ОПЕРЕТА НА Ф. ЛЕГАР "ВЕСЕЛАТА ВДОВИЦА"

Събота, 03 декември 2022 г., 09:01 ч. + към полето за цитати

Веселата вдовица

Веселата вдовица е нова посока в оперетата, произведение, написано в жанра на трагикомедията. Лехар го написа, опитвайки се да вложи сериозен смисъл в лекия жанр, да накара зрителя да мисли и да преживява. Въпреки големия брой забавни, иронични епизоди, по-късно започнаха да казват, че Легар донесе сълзи на оперетата. След тази творба 35-годишният композитор придоби световна слава, получи много награди и ордени. Оперетата е преведена на 10 езика. Има и множество филмови адаптации и балети. В центъра на сюжета, разбира се, е любовна история. След него зрителят започва твърдо да вярва в съществуването на възвишени чувства, над които нито времето, нито парите имат власт.

Резюме на оперетата на Лехар "Веселата вдовица" и много интересни факти за тази работа, прочетете на нашата страница.



Резюме



Малко княжество страда от дългове и липса на пари. Неговият посланик в Париж научава, че едно от най-богатите семейства в княжеството е загубило главата на семейството. Младата вдовица стана единственият наследник на огромно състояние. Ако се омъжи за чужденец, нейните милиони завинаги ще отплават в чужбина.

Посланикът решава да я запознае с граф Данило, който работи като секретар в посолството, но се оказва, че младите хора се познават отдавна. Имало едно време между тях възникнала страстна романтика. Семейство Данило се противопостави на връзката им, защото Ганна беше дъщеря на обикновен мелничар. Младият мъж беше изпратен в Париж, а момичето се омъжи за възрастен милионер.

След срещата в Париж уж забравени чувства отново заляха младите хора. Гордостта, негодуванието, настоящата разлика в социалния статус създават много невероятни интриги. Влюбените се оказват в изключително положение, чувствата им ще трябва да бъдат тествани не само от времето.







Данило признава любовта си на Ганна едва след като научава за условията на завещанието: ако младата вдовица се омъжи, тя ще загуби всичките си милиони. Графът не й предложи ръка и сърце, за да не мине за поредния ловец на зестра. За своята истинска любов и безкористност Данило ще бъде адекватно възнаграден: всички пари, съгласно условията на същото завещание, ще отидат при новия избраник на „веселата вдовица“.





Интересни факти

На Лехар бяха предложени 5000 крони, за да откаже да работи върху оперетата, тъй като директорите на театъра наистина не харесваха музиката на младия автор.
.
Актьорите от театър Ан дер Виен се застъпиха за композитора и решиха да репетират новата оперета през нощта след представлението.
Мици Гюнтер и Луис Тройман, които трябваше да играят главните роли, бяха възхитени от оперетата, те силно убедиха ръководството на театъра, че Франц Лехар продължава да работи.
Оперетата "Веселата вдовица" се смята за най-добрата творба на Лехар. Нейните продукции бяха най-многобройни. Например само в Краснодар през 1955 г. представлението е показано 48 пъти, през 1979 г. - 318 пъти.
Франц Лехар

Рахманинов много харесваше оперетата. След като го слуша за първи път, той каза: „Въпреки че е вече написан, той също е брилянтен, великолепно нещо!“.
Преработвайки „Аташето от посолството“, либретистите направиха някои промени: германското княжество стана Черна гора, всички имена бяха преобразувани в славянски.
Към момента на писане на текстовете Черна гора има огромен държавен дълг към Австрия, което се споменава в пиесата в ироничен стил.
В Русия оперетата не беше приета веднага. Руската публика, както и критиците, реагираха доста хладно на премиерата. Спектакълът е показан в Санкт Петербург през 1906 г. Едва на 52-то представление (почти 2 месеца по-късно) оперетата е обявена за "забележителност на Петербург".
През 1910 г. Веселата вдовица обикаля земното кълбо.


История на създаването



През 1961 г. драматургът Анри Мейак подарява на света комедията „Аташето в посолството“, която прави своя дебют във водевилния театър в Париж. Постоянно в търсене на нови идеи, ръководството на виенския театър An der Wien решава да постави оперета, базирана на тази запалителна, необичайна история. Либретото е написано от Виктор Леон и драматурга Лео Стайн, а музиката е поверена на Ричард Хойбергер.

Само година по-късно заслужилият педагог, диригент и композитор Хойбергер донесе 1-во действие. След като го изслушаха, на всички веднага стана ясно, че няма да има сензационна, нова оперета в неговото авторство. Договорът е прекратен и създаването на музика е поверено на Lehar. Работата е завършена през лятото на 1905 г. Директорите на театъра изобщо не харесаха композицията, само благодарение на Виктор Леон, който успя да убеди ръководството и актьорите на театъра, музиката на Лехар остана в тази работа и ни радва със своята оригиналност, ярки цветове, и красотата на комбинацията от звуци досега.



Името на оперетата възниква случайно. Много съвременници бяха измъчвани от въпроса „Защо е весела, защото Ганна имаше съвсем различни черти на характера?“. В онези дни вдовиците на чиновници от редица отдели се ползваха с привилегия под формата на безплатни билети за представления. С нечия лека ръка тези дами започнаха да се наричат тежки, болезнени вдовици. Чувайки този прякор, Легар каза: "И ние ще имаме весела вдовица!" На немски тези две думи се различават само с една буква.

И. КАЛЬМАН ОПЕРЕТТА «МАРИЦА»

Суббота, 26 Ноября 2022 г. 11:54 + в цитатник

Марица

Зажигательная оперетта Имре Кальмана «Марица» считается самым «венгерским» произведением автора. Она полна национальный танцев, мелодий, характерных типажей. Увидев свет в 1924 году на сцене театра Ан дер Вин, оперетта имела огромный успех. Её цыганско-венгерская романтичность и яркость никого не оставила равнодушным. Произведение стали называть эталоном новой венгерской оперетты. «Марица» – это сразу несколько любовных историй с интригами, необычными развязками, тонким юмором. Многие сцены проходят с участием детей и хора.

Краткое содержание оперетты Кальмана «Марица» и множество интересных фактов об этом произведении читайте на нашей странице.

Краткое содержание «Марицы»



Молодой граф Тасилло Эндрёди-Виттембург разорился и вынужден был продать своё родовое поместье. Чтобы обеспечить сестру приданым и успешно выдать замуж, ему пришлось работать управляющим в своём же бывшем владении. Его замок с земельными угодьями купила молодая красавица Марица, уставшая от поклонников и сбежавшая в провинцию от лжи и притворства столичной жизни.

Желая пресечь появление новых воздыхателей, богатая вдова объявляет, что имеет жениха. Имя своего суженого она назвала случайно, взяв с какой-то афиши. Однако барон Зупан оказался вполне реальным человеком и прибыл в имение требовать руки своей невесты. Познакомившись с сестрой Тасиллио Лизей, молодой барон начинает испытывать к ней симпатию.

Взаимный интерес возникает и между Марицей и её управляющим, который вначале их знакомства выражался в упрёках и оскорблениях. Позже молодые люди сблизились, но Марица считала его простым управляющим и не решалась на что-то большее, кроме невинного флирта. Вскоре правда открывается, однако боясь, что он очередной охотник за приданым, девушка отталкивает и прогоняет возлюбленного.



Лиза, сестра графа, рассказывает о том, что происходит на самом деле, Марица меняет свою точку зрения и мирится с любимым. При этом соединяются ещё два любящих сердца: Лизы и барона Зупана. Финал оперетты – влюблённые пары наслаждаются счастьем.





