Шехереза́да — балет на сюжет сказки из «Тысяча и одной ночи» «О царе Шахрияре и его брате», повествующей о красноречии царевны Шахерезады, освободившей от смерти молодых жён Шахрияра.
Балет поставил Михаил Фокин на музыку симфонической сюиты Николая Андреевича Римского-Корсакова «Шехеразада»
 

Премьера состоялась 4 июня 1910 года в Гранд Опера, и создан спектакль был в «Русских сезонах» Сергея Дягилева.
Декорации и костюмы были исполнены художником Львом Бакстом, занавес был выполнен в мастерских по эскизам художника В. А. Серова, художник-исполнитель Б. И. Анисфельд. Первой исполнительницей Зобеиды стала — Ида Рубинштейн, раба Зобеиды исполнял Вацлав Нижинский, в партии Шахрияра — А. Д. Булгаков.
Эскизы сценических костюмов для «Шехеразады» создавал также французский художник Жорж Барбье
Мелодичные и певучие восточные темы Римского-Корсакова проходят через весь балет. В музыке слышится шум морского прибоя, весёлый праздник в Багдаде и кантиленная, словно сам рассказ Шехеразады, мелодия. Сама му́зыка рассказывает восточную сказку и имеет рондообразную форму.
Сюжет
В шахском гареме Зобеида пытается умилостивить мужа. Но Шахриар мрачен: приехавший к нему брат Земан, правитель Персии, уверяет, что жены шаха неверны. Зобеида вновь пытается смягчить сердце повелителя, но он непреступен и бросает вокруг подозрительные взгляды. Танец трех альмей не в силах отвлечь Шахриара от тяжких дум. Он объявляет, что отправляется на охоту. Зобеида умоляет его остаться, но шах со свитой удаляется. Обитательницы гарема упрашивают главного евнуха впустить в гарем их любовников — негров. Внезапно вернувшийся Шахриар застает жен, развлекающихся с любовниками. Его янычары кривыми саблями режут жен и рабов. Зобеида молит оставить ей жизнь, но, получив отказ, убивает себя. В наступившей тишине рыдает шах.

Действующие лица:

Шах Шахриар
3еман, его брат, правитель Персии
3обеида, его жена
Золотой раб
Жены Шахриара, альмеи, евнухи, черные рабы, янычары

Действие происходит на Востоке в сказочные времена.

В главных ролях:

Зобеида - Илзе Лиепа,

Шахриар - Андрис Лиепа,

Золотой раб - Виктор Еременко.

НЕИЗВЕСТНЫЕ ЗАРУБЕЖНЫЕ ЖЕНЩИНЫ-КОМПОЗИТОРЫ XIX ВЕКА
© 2010 С.В.Иванова

На сегодняшний день отечественной музы-
кальной науке мало что известно о сочинитель-
ницах музыки середины и конца XIX века. Дол-
гое время считалось, что в то время не сущест-
вовало женщин-композиторов. Такое ошибочное
представление было связано с нехваткой био-
графических фактов и конкретных документи-
рованных примеров: многие произведения жен-
щин-композиторов XIX века существовали в ви-
де автографов и изданий в одном экземпляре,
поэтому разыскать и систематизировать их те-
перь очень трудно. Однако зарубежными исто-
риками музыки проделана значительная работа в
исследовании женского композиторского творче-
ства XIX века, подтверждающая музыкально-
творческую активность женщин-авторов, что по-
зволяет восполнить имеющийся пробел в литера-
туре на русском языке. Среди исследований,
послуживших источниками информации для
данной статьи – «Интернациональная энцикло-
педия женщин-композиторов». С помо-
щью изложенных в этих источниках фактов мы
можем познакомиться с некоторыми подробно-
стями биографий женщин-творцов XIX века, а
также частично воссоздать картину социального
положения сочинительниц данного историческо-
го периода.
Среди наиболее значительных женщин-ком-
позиторов XIX века – немки Фанни Гензель,
Жозефина (Каролина) Ланг, Иоанна Кинкель,
Луиза Адольфа Ле Бо, Эмилия Майер, а также француженки Августа Мария

и Луиза Фарранк .
Луиза Фарранк (настоящее имя Жанна-Луиза Дюмон, 31 мая 1804, Париж — 15 сентября 1875, там же) — французская пианистка, композитор и педагог.

