Лувр:шедевры мировой живописи(4) |
Эль Греко
|
«Святой Людовик, король Франции, раздающий милостыню» Эль Греко (настоящее имя Доменико Теотокопулос) родился на Крите в те времена, когда островом владела Венецианская Республика. В 1568 году он приехал в Венецию и учился у Тициана. А в 1572 году Эль Греко посещает Рим, где внимательно изучает наследие Микеланджело.
В это время его имя уже известно, оно фигурирует в «Книге академиков и стипендиатов гильдии Святого Луки» в Риме. В 1572-1575 годах художник снова живет в Венеции: он продолжает знакомство с живописью Тициана и частично попадает под влияние работ Тинторетто. В 1577 году художник отправляется в Толедо, привлеченный заказами церквей и монастырей. Отныне вся его жизнь и творческая деятельность будет связана с Испанией. Картина «Св. Людовик, король Франции, и паж» была создана одновременно с одним из первых шедевров мастера «Погребение графа Оргаса». Французский король Людовик IX был признан католической церковью святым. Его матерью была испанская принцесса, ставшая французской королевой, Бланка Кастильская. Это, видимо, и послужило поводом написания картины художником, жившим в Испании. Тема милостивого короля-святого была еще актуальна во времена Эль Греко. Картина строится одновременно на идеализации образа Людовика Святого и точных натурных наблюдениях. Для образа Людовика позировал кто-то из современников -человек с худым и нервным лицом, в образе пажа художник запечатлел своего сына Хорхе Мануэля. Полотно выдержано в темных тонах, светлыми пятнами выделяются лишь голова и руки короля, голова и рукав одежды мальчика. Красной диагональю перечеркивает фигуру короля плащ, внося в произведение дополнительное напряжение. Король и паж одеты в современные автору одежды. И только корона на голове Людовика говорит о том, что святой патрон жил триста лет назад. Если бы на картине не было скипетра с изображением королевских лилий, французского геральдического знака, то вряд ли главный ее персонаж можно было бы принять за француза. Картина приобретена Лувром в 1903 году. Святой Людовик, король Франции и паж |
Микеланджело да Караваджо
|
«Смерть Марии» Караваджо (настоящее имя Микеланджело Меризи да Караваджо) родился в Милане в 1571 году. После ученичества у Симоне Петерцано он приезжает в Рим. Художественными успехами он обязан не столько учителям, сколько своему безудержному темпераменту. В Риме он начинает работу как полуремесленный живописец, который дописывает отдельные детали в картинах признанных мастеров. Недюжинное дарование художника было замечено кардиналом дель Монте, его первым покровителем и меценатом. С помощью кардинала Караваджо получает первый крупный общественный заказ - роспись боковых стен в капелле Контарелли в церкви Сан-Луиджи деи Франчези. Роспись была закончена в 1600 году. Работа не удовлетворила заказчиков из-за необычайного по тем временам натурализма изображения. Но, несмотря на неодобрение первой крупной работы, Караваджо сумел заявить о себе как о художнике нового направления в живописи. Вслед за росписью последовал ряд престижных заказов. В своих ранних произведениях Караваджо привносит в итальянскую живопись понятие «жанр», ранее свойственный только художникам Нидерландов. Но в отличие от голландцев, Караваджо мало интересует то, что происходит или должно произойти, для него интереснее сами уличные типы -гадалка в белом тюрбане, щеголеватый юноша в шляпе с перьями и им подобные. Переломным моментом в жизни художника стало убийство, случайно совершенное им в ссоре, разгоревшейся во время игры в карты. Караваджо вынесли смертный приговор, и он был вынужден бежать из Рима. Дальнейшая жизнь художника проходит в странствиях; он всюду чувствует себя чужим, всюду у него столкновения с врагами, его часто привлекают к суду то за драку, то за оскорбительные стихи, то за ссору с квартирными хозяевами. После бегства из Рима он находит убежище в Неаполе, где за несколько месяцев создает ряд алтарных образов, среди которых знаменитая «Мадонна с четками». В 1607 году он уже на Мальте; там помимо других работ Караваджо пишет «Усекновение головы Иоанна Крестителя», единственную картину, хранящую подпись автора. 