Орест Кипренский и Мариучча



Почти все знают, что Орест Кипренский написал портрет Пушкина. Наверное, даже самый знаменитый его портрет, который абсолютно все видели хотя бы раз.
У Кипренского вообще очень много известных картин. И моя любимая относится к самым известным. Любовь определяется двумя факторами – прелестью самой картины и стоящей за ней историей.
Репродукцию картины выложу, а вот историю сама пересказывать не буду, так как всегда писала достаточно коряво. Лучше процитирую хорошую статью… Итак




"Девочка в маковом венке с гвоздикой в руках"



"Гений - явление природное. Его деятельность не может быть измерена понятием "художественный вкус", ибо это категория историческая, воспитанная, а не врожденная. Гений же изумляет всем, даже своими погрешностями. Гений ценится не за созданные им произведения, которые вовсе не должны быть - и это не парадокс! - "гениальными". Его цель иная. Он частица идеального эстетического начала в мире. Поэтому вся его жизнь - уже искусство, уже проявление художественного... Собственная жизнь романтика эмоциональнее и содержательнее искусства; в искусстве его личность полностью и не может реализоваться. Гений - гениален в жизни и талантлив в искусстве. Он актер в своей драме, он из жизни хочет сделать поэму, хотя она такой и не могла бы стать. Искусство для романтика, для Кипренского было формой бытия, частью самой жизни". - Так написал крупнейший искусствовед Валерий Стефанович Турчин в своей монографии о Кипренском (1975).
В 1788 году в Воспитательное училище при Петербургской академии художеств привезли шестилетнего мальчика, которого записали под звучной фамилией "Кипренский". Официально он считался сыном Адама Швальбе, дворового человека помещика А. С. Дьяконова. Но ходили упорные слухи, что отцом мальчика и был сам бессемейный помещик. Недаром ребенок сразу же при рождении получил вольную, в то время как его родители оставались крепостными до смерти помещика и только по его завещанию были отпущены на волю. И еще одна немаловажная деталь: родившемуся от крепостной девки Анны Гавриловой дали необычное имя, словно герою античности, - Орест. Через год, чтобы соблюсти приличия, барин повенчал Анну и А. Швальбе, но, видимо, не пожелал, чтобы мальчик носил фамилию приемного отца.
По поводу фамилии "Кипренский" существовали разные домыслы. Мальчика крестили в Копорье, и, по одной из версий, его первоначально могли назвать Копорским . Но, возможно, Дьяконов, воспитанный, как и многие его современники, на античных образцах, фамилию маленького Ореста произвел от одного из имен богини любви Афродиты - Киприда (в ранних документах его называли Кипрейским). Читать далее

Источник

Рембрандт и Саския.

15 июля 1606 в г. Лейдене у зажиточного мельника Хармена Герритса и его жены Неелтге Виллемс ван Зейтбрук родился шестой ребенок, названный Рембрандтом. Мельница находилась недалеко от пересекавшего город Рейна, поэтому Хармена Герритса стали называть ван Рейн, и это добавление к фамилии получила и вся семья. Рембрандт часто с удовольствием вспоминал о времени, проведенном в родительском доме. Родители, давая Рембрандту хорошее образование, хотели, чтобы он стал ученым или чиновником. Он учится в латинской школе, а затем с 1620 года – в Лейденском университете, который покидает, не закончив его. Тяга к рисованию, проявившаяся еще с детских лет, привела его в мастерскую к местному живописцу Якобу ван Сваненбургу, который научил Рембрандта основам рисования и живописи, познакомил с историей искусств. Проучившись у него три года, Рембрандт в 1623 году переезжает в Амстердам и продолжает обучение у известного живописца П.Ластмана. Но обучение продолжилось всего полгода. В 1624 году Рембрандт возвращается в Лейден и там вместе со своим другом Я.Ливенсом открывает свою живописную мастерскую. В конце 1631 года Рембрандт, уже известный портретист и автор исторических полотен, переезжает в Амстердам, крупнейший торговый город. Рембрандт становится одним из модных молодых портретистов Амстердама. Заказчики не заставили себя ждать. Картины и гравюры Рембрандта находили себе покупателей на месте и начали проникать за границу. В самое короткое время Рембрандту удалось обеспечить себе вполне безбедное существование: он зарабатывал столько, что мог даже позволить себе такую роскошь, как покупка и собирание редких и дорогих вещей. Саския ван Эйленбург (Эйленбюрх) родилась в 1612 году в семье фрисландского юриста, бургомистра города Леувардена. В двенадцать лет она осталась сиротой, и ее воспитанием занимались старшие братья и сестры, каждый понемногу. Семья была богатой и принадлежала к знатному сословию. Рембрандт познакомился с Саскией в Амстердаме в доме ее кузена, торговца антиквариатом и художника Хендрике ван Эйленбурга. Рембрандт был уже достаточно известен, чтобы иметь учеников, но в Амстердаме, тем не менее, намеревался закончить свое образование.

Читать далее...

