Цитата сообщения Парашутов КОЛЛЕКЦИЯ АВТОПОРТРЕТОВ (ЧАСТЬ 142 - ГАЛЕРЕЯ УФФИЦИ Глава VII - ЖЕНСКИЕ АВТОПОРТРЕТЫ ИЗ ЗАПАСНИКОВ (окончание))

Прежде, чем закрыть тему женских автопортретов в Галерее Уффици, хлчу сказать, что в каталоге той самой выставки 2010 года указано еще более сорока имен художниц ХХ века, но я выбрал тех, чьи имена меня заинтересовали и чьи автопортреты нашел. Итак, представляю очередной вернисаж.



Isabel Bishop Autorritrato. 1928 г. Galleria Uffizi, Depositi

Изабель Бишоп
Isabel Bishop

3 марта 1902, Цинциннати, штат Огайо - 19 февраля 1988

Американская художница и график, которая написала многочисленные картины и гравюры, изображающие работающих нью-йоркских женщин.
Изабель выросла в Детройте, штат Мичиган, в 16 лет девушка переехала в Нью-Йорк и поступила в Школу декоративно-прикладного искусства для женщин. После двух лет учебы Бишоп забросила изучение иллюстративного искусства и решила заниматься живописью, для чего перешла в Лигу студентов-художников, где училась в течение четырех лет до 1924 года. Педагогом Изабель был Кеннет Хайес Миллер (Kenneth Hayes Miller, 11 марта 1876 – 1 января 1952), который учил своих студентов методике, основанной на эпохе барокко и фламандской живописи. В начале 1920-х годов Бишоп также училась в Вудстоке, штат Нью-Йорк. Хотя Изабель никогда серьезно не занималась пейзажной живописью, многие из ранних картин представляют собой деревья, натюрморты и уличные пейзажные сцены. Выполнялись они часто на картоне, а поскольку художница была очень самокритична, то многие из этих работ были ею уничтожены.
В 1920-х и 1930-х годов Бишоп разработала свой индивидуальный стиль, основанный на реализме и изображении женщин в их повседневной жизни на улицах Манхэттена. На картины художницы оказали большое влияние творчество Питера Пауля Рубенса и других голландских и фламандских художников, с творчеством которых художница познакомилась во время поездки в Европу.
В 1932 году Бишоп показала свои картины в недавно открытой галерее Мидтаун, там она будет представлять свои работы на протяжении всей карьеры. В 1936-1937 годах художница преподавала в Лиге студентов-художников. С 1934 по 1984 год Бишоп творила в своей студии на одной из центральных площадей Нью-Йорка. В своих зрелых работах она изображала жительниц площади, сотрудниц офисов, которые находились тут же, писала панорамные пейзажные этюды и социальные сцены, например, турниры по гольфу. В творчестве Бишоп есть и портреты (в основном, этюды голов) и ню.
В послевоенные годы Бишоп всё чаще писала уличные сцены Нью-Йорка. Подпись художницы менялась много раз, начиная от использования псевдонимом, инициалов до полного имени. Бишоп активно выставлялась, получила немало наград, в том числе, Орден за выдающиеся достижения в области искусства, полученный из рук президента Джимми Картера в 1979 году.






Isaline Crivelli Autorritrato. 1949 г. Galleria Uffizi, Depositi

Изалина Кривелли
Isaline Crivelli

1903, Кредера ‐ 1988, Санкт-Мориц

Швейцарская художница.
О художнице практически нет информации. Кроме того, что Кривелли писала пейзажи, цветочные натюрморты и портреты, которые были представлены на выставке в миланской галерее «Красный мост» в 2002 году. А еще, если это та Изалина Кривелли, а не полная тезка, то нашел информацию, что она принимала участие в зимних Олимпийских играх 1936 года по горнолыжному виду спорта.