Интересные факты

На репетициях перед премьерой «Марицы» Губерт Маришка, являясь другом Кальмана и исполнителем большинства ведущих партий в его произведениях, начиная с 20-х годов, внёс изменения, с которыми Кальман согласился. Автор первоначально планировал вступительный хор.
Фамилию Вараждин композитор не выдумал, он захотел использовать название местности на северо-западе Хорватии, родины своей матери.
После премьеры «Марица» Кальман стал богачом. Он купил себе кадиллак (первый в Вене) и переехал в самый фешенебельный район города, наняв большой штат прислуги.
Кальман

Успех «Марицы» не принёс особого удовлетворения автору, несмотря на высокие гонорары и славу. Его жена Паула, которая была на 10 лет его старше и направляла сильной рукой все действия творческого, вечно сомневающегося Кальмана, сильно заболела и вскоре умерла. В Вене на могиле Паулы есть её скульптура в полную величину.
Прототипом Марицы стала муза и любовница композитора Агнесса Эстерхази, с которой по одной из версий его свела первая супруга, после того, как её сразила тяжёлая болезнь. Её последней волей стало пожелание Агнешке и Имре совместных детей.
В начале войны в сентябре 1941 года «Марицу» ставили в России в Ленинградском театре музкомедии.
Во время войны перед самой победой «Марица» прошла на Бродвее с большим успехом. В это время Кальман с семьёй проживал в Америке, спасаясь от фашистского преследования. Через месяц после постановки у Кальмана случился инфаркт. Он получил известие, что его сёстры, оставшиеся в Венгрии, умерли в концлагере. Первыми словами композитора, когда он пришёл в себя, было: «Они заплатили за Марицу!».
Одну из дочерей Кальмана звали Ивона Сильва Марица.
Интересно, что костюмы массовки и главных персонажей имеют определённую цветовую гамму, в которой преобладают цвета венгерского флага.


История создания «Марицы»

Имре Кальман

В 1918 году Кальман с женой Паолой приобретают гражданство Венгерской республики и получают от властей Австрии статус иностранных подданных, проживающих в Вене. Во время войны начинающие драматурги Браммер и Грюнвальд показывают композитору либретто и первый акт пьесы.

Кальман с удовольствием начинает работу над опереттой, поскольку в ней не только привлекательный сюжет, но и дорогие сердцу венгерские мотивы. Однако композитор откладывает «Марицу» на некоторое время и начинает заниматься «Голландочкой», совместно с драматургами Иенбахом и Штейманом.

Потом на свет появляется «Баядера», которую поставил Карл-театр, и только после её премьеры Кальман опять возвращается к «Марице». В общей сложности композитор создавал «Марицу» шесть лет, периодически откладывая и вновь возвращаясь к работе.



Постановки

Впервые «Марицу» поставили в Вене. Премьера состоялась 28 февраля 1924 года с исполнителем главной партии Губертом Маришкой. Множество раз она была показана в Венгрии. Произведение очень нравилось венграм в силу присутствия национальных мотивов. Существует перевод на английский язык. Оперетта показывалась в Лондоне и Нью-Йорке.

марица

В России оперетта ставилась с 20-х годов прошлого столетия, практически сразу после создания (через год). Первыми её увидели ленинградцы на подмостках антрепризы Ксендзовского и Феона. Марицу играла Ольга Щиголева. Позже оперетта была показана в обеих столицах и большинстве областных городов.

По мотивам произведения были сняты кинематографические ленты. Немецкие кинематографисты делали это трижды: в 1932, 1958 и в 1974 годах. Русский режиссёр А. Белинский в 1985 году тоже снял «Марицу». Главную роль исполнила Н. Андрейченко.

ОПЕРЕТА НА И. КАЛМАН "ТЕМЕНУЖКА ОТ МОНМАРТЪР"

Петък, 18 ноември 2022 г., 21:28 ч. + към полето за цитати

Теменужка от Монмартър

Теменужката от Монмартър беше не само последният шедьовър на Имре Калман, но и последната велика виенска оперета – въпреки факта, че беше само формално. Композиторът написа необичайна музика за себе си и се отклони от обичайното развитие на събитията, присъщи на повечето от предишните му творби. Трагичният сюжет, залегнал в основата на либретото, е превърнат в весела история, толкова съзвучна със случващото се по същото време в живота на самия маестро Калман.

Резюме на оперетата на Калман "Виолетовата от Монмартър" и много интересни факти за това произведение, прочетете на нашата страница. Резюме на "Виолетки от Монмартър"

Оперета Виолет от Монмартър

Париж, втората половина на 19 век.



Трима приятели, Раул, Анри и Флоримон, живеят заедно в беден таван на стара къща в Монмартър. Поетът и композиторът създава оперетата "Карамболина". Художникът рисува картини, за които позира неговата любима Нинон. Тя е амбициозна, потисната от бедността и привлечена от големите възможности, които Париж предлага, така че Нинон се разделя с Раул. В търсене на модел, той насочва вниманието си към красивата улична цветарка Виолета, която всички наричат Теменужката от Монмартър. Трима младежи спасяват Виолета от жестокостта на големия град и тя остава с тях. Момичето се влюбва в Раул, но той не може да забрави Нинон.

Междувременно Нинон урежда живота си, като става любовница на министъра на изящните изкуства. И съдия-изпълнител идва на тавана на Монмартър, за да изгони цялата компания заради неплащане. Раул и Нинон случайно се сблъскват на булеварда, старото чувство пламва отново. Виолета става свидетел на тази среща. Тя е натъжена, но отдадена на Раул и му помага да си намери работа като реставратор в Лувъра, за която той отдавна мечтае. Нинон заблуждава художника, сякаш е допринесла за кариерата му, и иска връщането му. Раул е безпомощен пред нейния чар и възобновява романса им. Сърцето на Виолета е разбито и тя напуска приятелите си.

Минаха няколко месеца. Театър Водевил планира да постави оперета от Анри и Флоримон, в която Нинон ще играе главната роля. Но тя получава писмо от Раул, в което той признава, че вече не я обича. Нинон напуска театъра. Представлението остава без примадона, но внезапно се появява Виолета, готова да изиграе главната роля. Раул разбира, че всъщност е влюбен във Виолета, обясняват те. Вечерта на премиерата момичето научава, че не е бедна цветарка, а дъщеря на графиня, отвлечена в ранна детска възраст. Виолета, след като намери не само любов, но и майка, е готова веднага да отиде при нея. Представлението отново е застрашено, но Нинон се появява зад кулисите, благославя влюбените и казва, че е готова да излезе на сцената.





Интересни факти

Мелодията на приспивната песен „Луната гледа през прозореца“ е композирана от Калман за новородения му син Карой Имре Федор.
Героите на оперетата, бедните жители на Монмартър, бяха необичайни за Калмент, преди това той пише главно за аристократи и дори за кралски особи (принц Едуин, принцеса Александра, принцеса Юта, принц Раджами, графиня Марица, принцеса Федор, принц Шандор Борис ).
„Теменужката от Монмартър“ често се нарича не оперета, а мюзикъл, тъй като Калман се е отклонил далеч от класическите виенски канони. В мелодичните линии на тази оперета можете да чуете традициите на френската музикална зала, и извисяващите се мотиви на Пучини, и колоратурата, и хармоничната структура, по-присъщи на музиката на Р. Щраус, отколкото на оперетата.
Музата на тази оперета, съпругата на Калман Вера Макинская, имаше много неясна биография, преди да се срещне с маестрото. Редица източници сочат, че всъщност тя е с три години по-възрастна, отколкото се смята (родена през 1907 г., а не през 1910 г.), а истинското й име е Мария Менделсон и не е била руска аристократка.
Калман със съпругата си Вера

В традицията на съветските продукции партията на Раул е транспонирана с тон надолу, за да бъде изпълнена не от тенор, а от баритон. Това не е единственият подобен случай с героите на Калман - господин X в "Принцесата на цирка", принц Раджами в "Баядерка", Едуин в "Царицата на чардаша" у нас също пеят с баритон.
Друга особеност на руската традиция на изпълнение на „Виолетки от Монмартър“ са различни сюжетни отклонения в зависимост от волята на либретиста. Главните герои многократно променят имената си (Флоримон става Марсилия, Нинон става Мадлен), въвеждат се нови второстепенни герои (консиержът мадам Арно) и тяхната последна история е композирана.
През 1975 г. по мотиви от оперетата Владимир Горикер засне филма "Под покривите на Монмартър" (либрето на С. Болотин и Т. Сикорская) с А. Кайдановски и Е. Симонова в главните роли (пеят С. Менахин и С. Лукашова ). Това беше единствената адаптация на Теменужките от Монмартър в историята на киното.


