Жак Луи Давид (1748-1825) - французский живописец
Его отцом был состоятельный парижский коммерсант. Отец вскоре погиб на дуэли, и его воспитывала мать. Стремясь получить хорошее профессиональное образование, в 1766 году Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры. В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей. В 1783 избран членом Академии живописи. Активно участвовал в революционном движении, в 1792 избран депутатом Национального Конвента. После нового переворота в июле 1794 Давид, как видный якобинец, был арестован и помещен в тюрьму. Однако он сумел доказать свою непричастность к массовым казням 1793—1794 и был освобождён в августе 1795. С 1797 он становится пылким сторонником Наполеона. После поражения Бонапарта при Ватерлоо (1815) бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.
Художник жил в эпоху перемен и был их непосредственным участником. Жак-Луи Давид стал крупнейшим представителем французского классицизма, главной целью которого было выразить идеалы свободы через образы античности.

В настоящее время эта картина в ГМИИ им А. С. Пушкина определена как "Портрет художника Жак-Луи Давида" работы Антуана Гро.

1. Клятва в зале для игры в мяч 20 июня 1789 г. (Ученики Давида по его эскизу).1790-е. Париж. Музей Карнавале. Оригинальный эскиз находится в дворцовом музее Версаля.
Наиболее радикальная группа депутатов, представляющая третье сословие, 17 июня 1789 года стала именовать себя Учредительным собранием. Через три дня, явившись в зал заседаний, депутаты обнаружили его дверь запертой, с приставленным к ней караулом, — по королевскому приказу (не связанному, впрочем, с политикой: у короля был траур по сыну, умершему 4 июня в возрасте семи с половиной лет от туберкулёза). Не зная причин запрета и опасаясь начала репрессий, 577 депутатов во главе с Бальи собрались в близлежащем зале для игры в мяч. Там они принесли торжественную присягу не расходиться до тех пор, пока не будет создана и утверждена конституция королевства. В следующем году «художнику Революции» Давиду предложили заказать монументальное полотно с изображением этого знаменательного события. Намереваясь изобразить на холсте размерами 10 на 6 метров сотни депутатов, Давид выполнил множество подготовительных портретных эскизов. Картина во дворе Версаля должна была стать наиболее грандиозным проектом молодой республики в области искусства. Финансирование, однако, быстро иссякло. По мере радикализации революции многие из запечатлённых на полотне депутатов были казнены и из героев превратились в предателей. По этим причинам Давид в 1794 году прекратил работать над полотном. Оно так и осталось незавершённым.

2. Смерть Марата. 1783. Брюссель. Королевские музеи изящных искусств.
Картина повествует о судьбе Жана Поля Марата, журналиста радикальной газеты «Друг народа», лидера якобинцев. Марат был одним из наиболее ярых сторонников якобинского террора. Заболев кожной болезнью, Марат не выходил из дома и, чтобы облегчить свои страдания, принимал ванны. 13 июля 1793 года он был заколот ножом в своей квартире дворянкой Шарлоттой Корде. Надпись на деревянной тумбе – не более чем авторское посвящение: «МАРАТУ, Давид».



3. Клятва Горациев.1784. Париж. Лувр.
Картина написана художником в Риме. В следующем году картина была выставлена в Париже и принесла ему небывалый успех. «Клятва Горациев» стала образцом формировавшейся в то время школы французского неоклассицизма. В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия, согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга — братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Справа изображена группа скорбящих женщин: вдали мать Горациев склонилась над двумя внуками, ближе сестра Камилла, невеста одного из Куриациев, и Сабина, сестра Куриациев и жена одного из Горациев. Давид тщательно продумал композицию картины, «хореографию» персонажей и игру света, что концентрирует внимание зрителя в центре картины, раскрывая моральную атмосферу такой необычайной силы, что страдание отступает перед ней.

Наполеон на перевале Сен-Бернар. 1800 и 1801. Версаль. Музей дворца, Руэль-Мальмезон. Музей Наполеона, Вена. Верхний Бельведер.
Смелый портрет Жака-Луи Давида "Наполеон на перевале Сен-Бернар" не сразу получил одобрение императора, с подозрением смотревшего на достаточно новый стиль, в котором написана картина. Бонапарт изображен на вздыбленном коне среди снегов и непогоды. Неподвижная, как монумент, фигура полководца на вздыбленном коне возвышается на фоне безжизненных линий горных хребтов: кажется, что весь мир замер, послушный властному жесту победителя. Камни под ногами коня — своеобразный пьедестал: на них выбиты имена трёх великих завоевателей, прошедших этой дорогой, — Ганнибала, Карла Великого и самого Наполеона.