Алекса́ндр Никола́евич Серо́в11( 23 января 1820) — 20 января (1 февраля 1871) — русский композитор и музыкальный критик; действительный статский советник; отец живописца Валентина Александровича Серова.

А. Серов — известный русский композитор, выдающийся музыкальный критик, один из основоположников отечественного музыкознания. Его перу принадлежат 3 оперы, 2 кантаты, оркестровые, инструментальные, хоровые, вокальные произведения, музыка к драматическим спектаклям, обработки народных песен. Он — автор значительного числа музыкально-критических работ.
Серов родился в семье крупного правительственного чиновника. С раннего детства у мальчика проявились разнообразные художественные склонности и увлечения, которые всемерно поощрялись родителями. Правда, значительно позднее отец станет резко противиться — вплоть до серьезного конфликта — музыкальным занятиям сына, считая их абсолютно бесперспективными.
В 1835-40 гг. Серов обучался в Училище правоведения. Там состоялось его знакомство с В. Стасовым, переросшее вскоре в горячую дружбу. Переписка Серова и Стасова тех лет — поразительный документ становления и развития будущих корифеев русской музыкальной критики. «Для нас обоих», — писал Стасов после смерти Серова, — «эта переписка имела очень важное значение — мы помогали друг другу образоваться не только в музыкальном, но и во всех других отношениях». В те годы проявились и исполнительские способности Серова: он успешно учился игре на фортепиано и виолончели, причем последнюю начал осваивать только в училище. После завершения образования началась служебная деятельность. Сенат, Министерство юстиции, служба в Симферополе и Пскове, Министерство внутренних дел, Петербургский почтамт, где он, свободно владевший несколькими европейскими языками, числился цензором иностранной корреспонденции — вот вехи из весьма скромной карьеры Серова, не имевшей, впрочем, для него, за исключением заработка, какого-либо серьезного значения. Главным и определяющим была музыка, которой он желал посвятить всего себя без остатка.

Александр Порфирьевич Бородин родился в Санкт-Петербурге 31 октября [12 ноября] 1833 от внебрачной связи 62-летнего грузинского князя из Имеретии Луки Степановича Гедианова (Гедеванишвили), и 25-летней Авдотьи Константиновны Антоновой и при рождении был записан сыном крепостного слуги князя — Порфирия Ионовича Бородина и его жены Татьяны Григорьевны.

Уже в детстве обнаружил музыкальную одарённость, в 9 лет написав первое произведение — польку «Helen». Обучался (по воле матери преимущественно дома) игре на музыкальных инструментах. В возрасте 10 лет стал интересоваться химией, которая с годами из увлечения превратилась в дело всей его жизни. Однако занятиям наукой и получению высшего образования препятствовало всё то же «незаконное» происхождение молодого человека, которое, при отсутствии легальной возможности изменения общественного статуса, вынудило мать Бородина и её мужа воспользоваться ведомством чиновников Тверской казённой палаты, чтобы записать сына в Новоторжское третьей гильдии купечество. Он получил право закончить гимназию и продолжить своё образование в высшем учебном заведении. Летом 1850 года Бородин отлично сдал экзамены на аттестат зрелости в Первой Санкт-Петербургской гимназии, а в сентябре того же года семнадцатилетний «купец» Александр Бородин поступил вольнослушателем в петербургскую Медико-хирургическую академию, которую окончил в декабре 1856 года. Осенью 1860 года Бородин уехал в Париж, где провёл зиму, а весной 1861 года Бородин вернулся в Гейдельберг. Здесь в мае 1861 года он познакомился с Екатериной Сергеевной Протопоповой — молодой незамужней женщиной, страдавшей серьёзным хроническим бронхо-лёгочным заболеванием и приехавшей в Германию для лечения. Екатерина Сергеевна оказалась замечательной пианисткой и обладательницей абсолютного музыкального слуха. По её воспоминаниям, Бородин «тогда ещё почти вовсе не знал Шумана, а Шопена разве немного больше». Встреча с новыми музыкальными впечатлениями пробудила интерес Бородина к композиции, а Екатерина Сергеевна вскоре стала его невестой. В сентябре её здоровье значительно ухудшилось, и гейдельбергский профессор дал рекомендацию срочно переменить климат — ехать на юг, в Италию, в Пизу. Бородин сопровождал её. В Гейдельберг он вернулся только летом 1862 года. По возвращении в Россию Бородин поехал в Петербург, где представил отчёт о заграничной командировке и вскоре получил должность адъюнкт-профессора Медико-хирургической академии. 