1608 год он проводит на Сицилии, в Сиракузах, в Мессине и Палермо, где опять много работает и создает ставшие знаменитыми алтарные композиции. В октябре 1609 года художник вновь возвращается в Неаполь и в июле следующего, 1610 года умирает на побережье Порта Эколе. Творчество Караваджо оказало колоссальное влияние на развитие итальянской, да и всей живописи в целом. Стиль, привнесенный им в искусство, получил название «караваджизм» и стал одним из определяющих в итальянской живописи XVII века. Приемы, выработанные в жанровой живописи, он применяет и в религиозных композициях, причем «святость» в этих произведениях у него начисто отсутствует. Для художника ничто не важно, кроме сильных тел и материальных предметов, которые можно взять в руки, к которым можно прикоснуться. В своих поздних работах, в период странствий, он все больше погружается во мрак. Живопись становится темной и поразительно напряженной. Картина «Смерть Марии» - одно из последних произведений художника. Видимо, под влиянием церковной живописи Рима Караваджо обращается к сложной многофигурной композиции. Картина со своей жестокой прямотой стала буквальным воспроизведением жизни. Это, наверное, одно из самых трагических произведений в коллекции Лувра. Телесная реальность смерти, подчеркиваемая текущим из глубины картины резким светом, шокировала всех. Монастырь кармелиток, по заказу которого исполнялся этот образ, отказался от картины еще до окончания работы. По совету Рубенса это полотно пополнило коллекцию герцога Мантуанского, надолго став объектом подражания для других художников. Потом картина попала к Карлу I Английскому, позднее, во время революции, была куплена неким банкиром, а после его банкротства приобретена Людовиком 14 и таким образом оказалась в Лувре. |
Франс Хальс
|
«Цыганка» Одним из великих голландских художников XVII века был Франс Хальс. Он родился в Антверпене около 1580 года. Совсем юным художник попал в Харлем, где вырос и сформировался в атмосфере маньеризма школы Карела Ван Мандера. В 1610 году был принят в гильдию Святого Луки в Харлеме. Известно, что у Хальса были нелады с супругой и вследствие этого он неоднократно вызывался в суд, что его ученики после попоек частенько под руки приводили его домой. При своем огромном таланте Хальс охотнее всего предавался кабацким утехам. Но Хальсу прощали его бесшабашность, Харлем гордился своим художником и охотно приводил к нему в мастерскую именитых гостей - Рубенса и Ван Дейка. В 1616 году Хальс пишет картину «Банкет офицеров роты стрелкового полка Святого Георгия», в которой полностью порывает с традиционной схемой группового портрета. Создавая очень живое произведение, объединяя персонажи в группы и придавая им различные позы, он как бы срастил воедино портрет с жанровой живописью. Произведение имело такой успех, что с этого времени художник был буквально завален заказами. Не склонный к мифологическим вымыслам и чуждый религиозному благочестию, Хальс был прирожденным портретистом. Он принадлежал к поколению, которое вынесло на своих плечах все тяготы освободительной борьбы с Испанией, и, наверное, поэтому люди в его портретах подкупают жизненной силой, здоровьем, веселостью, раскрепощенностью и даже некоторой самоуверенностью, правда, всегда смягченной добродушием. Для него не существовало разницы между портретом и бытовым жанром с характерными типами пьяницы или кавалера. В этом смешении жанров и проявилась необыкновенная жизненная сила его искусства. Художник с особенным удовольствием рисовал завсегдатаев харлемских кабачков вроде задорного гитариста или лукаво улыбающейся цыганки. Хальс умел с редкой непредвзятостью смотреть на свои модели, но не был способен к их вдумчивому психологическому изучению, к проникновению в их внутренний мир. Когда перед его мольбертом сидел великий ученый Рене Декарт, он сумел увидеть в нем только чудака, похожего на ночную птицу. Картина «Цыганка» представляет собой очень характерный для Хальса портрет очаровательной, лукаво улыбающейся молодой девушки. Художник запечатлел модель в момент полной эмоциональной открытости, она не заботится о том, что на нее кто-то смотрит. Игра мазков, передающая живость световых бликов, и легкость исполнения соседствуют в портрете с предельной точностью обобщения, что придает живописи непринужденность и естественность. Портрет выдержан в характерном для художника серебристом колорите. Живая и подвижная манера художника нашла своих подражателей еще при его жизни, а сегодня она многими рассматривается как далекая предтеча более поздних художественных исканий. Полотно передано в коллецию Лувра в 1869 году по завещанию доктора Луи Леказа. |
Питер Пауль Рубенс
|
Первая и последняя картины служили как бы обрамлением всего цикла. Вводной служит картина «Судьба Марии Медичи», где три парки прядут нить жизни еще не рожденной принцессы. Они по-настоящему прекрасны. Вверху картины их мать - богиня судьбы Фемида прильнула к снисходительному отцу Зевсу. Среди достаточно условных картин цикла это полотно выделяется удивительной проникновенностью и теплотой изображения. Последняя работа цикла - «Триумф Истины». На этом полотне мудрый старик, олицетворяющий Время, поднимает прекрасную обнаженную молодую женщину - Истину, чтобы она заняла свое место при встрече матери с сыном.