1. Наполеон в рабочем кабинете. 1812. Вашингтон. Национальная галерея.
В годы правления Наполеона Давид стал первым официальным художником императора. В своих портретах мастер находил для каждой модели особые выразительные средства. Этот портрет благодаря плавности линий, законченности форм, величию образа отличается классическим совершенством. В 1812г. Давид писал императора в последний раз. Портрет Наполеона в рабочем кабинете замечателен неожиданной трактовкой образа. Император предстаёт здесь как рачительный и заботливый хозяин Европы: он проработал всю ночь свеча над его бумагами догорает, а часы уже напоминают о следующем пункте расписания — пора ехать на военный смотр. Прежде чем пристегнуть шпагу, Наполеон бросает на зрителя значительный взгляд — жизнь вашего императора нелегка...

2. Генерал Бонапарт. 1797. Париж. Лувр.
Это подготовительный этюд, написанный в 1797-1798 гг. для большой картины, которая должна была представлять Бонапарта смотрящим на Альпы с плато Риволи. Большой холст не был исполнен Давидом, полуфигура Наполеона позднее была вырезана из него и сейчас находится в экспозиции Лувра. Прекрасно понимая, что вряд ли ему удастся получить еще один столь продолжительный сеанс, Давид написал голову и наметил синюю генеральскую форму с розово-красным отворотом воротника. Остальная часть фигуры только обозначена контурной линией. В лице Бонапарта с презрительно оттопыренной нижней губой, волевым подбородком, напряженными скулами и особенно выразительным, направленным в сторону и вверх взглядом удивительно точно выявлены его энергия, решимость, вспыльчивость и надменность, холодный расчет, умение взвешивать и обдумывать свои поступки. Серо-коричневые тени на бледном лице и намеченные почти сухой кистью разметавшиеся пряди волос усиливают впечатление нервной приподнятости, взволнованности. Из всех созданных Давидом портретов Наполеона луврский эскиз наиболее правдив. Последующие отмечены все усиливающейся идеализацией образа.

3. Наполеон в 1814 году. 1814. Корсика. Борго. Коллекция герцога Поццо.
С 1804 года Жак Луи Давид был "первым художником" Наполеона. Он оказался необыкновенно плодовит, сделал множество портретов императора. Как первый художник Наполеона, весь свой талант он тратит во славу нового хозяина.

Коронация Наполеона (Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года). 1806—1807. Париж. Лувр.
Картина была создана Давидом по заказу самого Наполеона I. Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII даёт ему своё благословение. Давид создал своё полотно под впечатлением от картины «Коронация Марии Медичи» Рубенса. Давид работал над картиной 3 года и завершил работу в 1807 г. В феврале 1808 года она была выставлена на всеобщее обозрение. Матери Наполеона не было на его коронации, но когда он заказывал картину, попросил Давида нарисовать ее в самом центре.

1. Сабинянки, останавливающие сражение между римлянами и сабинянами. 1799. Париж. Лувр.
Эту картину Давид начал писать в тюрьме. Оказавшись перед лицом смерти, художник обратился к теме милосердия и примирения. Говорят, что свою работу Давид посвятил жене, спасшей его от казни. Сюжет картины основан легенде, повествующей о том, что в Древнем Риме стало катастрофически мало женщин. Ромул, один из основателей Рима и первый правитель этого города, пригласил на праздник соседей-собинян и приказал римлянам по условному знаку схватить девушек-сабинянок. Спустя три года сабиняне собрали армию и пошли на Рим, чтобы вернуть своих женщин, однако те за это время успели стать женами и матерями. Чтобы предотвратить кровопролитие сабинянки вынесли детей на поле битвы. Картина Давида перекликается с полотном Пуссена «Похищение собиняннок». Центральные фигуры композиции написаны художником с сестер Беллеград, самых известных парижских красавиц того времени, а образ старой женщины – с няни его собственных детей.


2. Ликторы приносят Бруту тела его казненных сыновей. 1789. Париж. Лувр.
Эта картина продолжает тему, начатую Давидом в «Клятве Горациев», - конфликт между общественными и личными интересами. Брут – основатель Римской Республики, решил изгнать из Рима царский род, однако его сыновья приняли сторону царской власти. Брут сделал трудный выбор – осудил своих детей на смерть. В правой части картины женщины бурно оплакивают казнённых сыновей и братьев.