...От его обаятельного, такого быстротечного существования остался поток мелодий, свежих, вышедших из сердца, одно из чистейших зеркал английской души.
Р. Роллан

Генри Пёрселл (10 сентября 1659, Лондон — 21 ноября 1695, там же)

«Британским Орфеем» назвали Г. Перселла современники. Его имя в истории английской культуры стоит рядом с великими именами В. Шекспира, Дж. Байрона, Ч. Диккенса. Творчество Перселла развивалось в эпоху Реставрации, в атмосфере духовного подъема, когда возвращались к жизни прекрасные традиции искусства Ренессанса (например, расцвет театра, преследовавшегося во времена Кромвеля); возникали демократические формы музыкальной жизни — платные концерты, светские концертные организации, создавались новые оркестры, капеллы и т. п. Выросшее на богатой почве английской культуры, впитавшее лучшие музыкальные традиции Франции и Италии, искусство Перселла оставалось для многих поколений его соотечественников одинокой, недостижимой вершиной.

Перселл родился в семье придворного музыканта. Музыкальные занятия будущего композитора начались в Королевской капелле, он овладел игрой на скрипке, органе и клавесине, пел в хоре, брал уроки композиции. В печати регулярно появляются его юношеские сочинения. С 1673 г. и до конца жизни Перселл состоял на службе при дворе Карла II, исполняя многочисленные обязанности. Перселл все эти годы много сочинял. Композиторское творчество оставалось его главным призванием. Напряженнейший труд, тяжелые утраты (3 сына Перселла умерли в младенческом возрасте) подорвали силы композитора — он умер в возрасте 36 лет.

Квинтет для кларнета и струнных ля мажор Вольфганга Амадея Моцарта, К. 581 был написан в 1789 году для кларнетиста Антона Стадлера. Хотя он изначально задумывался для бассет-кларнета, его почти всегда исполняют на кларнете в ля мажор или си-бемоль мажор. Это единственный завершенный квинтет Моцарта для кларнета, который является одним из самых ранних и самых известных произведений, написанных специально для этого инструмента: он до сих пор остается одним из самых любимых его произведений. Квинтет иногда называют "Квинтетом Стадлера"; Моцарт сам называл его так в письме от апреля 1790 г.

Последующий текст из книги "Вселенная Моцарта" И.Якушиной.

Избранное из книги.

О Квинтете для кларнета и струнных A-dur, К.581

– Наш разговор об Ансамблях для духовых мне хочется закончить обсуждением самого прекрасного из всех когда-либо созданных подобных Ансамблей – Квинтета для кларнета и струнных A-dur, К.581, так называемого Квинтета для Штадлера.

