1934 год.

Родилась в Лутоне, Бедфордшир (Великобритания).

Родители: отец был хирургом-стоматологом, а мать дизайнером текстиля.

Так что в некотором смысле Энн пошла по стопам матери.

Энн Ивори получила художественное образование в школе искусств Святого Олбана.

Специализировась на дизайне тканей и гравюре по дереву.

Несколько лет работала преподавательницей рисования.

Проиллюстрировала около 40 книг.

" Она прославилась в 1980-х годах, после того как потратила время на развитие своих способностей к иллюстрации

во многих внештатных комиссиях. Именно для ее «Кошек из слоновой кости» с очень подробными исследованиями

кошек на богатом и декоративном фоне, которые сделали ее работы популярными в товарах на протяжении почти

трех десятилетий, от тарелок, поздравительных открыток, кухонной утвари до наручных часов, изысканного

фарфора и настенных календарей.

Энн Ивори принимала участие в выставках, в том числе в трех персональных выставках в Лондоне , ежегодных

выставках в галерее Криса Битлза в Лондоне и в музее Солсбери в Уилтшире.

В 1993 году у нее была крупная выставка в Нью-Йорке.

Ее гравюры на дереве выставлялись на Летней выставке Королевской академии в течение десятилетия подряд. 

Она также создала серию принтов животных ограниченным тиражом для Всемирного фонда дикой природы . 

Она также является одной из покровителей британского фонда Cat Action Trust. 

20.

                                                             

                                                   7 октября 1899 года  -  15 сентября 1985 года.

Настоящее имя живописца Марсель Дрейфус.

Родился в Париже, в семье промышленников из Эльзаса.

Вырос Марсель в Нормандии , в городах О,Довиль и Трувиль . 

Вначале выучился на инженера, но лет в двадцать пять решил стать художником.

Этому способствовал факт, что Марсель Диф ещё в детстве увлёкся живописью и особенно импрессионизмом и

постимпрессионизмом, самостоятельно изучал технику живописи.

"В 1923 году переехал в Арль, где приобрёл мастерскую и начал серьёзно заниматься живописью, уже как

профессией.

Поскольку художник родился в финансово обеспеченной семье, он мог не отвлекаться на такие досадные мелочи,

как добыча хлеба насущного. 

В Арле (в Провансе), он покупает мастерскую и начинает, что называется, нарабатывать технику (возможно даже,

несколько фанатично) - он осваивает новый для него жанр пейзажа.

Диф обучался живописи самостоятельно – то есть был по сути художником-самоучкой.

В течении следующих 13 лет он жил в Арле, вплоть до своего возвращения в Париж в 1935 году."

(с)

https://www.liveinternet.ru/users/5124893/post389377411/

Карьера Марселя складывалась спокойно и удачно.

"В Каннах Марсель Диф познакомился со своей будущей женой Клодин (ставшей его постоянной моделью).

 

На момент знакомства Клодин было 19 лет – на 36 лет меньше, чем Дифу. Они поженились в 1965 г.,

 

и Клодин, в числе прочего, посвятила свою жизнь бесконечным переездам, так как Диф постоянно нуждался

 

в новых объектах для вдохновения.

 

Его настоящей страстью был портрет, а точнее портрет его жены Клодин Godat. Длинные светлые волосы, чистая

 

кожа, бодрость и терпение, она была всем тем, что для художника олицетворяло женственность.

 

Клодин стала его идеальной моделью. Любовь к ней стала катализатором самой мощной, зрелой фазы творчества

 

великого художника-импрессиониста."

 

(с)

 

https://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post456880382/

 

Большой природный талант и трудолюбие позволили Марселю Дифу стать членом Французской школы (L'Ecole

 

Francais), что в свою очередь "способствовало стремительному прославлению Дифа как художника за пределами

 

Франции, и росту числа его выставок за границей.

 

В целом, Марсель Диф очень много выставлялся в престижнейших салонах Франции (Salon des Artistes Francais,

 

Salon d'Automne, Salon des Tuilleries), а так же в известных салонах США и Великобритании.

 

В целом можно считать, что Марсель Диф нашёл свой оргинальный стиль в живописи и своё почётное место в

 

изобразительном искусстве.

 

Он не состоит в российских реестрах и номинациях.

 

Очень популярен во всех секторах интернета.