Adriana Pincherle Autorritrato. Galleria Uffizi, Depositi

Адриана Пинкерле
Adriana Pincherle

1909, Рим – 1996, Флоренция

Итальянская художница, сестра писателя Альберто Моравиа.
Адриана родилась в богатой семье венецианского еврея, архитектора и художника Карло Пинкерле, который не работал по специальности, а был инженером, и католички благородного происхождения Терезы Иджинии (Джины) де Марсанич, родом из Далмации. В семье было четыро детей. В детстве Адриана дружила со старшим братом Альберто, который позже стал известен под именем Альберто Моравия. Кроме них в семье росла дочь Елена (1909-2006), вышедшая замуж за посла Карло Чимино, и сын Гастоне (1914-1941), погибший во время второй мировой войны в бою за город Тобрук в Ливии.
После окончания гимназии, Адриана поступила в бесплатную Школу обнаженной натуры (Scuola libera del nudo). Впервые она представила свои работы в феврале 1931 года на «Первой выставке римского искусства женщин» в галерее Рима. В марте 1932 года Союз художников региона Лацио организовал первую персональную выставку художницы в галерее Рима, где она экспонировалась вместе с художником и скульптором еврейского происхождения Коррадо Кальи (Corrado Cagli, 1910–1976). В 1933 году Адриана вместе со своим двоюродным братом, лидером антифашистского движения «Справедливость и свобода» Карло Росселли впервые совершила путешествие в Париж. Там художница изучала творчество импрессионистов и Матисса, которые оказали большое влияние на ее дальнейшее творчество. В том же 1933 году большая персональная выставка Пинкерле прошла в зале Национального искусства во Флоренции. В 1934-35 годах художница выставила две свои работы на II Квадринале в Риме и участвовала в выставке современного итальянского искусства, которая прошла в нескольких городах США. В 1936 году у Адрианы прошла персональная выставка в галерее «Комета» совместно с Екатериной Кастелуччи, а в 1940 году в галерее Генуи совместно с Ренато Гуттузо.
В феврале 1941 года Пинкерле вышла замуж за художника и писателя Онофрио Мартинелли (Onofrio Martinelli , 13 января 1900, Бари – 13 марта 1966, Флоренция), с которым познакомилась несколькими годами ранее в Генуе во время работы над мозаикой одного из общественных зданий, которое было разрушено во время войны.
Супруги поселились во Флоренции, где Мартинелли пригласили преподавать в Академии изящных искусств.
Онофрио неоднократно писал портреты жены - Портрет Адрианы в желтой рубашке, Портрет Адрианы с мехом леопарда, Портрет Адрианы у зеркала, Адриана в зеленой шляпе (картины находятся в музеях Таранто, Бари и Флоренции). В 1943 году Мартинелли открыл свою собственную галерею Санта Тринита во Флоренции, где выставлялись и работы Адрианы. Весной 1948 года художница приняла участие в Национальной выставке изобразительных искусств – V Квадринале в Риме, которая прошла в Национальной галерее современного искусства.
Умерла Адриана Пинкерле во Флоренции в 1996 году в возрасте 87 лет, пережив супруга на 30 лет.



Fausta Rivera Autorritrato. 1951 г. Galleria Uffizi, Depositi

Фауста Ривера
Fausta Rivera

1911 - ?

Итальянская художница жанровых сцен, работавшая в Нови-Лигуре к северу от Генуи, в регионе Пьемонт на северо-западе Италии.



Marianne Gábor Autoritratto con cappello. Galleria Uffizi, Depositi
Marianne Gábor Autoritratto a lavoro. Galleria Uffizi, Depositi

Марианна Габор
Marianne Gábor

26 апреля 1917, Будапешт - ?

Венгерская художница и график.
Родилась в семье Игнаца и Раисы Люсии Изабеллы Габор. Живописи училась сначала в школе живописи Иштвана Сёньи (István Szőnyi, 1894 – 1960), затем в 1935-41 годах в Венгерской Академии изящных искусств у Иштвана Рети (István Réti, 16 декабря 1872 – 17 января 1945). Художница стала активно экспонироваться с 1938 года, принимая участие в групповых и персональных выставках и неоднократно получая награды. В 1939 году Марианна была награждена премией известного коллекционера и арт-дилера Марселя Немеша (1866-1930), в 1940 и 1942 годах – премией Общества Сёньи, в 1941 году – премией венгерского коллекционера барон Ференца Хатвани. Художница часто путешествовала, она посетила Австрию, Бельгию, Францию, Англию, Нидерланды, Италию и Советский Союз. В период с 1941 по 1943 год Габор была членом колонии художников в деревне Зебегень. В 1949 - 1955 годах художница практически не участвовала в выставках. В 1955 году Марианна получает премию Общества венгерско-советской дружбы, в 1958 году становится членом Общества европейской культуры. В 1976 году Габор получает во Флоренции медаль Леонардо, и по этому случаю в Италии проходят персональные выставки художницы. В 1979 году художнице вручается Золотая медаль флорентийской Академии художеств и она становится членом этой Академии. Годом раньше Габор получает награду за заслуги на родине. Габор писала пейзажи, жанровые картины, символистские композиции и ироничные портреты. Картины художницы находятся во многих музейных коллекциях, среди которых Национальная галерея и Национальный музей Будапешта, Национальный музей Берлина и галерея Уффици во Флоренции.