 "Глория"-это одна из частей мессы. Месса как музыкальный жанр – это основные песнопения ординария мессы, положенные на музыку. Основной структурой музыкальной мессы является ординарий — неизменяемый текст латинского католического богослужения, который состоит из следующих частей:

Ординарий мессы составляют следующие песнопения:
1. Kyrie eleison («Господи, [помилуй]»): обращенная к Богу череда прошений о милости в ходе Обряда покаяния, который имеет место в Начальных обрядах мессы.
2. Gloria in excelsis Deo («Слава в вышних Богу»): Великое славословие, восхваляющее Бога, единого в Троице. Звучит в завершающей части Начальных обрядов мессы в праздничные и воскресные дни (за исключением воскресений Адвента и Великого поста).
3. Credo («Верую»): исповедание христианской веры как ответ верующих на слово Божие в конце Литургии слова. (Звучит только в воскресенья, а также в дни торжеств, т.е. великих праздников).
4. Sanctus («Свят»): песнопение, которым верующие выражают благоговейное ликование, соединяясь с ликованием ангелов и святых, предстоящих перед небесным престолом Божиим. Это песнопение непосредственно предшествует евхаристическому освящению даров.
5. Benedictus qui venit («Благословен Грядущий»): выражение благоговения перед живым Христом, приходящим в собрание верующих под видом хлеба и вина. Эти завершающие слова песнопения Sanctus в определенный период церковной истории выделялись в самостоятельное песнопение, которое звучало сразу же после освящения даров.
6. Agnus Dei («Агнец Божий»): троекратное призывание Христа – Агнца Божия, берущего на Себя грехи мира.

Андрей Миронов родился 7 марта 1941 года, в родильном доме имени Грауэрмана, в семье известных эстрадных артистов Александра Семёновича Менакера и Марии Владимировны Мироновой. Ребёнок родился 7 марта, однако родители указали в качестве даты рождения 8 марта. На тему этой даты родители даже исполнили репризу: «Андрей — подарок женщинам в Женский день 8 марта».

В 1948 году Андрей Менакер пошёл в первый класс 170-й мужской школы г. Москвы. С конца 1940-х годов в СССР развернулась кампания по «борьбе с безродным космополитизмом», местами имевшая антисемитский характер, в следствие чего родители Андрея приняли решение сменить сыну фамилию с отцовской на материнскую, и в третий класс он уже пошёл, будучи Андреем Мироновым. По воспоминаниям матери, в детстве Андрей ничем не увлекался, одно время собирал марки, потом бросил.
Первая попытка сняться в кино (в фильме «Садко») состоялась летом 1952 года. Попытка оказалась неудачной — Андрей был забракован режиссёром Александром Птушко. В седьмом классе Миронов дебютировал на школьной сцене. Андрей сыграл роль фон Краузе в спектакле «Русские люди» по Константину Симонову. В девятом классе он записался в школьную театральную студию, а позже в студию при Центральном детском театре. Летом 1958 года Андрей Миронов окончил школу и поступил в Училище имени Бориса Щукина при Театре им. Вахтангова. В 1960 году Миронов получил роль в своём первом фильме — «А если это любовь?» режиссёра Юлия Райзмана.
В июне Андрей закончил Щукинское училище с красным дипломом и был принят в труппу Московского театра сатиры, где проработал 25 лет. В этом же году Миронову поступает предложение сняться в кинокомедии «Три плюс два». 12 ноября на экраны выходит фильм «Мой младший брат», спокойно встреченный критиками. Актёр сыграл в этом фильме роль физкультурника Юрки.

Хотя кандидатура Миронова вызывала нарекания членов худсовета, в том числе из-за фактуры, он был утвержден достаточно легко. 1963 год — Миронов всё больше и больше занят в спектаклях театра, гастролирует с труппой в Горьком, Саратове, Кисловодске. 23 декабря, на дне рождения Натальи Фатеевой, Андрей познакомился с Ларисой Голубкиной.

