ЖИВОПИСЬ НА БЕРЕСТЕ. 

РАБОТЫ  АЛЕКСАНДРА  И  ТАТЬЯНЫ  НОРЫК

Александр и Татьяна Норык - подмосковные художники. Когда художники увидели один сюжет, нарисованный на бересте, то решили, сколько фантазии они могут воплотить в работе с ней. Она их заворожила. Береста -это верхний слой коры, снятый с березы, белый с одной стороны и золотисто-желтый с другой. Для работы на бересте можно использовать масляные краски или темперные, приятная матовость и бархатистость подчеркивают природную красоту. Темперные краски отличаются быстрым сроком высыхания и впоследствии образуют пленку, которая не растворяется водой. Цвет и тон в произведениях, проявляет несомненную стойкость к внешним воздействиям и дольше сохраняет свежесть по сравнению с масляной живописью.Работы, выполненные темперой по бересте, отличаются сказочностью и, в тоже время,простотой сюжета.

Художник Сэр Лоуренс Альма Тадема (Sir Lawrence Alma-Tadema) 

 

В семье деревенского нотариуса Питера Тадема, проживавшего в небольшом местечке Дронрейп, расположенного на севере Голландии, 8-го января 1836-го года появился шестой ребёнок. Это был мальчик, получивший при крещении имя Лоуренс Альма. Такое имя носил его крёстный отец.

Родственники мечтают, что Лоуренс в выборе профессии продолжит династию, став адвокатом, но мальчик в 15 лет заболел весьма опасной в те годы болезнью – чахоткой. Про карьеру адвоката пришлось забыть, но у Лоуренса появилось новое увлечение, определившее его судьбу – рисование. 
В 1852-м году Юноша поступает в художественную академию, расположенную в бельгийском городе Антверпене. Обучение продолжается целых шесть лет. Классом, в котором учился Лоуренс, педагогом был известный представитель романтизма – бельгийский живописец Хендрик Лейс. 
Последние два года учёбы начинающий художник, вместе со своим педагогом, расписывал фресками городскую ратушу. Фрески были посвящены историческому прошлому Фламандии. Первыми самостоятельными работами Лоуренса были картины на исторические темы. 
В сентябре 1863-го года молодой человек создаёт семью. Его супругой становится Мари-Паулина Грессен. После венчания молодая пара совершает свадебное путешествие по Италии. Эта поездка стала новой точкой отсчета в его творчестве. 
Посещая города Древнего Рима, Лоуренс делал множество фотографий, которые в дальнейшем служили основой для его картин. Великолепие древних руин городов очаровало художника, он загорелся желанием изобразить на полотнах ту жизнь, которой были полны когда-то древние улочки и площади. 
После поездки, римская и греческая история, культура и живопись, стали главным увлечением Лоуренса. Он усердно изучал археологию, даже участвовал в археологических экспедициях. 
Это позволило художнику правдиво передавать все детали быта людей, которые изображались на его картинах. Он знал все детали из жизни Древнего Рима, мог с подробностями нарисовать, как одевались жители, как выглядели их дома и каким оружием сражались древние воины. Теперь главной темой большинства его картин стала античность. 
Когда, в 1870-м году, Лоуренс переехал в Лондон, то даже интерьер своего дома он оформил так, как выглядели дома древнеримской знати. Теперь он мог писать свои картины почти с натуры, перенося на холст виды своего жилья. 
Английские ценители живописи были покорены историческими полотнами художника. Через три года Лоуренс стал подданным Британии. Проживая в Лондоне, мастер исторической живописи продолжал писать в присущем ему стиле. Чаще всего на своих полотнах он изображал женщин, которые принадлежали к различным слоям общества, но неизменно были красивы и грациозны. 
Это время стало началом наибольшей известности художника, пиком которой стал 1890-й год. За это время было написано огромное количество полотен. За свою работу Лоуренс получил множество почётных наград, а в 1899-м году почётное звание кавалера ордена «За заслуги». 
В этом же году, королева Англии вручила художнику знак рыцарского достоинства. Теперь его полное имя выглядело - Сэр Лоуренс Альма-Тадема. 
Кроме работы над картинами, Лоуренс пробовал свои силы, как театральный художник, оформляя спектакли в лондонских театрах. 
Свой жизненный путь художник закончил, находясь на лечении в Висбадене, в 1912-м году. Похоронили Сэра Лоуренса Альма-Тадема в лондонском соборе святого Павла, отдав ему все положенные как рыцарю почести. 

