Портретные скетчи простым карандашом

Польский художник-иллюстратор Кршиштоф Лукашевич (Krzysztof Lukasiewicz), известный в сети, как krzysztof20d, рисует невероятно реалистичные портреты простым карандашом.

 Графические портреты знаменитостей

Эталоны красоты 20 столетия.

Фотографии зарубежных звезд:

ДЖИНА  ЛОЛЛОБРИДЖИДА

ГЛАМУРНАЯ ХУДОЖНИЦА ЭСТЕР БАЙЕР

Канадская художница Эстер Байер, рисует, главным образом, голливудских звезд для гламурных журналов. Вдохновение черпает, рассматривая обложки раритетных модных журналов.

Рисовать она любила всегда, сколько себя помнит, этот талант заметила и помогла ему развиться мама, которая, по словам Эстер, видит красоту во всем. Большая часть работ выполнена акварелью, но также художница часто используют карандаши, фломастеры и акриловые краски. В настоящее время живет на Острове Принца Эдуарда, Канада. 

ФИЛИП АЛЕКСИС ДЕ ЛАСЛО

Филип Алексис де Ласло ( фр Philip Alexius de László, венг Laub Fülöp Elek; 30 апреля 1869, Будапешт — 22 ноября 1937, Лондон) — художник-портретист венгерского происхождения, прославившийся многочисленными портретами европейской аристократии и членов монархических фамилий.
Родился в Будапеште в 1869 году, был старшим сыном еврейского ткача. В 1891 г. его семья сменила фамилию Laub на László. В молодые годы занимался фотографией и начал обучаться живописи, поступив в венгерскую Национальную академию искусств, где его наставниками оказались известные художники Берталан Секей и Карой Лотц. Позже продолжил обучение в Мюнхене и Париже. Портрет папы Льва XIII кисти Ласло был удостоен большой золотой медали на Парижской Всемирной выставке 1900-го года.
В 1903 г. Ласло переехал из Будапешта в Вену, а в 1907 г. перебрался в Англию. Лондон оставался его домом до конца жизни, хотя художник чрезвычайно много путешествий по миру для выполнения заказов.
Удостоился огромного числа почестей и наград. В 1909 г. стал почетным членом королевского Викторианского ордена, которым наградил его Эдуард VII. В 1912 г. получил дворянство от Франца Иосифа I, императора Австрии и короля Венгрии. Имя художника стало László de Lombos, в обиходе он же предпочел пользоваться прежней фамилией, облагородив её приставкой «де».
В 1900 г. Ласло женился на Lucy Madeleine Guinness, представительнице богатого и древнего рода Гиннесов. Впервые они встретились в Мюнхене в 1892 г., но несколько лет им было запрещено видеться друг с другом. Дружеские и семейные связи Люси, без сомнения, способствовали упрочению репутации её мужа и получению им заказов. Пара имела шесть детей, большинство из которых сочеталось браком с членами аристократических британских родов.
Ласло стал подданным Великобритании в 1914 г., но в течение Первой мировой войны был выслан за её пределы в 1917 гг.
 Сердечный приступ случился у него в 1936 г., в течение этого года за ним последовал еще один, и художник скончался в своем доме в Хэмпстеде. 

Автопортрет


Супруга

МАСТЕР ФОТОПОРТРЕТА - МОИСЕЙ СОЛОМОНОВИЧ НАППЕЛЬБАУМ

26 декабря 1869 г. родился Моисей Соломонович Наппельбаум - выдающийся советский фотомастер, создавший собственную, только ему присущую творческую манеру исполнения студийного фотопортрета. На фотографиях того времени люди застывали в «классических» позах. Классическими позы стали потому, что фотографирование осуществлялось при весьма длительных выдержках, а значит портретируемый должен был удерживать некую позу определённое время. Создавая портреты, фотограф использовал самодельный осветительный прибор с лампой накаливания в 1000 ватт, что позволило значительно уменьшить время экспонирования и дать большую свободу портретируемым. Освещение в портретах преимущественно контрастное, направлено диагонально. Наппельбаум, скорее всего, использовал павильонную камеру и с её помощью мог достаточно точно управлять глубиной резкости. Но всё же, при печати фон ретушировался – размазывался и размывался. Портреты, созданные Наппельбаумом, не передают статус и положение человека в обществе. Каждый его портрет отражает светлую сущность человека – внутреннюю красоту. Портретируемые принимают свободные живые позы. Отказавшись от канонов, фотограф позволил людям жить на своих фотографиях.

