«Из-за острова на стрежень» — русская песня на слова Дмитрия Садовникова, считающаяся народной.
Песня посвящена личности атамана Степана Разина и обыгрывает сюжет из истории восстания, которое он возглавлял.
В 1669 году, в морском бою у Свиного острова, вольные казаки Степана Разина разгромили персидский флот. По легенде, в этом бою в плен к казакам попала дочь персидского главнокомандующего Мамед-хана — «персидская княжна».

 В 1824 году в журнале «Северный Архив» были напечатаны выдержки из записок Стрейса. С этой публикацией мог быть знаком А. С. Пушкин, который в 1826 году написал стихотворение на этот сюжет — «Песни о Стеньке Разине». Первоначально стихотворение было запрещено к печати цензурой, однако гораздо позже все-таки было опубликовано. Песня о Степане Разине, сочиненная самим Пушкиным, рассказывает об эпизоде, не получившем отражения в фольклоре, но, судя по рассказам очевидцев, имевшем место в действительности. В основе его лежит факт, который описал в воспоминаниях Ян Янсен Стрейс, голландский ремесленник и путешественник. С 1668 г. он находился в Астрахани во время разинского бунта. Бежал в Дагестан и через Персию и Индонезию вернулся в Нидерланды. В 1824 г. в журнале «Северный Архив» была опубликована статья А. Корниловича о путешествии Стрейса, в которой приводился следующий случай, бывший со Степаном Разиным. «...Мы видели его (С. Разина ) на шлюпке, раскрашенной и отчасти покрытой позолотой, пирующего с некоторыми из своих подчиненных. Подле него была дочь одного персидского хана, которую он с братом похитил из родительского дома во время своих набегов на Кавказ. Распаленный вином, он сел на край шлюпки и, задумчиво поглядев на реку, вдруг воскрикнул: «Волга славная! Ты доставила мне золото, серебро и разные драгоценности, ты меня взлелеяла и вскормила, ты начало моего счастья и славы, а я неблагодарный ничем еще не воздал тебе. Прими же теперь достойную тебе жертву! » С сим словом схватил он несчастную персиянку, которой все преступление состояло в том, что она покорилась буйным желаниям разбойника, и бросил ее в волны. Впрочем, Стенька приходил в подобные исступления только после пиров, когда вино затемняло в нем рассудок и воспламеняло страсти. Вообще он соблюдал порядок в своей шайке и строго наказывал прелюбодеяние» .

Даниэль Баренбойм – пианист и дирижер.

Даниэля Баренбойма считают своим и Аргентина, и Испания, и Германия, и Израиль, и Англия. К списку перечисленных стран можно прибавить города: Милан, Чикаго, Париж, Берлин и город его рождения Буэнос-Айрес.
Даниэлю Баренбойму список «100 гениев современности» предоставил почетное 19-ое место.

Даниэль Баренбойм родился в 1942 году вундеркиндом у родителей музыкантов русского происхождения в Буэнос-Айресе, судьба его была предопределена: родиться с ярко выраженными музыкальными способностями - обязывает. С четырех лет мальчика начали обучать игре на скрипке, немного позже на фортепьяно, в семь лет гениальный ребенок дает свой первый сольный концерт как пианист.
Через десять лет Даниэль Баренбойм с семьей переезжает в Израиль, где юное дарование через год дебютирует с Израильским филармоническим оркестром. В 12-летнем возрасте Баренбойм едет учиться в Зальцбург дирижёрскому искусству у Игоря Маркевича.

«Дочь фараона» — балет в трёх действиях, в девяти картинах с прологом и эпилогом.
Композитор: Цезарь Пуни.
Авторы либретто: Мариус Петипа и Жюль Анри Сен-Жорж по повести Теофиля Готье «Роман мумии».
Первое представление: 18 января (30 января) 1862 года, в Петербурге на сцене Большого Каменного театра.