Olga Carol Rama Autorritrato. Galleria Uffizi, Depositi

Ольга Кароль Рама
Olga Carol Rama

17 апреля 1918, Турин

Итальянская художница – самоучка, чьи нетрадиционные картины населяют эротические, а часто и сексуально агрессивные персонажи, в которых доминирует женская чувственность.
Художница родилась в семье производителя велосипедов Амабиле Рамы и его жены Марты Пульяра. Когда девушке исполнилось 15 лет, ее мать госпитализировали в психиатрическую клинику. Через несколько лет ее отец обанкротился и покончил жизнь самоубийством. В 1939 году 21-летняя молодая незамужняя женщина в фашистской Италии осталась сиротой и занялась живописью. Уже тогда она стала создавать образы, которым было сложно пойти государственную цензуру. Неизвестно, кто рассмотрел талант Кароль и организовал ее персональную выставку в 1945 году в галерее Фабер в Турине, но эта выставка была закрыта полицией.
Ранними работами художницы были акварели, в начале 1950-х годов Рама начала включать в свои работы такие предметы, как шприцы для подкожных инъекций или мелкие механические детали. В 1960 году основным материалом для картин художницы стали полоски резины от шин. В конце 1960-х и начале 1970-х годов художница сотрудничала с режиссерами Луисом Бунюэлем и Орсоном Уэллсом, с художниками Мэном Реем и Энди Уорхолом. В одном из интервью художница сказала: «Я не думаю, что у меня были качества, чтобы стать художником». На 50-й Венецианской Биеннале в 2003 году Рама была награждена премией «Золотой лев» за достижения в искусстве. В следующем году ретроспектива работ художницы была организована Фондом Сандретто на ее родине в Турине, на этой выставке было представлено более 150 картин Рамы. За более, чем 60 лет у художницы состоялось почти сорок персональных выставок. Картины Рамы экспонировались в Турине (1946, 1947, 1957, 1959, 1960, 1964, 1970, 1971, 1974, 1975, 1978, 1979, 1980, 1983, 1985, 1989, 1996, 1997, 1998, 1999), Милане (1955, 1976, 1985), городском музее Пистойи (1965), Риме (1967, 1987, 1994), Венеции (1976, 1993), Каваллермаджоре (1981), Мантуе (1988), Новаре (1990), Болонье (1995). С 1990 годов художница выставлялась в туринской галерее Джанкарло Сальцано. В 1997 и 2003 годах работы Рамы увидели жители Нью-Йорка, в 1998 году – Амстердама, в 2002 году – Парижа. Нигде о смерти художницы я не нашел информации, в этом году Ольге Кароль Раме должно исполниться 95 лет.



