https://wiki.wildberries.ru/people/designers/blass-bill

Билл Бласс (англ. Bill Blass) – известный американский дизайнер, создатель собственного бренда. Настоящее имя Уильям Ральф Бласс (William Ralph Blass). Является обладателем огромного числа наград и премий модной индустрии.

Биография и карьера

Уильям Бласс родился 22 июня 1922 года в американском городе Форт Уэйн штата Индиана. Отца его звали Ральф Бласс (Ralph Blass), мать — Этил Кейсер (Ethyl Keyser), также у будущего дизайнера была старшая сестра Вирджиния (Virginia). Отец Бласса был сотрудником компании, которая занималась продажей туристического оборудования. Он покончил жизнь самоубийством, когда мальчику было всего 5 лет. Жена Ральфа осталась одна с двумя детьми на руках. С раннего детства будущий дизайнер начал думать о том, как заработать денег.

Когда Уильям учился в школе, то уже начинал понемногу проявлять интерес к моде. Ему нравилось рассматривать одежду знаменитостей, а все его школьные тетради были изрисованы эскизами костюмов. Об этом Билл Бласс позже расскажет в своей автобиографии.

В подростковом возрасте Билл начал продавать свои рисунки производителям дешевой одежды и модным изданиям. В 1938 году он стал победителем конкурса на лучшую иллюстрацию костюма, который проводила газета The Chicago Tribune. Шить Бласс начал, когда ему было всего 15 лет. Готовые платья он продавал знакомому торговцу из Нью-Йорка. Взамен получал по 25 долларов за каждый экземпляр. Заработанные деньги юноша усердно копил, поэтому к своему семнадцатилетию он собрал уже круглую сумму. На эти деньги молодой человек решил переехать на Манхэттен и учиться шитью.

1939 год – Бласс был зачислен в школу дизайна Парсонса (Parsons School of Design).

За год начинающему модельеру удалось многого добиться. Он был первым мужчиной, который получил от журнала «Mademoiselle» премию «Design for Living». На тот момент ему было 18 лет.

В 1942 году, во время Второй мировой войны, Билл Бласс попал в 603-ий Камуфляжный батальон США. Это было особое подразделение, которое вело войну на информационном поле боя. Участники батальона должны были всеми средствами дезинформировать противника о расположениях союзных войск. Туда вошли люди творческих профессий: писатели, журналисты, художники, режиссеры и другие. С помощью манекенов, поддельных танков, документов и других ложных материалов они пытались обмануть немецкую разведку.

1946 год – Билл Бласс начал свою дизайнерскую карьеру. Молодому человеку посчастливилось попасть в число протеже барона Алена де Гунцбурга (Alen de Gunzburg), который помогал многим начинающим дизайнерам, например Кельвину Кляйну (Calvin Klein) и Оскару де ла Рента (Oscar de la Renta). С этого времени и на протяжении 24 лет, Бласс работал в разных мастерских и ателье, пока не накопил достаточно денег на  открытие собственного дела. Билл успел проявить себя в качестве модельера в таких Домах мод, как Anne Klein, David Crystal и Ann Miller. Когда Анна Миллер решила покинуть свою марку, Бласс занял пост арт-директора, а через два года стал вице-президентом Дома. С этого момента он подписывает на вещах собственное имя. Вся одежда была украшена ярлыками «Bill Blass for Ann Miller». В 1970 году он выкупает эту компанию, где проработал модельером с 1959-го. Вскоре дизайнер поменял название марки на Bill Blass Limited. Он начал разрабатывать и выпускать одежду и аксессуарыпод своим именем.

В том же 1970 году модельер выпустил первую коллекцию спортивной одежды своей марки под названием Blassport. В 1972 году была создана парфюмерная линия молодого американского бренда.

В течение 30 лет Билл Бласс работает над расширением бизнеса. Со временем в ассортимент компании были включены также купальники, меховые изделия, сумки и шоколад. В 1998 году фирма стала приносить своему владельцу более 700 миллионов долларов в год.

