Швейцарский художник-иллюстратор Давид Фюрер (David Fuhrer) ака microbot, создает непохожие ни на чьи рисунки, которые поьзуются большим спросом в интернете. Вы спросите, почему только в сети? Все очень просто. Давид – фрилансер. Не сказать, что все его рисунки можно целенаправленно отнести к сказкам. Иногда, его работы напоминаю скорее фантасмагорию для взрослых. Тем не менее, статус сказки им тоже вполне подходит. Ведь могут же быть сказки для взрослых :) Житель швейцарской столицы сотрудничает с несколькими издательствами, а также рисует часто комиксы. Рисунки действительно интригуют и предполагают не бездумное рассматривание, а додумывание сюжета к каждому изображению.

Закуски, десерты и завтраки на мегареалистичных картинах Тьялфа Спарнэея (Tjalf Sparnaay). (7 фото) Висит бургер, нельзя скушать. Или пирожное с кремом и вишенкой, или творожный десерт, или леденцы на палочке, - а тоже не съешь. Почему? Все это нарисовано - не сфотографировано голландским художником по имени Тьялф Спарнэей (Tjalf Sparnaay), да не с натуры, а благодаря воображению.   Люди годами заменяли рисование фотографированием, - и реалистичнее, и быстрее, и удобнее. Но до тех пор, пока не появились художники, называющие себя мегареалистами. Они рисуют гигантские полотна, в несколько раз больше оригинала, но настолько "по-настоящему", что запросто можно спутать если не с отражением предмета в зеркале, то с фотографией превосходного качества. Тьялф Спарнэей (Tjalf Sparnaay) как раз и относится к таким художникам. Мегареалистические картины с изображением еды от Tjalf Sparnaay Мегареалистические картины с изображением еды от Tjalf Sparnaay Мегареалистические картины с изображением еды от Tjalf Sparnaay Как можно заметить, рисовать он предпочитает еду: десерты, закуски, легкие завтраки, выпечку и прочие вкусности, при виде которых начинает урчать в животе и немедленно хочется начать обеденный перерыв. Было бы кощунством вешать их в кабинетах офисов, но в обеденном зале огромного дома состоятельных людей, или же на творчески оформленной кухне им будет самое место. Мегареалистические картины с изображением еды от Tjalf Sparnaay Мегареалистические картины с изображением еды от Tjalf Sparnaay Мегареалистические картины с изображением еды от Tjalf Sparnaay Несмотря на то, что в жанре гиперреализма, вариантом которого является излюбленный нашим автором мегареализм, работает много художников, картины Тьялфа Спарнея охотно приобретают для частных коллекций и галерей современного искусства. Несмотря на их внушительную мегастоимость в 10000 и даже 40000 евро. Увидеть все вкусные картины автора можно на его интернет-сайте.    Источник

Читать далее...

ХУДОЖНИК ЕВГЕНИЙ ЛУШПИН РОДИЛСЯ В 1966 ГОДУ.СЧИТАЕТСЯ ОДНИМ ИЗ ТАЛАНТЛИВЫХ ХУДОЖНИКОВ СОВРЕМЕННОСТИ.   

[/more=читать далее]

Читать далее...

Александра Авербах родилась в Москве,но иммигрировала в США еще будучи ребенком.Александра начала проявлять интерес к живописи,который со  временем перерос в страсть.

Читать далее...

Читать далее...

Бестиарий Уолтона Форда  Акварели Уолтона Форда могут показаться иллюстрациями к научным изданиям 19-го века, но это не так. Что-то странное и зловещее в происходит в каждой из работ Форда, будь то дикая индейка или стая обезьян, сеющая хаос на столе, или это буйвол, окруженный голодными волками…. Все работы успокаивающие по стилю и тревожны по содержанию,  с абсурдным юмором. Каждый из «портретов» какого-либо животного выглядит сложной символической системой, где художник выступает в роли шутника и эрудита. Уолтон Форд является обладателем ряда национальных наград, в том числе стипендий Фонда Гуггенхайма и Национального фонда искусств. Уолтон Форд родился в 1960 году в Нью-Йорке. Закончил Rhode Island School of Design с намерением посвятить себя кино, но стал художником.      Источник

Прекрасные итальянки Джона Уильяма Годварда (часть 1)Джон Уильям Годвард (John William Godward) - последний крупный представитель английского неоклассицизма. Иногда его причисляют к поздним прерафаэлитам