Историята на създаването и производството на "Виолетки от Монмартър"

Имре Калман

Романът „Сцени от живота на Бохемия“, публикуван през 1847-49 г. от Анри Мургер, не само има успешна съдба на драматичната сцена, но и се оказва отлична почва за раждането на музикални платна. И така, желанието да се напише опера на този сюжет ужасно скара двама приятели - Джакомо Пучини и Руджеро Леонкавало - никой от тях не изостави идеята си, оперите излязоха под едно и също име "La Boheme" с разлика от една година. Първенството както в скоростта на създаване на партитурата, така и в качеството на музикалния материал остава за Пучини. Изминаха 30 години и тази история привлече вниманието на майстора на виенската оперета Имре Калман. Композиторът вече не беше млад, „Царицата на чардаша“, „Графиня Марица“ и „Принцесата на цирка“ отдавна бяха завладели световните сцени. Но след като е написал толкова много великолепни мелодии за любовта, самият маестро не е изпитал лично щастие. Може би затова сюжетът го развълнува с основната си тема за несподелените чувства. Но въпреки факта, че романът и операта имаха трагичен край, в оперетата това беше невъзможно. Това обаче не се случи в живота на композитора.

Малко преди премиерата на "Херцогинята на Чикаго" през 1928 г. във виенско кафене 45-годишният Калман се запознава с младата руска емигрантка Вера Макинская. Момичето беше почти 30 години по-младо, красиво и мечтаеше да стане актриса - тя изигра малка роля в постановката на новата му оперета. Бързо развиващият се романс доведе до факта, че по времето, когато композиторът на Violets of Montmartre напусна писалката, бежанката от Перм вече беше станала фрау Калман, на която щастливият съпруг посвети новото си творение. Либретото е написано от постоянните съавтори на Калман Й. Брамер и А. Грюнвалд, това е петото им сътрудничество с маестрото. Основната част от материала е съставена през есента на 1929 г., работата е продължила интензивно, прекъсната за няколко дни само когато в къщата на Калман се появи новородено. Често либретистите пристигаха в два часа следобед и се разотиваха едва в два часа сутринта. Стаята, в която протича творческият процес, се нарича „стаята за викане“, тъй като тримата мъже не пестят сили в спорове и спорове. Калман композира музика изолирано от текста, така че всеки път е необходимо да ги приведе в съответствие.

Нощните бдения над музикални листове приключиха в началото на пролетта на 1930 г. На 21 март се състоя премиерата в театър Йохан Щраус във Виена. Постановката не беше особено впечатляваща, тъй като театърът беше пред затваряне. Въпреки отличния актьорски състав, който включваше солистката на Виенската опера Адел Керн и популярния тенор Ханс Хайнц, Теменужката от Монмартър не събра пълни зали. След 170 представления Калман взема партитурата, предлагайки я на театъра „Ан дер Виен“, който е домакин на втората премиера на оперетата – несравнимо по-достойна и успешна.

През същата година задграничните дебюти на оперетата "Париж през пролетта" в Сан Франциско и Лос Анджелис се състояха при пълна зала. Теменужката от Монмартър идва на руската сцена през 1933 г., представена в Ленинградския театър за музикална комедия.

Имре Калман ще живее още 23 години, но ще напише само 4 оперети, само една от които с премиера във Виена. Това ще бъде последвано от емиграция и пълна забрана за представяне на неговите оперети в Австрия и Унгария, загуба на близки в нацистките концлагери и тежко заболяване. Теменужката от Монмартър ще остане символ на безгрижната радост, младостта и отминаващия век на искрящия и ярък оперетен жанр.

✨ ОПЕРЕТА НА И. КАЛМАН "ПРИНЦЕСАТА НА ЦИРКА" (MR. X)

Събота, 12 ноември 2022 г., 10:22 ч. + към полето за цитати




принцеса на цирка

"Принцесата на цирка" е върхът в творчеството на Калман. Празничността и изяществото на оперетата не оставят никого безразличен. Сложността на сюжета, интригата, приказната атмосфера на цирка, великолепната музика на Имре Калман и, разбира се, истинската любов, която преодолява всички трудности. В Русия продукцията беше особено успешна, въпреки че беше коригирана в съответствие със съветската цензура.

Резюме на оперетата на Калман " Принцесата на цирка " и много интересни факти за това произведение, прочетете на нашата страница.



Резюме

Русия. Санкт Петербург. Цирк Станиславски.

1912 г Висшето принцеса на оперетния циркобщество на руската столица обсъжда появата на мистериозен цирков артист. Говори се, че самият Станиславски не е виждал лично главния артист на собствения си цирк. Винаги носенето на маска е съдбата на Мистър Х.

Появата на наскоро овдовялата принцеса Фьодора във фоайето на цирка предизвиква не по-малко разгорещени дискусии в обществото. Състоянието на вдовицата, наследено от покойния й съпруг, може да премине към роднини, ако Палинская не изпълни условията на завещанието и не се омъжи за сънародник в рамките на шест седмици. Кандидатите не само за сърцето на красавицата, но и за нейния капитал не могат да бъдат преброени. Сред тях е високоуважаваният княз Сергей Владимирович, който има семейни връзки с императора на Руската империя. Той показва признаци на внимание към младата вдовица, но тя само му се присмива и го отхвърля, излагайки го на присмех.

Вниманието на Федора е приковано към фигурата на Мистър Х, който се появи внезапно, в разгара на публичните дискусии. Художникът иска да целуне ръката на красивата принцеса, но тя гордо заявява, че шутът не може да бъде достоен за такава чест.

Любопитството на публиката расте, те се опитват да премахнат маската от лицето на цирковия артист, но Палинская се намесва в кавгата, забранява разкриването на интригата. Всички влизат в залата.

Г-н Х остава сам, той размишлява върху тежкия живот на цирков артист. Размишленията са прекъснати, време е за изпълнението му, публиката бушува в очакване.

Фоайето е празно само за миг. Появява се Тони, роден в Австрия. Той е пламенно влюбен в уж англичанката Мейбъл, чиято поява кара младежа да трепери.

Диалогът шеговито поставя точката на i. Всъщност Мейбъл не е англичанка, а австрийка на име Лиза. Уреждат си среща. Художникът остава сам.



Впечатлен Мистър Х разкрива собствената тайна на Мейбъл. Той е Федор Палински. Съдбата си изигра жестока шега с него, той се влюби в булката на чичо си. Принцът не можеше да прости предателството на роднина, той допринесе за уволнението на племенника си от хусарите. За да се отърве от бедността и подигравките, Федор започва работа като цирков артист. Маската става част от образа.

По това време принц Сергей отново получава отказ. Той смята, че само отмъщението ще постави и вразуми Палинска. Мигновено в главата му се появява хитър план. Сергей кани г-н X да се превъплъти в принц и да дойде на бала без маска, защото никой не го познава по очите. Х се съгласява, защото иска да види красивата дама на сърцето. Той идва на бала без маска, принцесата се влюбва в него.



Княжески дворец. Бална зала

Завещанието изтича. Любовта на Федора и Кирасов стана по-силна. Княз Сергей Владимирович продължава да плете интриги, той фалшифицира писмо от императора, в което всемогъщият изисква Палинская незабавно да дойде в двореца, където ще бъде избран младоженец за нея, така че капиталът на покойния й съпруг да остане в Русия.

Принцесата решава да ускори нещата и да осигури брака в църквата. Ходят на църква. Преди това Сергей извършва друга измама, казва, че е казал всичко на Палинская. Тони и Лиза се женят. Сватбата мина добре.

На празника на любовта идват и циркови артисти. Като подарък те носят портрет на г-н X, смеят се, наричат принцесата Принцесата на цирка. Тя е готова да издържи на подигравки, защото наистина обича художника. Принцът разкрива истината за съпруга си. Принцесата е шокирана.

Федор разказва собствената си история, те се познават отдавна. Принцесата се опитва да спре Федор, но той напуска къщата с цирковите артисти.



Вена. хотел

Тони се прибира у дома с годеницата си. Той не може да разбере как да каже, че се е оженил, без да каже на майка си. Лиза слиза, иска да каже истината точно сега, в този момент влиза Карла. Истината излиза на повърхността. Оказва се, че Лиза е дъщеря на известна личност във Виена. Снаха и свекърва се помиряват. Ресторантът е готов за посетители.



Гостите изпълват залата, сред които принцеса Палинская и принц Сергей, той я подкрепя след тежка раздяла. Не я съветва да не ходи на помирение.

Федор се появява, той прости недоверието на жена си. Той иска да говори с нея, но без участието на принца. Пеликанът помага на героя и извежда Сергей от залата. Федор отива при принцесата. Примиряват се. Той показва писмо, което чичо му е написал преди много години. И двамата бяха наклеветени. Сега няма причина за тъга, те отново са заедно, което означава, че любовта е победила всичко.