3. Леонид в Фермопилах. 1814. Париж. Лувр.
Центральным персонажем картины является царь Леонид I во время Фермопильского сражения в сентябре 480 до н. э. в ходе греко-персидской войны 480—479 гг. до н. э.. Это сражение произошло в узком ущелье Фермопилы, где героически погиб отряд из 300 спартанских гоплитов, преграждая путь персидскому войску царя Ксеркса I.

1. Любовь Париса и Елены. 1788. Париж. Лувр.
Грациозно-женственное начало, которое Давид любит противопоставлять брутально-мужскому (женско-мужские оппозиции в полотнах Клятва Горациев и Брут), всецело преобладает в жеманно-эротичном полотне Любовь Париса и Елены.
Зевс поручил Парису рассудить споривших между собой о красоте Геру, Афину и Афродиту (Суд Париса). Афродита пообещала Парису прекраснейшую из смертных женщин — Елену, жену царя Спарты Менелая. При поддержке Афродиты Парис похитил Елену, что явилось причиной Троянской войны. Две другие богини, возненавидевшие Париса, способствовали поражению Трои в этой войне.

2. Смерть Сократа . 1787. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.
На этой картине Сократ, готовый выпить по приговору суда чашу с ядом, обращается к ученикам с прощальными словами. Философ поднял руку, а другую протянул в сторону чаши. Его жест, когда рука вот-вот коснется сосуда со смертельным напитком, но все-таки не касается его, повисая в воздухе, - ключевой, потому что создает впечатление остановившегося времени. В результате, как бы ни страдали последователи Сократа, смерть побеждена, потому что о ней забыл и сам учитель, увлеченный тем, что скажет своим последователям и оставит после себя. Тема бессмертия человеческого духа подчеркнута величием изображенных людей, выраженным в их движениях и лицах, сдержанным монохромным колоритом полотна и всей композицией: расположение персонажей вдоль передней плоскости картины напоминает фриз, что придает торжественность всей сцене.

3. Портрет четы Лавуазье. 1788. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.
Несомненен и выдающийся талант Давида-портретиста. Картина "Портрет четы Лавуазье" проникнута чутким вниманием к внутренней жизни души и утверждает Человеческое с большой буквы, при этом избегая чрезмерной идеализации. Картина с портретом Лавуазье, который был не только химиком и физиком, а также активным членом Якобинского движения, была запрещена властями к показу.

1. Автопортрет. 1794. Париж. Лувр.
Жак-Луи Давид имел глубокую рану на лице, полученную при фехтовании. Это рана прорисована во многих автопортретах художника, она задевает некоторые ветви лицевого нерва. Эта травма привела к тому, что художник имел трудности в проговаривании некоторых звуков, движении лицевых мышц, к тому же она привела к образованию нароста на щеке. Это было препятствием в его активной социальной жизни, так как отличительной чертой социальной культуры Франции 18 века была ораторское умение.

2. Портрет барона Жерара. 1816. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.
В портретах Давид проще, чем в картинах. Портрет генерала Жерара также принадлежит к одним из лучших его портретных работ.

3. Портрет Александра Ленуара. 1817. Париж. Лувр.
Александр Ленуар - археолог, основатель французского музея исторических памятников. Выписанность деталей характеризует этот портрет.

4. Портрет Пьера Серизиа. 1795. Париж. Лувр.
Шурин Жака Луи Давида, Пьер Серизиа (1757-1847), был судьей. Он женился в 1790 году на сестре жены художника . Самый яркий из живописцев классицизма, Давид возможно более известен своими картинами, которые прославляют темы гражданского достоинства и свободы и полотнами с описаниями событий во времена правления императора Наполеона I. Однако, и этот портрет демонстрирует, как художники конца XVIII столетия отвергали легкомыслие и излишества стиля рококо времен короля Людовика XV и стремились к классическому идеалу.

1. Портрет мадам Серизиа с сыном Эмилем. 1795. Париж. Лувр.
В девичестве Эмилия Пекуль - сестра жены художника. Этот портрет относится к числу лучших работ художника. С этого времени в мастерской Давида начинает складываться то классическое направление в искусстве, которое позднее будет названо ампиром (что означает «стиль империи»).

2. Портрет мадам де Вернинак. 1799. Париж. Лувр.
Творчество Давида идет как бы двумя путями: с одной стороны, он пишет исторические полотна на античные сюжеты, где с помощью отвлеченных образов стремится донести до зрителя идеалы, волнующие предреволюционную Францию, а с другой — создает портреты, утверждающие образ реального человека, причем эти две грани его творчества не смешиваются.

