "новое искусство", рожденное не повторением действительности, а конструированием ее модели в сознании художника, и потому глубоко индивидуальное и самобытное.

Роберт Бейтмен (англ. Robert Bateman) - канадский художник-анималист. Родился в Торонто в 1930 г. О своем детстве он рассказывает так: «Я всегда был художником и натуралистом, потому что все дети любят природу и искусство. Но дети вырастают и в возрасте 12-13 лет начинают интересоваться более «взрослыми» вещами. Сам я не достиг стадии «взрослого» человека, поскольку начал серьезно увлекаться искусством и природой как раз в 12 лет». Именно тогда Бейтман создал свой первый рисунок и стал ежедневно рисовать птиц, приходя домой после школы. Он работал в реалистической манере, маленькой кистью, однако через несколько лет под влиянием друзей стал писать в свободном стиле, большой кистью, более «красочно».
В 1950-м Бейтмен окончил Академический институт в Форест Хилл, а четыре года спустя - Торонтский университет с отличием по географии и получил степень бакалавра искусств. Он занялся преподавательской и просветительской деятельностью, при этом не забывая о творчестве. Бейтман прошел через увлечение импрессионизмом и постимпрессионизмом в духе Ван Гога. Затем последовал период кубизма и импрессионистская абстракция. Но на всех этапах его вдохновляла природа, а поскольку он был натуралистом, в нем жило стремление к ее отражению с максимальной точностью.
В 32 года Бейтмен посетил выставку Эндрю Уайета, знаменитого американского художника-реалиста. Уайет был мастером детализации и при завершении картин всегда использовал маленькую кисть. Бейтман вспоминает: «Я пришел к выводу, что это единственный путь для художника-натуралиста. Я почувствовал себя раскрепощенным».
Так Роберт Бейтмен нашел свой путь в искусстве и верен ему до сих пор. Он не чувствует необходимости менять стили, ведь животный мир, которому посвящены его картины, бесконечно разнообразен сам по себе. На сегодняшний день Бейтман является наиболее признанным и известным художником, изображающим живую природу. Его выставки проходили не только в Канаде и США, но и на других континентах: в Англии, Японии, Южной Африке. Он продолжает читать лекции по искусству и охране природы, и его заслуги в этих областях отмечены высокими государственными наградами. В ближайшее время при университете Роял Роудс (Канада) будет открыт Образовательный центр Роберта Бейтмена - так называемый «экодом», идеально вписывающийся в окружающую среду и не нарушающий ее естественного состояния.

Жизненный и творческий путь Е. Билокур был не из легких. Родилась она 7 декабря 1900 года в с. Богдановке Киевской области в бедной крестьянской семье. Учиться в школе в детские годы ей не пришлось. Но тяга к знаниям, к книге помогла ей позднее восполнить пробелы в образовании. Пристрастие к рисованию, любовь к искусству постепенно вытеснили другие интересы. Родители напрасно старались отвлечь дочь от «непутевого занятия», которое стало смыслом всей ее жизни. Она внимательно изучает живую природу, строение каждого цветочка, каждого стебелька. Так постепенно художница обогащается впечатлениями, проникая в сложный творческий процесс, открывая для себя секреты техники живописи, композиции, рисунка.