Пандора
1881

Мари Элизабет Луиза Виже-Лебрен, автопортрет, 1782 год.

Родилась в Париже. В раннем детстве начала учиться рисованию у своего отца, а после его смерти, когда ей еще не минуло девяти лет, брала уроки живописи у Г. Бриара, занималась в луврской галерее копированием и пользовалась советами Дойена, Грёза и Ж. Верне. 
Уже в конце 1760-х гг. Виже рисовала вполне профессионально: косвенным свидетельством её успеха может служить то, что её мастерская была формально закрыта властями за отсутствие у юной художницы патента. 

В 1776 г. Виже вышла замуж за Жана Батиста Пьера Лебрена, художника и, в большей степени, торговца живописью. Связи мужа усилили популярность юной художницы-портретистки в среде французской знати, и в конце концов Виже-Лебрен была приглашена в Версаль рисовать королеву. Мария Антуанетта очень высоко оценила работу художницы и засыпала её дополнительными заказами, а в 1783 г. оказала, со своей стороны, определённое давление на французский художественный истеблишмент с тем, чтобы Виже-Лебрён была благополучно избрана в члены Королевской академии живописи и скульптуры. 

C 1780-х гг. Виже-Лебрен много ездила по Европе (часто вместе с мужем), работая в разных странах. В этих поездках ею были написаны портреты многих царственных особ, государственных деятелей и иных заметных фигур: так, в Голландии Виже-Лебрен писала будущего короля Виллема I, в России в 1795—1799 гг. — последнего польского короля Станислава Понятовского, великую княгиню Анну Федоровну (жену великого князя Константина Павловича) и других членов императорского семейства. В различных странах Виже-Лебрён также избиралась в местные Академии художеств. 
Все ужасы Французской революции, как это ни парадоксально звучит, принесли Виже-Лебрен еще большую славу. Ее как близкую подругу мученицы-королевы Марии-Антуанетты с почетом принимали европейские монархи. 
Екатерина II, люто ненавидевшая якобинцев, оказывала любезный прием изгнанникам и, в числе других, пригласила Виже-Лебрен к своему двору, куда Луиза и прибыла 25 июля 1795 года. 
Во время аудиенции художница отметила чрезмерную полноту императрицы, «но еще красивое лицо, обрамленное седыми волосами, придававшими ее облику совершенство». Государыня предложила изгнаннице поселиться в Царском Селе, однако апартаменты во дворце не выделила. В чем Луиза справедливо усматривала придворные интриги. 
В воспоминаниях о последнем фаворите императрицы она напишет: «Зубов меня не любил». Луиза не переносила, когда во время работы к ней приходили гости, желавшие взглянуть на ее картины, поэтому она установила приемные часы. Ловкий царедворец туг же нажаловался императрице - мол, у госпожи Лебрен тоже свой двор, она, подобно своей покровительнице, дает аудиенции. 
Екатерина II, не терпевшая соперничества, отомстила, разругав в письме к одному из парижских друзей работу Виже-Лебрен: «Последовательница Анжелики Кауфман пробует свои кисти и начинает писать великих княжон Александру и Елену... Госпожа художница заставляет обеих скорчиться на диване, сворачивает шею младшей, придает обеим вид мопсов, греющихся на солнце...». 
Престарелая императрица не принимала свежие веяния в моде и не на шутку рассердилась, когда на один из балов супруга ее внука Александра, великая княгиня Елизавета, явилась в платье-тунике на античный манер, фасон которого сочинила француженка. Это не помешало великой княгине заказать еще несколько своих портретов и... попросить о новых моделях нарядов. 