Из цикла картин «История Марии Медичи». «Рождение Марии Медичи» Данный цикл картин стал самой блестящей иллюстрацией к искусству управления государством, когда-либо выполненной в живописи. Ничто другое в Лувре так не способствовало пробуждению французского самосознания, как цикл картин о Марии Медичи. Рубенс умело использовал свой талант и свои способности дипломата для поисков путей примирения. Решение кардинала Ришелье больше не заказывать ему картин, призванных продолжить этот долгий цикл и посвященных жизни короля Генриха IV, супруга Марии, было связано с опасением, что содержащийся в них намек и призыв к примирению с Испанией будет услышан при дворе еще отчетливее. Картины цикла о Марии Медичи продемонстрировали удивительную выразительность и волнующее красноречие изображения там, где эти достоинства меньше всего можно было ожидать - в одном из грандиозных творений официального искусства. С 1693 года полотна находились в коллекции Людовика XIV, переданы Лувру в 1816 году. Питер Пауль Рубенс прожил долгую, богатую событиями, беспокойную и деятельную жизнь. Бесспорно, в западноевропейском искусстве он был одним из самых выдающихся живописцев барокко. Он жил как сиятельный князь, не знал бедности и лишений, с детских лет был близок ко двору, пользовался почетом и доверием государей не только в делах искусства, но и в политике, и даже выполнял их важные дипломатические поручения. В своей личной жизни он испытал
Из цикла картин «История Марии Медичи». «Воспитание Марии Медичи» и радости, и потери. Похоронив свою первую жену, в возрасте пятидесяти трех лет он снова женился на дальней родственнице, шестнадцатилетней Елене Фоурмент. Она наполнила его дом детскими голосами и ощущением радости семейной жизни. Когда на шестьдесят третьем году жизни Рубенс умер, его молодая жена была в очередной раз беременна. Как живописец Рубенс пользовался заслуженным признанием. Но при всем своем огромном творческом потенциале он не мог одними своими силами удовлетворить потребности заказчиков, и постепенно вокруг него выросла целая мастерская, из которой вышло до трех тысяч картин. Однако незадолго до конца своих дней Рубенс отказался от помощи исполнительных подмастерьев и создал несколько небольших по размеру восхитительных шедевров. К ним, безусловно, относятся портреты его молодой жены. «Портрет Елены Фоурмент с детьми Клер-Жанной и Франсуа» был написан художником за несколько лет до смерти. В этой картине он сумел создать удивительно поэтичный образ молодой матери с детьми. Она сидит, одетая в светло-зеленое платье и широкополую шляпу с перьями, и обнимает очаровательного маленького мальчика в темном костюмчике с задорно сидящим на голове беретом. Девчушка чуть постарше стоит рядом и внимательно смотрит на мать и брата. Все детали интерьера и костюмов не заслоняют поэтические образы. Рубенс, который в молодости тщательно выписывал каждую деталь, здесь полностью отказывается от этого, теперь в портрете для него важны только лица и руки. С нежностью и любовью смотрит молодая мать на своего нетерпеливого сына, ее руки нежно обнимают его. Головка мальчика повернута к нам, и его глаза, черты лица кажутся как бы повторением черт молодой женщины; такими же глазами, как у матери и брата, смотрит на нас его сестра. Весь портрет выдержан в светлой гамме и построен на оттенках светло-зеленого и красно-коричневого. Сильным темным акцентом обозначена лишь фигурка мальчика в надетом набекрень черном берете. Картина приобретена для Лувра в 1784 году. |
|
«Исцеление слепого» Никола Пуссен родился в Нормандии в 1594 году. Сначала он учится в Руане у Ноэля Жувине, а в 1612 году приезжает в Париж. Здесь молодой художник заинтересовался искусством Рафаэля, что подтолкнуло его предпринять путешествие на родину мастера. Свое первое путешествие в Италию Пуссен предпринял в 1621 году, но, доехав до Флоренции, был вынужден вернуться. Его первое посещение Рима датировано 1624 годом. По-видимому, перед Вечным городом он посетил Венецию, где соприкоснулся с творчеством Тициана. К этому периоду относятся и его первые известные произведения. Авторитет Пуссена быстро утвердился в художественной жизни Рима, он даже получил заказ, о каком не мог и мечтать молодой художник, - ему доверили расписать алтарь для одной из капелл в соборе Святого Петра в Риме. Именно к этому времени относятся его работы на религиозные и светские темы, решенные в стиле барокко. Пережив душевный кризис, связанный с тяжелой болезнью, и оправившись от нее, в 1630 году Пуссен женился на дочери своего домовладельца Анне-Марии Дюге. После юношеских увлечений барочной чрезмерностью внимание Пуссена переключилось на творчество Тициана. Он внимательно изучает живописные приемы, которыми пользовался великий художник: пишет на грубом холсте, кладет широкие пятна, достигает большой насыщенности цвета. В его композициях на смену пышности барокко приходит классическая сдержанность и ясность рисунка. Вместо крупных церковных заказов он теперь берется за темы из древнеримской истории или мифологии. Вскоре он становится