 Родился в Минске. В 1884 году поступил учеником в фотоателье «Боретти». В 1888 году покинул Минск и странствовал по России и другим странам. Побывал в Смоленске, Москве, Варшаве, Вильнюсе, Евпатории. Во время пребывания в Америке, работал в Нью-Йорке, Филадельфии, Питсбурге. В 1895 году вернулся в Минск и открыл павильон портретной фотографии. В 1910 году переезжает в Санкт-Петербург и сотрудничает с журналом «Солнце России». В Москве ателье Наппельбаума размещалось в доме Анненковых на углу Петровки и Кузнецкого Моста. 
 В январе 1918 года делает превосходный портрет Ленина — один из лучших в фотографической Лениниане. В те же годы сделал ряд портретов соратников Ленина. Среди них особо удачные Ф.Дзержинского, Вацлава Воровского, Луначарского и других. 
 В 1919 году при поддержке Якова Свердлова организует при ВЦИКе — первую государственную фотографию. В 1920-1930 годы фотографирует выдающихся людей страны: артистов, писателей, художников, ученых. Отец поэтессы Лили Наппельбаум, литературоведа Ольги Грудцовой. 
 В основу этой манеры положил особые приемы работы со светом, позволяющие создавать аскетичный и одновременно яркий и достоверный образ портретируемого. Наппельбаум — мастер композиционного решения кадра, изобразительного нюанса. При кажущейся простоте портреты Наппельбаума полны внутреннего драматизма, типичного для русской художественной традиции. Искусно сочетал в своих работах элементы формализма и понимание фотографии как документа. 
 В 1938 году, подписав договор с президиумом Академии наук СССР, выполнил знаменитую серию портретов действительных членов Академии. К техническим особенностям следует отнести любовь фотографа к съемке с одним источником света, использование (чаще всего) объектива Фохтлендер Коллинеар 420 mm, 1: 7,7 и применение живописных кистей для обработки негатива в процессе проявки. 
«Заслуженный артист республики» 1935 г. Умер Москве 13 июня 1958 года. Персональные выставки М.Наппельбаума: «М.Наппельбаум» Петроград 1918; «М.Наппельбаум» Москва 1935, 1946, 1955. Авторская книга: М.Наппельбаум «От ремесла к искусству» Москва 1958 (Второе издание 1972); М.Наппельбаум «Избранные фотографии» Альбом / Автор статьи Ан. Вартанов М. Планета 1985 г. 106 страниц. Книги с участием М.Наппельбаума: «STALIN ON LENIN» Moscow: Foreign Languages Publishing House, 1939; «Антология Советской фотографии, 1917—1940» Издательство ПЛАНЕТА, Москва 1986.
 http://iso100.ru/blog_showfull/226.html

Максим Горький
 

Михаил Булгаков
 

Фаина Раневская
 

ФОТОГРАФ ВАЛЕРИЙ ПЛОТНИКОВ 

 Валерий Плотников - культовый советский и российский фотограф. Родился 20 октября 1943 года в Барнауле. С 1945 года живёт в Санкт-Петербурге. Выпускник операторского факультета ВГИКа. Знаменит портретами элиты советского и российского кино. Известен под псевдонимом Валерий Петербуржский. 