Интересни факти

Оперетата има две имена: женското "Принцесата на цирка" и мъжкото "Мистър Х". Самият композитор клони към женското начало поради суеверие. Факт е, че първите оперети „Добрият другар“ и „Малкият крал“ бяха с мъжко име, но се провалиха, след което Калман стана сериозно верен на знака.
Многобройни промени в операта в СССР доведоха до факта, че всички имена на героите бяха заменени, текстът беше преведен по начина на 17-ти век, в резултат на което текстът и музиката не съвпадаха. Трябваше да пренапиша музиката и така се появи оперетата "Холопка" от Николай Михайлович Стрелников.
В руската постановка действието се пренася от Санкт Петербург в Париж.
Директорът на цирка Станиславски не е случаен. Впечатлен от книгата на Станиславски, Имре Калман решава да кръсти директора на цирка на именития драматург.
Впоследствие оперетата е посветена на съпругата на композитора Вера, емигрантка от Русия.
Калман със съпругата си Вера

Малко запознати с културата на Русия и руския живот, либретистите допуснаха много грешки и смешни ситуации, в резултат на което оперетата никога не беше поставена на руска сцена в оригиналния си вид, в противен случай вместо успех щеше да бъде осмивана .
Калман трябваше да работи усилено върху оперетата. Той написа "Принцесата на цирка" за 8 месеца. Всеки ден Имре посвещава 16 часа на ден, за да работи върху работата.
В Русия арията на г-н X до голяма степен стана известна благодарение на великолепното изпълнение на съветския баритон Георг Отс. Неговото пеене е образцово и днес.
Огромна роля в реализацията на първата постановка на "Принцесата на цирка" във Виена изигра принцеса Агнес Естерхази, роднина на принц Естерхази, която дълго време имаше Хайдн на служба.
Известното име на ресторанта "Зеленият папагал" в третото действие е измислено от руски либретисти.
Към този момент има 4 филмови адаптации на произведението, две от които са съветски и две немски.






Историята на създаването на "Принцесата на цирка"

Имре Калман

През втората половина на 20-те години животът на Калман се променя драматично - любимата му съпруга Паула Дворак, с която живее повече от 18 години, умира. Не беше лесен момент. Още повече, че след шумния успех на оперетата "Марица" той дълго време не можеше да реши какво да напише по-нататък. Вдъхновението дойде неочаквано. Разхождайки се с либретистите Грюневалд и Брамер, се приближихме до сградата на цирка. Композиторът смяташе, че преди е писал много за театъра, а сега е време за цирка. Той предлага идеята на своите сподвижници, те с радост се съгласяват да напишат либрето за изпълнение.

Най-доброто лекарство за депресия и блус, в които Калман изпадна след смъртта на жена си, беше музиката. Работата тръгна нагоре. През цялото свободно време авторът композира звук. Той прекарваше най-малко 16 часа на ден в композиране. Клавирът на произведението беше готов 2 месеца след началото на композицията. Следващата стъпка беше оркестрирането. След шест месеца упорита работа по оркестриране, Калман успя да си поеме спокойно дъх. Продуктът е готов.

В онези години Калман вече имаше популярност и авторитет в музикалната общност, така че продукцията не трябваше да чака дълго.



Литературна основа

През 20-те години Калман се сприятелява с либретистите Алфред Грюнвалд и Юлиус Брамер. Съюзът беше наистина плодотворен, една продукция след друга имаше огромен успех. "Принцесата на цирка" не беше изключение, написана от перото на двама велики либретисти, стиховете лесно се вписват в музиката. В резултат на това оперетата е написана от композитора за по-малко от година.





Музика и драматургия

Както знаете, благодарение на Калман оперетата се превърна от по-нисък музикален жанр в пълноценно театрално представление. Причината за успеха е ясно изградената драматургична композиция, включително наличието на лайтмотиви, заложени в героите. Например темата за любовта от второ действие в дуета "Моят идол е пълен с екстаз, любов" и завръщането вече в третото действие.

Драматургията на оперетата "Принцесата на цирка" е изградена на доста стандартен за Калман принцип на музикалния сюжет. Главните герои са двама млади и очарователни хора, които искрено и искрено се влюбват един в друг. Пречка за съвместното им щастие са не само интригите на враговете, но и класовото неравенство. Освен това се въвежда щастлива комична двойка, която разрежда действието с леки и безгрижни номера и забавлява публиката.

Отличителна музикална особеност е наличието на големи финали чрез развитието на действието. Всеки край носи определена драматична функция.

Финал на 1-во действие. Началото на конфликта. Принц Сергей кани господин X да се представи като принц Кирасов, той се съгласява, хитрият план се изпълнява.
Финал на 2-ро действие. Драматична кулминация. Измамата е разкрита, циркови артисти носят портрет на Мистър Х. Принцесата е ужасена, Федор разкрива истинското си лице. Принцесата му прощава и се опитва да го върне, но твърде късно. Изглежда надеждите за щастливо бъдеще са обречени, но предстои още един акт.
Финал на 3-то действие. щастлив край. Помирението се случи, влюбените са заедно завинаги.
Важна функция играе хорът на цирковите артисти, той играе ролята на съдбата и невъзможността за свързване на цирковия артист и принцесата.

Главните герои в оперетата не са персонажи-маски, те преминават през определен път на утвърждаване. Музикалните характеристики на Фьодор Палински и Федора са подобни. Както подобава на законите на музикалния театър, главните герои имат експозиционни уикенд арии.

В арията на Фьодор Палинская "Сърцето ми винаги е като в ледени окови" героинята има ярка индивидуална характеристика. Тя изглежда като непревземаема красавица. Във второто действие арията на героинята „Пролетни нощи, много веселие“ противоречи на първата ария, разкрива се нов аспект на любящата и щастлива Федора.

Изходната ария на Mister X "The Playpen Noises" го представя като лиричен герой, изпълнен с дълбоки емоционални преживявания и чувства. Арията има тричастна форма с разнообразна реприза и контрастна бравурна среда.

Акордовият дует от 1-во действие има мелодия, обагрена с лирични интонации. Във финала на второ действие ще прозвучи ярък звук, а запомнящият се дует на наситеното развитие на действието има горчива реминисценция „Не те познавах” е един от напрегнатите моменти в кулминацията.

Оперетата започва с хорова сцена и завършва с хорова сцена със соло двойката на Фьодор и Фьодор „Моят идол“. Така оперетата има завършена форма и строго издържана музикална форма.

Заслужава да се отбележи, че безграничният талант на композитора направи възможно създаването на интересна оперета, отличаваща се с яркостта на музикалните линии. Въпреки монотонността на структурата, използвана в такива оперети като "Кралицата на чардаша" или "Силва", "Марица".



Продукции

принцеса на цирка

Първата постановка се състоя във Виенския театър на 26 март 1926 г. Най-добрите артисти от онова време изпълняват роли в оперетата, най-добрите декори са доставени на театъра. Премиерата имаше огромен успех, залата се радваше. Радостта и спокойствието от работата са актуални за Европа в началото на 20 век.

Що се отнася до Русия, първоначално оперетата беше забранена за поставяне на руска сцена, тъй като в нея имаше твърде много недостатъци и любопитни ситуации. В резултат гневът се превърна в милост, музиката беше толкова очарователна и красива, че продукцията беше разрешена с цензурни изменения. Така действието беше преместено в столицата на Франция, а героите започнаха да носят чужди имена. Първото представление се състоя в Московския оперетен театър през 1927 г. Залата беше пълна, хората приеха с радост работата. По-късно известната съветска филмова адаптация е издадена в две серии, наречени "Mr. X", и се превръща в класика на руското кино.

Към днешна дата оперетата не губи своята актуалност, продължава да се поставя на водещи световни сцени, включително в Русия. " Принцесата на цирка " е шедьовър на световната култура, който ще зарадва слушателя независимо от епохата.

✨ И. ШТРАУС ОПЕРЕТТА «ЛЕТУЧАЯ МЫШЬ»

Пятница, 04 Ноября 2022 г. 20:11 + в цитатник

Летучая мышь

«Летучая мышь» – это классический образец танцевальной оперетты, воспевающей яркие эмоции, любовные переживания и семейные перипетии под торжественные мотивы вальса и польки. Музыкальное произведение, созданное знаменитым австрийским композитором Иоганном Штраусом в ХIХ веке, по-прежнему пользуется успехом и симпатией среди театральной публики. Мелодраматический и комедийный стиль оперетты, пронизанный филигранной иронией и тонким юмором, легко воспринимается зрителем, а приятная, ненавязчивая музыка создает ощущение праздника, интриги и счастья.