3. Портрет мадам Рекамье. 1800. Париж. Лувр.
Жанна Франсуа Жюльетта Аделаида де Рекамье (1777-1849) - В пятнадцатилетнем возрасте она вышла замуж за Жака Рекамье богатого банкира, который был на тридцать лет старше ее. Её салон был модным политическим и литературным центром, постепенно объединившим людей, оппозиционно настроенных по отношению к Наполеону. Одна из немногих отвергла ухаживания Наполеона. По распоряжению Наполеона в 1811 была выслана из Парижа. Вернулась назад в 1814. В 1819 переселилась в монастырь Аббе-о-Буа, где в ее салоне собирались политические деятели, литераторы, ученые (Шатобриан, Ампер и другие).
Жюли Рекамье заказала Давиду свой портрет. Он принялся за работу, однако постоянно не был удовлетворён условиями, в которых приходилось писать. По его словам, то комната была слишком тёмной, то свет исходил из слишком высокой точки. Работа шла настолько медленно, что мадам Рекамье не выдержала и предложила Франсуа Жерару окончить портрет. Рассерженный Давид советовал Жерару принять предложение, а когда Жюли Рекамье в следующий раз пришла в Лувр, чтобы позировать Давиду, он сообщил ей: «У женщин есть свои капризы, а у художников свои. Позвольте мне удовлетворить мой каприз: я оставлю ваш портрет в его теперешнем состоянии». Давид сожалел об этом всю оставшуюся жизнь. Несмотря на эту внезапную остановку, а, возможно, и благодаря ей, «Портрет мадам Рекамье» в своей мягкой жёлто-голубой гамме является прекрасным примером мастерства Давида.

4. Портрет мадам Пасторе. 1792. Чикаго. Институт искусств.
На портретах изображено то, что живописец наблюдает в действительности. Он создает образы людей, довольных своей жизнью и богатством, которое они охотно выставляют напоказ.

5. Портрет мадам Трюден. 1792. Париж. Лувр.

В 1970-е - 1980-е годы в СССР почти ежегодно выпускались серии марок с шедеврами западно-европейской живописи из музеев СССР (в основном из Эрмитажа и ГМИИ им. Пушкина). В 1976 году эта серия была полностью посвящена Рембрандту. До этого тоже были отдельные марки, посвящённые ему.
На марках этой серии:
4к. Притча о работниках на винограднике. 1637. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
6к. Даная. 1636-1647. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
10к. Давид и Ионафан. 1642. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
14к. Святое семейство. 1645. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
20к. Портрет брата Адриана. 1654. ГМИИ им.Пушкина. Москва.
50к. Артаксеркс, Аман и Эсфирь.1660. ГМИИ им.Пушкина. Москва.

Подробно эти картины описаны ранее в рубрике "Художники разных стран - 1".

Стараниями и попечительством императрицы Екатерины II Россия получила великолепное собрание картин Рембрандта. Сегодня в Эрмитаже хранится двадцать шесть картин Рембрандта. Наследство, которая получила Советская власть, было значительно большим. 10 картин было продано в конце 20-х начале 30-х годов. 3 картины были переданы в Музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина.
Эрмитаж стал основным источником добычи денег для построения новой государственной политики. Распродажи художественных ценностей в 1928-1933 гг. нанесли тяжелый и невосполнимый урон музею. Ценные вещи из Эрмитажа отправляли на европейские аукционы . Коллекции музея стали источником подарков зарубежным официальным лицам, часто шедевры продавались за символическую цену. В советское время эти факты замалчивались, хотя они уже не были тайной. Вскользь говорилось, что продавались мало значащие предметы и картины из запасников. Сейчас эти картины являются гордостью ряда крупнейших музеев. Достаточно сказать, что проданные шедевры Эрмитажа явились базовым собранием Национальной галереи искусства в Вашингтоне.
Всего из фондов и экспозиции было отобрано 2880 картин, 350 из которых представляли собою произведения значительной художественной ценности, а 59 — шедевры мирового значения, включая работы таких мастеров, как Ян ван Эйк, Тициан, Рембрандт и Рафаэль. Большинство из этих полотен находились в собрании ещё со времен его основания Екатериной II.