Матильда Феликсовна Кшесинская (19 августа 1872 г. - 6 декабря 1971 г.), русская балерина.
Фигура Матильды Кшесинской настолько плотно окутана коконом легенд, сплетен и слухов, что уже практически невозможно разглядеть настоящего, живого человека.. Полную непреодолимого очарования женщину. Страстную, увлекающуюся натуру. Первую русскую исполнительницу фуэте и балерину, которая могла сама распоряжаться своим репертуаром. Блестящую, виртуозную танцовщицу, вытеснившую с русской сцены иностранных гастролерш…
Матильда Кшесинская была миниатюрна, ростом всего 1 метр 53 сантиметров. Но, несмотря на рост имя Кшесинской на протяжении многих десятилетий не сходило со страниц светской хроники, где она была представлена в ряду героинь скандалов и «роковых женщин».
Кшесинская родилась в потомственной артистической среде, которая на протяжении нескольких поколений была связана с балетом. Отец Матильды был известным танцовщиком, являлся ведущим артистом императорских театров.
Отец и стал первым учителем своей младшей дочери. Уже с самого раннего возраста она обнаруживала способности и любовь к балету – что неудивительно в семье, где почти все танцуют. В восемь лет ее отдали в Императорское Театральное училище – ранее его закончила ее мать, а теперь там учились ее брат Иосиф и сестра Юлия.
Поначалу Маля занималась не особенно старательно – азы балетного искусства она давно изучила дома. Только в пятнадцать лет, когда она попала в класс к Христиану Петровичу Иогансону, Маля не только почувствовала вкус к учению, но стала заниматься с настоящей страстью. Кшесинская обнаружила незаурядный талант и огромный творческий потенциал. Весной 1890 года она закончила училище экстерном и была зачислена в труппу Мариинского театра. Уже в первый свой сезон Кшесинская станцевала в двадцати двух балетах и двадцати одной опере. Роли были небольшие, но ответственные, и позволяли Мале блеснуть своим талантом. Но одного таланта для получения такого количества партий было мало – сыграло свою роль одно немаловажное обстоятельство: в Матильду был влюблен наследник престола.
С Великим князем Николаем Александровичем – будущим императором Николаем II – Маля познакомилась на обеде после выпускного спектакля, состоявшегося 23 марта 1890 года. Практически сразу у них начался роман, протекавший при полном одобрении родителей Николая. По-настоящему их серьезные отношения начались лишь спустя два года, после того как наследник явился домой к Матильде Кшесинской, под именем гусара Волкова. Записки, письма и... подарки, по-настоящему царские. Первым стал золотой браслет с крупными сапфирами и двумя бриллиантами, на котором Матильда выгравировала две даты - 1890 и 1892 - первая встреча и первый приезд к ней домой. Но... Их любовь была обречена и уже после 7 апреля 1894 года, когда было официально объявлено о помолвке цесаревича с Алисой Гессенской, Николай больше ни разу не приезжал к Матильде. Однако, как известно, разрешил ей обращаться к нему в письмах на "ты" и обещал помогать ей во всем, если ей потребуется помощь.

ЧЕРНИ, КАРЛ (1791–1857), австрийский композитор, педагог и пианист. Родился 20 февраля 1791 в Вене. Начал учиться музыке в возрасте 5 лет под руководством отца, известного педагога и высокообразованного музыканта. Карлу еще не исполнилось 9 лет, когда он начал публичные выступления. В 1800 Бетховен, услышав игру мальчика, предложил давать ему уроки; занятия продолжались с перерывами более 10 лет. В этот период Черни занимался также у И.Н.Гуммеля и М.Клементи.

Самое ценное в его композиторском наследии – педагогические сочинения. Черни писал почти во всех музыкальных жанрах: он – автор месс, реквиемов, симфоний, концертов, камерных произведений, романсов и множества концертных фортепианных пьес. Общее число его опусов приближается к тысяче, причем многие опусы содержат до полусотни и более отдельных номеров.

Моте́т  (от старофранц. mot — слово) — вокальное многоголосное произведение полифонического склада, один из центральных жанров в музыке западноевропейского Средневековья и Возрождения.

Мотет — универсальный жанр профессионального музыкального искусства. Его культурно-социальное функционирование зависело от содержания распетого в нём текста. Мотеты со стихами духовной тематики звучали как в церкви, так и в светской обстановке (например, при аристократических дворах); мотеты с текстами светской тематики (особенно на «вульгарных» наречиях) в церкви не распевались.