Годвард  родился 9 августа 1861 года в Уимблдоне, пригороде Лондона, в обеспеченной консервативной семье, он был старшим из пятерых . Семейной традицией Годвардов было страхование, именно эту профессию прочили старшему сыну. Однако его душа лежала к живописи, семья же не воспринимала его занятия всерьез. Конфликт в семье привел к тому, что Годвард переехал в другой пригород Лондона - Челси, где арендовал дом. С юности художник был влюблен в Италию, он писал портреты прекрасных итальянок, которых он встречал в Англии. Случай сподвиг его посетить в 1905 году страну своей мечты. Дом художника располагался рядом со стадионом "Стэмфорд Бридж", долгие годы стадион практически пустовал, но в 1905 году стадион стал домашней ареной основанного в том же году футбольного клуба "Челси". Постоянный шум, доносящийся теперь со стадиона и мешающий спокойной работе, вынудил художника на время уехать в Италию.

Древнеримская тематика художника была актуальна в то время, Британская империя, переживавшая в то время расцвет, равнялась на древнеримскую империю. Картины Годварда покупали, его имя стало известным.

Начиная с 1910 года, Годвард всё чаще ездит в Италию и в 1912 году решает окончательно поселиться в Риме. Причин тому было несколько. Наряду с любовью к этой стране у Годварда была любовь к одной из моделей, переехавшей в Рим, к тому же ситуация в искусстве в те годы начала меняться. Классицизм переставал быть актуальным, в Англии начали набирать популярность новые направления в искусстве. Отец Годварда к тому времени давно умер, мать же не простила сына за то, что он уехал из Англии, увлекшись обычной итальянкой. 

Предположительно, Годвард работал в той же мастерской, которую незадолго до этого покинул И.Е. Репин. В 1913 году на Международной выставке в Риме его картина "Бельведер" была награждена золотой медалью, в то же время одна из любимейших работ самого Годварда - "Золотые часы", выставленная на той же выставке в том же году, осталась незамеченной.
Римская матрона. 1905Сафо. 1910Друзилла. 1906НериссаИсмения. 1908Ожерелье. 1914Филис. 1908Греческая красавица. 1909Взгляд. 1922Бельведер. 1913Греческая красота. 1905Критилла. 1908Женщина в классическом платье. 1908Мечтательность. 1912Афинянка. 1908

1.

2.

3.

4.

5.

6.

7.

8.

9.

10.

11.

12.

13.

14.

15.

16.

17.

18.

19.

20.

21.

22.

23.

24.

25.

26.

27.

28.

29.

30.

31.

32.

Роковые картины
Существуют целых шесть легендарных картин, называемых по праву – шедевры мировой живописи. Однако народная молва окружила их странной и дурной славой. Всех, кто, так или иначе, имел дело с ними, преследует злой рок – их жизни протекают в атмосфере разнообразных несчастий и неприятностей. Все это имеет историческое подтверждение.