 

Картины Марселя Дифа мне понравились.

 

И я решил представить его творчество любителям изобразительного искусства.

 

Стиль: синтетический. Фигуративная станковая и монументальная живопись: масло, холст, фреска и другое.

 

Многие искусствоведы считают, что в своём творчестве Марсель Диф шёл против мирового течения моды в живописи:

 

от постимпрессионизма к импрессионизму. У меня на этот счёт есть своё мнение: художник не задумывался о стилях,

 

а писал так, как ему нравилось, и как нравилось его поклонникам.

 

Жанр: пейзаж, портрет, жанровые сцены, натюрморт и церковная живопись.

 

Палитра: колоритная.

 

Вернисаж прилагается:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                                   

                                        По материалам интернета.

                                                                    1977 год.

Родился в Москве в семье художников: отец, Игорь Васильевич – живописец, автор ряда работ на религиозные и

мифологические сюжеты.

Мать, Наталья Васильевна, является художником прикладного жанра, создателем авторских кукол, ваз, кашпо.

Брат, Всеволод Игоревич – художник-реставратор, восстанавливающий живописные полотна прошлых лет.

Когда Ярославу исполнилось семь лет, родители переехали в Одессу – с тех пор этот город Ярослав считает родным,

здесь он проживал до 1996года.

Здесь же окончил Одесское художественное училище имени Митрофана Борисовича Грекова в 1996 году.

"За время обучения принимал участие в студенческих выставках. Работы находятся в методическом фонде и музее

ОГХУ. Дипломная работа "Часовщик" отмечена похвалой совета."

(с)

https://nevsepic.com.ua/art-i-risovanaya-grafika/1...oslav-igorevich-171-rabot.html

"После окончания училища  Ярослав Игоревич Зяблов решает продолжить обучение в Москве, и в том же году

поступает в Российскую академию живописи, ваяния и зодчества.

Это высшее учебное заведение было основано в 1987 году Ильей Глазуновым, который с основания и до самой

смерти  был  ректором академии.

В 2002г. состоялась первая персональная выставка Зяблова в Центральном Доме художника в Москве."

(с)

https://www.liveinternet.ru/users/4734325/post417358881/

"Работы находятся в методическом фонде и музее РАЖВиЗ, а так же опубликованы в книге "Русский пейзаж.

Большая коллекция" издательства "Белый город" 2002,2005гг.,

"1000 русских художников" издательства "Белый город" 2006г, "Российская Академия Живописи Ваяния и Зодчества"

1997,2003гг. издательство "Белый город" и журнале "Юный художник", 2000г., за 2003г., за 2004г.

В 2003г окончил РАЖВиЗ. Дипломная работа "Разлив на Сетуни" отмечена похвалой совета.

2003-2005гг обучался в аспирантуре РАЖВиЗ. Член IFA c 2003г.

Член МОСХ России с 2006г. С 2003 г по 2006 преподавал в РАЖВиЗ.

В 2000г.,2001г. принимал участие в научно-исторической экспедиции "Маршрутами древних мореплавателей в

Атлантическом океане".

Совершил творческие поездки по древним Русским городам и монастырям, по Украине и Болгарии, а так же

по городам и провинциям Франции, Испании, США. В 2006г состоялась персональная выставка в галерее "ХХI век"

в Москве."

(с)

https://nevsepic.com.ua/art-i-risovanaya-grafika/1...oslav-igorevich-171-rabot.html

Ярослав Зяблов входит в список лучших современных художников России (ARTEEX). 

(с)

https://arteex.ru/artists/zyablov-yaroslav

Ярослав Зяблов – художник с выраженным и узнаваемым авторским стилем, получившим высокую оценку

специалистов, востребованный среди любителей и коллекционеров в России и за рубежом.

Вот как он сам рассказывает о своём творчестве: "Для меня природа всегда была бесконечным источником

восторгов и новых открытий. Не перестаю удивляться её каждодневному, обновлению. Л

юбовь к природе и живописи сделала меня пейзажистом. Надо быть возможно ближе к натуре,

соприкасаться чаще и непосредственнее.

Мир надо видеть своими глазами, а не под влиянием других художников.

С натуры я пишу не только этюды, но и большие работы. Так создаётся совсем другое ощущение и от написанной

работы и от самого процесса.