Серге́й Ива́нович Тане́ев (13 ноября 1856, Владимир — 6 июня 1915, Дютьково под Звенигородом) — русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель. Младший брат адвоката В. И. Танеева.

В русской музыке рубежа веков С. Танеев занимает совершенно особое место. Выдающийся музыкально-общественный деятель, педагог, пианист, первый в России крупный ученый-музыковед, человек редких нравственных достоинств, Танеев был признанным авторитетом в культурной жизни своего времени.

Однако главное дело его жизни, композиторское творчество, далеко не сразу нашло подлинное признание. Причина не в том, что Танеев — новатор-радикал, заметно опередивший свою эпоху. Напротив, многое в его музыке воспринималось современниками как устаревшее, как плод «профессорской учености», сухой кабинетной работы. Странным и несвоевременным казался интерес Танеева к старым мастерам, к И. С. Баху, В. А. Моцарту, удивляла приверженность классическим формам и жанрам. Лишь позднее пришло понимание исторической правоты Танеева, искавшего для русской музыки прочной опоры в общеевропейском наследии, стремившегося к универсальной широте творческих задач.
Среди представителей старинного дворянского рода Танеевых встречались музыкально одаренные любители искусств — таким был и Иван Ильич, отец будущего композитора. В семье поддерживали рано обнаружившийся талант мальчика, и в 1866 г. он был определен в только что открывшуюся Московскую консерваторию. В ее стенах Танеев становится учеником П. Чайковского и Н. Рубинштейна — двух крупнейших деятелей музыкальной России. Блестящее окончание консерватории в 1875 г. (Танеев первым в ее истории был удостоен Большой золотой медали) открывает перед молодым музыкантом широкие перспективы. Это и разнообразная концертная деятельность, и преподавание, и углубленная композиторская работа. Но прежде Танеев совершает поездку за рубеж.
Пребывание в Париже, соприкосновение с европейской культурной средой оказало сильнейшее воздействие на восприимчивого двадцатилетнего художника. Танеев предпринимает суровую переоценку достигнутого им на родине и приходит к выводу о недостаточности своего образования, как музыкального, так и обще- гуманитарного. Наметив твердый план, он начинает упорную работу над расширением кругозора. Работа эта продолжалась всю жизнь, благодаря чему Танеев смог стать вровень с образованнейшими людьми своего времени.
Та же планомерная целеустремленность присуща и композиторской деятельности Танеева. Он желал практически овладеть сокровищами европейской музыкальной традиции, переосмыслить ее на родной русской почве. Вообще, как полагал молодой композитор, русской музыке недостает исторической укорененности, она должна усвоить опыт классических европейских форм — прежде всего полифонических. 

«Приходите завтра…» — комедийный художественный фильм, поставленный в 1963 году режиссёром Евгением Ташковым. Сценарий написан режиссёром совместно с женой Екатериной Савиновой и отражает некоторые факты биографии актрисы.

История театра и кино знает множество трагических актерских биографий, но даже в этом скорбном ряду Екатерина Савинова стоит особняком. Насколько добра была к актрисе природа, одарившая ее множеством талантов, настолько же сурово обошлась с ней судьба, отняв не только возможность эти таланты реализовать, но и способность адекватно оценивать окружающую действительность, а затем лишив ее и жизни. На счету актрисы, которая могла бы блистать в культовых фильмах, несколько ярких эпизодов и всего одна главная роль — Фроси Бурлаковой в картине «Приходите завтра», которую снял ее муж, кинорежиссер Евгений Ташков.

Родился в творческой семье. Мать Алексея Рыбникова была художником-дизайнером, отец — скрипачом, работавшим в оркестре Александра Цфасмана. Рыбников начал пробовать себя в качестве композитора уже в детстве: в 8 лет написал несколько фортепьянных пьес, в 11 — балет «Кот в сапогах».
С 1956 по 1962 год Рыбников учился в Центральной музыкальной школе при Московской консерватории. В 1962 году поступил в Московскую консерваторию, по классу композиции учился у А. И. Хачатуряна. В 1967 году с отличием окончил консерваторию, а в 1969 году — аспирантуру по классу этого же композитора.