1. Первой из роковых картин, и женщин, к слову, тоже является известная «Джоконда», написанная Леонардо да Винчи. Как отметил еще в XIX столетии знаменитый французский писатель Стендаль, его настиг необъяснимый упадок сил, после того как он долгое время любовался картиной. А работники Лувра, в котором в данный момент находится полотно, рассказывают, что нередки случаи падения зрителей в обморок прямо напротив «Моны Лизы». Также они отметили, что в моменты, когда в зале нет публики картина тускнеет. Но после того как появляются посетители краски опять будто бы наливаются яркостью, а загадочная улыбка становится более отчетливой.
2. А другая картина «Венера с зеркалом» известна тем, что попросту разоряет своих владельцев в пух и прах! Первым ей владел купец из Мадрида. После появления «Венеры» его бизнес настигли крупные неприятности: часть судов потерпела крушение, а остальные захватили пираты. После таких убытков коммерсанту пришлось распродать все свое оставшееся имущество. Также он не успел полностью расплатиться за картину, так как в склад, где хранились его товары, попала молния. Начался пожар, который уничтожил все дотла.
Венеру вновь отправили на аукцион. Ее купил богатый ростовщик, в дом которого через три дня забрались грабители. Чтобы добраться до сундуков с золотом, они убили хозяина.
В Мадриде пошли разговоры о дурной репутации у картины. Наследникам погибшего ростовщика не удалось продать ее. В результате они смогли «сплавить» ее за бесценок в один из музеев. После этого полотно еще долго гуляло по частным коллекциям и музеям пока не попало в конце прошлого века в лондонскую Национальную галерею. А в 1914 году среди посетителей оказалась женщина, страдавшая психическим расстройством. Она кинулась на холст с ножом и испортила его.
3. Для создания картины «Поклонение волхвов» голландским живописцем Питером Брейгелем-старшим была приглашена в качестве натурщицы двоюродная сестра. Она стала прототипом для Девы Марии. После этого кузине Брейгеля не удавалось забеременеть от своего мужа. Предание гласит, что ее бесплодие стало передаваться и другим женщинам. Четыре раза «Волхвы» попадали в коллекции частных лиц, и каждый раз в их семьях по 10-12 лет не появлялось детей. Женщины, бывшие абсолютно здоровыми до этого момента переставали беременеть
В 1637 году картину приобрел архитектор Якоб ванн Кампен, которого не смутила ее дурная слава. В его семье уже было трое детей. Как утверждается, с той поры о проклятии картины больше не слышали.
4. А «Водяные лилии», написанную французом Клодом Моне, считают пожароопасной. Как только он закончил работу над ней, то сразу закатил пирушку со своими друзьями. И в мастерской внезапно начался небольшой пожар. Тогда пламя попросту залили вином, не предал особого значения происшествию.
Позже картина попала в одно из кабаре на Монмартре. Спустя месяц заведение выгорело дотла. Однако «Лилии» удалось спасти. Следующим владельцем картины оказался меценат из Парижа Оскар Шмитц. Год спустя его дом также был уничтожен пожаром, причем начался он в комнате, где находилась картина с лилиями. Последним место, где находился злополучный пейзаж, оказался Нью-Йоркский музей современных искусств. В 1958 году пожар случился и там. На этот раз сильно пострадало и полотно.
5. Совсем недавно появились новости о том, что из музея, расположенного в Осло, была украдена картина норвежского художника Эдварда Мунка под названием «Крик». Ее оценивают в 70 миллионов долларов, но не стоит сильно завидовать похитителям.
Однажды один из работников музея случайно уронил полотно на пол. После этого у него регулярно стали случаться ужасные головные боли. В результате этого мужчина покончил с собой. А один из посетителей лишь дотронулся до картины пальцем, а уже вечером в его дому случился пожар. Несчастный заживо сгорел. И это не единичные случаи того, как полотно мстит обидчикам.
6. Есть «проклятый шедевр» и в России. Страшные истории ходят о портрете Марии Лопухиной. Писали его с рано умершей от чахотки дочери дворянина Ивана Лопухина. Поговаривали, что если молодая девушка посмотрит на картину, то ее ждет скорая смерть. Картине приписывают как минимум десять смертей девиц на выданье.
В 1880 году полотно попало к известному меценату Третьякову. После того как ее поместили в галерею для всеобщего просмотра, разговоры о проклятии постепенно прекратились.

 источник 

Художник Станислав Сугинас
 
Художник Станислав Сугинас родился в 1969 году в Вильнюсе, Литва. Окончил художественную школу в Вильнюсе и минскую Академию искусств.
После учёбы в Академии работал учителем в художественной школе в Минске и дизайнером.
Подборка картин:
 
2.

 
3.

 
4.

 
5.

 
6.

 
7.

 
8.

 
9.

 
10.

 
11.

 
12.

 
13.






 
14.

 
Источник

Коллекционеры картин — особенные люди, зачастую, они не задумываясь, расстаются с несколькими миллионами долларов за изображение в рамке. Некоторые картины действительно очень красивые, а некоторые довольно странные, как будто их нарисовал пятилетний ребёнок. В общем, предлагаю вам посмотреть работы, которые были куплены за баснословные деньги!


Марк Ротко — «Королевский красный и синий». Продана за $75,1 млн.

 
Петер Пауль Рубенс — «Избиение младенцев». Продана за $76 млн.


 
Пьер Огюст Ренуар — «Бал в Мулен де ла Галетт». Продана за $78 млн.

 
Энди Уорхол — «Бирюзовая Мэрилин». Продана за $80 млн.