Юдифь - единственная находящаяся в России картина, твёрдо атрибутируемая Джорджоне. Картина поступила в Эрмитаж в 1772 году из парижского собрания Антуана Кроза после его смерти. С 1967 по 1971 годы картина прошла капитальную реставрацию.
Как можно прочитать в Британской энциклопедии, «Юдифь» воплощает тот же идеал безмятежной красоты, что и «Спящая Венера». Несмотря на чинимое ею насилие, ветхозаветная героиня трактована скорее как античная богиня, чем как мститель от лица угнетённого народа.
Согласно книге «Иудифь», полководец Олоферн, командующий армией Навуходоносора, выполняя его повеление «свершить … отмщение всей земле», прошёл Месопотамию, разрушил все её города, выжег все посевы и перебил мужчин. Олоферн осадил небольшой город Ветилую, где жила молодая вдова Юдифь. Женщина пробралась в лагерь ассирийцев и соблазнила Олоферна. Когда полководец заснул, Юдифь отсекла ему голову. «Потому что красота её пленила душу его, — меч прошел по шее его!». Войско, оставшееся без руководителя, не смогло противостоять жителям Ветилуи и было рассеяно. Юдифь в качестве трофея получила шатёр Олоферна и всю его утварь и вступила в Ветилую как триумфатор.
Выбрав момент, когда убийство уже было совершено, Джорджоне, в отличие от многих художников, обращавшихся к этому библейскому сюжету, создал удивительно умиротворённую картину. Юдифь, держа в правой руке меч, опирается на невысокий парапет. Её левая нога покоится на голове Олоферна. За спиной Юдифи развёртывается гармоничный морской пейзаж.

Автопортрет написан художником в достаточно зрелом возрасте. Точная дата создания портрета неизвестна. Похожий автопортрет находится в музее герцога Антона Ульриха в Брауншвейге (Германия).

Джорджоне (настоящее имя Джорджо Барбарелли да Кастельфранко (около 1478, Кастельфранко, — 1510, Венеция), итальянский художник, первый по времени в плеяде ведущих мастеров венецианской живописи 16 века.
Биография Джорджоне полна загадок. Она строится в основном на легендах, косвенных данных и стилистических параллелях, поскольку подлинных документов о нем сохранилось крайне мало. Но таинственно, в первую очередь, само его творчество. Джорджоне был учеником живописца Джованни Беллини и усвоил себе глубину и блеск его тёплого колорита, даже превзошёл его в этих качествах. Главным местом его деятельности была Венеция. Он писал здесь напрестольные образа, исполнял многочисленные портретные заказы и, по обычаю того времени, украшал своей живописью сундуки, ларцы и фасады домов.
С достаточной определенностью Джорджоне, прожившему совсем короткую жизнь, приписывается совсем немного, один или два (в зависимости от строгости ученых-атрибуторов) десятка картин, причем все самые характерные и знаменитые из них каждая по отдельности представляют собой волнующую, до сих пор не раскрытую загадку. Дело в том, что Джорджоне гораздо решительнее, чем все его современники (даже такие как Леонардо да Винчи или Рафаэль) перешел от композиций, основанных на четких символических программах, к свободным поэтическим импровизациям, смысл которых прихотливо меняется в зависимости от настроения зрителя. Этот мечтательный лиризм сопряжен у него с замечательным живописным мастерством: тонкая световоздушная дымка, т. н. «сфумато » (которое он ввел в североитальянскую живопись чуть позже Леонардо и, скорее всего, под влиянием последнего) обеспечивает пространственное единство, сочетаясь с предельно точными, знаковыми цветовыми акцентами и плавной композиционной ритмикой, гармонично связывающей фигуры с символическими деталями. В этих деталях нередко находили оккультные смыслы, но все же главные секреты носят здесь сугубо эстетическое значение, выражая любовь мастера не столько к шифрам или иносказаниям, сколько к общей атмосфере романтической недосказанности.
Как известно, ни на одной из картин, приписываемых художнику, нет подписи Джорджоне; некоторые из его неоконченных произведений известны только по копиям и гравюрам. Поэтому атрибуция картин художника представляет достаточно сложную проблему, вызывавшую споры среди историков искусства уже в 16 веке. В настоящее время большинство исследователей творчества Джорджоне и историков искусства высокого Возрождения считает, что кисти Джорджоне принадлежит около 20 картин. Его кисти принадлежит самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения — «Спящая Венера».
Искусство Джорджоне обогатило венецианскую живопись новым пониманием проблем композиции, цвета и живописной фактуры, а также расширило круг ее сюжетов; оно стало образцом для его самого знаменитого ученика – Тициана. Современники Джорджоне писали о нем как об одном из величайших итальянских художников. Джорджоне ушел из жизни внезапно, совсем молодым, став, скорее всего, жертвой какой-то эпидемии типа чумы. Его авторитет в веках сохранялся достаточно прочно. Джорджоне даже называли «первым подлинно современным художником», считая его ранним предтечей романтизма. В 19 веке славу его упрочил Эдуард Мане, повторив в своем знаменитом «Завтраке на траве» (1863) главные мотивы его «Сельского концерта».