Марка Bill Blass прославилась сдержанным дизайном своих изделий, чем заметно отличалась от других производителей модной одежды. Многие дизайнеры стремились создавать не одежду, а произведения искусства. Билл, в свою очередь, хотел просто удовлетворить ежедневную потребность женщин в хороших нарядах. В газете New York Times журналистка по имени Эллин Салтзмэн (Ellin Saltzman) написала о бренде такие слова:

«Именно Билл поднял американскую спортивную одежду на тот высокий уровень, на котором она сейчас».

Наибольшую популярность модельеру принесло использование необычных сочетаний текстур и узоров.

Интересным этапом в работе копании Bill Blass стало сотрудничество с автомобильным гигантом Ford Motor Company. Американский модельер участвовал в разработке уникального интерьера серии машин Continental Mark. Вместе с Биллом в работе приняли участие дизайнеры с мировыми именами. В их числе Эмилио Пуччи (Emilio Pucci), Картье (Cartier) и Юбер де Живанши (Hubert de Givenchy). Каждый год выходила машина с новым цветом кузова, самой популярной стала модель автомобиля образца 1979 года морского цвета, интерьер был украшен якорями.

1999 год – компания Bill Blass Limited была продана своим основателем за 50 миллионов долларов. Фирму купил бывший помощник Бласса – Майк Гровмэн (Michael Groveman), который в свою очередь перепродал Bill Blass компании NexCen Brands Inc в 2007 году. Сам модельер сразу после подписания сделки официально заявил о своем уходе на пенсию. Последняя его коллекция была смоделирована для сезона весна-лето 2000. Билл поселился в городе Нью-Престон, штата Коннектикут.

12 июня 2002 года Билл Бласс скончался от рака языка, переросшего в рак горла. Дизайнеру было ровно 80 лет. За неделю до смерти знаменитый модельер окончил работу над рукописью своих мемуаров, книга называлась «Bare Blass» («Обнаженный Бласс»). Билл оставил после себя завещание, по которому большая часть его состояния была вложена в недвижимость. Кроме того, ему принадлежало несколько ценных произведений искусства, который он передал в собственность государственному музею Metropolitan Museum of Art.

Достижения и награды

За годы своей работы Билл Бласс получил немало почетных наград индустрии моды.

• В 1961 году он удостоился премии «Coty American Fashion Critics award». В 1962 году стал обладателем «National Cotton Council award». Награждение проходило в Нью-Йорке. Позже Бласс получал эту премию еще дважды: в 1963-ем и в 1970 году.
• В 1965-ом Билла наградили «Gold Coast Fashion award», а в 1968-ом – «Menswear award».
• 1970 год также был отмечен для дизайнера наградой «Hall of Fame award», а 1971-ый принес ему «Print Council award».
• 1974 год — «Martha award»; 1978 год — «Ayres Look award». За разработку мужской спортивной одежды получил «Gentlemen’s Quarterly Manstyle award» в 1979 году.
• 1986 год – награда «Council of Fashion Designers of America award».

Билл Бласс получил прозвище «кутюрье-бабочка» за яркость и неутомимость в творчестве. Он вошел в число известнейших американских дизайнеров. У него заказывали наряды многие знаменитости, такие как Нэнси Рейган (Nancy Reagan), Жаклин Кеннеди (Jackline Kennedy), Глория Вандербильт (Gloria Vanderbilt) и другие. Билл Бласс в течение нескольких лет занимал пост председателя Совета Дизайнеров Америки. Аллея Славы на Седьмой Авеню украшена мемориальной доской в честь этого модельера.

Много ли мы знаем о карнавалах? В основном для нас это карнавал в Венеции и карнавал в Рио. Откуда взялось слово начнём с этого. В период расцвета Римской империи в праздничные дни устраивались разные зрелища - состязания колесниц, травля диких зверей, театральные представления. А по улицам проходила торжественная процессия с увитыми цветами и лианами повозками в виде кораблей на колёсах. Такие повозки называли на латыне carrus navalis (карус навалис). Старейшим в Европе упоминается считается венецианский карнавал о ранее всех упоминается  в хрониках. Карнавал в указе приравнивался к праздничным гуляниям по торжественному поводу, а вот в своём традиционном значении - как шумное празднество с переодеваниями масками и сменой социальных ролей - он появился  в эдикте 12296 года, когда сенат официально объявляет о проведении карнавала перед началом Великого поста. Длился венецианский карнавал не один день и даже не неделю, а целых 6 недель, начиная с 26 декабря. Такие долгие отпуска могла позволить себе богатая Венецианская империя. В других странах карнавал длился несколько дней. Во Франкфурте, Базеле, Мюнхене, Кёльне карнавал был по духу крестьянским народным праздником. Но начиная с 16 века он разделяется на три вида деревенский, городской и дворянский. постепенно превращался из карнавала в маскарад. Эпоха барокко как нельзя лучше подходила для создания фантазийных представлений, в которых на первый план выходило не желание рассмешить, а стремление поразить и восхитить зрителей. Если на средневековых карнавалах король мог стать шутом, то теперь он превращался в древнего героя или божество. 