 
Джаспер Джонс — «False Start». Продана за $80 млн.

 
Винсент ван Гог — «Портрет доктора Гаше». Продана за $82 млн.

 
Фрэнсис Бэкон — «Триптих». Продана за $86 млн.

 
Густав Климт — «Портрет Адели Блох-Бауэр II». Продана за $87 млн.

 
Пабло Пикассо — «Дора Маар с кошкой». Продана за $95 млн.

 
Пабло Пикассо — «Мальчик с трубкой». Продана за $104 млн.

 
 
Энди Уорхол — «Авария серебряной машины». Продана за 5 млн.

 
Пабло Пикассо — «Обнажённая, зелёные листья и бюст». Продана за $106 млн.

 
Джаспер Джонс — «Флаг». Продана за $110 млн.

 
Эдвард Мунк — «Крик». Продана за $119,9 млн.

 
Густав Климт — «Портрет Адели Блох Бауер». Продана за $135 млн.

 
Виллем де Кунинг — «Женщина III». Продана за $137 млн.

 
Джексон Поллок — «№ 5». Продана за $140 млн.

 
Фрэнсис Бэкон — «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Продана за $142,4 млн.

 
Пабло Пикассо — «Сон». Продана за $155 млн.

 
Поль Сезанн — «Игроки в карты». Продана за $250 млн.


Поделиться


2

 В Мой Мир1
 0
 

Художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) увлекается живописью с раннего детства. Он работает иллюстратором в одном из рекламных парижских агентств и в свободное время рисует то, что любит. В основном, это Париж. Тьерри обожает Сену в рассветных лучах и исходил весь Лебяжий остров и берега напротив обеих его сторон в эти утренние часы, запечатляя любимые пейзажи. Вдохновляйтесь 



 

 


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

Интерес москвичей к классическому искусству достиг новой высоты – у Третьяковской галереи выстраиваются многочасовые очереди за билетами на выставку «Roma Aeterna. Шедевры Пинакотеки Ватикана. Беллини, Рафаэль, Караваджо». Выставка открылась в конце ноября, но попасть на нее оказалось еще сложнее, чем на знаменитые ажиотажным спросом экспозиции Серова и Айвазовского. По требованию Ватикана, посетителей пускают небольшими группами, по 70 человек за полчаса, а билеты продают заранее. В итоге все билеты на декабрь были раскуплены в первые же дни, а нынешние очереди состоят из желающих попасть на выставку уже в январе. Причина интереса понятна: некоторые из 42 представленных работ прежде не покидали Ватикан, а куратор выставки – один из самых авторитетных российских искусствоведов Аркадий Ипполитов. Republic отобрал 11 работ, дающих представление о труднодоступной выставке, и попросил искусствоведа Ирину Чмыреву объяснить, чем примечательна каждая из них.