Поклонение волхвов — евангельский сюжет о мудрецах, пришедших с Востока, чтобы поклониться младенцу Иисусу и принести ему дары. Этот сюжет был чрезвычайно популярным, и количество картин, написанных на эту тему, очень велико. Не обошёл его и Джорджоне. Хотя авторство конкретно этой картины "Поклонение волхвов" из Лондонской национальной галереи многие историки искусств не признают за Джорджоне.
Феррарская герцогиня Изабелла д'Эсте, большая приятельница Леонардо, как-то написала своему поверенному письмо, в котором просила закупить для нее в Венеции "прекрасную и единственную в своем роде" картину Джорджоне, которую она называла — "Una Nocte", что по-итальянски означает "Святая ночь". Поверенный герцогини отвечал, что, к сожалению, ее любимый художник недавно скончался, и требуемой картины в его собрании он не нашел, но существуют две похожие работы в частных собраниях других владельцев и что эти владельцы не расстанутся со своими сокровищами ни за какие деньги. Знатоки искусства предполагают, что картина, о которой мечтала прекрасная Изабелла, и есть то небольшое полотно "Поклонение волхвов", которое находится сейчас в Национальной галерее Лондона. В таком случае, интерес герцогини к картине Джорджоне вполне оправдан: этот, быть может, слишком традиционный для итальянской живописи сюжет в исполнении Джорджоне удивительно трогает сердце своей детской безыскусностью и мягкой грацией.
Тихие и молчаливые фигуры самой Богоматери и умиленных волхвов растворяются в мирном пейзаже и создают настроение покоя и тихой сосредоточенности. В своих произведениях Джорджоне немногословен, суть выражал внутренним ассоциативным осмыслением сюжета, давая зрителю возможность самому додумать и понять картину.

«Мадонна Кастельфранко» - единственная абсолютно бесспорная картина кисти Джорджоне. Это алтарный образ соборной церкви Кастельфранко-Венето, родного города художника. Полное название полотна — «Мадонна на троне с Младенцем и святыми Либералием и Франциском».
Картина написана по заказу венецианского военачальника – кондотьера Тудио Констанцо, в память о его рано умершем сыне Маттео для капеллы Св. Георгия в соборе Св. Либералия в Кастельфранко.. На картине изображен интерьер небольшой часовни, где пол выложен черно-белыми мраморными плитами. У подножия трона стоит деревянная гробница с изображением герба семьи Костанцо. С обеих сторон она «охраняется» двумя фигурами святых. Возможно, в облике святых изображены Маттео и его отец.
Заказ предписывал художнику взять традиционную тему композиции, так называемое «Святое собеседование». Но Джорджоне в целом дает совершенно новое, непривычное решение темы. Мадонна на троне расположена высоко и в глубине картины. На подножии престола изображён герб Констанцио. Примечательно отсутствие элементов церковной архитектуры, персонажи собеседования изображены на фоне пейзажа, подчёркивающего общую меланхолическую задумчивость. У ног Марии стоят святой Либералий из Тревизо (небесный покровитель этих мест) со знаменем мальтийских рыцарей (по некоторым комментариям это Св. Георгий) и святой Франциск. Джорджоне почти точно повторил фигуру Святого Франциска с алтаря Сан Джоббе (1487, Венеция, Галерея Академии) своего учителя Джованни Беллини.
И хотя овеянная грустью «Мадонна» написана в духе поэтической элегии, большое место занимает в ней пейзаж. Он отвлекает людей от печальных раздумий и размышлений при созерцании картины. Как столь часто бывает у Джорджоне, утренний пейзаж своим настроением перекликается с мечтательностью фигур святых, погружённых в набожное забытье.