Maria Lassnig Autorritrato. Galleria Uffizi, Depositi

Мария Лассниг
Maria Lassnig

8 сентября 1919, Каппель в Краппфельде, Каринтия, Австрия

Австрийская художница.
В 1941 году Мария поступила в Венскую Академию художеств, где училась у ректора Академии, участника венского Сецессиона, художника Вильгельма Дахауэра (Wilhelm Dachauer, 5 апреля 1881 – 26 февраля 1951). Но в 1943 году Лассниг была вынуждена покинуть Академию, потому что ее работы были признаны «вырожденческими» (не забывайте, что шла вторая мировая и Австрия была немецкой). И все же Мария продолжала учиться, занимаясь с художниками Фердинандом Андри (Ferdinand Andri, 1871-1956) и модернистом Гербертом Бёклем (Herbert Boeckl, 3 июня 1894 - 20 января 1966). После окончания войны, в том же 1945 году, Лассниг вернулась в Академию и, получив диплом, переехала жить в Клагенфурт-ам-Вёртер-Зее - город на юге Австрии, центр федеральной земли Каринтия. В 1948 году в этом городе состоялась ее первая персональная выставка, на которой художница представила рисунки, названные «сознание тела», и сюрреалистические композиции.
В 1951 году Лассниг переехала в Вену, в том же году в столице она получила Парижскую стипендию для продолжения образования и в 1952 году уехала во Францию, где общалась с одним из основоположников сюрреализма, писателем и поэтом Андре Бретоном (André Breton, 19 февраля 1896 – 28 сентября 1966), писателем Бенджамином Пере (Benjamin Péret, 4 июля 1899 – 18 сентября 1959), художницей-графиком
Жизелью Целан (Gisèle Celan, 19 марта 1927 – 9 декабря 1991) и ее супругом, немецким поэтом и переводчиком румынского происхождения Паулем Целаном (Paul Celan, 23 ноября 1920 – 20 апреля 1970).
В 1954 году Мария снова вернулась в Венскую Академию художеств, в которой продолжила учиться теперь в академическом классе художника и писателя Альберта Париса Гютерсло (Albert Paris Gütersloh, 5 февраля 1887 - 16 мая 1973). В Вене Лассниг присоединилась к кругу художников, объединившемуся вокруг монсеньора Отто Мауэра, коллекционера-священника и основателя галереи «Святой Стефан». Работы этой группы находились под влиянием абстрактного экспрессионизма. Также тесно общалась художница с писателями «Венской группы». Вместе с художником Арнульфом Райнером, Мария считается основателем неофициальной живописи в Австрии.
Между 1961 и 1968 годами художница жила, в основном, в Париже, там были написаны акварели постоянной темы художницы «осознание тела» и двухметровая картина «Конфигурации тела», которая так никогда и не была представлена зрителю.
В 1964 году умерла мать Марии, тема смерти стала неоднократно появляться в ее картинах, у художницы начались проблемы с печенью, все это привело Лассниг к депрессии, и она решила эмигрировать в Америку.
В 1968 году художница переехала в студию в Ист-Виллидж в Нью-Йорке, впрочем, американская критика в начале называла ее работы «странными» и «болезненными». В США Мария стала посещать студию трафаретной печати в Бруклине, научилась шелкографии, а в 1970 году окончила курс в Школе визуальных искусств. В это же время художница купила 16-мм пленочную камеру и увлеклась съемками собственных фильмов.
Графические картины и кинофильмы Лассниг были показаны на большой ретроспективной выставке в Музее графики Альбертина в Вене. Получив в Австрии стипендию ДААД - Германской службы академических обменов, Мария в 1978 году поехала в Берлин.
В 1980 году, по приглашению министра образования Австрии Герты Фирнберг Мария Лассниг вернулась из США в Вену и была назначена профессором живописи в Университете прикладных искусств. Вместе с художником Вали Экспортом (Valie Export, настоящее имя – Вальтрауд Ленер, род. 17 мая 1940), который занимался видео-инсталляциями, боди-артом, кино, компьютерной анимацией, фотографией и скульптурой, Мария представляла Австрию на Венецианской Биеннале в 1980 году. В 1982 году художница основала собственную студию, где проводила мастер-классы по анимации.
Между 1982 и 1997 годами персональные выставки Лассниг прошли в музее ХХ века в Вене, музее изобразительных искусств Дюссельдорфа, выставочном зале Нюрнберга, Музее искусств Люцерна, галереях Каринтии, Хундертмарка, Кельна, Берлина. В 1990-х годах выставки художницы прошли в Париже (Центр Жоржа Помпиду, 1996), Нью-Йорке, Гааге, Франкфурте-на-Майне, Цюрихе, Мюнхене и Риме.
Мария Лассниг неоднократно получала почетные звания и награды. Она – лауреат Австрийский премии визуальных искусств (1975), премии города Вены (1977), австрийской Государственной премии искусств (1988), став первой женщиной-художником, награжденной этой премией, премии имени Оскара Кокошки (1998), премии Рубенса в городе Зиген (2002), кавалер Австрийского Ордена «За заслуги в науке и искусстве» (2005). 18 феврале 2004 года Лассниг была награждена премией города Франкфурта имени Макса Бекмана за «выдающийся вклад в развитие современной живописи» (50 тысяч евро).
На протяжении многих лет художница создала целую серию автопортретов, все они драматичны. Лассниг изображала себя как пельмень или в образе калькулятора, придумывала «говорящие» названия, например, «Натюрморт с красным автопортретом» (Stillleben mit rotem Selbstportrait, 1969).
Для цикла выставок в Венской государственной опере в сезоне 2005-2006 годов художница написала огромное полотно размером 176 м2 «Завтрак с ухом» (Frühstück mit Ohr). В 2008 году выставка последних картин прошла в галерее Серпентин и побывала в Центре современного искусства в Цинциннати, США (2009). К 90-летию художницы в 2010 году большая персональная выставка прошла в Мюнхене, а в следующем году – в Нью-Йорке.



Lucia Innocenti Autorritrato. Galleria Uffizi, Depositi

Лючия Инноченти
Lucia Innocenti

14 февраля 1920, Флоренция – 7 июня 2004, Рим

Итальянская художница.



Janina Kraupe Autoritratto. 1985 г. Galleria Uffizi, Depositi

Янина Краупе-Свидерска
Janina Kraupe-Świderska

родилась в 1921 году в городе Сосновец, Польша

Польская художница и график.
Янина в семнадцать лет, в 1938 году, поступила учиться в Академию изящных искусств в Кракове на курс малоизвестного художника и графика Павла Дадлеца.

Для справки:
Павел Дадлец
Paweł Marian Dadlez

1 февраля 1904 – 18 мая 1940

Польский художник, график и педагог. Дадлец в 1922-1927 годах учился в краковской Академии художеств у Владислава Яроцкого и Яна Войнарского. Затем два года продолжал учебу в парижском отделении Краковской академии у Юзефа Панкевича, после чего еще два года жил в Италии. В 1931 году художник вернулся в Краков и стал работать ассистентом на кафедре рисования в своей альма-матер, а в 1938 году стал профессором общей графики и скульптуры, рисунка Академии. В сентябре 1939 года Дадлец пошел добровольцем на фронт, попал в плен и умер в мае 1940 года в концлагере. Историки пишут о натюрмортах художника, которые напоминают старых голландских мастеров, а также работы Жана Симеона Шардена. Кроме натюрмортов он писал портреты, ню и жанровые картины, выполнял графические рисунки сухой иглой и гравюры на дереве. Картины Дадлеца находятся в Национальном музее Познани, музее Силезии в Катовице и музее Станислава Фишера в Бохнии, городе в 40 км от Кракова.