Может, и проще работать в тёплой и комфортной мастерской, но я не променяю впечатления, которые получаю

от неповторимости, неисчерпаемости природы, на удобства.

Мое вдохновение обитает на открытом воздухе.

Полотна, написанные с натуры, отличаются своей поэтической эмоциональностью.

Они живые, в них особая энергетика высшего порядка".

(с)

https://arteex.ru/artists/zyablov-yaroslav

А вот что пишут о творчестве Ярослава Зяблова искусствоведы:  "Ярослав Зяблов – один из наиболее даровитых

современных российских живописцев.

Его авторский стиль, несмотря на молодость художника, уже является узнаваемым и востребованным среди

поклонников реалистической живописи.

                                            

Общество - это мир, в котором живет наше тело, природа - мир нашей души. Виктор Гюго. Человек, который смеётся.



Джон МакВиртер/John MacWhirter

(Scottish, 1839-1911)

ПейзажноАукционноМузейное



 

В природе множество чудес,
Чтоб рассказать, не хватит слов.
Так чистый воздух - это лес,
Где изобилие цветов.

В нём обитают звери, птицы,
Зелёных, сочных трав покой,
А родничок - ручьём струится
До встречи с бурною рекой.

Бурлящие несутся воды,
Питая всех и всё вокруг
И нет случайностей в природе.
Здесь каждая букашка - друг.

Чтоб эту сказку сохранить
Не полагаясь на удачу,
Ответственнее нужно быть
И это главная задача.

Беречь природу, охранять,
К ней относиться осторожно,
Ведь то, что можем потерять,
Вернуть обратно невозможно.
(Сергей Трохименко)


Но не в одних стихах поэзия: она разлита везде, она вокруг нас… Взгляните на эти деревья, на это небо - отовсюду веет красотою и жизнью; а где красота и жизнь, там и поэзия. Иван Сергеевич Тургенев. "Рудин"

                                                      1953 год.

Художник Йохан Мессели родом из Бельгии.

Потомственный живописец.

Его отец, известный бельгийский художник, Пол Мессели  оказал большое влияние на художественное образование 

сына, будучи одновременно его первым учителем.

Творчество отца одновременно служило Йохану ярким примером.

Йохан с самого раннего детства был окружен красотой картин и впитывал живопись с полотен отца.

Тем не менее его путь в изобразительное искусство был весьма извилист и непрост.

Вначале он получил высшее инженерное образование.

Затем увлёкся фотоискусством.

И даже проработал несколько лет профессиональным фотографом в городе Менене.

Но в коечном итоге большой природный талант живописца и тяга к изобразительному искусству победили.

И Йохан Мессели стал профессиональным свободным художником.

На этом заканчивается вся положительная информация об этом живописце, добытая мною с большим трудом

в интернете.

Нет сведений о том, в каких выставках и арт-проектах участвовал художник.

Неизвестно, состоит ли он в творческих и общественных организациях.

Йохан Мессели не состоит в российских реестрах и номинациях.

"На своих картинах он стремится создавать сцены, зарисовки, в которых тонкая игра между светом и тенью

занимает центральное место.

Его картины, написанные маслом солнечные и яркие, питающие зрителя радостью к жизни, возможностью

увидеть и почувствовать радость солнечных бликов и яркость красок цветов и зелени.

Их справедливо называют фигуративным искусством с импрессионистским оттенком.

Он любит рисовать текстурными инструментами, но специализируется на масле и увлекается пастелью. 

Он окутывает женщину в значительных позах, и, как правило, цвет, свет и тягость приобретают важную роль в

его работе, которую все обожают и принимают!" 

(с)

https://www-fineartandyou-com.translate.goog/ 

Творчество Йохана Мессели очень популярно во всех секторах интернета.

Но я сомневаюсь, что это имя известно многим в России.

Мне же лично понравились картины живописца - самоучки Йохана Мессели.

И я решил представить эти скромные сведения и творчество художника любителям изобразительного

искусства.

Стиль: синтетический. Фигуративная станковая живопись: масло, холст; пастель. Кисть, мастихин и другие техники.

Импрессионизм в органическом сочетании с реализмом.

Жанр: оригинальный пейзаж - укромный райский уголок для счастливой жизни, оригинальный женский портрет,

флористика и другое.

Палитра колоритная: солнечно - цветочная.

Вернисаж прилагается:

                                          По материалам интернета.