Литературная основа

Обращение к египетской тематике вписывалось в европейскую моду 19 столетия. К этому периоду относятся интересные археологические находки, сделанные в 1851 году историком Огюстом Мариеттом, и одновременно — политическая ситуация, раздвинувшая препоны, результатом чего стало начало рытья Суэцкого канала в 1859 году — на это ушло десять лет: Суэцкий канал был открыт 17 ноября 1869 года (к открытию канала композитор Дж. Верди по заказу египетского хедива написал оперу «Аида»).
Модной тематике отдал должное французский писатель Теофиль Готье изданием повести «Роман мумии».
Повесть привлекла внимание танцовщика и начинающего балетмейстера Мариуса Петипа, который в это время служил в России, в Петербургской императорской труппе, но нередко наезжал в родную Францию. Он искал сюжет для создания большого балетного спектакля, который хотел поставить директор императорских театров А. И. Сабуров для бенефиса своей фаворитки, итальянской балерины, несколько лет работавшей по контракту в Петербургской императорской балетной труппе Каролины Розати. Внимание Мариуса Петипа привлек сюжет романа Теофиля Готье, и он для разработки либретто пригласил известного французского драматурга-либреттиста Анри Сен-Жоржа, с которым они вместе сочинили либретто будущего хореографического спектакля.

Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов (19 ноября 1859г. - 28 ноября 1935г.) 

Выдающийся композитор, дирижер, музыкальный педагог и управленец – все это про М.М. Ипполитова-Иванова. Личность композитора, проявившего разносторонность своего дарования в симфонической, хоровой, оперной и камерной музыке, редко удостаивается внимания современных исследователей. В лучшем случае, они ограничиваются обзором творческого наследия, не найдя благодатной почвы, «нерва» проблемы в жизни автора. Действительно, в отличие от драматических судеб Мусоргского, Прокофьева или Шостаковича, жизнь Ипполитова-Иванова можно было бы назвать образцом стабильности и благополучия: родился – в пригороде столицы, в хорошей семье, учился – у лучших музыкальных педагогов, женился – на сокурснице по консерватории, карьера - шаг за шагом складывалась наилучшим образом...
Михаил Михайлович Иванов родился в Гатчине под Санкт-Петербургом 7 (19) ноября 1859 года (творческий псевдоним Ипполитов-Иванов появился в годы обучения в консерватории). В семье, где весьма приветствовалось увлечение музыкой, мальчик получает хорошее базовое домашнее музыкальное образование, потом в 1872-1875 гг. посещает классы для малолетних певчих при Исаакиевском соборе Петербурга, и затем поступает в Петербургскую консерваторию, где его учителями становятся Н.А. Римский-Корсаков, Ю.И. Иогансен, И.О. Ферреро, К.Ю. Давыдов (директор Петербургской консерватории).
Римский-Корсаков выделяет способного юношу из числа студентов и знакомит его с другими участниками «Могучей кучки», что во многом предопределяет его музыкальные воззрения. Под руководством своего учителя Ипполитов-Иванов пишет первое серьезное оркестровое произведение – увертюру «Яр-Хмель». Здесь же в консерватории он знакомится с вокалисткой Варварой Зарудной - представительницей известного рода Зарудных, давшего России немало талантливых и знаменитых людей.

Поначалу отношения будущего композитора и певицы были чисто дружескими и профессиональными. Нередко на музыкальных вечерах у Римского-Корсакова, Ипполитов-Иванов слушал в исполнении Зарудной фрагменты новых опер Римского-Корсакова, Бородина, Кюи. Симпатия молодых людей крепла, но, что называется, не переходила за рамки. Однако не зря говорят, что разлука для любви как ветер для огня: слабый огонь погасит, а сильный – только раздует. Расставшись летом 1881 года на каникулы, студенты вступают в активную переписку, и зародившаяся симпатия перерастает в глубокое чувство, которое им было суждено пронести через всю жизнь.
Молодые люди заканчивают консерваторию в 1882 году: он - по классу композиции Римского-Корсакова, а она – по классу вокала Камилло Эверарди. А в 1883 году Михаил Михайлович и Варвара Михайловна обвенчались.
Молодой выпускник консерватории сразу получает место директора Музыкального училища в Тифлисе и дирижера симфонических собраний тифлисского отделения Императорского Русского Музыкального Общества (ИРМО). С 1884 года он также становится дирижером местного оперного театра. Там же начинает оперную карьеру и Зарудная, солируя не только в первых оперных опусах своего супруга «Руфь» и «Азра», но и в операх Чайковского, Гуно, Верди. Впоследствии, после отъезда из Тифлиса, Зарудная больше не вернется на оперную сцену, перейдя в камерный жанр и развернув большую научно-педагогическую работу (в частности, она была одним из основателей оперной студии Московской консерватории).