Сюжет Поклонение пастухов был введен в художественный канон под влиянием пиетизма францисканцев. В глазах Франциска Ассизского, исповедовавшего культ бедности («Святая Бедность прогоняет алчность, и скупость, и мирские заботы»), беднейшие из людей были самыми блаженными, поскольку именно им — то-есть бедным пастухам — впервые была возвещена благая весть и именно они первыми пришли поклониться Младенцу, рожденному в бедности. Таким образом, в Италии, на родине этого проповедника «святой бедности», сюжет Поклонение пастухов получил наибольшее распространение; его стали изображать с XIV века. Бедность пастухов в изображении художников порой доходила до крайности, как это выглядит в картине Джорджоне.
В «Поклонении пастухов» помимо обязательных фигур Святого семейства и коленопреклоненных пастухов значительное место занимает пейзаж - не просто фон, а активный участник действия. Его уходящая в глубину перспектива на горизонте замыкается голубыми горами, что создает естественное ощущение пространства и воздуха. Особая роль у освещения, которое стало иным: ясная чистота раннего утра, характерная для работ кватроченто, сменилась неярким послеполуденным светом, что придает картине большую цельность и объемность. Темно-коричневый тон пещеры красиво и контрастно подчеркивает цвета одежд Иосифа, Марии и двух пастухов, чьи согнутые спины плавно и ритмично повторены в овальных линиях, очерчивающих вход в пещеру, возле которого расположены герои.
Пейзаж и фигуры вместе выражают почти музыкальную гармонию. Духовная сосредоточенность персонажей, которые молча созерцают новорожденного Иисуса, подчеркивается их расположением вокруг младенца: Джорджоне уравнивает зрительно арочный свод пещеры на плоскости с группой людей, расположенных в глубине, чётко разграничивая плоскость и глубину, которые он затем развивает в пейзаже, помещая объекты, которые зрительно ведут к горам, рядом с другими, архитектурными, которые восстанавливают живописный план.
Сдержанно-грациозное, подчеркнуто скромное «Поклонение волхвов», пожалуй, является одной из лучших картин в ряду других религиозных композиций художника.

«Спящая Венера» – одна из известнейших картин Джорджоне. Образ, ставший олицетворением гармонии духовного и физического, слияния божественного и телесного начал в единую красоту. Но зритель забывает о том, что смотрит на бессмертную богиню. Он видит только красоту обнаженного человеческого тела, которое создает у смотрящего ощущение нравственной чистоты и непогрешимости Венеры. Его взгляд приковывают правильные линии тела молодой женщины, и безмятежность, сквозящая во всем облике богини, постепенно передается и смотрящему.
Вся природа, окружающая Венеру, передана художником в том же ритме и эмоциональном настрое, что и портрет богини: то же спокойствие и умиротворение, та же созвучность частей. Прекрасный мир соответствует красоте женщины. Их неповторимое очарование есть проявление божественной воли; все земное и все небесное является результатом одного творческого акта.
Ни одна из картин итальянского Возрождения не имела столько повторений и вариантов, как "Спящая Венера" Джорджоне. Не говоря уже о современниках художника, она поразила воображение Дюрера и Кранаха Старшего, Пуссена и Веласкеса, Рембрандта и Рубенса, Энгра и Делакруа, Мане и Гогена. Между тем письменные свидетельства о ней крайне скудны, а сам Джорджоне не оставил никакого эпистолярного наследия и нигде не проронил о своих картинах ни слова.
Свою идею о прекрасном человеке, о его полной гармонии с окружающим миром Джорджоне воплотил в образе Венеры - богини любви и красоты. Он представил ее в облике прекрасной обнаженной женщины, спящей на лугу, поросшем скромными белыми цветами. Сон богини полон безмятежного покоя, вечерняя тишина и согласие пронизывают всю природу, и сама она как будто порождение той самой природы, которая ее окружает. Ее прекрасное тело поражает зрителя необычной красотой плавных линий, и в то же время Венера Джорджоне - это земная женщина, полная чувственной прелести и очарования, и эту земную красоту художник возвысил и идеализировал. Никто в итальянской живописи до Джорджоне не передавал еще с такой осязательностью жизненную теплоту обнаженного женского тела, где совершенность форм, завершенность и чистота линий словно воплощают в себе закон абсолютной гармонии.
У Джорджоне нагота выглядит как естественное состояние человека: богиня отдыхает, спит обнаженная, как в те далекие времена спали все - богатые и бедные люди, да и сами боги. Все тело Венеры выражает состояние сладкого самозабвения, полного покоя, который не тревожат мрачные сновидения.
"Спящая Венера" Джорджоне - едва ли не первое произведение живописи Возрождения, в котором нагота составляет главную его тему. Венера спит, не ведая своей наготы, как не ведали о ней Адам и Ева до грехопадения, и потому нагота так прекрасна и безгрешна, что зритель глядит на нее только как на предмет поклонения.