Андрей Миронов


Татьяна Друбич

ПОРТРЕТЫ ЗНАМЕНИТОСТЕЙ ЮСУФА КАРША

23 декабря 1908 года родился знаменитый канадский фотограф, мастер фотопортрета Юсуф Карш (Yousuf Karsh)

Вернувшись в Канаду в 1931 году, он открыл небольшую студию в центре Оттавы. Сначала дела его шли не очень хорошо – Карш был вынужден задерживать зарплату своему секретарю (целых 17 долларов в неделю) чтобы расплатиться с долгами за аренду. Однако вскоре дела стали поправляться, в ателье появились постоянные клиенты, фотографии молодого фотографа стали мелькать в популярном еженедельнике «Saturday Night».
Вскоре после открытия студии, Карша пригласили фотографировать репетиции и выступления группы актеров-любителей Малого театра Оттавы. Там он впервые столкнулся с осветительным оборудованием: «Безграничные возможности искусственного света просто ошеломили меня», – вспоминал он, – «Ведь в студии Гаро приходилось ждать нужный свет часами».
Один из ведущих артистов театра был сыном Генерал-губернатора и вскоре Каршу представилась возможность сделать первый в жизни парадный портрет важной особы в полном обмундировании, с мечом и другими регалиями. Он так волновался, что не смог толком настроить аппаратуру и естественно фотографии не получились. Однако Генерал-губернатора дал молодому фотографу еще один шанс и Карш сумел им воспользоваться – полученные портреты были напечатаны в нескольких изданиях в Канаде и Великобритании.
В 1936 году в Канаду приехал американский президент Франклин Рузвельт и Карша пригласили фотографировать важного гостя. Позднее он вспоминал, что это был его первый опыт в качестве фотожурналиста, но что еще важнее – во время этой работы он познакомился с премьер-министром Канады Маккензи Кингом; вскоре они подружились и Карш получил возможность фотографировать всех сколько-нибудь значимых политических деятелей своей второй родины, а также ее гостей.
30 декабря 1941 года произошло событие, о котором Элеонора Рузвельт шутливо сказала: «Это, вероятно, было первым серьезным поражением Черчилля». И нанес это поражение всесильному премьер-министру Британии, как вы, наверное, догадались, Юсуф Карш, который был в то время достаточно известным в Канаде фотографом-портретистом, но не более того. Этот случай заслуживает того чтобы рассказать о нем более подробно.
Карш узнал о приезде Черчилля за несколько дней до памятного события – недаром он был дружен с Маккензи Кингом – и имел время установить оборудование и сделать все необходимые приготовления. Вечером 30 декабря он терпеливо ожидал пока Черчилль закончит свое выступление в палате общин. В конце-концов, премьер-министр в сопровождении своего канадского коллеги вошел в комнату для выступающих. Черчилль заметил приготовленное оборудование и грозно нахмурился: «Что происходит», – рявкнул он. Все, включая Кинга, в страхе молчали и тогда Карш сказал: «Сэр, надеюсь, вы разрешите мне сфотографировать вас в этот исторический момент?». «Почему меня не предупредили?» – продолжал возмущаться Черчилль. Кто-то из его окружения усмехнулся и фотограф на минуту подумал, что его сейчас вышвырнут из комнаты. Но видимо Черчилль решил, что не стоит накалять обстановку: «Хорошо. Две минуты и один снимок», – бросил он, закуривая сигару.
Юсуф Карш быстро окинул взглядом свою «модель». Осмотр вполне удовлетворил его, только сигара показалась лишней. А, может быть, фотограф вспомнил, что почти на всех изображениях у Черчилля была сигара в зубах, и не захотел, чтобы его снимок был «одним из многих». Он подождал минуту, потом пододвинул премьер-министру пепельницу, но тот не обратил на потуги фотографа никакого внимания. Тогда Карш подошел к Черчиллю и, пробормотав «Простите, сэр», выдернул сигару из губ не ожидающего такой наглости премьера. «Когда я вернулся к камере он выглядел настолько агрессивно и воинственно, словно хотел меня сожрать», – вспоминал Карш. В этот момент он и нажал на кнопку.
yakovchuk.blogspot.ru/2012/12/yousuf-karsh.html
http://www.photochronology.ru/photos/photo.php?id=4725 

