«Французский римлянин» Никола Пуссен родился в Нормандии, учился в Париже, большую часть жизни работал в Риме, и прославился своим искусством во всей Европе. «Пейзаж с Полифемом» относится к позднему периоду творчества Пуссена, когда в его произведениях усиливается особая роль пейзажа и философское восприятие мира. Сюжет картины восходит к «Метаморфозам» древнеримского поэта Овидия. В поэме эту историю от первого лица рассказывает морская нимфа Галатея, полюбившая прекрасного юношу Акида. В то же самое время к ней воспылал страстью страшный Циклоп Полифем. Последний был настолько жесток и свиреп, что топил корабли, крушил скалы, топтал деревья, но даже этот «презритель богов олимпийских, знал, что такое любовь». ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Завоевавший всемирную славу как оформитель Дягилевских «Русских сезонов» художник Лев Бакст работал над огромным панно «Древний ужас» («Terror antiquus») мучительно и долго — более трех лет. Получившаяся картина произвела колоссальное впечатление на выставке в Париже 1909 года, а в следующем году на Международной выставке в Брюсселе панно даже удостоилось золотой медали. В нем увидели воплощение сразу нескольких идей — неотвратимости судьбы, космической катастрофы и «бессмертной женственности». Сам же Бакст признавался: «Картина моя мне разонравилась…Я не того хотел добиться, что вышло. Надеюсь, в следующей вещи удастся выразить вполне то, что тянет сделать». ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Светило Микеланджело Буонарроти является одним из ярчайших на небосклоне Высокого Возрождения. Прожив почти девяносто лет, Микеланджело оставил уникальное наследие, которое надолго предопределило развитие всего европейского искусства. Побывав в Италии во Флоренции, можно увидеть знаменитого «Давида», в Риме – росписи Сикстинской капеллы, а также прославленный архитектурный шедевр Микеланджело – купол собора Св.Петра в Ватикане. В Петербурге же находится всего одно творение великого гения, но и оно делает нас причастными тайнам его творчества. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Итальянец Антонио Канова родился в семье строителей-каменщиков, и уже с пятилетнего возраста он научился работать с мрамором. С 16 лет у Кановы своя мастерская, а с 25 – он известнейший скульптор в Европе. Канова работал над «Танцовщицей» с 1806 по 1812 год – она предназначалась для французской императрицы Жозефины Богарне. После смерти Жозефины в 1814 году «Танцовщица» перешла по наследству ее сыну Евгению Богарне, который увез ее в Баварию, где она находилась в Мюнхене во дворце герцога Лейхтенбергского. Когда сын герцога Максимилиан вступил в брак с великой княжной Марией Николаевной, скульптура вместе с ним переехала в Россию. Мраморная танцовщица стоит в чуть наклонной балетной позе, приподнявшись на носках, выступая вперед, приподнимая длинный хитон для того, чтобы были видны танцевальные движения ног.
ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