Клод Моне в ореоле света

«В действительнocти его искусство не похoже ни на какoе другoе на прoтяжении всей истoрии живописи. Он смoг бы оставить потомкам подлинную картину сoвременнoгo мира, если бы прoдолжил писать людей. Он оставил этo ради того, чтoбы запечатлеть бoлее cложные, волшебные и запоминающиеcя виды природы, в ореоле света <...> Его творчеcтво <...> одновременнo откровение и поэма, открывающее целый мир, доcеле не видимый никем.» G.Geffroy Клод Оскар Моне родился 14 ноября 1840 года в семье бакалейщика. Детство Моне прошло в Гавре; в юности он рисовал портреты-карикатуры и выставлял их в лавке художественных принадлежностей, где работал Буден, дружба с которым сыграла большую роль в его жизни. После военной службы в Алжире в ноябре 1862 года Моне поступил в мастерскую Глейра в Париже, где встретился с Базилем, Ренуаром и Сислеем. В Академии Сюисса он познакомился с Писсарро и Сезанном. В 1860-х годах молодые художники познакомились с Золя и Мане. В 1865 г. Моне встретил Камиллу Донсье, которая на ближайшие четырнадцать лет стала его любимой моделью, а в 1870 г. - его первой женой. Она родила художнику двух сыновей - Жана (р. 1867) и Мишеля (р. 1878), которых Моне также нередко изображал на своих полотнах. Наиболее известная из работ этого времени, названная, как и полотно Эдуарда Мане, «Завтрак на траве», была исполнена в студии по наброскам, сделанным на пленэре. Сходство с картиной Мане сразу бросается в глаза. Однако, стремясь превзойти старшего товарища, Моне изобразил на большом полотне в полный рост двенадцать фигур. Моделями для всех персонажей послужили его жена и друг, Фредерик Базиль, которые многие часы позировали художнику на лесной поляне в лесу Фонтенбло. Камилла также позировала мужу для картин «Женщины в саду» (1867), «Камилла, или Женщина в зеленом платье» (1866), «Дама с зонтиком (Мадам Моне с сыном)» (1875), «Японка» (1876) и других .

Читать далее...

Великий крепостной Василий Тропинин

Как-то крепостного «казачка» Ваську наказали. Дело было в том, что, собрав обувь для чистки, он забыл про полученное задание. Вместо этого рисовал углем и ваксой головы людей прямо на стенах людской. Просто ему хотелось стать настоящим художником. И, выкраивая любой момент, пусть еще совсем неумело, он пытался рисовать. Тогда мальчик служил в семье графа Моркова, и на просьбы отца юного художника отдать Васю в ученики к живописцу тот ответил:- «Толку не будет!». И отдали мальчишку в ученики к кондитеру! В одном повезло: учиться новому делу надо было в Петербурге. Тут можно было посещать бесплатные рисовальные классы при Академии Художеств. Граф Морков, решивший заиметь у себя в доме живописца, в 1799 году посчитал выгодным для себя определить способного крепостного «посторонним учеником» Академии Художеств. Вот тут Тропинин и обучался портретному искусству у С.С. Щукина. На академической выставке в 1804 году работа Тропинина «Мальчик, тоскующий об умершей птичке» привлекла внимание самой императрицы. Будучи слушателем Академии, Тропинин получил возможность приобщиться к мировой художественной культуре. Академия художеств в Петербурге обладала значительным собранием картин западноевропейских мастеров. Ученики академии копировали также с картин, находившихся в Императорском Эрмитаже. Учился Тропинин блестяще и вскоре получил серебряную и золотую медали. Будучи учеником Академии, Тропинин оказался в центре художественной жизни Петербурга. Президент Академии С.Строганов начал хлопотать об освобождении талантливого юноши, но не успел: крепостному Тропинину поступил приказ от хозяина переехать из Петербурга в новое имение Моркова - Подолье, что на Украине. Там Тропинину напомнили о том, что он крепостной, назначили на должность кондитера и лакея, а также вменили в обязанность выполнять копии с картин западноевропейских и русских художников, которые впоследствии украсили дом графа, а также расписывать местную церковь, писать для нее иконы. Тропинину было также поручено выполнить живописные портреты хозяев. Незлобивый и добрый по натуре, Тропинин со смирением переносил превратности судьбы, не ожесточился, не впал в депрессию от сознания несоответствия собственного дарования и того положения, которое он занимал, напротив, воспринял пребывание на Украине как продолжение обучения, своего рода стажировку. «Я мало учился в Академии, но научился в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, и эти мои работы, кажется, лучшие из всех до сих пор мною написанных», - вспоминал он позднее. Колорит этих работ мягкий, приглушенный - преобладают сероватые, охристые, зеленые тона.

Читать далее...