С началом второй мировой войны Янина Краупе не бросила заниматься, в 1940-1941 годах она училась в оккупированном городе у яркого представителя фольклорно-экспрессионистского направления, одного из лидеров движения «Молодая Польша» (Młoda Polskf), художника Фредерика Паутша (Fryderyk Pautsch, 22 сентября 1877 - 1 июля 1950) в Школе искусства и ремесел (нем. название – Kunstgewerbeschule). Там Янина познакомилась и подружилась со многими художниками послевоенного поколения - Тадеушем Бжозовским, Тадеушем Кантором, Казимиром Микульским и Мечиславом Поребским.
В 1942-1943 годах художница участвовала в деятельности Независимого подпольного театра известного польского художника, режиссера и сценографа Тадеуша Кантора (Tadeusz Maria Kantor, 6 апреля 1915 – 7 декабря 1990). В 1933–1939 годах Кантор учился в краковской Академии художеств на факультете сценографии у профессора К.Фриша. В годы немецкой оккупации создал Независимый театр «Крико», поставив и оформив несколько спектаклей, выступив мастером пластического авангарда.
После войны Краупе продолжила учебу в Академии, проучившись в 1945-1947 годах на факультете станковой живописи у Еугениуса Айбиша (Eugeniusz Eibisch, 30 декабря 1896 - 7 марта 1987), а затем на факультете монументальной живописи у Вацлава Таранчевского (Wacław Taranczewski, 4 марта 1903 – 11 февраля 1987). Параллельно Янина в 1945-1948 годах изучала графический дизайн в студии Анджея Юркевича и Конрада Сжедницкого. С 1948 года и до выхода на пенсию Краупе работала в краковской Академии, в 1980 году получив звание профессора.
Краупе - одна из самых оригинальных польских художниц второй половины ХХ века, с 1957 года ее творчество было связано с группой художников «Краков», затем Янина заинтересовалась культурой Дальнего Востока, сотрудничала с группой «Онейрон» в Катовице, где вместе с художниками Урсула Бролл-Урбанович и Анджеем Урбановичем увлекалась тибетским буддизмом. Историки пишут, что увлечение философией, эзотерикой и оккультными науками появилось у художницы после смерти ее отца в 1950 году. Известны циклы картин Краупе «Метаморфозы» и «Превращения», которые разделяют почти тридцать лет. Первый цикл был написан в 1955-56 годах, второй - в 1984 году.
Янина Краупе-Свидерска неоднократно представляла Польшу на международных выставках: Биеннале в Сан-Паулу (1965), Биеннале в Венеции (1952, 1978), Всемирной выставке в Севилье (1992). Художница получила немало премий и наград: несколько медалей Общества друзей изобразительных искусств, Золотую медаль Ассоциации польских художников и дизайнеров (1977), премию Министра культуры и искусств (1984), премию города Кракова (1997). В 1974 году Краупе стала кавалером Ордена Возрождения Польши. Графические работы неоднократно получали премии на Интернациональной выставке графики в Милане (1981, 1989, 1994, 1995, 1996, 2000, 2001, 2002) и на Международной Биеннале графического искусства в Кракове (1968, 1970). В 1989 году, в честь 85-летия Краупе была награждена медалью Академии художеств. В городской галерее «Арсенал» в Познани (2003) и Национальном музее в Кракове (2006) прошли большие ретроспективы художницы. Картины Краупе находятся во многих музеях и частных коллекциях, в том числе Национальных музеях Кракова, Варшавы, Познани, Вроцлава и Щецина, в Музее искусств в Лодзи, в музеях Бохума, Дортмунда, Дрездена, Флоренции, Женевы , Касселя, Киля, Нью-Йорка, Оксфорда, Сан-Пауло, Вены и Цвиккау. Монографию о художнице в 2008 году написала сотрудница польского Института истории искусств Мальгорджата Китовска-Лысяк, мой перевод этой работы и приводится мной в материале.



Raffaella Pantaleo Autoritratto. Galleria Uffizi, Depositi

Раффаэла Панталео
Raffaella Pantaleo

Родилась в 1921 году

Итальянская художница.