Луиза получила звание почетного вольного общника Императорской Академии художеств и множество заказов от царской семьи и знати. За каждый портрет (из более чем 50 написанных ею в России) художница запросила около четырех тысяч рублей, что было по тем временам невероятно огромной суммой. 
Приехав в Москву в октябре 1800 года, прагматичная дама пожаловалась графине Екатерине Строгановой на проблемы с жильем, и графиня сразу же ответила, что у нее есть прелестный и никем не занятый дом, в котором она и попросила свою гостью остановиться. В качестве благодарности (и сэкономив приличные деньги!) художница написала портрет дочери Строгановой. 
Пребывание Луизы в России совпало с огромными историческими переменами: эпоха Екатерины II сменилась павловской, а затем и александровской. Ее глаз профессионала отмечал в новом императоре: «Павел был чрезвычайно уродлив. Плоский нос и очень большой рот с очень длинными зубами делали его похожим на голову смерти». 
Есть легенда, что художница не справилась с поручением государя нарисовать панораму Москвы с высоты Воробьевых гор. Якобы час она простояла в молчании, затем бросила палитру и мелодраматически произнесла: «Не смею...». 
В Москве же она узнала страшные подробности гибели Павла I и заметила: «Я твердо убеждена, что Александр ничего не знал о попытке покушения на жизнь отца». 
В светских салонах ее принимали как желанную гостью. Графиня Варвара Головина писала: «Эта прелестная женщина блещет остроумием и различными талантами». Однако теплый прием не помешал иностранке рассказывать позже, что придворные русские дамы оставляют драгоценности на подоконниках распахнутых окон дворцов в полной уверенности, что от воров их оберегают Николай-угодник и Дева Мария. О жизни же простых людей мадам Виже-Лебрен не знала практически ничего. По ее наблюдениям, здесь «никогда не увидишь пьяного». И с чистой совестью утверждала: русский народ трудолюбив, не ворует и мягок нравом, а также русские «проворны, умны, познают ремесла чрезвычайно легко, многие даже добиваются успехов в искусствах». 

Переждав таким образом Великую Французскую революцию, Виже-Лебрен вернулась во Францию по приглашению Наполеона и до 1814 г. жила, главным образом, в своём поместье в Лувесьене, а когда с наступлением войск союзников на Париж поместье было занято прусской армией, вернулась в Париж. Виже-Лебрён оставила пространные мемуары, опубликованные во Франции в 1835—1837 гг., российская часть которых «Воспоминания г-жи Виже-Лебрен о пребывании ее в Санкт-Петербурге и Москве, 1795—1801: С приложением ее писем к княгине Куракиной» переведена и опубликована по-русски (СПб.: Искусство-СПб., 2004. — 298 с.). 
Виже-Лебрен оставила 660 портретов и около 200 пейзажей. 

Биография: http://ru.wikipedia.org/wiki/?4??4??4??6?-?4??4??4??4.. 
http://rexstar.ru/content/alb1464 


Автопортрет, 1790, Уффици, Флоренция

Портрет графини Екатерины Скавронской

 
 

Художник Александр Александрович Александровский родился в в 1951 году в г. Пушкин, пригороде Санкт-Петербурга. 
В 1983 по 1989 гг. он учился в Санкт-Петербургской Академии Художеств им. И.Репина на факультете живописи в мастерской профессора Б.С. Угарова, который он закончил с отличием. Его дипломная работа "В гражданскую" была признана одной из лучших на курсе. 

В настоящее время Александровский является членом Союза Художников России и одним из популярнейших живописцев в стиле Vintage. Художник работает в различных жанрах: пейзаж, натюрморт, портрет и жанровая живопись. Постоянный участник проекта "По святым местам России", участник творческой группы Союза Художников "Очарованный странник". Его работы хранятся в коллекции музейно-выставочного центра "Мойка, 100". 
Персональные выставки Александровского прошли во многих странах мира, в том числе в Нью-Йоркской Академии искусств в 1989 году. Многие работы художника находятся в ряде частных коллекций России, Испании, Франции, Израиля и США, а также продаются на многих мировых аукционах. 