Без фигуры Караваджо история живописи была бы совершенно иной. И дело не в том, что его биография изобилует невероятными поворотами, а сам он был личностью неординарной на фоне типажей своей эпохи. Караваджо увидел свет. И своим особенным методом изобразил его, сделал главным героем картины. Путем Караваджо искусство живописи развивалось следующие несколько веков, а живопись светом, будто достающая сюжеты из мрака фона картины, стала называться «караваджистской живописью» или «караваджизмом». Свет у Караваджо имеет исключительно символистское значение, это свет барочной трагедии: человек словно утратил защитный покров веры и на пределе эмоций, погружаясь в переживание, как в пучину, осознал смертность, конечность своего бытия и страдание, физическую боль Христа и мучеников как свои. Живопись самого Караваджо – парадокс гармонии композиции и точности анатомической передачи каждого движения, света, разрывающего тьму и останавливающего время, из мрака медленно выводящего к нам библейские сюжеты.
Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо. Положение во гроб, ок. 1603–1604. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Веронезе – великий венецианец, в колоритах которого сочетаются серебро и пунцовый красный, золото и благородные зеленые и синие тона. Прошло каких-то два века со времен готических иконных вещей ди Нардо, и в храмах их место заняли картины, которые, как волшебные колесницы, могли перенести зрителя в любой момент священной истории с предельной степенью чувственного переживания. Веронезе – замечательный рисовальщик, но в первую очередь он живописец и любитель театральных эффектов – драматического света, выразительных жестов. Каждая картина – тончайшая и с широким размахом поставленная театральная сцена. Он превращает сюжеты из жизни библейских царей и христианских мучеников в явление великолепных героев. В картине из Ватикана святой Елене во сне является крест Господень. Но это не сон тишины, это сон праздника красок и световых эффектов.
Паоло Кальяри, прозванный Паоло Веронезе. Видение святой Елены, ок. 1575–1580. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Святой Плакида (Пласид) Перуджино – не столько бенедиктинский монах-исповедник, знаменитый своей глубокой верой и почитаемый в некоторых областях Италии вплоть до ежегодных, посвященных ему парадов. У Перуджино святой – ангелоподобный созерцатель звездных глубин небес. Знаменитый изображениями мадонн, Пьетро Ваннуччи из Перуджи и в этом очаровательном портрете придает монаху сходство с прекрасными юными созданиями, подчеркивая неземное обаяние сына патриция, ставшего прилежным последователем самого святого Бенедикта.
Пьетро Ваннуччи, прозванный Перуджино. Святой Плакида, 1495–1498. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Мы видим очень условное, действительно написанное «на особом языке» древней иконы изображение святого Франциска. Святой предстает в полный рост, неся свои стигмы – кровоточащие подобно Христовым раны; естественно, его лик заключен в условный овал капюшона, а выражение лица не лишено лукавства и почти варварской привлекательности. Фигура художника, создавшего эту икону, загадочна, о нем сохранилось обидно мало документальных свидетельств: жил в XIII веке, работал в Ареццо. Как раз в те времена в этом тосканском городе развивались науки и искусства, музыка и математика – оттуда родом был Гвидо Аретинский, отец современной нотной системы. Так что условность письма образа святого Франциска можно соотнести еще и с музыкой: посмотрите, как певучи линии, как удивительно ритмично поставлена фигура и чередуются светлые «удары» пятен рук, ступней на темном фоне его сутаны. Маргарито ди Маньяно стал известен за пределами Италии еще в середине XVI века благодаря «Жизнеописаниям» Вазари. Мы можем предположить, что письмо Маргарито ди Маньяно воспринималось архаичным, слишком тесно связанным со старой иконной школой письма, в нем прочитывалось влияние коптской и греческой школы иконописи, но авторитет этого художника был у потомков очень велик.
Маргарито ди Маньяно, прозванный Mаргаритоне д’Ареццо. Святой Франциск Ассизский, 1250–1270. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Те, кто не был в Венеции и не видел живопись Джованни Беллини в молочном свете венецианских зим, могут удивиться некоторой жесткости его рисунка. Она кажется нам знакомой после живописи Альбрехта Дюрера, называвшего Джованни Беллини лучшим живописцем Венеции. Беллини – большая династия живописцев, среди которых Джованни отличается мастерством колорита и рисунка, поистине симфонической сложностью жестов, сцеплений фигур в его многофигурных композициях. И конечно же, в его картинах удивительный свет – прозрачный, холодный и сияюще-золотой, придающий всему происходящему торжественность и надмирность. Будто все в картинах Беллини лишь отражение в венецианских зеркалах с золотой амальгамой.
Джованни Беллини. Оплакивание Христа с Иосифом Аримафейским, Никодимом и Марией Магдалиной, ок. 1471–1474. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Родившийся и окончивший свою жизнь в Болонье, Гвидо Рени – художник, успевший поработать с декораторами в Риме и в Неаполе в среде живописцев-новаторов, следовавших Караваджо. В родном городе Рени стал одним из основателей болонской школы живописи, упорядочившей художественное образование, задавшей правила и критерии оценки качества работы художника. Но нам Гвидо Рени интересен прежде всего как живописец барокко, у которого свет становится объемным. Не линия, а мазок кисти, имеющий собственный объем, как дорогое шитье гладью, расцвечивает сюжет картины, достает его из темноты. Тем более что из Пинакотеки Ватикана нам привезли один из шедевров художника – «Святого Матфея и ангела».
Гвидо Рени. Святой Матфей и ангел, ок. 1620. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Флорентиец ди Нардо был сыном скульптора и лучшие свои вещи создал в родном городе. Обычно Мариотто ди Нардо считают представителем флорентийской школы готического искусства. Но если всмотреться в его «Рождество», не готическая структурность и графичность изображения, связанные с архитектурной традицией, привлекают нас, а живость наблюденных художником деталей – здесь и внимающая собака, и отдыхающие овцы, и напряженно сложенные в молении руки пастуха, и точно подсмотренные профили современников, перенесенные в композицию. И конечно же, привлекает музыкальная чистота рисунка ди Нардо. В этой работе, будто стоящей на стыке двух эпох, иконы и картины – окна в другой мир, – мы видим праздничный колорит и символическое использование цвета: над синими горами золото Небес, но горы прописаны как драгоценные складки ткани, и художник радуется, находя многообразие оттенков синего, серого, умбристого и зеленого, чтобы на их фоне написать фигуры пастухов и Иосифа в печали.
Мариотто ди Нардо. Рождество. Пределла, ок. 1385. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Этот фрагмент фрески из разрушенной в XVIII веке церкви – как солнечный день весны. Мелоццо да Форли творил в Риме в конце XV века, когда по всей Италии гремела слава Боттичелли и Пьеро делла Франчески, и влияние этих художников прослеживается в сложности задач, поставленных перед собой римским художником: в изображении лица и руки в ракурсе снизу, в сложном рисунке драпировок одежд. Но ангел да Форли так хорош собой, так привлекателен, что только сухой энциклопедист начнет перечислять все особенности влияний и авторские отличия самого да Форли; остальные же забудут обо всем, глядя на золотые кудри под нимбом из золотых звезд на синем небе, и непроизвольно начнут улыбаться.
Мелоццо дельи Амбрози, прозванный Mелоццо да Форли. Aнгел, играющий на виоле, 1480. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