V век до н.э. — эпоха наивысшего расцвета древнегреческой культуры. Мифы о богах, подобных человеку, и о героях, подобных богам, составляли главную содержательную основу всего древнегреческого искусства. В древности существовала широкая классификация сосудов, где каждый имел свою форму, название и функцию. Кратер предназначался для смешивания воды и вина. Греки не пили вино неразбавленным – это считалось проявлением дикости – они смешивали его с водой наполовину или на две трети. Кратер представляет собой, как правило, вместительный сосуд с широкой горловиной и двумя ручками по бокам. В Эрмитаже представлен интересный кратер с изображением мифа о Посейдоне и Амимоне. Властитель морей Посейдон (у римлян Нептун) был почитаем по всей территории Греции, и во многих городах считался главным божеством. Один из мифов рассказывает, как однажды жители города Аргос решили отдать первенство в поклонении не ему, а богине Гере, и тогда Посейдон, оскорбившись, лишил их воды... ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Этот портрет был исполнен художником в поздний период творчества, буквально за 2-3 года до смерти. На нем изображена 14-летняя Надежда Петровна Жданович – младшая сестра Павла Ждановича, сослуживца и хорошего друга Федотова. Удачно смотрится найденный художником легкий разворот фигуры, обращенный к зрителю взгляд, скользящие по клавишам пальцы. Скромное учебное платье подчеркивает будничность происходящей сцены, а простой лаконичный фон, где нет места ничему лишнему, только еще больше усиливает впечатление обыденности. На светлом золотистом цвете стены особенно отчетливо выделяется девичий силуэт – упругий, плавный, грациозный. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Исследователи относят создание этой картины к 1478 году, а это означает, что Леонардо да Винчи написал ее, когда ему было всего 26 лет. В 1914 году «Мадонна с цветком» была приобретена в коллекцию Императорского Эрмитажа из частного собрания семьи Бенуа. Незадолго до этого хранитель картинной галереи Эрмитажа Эрнст Карлович Липгарт высказал предположение, что произведение принадлежит кисти великого Леонардо, и в этом его поддержали ведущие европейские специалисты. Довольно скромная и непритязательная на первый взгляд «Мадонна с цветком» удивительна тем, что раскрывает свою прелесть далеко не сразу, а постепенно, по мере погружения в этот особенный внутренний мир. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Один из самых выдающихся русских портретистов — Василий Тропинин — создал портрет общепризнанного гения — А. С. Пушкина — в 1827 году. Относительно того, кто был заказчиком картины, до сих пор нет единого мнения. Согласно одной версии, портрет был заказан Тропинину другом Пушкина Сергеем Соболевским. Другая версия гласит, что Пушкин сам заказал этот портрет для Соболевского, «и поднес его, в виде сюрприза, с разными фарсами». Александр Сергеевич кисти Тропинина получился по-домашнему растрепанным, непринужденно свободным и расслабленным. Из-под его халата виднеется ворот белой рубахи, а на шее небрежно повязан платок. На правой руке, что покоится на столе с бумагами, можно разглядеть два перстня, которые имели очень большое значение в жизни Пушкина. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Знаменитая фирма Фаберже – «поставщик Высочайшего Двора» — в конце XIX века выполнила оригинальный ларец по заказу «верноподданнейших» оренбургских казачек. Последние преподнесли творение Фаберже в подарок императрице Александре Федоровне – супруге Николая II. Сейчас этот драгоценный ларец из древесины карельской березы хранится в Павловском дворце-музее. Внешне он напоминает комод эпохи Людовика XV, украшенный замысловатыми серебряными накладками в стиле рококо. Орнаменты из серебра исполнены с непревзойденным мастерством, а качество сплава 88 пробы говорит само за себя: Фаберже никогда не экономил на материалах. Внутри ларец обит голубым плюшем, и он, конечно же не был преподнесен императрице пустым. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Живописец, скульптор, рисовальщик и театральный художник Дмитрий Стеллецкий — одно из незаслуженно забытых имен многоликого русского искусства начала ХХ века. Увлечение древним церковным искусством предопределило всю его художественную деятельность. Современник эпохи Александр Бенуа писал, что «искусство Стеллецкого — это тоже древнее, не знающее ни начала, ни конца, причитанье — над всей нашей культурой, над всем, что в нас умирает и умерло». Такова и раскрашенная деревянная скульптурная группа «Знатная боярыня» или «Марфа Посадница». История Марфы неразрывно связана с драматичным периодом борьбы Великого Новгорода за независимость от Москвы в XV веке. У Стеллецкого суровая и властная Марфа Борецкая поистине воспринимается как символ своей эпохи. Главная героиня опирается одной рукой на посох, в другой держит платок. Наряд ее богат, лицо сурово, и, кажется, что в нем отразились все тягости неспокойного XV века. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Анри Эмиль Бенуа Матисс создал собственный художественный язык, для которого характерны интенсивные локальные цвета, обобщенные формы, отсутствие светотеневой моделировки и отказ от линейной перспективы. Картина Матисса «Разговор» основана именно на этих законах. Кажущаяся простота «Разговора» Матисса обманчива, а сам художник обладает необыкновенно глубокими познаниями в истории искусства для того, чтобы выразить интересующую его тему предельно просто и ясно. Принцип построения композиции «Разговора» тоже намного сложнее, чем можно это себе представить. Вооружившись чертежными инструментами, специалисты разделили полотно на пять равных отрезков по горизонтали, и на три неравных отрезка по вертикали. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Француз Антуан Симон — один из самых искусных мастеров по обработке металла – прибыл в Петербург во второй половине XVIII века. На сегодняшний день известна единственная его подписная работа – любопытный баллотировщик из Эрмитажа. Бронзовый баллотировщик внешне напоминает архитектурное сооружение. Он сделан в виде округлого павильона, стоящего на площадке, утвержденной на трех каннелированных ножках-тумбах. Тумбы эти полые, выдвижные, изнутри оклеены зеленым бархатом и служат урнами для шаров при голосовании. Открытая передняя стенка «павильона» завешена зеленой шелковой материей и предназначена для пропуска руки и опускания шара в одну из тумб. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Один из наиболее интересных художников национальной школы Андрей Рябушкин был родом из крестьянской семьи Тамбовской губернии. Его знаменитое полотно «Едут!» по сей день составляет гордость Русского музея. Тема картины навеяна допетровским XVII веком. Это время характеризуется расцветом русской культуры, роскошью царского двора, налаживанием внешнеполитических связей. Приезд иностранных послов в Москву тогда был из ряда вон выходящим событием, особенно для простого народа, и обставлялся с большой пышностью, представляя собой интересное зрелище. Рябушкин полностью отказывается от изображения иностранных послов, которые остаются у него как бы «за кадром», сосредоточив все основное внимание на толпе, причем лишь на отдельной ее части. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