Карш Юсуф - знаменитый канадский фотограф армянского происхождения. 23 декабря 1908 — 13 июля 2002
 

Dzhavakharlal_Neru_1949

Пабло Пикассо

ГЛАВНЫЙ КЛАССИК АМЕРИКИ - РИЧАРД АВЕДОН

Richard Avedon родился в Нью-Йорке в 1923 году. В 21 год Ричард поступил в школу фотографии Алексея Бродовича, арт-директора журнала «Harper’s Bazaar».
А уже через два года, в 1946, основал собственную студию и почти двадцать лет проработал в журнале «Harper’s Bazaar». В 1966 году его пригласили штатным фотографом в «Vogue», где Avedon работал до 1990 года. Помимо работы для журналов Richard Avedon выпускал собственные альбомы с фотопортретами Битлз, Дженис Джоплин, Фрэнка Заппа, Энди Уорхола, модели Твигги.
В 1976 году вышел альбом «Семья» (The Family) с портретами представителей властной элиты — политиков и бизнесменов, среди которых были Джордж Буш, Дональд Рамсфельд. В 1979 – 1984 годах Ричард Аведон отправился в путешествие по семнадцати штатам США, где фотографировал простых американских жителей.
 Серия фотографий «Американский Запад» (In the American West) подверглась критике, так как по мнению властей и критиков фотографии выставили Америку в темных красках. Экспозицию не принял ни один музей Нью-Йорка и первое представление грандиозной эпопеи состоялось лишь в Музее Картера в форте Уорт штата Техас и уже далее экспозиция прошла по ряду музеев и галерей Америки. Последние годы своей жизни Ричард Аведон проработал в журнале New Yorker, проводил семинары и конференции.
 Аведону  долго пришлось бороться со своей репутацией «глянцевого» фотографа. Он считался мастером рекламной фотографии, и отчасти поэтому его более серьёзные работы оставались в тени. В интервью 1974-го года он говорил: «Я считаю себя андеграундным фотографом – никто не видел те портреты, которые я снимаю последние десять лет». 
Другая работа Аведона стала уже более “personal”, более личной. Отец фотографа, Якоб Аведон, был неизлечимо болен раком, и на протяжении последних лет его жизни, между 1969-м и 1973-м, Аведон регулярно фотографировал своего отца – и с этих снимков, сделанных в том же лаконичном стиле, на зрителя смотрит действительно старый и больной, уже угасающий человек. Когда сам отец увидел первые снимки этой серии – он был не просто разочарован, он был обижен на сына, который снял его в таком неприглядном, как ему казалось, виде.
 Сохранилось письмо Аведона собственному отцу, в котором он пытается объяснить, почему он сделал такие портреты. И это письмо хорошо выражает отношение Аведона к портретной съёмке в целом. Здесь я приведу сокращённый перевод письма:
- "Ты помнишь тот снимок, который стоял у нас на фортепьяно? Ты ходил сниматься в местную студию, снимок был сильно отретуширован, и мы всей семьёй подшучивали над этим снимком – потому что на фотографии получился совершенно незнакомый человек, которого никто из нас не видел.
 …Я же хочу делать другие снимки. Когда ты позируешь для фотографии, ты прячешься за чужой, деланной улыбкой. Но на самом-то деле ты голоден и сердит, ты живёшь – и именно эту жажду жизни я и хочу показать. Я хочу делать портреты такими же насыщенными, как и сами люди. Я хочу, чтобы твои эмоции передались мне, прошли через объектив камеры и стали видны на снимке.
 …Помнишь, когда мне было девять лет, ты учил меня кататься на велосипеде? Ты тогда почему-то был в деловом костюме и в нём упал с велосипеда – я до сих пор помню выражение твоего лица, когда ты упал. И я сразу сделал снимок своей детской камерой «Брауни». Когда ты чем-то раздражён, что-то переживаешь – в тебе видна жизнь".
 Когда Аведон говорит о своих портретах, он часто употребляет слово “intensity” – что можно перевести как «интенсивность», «насыщенность эмоций» - однако вряд ли это поддаётся точному переводу на русский язык. Но можно точно сказать, что «интенсивность» портретов Аведона практически всегда интровертна. Он не провоцировал людей на какие-либо явные проявления эмоций, яркую мимику или жесты перед камерой – он просто позволял людям позировать перед камерой так, как они захотят – и в номинально «спокойном» портрете проступала насыщенность внутреннего мира человека, его характер и всё то человеческое, что ни одному человеку не чуждо.
 Конечно, люди перед фотокамерой Аведона «изображали себя» - как это неизбежно происходит во всяком фотопортрете (за исключением, разве что, съёмок скрытой камерой). И Аведон прекрасно это понимал.
 «Все мы что-то из себя изображаем, играем роли. Мы постоянно играем - осознанно или бессознательно. Это наш способ рассказать что-то о себе в надежде, что другие люди увидят нас такими, какими мы хотим казаться. И я доверяю такому притворству. Даже если вы попытаетесь убрать эти маски при съёмке – совершенно не обязательно, что это поможет вам приблизиться к сущности этого человека. То, как человек изображает себя перед камерой и то, как фотограф реагирует на это притворство – и есть фотопортрет»