                        День рождения мне неизвестен.

Аманда Хоскинс родилась и выросла в Корнуолле, Англия.

Вот что она рассказывает о своём детстве: "Рисовать я любила с детства гуашью, но эти рисунки не удовлетворяли

моё чувство прекрасного. Я просто чувствовала, что должна заниматься чем-то другим, и единственное, что я знала,

— это парусный спорт. Я начала выходить в море еще малышом с дедушкой. К 14 годам у меня была собственная

четырехметровая деревянная лодка.

Так что я занялась парусным спортом в соседнем Майлоре и стала инструктором.

Это казалось естественным, и на самом деле это было правильно, потому что это вернуло меня к рисованию

и совершенно другому стилю."

https://www.bythedart.co.uk/about-dartmouth/amanda-hoskins---artist/

Художественное образование Аманда получила сначала в художественных колледжах Корнуолла и Челси.

Степень же магистра изобразительных искусств ей дали по завершении учёбы в Фалмутском колледже в

1992 году.

Аманда специализируется на рисовании пейзажей Корнуолла и морских пейзажей потому что эти темы соответствуют

её любви к природе, которая ее окружает, и пониманию красоты окружающего мира.

"Она проводит много часов, гуляя по сельской местности, наблюдая и наслаждаясь перспективами на каждом уровне.

Именно благодаря ее взаимодействию с окружающей средой она может изображать свои сцены с таким очарованием

и красотой.

Аманда фигурирует в книге Рэя Балквилла «Картина Корнуолла».

Книга объединяет некоторых из самых знаменитых художников Корнуолла и представляет читателю захватывающий

взгляд на личные и психологические отношения Аманды с этим местом."

(с)

https://www-artymag-ir.translate.goog/en/artists/ilRZ/

И далее Аманда так описывает свою подвижническую художественную деятельность: "После рождения  дочери

Ханны и переезда в Фоуи мы отремонтировали каменный коттедж, а наверху, в свободной комнате, я стряхнул

пыль со всех своих рисунков и снова настроилась на творческий процесс.

Я думаю, что плавание освободило меня от тесных, изящных картин, которые сковывали меня раньше.

Под влиянием погоды, моря и береговой линии и в окружении бескрайнего открытого неба я снова начала

рисовать, работая над этюдами неба – сначала было довольно страшно, не давая себе переутомиться.

Однако я была полна решимости и начала создавать светящийся многослойный эффект.

Это дело потребовало много времени, но я искренне верю, что моя работа инструктором по парусному спорту

помогла мне стать серьезной художницей. 

Свободного времении у меня нет. Я всегда в поиске новой темы.

Я постоянно ищу свежее вдохновение на земле и воде. Я езжу на своей Contessa 32, классической десятиметровой

круизно-гоночной лодке, два или три раза в неделю в течение сезона, и моя камера всегда рядом, и регулярно хожу

в походы с альбомом для рисования. Каждое время года раскрывает новую картину, и всего лишь часовая прогулка

может дать мне совершенно новый набор идей.

Мой последний проект — это прогулка по всему южному и северному побережью страны, и я тоже намерена

однажды осуществить его."

(с)

https://www.bythedart.co.uk/about-dartmouth/amanda-hoskins---artist/

Аманда Хоскинс не состоит в российских реестрах и номинациях.

Она успешно сотрудничает с местными и онлайн-галереями.

Творчество Аманды Хоскинс очень популярно во всех секторах интернета.

И мне лично понравились её картины.

Поэтому я решил представить творчество Аманды Хоскинс любителям изобразительного искусства.

Стиль: синтетический. Фигуративная станкова живопись: масло. холст, бумага, гуашь и другие техники.

Кисть, мастихин и даже рука. "Я использую мастихин и руки для нанесения краски. Мне нравится экспериментировать

со смешанной техникой и коллажем, я использую все, что мне нравится в данный момент, — кусочки цветов, листьев,

камешков, и в эти дни я почти не берусь за кисть, разве что бросаю мерцание в море и брызги и световые эффекты

на мысе. Последние большие картины были написаны маслом на бумаге."

(с) 

https://www.bythedart.co.uk/about-dartmouth/amanda-hoskins---artist/

Реализм, романтический релизм с элементами сюрреализма и других изысков современного модерна.

Жанр: приморский и ландшафтный пейзаж, натюрморт и другое.