Фортепианные концерты Моцарта на ряду
с концертами Бетховена принадлежат к луч­
шим произведениям музыкальной классики. Но
содержание их различно, а стилистические
устремления во многом противоположны. Два
художественных типа закреплены в них. Вели­
кая французская буржуазная революция конца
XVIII в. провела между ними исторический
водораздел.
Характерные особенности гения Моцарта
 полнее и ярче всего раскрылись
в его фортепианных концертах. Именно этим
они дороги и ценны для нас. В то же время
велико и их историческое значение. Жанр
классического фортепианного концерта был
оформлен и закреплен творчеством Моцарта:
он как бы синтезировал предшествовавшие
попытки в этом роде.
 Концерт № 20 для 2-х фортепиано с оркестром 

 Концерт № 10 Es-Dur для 2-х фортепиано с оркестром (1 ч.)

 Концерт № 10 Es-Dur для 2-х фортепиано с оркестром (2ч.) 

Ната́лья Никола́евна Гончаро́ва, в первом браке Пу́шкина, во втором — Ланска́я 27 августа (8 сентября) 1812, поместье Кариан, Тамбовская губерния — 26 ноября (8 декабря) 1863, Санкт-Петербург — супруга Александра Сергеевича Пушкина. Через семь лет после его смерти вышла замуж за генерала Петра Петровича Ланского. Её роль в жизни Пушкина и событиях, предшествующих его последней дуэли, является предметом дискуссий до настоящего времени. С открытием новых документальных и эпистолярных материалов представления о личности Натальи Николаевны были пересмотрены.
Отец Натальи, Николай Афанасьевич Гончаров происходил из семьи купцов и промышленников, получившей дворянство во времена императрицы Елизаветы Петровны. В 1789 году специальным указом, выданным отцу Николая Афанасьевича — Афанасию Николаевичу, Екатерина II подтвердила за Гончаровыми право на потомственное дворянство. Николай Афанасьевич был единственным сыном в семье. Он получил прекрасное образование: великолепно знал немецкий, английский и французский языки.

В 1804 году Николай Гончаров был зачислен в петербургскую Коллегию иностранных дел, а в 1808 году получил чин коллежского асессора и поступил на должность секретаря московского губернатора.

Алекса́ндр Алекса́ндрович Аля́бьев 4 (15) августа 1787, Тобольск — 22 февраля (6) марта 1851, Москва) — русский композитор, пианист, дирижёр.
В XIX веке пользовался большим успехом, написал около 200 романсов, 6 опер, 20 музыкальных комедий, множество других музыкальных произведений. Среди лучших произведений Алябьева — романсы «Соловей» на слова А. А. Дельвига, «Зимняя дорога», «Два ворона» на стихи Пушкина, «Вечерний звон» на слова И. Козлова, «Нищая» на стихи П. Беранже в переводе Дмитрия Ленского. 

Интересные факты из жизни Александра Александровича Алябьева

Небеса манили людей во все времена. С начала цивилизации их боготворили, боялись, ими восхищались. Гении искали в них вдохновения, простые люди — утешения. На своих великих полотнах небо ловили Ван Гог и Эжен Делакруа, о нём мечтали да Винчи и братья Монгольфье, но снизошло оно к человечеству лишь однажды: в 1787 году небосвод улыбнулся гению Моцарта и через музыку Eine kleine Nachtmusik подарил миру легкость и хрустальность.
Современность упрощает вокруг себя то, что ей не удалось опошлить. Именами великих людей мы называем пабы, Мона Лиза теперь ест пиццу, «Американская готика» Вуда превратилась в Lego. Не сумев постичь Моцарта (впрочем, тут мы недалеко ушли от его современников), «Маленькую ночную серенаду» опустили до уровня рингтонов, дверного звонка или рекламы заварного чая. Спасибо, хоть производители быстрозавариваемой лапши обошли Вольфганга Амадея стороной. Им вполне хватило Чайковского. Гении прошлого растерзаны, никто не защищает авторские права их дарования — истекли сроки давности, а может это лишь закономерность? Погибают «Времена года», сокрушена «к Элизе», разбита и «Маленькая ночная серенада».