Anna Salvatore Autoritratto. Galleria Uffizi, Depositi

Анна Сальваторе
Anna Salvatore

1923, Рим – 18 мая 1978

Итальянская художница, скульптор и писательница.
Анна училась во Флоренции у художника, графика, архитектора, дизайнера и керамиста Галилео Кини (Galileo Andrea Maria Chini, 2 декабря 1873 – 23 августа 1956) и художника Феличе Карены (Felice Carena, 1879 – 1966). Затем девушка продолжила учебу в Академии изящных искусств в Риме у художника Доменико Пурификато (Domenico Purificato, 1915 – 6 ноября 1984). Профессионально Сальваторе начала заниматься живописью после Второй мировой войны, и быстро стала одной из самых известных представительниц мира культуры и моды, благодаря художественной галерее «Иль Пинчио» (Il Pincio) на площади Пьяцца дель Пополо, в которой художница регулярно выставлялась в 1950 годах. Здесь Сандра познакомилась с поэтом Джузеппе Унгаретти, кинорежиссером Пьером Паоло Пазолини, писателем Альберто Моравиа, литературным критиком Луиджи Силори и др. Художница была замужем за режиссером Паскуале Феста Кампаниле, с которым развелась в 1962 году.
В 1959 году Федерико Феллини предложил художнице небольшую роль в фильме «Сладкая жизнь», в сцене в литературном салоне Анна снялась с актрисой Лаурой Бетти и писателем Леонидом Репати. Сальваторе в течение нескольких лет также работала художником по костюмам в театрах и на телевидении
Критики считают Сальваторе одной из ярких представительниц неореалистической живописи, у которой была навязчивая идея с культом молодости и красоты. Художница написала много автопортретов, в которых часто изображала себя обнаженной с длинными черными распущенными волосами. В 1966 году вышел альбом фотографий Франко Федели «Сублимации Анны», в котором были представлены фотографии обнаженной художницы в разных позах. В 1966 году художница пробовала свои силы в литературе, написав роман «Сублимирую вас!», а спустя два года опубликовала сентиментально-эротический дневник «Страстно, вдвоем».
Анна Сальваторе скоропостижно скончалась в Риме в возрасте 54 лет в своем доме в районе Париоли, сраженная инсультом.



Sandra Brunetti Autoritratto. GAM, Palazzo Pitti, Depositi

Сандра Брунетти
Sandra Brunetti

1925, Рим – живет во Флоренции

Итальянская художница.
Сандра родился в Риме в семье из Эмилии, живет и работает во Флоренции. В юности четыре года она провелав Токио, изучая японские акварели. В Риме Брунетт изучала живопись под руководством художников Джузеппе Капогросси (Giuseppe Capogrossi, 7 марта 1900 – 9 октября 1972), Доменико Пурификато (Domenico Purificato, 1915 – 6 ноября 1984), художника и скульптора Марино Маззакурати (Marino Mazzacurati, 1907 – 1969), художника и критика Виргилио Гуцци (Virgilio Guzzi, 23 декабря 1902 – 9 ноября 1978) и Либеро де Либеро, дизайн Сандра изучала у художника, скульптора и сценографа Антона Пьетро Валенте (Anton Pietro Valente, 1896-1973).
Брунетти известна своими портретами и картинами религиозного содержания. Она написала портреты Джорджо Де Кирико, министра Ламберто Дини, Хильдегарда фон Мюнхгаузена, Сары Черчилль, Донателлы Дини, Раффаэле Монти, Марчелло Ваннуччи и др. Работы художницы можно найти в церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции, церкви Святого Гавриила Архангела в Риме, в монастыре Сан Доменико во Фьезоле и монастыре Сан Доменико в Пистойе, в соборе Ляйлпур в Пакистане и часовне больницы сестер – доминиканок в Кельне, в коллекциях Народного банка в Майнце и банка в Тоскане, а также в частных коллекциях в Италии и за рубежом. Его автопортрет и портрет Марко Гуэрра находятся в запасниках Национальной Галереи Палаццо Питти во Флоренции. Среди важных для художницы выставок – участие во Всемирных выставках искусства в Базеле и Нью-Йорке.



Tinca Stegovec Autoritratto. 1960 г. Galleria Uffizi, Depositi

Тинка Стегович
Tinca Stegovec

родилась 8 апреля 1927 года, Планина, Словения

Словенская художница и гравер, связанная с международной группой художников, известной как «Люблянская Рисовальная школа».
Большая часть ее жизни была посвящена учебе, путешествиям, журналистике и переводам. В 1954 году состоялась первая персональная выставка гравюр и рисунков Стегович в Малой галерее в Любляне. В 1963 году Тинка получила полугодовую стипендию для обучения в Париже, именно там художница и решила заняться гравюрой, обучаясь у профессора Стэнли Уильяма Хейтера в его легендарной студии «Ателье 17» в Париже. Однако, по состоянию здоровья художнице пришлось отказаться от гравирования после 1988 года и посвятила себя полностью живописи. Стегович подарила все свои гравюры с матрицами, четыре рисунка и большую часть своей профессиональной библиотеки Международному Центру графических искусств Любляне.
В 1966 году состоялась первая персональная выставка Стегович за рубежом. В 1985 году графическая серия художницы под названием «Призыв» (Klic), созданная в 1978 году, получила серебряную медаль на выставке в Париже. Критики пишут о Тинке, как об «очень образном художнике, тонком наблюдателе окружающего мира и человеческих отношений», а о картинах художницы писали, что это – «глубоко личные истории с тщательно подобранными визуальными средствами».