Палитра: колоритная, увлекательная и завлекающая, манящая, как фата - моргана.

Вернисаж прилагается:

                                     По материалам интернета.

Козлов Пётр Анатольевич (Россия, 1967)

ВременаГодаПейзажное



Про художника Петра Козлова в сети очень мало информации. Как-то он не выпячивается.

Отчество у художника Анатольевич. Родился в богатейшей на таланты Сибири, да в городе славном Омске, вроде бы даже в 1967 году. Там же окончил Омскую школу живописи. И потом вроде бы Ярославскую… Наверно переехал…

Ныне живет Петр Анатольевич Козлов в Москве, и радует нас своей живописью именно оттуда. А еще является членом Союза художников России…

Работает исключительно в масляной технике…

Радуют и греют душу акценты художника, то, с какой любовью к изображаемому он творит.

Такой формат пишется не в спешке эмоций.

Здесь автор именно смакует свой сюжет, душу вкладывает…

Особенно поразила меня фактура.

Просто слов нет. Цвета тоже поразили.

Отличное равновесие между блеклым реализмом и слишком ярким импрессионизмом.

Без крикливости и лишних деталей…

Живопись в коллекции Государственного Русского Музея. (Санкт-Петербург).

                                                   22 июля 1929 года - 5 апреля 2001 года.

Родился в Милвилле, штат Пенсильвания, США.

О семье и детстве сведений нет.

Нил Уэлливер получил достойное высшее образование.

Сначала он окончил Филадельфийский колледж искусств, ныне часть университета искусств в Пенсильвании.

Следующим этапом была учёба в Йельском университете, которую он завершил со степенью магистра

искусств. Его преподавателями были известные художники-абстракционисты Бургойон Диллер и Йозеф Альберс.

Благодаря природному таланту и большому трудолюбию Нил Уэлливер уже с 1953 года начал преподавательскую

деятельность сначала в частном колледже, затем в несколько лет в Йельском университете.

В конечном итоге с 1966 года и до выхода на пенсию в 1989 году работал в Пенсильванском университете, где стал

председателем Высшей школы изящных искусств.

Всё это время стиль живописи Нила Уэлливера претерпевал интереснейшую метаморфозу.

В самом начале карьеры этого художника он писал абстрактные картины цветового поля (такова была мода в те

времена).

Затем его увлекли реалистические акварели городских пейзажей.

"В начале 1960-х он уехал в Мэн, где начал рисовать фигуры на открытом воздухе, большие картины маслом часто

изображали его сыновей, катающихся на каноэ, или купающихся обнаженных женщин.

В 1970 году он навсегда переехал в Линкольнвилль , и к середине 1970-х фигура как предмет уступила место

исключительно изучению пейзажа.

 Его зрелые работы, часто размером до 8 на 10 футов (2,4 на 3,0 м), представляют собой одновременно богато

нарисованные абстракции и четкие репрезентативные изображения интимных пейзажей штата Мэн, в которых в

качестве сюжетов используются скалистые холмы, бобровые домики, пни и стремительная вода. , иногда открываясь

голубому небу с облаками. Неся свое оборудование на спине, Уэлливер отправился в лес, чтобы делать наброски

на пленэре . Его загруженный снаряжением рюкзак весил 70 фунтов и включал восемь цветов масляной краски:

белый, цвет слоновой кости, красный кадмий, марганцево-синий, ультрамариновый синий, лимонно-желтый, кадмий

желтый и зеленый светлый.

Эти пленэрные этюды обычно занимали около 9 часов и рисовались с шагом в 3 часа, после чего свет слишком

сильно менялся, чтобы продолжать.

Уэлливер настаивал на том, что ему неинтересны попытки скопировать точные цвета объектов, вместо этого он

желает найти «цвет, который заставляет его выглядеть так, как будто он снова окружен воздухом».

Он часто рисовал на улице зимой и наслаждался кристальным качеством воздуха и яркостью, создаваемой светом,

отражающимся от снега, но признавал, что процесс был непростым:

"Красить зимой на улице — занятие не мужественное. Это сложнее, чем мужество. Красить зимой на улице больно.

Болят руки, болят ноги, болят уши. Рисовать сложно. Краска жесткая, жесткая, она не двигается легко.