«Маленькая» грань между реальностью и волшебством
Свою «маленькую» серенаду Моцарт создал в плодотворное для него время — между «Свадьбой Фигаро» и последними симфониями. Она не похожа ни на одно его произведение по своей невесомости, «нефилософности», в ней отсутствует грандиозный моцартовский размах. Маленькая ночная серенада — это открытая дверь в сад-лабиринт после душного дня, это мечты о слегка порозовевшем от заката небе, это перешептывание лесных эльфов между собой. В этой музыке очень тонка грань между реальностью и волшебством, можно смело сказать, что Моцарт написал первое произведение в жанре фэнтези.

Поль Мориа родился во Франции, в городе Марселе, 4 марта 1925 года. Закончил марсельскую консерваторию по классу фортепиано. В семнадцать лет создал свой первый оркестр.

В 1957 году переехал в Париж и приступил к работе на звукозаписывающей компании Barclay как аранжировщик и аккомпаниатор. В разное время работал с Шарлем Азнавуром (совместно создано более ста двадцати песен), Далидой, Морисом Шевалье, Лео Ферре, Лени Эскюдеро и многими другими эстрадными исполнителями.
В 1962 году Поль Мориа сочиняет свой первый международный хит — «Chariot», получивший позже английское название «I will follow him». Это была его совместная работа с известным французским композитором и дирижёром Франком Пурселем, записавшим спустя четыре года со своим оркестром песню композитора Андре Поппа и хорошо всем известную по прогнозу погоды на первом канале советского телевидения — «Manchester et Liverpool».

В 1964 и 1965 годах совместно с Раймоном Лефевром он сочиняет музыку к кинокомедиям с участием Луи де Фюнеса «Жандарм из Сен-Тропе» и «Жандарм

в Нью-Йорке».

О нелегкой  жизни жен декабристов. Мария Волконская.

Княгиня Мария Николаевна Волконская (урождённая Раевская; 25 декабря 1805 (6 января 1806)— 10 августа 1863, поместье Воронки, Черниговская губерния, Российская империя) — дочь героя Отечественной войны 1812 года генерала Николая Раевского.

Мария Николаевна была дочерью генерала Николая Николаевича Раевского и его жены, Софьи Алексеевны, урождённой Константиновой (внучки М. В. Ломоносова). Её детство прошло в Петербурге, Киеве, малороссийских имениях — семья часто переезжала. Как и все дети Раевских, Мария получила домашнее образование. Она была отличной пианисткой, обладала прекрасным голосом, пела почти профессионально и особенно любила итальянскую музыку. Знала французский и английский языки «как свои родные». Русским языком владела значительно хуже, поэтому всегда писала по-французски. Главой семьи был Николай Николаевич, жена и дети любили его и во всём ему подчинялись. Но Раевский не имел возможности проводить много времени в кругу семьи в то время, на которое пришлись ранние годы Марии, остававшейся на попечении матери, видимо, повлиявшей на формирование дочери. По словам внука Марии Николаевны С. Волконского, Софья Алексеевна была «женщина характера неуравновешенного, нервная, в которой темперамент брал верх над разумом. Женщина характера сухого, мелочного…». Несмотря на сложные взаимоотношения с матерью, Мария Николаевна на протяжении всей жизни сохраняла к ней уважение и любовь.
Около середины августа 1824 года к Марии через М. Орлова посватался князь С. Волконский. Это было тяжёлое время для Раевских, находившихся на пороге разорения. Большинство исследователей считает, что Мария приняла предложение Волконского по настоянию отца, считавшего, что эта партия принесёт «блестящую, по светским воззрениям, будущность» дочери. Перед венчанием старший Раевский заставил подписать Волконского обещание оставить «антигосударственную деятельность», и будущий зять без колебаний подписал бумагу, однако слова своего не сдержал.
Известно, что Мария жаловалась братьям и сёстрам на поведение Волконского, который был иногда резок, избегал её и даже был «несносен».
По воспоминаниям Марии Николаевны, в конце декабря 1825 года Волконский неожиданно приехал в Умань. Он сообщил жене об аресте Пестеля, однако не объяснил, что случилось. Волконский увёз жену в имение её родителей в Киевской губернии и «немедленно уехал». О событиях 14 декабря Мария Николаевна ничего не знала. Она родила сына Николая 2 января 1826 года и проболела около двух месяцев. Роды были тяжёлыми: по свидетельству Марии, отец и мать спорили, как ей лучше рожать — в кресле или кровати. «Как всегда» последнее слово осталось за Николаем Николаевичем, и Мария мучилась в кресле. Доктора не было, крестьянка, назвавшаяся акушеркой, всё время молилась, стоя на коленях в углу, вместо того, чтобы оказать помощь роженице.