Сюжет произведения «Летучая мышь» актуален всегда, ведь он описывает вечные проблемы семейного быта, супружеских отношений, любви и ревности, радости и разочарований. Пикантная ситуация, в которую попадают главные герои произведения, открывает перед зрителем всю палитру эмоций. Неверному Айзенштайну предстоит влюбиться в собственную супругу, представшую в образе прекрасной незнакомки, а очаровательной Розалинде следует постигнуть новые грани женской мудрости и обаяния, чтобы возродить былые чувства и сохранить семейный очаг.

Краткое содержание оперетты Штрауса «Летучая мышь» и множество интересных фактов об этом произведении читайте на нашей странице.

Краткое содержание оперетты «Летучая мышь»

оперетта Летучая мышь

Первая часть произведения происходит в доме Айзенштайна. Альфред поет любовную серенаду Розалинде. Горничная Адель смеется над несчастным влюбленным и читает письмо от своей сестры с приглашением на бал к князю Орловскому. Девушка мечтает об актерской карьере и знакомство с влиятельным театральным покровителем как раз кстати. Адель отпрашивается у Розалинды под предлогом болезни близкой родственницы и отправляется на маскарад вместе со своей сестрой.

В это время появляется хозяин дома Айзенштайн с адвокатом Блинди. Судебный процесс потерпел фиаско и теперь Азейнштайн вынужден провести восемь суток в тюремном заключении за драку. После бурных выяснений с подзащитным адвокат уходит. Неожиданно появляется доктор Фальк, который приглашает Азейштайна на бал. Лукавый супруг говорит Розалинде, что едет в тюрьму, а сам, тем временем, отправляется на маскарад. После его ухода к Розалинде приходит Альфред, чтобы в очередной раз признаться в любви. В этот момент появляется директор тюрьмы Франк с намерением забрать с собой Айзенштайна. Боясь скомпрометировать свою возлюбленную, Альфред выдает себя за осужденного Айзенштайна и уходит вместе с Франком.

Второе действие оперетты насыщено яркими событиями, интригами и разоблачениями. Доктор Фальк обещает князю Орловскому настоящее развлечение. Розыгрыш является местью Айзенштайну за неудачную насмешку над товарищем. Как-то, после маскарада, он оставил пьяного Фалька спать на лавочке в костюме летучей мыши и сегодня неверный друг заплатит сполна за свой опрометчивый поступок.

Фальк все тщательно спланировал, он придумал приглашенным гостям новые амплуа. Адель предстает в образе талантливой актрисы, Айзенштайн представляется французским маркизом Ренаром, а Франк – французским шевалье. Узнав Адель, Айзейнштайн обескуражен, однако самое интересное еще впереди.



Кульминацией сюжета является прибытие почетной гостьи - таинственной венгерской графини в маске. Это Розалинда. Она также приглашена на маскарад и с удивлением знакомится со своим мужем, горничной и Франком, не выдавая себя. Ничего не подозревая, Айзенштайн ухаживает за незнакомкой, приглашает ее на свидание и просит показать лицо. «Графиня» отказывается снимать маску и забирает у влюбленного «маркиза» часы, по которым он и узнает ее при следующей встрече.

Третье действие происходит в тюрьме. К утру сюда приходит Айзенштайн и видит за решеткой Альфреда. Ревнивый муж требует разъяснений от супруги, которая также пришла в тюрьму, чтобы восстановить справедливость. В ответ на подозрения Розалинда показывает часы, подаренные венгерской графине. Айзенштайн разоблачен, а Фальк наконец отомстил за оскорбление «летучей мыши». Князь Орловский благодарит Фалька за веселый вечер и дает обещание поспособствовать развитию актерского мастерства Адель. Адвокат Айзенштайна сообщает о его оправдании, а Розалинда великодушно прощает своего легкомысленного, но очень любимого мужа.





Интересные факты

Существует версия, что при написании произведения «Летучая мышь», Иоганн Штраус взял реальный случай из жизни. Народная молва повествовала об истории неверного мужа, который не узнал свою супругу в маскарадной маске и был пленен ее очарованием и загадочностью.
В 1979 году Роланом Пети был поставлен балетный вариант оперетты. Премьера состоялась в Марселе. Автором внесены небольшие правки в сюжет произведения, в частности наблюдается изменение имен главных героев и места событий. Так, например, Айзенштайн стал Иоганном, его супруга – Белла, а Фальк переименовался в Ульриха. Действие происходит в Париже. Наиболее важную роль в постановке отводиться богемскому танцу.
Пьеса «Часы с боем», взятая за основу оперетты «Летучая мышь», претерпела множество изменений. Планировалось преобразовать сюжет таким образом, чтобы он имел «венский» характер. Значительную роль в создании нынешнего произведения сыграл талантливый драматург и композитор Р. Жене. Оригинал пьесы с французскими мотивами был существенно изменен и получил новое название: «Никто не любит летучую мышь». Ради венской публики в сценарии появился новый персонаж – шутник и весельчак, доктор Фальк. Однажды друг Штрауса, Густав Леви, прочел пьесу и посоветовал Р. Жене отдать произведение «королю вальсов».
Оперетта «Летучая мышь» особенно воспевает женский характер, подчеркивает очарование и мудрость прекрасного пола. Композитор создал сюжет таким образом, чтобы вызвать интерес зрителя к двум главным женским ролям.
Многие специалисты считают, что знаменитый австрийский композитор Иоганн Штраус является первопроходцем в области танцевальной оперетты.
.
Согласно мнению некоторых историков, первая супруга великого композитора Иогана Штрауса, Генриетта Трефц, советовала супругу попробовать свои силы в жанре оперетты и способствовала его работе над музыкальными произведениями. Оперная певица активно занималась копированием нот и подготовкой супруга к гастролям. По другой версии французский композитор Жак Оффенбах предложил Штраусу прекратить работу над вальсами и создавать оперетты. С тех пор Штраус написал шестнадцать оперетт и «Летучая мышь» – третья по счету.
Что такое оперетта, история оперетты

«Летучая мышь» экранизировалась приблизительно 20 раз и по праву завоевала мировую популярность. Первые кинофильмы появляются в 1917 году. Тогда художественные постановки были немыми.
В 1918 году открыли астероид 900 Rosalindе. Космический объект был назван в честь главной герони оперетты.
В 1942 году вышел в свет мюзикл «Розалида», созданный на основе произведения «Летучая мышь».
Первые постановки оперетты не отличались успехом, однако один доброжелательный отзыв был напечатан в газете «Morgenpost» (Берлин). Автор издательства шутливо заявил, что во время просмотра оперетты легко заболеть морской болезнью от ритмичных покачиваний зрителей в такт мелодичным звукам. Действительно, Штраус считается королем вальса, поэтому в оперетте преобладают танцевальные мотивы.
В 1975 году в книге «Звездные часы оперетты» А. Владимирской упоминается о музыкальном произведении «Летучая мышь». Автор отметил, что в театре еще не слышали мелодий столь солнечных и веселых.
В последние годы своей жизни Иоганн Штраус мало появлялся на публике и почти не выходил из своего дома. Однако в день 25-летия музыкального произведения «Летучая мышь» композитор сделал исключение. По случаю торжества его пригласили в качестве дирижера. К сожалению, пожилой музыкант не рассчитал свои силы и слишком усердствовал во время спектакля. По дороге домой Штраус простыл. Вследствие простуды началось воспаление легких, и сердце великого маэстро остановилось 30 июня 1899 года.
История создания и постановки

Иоганн Штраус

Основой для написания произведения стала пьеса «Ревельон», созданная знаменитыми драматургами Мельяком и Галеви. Сюжет пришелся по душе Штраусу, поэтому «Летучая мышь» написана с исключительным вдохновением и закончена в максимально сжатые сроки. Всего 6 недель или 42 ночи понадобилось композитору для завершения работы. Над либретто работали Карл Хаффнер и Рихард Жене.

5 апреля 1874 года состоялась презентация оперетты, однако поначалу она не сопровождалась восторженными овациями зрителей. Критики посчитали спектакль банальным и посредственным и, тем самым, повлияли на общее мнение публики. Участники постановки ожидали большего успеха, но сам Штраус не очень огорчился подобным результатом. Еще 17 раз был поставлен спектакль для венской публики и летом того же года произведение увенчалось успехом в Берлине. Оперетта победоносно вернулась на венскую сцену. Теперь произведение получает высокие оценки и одобрительные отклики, она становится настоящей "изюминкой" опереточной сцены.