self-portrait, 1963

Марлон Брандо


платье Dior, 1955

ЛЕГЕНДАРНЫЙ ФОТОГРАФ ИРВИНГ ПЕНН

Один из 10 лучших фотографов современности по версии журнала «Popular Photography», Ирвинг Пенн не сразу нашел свое призвание. В молодости Пенн собирался стать живописцем и учился в Школе искусств, но вскоре по какой-то причине уничтожил все свои работы. Так мир потерял художника Ирвинга Пенна, но зато приобрел будущего знаменитого фотографа. В 1943 году на обложке «Vogue» появилась его первая фотография, и эту дату можно считать началом его блестящей карьеры.
Среди работ фотографа нет случайных и безыдейных, для каждой он выдумывал сценарий, модели превращались в актеров и играли роли. Он, не торопясь, часами мог выжидать момент, и только когда был уверен, ловким движением нажимал на кнопку «спуск». Многие его работы выставлены в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в музее Метрополитен.

"Лично я испытываю благоговейный трепет перед фотокамерой. Я воспринимаю её как инструмент. Она отчасти произведение Страдивари, отчасти скальпель."

 /Ирвинг Пенн/

Фотограф Ирвинг Пенн (Irving Penn) родился в 1917 году в Плейнфилде, штат Нью-Джерси.
 В возрасте восемнадцати лет он поступил в класс Алексея Бродовича (Alexey Brodovitch) на курс рекламного дизайна в Школу искусств при музее искусств Филадельфии. В это же самое время Пенн устроился подрабатывать курьером в журнале 'Harper's Bazaar', после рисовал эскизы обуви, был подмастерьем.
 В 1938 году, окончив учебу, Пенн стал арт-редактором в роскошном универмаге 'Saks Fifth Avenue'. Однако, через несколько лет, в возрасте двадцати пяти, поддавшись творческому порыву, он уволился, бросил все и отправился в Мексику, где целый год занимался живописью, проживая свои не слишком большие сбережения. Впоследствии все свои мексиканские полотна художник уничтожил.
 Вернувшись в Нью-Йорк, Ирвинг Пенн прошел собеседование и вновь получил должность арт-редактора – на этот раз в популярнейшем издании 'Vogue'. В первое время Пенн помогал Алексу Либерману, ассистентом которого он был назначен, но его видение фотоснимков совсем не совпадало с мнением фотографов, а потому в один прекрасный момент Либерман настоял, чтобы Пенн сам взял в руки фотоаппарат. Вооружившись редакционной камерой, Пенн создал свой первый фото-натюрморт - коричневая кожаная сумка, бежевое кашне и перчатки, кроме этого в объектив попал большой топаз и цитрусовые. Фотография появилась на обложке 'Vogue' от 1 октября 1943 года. Так началась блестящая карьера фотографа и художника Ирвинга Пенна.
 С тех пор Пенн начал снимать сам, доказывая своими работами, что минимализм - синоним роскоши. Его стиль впоследствии был признан воплощением аристократической элегантности.
 При этом новоявленный фотограф демонстрировал удивительную работоспособность и энергичность – он не только снимал и редактировал, но принимал участие в рекламе, фотожурналистике, портретной и постановочной фотографии, и даже работал для телевидения.