Yayoi Kusama Autoritratto. 2010 г. Galleria Uffizi, Depositi

Яёй Кусама
Yayoi Kusama
草間 彌生

Родился 22 марта 1929 года в Матсумото, префектура Нагано, Япония

Японская художница и писательница, яркая представительница поп-арта, минимализма и феминистского движения в искусстве, признана одной из самых известных представителей японского авангарда из ныне живущих художников. Находилась под влиянием американца Энди Уорхола и голландца Клааса Ольденбурга. На протяжении всей своей карьеры Кусама занималась живописью, коллажом, скульптурой, работала в различных средствах массовой информации.
Яёй родилась в зажиточной семье торговца рассадой и была четвертым ребенком. Историки пишут, что интерес к искусству она проявила в раннем возрасте, при этом пережила тяжелые галлюцинации и навязчивые мысли, часто суицидального характера. Позже художница вспоминала, что в детстве она страдала от физического насилия со стороны матери. В 1948 году девушка ушла из дома и поступила учиться в старшие классы муниципальной Школы искусств и ремесел в Киото, где стала изучать живопись «нихонга», строгий формальный стиль живописи, разработанный в период Мэйдзи. Вообще-то, словом «нихонга» в Японии называют всю национальную живопись в целом - с начала ее развития в эпоху Хэйан (794–1185) и до сегодняшнего дня, в отличие от иностранных произведений и произведений японских мастеров, работающих в западной манере. В следующем году Яёй окончила школу, о которой потом вспоминала тоже с содроганием. «Когда я думаю о моей жизни в Киото, я чувствую, что сейчас вырву» - говорила художница.
Разочарованная тем, что нужно было изучать только японский стиль, тем более, по жесткой системе подчинения учеников сенсею, молодая художница заинтересовалась европейским и американским авангардом, и даже устроила несколько персональных выставок в Мацумото и Токио в 1950 году.
К 1950 году Кусама уже почти сформировала свой фирменный стиль, рисуя акварелью, гуашью и маслом в основном на бумаге. Она покрывала поверхность бумаги (с начала 1960-х годов – холстов, стен, полов, предметов быта и обнаженных моделей) орнаментом в «горошек», который станет фирменным знаком ее работ и который сама художница называла «бесконечностью сетей», взятых из своих галлюцинаций. Еще в 1939 году в возрасте 10 лет Кусама нарисовала японскую женщину в кимоно (предположительно, это был портрет матери), которая была вся покрыта круглыми пятнами.
Сама художница говорила: «Горошек имеет форму Солнца, которое является символом энергии всего мира и нашей жизни, а также форму Луны, которая спокойна. Круглый, мягкий, яркий, бессмысленный и ничего не подозревающий горошек стал движением ... движением до бесконечности». Первая серия крупномасштабных картин тоже называлась «Бесконечность Сети», где все картины были полностью покрыты последовательными точками.
Пожив немного в Токио и побывав во Франции, Кусама в возрасте 27 лет переехала в Соединенные Штаты, где прожила 15 лет. Поселившись сначала в Сиэтле, через год Яёй перебралась в Нью-Йорк, познакомившись и подружившись с американской художницей Джорджией О’Киф (Georgia Totto O'Keeffe, 15 ноября 1887 – 6 марта 1986). В Америке художница подготовила серию картин под влиянием абстрактного экспрессионистского движения, кроме картин, Кусама делала скульптуры и инсталляции, которые стали непременным атрибутом нью-йоркского авангарда и поп-арта и сделали художницу лидером авангардного движения. В 1959 году в Нью-Йорке прошла первая персональная выставка художницы, на которой она показала ряд белых чистых картин. Эти работы с энтузиазмом были приняты ее коллегами Дональдом Джаддом и Фрэнком Стелла, которые даже приобрели несколько работ с выставки. В 1962 году Кусама была единственной женщиной-художником, которая приняла участие в широко известной международной выставке «Нуль» (Zero) в музее Амстердама.
В 1961 году Кусама переехала в студию к Дональду Джадду и скульптору Еве Гессе, которая стала ее близким другом. В течение следующих лет художница очень продуктивно работала, но ее творчество не приносило финансовой прибыли. В 1966 году она экспериментировала с инсталляциями, которые включали зеркала, фары и музыку. Примерно в это время Кусама была госпитализирована по причине переутомления, ее подруга О'Киф уговорила собственного дилера Эдит Герберт приобрести несколько работ художницы, чтобы помочь ей преодолеть финансовые трудности.
Поддерживая рост движения хиппи, в конце 1960-х годов Кусама привлекла внимание общественности своими инсталляциями в Центральном парке и на Бруклинском мосту, в которых обнаженные участники были выкрашены в яркий горошек. Сами мероприятия были организованы в знак протеста против войны во Вьетнаме. Художница даже написала открытое письмо президенту Ричарду Никсону, в котором предложила ему секс, если он остановит войну во Вьетнаме.