Но иногда есть вещи, которые вы хотите, и это единственный способ получить их. "

(с)

Википедия.

"Нил Уэлливер признан одним из ведущих американских художников-пейзажистов своего поколения. Его картины

представлены во многих музеях, и среди них - Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Музей Метрополитен,

Музей Современного Искусства в Нью-Йорке, Бостоне, Музее Изящных Искусств.

                                           

                                                 25 октября 1957 года.

Родился в Ивано-Франковске.

"Рисовать любил с детства, однако в юношеские годы больше тяготел к фотографии и киноискусству (участник многих

фотовыставок, автор нескольких кинолент, которые демонстрировались на смотрах-конкурсах любительских

фильмов).

Во время службы в армии увлекся еще и резьбой по дереву.

И только после того, как поступил в Львовский университет, нырнув в водоворот культурной жизни древнего

Львова с его многочисленными музеями, галереями, художественными выставками, понял, что живопись

- его вторая, а может, и главная стихия."

(с)

https://www.liveinternet.ru/users/4468278/post471751685/

Успешно окончил факультет журналистики Львовского университета.

Проработал журналистом 23 года.

Член союза журналистов Украины.

"Параллельно с приобретением журналистской специальности учился в Московском заочном университете

искусств, брал частные уроки у известных львовских художников.

Тогда же, в студенческие годы, во Львове произошли и его первые персональные выставки, которые получили

положительные отзывы и высокую оценку зрителей."

(с)

https://www.liveinternet.ru/users/4468278/post471751685/

Мне очень понравились некоторые мысли Игоря Остаповича о современном состоянии дел в мире живописи.

И я решил их процитировать: "- Знаете, я иногда думаю, что в художественных вузах, кроме профессиональных

предметов, следовало бы ввести спецкурс о том, как «раскрутиться». В наше время, если художник сам о себе

не позаботится, ему, однозначно, никто не поможет. Создать прекрасное произведение – это пол-дела.

Важно еще и уметь подать его, разрекламировать, чтобы, в конце концов, продать.

Когда-то был единственный путь показать свое творчество – через выставки. Сейчас же время изменилось.

Лучшим помощником для каждого художника стала, без преувеличения, всемирная паутина.

Интернет - настолько удивительная вещь, что ты можешь утром выставить картину на обозрение, а к вечеру

уже ее продать. Социальная сеть, где у тебя есть несколько тысяч друзей, пусть даже виртуальных,

это и есть твой выставочный зал. Интернет делает мир ближе. А еще не забываем о возможности многих

арт-ресурсов – как отечественных, так и зарубежных, где можно бесплатно разместить свои картины,

и только ждать выгодного предложения. Я это тоже делал в свое время. И не зря.

То есть, если художник не ленивый, ему не нужен арт-дилер, он может сам себя раскрутить и проложить

путь к успеху...

И у нас, и за рубежом есть любители как современного искусства, так и поклонники реалистической живописи.

Соответственно, мои работы все равно спрашивают как в Киеве, так, скажем, и в Лондоне.

Поэтому нет какого-то специального рецепта для достижения успеха. Важно, чтобы художник выработал свой,

неповторимый стиль. Если твою работу узнают, не прочитав подписи под ней, это уже шаг к признанию.

Могу назвать, например, нескольких львовских художников, творчество которых люблю – Петра Сыпняка,

Михаила Демца, Виктора Стогнута, Виктора Жмака... Все они – абсолютно разные по манере исполнения,

но все узнаваемые, а потому очень популярны во Львове.

И у меня, говорят, есть свой стиль, почерк, который уже не переделать.

Поэтому я и не экспериментирую, не выдумываю, не пытаюсь нырнуть в модное течение.

Рисую то, что нравится моим поклонникам. А их вкусы уже давно изучил...

Мне совсем нет дела до Союза. Я не являюсь его членом и не планирую туда вступать, потому что считаю,

что творческие Союзы в наши дни вообще не нужны. Особенно, когда «неугодным» участникам не дают

выставиться в областных экспозициях, отказывают в художественных мастерских, оказывают препятствия в

получении художественных премий, званий и тому подобное. Я этого не понимаю."

(с)

https://www.ukrinform.ru/rubric-culture/2318052-igor-ropanik-hudoznik.html

На редкость честное и объективное заявление.

"Любимая тема в его творчестве - воспевание красоты родных Карпат и живописной украинской природы.