признанным главой классицизма как направления в живописи, и его влияние на французское искусство будет сказываться еще очень долго. К этому периоду его творчества относятся и картина «Аркадские пастухи» из коллекции Людовика XIV, приобретенная Лувром в 1685 году. В композиции этого полотна все просто и упорядоченно ясно, она почти симметрична. Все здесь подчинено законам классической красоты -цветовое столкновение холодного неба с теплым передним планом, красота обнаженного человеческого тела на фоне сочной листвы. Картина должна была вызывать у зрителя ощущение покоя и идиллического равновесия. Но даже в это чувство внутренней умиротворенности проникает присущее Пуссену трагическое ощущение жизни. Пастухи, склонясь к плите, читают: Et ego in Arcadia («И я был в Аркадии»), и это наводит их на мысли о смерти. Между 1640 и 1642 годами Пуссен приезжает в Париж, где он был назначен суперинтендантом королевских строений. В этот период художник почти избегает в своем творчестве идиллических сцен, исполненных безмятежной радости. Строгая обдуманность композиции, скульптурная проработка форм, внимательное построение - вот что становится для него главным. Эти картины Пуссена рождены скорее холодным размышлением, чем жаром настоящего вдохновения. Они предельно ясно построены, тонко прописаны и кажутся несколько раскрашенными. Темами для них служили сюжеты, как мифологические, так и библейские, причем последним отдавалось явное предпочтение. Картина «Исцеление слепого» написана на евангельский сюжет. На фоне довольно жестко исполненного пейзажа с живописными образчиками архитектуры среди куп деревьев показана группа людей, состоящая как бы из двух частей: Христос с учениками и группа горожан с коленопреклоненным слепым, до которого Христос дотрагивается рукой. В композиции картины царит холодная ясность. Все правильно, все на месте, все прекрасно прорисовано, но ничего не задевает душу, не заставляет сердце замереть от восторга. Художник словно забыл о своем недавнем увлечении Тицианом.
«Аркадские пастухи» В последние годы жизни Пуссен отказывается от холодного рассудочного искусства и возвращается к истокам. Он пишет ряд пейзажей и несколько автопортретов, которые ему заказывают коллекционеры. «Автопортрет», написанный для Шантелу, покровителя художника, характерен очень спокойной позой и выдержан в крайне сдержанной цветовой гамме. С темного пространства холста на нас смотрит пожилой человек, проницательный взгляд которого и сама поза говорят о его властности и ощущении собственной значимости. Портрет имеет и аллегорический смысл: на заднем плане изображена женщина с «третьим глазом» -эмблемой зрения. Она как бы выражает живопись. Видны и две руки, желающие обнять женщину, - это должно означать любовь к живописи. Полотно приобретено для коллекции Лувра в 1797 году. «Автопортрет» |
Клод Лоррен
|
«Сельский праздник» Клод Лоррен (настоящее имя Клод Желле) родился в 1600 году в Лотарингии. В 1613 году он приехал в Рим, где учился затем у Агостино Тасси. С этого времени вся его жизнь связана с Римом. Тем не менее, он всегда считался французским художником. Нередко его называют мастером декоративного пейзажа, ставя в упрек то, что места, которые он любил изображать, в действительности не существуют. Этот малообразованный человек едва умел подписывать свое имя и не владел рисунком в том понятии, которое существовало в его время. Он прошел долгий путь до того, как стать живописцем, но добившись своего, выразил в своих пейзажах едва ли не самое глубокое и высокое понимание природы, которым жил его век. Природа у Лоррена величавая, прекрасная, дающая простор человеку и его благороднейшим чувствам. В его пейзажах много воздуха и света, но света, не противопоставленного тени и мраку, а света торжествующего, насквозь пронизывающего все предметы. Картина «Прибытие Клеопатры в Таре» из коллекции Людовика XIV -идиллическая сцена с несколькими людьми на первом плане. Но сама сцена лишь дает толчок воображению (недаром выполнять подобные фигурки художник предоставлял другим живописцам, а сам предпочитал изъясняться языком пейзажной живописи). Художником мастерски исполнены тональные переходы от желто-розового рассеянного свечения солнца в центре картины через вуаль легких, почти прозрачных облаков до безмятежно глубокого лазурно-голубого небосвода и живых, подвижных бликов на волнующемся море. Где-то высоко в небе вместе с облаками спокойно парят уносимые куда-то незримым движением воздуха птицы. Вода разделяет картину на две неравные части, добавляет глубину перспективе и как бы отдаляет от зрителя и подошедшие к причалу корабли, и сам причал с толпящимися на нем людьми в ярких одеждах, и величавую архитектуру построек на берегу. Большие купы деревьев, возвышающиеся над прекрасными зданиями, и изящные парусные корабли с другой стороны, огораживают, как театральные кулисы, все происходящее на первом плане. Почти у горизонта видны силуэты кораблей. Золотой диск солнца близится к горизонту, и его лучи превращают все, чего коснутся, в расплавленное золото.