«Портрет Анны Леопольдовны», как и все творчество Ивана Вишнякова, интересен своими контрастами. Так, например, оранжевое платье, прозрачная косынка на плечах и белая повязка на голове написаны художником очень свободно. А вот создавая лицо Анны Леопольдовны, он уже не пользуется своей размашистой кистью, а притирает краску пальцем, «лепит» объемы будто скульптуру. Рентгенограмма картины открыла удивительный первоначальный вариант полотна, согласно которому правительница должна была предстать совершенно в ином свете. Эти изменения, сделанные Вишняковым после воцарения Елизаветы, превратили портрет в одно из самых загадочных и притягательных произведений бурного XVIII века. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Историю веера можно было бы начинать уже с древнейших времен, когда широкие пальмовые листы и связки экзотических перьев спасали человека от зноя. С течением времени конструкция веера становится все более совершенной. Особенной изысканностью отделки отличаются веера русских императриц. Веер «Праздник на воде» принадлежал некогда Александре Федоровне – супруге последнего императора Николая II. Являясь хрупким на вид изделием, веер «Праздник на воде» представляет собой сложное конструктивное устройство. Подобные складные веера с экраном специалисты относят к особой форме «plié». Его двойной экран из бежевой бумаги искусно расписан акварелью и белилами художником М. Лелуаром. Примечательно, что этот изысканный веер являлся не просто модным дамским аксессуаром, но и довольно изощренным оружием в жестком мире политики. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

История часов «Павлин» вовсе не так безоблачна, как может показаться на первый взгляд. Дело в том, что диковинный автомат прибыл в Россию в 1781 году в разобранном виде. Собрать этот уникальный механизм было под силу только знаменитому русскому мастеру-самородку Ивану Кулибину, который справился со столь ответственной задачей лишь к 1794 году. Глядя сегодня на весь этот довольно внушительный птичий вольер, невольно задумываешься: как такой огромный механизм мог быть часами? На самом деле, здесь не стоит забывать о том, что в XVIII веке часы – это не столько фиксатор времени, сколько целая модель Вселенной, где есть место не только стрелке и циферблату, но и философскому осмыслению бытия. Вот и здесь у каждой из механических птиц, выполненных в натуральную величину, своя собственная роль и символика. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Заново открыв древний секрет изготовления мозаики, М. В. Ломоносов обратился в Сенат: «Желаю я, нижайший, к пользе и славе Российской империи завесть фабрику делания изобретенных мною разноцветных стекол». Решение о строительстве фабрики не могло произойти без покровительства графа П. И. Шувалова – сенатора и активного реформатора. О том, какова же сия «польза» можно судить благодаря мозаичному портрету «некоторой знатной особы», и в том что «особа» есть ни кто иной как Петр Иванович Шувалов, не может быть никаких сомнений. Граф изображен в мундире темно-зеленого цвета, отделанном широким золотым галуном. Под мундиром виднеется красного цвета колет и белое кружевное жабо. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Сложные отношения между добром и злом, их витиеватое переплетение в едином союзе, отчетливо прослеживается и в трагедии Гете, и в скульптуре Марка Матвеевича Антокольского. Во многом противоречивый и неоднозначный образ мастер стремится выразить доступными ему средствами пластики. Композиция «Мефистофеля» построена на угловатых формах: острые сгибы локтей и коленей, длинные худые пальцы, выступающие ключицы, заостренные черты лица – весь этот сгусток застывшей отрицательной энергии разместился на таком же остром со всех сторон обломке скалы. Во всем здесь видна пластика позы, а не движения. Силуэт тщательно прорисован, но вся главная динамика сконцентрирована внутри – там затаилось скрытое напряжение. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

Елизавета родилась в год Полтавской победы – 1709, и была она дочерью Петра Великого и Марты Скавронской (позднее императрицы Екатерины I). Уже с детства «дщерь Петрова» отличалась особенной красотой и обаянием. Именно эти качества удалось передать с помощью своей волшебной кисти датскому художнику Вигилиусу Эриксену. Портрет получился полупарадным, и здесь нет того огромного набора регалий, который присущ строгим официальным изображениям. Тем не менее, на картине мастера императрица усыпана бриллиантами, но меру в них она знает — чувство стиля и элегантности никогда не изменяли ей. Малая корона на голове, серьги, звезда и знак ордена Андрея Первозванного – все это создает драгоценную огранку ее красоте. ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ

«Видимое невидимого» — так назвал икону Павел Флоренский. Икона «Рождество Христово» из собрания Эрмитажа способна вновь наполнить праздник глубоким духовным смыслом. Главная особенность этого произведения заключается в том, что здесь показаны события, происходящие в разное время и на большом расстоянии друг от друга. Начнем «читать» икону от центра: над Младенцем Иисусом склонились животные – они находятся в пещере, которая показана как бы в разрезе. Богоматерь лежит у входа в пещеру, но понимается внутри нее. Сверху над Младенцем горит Вифлеемская звезда с расходящимися от нее лучами.ЧИТАТЬ ДАЛЕЕ