Официальный сайт: http://www.alexandrovsky-art.com/ 

Художник Александр  Александровский

Художник  Эд Мелл (Ed Mell)  

 
Эд Мелл (род. 1942г., Phoenix, Arizona) - американский художник. 
Рисует Мелл с тех пор, как только смог держать в руках карандаш. Окончив колледж в своём родном городе, он поступил в Художественный Центр дизайна в Лос-Анджелесе. Вскоре после его окончания, в ноябре 1967, перебрался в Нью-Йорк, где принял должность арт-директора крупного рекламного агентства. 
В поисках большей художественной свободы, он открыл собственную Арт-студию, что принесло ему известность и признание в США. 
В Финиксe Мелл и его младший брат решили открыть свой собственный бизнес в области иллюстрации. Но в Финиксе их работа не была востребована в той степени, как это было ранее в Нью-Йорке. Таким образом, во время рабочих пауз он начал делать наброски пейзажей, рисуя цветными карандашами. Цветные карандаши постепенно перешли в краски, и к 1978 он превратился из художника по рекламе в художника-пейзажиста. 
В период своего творчества Mell постоянно менял темы и стили, экспериментировал в различных художественных техниках. Хотя свою известность он получил благодаря картинам, он также работал и в области скульптуры. 
Эд Мелл получил многочисленные премии и награды. Художник был отмечен в главных художественных публикациях. 
Его искусство было представлено на девяти музейных выставках, включая the Eiteljorg Museum of American Indian and Western Art, Scottsdale Center for the Arts, Mesa Southwest Museum, и the Rockwell-Corning Museum of Modern Art. Его биография "Beyond the Visible Terrain: The Art of Ed Mell" ("За пределом видимого ландшафта: искусство Эда Мелла") была издана в l996. Его искусство также было представлено в "Leading the West: 100 Contemporary Painters & Sculptors" и "Place of Spirit: Canyon de Chelly, 100 Years of Painting and Photography"

Сказало время: " Я заглажу и если надо —залечу" ...Любовь сказала: "Я согрею, а если надо — оживлю" ... Душа ответила: " Я верю!" ... И лишь реальность, промолчав, ушла и, громко хлопнув дверью, сказала: " Ловко на словах!" 

Художник Эд Мелл (Ed Mell).

Солнечные картины английского художника STEPHEN DARBISHIRE (род. 1940).

Stephen Darbishire - современный английский художник, родился в 1940г. в Англии. Его отец был врачом, мать - певицей. После окончания школы Stephen Darbishire много путешествовал по Европе, провел год в качестве миссионера в Западной Африке. Затем он исследовал мир популярной музыки, где и познакомился со своей женой Kerry. Kerry стала его стабилизирующей силой, оказала влияние и направила все силы Stephen Darbishire в живопись. В 1983г. после борьбы в течение многих лет его картины, наконец, получили признание.
В настоящее время Stephen Darbishire живет со своей женой и семьей на ферме у озера среди гор (горно-озёрный край в Англии, который называется «Lake District» — край озер). Любовь к своему окружению проходит через все его картины. Интерьеры коттеджей и фермерских домов, солнечный свет через окна, пожары в открытых очагов, столы для послеобеденного чая (Kerry, его жена любит готовить), вазы с цветами от живых изгородей и садов, все это отражено в картинах художника.