Вода на первом плане выглядит сине-зеленой, почти черной; вдали, расплавляясь в последних лучах заходящего солнца, она уводит нас до самого горизонта. В этом преобладании поворотов, зеркальных отражений угадывается чарующая гармония и мирная закономерность мироустройства. Картина не имеет угловатостей, здания на ней округлы и напоминают купы деревьев. Окутанные дымкой корабли незаметно переходят в клубящиеся золотистые облака, и этим создается впечатление неделимого единства всей природы. Плавные подъемы и спуски контуров вносят в картину нечто убаюкивающее. Светлая и просторная даль в центре картины успокаивает взгляд и плавно увлекает за собой в неведомую, но прекрасную перспективу. От картин Лоррена веет сладостным спокойствием и умиротворением. Примером тому служит идиллическое полотно «Сельский праздник», написанное Лорреном в 1639 году. «Прибытие Клеопатры в Таре»
|
Антонис ван Дейк
|
«Карл 1, король Англии, на охоте» Антонис ван Дейк родился в Антверпене в 1599 году. Совсем молодым он попал в мастерскую Рубенса, где и произошло его формирование как художника. Он лучше всех усвоил язык своего учителя, даже в очень ранних работах ван Дейка хорошо видна его ярко выраженная индивидуальность. Это особенно заметно в портретах, в написании которых он быстро достиг такого мастерства, что в некоторых из них даже превзошел своего учителя. С 1621 года по 1627 год художник путешествует по Италии, где знакомится с творчеством мастеров XVI века. В Генуе он выполнил несколько портретов местной знати. Последние десять лет своей жизни ван Дейк провел в Англии, при дворе короля Карла I. Портреты ван Дейка легко отличить по напряженной внутренней жизни, которая светится в глазах моделей художника. В портретах в рост фигуры мужчин при всей грации сохраняют подлинное величие. Но наибольшее внимание притягивают лица с тонкими чертами, чуть нахмуренными бровями, холодным и даже жестоким взглядом. В первой половине XVII века никто кроме ван Дейка не мог создать образ утонченно-интеллектуального человека, уверенного в себе, спокойного и воспитанного. При английском дворе художник имел огромный успех. Парадный портрет «Карл I, король Англии, на охоте» - это внушительное по размерам полотно, написанное по заказу. В этой картине художник попытался соединить парадный портрет с почти жанровой трактовкой. Король запечатлен непринужденно стоящим на краю обрыва, за которым виднеется уходящее к горизонту море с бегущим по волнам кораблем. Все на полотне подчинено фигуре короля. Он смотрится ярким силуэтом на фоне бескрайнего светлого неба и темной земли. Купы деревьев, склоненная голова лошади и две фигуры егерей не занимают внимания и выглядят скорее кулисой. Голова, в черной широкополой шляпе, повернута к зрителю, а рука опирается на трость, что придает фигуре короля царственное величие. Для коллекции Лувра портрет приобретен Людовиком XJV в 1775 году. Вкус и интуиция Карла I как коллекционера и мецената не подвергаются сомнению. К сожалению, эти качества не были оценены его соотечественниками. Во время английской революции его коллекции были распроданы и пополнили собрания Франции и Испании. Тем не менее, аристократизм живописной манеры, перенятый у ван Дейка английскими портретистами, принес свои великолепные плоды в следующем, XVIII веке. |
Якоб Йорданс
|
«Бобовый король, или Празднование Дня благословения»
Якоб Йорданс родился в Антверпене в 1599 году. Он был на шестнадцать лет моложе Рубенса; они оба начинали учиться у одного и того же мастера - Адама ван дер Норта, на дочери которого Йордане позднее женился. В 1615 году он вступил в антверпенскую гильдию Святого Луки. Художник никогда не покидал своего родного города и знакомился с изобразительным искусством других стран по многочисленным гравюрам, привозимым в Антверпен Рубенсом. С этим гениальным творцом Йордане дружил вплоть до его смерти. Живя бок о бок с Рубенсом, он сумел не поддаться влиянию старшего товарища и сохранить самобытность своего таланта. Для его живописи характерна привязанность к грубой земной правде. У Йорданса были две любимых темы - «Праздник бобового короля» и «Сатир в гостях у крестьянина». Он варьировал их в самых разных ситуациях. Все, что есть в человеке полнокровного, но и грубого, даже скотского, собрано художником в картинах на эти темы и превращено в великолепную и запоминающуюся живопись. В своих произведения художник вплотную приблизился к жизни голландского народа, показал его быт и характер, сделал для нас близкими и понятными его будни и праздники. Приобретенная