С 1969 по 1975 год Алексей Рыбников преподавал в Московской консерватории на кафедре композиции.
Алексей Рыбников — автор музыки к многочисленным кинофильмам, музыкальным спектаклям.
В 1979 году Алексей Рыбников был признан Всесоюзным хит-парадом самым популярным композитором года и награждён премией за лучшую музыку к кинофильму на Московском международном кинофестивале. В 1989 году общий тираж проданных дисков с музыкой А. Рыбникова превысил 10 миллионов экземпляров.
В 1988 году Алексей Рыбников основал Производственно-творческое объединение «Современная опера» при Союзе композиторов СССР. В 1992 году здесь была представлена публике музыкальная мистерия А. Рыбникова «Литургия оглашенных».
В конце 1994 — начале 1995 года с большим успехом прошли гастроли театра «Современная опера» в США. Вице-президент «Юниверсал Пикчерз» Н. Райс высоко оценил «Литургию оглашенных», заметив, что «эта блестящая музыкальная драма — без сомнения, художественное достижение высочайшего уровня, уникальное в своем мастерском соединении музыки, либретто и театральных эффектов».
В 1999 году Постановлением Правительства Москвы при комитете по культуре Москвы был создан Театр Алексея Рыбникова.
Живёт и работает в Москве.
Семья.
Супруга — Татьяна, окончила МГУ.
Дочь — Анна, кинорежиссёр.
Сын — Дмитрий Рыбников (род. 23 декабря 1976 года), композитор, музыкант.
 

Концерт из произведений для кинофильмов Алексея Рыбникова.

Ты гимны дивные писал
И, созерцая мир блаженный,
Его нам в звуках начертал...

Агафангел. Памяти Бортнянского.

Как то шутя, Глинка спросил "Что такое Бортнянский?" И сам себе ответил: «Сахар Медович Патокин — довольно!!». И, между тем, именно Бортнянский, не смотря на формальную красивость своих произведений, был одним из тех композиторов, кто подготовил почву для рождения гения самого Глинки. Бортнянского «на ура» принимали современники, о его творчестве восторженно отзывались зарубежные композиторы, его критиковали в XIX в., его называли предвестником эпохи Пушкина и Глинки, его имя забывали и вспоминали вновь. А.С. Пушкин произнес однажды, ставшие известными слова — «… я предполагал, будто многие духовные произведения являются или сочинениями Бортнянского, или «древними напевами», отнюдь не произведениями иных авторов». По воспоминанию современников, Бортнянский был чрезвычайно симпатичный человек, строгий к службе, горячо преданный искусству, добрый и снисходительный к людям. Его сочинения, проникнутые религиозным чувством, стали заметным шагом вперед по сравнению с прерыдущим отечественным музыкальным искусством.

«Коппелия», полное название «Коппелия, или Красавица с голубыми глазами» — комический балет французского композитора Лео Делиба. Либретто написано по новелле Э. Гофмана «Песочный человек» Ш. Нюитером и балетмейстером спектакля А. Сен-Леоном. Премьера балета состоялась в Парижской Опере («Гранд-Опера») 25 мая 1870, в присутствии Наполеона III и его супруги, императрицы Евгении. Балет пользуется большой популярностью, его постоянно ставят многие театры мира.
 

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм.

ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА - Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Коко Шанель– пожалуй, одна из самых ярких личностей прошлого века, которая смогла изменить моду в сторону удобства и элегантности. Выбравшаяся в высокий свет из бедственного положения, она стала примером для многих людей, показав, что происхождение может совершенно ничего не значить, если есть ясная цель. Французы до сих пор ассоциируют фразу «Искусство жить» именно с Шанель.
Коко родилась в приюте города Сюмора. Его работники дали девочке имя Габриэль, в честь одной из тех, кто принимал роды. Матерью Коко Шанель была Евгения Жанна Деволь, плотничья дочь, а отцом – Альберт Шанель, обычный торговец рынка. Родители тогда не были женаты, жили в бедности.
Когда Габриэль исполнилось одиннадцать, ее мать умерла, и отец бросил девочку с сестрой и двумя братьями одних. Дети Шанель отправились в дом для сирот при монастыре, где Габриэль пробыла до совершеннолетия. Коко Шанель уже в детстве осознавала свое положение, однако вопреки всему она не переставала мечтать о хорошей жизни.

Орфей был величайшим музыкантом в греческой мифологии. Действительно, он был столь великим, что возникла целая религия — орфизм, и Орфею поклонялись как богу уже примерно двадцать пять веков назад. Поэтому его история всегда казалась очень естественной для оперы. И действительно, самая ранняя из дошедших до нас оперных партитур основана на сюжете об Орфее. Это «Эвридика» Якопо Пери. Она датируется примерно 1600 годом, а вскоре после этого написано еще несколько опер об Орфее. Композиторы XVIII и XIX веков продолжали обращаться к этому персонажу.

Но единственная оперная версия данного сюжета, которую можно услышать в наши дни — это «Орфей и Эвридика» Глюка. Кстати, это самая ранняя опера из традиционно исполняемых в современных театрах, и датируется она 1762 годом. 5 октября этого года композитор дирижировал ее премьерой в Вене. В наше время  дается, как правило, итальянская версия, а роль Орфея исполняет контральто — то есть, естественно, контральто женское.
Глюк и его либреттист, Раньеро да Кальцабиджи, опустили многие детали, имеющиеся в мифе об Орфее, в результате на сцене происходит не слишком много действия. Но зато мы одарены множеством хоровых номеров (особенно в первом действии), а также многочисленными балетными вставками. Ввиду отсутствия действия эта опера почти ничего не теряет в концертном исполнении, а также лучше других сохраняет свои достоинства в аудиозаписи.

Блистательна, полувоздушна,

Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит Истомина. Она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола,
То стан совьет, то разовьет,
И быстрой ножкой ножку бьет
Всем известны эти пушкинские строки, прославившие "русскую Терпсихору". Когда восемнадцатилетний поэт вырвался на волю из Лицея-"монастыря", он попытался стать не только завсегдатаем театральных зал, но и "почетным гражданином кулис". А за кулисами, как известно, открывается не вполне парадная, но столь же увлекательная сторона театральной жизни. Л. Гроссман в своей работе "Пушкин в театральных креслах" писал: "Кулисы, уборные актрис, даже классы театральных воспитанниц - весь этот мир юных, красивых, грациозных и радостных женщин был постоянным источником любовных приключений. Вокруг театра развертывалась особая праздничная жизнь, насыщенная эротикой и окрашенная отважным авантюризмом. Поединки, похищения, необычайные свидания, подкупы прислуги, даже переодевания - все это сообщало любовным нравам эпохи какой-то полу фантастический и часто поистине театральный характер".В Истомину Пушкин в ту пору был влюблен как все, т. е. увлеченно включился в общую погоню за очаровательной нимфой, словно воплощавшей идеал его ранней анакреонтической поэзии.снисходительности". В ту пору Истомина была еще актрисой начинающей, хотя и многообещающей. Она уже блистала в анакреонтических балетах Дидло, изобиловавших особыми воздушными эффектами: он по существу изобрел полеты на сцене, которые стали не просто трюками, а выражением новой балетной поэтики. Эти эффекты очаровали патриарха русской поэзии Г. Р. Державина, который присутствовал на балете Дидло "Зефир и Флора" в 1808 году и выразил переполнявшие его ощущения в следующих строках:

Что за призраки прелестны,

Легки, светлы существа,
Сонм эфирный, сонм небесный.
Тени, лица божества
В неописанном восторге
Мой лелеют, нежат дух?
Не богов ли я в чертоге?