Мартин Джонсон Хейд -

художник-натуралист

Художник Мартин Джонсон Хед (Martin Johnson Heade) родился 11 августа 1819 года в маленькой деревушке Ламбервилл, расположенной на берегу реки Делавэр, штат Пенсильвания. Он был старшим сыном в большой семье Джозефа Хида (псевдоним «Хед» Мартин возьмет после переезда в Нью-Йорк), фермера и владельца лесопилки. 
Первые уроки живописи Хеду давал местный, не менее прославленный, художник Эдвард Хикс, который, впрочем, не был наделен большим талантом – как живописца, так и педагога. У Хикса Мартин выучился только основам изобразительного искусства, а утонченность техники он постигал самостоятельно и очень успешно. 
В двадцать лет Мартин Хед отправляется в Мекку искусства – Рим. Два года спустя, он возвращается в Пенсильванию, где впервые демонстрирует свои работы в Академии изящных искусств. В 1843 году Хед переезжает в Нью-Йорк и продолжает работать в жанре портрета, иногда прерывая унылую монотонную вереницу лиц набросками натюрмортов. Склонный к странствиям, художник не переносит постоянства, и снова следует череда переездов: Сент-Луис, Чикаго, Трентон, Провиденс... 
В 1859 году Мартин Джонсон Хед вновь оказывается в Нью-Йорке. Из всех своих нью-йоркских знакомых-художников Хед больше сближается с Фредериком Черчем, пейзажистом и романтистом. Именно Черч помогает Мартину найти его собственный стиль, настаивая на том, чтобы друг попробовал себя в пейзажной живописи. Фредерик Черч оказался прав – у Хеда прекрасное чувство цвета и пространства, он создает изумительные панорамные полотна. 
В 1863 году художник совершает путешествие в Бразилию. Тропики страны – настоящий рай для биологов и пленэристов. Теперь темами для картин Мартина Хеда становятся только амарантовые, лавандово-розовые орхидеи и эфемерные колибри. Бразильская серия насчитывает более сорока картин, они планировались для иллюстрирования книги Хеда «The Gems of Brazil», которая так и не будет издана из-за финансовых трудностей и сомнений Мартина Джонсона в качестве миниатюр. 
Любовь к природе тропических лесов влечет художника к новым путешествиям, и он совершает ряд поездок в Никарагуа, Панаму, Ямайку и Колумбию. 
Значимое место в творчестве натуралиста занимают картины соленых болот Новой Англии, световые эффекты которых характеризуют Мартина Хеда еще и как художника-люминиста. 
В 80-х Хед возвращается к живописи натюрмортов, манеру написания которых развил двадцать лет назад. Самый знаменитый его натюрморт – огромные молочные магнолии с глянцевыми листьями на ультрамариновом бархате – принес ему финансовый успех и признание. Но поклонник его творчества при жизни был только один – промышленный магнат Генри Флаглер, скупавший все картины художника. 
Цветы были, пожалуй, самой любимой темой Мартина Джонсона Хеда. Многочисленные тропические орхидеи, нежные египетские лотосы, пергаментно-сухие розы, цветущие ветки диких яблонь и, конечно же, магнолии. Магнолии на столе, в раковине наутилуса, на синем, краплаковом, золотом бархате. Резкость передачи формы, фактуры и цвета выделяла художника среди прочих живописцев XIX века. 
В 1883 году Мартин Хед женится, переезжает во Флориду, где и умирает в возрасте 85 лет.

Мир балета

Эдгара   Дега

Эдгар Дега (1834—1917) — пожалуй, самый классичный из импрессионистов. Он учился в Школе изящных искусств под руководством одного из учеников прославленного художника Энгра, поклонника искусства античности и в целом классической живописи. Учитель оказал на Дега большое влияние, которое так или иначе он пронес через весь свой творческий путь. Окончив Школу, Дега поехал в Италию учиться у старых мастеров: Беллини, Боттичелли и других, копируя их полотна.

В 1862 году в залах Лувра произошло знакомство Дега с Эдуардом Мане, изменившее всю его жизнь. Через него он знакомится с будущими импрессионистами — Моне и Ренуаром. Сближение с импрессионистами ознаменовало начало нового этапа творчества художника. Однако все же прежняя выучка по-прежнему давала о себе знать. Если импрессионисты считали важнейшим своим принципом писать картину с натуры, то к Дега это не относится. Он любил повторять, что следует «наблюдать не рисуя, а рисовать не наблюдая». Дега не одобрял стремления импрессионистов работать на пленэре. Вообще, у него с ними было не так уж много общего. С ними его сближало желание отойти от академических шаблонов, обращение к темам современной жизни, правдивое изображение мгновений живой жизни. Названия его картин говорят сами за себя: «Урок танца», «Раненый жокей», «Гладильщица», «Жокеи перед трибунами», «У модистки» и др. 