Картина «Мадонна с младенцем, святые Рох и Антоний Падуанский» создана приблизительно в первые годы 16 столетия. Точная дата написания картины неизвестна. Классическая компоновка алтарной композиции на религиозную библейскую тематику. Для некоторых исследователей живописи венецианской школы эпохи ренессанса атрибуция картины является спорной. Этот необычайный алтарный образ, персонажи которого как бы перенесены из интерьера собора на лоно природы, поражает особым тонким настроением. Светлый, радостный пейзаж, утренний свет, льющийся из-за холмов, меланхолическое раздумье, в которое погружены участники сцены, придают всему необычайную поэтичность. И в то же время картина поражает ощущением недосказанности, характерным для всех последующих созданий венецианца Джорджоне.
Некоторые источники относят эту картину к работам Тициана.

Паоло Калиари, прозванный Веронезе, один из самых значительных художников венецианской школы позднего Возрождения, родился в городе Верона. В 1555 году художник переселился в Венецию и жил там до конца жизни. Отличительная особенность венецианской школы живописи — яркий, жизнерадостный колорит — является характерной и для Веронезе. Мастер монументально-декоративных росписей (во Дворце дожей, в библиотеке Сан Марко, в церкви Сан Себастьяно и других зданиях Венеции), Веронезе умело решал задачи сочетания живописи с архитектурой.

О характере его монументальных росписей дает представление картина “Диана”. Возможно, это эскиз к декоративным фрескам загородной виллы Барбаро-Вольпи близ деревни Мазер (около Тревизо), построенной архитектором Андреа Палладио. Художник ставит здесь перед собой ту же задачу, что и во многих фресках виллы: средствами живописи создать на гладкой стене иллюзию ниши с помещенной в ней скульптурной группой. Фигура богини охоты Дианы и собака кажутся объемными и окруженными свето-воздушной средой. Пластическая выразительность форм дополняется мастерством рисунка и совершенством композиции. Сочетание золотистых волос, нежно-розоватых и голубоватых одежд и светлой, напоминающей по цвету слоновую кость, ниши придает особое очарование этой небольшой картине. Парная к “Диане” картина “Минерва” хранится в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве.

Диана (римское или греческое имя — Артемида) — дочь Юпитера и Латоны, богиня охоты, владычица зверей, а также богиня луны, иногда отождествляемая с Селеной (Луной). В произведениях искусства Диана чаще всего предстает вооруженной луком, с колчаном за спиной, в сопровождении собак или лани. Как богиня луны, Диана изображалась с полумесяцем на голове и факелами в руках, в длинной одежде.

Веронезе - автор многих торжественных многофигурных композиций на евангельские сюжеты со смело введенными жанровыми мотивами, портретными образами, реально наблюденными деталями. В творчестве Веронезе наиболее ярко воплотился праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения.
Св.Варвара (греч. "иноземка" ) - ранняя христианская святая дева-великомученица. Ее агиографическая легенда, не имеющая исторической основы (прибл. VII в.), пересказывается в "Золотой легенде". Возможно, была христианкой, казненной в Египте во время репрессий против христиан нач. IV в. Единственная дочь богатого язычника (вельможи?) Диоскора. Из любви и страха потерять обожаемую дочь после возможного замужества отец построил для Варвары высокую башню, в которой ревниво укрывал ее от мира и домогательств обожателей. Лютой ненавистью возненавидел отец-язычник любимую свою дочь, когда узнал, что она верует во Христа. Он сам предал ее на лютые мучения, чтобы отреклась от христианской веры, сам казнил её.

С начала творческого пути Паоло не последнюю роль отводил портретной живописи. Венецианское искусство стало своего рода катализатором для развития Веронезе-портретиста. Блестяще передавая внешнее сходство, достигая одновременно и некоторой идеализации образа, граничащей с его приукрашиванием, Веронезе не сосредоточивал своего внимания на глубоком раскрытии характера изображаемой личности, без чего, собственно и нет большого искусства портрета. Однако блеск живописи, великолепно написанные аксессуары, благородная аристократическая непринуждённость поз делают его портреты очень приятными для глаз и прекрасно «вписывают» их в роскошные дворцовые интерьеры позднего венецианского Возрождения. Некоторые из его сравнительно ранних портретов отличает оттенок неопределённой романтической мечтательности – как этот «Мужской портрет»из будапештского музея.