Через три года в Париже презентуется переделанная версия под названием «Цыганка». Спектакль завоевывает долгожданное признание среди зрителей разных стран, в том числе Австралии и Индии. Однако настоящий триумф оперетта получила только спустя 20 лет после постановки в Гамбурге. Европейский зритель по достоинству оценил комический спектакль, который стал одним из наиболее ярких и представительнейших театральных произведений.

В России «Летучая мышь» всегда проходит с успехом. На столичных театральных сценах комедия появлялась периодически: в 1933 году, потом в 1962 году, а также в 1972-м. Последняя версия поставлена Георгием Анисимовым.

В 1946 году комедия была представлена в новой, оригинальной интерпретации. Измененная версия Михаила Вольпина и Николая Эрдмана послужила основой для снятия художественного фильма.

«Летучая мышь» - это репертуарный долгожитель. Вокальные и оркестровые номера оперетты исполняются лучшими мировыми музыкантами. Забавная история с любовными интригами и разоблачениями по нраву зрителям любых возрастов, и вот уже второе столетие эта комическая постановка не сходит с театральных афиш разных стран.


✨ КАК И ЗАЧЕМ СЛУШАТЬ ОПЕРУ

Воскресенье, 25 Сентября 2022 г. 16:25 + в цитатник


Декорации к опере Моцарта «Волшебная флейта»

10 вещей, которые стоит знать об опере, если вы не знаете о ней ничего: для кого она создавалась, о чем рассказывает, что и где слушать, как одеваться и когда хлопать — и многое другое

Опера, самый сложноустроенный театральный жанр, полна парадоксов и противоречий, которые одновременно восхищают и отпугивают. Но чтобы понимать и любить оперу, может быть достаточно усвоить базовые знания об истории и специфике жанра и посмотреть несколько образцовых спектаклей.




1. С чего начать


Классический набор оперных названий невелик: он включает канонических 20–25 опер. В разных частях света он разнится минимально и исключительно в силу местных предпочтений. К примеру, в России «классическими» и «широ­ко известными» считаются несколько опер, которые за ее пределами появля­ются в репертуаре не так уж часто. Если сузить этот список до пяти-десяти опер, в него обязательно войдут сочинения Верди («Травиата», «Риголетто»), Пуччини («Богема», «Тоска»), Моцарта («Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта») и Бизе («Кармен»).

Многие названия из оперного хит-парада увековечены в экранизированных версиях классических спектаклей, созданных режиссерами в 1970–80-х годах — Жан-Пьером Поннеллем, Франко Дзеффирелли, Франческо Рози, Гетцем Фрид­рихом, Отто Шенком.Эти фильмы-оперы до сих пор не утратили све­же­сти и благодаря участию выдающихся певцов стали образцовыми в музыкаль­ном отношении. А вот многие постановки следующих десятилетий требуют знания сюжета конкретной оперы и некоторого зрительского опыта.

Альтернативный путь «вхождения в оперу», не ограниченный представленным выше списком, предполагает хорошую ориентацию в смежных видах искусств и литературы. Любители театральной драматургии первой половины ХХ века наверняка с удовольствием откроют для себя Яначека, Берга, Пуленка и Стра­винского. Романтизм в живописи и литературе, особенно английской, созвучен эстетике бельканто (одновременно техника пения и обширный период в истории оперного искусства) (Беллини, Доницетти, серьезные оперы Россини); более ранний европейский сентиментализм — французской лирической опере (Гуно, Массне, Тома). Шекспиром, Гюго и Шиллером вдохновлены многие опусы Верди; от барочной и классицистской драматургии — кратчайший путь к опе­рам Монтеверди, Генделя, Вивальди, Рамо, Люлли, Глюка и раннего Моцарта.




2. Как появилась опера


Оперу называют самым элитарным и дорогим театральным жанром. Второе определение абсолютно точно отражает реальность: стоимость оперного спектакля не идет ни в какое сравнение с другими зрелищами, он значительно дороже драмы и балета, уступая только мюзиклу. При этом с первым утвер­ждением можно и нужно спорить.

Первый оперный спектакль, как считают историки, состоялся в 1598 году. Это было закрытое представление, организованное во Флоренции кругом италь­янской аристократии. Уже через 40 лет после этого опера стала народным достоянием: в 1637 году в Венеции открылся первый публичный оперный театр, и на спектаклях могли присутствовать все, кто купил билет. Только что изобретенная архитекторами ярусная система постройки зала (в отличие от прежней амфитеатральной, когда зрительские ряды располагались веером вокруг сцены) позволяла разместить все социальные классы по разным этажам, то есть ярусам. Центральная ложа принадлежала монарху, ложи на том же или соседних уровнях были выкуплены близкой к нему знатью; чем дальше от мо­нар­ха — тем скромнее было социальное положение зрителя.

До конца XIX века опера занимала в системе развлечений фактически то же место, которое сейчас занимает кино. Чем больше был успех той или иной новинки, тем больше представлений давал оперный театр. Высокие сборы позволяли финансировать дальнейшие постановки, существовала система звезд, в оперу приходили семьями, публике предлагались напитки и еда, при желании в ложу можно было заказать ужин и там же уединиться с дамой сердца. Оперный театр являлся местом встреч высшей знати и высокопо­ставленных гостей, поэтому здесь назначались деловые встречи, обговари­вались важные сделки и заводились новые полезные связи. И все это — параллельно тому, что происходило на сцене. Лишь в конце XIX — начале ХХ века опера стала уходить в элитную резервацию, становясь высокоинтел­лектуальным развлечением, жанром со сложной драматургией и еще более сложным музыкальным языком: развлекательную функцию она оставила оперетте и позже — мюзиклу. Но классический оперный репертуар — от Ген­деля и Моцарта до Верди и Пуччини — был и остается рассчитан на самую разную публику.




3. О чем рассказывает опера


Эстетика оперного жанра на протяжении трех столетий, вплоть до начала ХХ века, не ставила задачу отображать реальность — она преломляла ее осо­бенным образом, с помощью аллегорий и аллюзий. Герои и боги на сценах барочного театра олицетворяли царствующих монархов (так, в генде­левских Юлии Цезаре и Ричарде I современники, конечно же, узнавали английских королей Георга I и Георга II соответственно), а патриотические пассажи в вердиевском «Набукко» без труда счи­тывались зрителями, мечтавшими об объединении раздробленной на мелкие государства Италии. Вплоть до вто­рой половины XIX века большая временная дистанция между происходящим на сцене и датой в календаре была нормой, и редкие исключения в виде опер на современные автору сюжеты («Свадьба Фигаро» Моцарта, «Травиата» Верди) только подтверждали это правило. Лишь на стыке XIX и ХХ веков опера стала стремиться к реалистичному искусству — с результатами разной степени убедительности: произведения композиторов-веристов (направление, возникшее в итальянской литературе конца 1870-х, получившее продолжение в оперном жанре. Композиторы-веристы воплощали в своих произведениях преимущественно сюжеты из современной жизни, сосредотачиваясь на социальных проблемах), от Пуччини до Масканьи и Леонкавалло, неизбежно романтизи­руют реаль­ность (тем и хороши); более сурова и приближена к драматическому театру эстетика Берга, Яначека и (отчасти) Рихарда Штрауса.

Возникнув как вестник новой барочной эстетики с ее подчеркнутой театраль­ностью, опера возвела условность в абсолют, создав свою собственную реаль­ность — мир оптической и слуховой иллюзии. И сохранила ее на долгие века вперед, вплоть до двадцатого. В опере свои законы коммуникации и свой отсчет времени: герои изъясняются между собой с помощью пения, размышля­ют вслух (арии и сольные сцены), могут говорить друг с другом в параллель об одном и том же или о разном (ансамбли), в массовых сценах единодушно поют хором, иногда взаимодействуют с непоющими персонажами (балет или миманс (мимический ансамбль, группа артистов, участвующих в различных сценах оперных и балетных постановок) ). Даже в ХХ веке опера, восприняв эстетику реализма, не утратила любовь к сюжетным источникам, которые питали этот жанр в прошедшие века, — сказкам («Турандот» Пуччини, «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева), античному мифу («Царь Эдип» Стравинского; «Ариадна на Наксосе», «Дафна» и «Любовь Данаи» Рихарда Штрауса), библейской тематике («Моисей и Аарон» Шёнберга), историческим и псевдоисторическим сюжетам («Диалоги кармелиток» Пуленка, «Глориана» Бриттена).