На фреске 17 века итальянского живописца Баччо дель Бьянко изображены участники Венецианского карнавала, среди которых можно отыскать как профессиональных шутов так и персонажей комеди дель арте. (Извините крупнее не нашла)

В 18 веке, в эпоху рококо, превратившую все аспекты жизни аристократа в бесконечную любовную игру, карнавал сделался ещё одним удобным средством завести интрижку. Маски, о которых почти забыли раньше, вернулись: теперь аристократы скрывали лица, чтобы флиртовать и заводить романы. Расцвет карналов закончился после Великой Французской Революции. 

Комедия дель арте это вид площадного театра настолько тесно переплёлся с карнавальной традицией, что сегодня считают будто образы Арлекина, Пьеро, Коломбины были придуманы специально для карнавала. Это не совсем так. Стиль комедии дель арте вырос из карнавальных теататрализованных представлений, не меньше этот жанр почерпнул из устной народной традиции, главным образом крестьянской, а не городской. Так появились первые персонажи: глупые, жадные, напыенные господа и их пройдохи слуги. С ними разыгрывались небольшие сценки, основанные на буффонаде и насилии (здесь непременно кого-то колотили а часто всех). Комедия дель арте обела своё лицо в середине 16 века, когда несколько итальянских драматургов, сочиняя пьесы для карнавалов, обратили внимание на колоритных персонажей и начали включать их в свои куда более утончённые комедии. Слуги грубияны, потешно изъясняющиеся на малопонятных деревенских диалектах, безудержно сквернословящие, ужасающе неловкие и при этом гибкие вызывали у публики бурный восторг. Вскоре Бригелла, Пульчинелла, Тарталья, Панталоне и другие стали главными персонажами. К середине 18 века комедия дель арте изжила себя. 

Образ шута перешёл в образ Арлекина. Он обладает весёлым нравом и легко переносит неудачи. По легенде он вышел из Бергамо, умом не отличался грамоте не обучен. Постоянно попадает в переделки работать не любит. Он так же известен как Бертольдино, Табарино, Меццетино, Труфальдино.

К. Жилло Сцена комедии дель арте "Гробница метра Андре".

Шут, Джокер, Дурак. Он балансирует на грани между образами проникшими из комедии дель арте и классическими карнавальными образами. Может высмеять любого не смотря на положение и богатство. Таскает с собой фальшивый скипетр символ королевской власти. Носит лёгкие туфли шляпу с яркими перьями или с бубенцами и костюм из лоскутов показывающий его бедность. Ведёт себя шумно непочтительно задиристо. Слуга жадного Панталоне носил маску чёрную со складками на лбу, толстыми бровями и прыщом. Пьдролино или Пьеро. В комедии дель арте он крестьянин мукомол поэтому он в белой одежде и лицо белое. Изначально он был антагонист Арлекина образом умного слуги потом стал меланхоличным и романтичным персонажем страдающего от несчастной любви. Рубаха стала с длинными рукавами, лицо покрылось свинцовыми белилами рисовалась слеза что его вечно обижают. 

Коломбина это красотка пришла в карнавал из комедии дель арте, где выступала в роли служанки. Она прислуживала или купцу Панталоне или влюблённой госпоже помогая ей устраивать сердечные дела. Она появлялась ил в платье лоскутном как у Арлекина который за ней ухлёстывал или в платье крестьянки корсаж юбка передник. Иногда появлялась без маски делая грим с акцентом на глаза или полумаской прикрывая лицо. 