Лувром в 1793 году картина «Бобовый король, или Празднование Дня благословения» -не утонченное изображение пира, нет, на полотне показан простой народный праздник со всеми его радостями, шумом и излишествами. Люди всех возрастов тесно сгрудились за столом: украшенный короной старик, уже изрядно захмелевший, рассеянно продолжает пить вино; возвышающийся над ним юноша занят тем, что наполняет опустевшие бокалы; пышнотелая красавица в центре картины ждет, когда наполнят и ее бокал, ее обнимает сильно подвыпивший старик в шутовском колпаке. Заздравные выкрики, звон стекла, звуки музыки почти осязаемо наполняют пространство картины. Фигуры на картине Йорданса могучими объемами выступают из темного фона. Они удивительно жизненны и материальны, кажется, что их можно потрогать. Художник был превосходным колористом, его живопись так же густа и материальна, как и изображение. Он предпочитает насыщенные земные тона. Звучание красного, зеленого, белого в картине наполняет ее ощущением радости простого бытия. |
Жорж де Латур
|
«Шулер с бубновым тузом» Еще в начале XX столетия никто не знал имени этого живописца. Только в 1915 году удалось объединить разрозненные сведения о шедеврах неизвестного мастера, хранящихся в провинциальных музеях Франции, и выяснить имя автора - Жоржа де Латура. Теперь уже можно точно сказать, что художник родился в 1593 году в Лотарингии в семье булочника. В страшное время, в которое он жил, Лотарингия еще не входила полностью в состав Франции, и шла нескончаемая борьба за обладание ее землями. Вдобавок по стране не раз прокатывалась волна религиозных войн. Вплоть до 1617 года мы ничего не знаем о жизни Латура. Но в его брачном контракте содержится запись, что женится Латур-живописец, следовательно, в этот период он уже активно занимался живописью и был известен как художник. Известно также, что в 1620 году он перебрался в Люневелль, который в то время был одной из резиденций герцога Лотарингии. Видимо, до смерти герцога в 1624 году Латур в основном работал для двора и получал ряд привилегий; затем его основными заказчиками становятся богатые горожане. В тридцатые годы XVII века Лотарингия окончательно переходит под власть французской короны, и Латур в 1639 году получает официальный титул - Ординарный живописец короля. Он добивается признания и финансового успеха. В 1642 году в письме к французскому наместнику горожане причисляют художника к самым богатым людям города. Латур имел большую семью: у него было десять детей, но смерть часто гостила в доме, и только трое его наследников пережили своих родителей. Рассматривая творчество художника, можно вполне утверждать, что на него большое влияние оказала школа Караваджо. Расположение Лотарингии между Германией, Францией и Нидерландами предопределило и влияние на Латура голландской жанровой живописи. В своем творчестве он пристрастился к ночному освещению, свет в живописи привлекал его главное внимание. Картина «Шулер» (или «Шулер с бубновым тузом») стоит несколько особняком в творчестве художника. Когда были известны только «ночные» картины художника (где освещение воспроизводилось с помощью свечи), его авторство в «Шулере» вообще подвергалось сомнению, несмотря на то, что картина была датирована и подписана. Но теперь, когда найдены и другие подобные картины, схожесть композиционного решения и трактовки образов не позволяют сомневаться в его авторстве. На темном фоне картины, приобретенной для Лувра в 1972 году, выделяются яркие силуэты людей, играющих в карты. Сидящий слева мужчина прячет за спиной руку с зажатым в ней тузом. Латур дает всем играющим точную психологическую характеристику. Недоверчиво скосила взор на шулера красивая дама в модном тюрбане, протягивающая руку за следующей картой. Углубленно смотрит в свои карты еще совсем молодой богато одетый юноша. С интересом наблюдает за всем этим служанка, наливающая вино. Лицо шулера скрыто в тени и не обращает на себя внимания, зато рука за спиной с зажатым в ней тузом сразу бросается в глаза. Подробно, с материальной точностью выписаны драгоценности и костюмы персонажей: тут и зеленоватое сукно камзола шулера, и узоры на рукавах служанки, и коричневый бархат платья дамы, и атлас, шитый золотом, в костюме юноши. |
Бартоломео Эстебан Мурильо
|