Александр Даргомыжский родился 2 февраля (по нов.ст. 14 февраля) 1813 года. Исследователь установил, что Александр Даргомыжский появился на свет в сельце Воскресенское (ныне Архангельское) Тульской губернии. Его отец, Сергей Николаевич, был внебрачным сыном богатого помещика Алексея Петровича Ладыженского, который и владел имением в Чернском уезде. Вскоре после рождения Сергей был взят на воспитание и в конечном счёте усыновлён полковником Николаем Ивановичем Боучаровым, который привёз его в своё имение Даргомыжка в Тульской губернии. В итоге сын А. П. Ладыженского стал Сергеем Николаевичем Даргомыжским (по названию имения отчима Н. И. Боучарова). Такая смена фамилии потребовалась для поступления в Благородный пансион при Московском университете. Мать, урождённая княжна Мария Борисовна Козловская, сестра знаменитого остряка Петра Козловского, вышла замуж против воли родителей.

До пятилетнего возраста мальчик не разговаривал, его поздно сформировавшийся голос остался навсегда высоким и чуть хрипловатым, что не мешало ему, однако, впоследствии трогать до слёз выразительностью и художественностью вокального исполнения. В 1817 году семья переселилась в Петербург, где отец Даргомыжского получил место правителя канцелярии в коммерческом банке, а сам он начал получать музыкальное образование. Первой его учительницей по фортепиано была Луиза Вольгеборн, затем он начал заниматься с Адрианом Данилевским. Наконец, в течение трёх лет учителем Даргомыжского был Франц Шоберлехнер. Достигнув определённого мастерства, Даргомыжский начал выступать как пианист на благотворительных концертах и в частных собраниях. К тому времени он уже написал ряд фортепианных сочинений, романсов и других произведений, некоторые из которых были изданы.

В современной музыкальной культуре из года в год возрастает интерес к музыке эпохи барокко. Концертные программы, составленные из произведений композиторов XVII–XVIII веков, неизменно собирают многочисленную аудиторию. Заметно увеличивается число исполнительских коллективов, ориентированных на старинную музыку, причем не только инструментальную, но и вокальную. Она занимает все более значительное место в репертуаре современных исполнителей-музыкантов. Тем более, что постоянно расширяются репертуарные возможности.

Активно и увлеченно ведется поиск незаслуженно забытых, а то и вовсе ранее не исполнявшихся произведений – мотетов, сольных кантат, отдельных арий, и, наконец, целых опер. Поэтому не случайно, что музыка старых мастеров становится сегодня неотъемлемой частью образовательных программ как в средних специальных, так и в высших учебных заведениях, воспитывающих музыкантов. В ХХ веке возникло движение за аутентичное исполнение. Как на одну из причин возникновения этого движения обычно указывают на обостренное чувство историзма, свойственное 20 в. Большое значение имела также реакция на произвол виртуозов романтической и постромантической эпохи, исполнявших старинную музыку в весьма вольной манере, далеко уходя от авторского текста. Наконец, движение за аутентичное исполнение ввело в концертную практику и в слушательское сознание огромный массив ранее не звучавшей музыки. 