 Среди прочего, он постоянно экспериментировал – одним из им созданных приемов является 'помещение человека в замкнутое пространство'. Для этого Пенн брал две плоскости, образовывающие угол, помещал туда свою модель. Художник объяснял, что некоторые люди чувствуют себя в таком пространстве уверенно и свободно, в то время как другие начинают беспокоиться и чувствуют себя в капкане. А потому внимание, концентрация которого требуется при съемке, достигается наиболее легко и полно. Таков был Ирвинг Пенн в ранние годы.
 Наиболее известные и заметные модели 'углового' периода Пена - Ноэль Кауард, герцогиня Виндзорская и Спенсер Трэйси.
 Другой характерный прием – использование при съемках древнего ковра, который фотографу посчастливилось купить в одном из магазинчиков на Третьей Авеню. Ковер был обязательным антуражем портретов Пенна в течение нескольких месяцев и в разных цветовых сочетаниях встречался во многих его работах того периода - на его фоне запечатлены Джон Дьюи и Альфред Хичкок.
 Есть мнение, что 'Vogue' двух послевоенных десятилетий - это Ирвинг Пенн.
 Широко известен и еще один фотопроект Пенна - 'Small Trades'. Проект состоял из большого количества портретов рабочих в униформе, держащих в руках атрибуты своей профессии или ремесла. Каждый портрет был на белом фоне и освещался со стороны (освещение со стороны вообще было характерным для большинства портретов Пенна).
 Свою знаменитую фразу - 'Съемка пирожного тоже может быть искусством', - Пенн сказал в 1953 году, на открытии собственной студии. Студия Пенна проводила весь цикл работ с черно-белыми фотографиями, зато цветные пленки художник всегда отсылал в другие лаборатории.
 Несмотря на то, что уже с начала сороковых годов Пенн работал с цветной пленкой, настоящий Ирвинг Пенн – это черно-белый кадр с четко выверенной композицией, не допускающей никаких случайностей. Герои его сюжетов просто стояли или сидели, но в этой простоте и была некая композиционная изысканность, роскошь в диапазоне от черного цвета до белого. Таланту фотохудожника распахнули двери даже самые консервативные музеи мира (примечательно, что Ирвинг Пенн стал первым фотографом, чьи работы были выставлены в Эрмитаже).
Кроме фоторабот в американск
 ом, британском и французском изданиях 'Vogue', фотографические шедевры Пенна находятся в крупнейших американских музеях - Музее современного искусства в Нью-Йорке, музее Метрополитен, галерее американского искусства 'Addison', Балтиморском музее искусств
 В 1958 году журнал 'Popular Photography' назвал Пенна одним из десяти величайших фотографов мира.
 С 1950 года Пенн был счастливо женат на своей любимой модели – Лизе Фонссагрив-Пенн, с которой у фотографа родился единственный сын.
 7 октября 2009 года, на 93-ем году жизни, Ирвинг Пенн умер в своем доме в Манхэттене. 'Классик фотографии', 'революционер модной и рекламной фотографии', автор сотен снимков из хрестоматий – так называли Пенна еще при жизни. На его работах учатся студенты всех полиграфических школ мира.