4. Зачем нужно либретто


Литературная основа оперы — либретто — в отсутствие музыки не имеет самостоятельной художественной ценности. Поэтический или прозаический текст полностью подчинен музыкальным законам жанра. Законы эти могли меняться или корректироваться с течением времени. Но они всегда подразу­мевали наличие сольных и ансамблевых сцен и определенную субординацию между главными и второстепенными персонажами. Кардинально важен музыкальный пульс оперы, выражающийся в чередовании эпизодов, драма­тически более насыщенных (где происходят некие события либо о них идет рассказ) и более нейтральных (где внешнее действие фактически останавли­вается и герои получают возможность осмыслить его и дать ему некую эмоциональную оценку). Сугубо второстепенная роль драматической состав­ляющей оперы объясняется тем, что, как и в балете, перед началом спектакля вы уже осведомлены о самом сюжете и его развязке — как и в XVII, в XXI веке к вашим услугам краткое содержание оперы и полный текст либ­ретто. Оперного зрителя гораздо меньше интересует, о чем опера, гораздо важнее — как реализован конкретный сюжет. Различия в интерпретации (музыкальной, сценической) оперных текстов позволяют много раз пере­сматривать одну и ту же оперу и открывать новые грани уже знакомого произведения.




5. Кто главный в опере


Ответ на этот вопрос в каждую эпоху звучал по-разному. В XVII и XVIII веке —во времена Монтеверди, Генделя, Рамо, Моцарта — огромное значение имели певцы. Профессиональная школа пения, развивав­шаяся в Италии невероятными темпами, позволила многим ведущим певцам (прежде всего легендарным кастратам — Фаринелли, Сенезино, Каффарелли, Гваданьи и др.) достигнуть статуса суперзвезд, аналогии с сегодняшним шоу-бизнесом абсолютно приемлемы. Даже при авторитете и мастерстве ведущих оперных композиторов приоритет певца был незыблем: под певцов подбира­лись сюжеты, писались (а затем по желанию певца и многажды переписыва­лись) арии и целые сцены, в зависимости от статуса певца в труппе определя­лось количество арий и т. д. Подобная ситуация сохранилась и в первой поло­вине ХIX века, когда свои оперы для ведущих звезд (Паста, Малибран, Давид, Виардо-Гарсиа, Рубини, Нурри) создавали Беллини, Доницетти, Россини, Мейербер, Берлиоз и другие авторы.

Как и сегодня, публика ценила в певцах красоту тембра, широту диапазона (когда голос звучит ровно и без изменений и в низком грудном регистре, и на самых высоких нотах), контроль дыхания и плавность вокальной линии (легато), подвижность и чистоту голоса (проявляющуюся в колоратурах и фиоритурах — спетых в быстром темпе и на одном дыхании многочисленных украшениях), а также драматическую выразительность и хорошую дикцию.

Пожалуй, только начиная с Верди и Вагнера, успех оперного спектакля стал определяться именем не певца, а композитора — музыкально-драматическое содержание вышло на первый план, опередив индивидуальные достижения отдельно взятых исполнителей. Культ певца был окончательно повержен Вагнером и Рихардом Штраусом: вокальный голос при всей своей исключи­тельности воспринимается в эстетике этих авторов как непременная, но не до­минирующая составляющая звукового облика оперы. Исключительно важную роль начинают играть оркестр и дирижер, ведущий за собой всех участников спектакля, создающий в реальном времени его структуру и задающий ему определенный музыкальный темпоритм.




6. Что произошло с оперой в конце XX века


В последней четверти ХХ века в оперной эстетике произошла еще одна ре­во­люция. Приход в оперу из смежных театральных жанров нового поколения режиссеров-экспериментаторов (Патрис Шеро, Питер Селларс, Роберт Уилсон) ознаменовал кардинальное переосмысление жанра. Во многих классических оперных сюжетах режиссеры увидели актуальные смыслы, стали смело пере­носить действие в современность или в принципиально другой исторический или социальный контекст; к певцам начали предъявлять требования как к дра­мати­ческим актерам. Классическая опера приобрела остроту актуального искусства. Нескольким выдающимся режиссерам разных поколений наследовало множество эпигонов (особенно в немецкоговорящих странах, где и родился «режиссерский театр»), превративших актуализацию классических опер в клише. Эти поста­новки стали не менее обыденными, чем «концерт в костюмах», как называли оперу ее критики в дорежиссерскую эпоху.

Хорошим оперным спектаклем считается тот, в котором идеально выдержан баланс между всеми его составляющими — певцами, оркестром, режиссурой, сценографией, светом, костюмами. Подобное идеальное (или близкое к иде­альному) сочетание всех элементов оперного спектакля Рихард Вагнер называл емким термином Gesamtkunstwerk («гезамткунстверк») — совокупное худо­жественное произведение.




7. Что происходит с оперой сейчас


В новом столетии оперный жанр продолжает быть в центре творческих инте­ресов как композиторов, так и их заказчиков: ведущие театры и фестивали Америки и Европы регулярно включают в репертуар новые произведения или заказывают их сами; сформировалось целое поколение исполнителей, прекрасно справляющихся с текстами любой сложности. Тем не менее доля новой музыки в оперных афишах сравнительно невелика по сравнению с операми из классического списка — который, в свою очередь, постоянно расширяется (масштабное возрождение оперы барокко, наметившийся интерес к французской опере первой половины XIX столетия, оперному репертуару начала ХХ века). За исключением избранных сочинений нескольких признан­ных авторов (классики второй половины ХХ столетия — Оливье Мессиан, Дьёрдь Лигети, Джон Адамс, Лучано Берио, Филип Гласс, Ханс Вернер Хенце, Ариберт Райман, Харрисон Бёртуистл; cледующее за ними поколение — Кайя Саариахо, Джудит Уир, Унсук Чин, Томас Адес, Джордж Бенджамин, Джейк Хэгги.), новые оперы не закрепляются в репертуаре (возможно, вследствие предубеждений публики). В Германии, самой большой оперной индустрии мира (более 90 оперных театров), отсутствие возобновлений новых опер после премьерной серии показов называют основной проблемой совре­менного музыкального театра. Возможно, для процесса вхождения новых текстов в постоянный репертуар нужна определенная временная дистанция, как это произошло с операми Моисея Вайнберга (его музыка, высоко ценимая в про­фессиональном сообществе, с огромным трудом находила путь на большую сцену), чьи сочинения переживают второе рождение спустя 30–40 лет после своего создания.




8. Где слушать оперу


Легионы оперных записей на дисках и сотни DVD в крупнейших магазинах Европы и США, как и регулярные кино- и интернет-трансляции из крупнейших театров мира (нью-йоркская Мет, лондонский Ковент-Гарден, Парижская национальная опера), легко доступны, но живых впечатлений от спектакля не заменит ничто. Навигация по оперным театрам, учитывая их количество, не самая легкая, но традиционно все оперные театры США, во главе с Метропо­литен-опера, считаются оплотом традиционализма — консервативной в боль­шинстве случаев режиссуры и больших голосов, так же как и Венская госу­дарственная опера и большинство итальянских театров (Турин, Венеция, Неаполь, Палермо). Крупные оперные дома Европы (лондонский Ковент-Гарден, Парижская национальная опера, Баварская государственная опера, театры Цюриха, Мадрида, Барселоны, Брюсселя, Амстердама, Лиона) предпочитают актуальные и модные имена — как певцов, так и режиссеров. Оперные фестивали (Глайндборн, Экс-ан-Прованс, Оранж, Санта-Фе) особое внимание уделяют общему качеству спектакля — певцы подбираются индивидуально, в соответствии с режиссерской концеп­цией, которая, в свою очередь, рассчитана на фестивальную публику, состо­ящую из множества знатоков и ценителей.

Получить представление о спектакле, еще не купив билет (и, соответственно, принять решение, покупать ли его) сегодня достаточно легко: даже самые маленькие театры в немецкой или французской провинции размещают на своих сайтах или ютьюбе трейлеры, создают подкасты с фрагментами сценических репетиций и интервью с певцами, режиссером и т. д. Дальше — дело вкуса и определенный процент везения: даже в небольшом провинци­альном театре можно увидеть очень качественную постановку, так же как и нарваться на дорогой и бессмысленный спектакль в одной из признанных оперных столиц. Громкое имя певца на афише не всегда гарантия превос­ходного результата, а радикальное и новаторское режиссерское прочтение не всегда лучше консервативного и традиционного «концерта в костюмах».