Наиболее распространено понятие "элегия" в литературе. Но музыкальная элегия также существует. Слово "Элегия" переводится с греческого как "жалоба", поэтому музыкальная элегия - это произведение жалобного, печального, задумчивого характера, исполняется в медленном темпе.

Элегия как инструментальная пьеса, для любого музыкального инструмента или небольшого ансамбля, развивалась преимущественно на рубеже XIX—XX веков в творчестве Ферруччо Бузони, Эдварда Грига, Габриэля Форе, Сергея Рахманинова, Василия Калинникова. Особую популярность приобрела «Элегия» Массне, как в инструментальном варианте, так и в вокальной переработке. К элегии тяготели и отдельные вокальные произведения песенно-романсового жанра — например, «Элегия» из вокального цикла Модеста Мусоргского «Без солнца». Это может быть и вокальное произведение и инструментальное, и вокально-инструментальное, например, романс. У Рахманинова и Калинникова есть фортепианные элегии. Знаменита также Элегия Жюля Массне,которую исполняли Шаляпин, Карузо, Доминго и многие другие. У Листа и Грига также можно найти произведения элегического жанра. Есть произведения,относящиеся к жанру элегии и у современных авторов, например, "Элегия" Арно Бабаджаняна.

Музыка живет, пока ее исполняют.

Пусть живет и музыка Антонио Баззини.

Анто́нио Бадзи́ни (итал. Antonio Bazzini; 11 марта 1818, Брешиа — 10 февраля 1897, Милан) — итальянский скрипач, композитор и музыкальный педагог.

Учился музыке в родном городе у местного скрипача Фаустино Камизани. В 17-летнем возрасте выступил перед Никколо Паганини и с одобрения последнего начал концертировать. В середине 1840-х гг. совершенствовался в Лейпциге, посвятив себя преимущественно музыке Иоганна Себастьяна Баха и Людвига ван Бетховена. В середине 1860-х гг. отошёл от концертной деятельности и посвятил себя в большей степени композиции. С 1873 г. преподавал в Миланской консерватории (с 1882 г. её директор), среди его учеников были Джакомо Пуччини, Пьетро Масканьи, Бенедетто Юнк и Альфредо Каталани.

Наверняка каждый из нас, наблюдая игру большого оркестра, не раз обращал внимание на странного человека, стоящего спиной к зрителям и неистово размахивающего руками перед музыкантами.
А какова его роль?
Роль дирижера переоценить невозможно. Он - руководитель оркестра. Даже само слово diriger в переводе с французского и означает "направлять, управлять".

Представьте, в составе оркестра около ста человек. Каждый из них - настоящий профессионал своего дела, виртуоз и великолепный музыкант. И у каждого есть своё мнение по поводу того, как нужно играть тот или иной фрагмент музыкального произведения: здесь тихо, тут громче, вот в этом месте резкий акцент, а вот теперь чуть быстрее, потом плавное замедление, т.д....
Но беда в том, что сколько людей, как известно, столько и мнений. И начинается хаос, потому что не могут сто человек договориться: каждый приведёт массу аргументов в пользу своей трактовки и будет по-своему прав. Вот здесь-то и приходит на помощь дирижёр!
Он собирает музыкантов воедино, заставляя строго исполнять те нюансы, которые устанавливает сам.
Таким образом исключаются разногласия, и оркестр начинает играть стройно, в одном русле.
Естественно не каждый годится на роль такого "руководителя музыки". Это должен быть очень образованный человек, тонко разбирающийся и чувствующий музыку.

Дирижер Валерий Гергиев.

Как самостоятельный вид музыкального исполнительства дирижирование сложилось в первой половине XIX века, однако ещё на египетских и ассирийских барельефах встречаются изображения человека с жезлом в руке, руководящего группой музыкантов. В древнегреческом театре корифей руководил хором, отбивая ритм ногой, обутой в сандалию с железной подошвой. Вместе с тем уже в Древней Греции было распространено управление хором с помощью так называемой хейрономии, которое перешло затем и в практику церковного исполнительства в средневековой Европе; этот вид дирижирования предполагал систему условных движений рук и пальцев, с помощью которых дирижёр указывал певчим темп, метр, ритм, воспроизводил контуры мелодии — её движение вверх или вниз и т. д.