За время своего творчества создал порядка 4 000 картин, которые сегодня находятся в частных собраниях

16 стран мира."

(с)

https://www.liveinternet.ru/users/4734325/post413049168/

 

25.

                                            1970 год.

Родился в Будапеште, Венгрия.

"О творческом пути, о том, как все начиналось, Сергей вспоминает с юмором: – В совсем детские далекие годы, я

помню, – мы живем в Ленинграде, папа делает свою курсовую работу.

Он – военный, учится в академии транспорта, готовит диплом. Он рисует красивые мосты. Мост один, мост другой,

понтонные переправы, грунт, река. Т.е. это чертеж такой. Он рисует его неделю.

Потом он уходит по своим делам, а я понимаю, что в этой работе чего-то не хватает. И я ее раскрасил, как мог.

Лучше бы я этого не делал, но мне тогда уже купили краски.

Почему меня тогда первый раз выпороли, я так и не понял. Но все равно тягу к искусству это не отбило.

Наоборот придало жару. Я понял, что надо еще лучше рисовать!

Дальше пошло постепенно. В детском саду в Ленинграде, в 5-6 лет всем давали красочки, акварели, и дети сидели и

этими акварельными красочками рисовали. Поначалу отношения не складывались, все было очень трудно.

Прибежал я однажды, все дети сидят, рисуют. Подходит ко мне воспитатель и говорит: «Сережа, полчаса где-то

гуляешь, а все уже скоро нарисуют». А рисовали аквариум. Я – ну ладно, аквариум, сейчас нарисую, сейчас быстро

со всем справлюсь. Я рисую аквариум – большую стеклянную банку круглую, посередине листа А4.

«Наливаю» туда воды, потом рисую рыбок, не дождавшись, пока это все высохнет.

И рыбы превратились в фарш, потекли. Я понимаю, что что-то опять не так происходит.

Смотрю по сторонам, а у всех детей рыбки такие красивые, в одну сторону плывут, в другую.

Это было второе фиаско. И такие моменты я копил-копил, но каждый раз, вот так наступая на грабли, я учился.

Я понял, что никогда аквариум так рисовать не буду.

Кстати, пример с папиными чертежами меня научил, что рисовать нужно на хорошей бумаге, специально для этого

предназначенной, а не на какой попало.

Дальше мы переехали в Новосибирск. В какой-то момент я разрывался между аккордеоном и рисованием, ну и

плюс еще были школьные дела. Но через два года я понял, что аккордеон – это не мое, и записался

в художественную школу. Прозанимался там года 2-3, и меня потянуло в другую сторону, я стал чуть ли не

профессиональным спортсменом, ездил с командой по всяким соревнованиям.

И на таком жизненном отрезке понял, что нужно выбирать.

И чаша весов склонилась все-таки в пользу творчества.

 

Сергей провёл пленэр для начинающих художников в Черногории, а вернувшись в Новосибирск, начал вести

 

мастер-классы и курсы. Он принимал участие в международной биеннале акварели во Франции, работал с Марией

 

Курбатовой на выставке в Голландии в 2013 году, путешествовал с художниками по России и зарубежью.

 

В настоящее время помимо собственного творчества Сергей Курбатов активно занимается преподавательской

 

деятельностью."

 

(с)

 

https://artlife.study/teachers/SergeiKurbatov

 

Картины Сергея Курбатова пользуются большой популярностью, многие из них украшают частные коллекции в США,

 

Японии, России.

 

"Своим языком" для художника стала английская акварель.

 

Напомню: английская акварель – это живопись акварелью по сырой бумаге."

 

(с)

 

https://svistanet.com/

 

Сергей Курбатов состоит в реестре профессиональных художников России.

 

Его акварели мне понравились.

 

И я решил представить творчество этого мастера любителям изобразительного искусства.

 

Стиль: синтетический. Фигуративная станковая живопись: английская акварель и другие техники.

 

Реализм, романтический реализм с умеренным влиянием современного модерна (моё мнение).

 

Жанр: пейзажи всех времён года, ландшафтные, городские, деревенские и приморские, лирические и романтические,

 

натюрморты и другое.

 

Палитра: колоритная.

 

Вернисаж прилагается:

 

 

 

 

                                                    

                                           По материалам интернета.