Дега любил изображать людей, особенно женщин, но не позирующих в застывшей позе, а словно бы застигнутых врасплох за своими занятиями, в характерных для них позах, с присущими им жестами. Темой балета художник увлекся в 1870-е годы. Изображая танцовщиц, художник стремится запечатлеть их не на сцене во всем блеске, нет, он предпочитает показать нам трудовые закулисные будни. Таковы картины «Танцовщицы на репетиции» (1874?), «Танцовщица у фотографа» (1875), «Ожидание» (1880), «Две танцовщицы» (1898) и др. Однажды в ответ на вопрос, почему он так часто обращается к теме балета, он неохотно откликнулся: «Меня называют живописцем танцовщиц; не понимают, что танцовщицы послужили мне лишь предлогом писать красивые ткани и передавать движения». 

С 1870-х годов он увлекся пастелью, сочетающей в себе качества живописи и графики одновременно. Эта техника подходила к художественным вкусам Дега, преклонявшегося перед линией. «Я колорист посредством линии», — говаривал он. Импрессионисты же молились другому богу — цвету. 

Автопортрет

Автопортрет Дега в зеленом жакете, 1855-1856 

Вильям Бугро/Бугеро

(William-Adolphe Bouguereau)

Бугеро, Бугро (William-Adolphe Bouguereau) Вильям-Адольф, французский живописец, крупнейший представитель салонной академической живописи. Родился 30 ноября 1825 года в городе Ла Рошель. Изучал живопись в Королевской школе изящных искусств. По окончании школы получил главный приз - поездку в Италию. По возвращении из Рима некоторое время занимался росписью фресок в стиле итальянского Возрождения в домах французских буржуа. Собрав необходимый капитал, окончательно посвятил себя любимому делу - академической живописи. Карьера Бугеро, как академического живописца, сложилась довольно успешно, художник пользовался признанием и благосклонностью критиков и выставлял свои картины в ежегодных парижских салонах на протяжении более чем пятидесяти лет. На выставках парижского Салона 1878 и 1885 годов удостоен высшей награды - золотой медали, как лучший живописец года Франции. 
Картины Вильям-Адольфа Бугеро на исторические, мифологические, библейские и аллегорические сюжеты были композиционно тщательно выстроены и кропотливо выписаны, вплоть до мельчайших деталей. 
Наиболее известные полотна живописца - "Триумф мученицы", 1854; "Ореады", 1857; "Рождение Венеры", 1879; "Нимфы и Сатир", 1881; "Молодость Бахуса", 1884. Бугеро также исполнял стенные росписи и портреты. Бугеро выступал против выставления работ импрессионистов в парижских салонах, считая их картины просто незаконченными эскизами. 
После его смерти и периода забвения его работ, творчество Бугеро было по достоинству оценено современными критиками, как значительный вклад в развитие жанра академической живописи. Главная ретроспективная выставка работ Бугеро открылась в Париже в 1984 году, затем была показана в Монреале, Хартфорде и Нью-Йорке. 
Умер Вильям-Адольф Бугеро 19 августа 1905 года в своем родном городе Ла Рошель

Ранее о художнике см.: http://www.liveinternet.ru/users/truskovalent/post330509461