«Маленький нищий» Бартоломео Эстебан Мурильо родился в Севилье в 1618 году. Он начал обучаться художественному мастерству у родственника по материнской линии, живописца Хуана дель Кастильо в 1633 году, а в 1645 году получил свой первый крупный заказ на серию картин для монастыря Сан-Франциско в Севилье. В Севилье этого времени господствовала школа реалистического направления, связанная с творчеством Сурбарана, у которого Мурильо заимствовал интерес к сильным световым контрастам и скульптурно-четкой передаче объемов. Он долгое время пользовался большой известностью, его даже предпочитали Сурбарану. Легкость дарования Мурильо делала его творения общедоступными, плодовитость помогала известности, его называли Рафаэлем Севильи. Помимо обязательных для каждого испанского живописца картин религиозного содержания, он писал и много картин на бытовые темы. Излюбленными сюжетами художника было изображение уличных мальчишек, маленьких нищих. В таких картинах он достигал удивительной проникновенности и искренности изображения. Картина «Маленький нищий», приобретенная Лувром в 1858 году, относится к ранним работам мастера. В ней с замечательной правдивостью изображена сидящая фигура маленького уличного мальчишки. Луч света, проникающий в открытую дверь, ярким пятном выхватывает эту фигурку из мрака помещения. Неторопливая кисть художника ведет обстоятельный рассказ и о склоненном к рукам лице мальчика, внимательно высматривающего закопавшееся в лохмотья насекомое, и о его загорелых руках, крепко сжимающих полотно грязной рубашки, и о худых коленях и грязных ступнях. На первом плане художник расположил выписанный с сурбарановской материальностью натюрморт, состоящий из глиняного кувшина, соломенной сумки с яблоками и нескольких валяющихся на полу креветок. Об этой картине можно сказать, что в ней художник предвосхищает реализм XIX века. |
Рембрандт Харменс ван Рейн
|
«Автопортрет с золотой цепью Рембрандт ван Рейн родился в Лейдене в 1606 году. На годы ученичества он приезжает в Амстердам, где поступает в мастерскую художника Ластмана. По окончании учебы в 1625 году начинает свою творческую жизнь в Лейдене. Но в 1631 году художник вновь и теперь навсегда оставляет Лейден и переселяется в Амстердам, с которым будет связана вся последующая жизнь мастера. Уже в первые годы пребывания в Амстердаме он пользуется успехом, в первую очередь благодаря своим портретам. Хотя Рембрандт еще очень молод, у него появляется много учеников. Он становится самым популярным портретистом города. В 1634 году он женится на Саскии ван Эйленбург, происходившей из богатой амстердамской семьи. Брак сблизил его с состоятельными кругами общества. На протяжении всей своей жизни Рембрандт написал великое множество автопортретов. По ним с удивительной точностью можно проследить, как на протяжении жизни меняется мироощущение художника. «Автопортрет с золотой цепью» принадлежит к ранним автопортретам художника и написан накануне женитьбы. С картины смотрит лицо молодого, очень уверенного в себе человека. Успех, любовь, богатство -все для него достижимо, все ему по плечу. В 1642 году происходит коренной перелом в творчестве и жизни художника - умирает его горячо любимая жена - Саския. Это не только нанесло тяжелый удар по его личности, но и содействовало тому, что связи художника с амстердамской знатью заметно ослабели. В том же году Рембрандт пишет групповой портрет стрелковой роты, известный под названием «Ночной дозор». В этой работе художник решительно меняет тип сложившегося в Голландии группового парадного портрета, пытаясь представить его как жанрово-историческую картину. Смелое воображение мастера не пришлось по вкусу заказчикам, и дело довели до суда. Все это имело серьезные последствия в жизни художника, он постепенно терял известность, которую в молодости так быстро завоевал. В конце концов художник остается почти один, с годами его забывают, он больше никому не нужен.
Вирсавия Его дела идут далеко не блестяще, доходит даже до судебной тяжбы с домоправительницей. В 1656 году его дом и любовно собранные коллекции были проданы с молотка. Но беды и душевные переживания не остановили творческого развития художника. Перестав быть модным портретистом, он стал видеть зорче, круг его наблюдений расширился. Среди близких людей и ценителей он больше не зависел от вкусов общества и полностью отдавался своим исканиям. Ему раскрылась красота обыденности, он серьезнее и глубже взглянул на задачи искусства. После смерти первой жены в жизнь художника вошла другая женщина. Хендрикье Стоффельс сначала была служанкой в доме художника. Ее открытость и бесконечная доброта помогли Рембрандту пережить все навалившиеся беды. Она стала верной спутницей мастера, матерью его сына, любимой моделью. Хендрикье позировала и для «Вирсавии».