Судя по дневникам, наиболее интенсивно работа над сюитой шла у Танеева с самого начала 1909 года, в тесном контакте со скрипачом Б. О. Сибором, которому она посвящена. Связь с исполнителями — солистами и коллективами, проверка слухом живого звучания создаваемой музыки вообще характерна для этого композитора и входит в его метод творческой работы. В данном случае общение со скрипачами — Сибором и А. Я. Могилевским, возможно, имело результатом динамизацию, усиление концертности, виртуозности сольной партии.

Общий облик сюиты определяется типичным для Танеева стилевым сплавом. Открывающая цикл Прелюдия имеет отправными точками отчасти итальянское, но, скорее, немецкое барокко — Баха прежде всего. Ее основная тема — ораторски-приподнятая, взволнованная и в то же время суровая — играет в произведении огромную роль. Это образ героя сюиты, Скрипача — мыслителя и виртуоза.
Следующая часть, Гавот, апеллирует к раннему французскому классицизму. Третья и четвертая части — «Сказка» и Тема с вариациями — по образности, тематизму и, главное, множественным ассоциациям принадлежат к характерным сферам русской музыки. Завершает сюиту блестящая, искрометная Тарантелла.
Казалось бы, жанр сюиты не обязывает композитора искать средства объединения цикла, но Танеев устремляется к таким поискам. Определяющим фактором выступают жанрово-танцевальные средства, и отнюдь не только в «заявленных» названиями Гавоте и Тарантелле. В «Сказке» претворены черты колыбельной. Множество танцевальных жанров встречается в вариациях: плясовая, «балетный» (не бытовой, рафинированный) вальс и др.
Не менее велико значение поэтичной, изящной, чувствительной ре-минорной темы «Сказки» — она появляется уже в начале Прелюдии. В последней части тема «Сказки» звучит одновременно с темой Тарантеллы; каноническое проведение этой второй лейттемы и одновременно ее же проведение в увеличении на фоне основного мотива Тарантеллы в коде финала воспринимается как заключение всего цикла.

1) Praeludium: Grave
2) Gavotte: Allegro moderato
3) Märchen: Andantino
4) Tema con variazione
5) Tarantella: Presto

http://belcanto.ru/taneev_suite.html

Дени́с Васи́льевич Давы́дов (16 (27) июля 1784, Москва — 22 апреля (4 мая) 1839, село Верхняя Маза, Сызранский уезд, Симбирская губерния) — русский поэт, наиболее яркий представитель «гусарской поэзии», генерал-лейтенант. Один из командиров партизанского движения во время Отечественной войны 1812 года.

Представитель старинного дворянского рода Давыдовых. Родился в семье бригадира Василия Денисовича Давыдова, служившего под командованием А. В. Суворова, в Москве. Значительная часть детских лет его прошла в военной обстановке на Слобожанщине, где служил его отец. Денис рано приобщился к военному делу, хорошо выучился верховой езде. Но его постоянно мучила его невзрачная внешность: маленький рост и маленький курносый нос «пуговкой».
В конце XVIII столетия по всей России гремела слава великого Суворова, к которому и Денис относился с необычайным почтением. Однажды, когда мальчику было девять лет, ему довелось увидеть знаменитого полководца, тот приехал к ним в имение, в гости. Александр Васильевич, оглядев двух сыновей Василия Денисовича сказал, что Денис «этот удалой, будет военным, я не умру, а он уже три сражения выиграет», а Евдоким пойдёт по гражданской службе. Эта встреча запомнилась Денису на всю жизнь.

История создания цикла «Музыкальное приношение» началась в день встречи Баха с прусским королём Фридрихом II 7 мая 1747 года. Сын Баха, Карл Филипп Эммануил, с 1740 года работал клавесинистом в капелле короля, и через него Фридрих передал приглашение Иоганну Себастьяну. Как только Бах приехал, король сразу позвал его в потсдамский дворец, отменив концерт (он играл на флейте). Во время встречи Баху была показана новинка, пианофорте Зильбермана — ранняя разновидность фортепиано. У короля имелось несколько экземпляров этого инструмента. Бах, переходя из комнаты в комнату, импровизировал на них, а затем, желая удивить короля, попросил дать ему тему, чтобы тут же сочинить на неё фугу. Фридрих дал ему следующую тему (впоследствии названную королевской, или (лат.) Thema Regium.