Между 1967 и 1969 годами художница провела неоднократно перформансы с раскрашенными в горошек обнаженными исполнителями в Саду скульптур в Музее современного искусства. Кусама также открыла студию обнаженной живописи и гей-клуб под названием «КОК» - от Kusama Omophile Kompany.
В 1966 году Кусама впервые приняла участие в 33-й Венецианской Биеннале, представив на выставке инсталляцию «Сад Нарцисса», состоящую из сотни зеркальных сфер на открытом воздухе, которая получила название «кинетического ковер». Сама художница, одетая в золотое кимоно, продавала зеркала по цене 1200 лир ($ 2). Об этой «распродаже» пресса писала, как о коммерциализации арт-рынка. Варианты сада Нарцисса были представлены по всему миру, включая Дижон (2000), Брауншвейг (2003), Центральный парк в Нью-Йорке (2004), сад Тюильри в Париже (2010).
В Нью-Йорке Кусама десять лет поддерживала отношения (типа брака, но как пишут историки – бесполые) с американским художником Джозефом Корнеллом, который был влюблен в художницу и питает романтическую привязанность к своей «жене» по сей день.
В 1973 году Кусама вернулась в Японию по состоянию здоровья. Став арт-дилером, она пыталась в течение нескольких лет наладить бизнес, но после серии психических расстройств, в 1977 году добровольно легла в психиатрическую больницу, где и проведет остаток своей жизни. В больнице Кусама занялась литературной деятельностью, написав и опубликовав восемь романов, сборник стихов и автобиографию. Кусама часто говорила: «Если бы не было искусства, я бы давно уже убила себя».
Одно- или двухцветные абстрактные картины Кусамы сравнивают с работами Джексона Поллока, Марка Ротко и Барнетт Ньюман. Когда художница покинула Нью-Йорк, она была практически забыта, как художник.
После успеха японского павильона на Венецианской Биеннале в 1993 году и ряда ретроспективных выставок международный интерес к ее творчеству возродился. В Венеции в зеркальной комнате были представлены небольшие скульптуры тыкв, покрытых черными пятнами. Художница считает тыкву своего рода своим альтер-эго или автопортретом.
Ретроспективы ее работ были проведены в Музее современного искусства, Центре международного современного искусства Нью-Йорка и Музее Уитни в США, Галерее современного искусства Тейт в Англии (2012), в Париже, Дижоне, Тулузе (Франция, 2000), Оденсе (Дания), Вене, Сеуле (2001-2003) Сиднее и Веллингтоне (Новая Зеландия, 2009). В июле 2011 года работы Кусама были представлены на выставке в Музее королевы Софии в Мадриде, Испания. Регулярно проходили выставки и в Японии - муниципальном музее искусств в Китакюсю, префектура Фукуока (1987), Национальном Музее современного искусства в Токио (1998-99, 2004), Музее современного искусства в Канноро, Хоккайдо. В 2008 году на нью-йоркском аукционе Кристи картина Кусамы была продана за 5,1 миллиона долларов. Надо отметить, что даже находясь в больнице, художница продолжает заниматься творчеством. Ее студия, где художница работала, начиная с середины 1970-х годов, находится в нескольких минутах ходьбы от больницы в токийском районе Синдзюку. На сегодняшний день Кусама завершила несколько крупных скульптурных заказов, в основном, это яркие растения и цветы для государственных и частных учреждений и музеев, в числе которых Муниципальный музей искусств в Фукуоке, городской музей искусства в Матсумото, парк Беверли сад в Лос-Анджелесе, музей в Лилле, Франция. В 1998 году Кусама реализовала росписи для станции метро в Лиссабоне. В 2010 году Кусама разработала дизайн для городских автобусов, проект она назвала «Дикие танцы танцующих точек», несколько расписанных автобусов ходят по маршруту в ее родном городе Мацумото. В 2011 году художница получила заказ на дизайн карт для лондонского метро. В 2012 году Кусама планировала провести в Лондоне инсталляцию «Тысяча глаз» (изображение на полу глаз), посвященную королеве Елизавете II.
Интересно, что уже находясь в клинике, Кусама получила множество наград, в том числе премию Асахи (2001), Орден искусств и литературы (2003), Национальную премию за заслуги и орден Восходящего Солнца (2006). В октябре 2006 года Яей Кусама стала первой японской женщиной, получившей Императорскую премию - одну из самых престижных наград Японии.
Работы Кусама находятся в коллекциях ведущих музеев по всему миру: Музее современного искусства в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, Музее искусств округа Лос-Анджелес,Центре искусств Уолкера, Минниаполис, Тейт Модерн в Лондоне, Музее Стеделейка в Амстердаме, Центре Помпиду в Париже, Галерее Уффици во Флоренции и Национальном музее современного искусства в Токио.