Жоли - женский вариант шута. Жоли дерзка очаровательна. Подобно своему дружку Буффону она расхаживает повсюду с пародией на королевский скипетр, иногда держит в руках зеркало. Колпак расшит бубенцами. Дурачится и громко смеётся. Лицо её прикрыто расписной маской. 

Дж. Д. Тьеполо. Менуэт. 1756 г. 

Мужчины на карнавале часто выбирали комические амплуа, а женщины образы способные пленять и очаровывать.Маска помогала позволять себе вольности которые осуждались в обычное время. Жнщины укорачивали юбки демонстрируя чулки, почёркивали грудь и бёдра и помощью накладок и подушечек. Расшнуровывали лиф платья, оголяли шею и плечи - а то и наряжались в летящие полупрозрачные одежды нимф и богинь. Снимался запрет на женскую молчаливость и покорность. Дамы раздавали комплименты и изощрялись в остроумии. 

В средневековых городах такие праздники устраивались перед великим постом. С помощью переодеваний люди пытались стереть границы между богатыми и бедными. На улицах выступали дрессировщики, актёры, шуты, акробаты, жонглёры. Шутки вертелись вокруг плотских утех. Костюмы делались соответствующие: с огромными животами, к маскам приделывали гипертрофированные подбородки носы бородавки, и делали устрашающих размеров гульфики. Вот фрагмент картины известного художника Питера Брейгеля старшего "Битва поста и масленицы" изображён король карнавала - толстяк на бочке вина.

 Его традиционный для фламандских крестьян 16 века костюм дополнен живописными деталями - огромным гульфиком подчёркивающим плотскую натуру короля, шлемом из утиного паштета (традиционное угощение во время празднества) Вместо меча на поясе нож мясника. В руках копьё с насаженным на него мясом. Аристократы больше ценили не гротеск, а анонимность которую давали костюм и маска. В эпоху Возрождения мужчины носили шоссы. Шоссы - очень узкие штаны, точнее, чулки, полностью скрывавшие ноги. Были частью средневекового костюма. В эпоху Возрождения разделились на панталоны верхняя часть и собственно чулки. Два не сшитых между собой чулка, а потому стали носить в ср. века чулки разного цвета. Позднее в моду вошли однотонные, а разноцветные остались в нарядах шутов. Гульфик изначально кусок материи кармашек крепился к прореке в месте соединения панталон и чулков шосс. В средневековье гульяфик делали из контрастной ткани и украшали. Он был полноценной частью наряда его не скрывали, а наоборот подчёркивали. В эпоху Возрождения гульфик растёт до гротескных размеров, а затем становится незаметным.  

Марко Ортолани современный художник родился в 1973 году изобразил на картине карнавал в Венеции. 

В 1607 году художник Ян Томас изобразил императора Римской империи Леопольда I в образе Ациса, возлюбленного Галатеи из оперы Драги "Галатея".  Его наряд эксцентричен даже по меркам барокко. Но наряды того времени тяготели к эксцентричности на маскарадах и у актёров. 

Венеция город далёкий от земледелия маски были просто для сокрытия лица, и не изображали духов рек лесов или полей. В Венеции даже был фонд который собирал деньги в течении года на карнавал. Время от времени возникала мода на экзотические наряды. Например после победы Венецианской республики над турками в 1571 году в толпе на карнавале мелькали тюрбаны. Охотно изображали мавров и эфиопов, китайцев. В 15 столетии костюмы Шутов Пьеро Коломбин стали традиционными у богатых людей. Ранее это было не мыслимо. В 18 столетии костюмы эти канули в лету. 