Пейзажи и Работы сына Ивана - здесь


Художники Булыгины: Отец Николай Владимирович

(Россия, 18.05.1957)

ВременаГодаПейзажное (часть-4)



Васильки, ромашки, незабудки,
Помнишь, собирали мы с тобой?
С громким кряком пролетали утки
Где-то высоко над головой…

Помнишь? Солнце тихо заходило
За полоску леса вдалеке.
Вечер шел, помахивал кадилом,
И туман стелился по реке…

Я живу теперь в другом районе,
Знаю запах хризантем и роз
И цветы сажаю на балконе,
Не воспринимая их всерьез.

Только, знаешь, иногда замечу –
Солнце сядет за ближайший дом,
И придет на память: давний вечер,
Васильки, и мы с тобой вдвоем…
© Copyright: Наталья Ведюшенко, 2010

Художник Вячеслав Николаевич Палачев родился в декабре 1980 года в семье потомственного художника. Рисовать начал с раннего детства, во время учёбы в школе неоднократно побеждал в районных и областных выставках изобразительного искусства среди школьников.

Серьёзно живописью Вячеслав Палачев занялся в возрасте 17 лет. Сначала это были работы в технике финифти, потом увлёкся масляной живописью, писал пейзажи и натюрморты. Особенно художнику удаются деревенские пейзажи с аккуратными сельскими домиками, пасущимися домашними животными, изумрудной сочной зеленью лугов и зарослями цветов в палисадниках.

Картины художника находятся в частных коллекциях почитателей живописи по всему миру.

                                         28 мая 1959 года.

Родилась  в селе Гола, в Подравине.

Это маленькое село расположенное на самой границе с Венгрией, дало Хорватии и миру ряд замечательных наивных

художников - Ивана Веченая, Мартина Мехкека,  Наду Швегович-Будай и других...

"В художественной среде с самого начала была окружена нежностью и заботой, как ярко выраженный

художественный талант.

Вундеркинд.

Рисовать начала в восемь лет, в 1967 году, причем сразу по "взрослому", в наивной манере, в том

числе маслом по стеклу.

На большой публике показалась впервые в 1971 году, приняв участие в групповой выставке в Загребе.

Свою первую персональную выставку Бисерка Златар, будучи пятнадцатилетней, провела в 1974 году

в Германии, во Франкфурте-на-Майне.

В этом же году завершила основную школу в Голе и поступила в копривничскую гимназию "Фран Галович",

обучение в которой завершила в 1978 году."

(с)

http://temkin-naive.blogspot.com/2012/01/blog-post.html

 Сегодня Бисерка Златар также много и плодотворно работает, активно сотрудничает с английским издательством

 

Bluebell Lane создавая для них великолепную серию иллюстраций для особого, лимитированного издания.

 

Член HDNLU в Загребе, член HDLU в Загребе, член Объединения Самостоятельных Художников Хорватии в Загребе

 

с 1993 г., член художественного общества Голы. Обладатель многих наград и признаний за свое творчество.

 

Самостоятельный художник живописец.

 

Живет и работает в селе Гола.

 

  И, хотя сегодня, сама художница не относит себя и своё творчество к категории наивного искусства, каждый

 

уважающий себя и хорватский наив, организатор тематических выставок, считает обязательным включить

 

произведения Бисерки Златар Милинкович в свою экспозицию."

 

(с)

 

http://temkin-naive.blogspot.com/2012/01/blog-post.html

 

В российских реестрах и номинациях Бисерка Златар Милинкович не состоит.

 

Лауреат многих премий и призёр конкурсов.

 

Профессиональный живописец.

 

О ней с восторгом пишут многие популяризаторы хорватского искусства.

 

Мне понравились многие её картины.

 

И я решил представить творчество Бисерки Златар Милинкович любителям изобразительного искусства.

 

Стиль: синтетический. Фигуративная станковая живопись: масло по стеклу, пастель, специальная роспись

 

стеклянных изделий и другое. Наивная живопись на основе очень даже заметного реализма с заметным влиянием

 

современного модерна. (моё мнение)

 

Жанр: пасторальные сцены в наивном преломлении, натюрморты, анималистика, особенно хороши лошадки,

 

иллюстрации, графика и другое. 

 

Палитра: очень красочная!

 

Вернисаж прилагается:

 

 

 

 

 

 

                                            

                                    По материалам интернета.