9. Как одеваться


Времена норковых манто и обязательных смокингов ушли в прошлое — более или менее парадно принято выглядеть только на премьерах в самых крупных театрах мира и на нескольких престижных фестивалях (Глайндборн, Зальц­бург). Оптимальный вариант — smart casual, причем чем дальше вы си­ди­те от пар­тера и лож бенуара, тем менее обязательны галстук и костюм-тройка. Во многих театрах система кондиционирования оставляет желать лучшего, поэтому надевать на себя три слоя одежды излишне. На летних фестивалях под открытым небом (Брегенц, Оранж, веронская Арена) можно запросто прийти в шортах и майке — но тут как раз лучше запастись чем-то теплым, чтобы не промерзнуть к финалу.




10. Когда аплодировать


Доверьтесь большинству: в публике всегда есть процент профессионалов и зна­токов. По окончании увертюры (оркестрового выступления), арии или дуэта принято награждать исполнителей аплодисментами — иногда продолжительно и бурно, с криками «bravo» («brava» — если аплодисменты относятся к даме, или «bravi» — если к группе исполнителей). Не очень вежливо аплодировать поверх музыки, если она продолжает звучать, но после некоторых популярных арий (в которых композиторы «не предусмотрели» паузу для аплодисментов) регулярно случается и такое. Дирижера и оркестр принято награждать овацией перед последним актом спектакля: свет софитов в этот момент направлен на оркестровую яму. Знаменитое оперное «бу», выражающее неодобрение того или иного исполнителя (или чаще — режиссера), имеет место только на фи­наль­ных поклонах и чаще всего на премьерах; особенно любят «буканье» в Италии (этим славится миланский Ла Скала) и Германии (везде).

КОМПОЗИТОРИ

ДНЕВНИК ЧЕРНОВИК

Четверг, 08 Декабря 2022 г. 06:21
Среди крупнейших советских композиторов Прокофьев занимает одно из первых мест. Его богатое творческое наследие получило широкое признание в Советском Союзе и за рубежом. Прокофьев оставил более 130 произведений, в числе которых 8 опер, 7 симфоний, оратории и кантаты, инструментальные концерты и ансамбли, многочисленные фортепианные произведения, романсы, песни, музыка для театра и кино. В своих лучших сочинениях, отмеченных глубиной содержания, неисчерпаемой фантазией, ярким своеобразием, высоким художественным мастерством, Прокофьев продолжает и развивает традиции русской классики.

Его музыке, полной оптимизма, свойственны энергия и напористая стремительность развития, упругие ритмы, широта мелодического дыхания, чистый, светлый лиризм, черты возвышенного эпоса.

Сергей Сергеевич Прокофьев родился 23 апреля (нов. ст.) 1891 года в селе Сонцовка б. Екатеринославской губернии. Уже в раннем детстве на его редкую одаренность обратили внимание С. И. Танеев, Р. М. Глиэр, А. К. Глазунов. С 1904 года Прокофьев занимался в Петербургской консерватории, которую окончил в 1909 году как композитор (обучался у Н.

А. Римского-Корсакова и А. К. Лядова), а в 1914 как пианист. Еще в консерваторский период началась плодотворная артистическая деятельность Прокофьева. Юношеские сочинения — Первый фортепианный концерт (1911), Классическая симфония (1917), а также выступления в концертах как пианиста обнаружили самобытное дарование, смелость и новизну мысли большого художника. Горячую симпатию искусство Прокофьева вызвало у А. М. Горького и В. В. Маяковского.



С 1918 по 1932 год Прокофьев живет за рубежом, где создает оперы «Любовь к трем апельсинам» (1919) и «Огненный ангел» (1927), балет «Блудный сын» (1928), Вторую, Третью и Четвертую симфонии, три фортепианных концерта и другие сочинения. По возвращении на родину щедрый талант Прокофьева расцвел с особой полнотой. Прокофьев то воскрешает славные страницы русской истории, создавая величественные картины, потрясающие глубоким драматизмом, то обращается к волнующим темам современности, трактуя их гуманистически, жизнеутверждающе. Среди лучших его произведений балеты «Ромео и Джульетта» (1936), «Золушка» (1945), «Каменный цветок» (1950), оперы «Семен Котко» (1939), «Дуэнья» (1940), «Повесть о настоящем человеке» (1948), «Война и мир» (1953), кантата «Александр Невский» (1939). оратория «На стражу мира» (1950), симфонии Пятая (1944), Шестая (1947) и Седьмая (1952), за которую композитор был посмертно удостоен Ленинской премии.

Прокофьев умер 5 марта 1953 года в Москве.

✨ ОПЕРНОЕ БЛАЖЕНСТВО

Среда, 10 Августа 2022 г. 18:45 + в цитатник

Икона оперы - Мария Каллас.
Очень странная вещь - опера. Совершенно искусственный, придуманный жанр, где люди зачем-то поют то, что можно сказать, причём поют не естественными, а специально "сделанными" голосами. Где всё противоречит реальности, жизненной правде и здравому смыслу.

Рациональным и трезво мыслящим натурам трудно с этим смириться. Но остальные уже четыреста лет возводят в честь оперы прекрасные храмы, приносят на её алтарь жертвы (в эту печальную тему лучше не углубляться), соблюдают оперные ритуалы и находят в ней источник особого, ни с чем не сравнимого наслаждения.

Опера - очень хрупкая вещь. Она легко превращается в карикатуру, поскольку нет ничего более отталкивающего, чем плохое пение. Зато если пение прекрасно, её эффект ни с чем нет сравним. Хорошая музыка плюс прекрасное пение (bel canto) - это и есть блаженство оперы.

Добавим - старой оперы. За последние сто лет опера уже перестала быть источником абсолютной музыкальной красоты.

Такой, какая есть, например, в этих трёх ариях-молитвах.

🟢 Николо Порпора. Ария Ациса из оперы "Полифем" (Alto Giove)
Итальянский мастер бельканто Николо Порпора в первой половине 18 века был крупным авторитетом в области оперного вокала: педагогом и композитором.

Его легендарную личность очень ярко описала Жорж Санд в своём приключенческом романе "Консуэло".
Недаром юный Гайдн нанялся к нему камердинером. Он чистил сапоги Порпоры за возможность хотя бы краем глаза наблюдать за его уроками.

Эту арию Николо Порпора написал для своего ученика - знаменитого кастрата Фаринелли.

Юный Ацис, возлюбленный Галатеи, убит циклопом Полифемом. По просьбе Галатеи Зевс возрождает его к жизни. В этой арии Ацис возносит ему благодарственную молитву.
Немецкое сопрано Симона Кермес.




А здесь мужской вариант: аргентинский контртенор Франко Фаджоли:



🟡Джоаккино Россини. Ария Памиры из оперы "Осада Коринфа"
Во времена Россини (1 половина 19 века) бельканто достигло своей высшей точки, а потом постепенно вышло из оперной моды. Вот для чего нужно хранить классику: чтобы наслаждаться тем, чего уже не делают.

⭐Что нужно знать о Джоаккино Россини

Молодая гречанка Памира попала в ситуацию, из которой нет выхода. Эту арию-молитву она поёт прежде, чем заколоть себя кинжалом.
Российская звезда бельканто Юлия Лежнева - неотразимо красиво.




🔵 Винченцо Беллини. Каватина Нормы из одноимённой оперы.
Природа наделила Винченцо Беллини чудесным мелодическим даром, умением рисовать звуками линии идеальной красоты. Эта Каватина настолько знаменита, что фактически стала воплощением самого жанра оперы и эталоном бельканто.

Спеть эту арию - задача ювелирной точности, но техника - только полдела. Слишком сложные чувства вкладывает в свою молитву жрица Норма.

⭐О чём “Норма” Беллини?

Первая исполнительница этой партии Джудитта Паста сначала вообще отказалась её петь.

Вообще в этой каватине есть ещё быстрая кабалетта. Но в концертах её обычно опускают.

⭐Ария, ариетта, ариозо, каватина, каблетта … В чём разница?

Мария Каллас спела эту Каватину в 89 спектаклях, не считая концертных выступлений.