В пятидесятых годах XXVII столетия Рембрандт все реже получает заказы на портреты, но потребность писать живое человеческое лицо у него не ослабевает. Он пользуется любой возможностью, чтобы пригласить в мастерскую людей, с которыми сводит его судьба. Самые светлые образы, созданные художником, - это портреты близких родных и друзей, которых он писал многократно. Особой проникновенностью отличаются портреты спутницы художника, приветливой и бесконечно доброй Хендрикье, и болезненного, хрупкого юноши - сына Титуса.
Рембрандт умер в возрасте шестидесяти трех лет, Хендрикье умерла на два года раньше. Это было новой большой трагедией в жизни мастера. Уже после смерти жены он завершает одну из своих последних работ - «Автопортрет за мольбертом». Из глубин теплого темно-коричневого фона с полотна смотрит полное сдержанного достоинства лицо мастера, все остальное как бы растворяется в темноте, и только руки, держащие палитру, привлекают внимание зрителя. Этот автопортрет стал первой работой Рембрандта в Лувре. Он был приобретен проницательным Людовиком XIV, приказавшим скупить все оставшиеся после смерти художника работы. Именно этому королевскому решению Лувр обязан столь обширной коллекцией работ великого мастера. «Автопортрет за мольбертом» |
http://bibliotekar.ru/muzeumLuvr/37.htm
Серия сообщений "Лувр":
Часть 1 - Лувр:Архитектура.
Часть 2 - Музей Лувра(1)
...
Часть 22 - Лувр:шедевры мировой живописи(1)
Часть 23 - Лувр:шедевры мировой живописи(2)
Часть 24 - Лувр:шедевры мировой живописи(4)
Часть 25 - Лувр:шедевры мировой живописи(5)
| Рубрики: | Живопись Сокровища музеев мира |
| Комментировать | « Пред. запись — К дневнику — След. запись » | Страницы: [1] [Новые] |
Питер Пауль Рубенсродился в 1577 году в Германии. После смерти отца семья в 1589 году переезжает в Антверпен, где Рубенс получил сначала гуманитарное образование, потом учился живописи в мастерской Адама ван дер Норта. В 1598 году он вступил в Антверпене в гильдию Святого Луки. Рубенс с первых шагов своей творческой деятельности пользовался огромным и вполне заслуженным признанием. Он писал картины для княжеских дворов Мантуи, королевских Мадрида, Парижа, Лондона и, конечно, Антверпена. Его буквально преследовали и церковники, требуя росписи алтарей храмов. Успех окрылял мастера, вселяя в него уверенность в своих силах. В 1620 году, к сорока трем годам, Рубенс достиг расцвета мастерства живописца. Он только что закончил роспись плафона для церкви иезуитов в Антверпене, которым положил начало распространению барокко на севере. Безгранично уверенный в своих силах, он искал новый крупный заказ, теперь уже на светскую тему. Ив 1621 году художник был вызван в Париж для выполнения очень большого заказа даже в его понимании. Ему предстояло написать цикл огромных картин (всего 21) о жизни королевы-матери Марии Медичи. Они предназначались для одной из галерей Люксембургского дворца, в который, помирившись со своим сыном, королем Людовиком XIII, она хотела вернуться. Рубенс без колебаний принял заказ и сразу приступил к его выполнению. Он трезво оценивал все трудности, связанные с личностью заказчицы, дурной нрав которой, жадность, капризность и тщеславие были хорошо известны. Это продиктовало Рубенсу выбор метафорического пути в раскрытии заданной темы. Биографические эпизоды жизни королевы были трактованы крайне условно.
В этой картине, написанной в 1654 году, художник только начинает путь к осознанию красоты повседневного. Трактовка столь любимого живописцами библейского сюжета здесь сведена до естественной бытовой сцены. В обнаженной фигуре, что необходимо по иконографии сюжета, совсем не чувствуется царственной повелительности будущей матери царя Соломона. На темном фоне мягким светлым силуэтом, как бы растворяясь в воздухе, выделяется фигура Вирсавии. Она не блещет красотой в обычном понимании этого слова. В ее облике больше теплоты и милостивости, чем ослепительного сияния. Ее рука сжимает только что полученное письмо, весь ее облик говорит о трудности принятия связанного с ним решения. Перед Вирсавией склонилась старая служанка, подстригающая ногти хозяйки. Всем своим видом она как бы подчеркивает простоту и заурядность происходящего.