Это эскиз четырёх мужских карнавальных костюмов, изображающих героев комедии дель арте, создан художником позднего барокко Клодом Жилло. Заметно влияние французского барокко в моде, лишь Пьеро справа в традиционном итальянском костюме. Долгое время карнавал был мужской скорее забавой много выпивки, потасовки грубые шутки вынуждали благовоспитанных  дам ограничивать своё участие в гуляниях. С 16 века гуляния приобретают более утончённые черты. Аристократы превращают его в маскарад. Для дам это было поводом демонстрировать причёски и наряды и изысканные маски. Если раньше она позволяла хранить анонимность в карнавале теперь маска была красивой безделушкой или простой формальностью. Часто стали использовать полумаску. Когда то было достаточно укутаться в плащ, скрывающий фигуру и социальное положение. Наряды теперь не прятали под плащом их выставляли напоказ. Аристократов больше не устраивала комедия дель арте. Теперь популярностью пользовались не простые сценки, а сюжеты представления и танцы. Бальазарини придумал оперу-балет для своего дебюта при королевском дворе во Франции. Он придумал музыку текст даже костюмы. Новое развлечение пришлось по вкусу. Потом стали участвовать и члены королевской семьи. Маска скрывала лицо короля делая его простым смертным придворным не приходилось соблюдать этикет в представлении. Они могли не склоняться перед королём и поворачиваться к нему спиной. Постановки добрались до Англии и полюбись Генриху 8, а потом и его дочери Елизавете. Королева обожала танцы после балета начинался бал, на котором танцевали уже и зрители. Наряды обуславливались темой постановки, которая открывала бал. Обычно популярны были античные сюжеты, но так же были аллегорические сценки. 

Императрица Маргарита Тереза одета как главная героиня балета "Галатея." Портрет является парным к портрету короля Леопольда. Это она изображена на картине Веласкеса малышкой инфантой. Обратите внимание на то как красные ленточки в волосах перекликаются с красной бахромой на жезле, а бело-красный плюмаж с узором на юбке. 

Крой маскарадны костюмов соответствовал моде если юбка держалась на фижмах, то и в карнавальном платье они присутствовали, если не было принято оголять грудь то для маскарада не делалось исключений. Если дама принимала участие в балете тогда она одевалась соответственно сюжету как и актёры. Для актёров были широкие и короткие юбки которые не мешали двигаться. Наряд дополнялся перьям, жезлами, хвостами, невыроятными париками. Публика старалась украсить себя шляпами искупавшими скромность остального. Мария - Антуанетта принимала участие в постановке "Женитьба Фигаро" играла в нём служанку Сюзанну и ввела в моду на белый фартук для горничной. 

Это картина Жоржа Клерена 1990 года. На картине "Бал-маскарад" выписан образ идеальной королевы бала. Плащ поверх роскошного платья с фижмами в стиле рококо, треуголке, маске бауте, сдвинутой на бок. И карнавальный жезл украшенный цветами. 

В Англии в эпоху Возрождения декорации и костюмы для театрализованных постановок создавал Иниго Джонс известный архитектор. Ему приписывают создание вращающейся сцены создание подвижных кулис и другие вещи. 

Эскиз Джонса предназначался для создания маскарадного костюма некой дамы. Крылья за спиной напоминают любимый Елизаветой I воротник разомкнутый раф. Сандалии на др. греческий манер. При этом сохранены модные тенденции длинный рукав и буфы. Раф это воротник многослойный и пышный.  Плоеный воротник из белой ткани собранный в виде колеса известен как "фреза" и "брыжи". Возник изначально как часть придворного испанского костюма и быстро распространился по Европе. В середине 16 века столетия наибольшей популярностью пользовались рафы закрывающую шею, затем английская королева Елизавета I ввела в моду разомкнутый раф, оставляющий открытыми шею и грудь. 

На картине Пьетро Лонги итальянского художника 18 века, изображён классический венецианский наряд, дополненный маской-баутой. В платье дамы нет ничего карнавального его яркость обусловлена модой позднего барокко, тогда сочетание красных, бежевых и золтистых тонов было очень популярно. Аппликации и обилие кружева отличали наряды итальянцев обоих полов, а рукав не доходящий до запястья, белые чулки и открытые туфельки носили женщины по всей Европы. В наряде одна деталь карнавальная маска. Но такую маску носили и не в дни карнавала. К маске прилагалась кружевная накидка-мантилья, полностью скрывающая волосы и нижнюю часть лица. Свидетельство что в первой половине 18 века карнавальный наряд всё ещё служил для сохранения анонимности. 

Костюм Коломбины.