Получив тему, Бах незамедлительно сочинил на неё трёхголосную фугу. На просьбу сочинить шестиголосную фугу на ту же тему Бах ответил, что не всякая тема подходит для такой цели, и предложил свою тему. Однако позже он всё-таки исполнил и это желание короля.
Два месяца спустя Бах опубликовал цикл произведений на «Королевскую тему», который сейчас известен как «Музыкальное приношение». Бах озаглавил цикл так: «Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta» (данная повелением короля тема и прочее, исполненное в каноническом роде) — акростих, первые буквы которого образуют слово ричеркар (старинное название фуги).

Иоганн Кристоф Фридрих фон Шиллер – выдающийся немецкий драматург, поэт, видный представитель романтизма, один из создателей национальной литературы Нового времени и самых значимых персон немецкого Просвещения, теоретик искусства, философ, историк, военврач. Шиллер был популярен на всем континенте, многие его пьесы по праву вошли в золотой фонд мировой драматургии.

Родился Иоганн Кристоф Фридрих в г. Марбахе-на-Неккаре 10 ноября 1759 г. в семье офицера, полкового фельдшера. Семья жила небогато; мальчик воспитывался в атмосфере религиозности. Начальное образование он получил благодаря пастору местечка Лорх, куда в 1764 г. переехала их семья, а позднее учился в латинской школе Людвигсбурга. В 1772 г. Шиллер оказывается среди учащихся военной академии: туда он был определен по распоряжению герцога Вюртемберского. И если с детских лет он мечтал о службе священника, то здесь стал изучать юриспруденцию, а с 1776 г., после перехода на соответствующий факультет - медицину. Еще в первые годы пребывания в этом учебном заведении Шиллер не на шутку увлекся поэтами «Бури и натиска» и сам немного начал сочинять, решив посвятить себя поэзии. Его первое произведение - ода «Завоеватель» - появилась в журнале «Немецкие хроники» весной 1777 г.

Стихи Федотов сочинял на протяжении всей жизни, наиболее интенсивно - в последние годы; впрочем, всегда урывками, в минуты отдыха. Это басни, стихотворные пояснения к собственным картинам, лирические стихотворения, песни и т. д. Стихи Федотова по своему художественному значению созданы на общей основе с живописно-графическими работами и родственны их настроениям и темам. Большая и наиболее интересная часть стихов - сатирические произведения. Это социальная сатира, нередко затрагивающая политические основы Российской империи. Естественно, что напечатаны подобные произведения быть не могли. Не предназначая свои поэтические опыты для печати, Федотов обычно читал их друзьям, а те переписывали и распространяли их в списках. Некоторые произведения, в особенности поэма "Поправка обстоятельств, или Сватовство майора", приобрели в списках широкую популярность. Публикация поэтического наследства Федотова началась вскоре после его смерти и затянулась надолго из-за препятствий, чинимых цензурой. Наиболее полно стихотворные произведения Федотова были опубликованы в наше время, в книге Я. Д. Лещинского "Павел Андреевич Федотов - художник и поэт" (Л.-М, 1946).  

 Пчела и цветок.

Летая по свету, конечно, за медком,
Пчела влетела в дом.
Увидевши в окне горшочки
И в тех горшках цветочки,
Ну как не залететь?
Где до любимого коснется,
Не только что пчелам - и нам, людям, неймется.
Любимое хоть в щелку поглядеть -
И то отрада, -
А тут пчеле цветы - чего ж ей больше надо?
К тому ж людской разборчивый и прихотливый род
Цветов к себе дурных в хоромы не берет,
А из отличных всё пород.
Коль и на взгляд иной не так приятен,
Так уж наверно ароматен.
И подлинно, пчела
В дому один цветок породистый нашла,