В 1054 году случилась Великая схизма, раскол между Римско-католической и Православной ветвями церкви. Но этот исторический факт не изменил ту традицию древнехристианского искусства, которая развивалась в единстве и полноте соединения локальных традиций. Мы смотрим на эту икону, и ее язык нам внятен – он общий с языком древнерусской иконописи. В этом образе Христа сочетаются античные особенности письма (как мы знаем их по помпейским росписям), и символический – с огромными очами – лик, как в схематических изображениях эпохи пещерных раннехристианских храмов, и уже сложившаяся цветовая система иконного языка. Есть в нем и отголосок романской культуры Центральной и Западной Европы, сохранившийся в архитектуре и скульптуре больше, чем в живописи. Одна икона – а за ней путешествие традиции вокруг континента и перетекание из века в век первых столетий христианской изобразительной культуры.
Римская школа. Христос Благословляющий, вторая половина XII века. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Французский художник, сумевший в Италии систематизировать наследие итальянской живописи, опыт, накопленный на протяжении веков ее развития от иконы к картине, Пуссен создал систему изображения, построенную на триединстве цвета и триединстве композиционных форм, опыте перспективы и строгого, канонического для его метода расположения сюжета в определенных частях картинного пространства. Он сумел соединить знание искусства Ренессанса и античности. Его изобразительная система стала важнейшим явлением эпохи классицизма, отражением в живописи классицистического метода других видов искусства. Но своими картинами Пуссен смог доказать, что его метод не мертвая догма, а герои, расставленные, подобно актерам на сцене, внутри полотна, есть часть гармонического мерцающего видения, создать которое может лишь гений.
Никола Пуссен. Мученичество святого Эразма, 1628–1629. Фото: музеи Ватикана
Поделиться 






Этот выставочный сезон в Москве проходит под знаком Рафаэля – только что завершилась его выставка в ГМИИ им. А.С. Пушкина. Но ради такой изящной оптической обманки можно прийти специально: двадцатитрехлетний художник, признанный современниками искусным рисовальщиком, создает иллюзию майолики – керамической скульптуры, покрытой драгоценной глазурью, виртуозно передавая ракурс, рисунок теней на ее объемах с помощью предельно ограниченной, почти монохромной палитры. Майоликовыми вставками украшали современную Рафаэлю архитектуру, и можно предположить, что эта вещь предназначалась для камерного интерьера, призванная внести в него символические значения. Женская фигура, обнимающая детей, – Милосердие, ее обрамляют фигурки путти с корзиной живого пламени (горячего желания и духовной энергии, необходимой для дел милосердия) и с корзиной виноградных гроздьев (плодов христианской веры).
Рафаэль Санти. Милосердие, 1507. Фото: музеи Ватикана
Поделиться