"Цыганка"
1891

Egidio Antonaccio –

художник импрессионист 

Художник из Америки Egidio Antonaccio по происхождению итальянец. Он родился в 1954 году в Castelluccio, Италия. Когда ему исполнилось 19 лет в 1973 году, он закончил институт Изобразительного искусства в своем родном городе, а затем в 1978 году закончил академию изящных искусств во Флоренции. Вскоре, через три года он кардинально меняет свое место жительство и переезжает в Соединенные Штаты и поселяется в Северной Каролине. 
Egidio Antonaccio художником импрессионистом, чьи картины выражают любовь к природе и человеку. Горы солнечных долин и тенистые склоны холмов стали неисчерпаемым источником вдохновения для художника. Он стал известен по его цветочным пейзажам, темы которых меняются от элегантных садов в уединенном поместье до обыкновенных деревьев и кустов азалии. Его техника отличается легкостью и изысканностью, темы его работ нежны и романтичны. Каждая его картина наполнена благодатью и удивительной силой. Цветы, изображенные в его работах, наполнены летним ароматом. 
Antonaccio является сверх талантливым художником с гениальной фантазией. Его работы опубликованы во всех ведущих художественных издательствах и экспонируются в многочисленных частных и корпоративных коллекциях по всей территории Соединенных Штатов и Европы

Я знаю тайну... Художник Egidio Antonaccio

Весенняя деревенька

John Sloane

Джон Френч Слоан – американский художник- импрессионист.

Родился он 2 августа в 1871г в Пенсильвании. Сначала он работал в одном из журналов в своем штате, рисуя иллюстрации и карикатуры. Одновременно Джон учился в школе изящных искусств в Филадельфии. Благодаря своему учителя, художнику Роберта Генри, начинает рисовать масляными красками. 
В1904 году он переезжает в Нью-Йорк, и через несколько лет поселяется в квартале художников Гринвич-Виллидж. Через два года начинает преподавательскую деятельность в Школе искусств. Среди его учеников числятся Джордж Уэсли Беллоуз, Эдвард Хоппер, младший сын Шолом-Алейхема, художник Норман Райбен Умер художник 7 сентября 1951 г в Нью-Гэмпшир. 

Его весенние иллюстрации показывают простую, размеренную, но в то же время умиротворенную и приятную жизнь обычных американских семей. 

Мастер женского портрета

Джованни  Болдини

Джованни Болдини - итальянский живописец, портретист и жанрист. Родился в Ферраре 31 декабря 1842 года в семье художника. Шесть лет учился во флорентийской Академии художеств. Испытал влияние Эдуара Мане, Гейнсборо и других английских портретистов 17-18 века. С 1869 года Болдини работал в Лондоне, где впервые стал широко известен как портретист. В 1871 поселился в Париже и стал выставлять свои работы в Салоне. 

В высшем парижском обществе Джованни Болдини преуспел в создании изощренно-элегантных образов грациозных, утонченных красавиц и светских эстетов-денди. В пейзажной и жанровой живописи, а позднее в портрете Болдини использовал опыт мастеров пленэрной живописи и импрессионистов. Работы художника отличаются виртуозностью живописной техники и замечательной гармонией колорита.
В 1872 году окончательно перебравшись в Париж, Джованни Болдини начал исполнять женские портреты – динамичные в выборе позы, однако строго выверенные по композиции и красочной гамме. Болдини писал портретируемых в свободной, импровизационной манере, используя длинные и острые мазки. Нюансы серого и белого, близкие Уистлеру, почти монохромность колорита выражали неизъяснимые состояния души; к концу века эта формула цветового аскетизма стала «языком для посвященных» – знаком элегантного, элитарного эстетизма. 
С 1880-х годов Болдини занял прочное место в артистической парижской среде как мастер виртуозных светских портретов, отличавшихся выразительной характеристикой кокетливо-дерзких дам высшего света и их изощренных вечерних туалетов. Атмосфера утонченного декаданса, наполненного символическими ассоциациями и оттенками чувств – дух «конца века», fin de siecle– пронизывает бравурное и эффектное искусство Болдини, в котором современники видели прямого продолжателя великих традиций старых мастеров. 
В 1932, после смерти мастера, прошла его персональная выставка в рамках венецианской Биеннале; в 1933 была организована посвященная ему мемориальная выставка в Нью-Йорке.

Марта Бибеску