Шляпа и полумаска. Венецианцы часто дополняли свой наряд треуголкой. Шляпа Арлекины напоминает этот убор с одной стороны поля подколоты наподобие треуголки. Отделка на шляпе совпадает по цвету с платьем. После 16 века вошла в моду маска открывающая нижнюю часть лица в Европе. Но в Венеции продолжали носить "глухие" маски до середины 18 столетия. Воротник напоминает о позднем Возрождении когда воротник раф обязательно присутствовал на костюмах аристократов. Его делали из нескольких слоёв кружев или муслина. Небольшие буфы придают наряду сходство с придворным костюмом 16 века, хотя более узкий рукав напоминает более позднюю эпоху. 

Каркас юбки подчёркивает талию и соответствует моде как в 16 веке так и в 18-19 веков. Покрой отчасти имитирует распашной роб эпохи Возрождения с расходящимися полами. Жакет с баской на поясе напоминает карако, женскую кофточку, которая вошла в моду в 18 веке как часть повседневного наряда. Этот костюм не является копией костюма 16 века, но такой задачи не стояло. 

Платье даёт возможность видеть туфельки с бантами это конечно бальная обувь. В эпоху рококо туфельки старались делать полностью соответствующими платью. 

Баута маска на завязках, полностью скрывающая лицо, была самой популярной и нейтральной. Иногда маску называют Ларва "Призрак" её цвет усиливал сходство с приведением. Маска полностью прилегала к лицу или плотно сидела в верхней чаасти в рот и подбородок прикрывала пришитая к ней оборка. У маски имелся клювоподобный нос, чем длиннее он был тем больше изменялся голос говорящего через маску. Полный костюм Бауты состоял из плаща чёрного цвета с капюшоном, чёрной треуголки, белых перчаток, и чулок и чёрных туфель. Одежда позволяла скрыть пол, возраст социальное положение. Вне карнавала одевали наряд Бауты отправляясь на подозрительную сделку, опасную прогулку, или на романтическое свидание. В Венеции того времени где почти все знали друг друга, маски помогали скрыть личную жизнь от чужих глаз. 

Маску Баута носили и мужчины и женщины. Маска Моретта была исключительно женской. Маска не имела завязок и чтобы удерживать её на лице женщина сжимала зубами специальный стерженёк сделанный изнутри на уровне рта. Моррета означает мавританка. Моретта позволяла показать белую кожу, но скрывала личность дамы. Мужчинам нравилась маска, зажимая стерженёк зубами женщина не могла отвечать кавалерам и объяснялась жестами. Это приятно интриговало. Д. Казанова описывал это так: "Женщина, лица которой не видишь, голоса которой не слышишь - что может быть более интригующим? Вне карнавала в маске появлялись где приличной женщине не пристало появляться например на представлениях уличных актёров. 

Если маска шута требовала яркого костюма, то в дни гуляний горожане одевали маски Вольто что значит горожанин или гражданин. Для женщин существовала подобная маска - дама. И сейчас эти маски самые популярные на карнавале. 

Не менее популярна маска чумного доктора. 

Чумные доктора ходили с палкой чтобы не касаться больных, в длинный нос клали фильтры и травы уменьшающие выроятность заражения. Длинные плащи с отталкивающей пропиткой чтобы было легче смывать кровь.  Со временем образ стал карнавальным.

Венецианские цокколи

Обувь на высокой платформе, которую носили преимущественно венецианки, в Италии называли цокколи подражая звуку который они издавали. В Турции была похожая обувь кабкаб. Некоторые историки проводят прямую связь цокколи с высокой обувью в которой играли актёры чтобы их лучше было видно на сцене. Контурны и цокколи иногда делали такими высокими что они больше напоминали ходули, ещё один атрибут театрализованных действий. Ими пользовались уличные акробаты и другие участники шествий карнавала. В Венеции цокколи могли доходить до полуметра это помогало ходить по затопленным водой улицам, дама неизменно привлекала внимание к себе и был виден её статус. Венецианок сопровождали слуги поддерживающие даму с 2 сторон.  В какой-то момент власти решили запретить цокколи как опасные для здоровья: беременная модница упала с них и потеряла ребёнка. Но полностью обувь не исчезла просто платформу стали делать меньше.  А право на цокколи присвоили себе  богатые куртизанки. Так они отыгрались за другие наложенные на них ограничения. Например им было запрещено носить жемчуг. 

Эта модель с показа Alexandra McQueen 2009 головной убор и макияж упоминают о традиционных венецианских масках.

Теперь вы знаете больше о карнавале.