В. С. Пикуль о Константине Маковском



Валентин Саввич Пикуль
Трагедия «Русского Макарта»



К. Е. Маковский. Автопортрет

Морозный Петербург. Раннее утро. Одна из комнат обширной квартиры Маковского отведена для тропического сада, в котором живут заморские птицы, наполняющие жилище художника забавным пением. Он и сам встречает день пением:

Перед троном красоты телесной
Святых молитв не зажигай,
Не называй ее небесной
И у земли не отнимай…

Громадный холст еще чист, возле него стремянка; из китайских ваз растут пышные букеты различных кистей. Бодряще пахнет красками, скипидаром, лаками… Если верить слухам, мастерская Ганса Макарта в Вене более напоминает ателье дамских мод, а мастерская Константина Маковского вроде антикварной лавки: блестят шелка и парча, всюду древнее оружие, боярские одежды, кокошники и сарафаны, в ларцах из слоновой кости туманится жемчуг, на рундуках мерцают братины из серебра и золота, ковры и гобелены — все это цветет и брызжет сочностью красок и света… В полдень живописца навещает солидный сенатор, готовый заплатить за свой портрет 3 000 рублей. Час работы — и все закончено. По опыту мастер знает: улещать удачное — только портить.
— Кажется, готово, — смущенно сказал он заказчику.
Но сановник, весьма далекий от понимания маэстрии, не соглашается платить деньги за столь быструю работу:
— Раньше портреты выписывали комариным жалом, а вы своим помелом — мах мах и…, разве уже готово? В таких случаях Маковский вынужден притворяться:
— Вы меня не совсем то правильно поняли. Портрет закончен лишь вчерне, а теперь мне нужен по крайней мере еще месяц, чтобы придать ему необходимое brio — блеск…
После ухода сенатора портрет будет валяться в мастерской целый месяц, после чего масло покрывается лаком и можно отсылать по адресу заказчика. Подобных анекдотов о Маковском сохранилось множество, зато в мемуарном наследии художников о нем упоминается бегло, словно о незначительном мастере. А между тем слава Константина Егоровича Маковского давно уже переплеснула рубежи России, хотя популярность его кисти была иногда обидной для авторского самолюбия.
Читать далее

Эшер Мориц (1898 - 1971).

 

Escher Maurits Cornelis

 

Мориц Эшер 

"Все мои произведения - это игры. Серьезные игры. Все что я делаю это игpа. Я пpосто пытаюсь сложить маленьких звеpушек вместе - я не нахожу, что это легко, но я получаю невеpоятное удовольствие находя способ соединить их. Меня забавляют все вопpосы котоpые возникают когда я pаботаю. Эти вопpосы дpазнят меня и мое самое большое удовольствие - это понять о чем они, а затем найти ответы на них. Потом я делаю оттиск, чтобы дpугие смогли pазделить мою pадость. Вы называете Это математикой?..". Эти слова однажды произнес Мориц Корнелис Эшер, единственный в своем роде художник, работавший не столько с образами, сколько с понятиями.

 

Эшер

Загадочный мир Susan Seddon Boulet

 

 

 Pinacoteca

Susan Seddon Boulet

далее

Кипренский, Орест Адамович.



Читать далее...

"Он рисовал любимую..." Софья Петровна Кувшинникова

Читать далее...

Тициано Вечеллио, часть 1

Тициано Вечеллио

Картины и биография

Часть 1

 

             Тициан (собственно Тициано Вечеллио, Tiziano Veccellio) (около 1488/1490 - 1576), итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения.

 

Тициан Вичеллио (автопортрет 1550-1562 г.г., масло, холст)

             Учился в Венеции у Джованни Беллини, в мастерской которого сблизился с Джорджоне; работал в Венеции, а также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Урбино, Риме и Аугсбурге. Тесно связанный с художествен-ными кругами Венеции (Джорджоне, архитектор Якопо Сансовино, писатель Пьетро Аретино), выдающийся мастер венецианской школы живописи, Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения.

Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью, широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи. Интерес к пейзажу, поэтичность, лирическая созерцательность, тонкий колорит роднят ранние работы Тициана (так называемая “Цыганская мадонна”)

Мадонна Гипси (Цыганская мадонна) (Дерево, масло, 1511 г.)

с творчеством Джорджоне; самостоятельный стиль художник начал вырабатывать к середине 1510-х годов, после знакомства с произведениями Рафаэля и Микеланджело. Спокойные и радостные образы его картин отмечены в этот период жизненным полнокровием, яркостью чувств, внутренней просветленностью, мажорный колорит построен на созвучии глубоких, чистых красок (“Любовь земная и небесная”, около 1514-1516, Галерея Боргезе, Рим; “Флора”, около 1515, Уффици; “Динарий кесаря”, 1518, Картинная галерея, Дрезден).

Любовь земная и небесная (1515 г.)

 

Флора (1515 г.)

 

Динарий кесаря (1516 г.)

Тогда же Тициан написал несколько портретов, строгих и спокойных по композиции, и тонко психологичных (“Мужчина с перчаткой”, Лувр, Париж; “Портрет мужчины в платье с синими рукавами”, Национальная галерея, Лондон, "Портрет мужчины в красной шапке" Нью-Йорк, США).

 

Портрет мужчины в платье с синими рукавами (1510 г.)

 

Портрет мужчины в красной шапке (1516г. )

Портрет мужчины с перчаткой  (1520-1522 г.г.)

Иеронимус ван Акен (Босх)

«Мозг выполз, как в извивах воск Епископ посох уронил. Небось ты бог? Небось ты Босх? Небось, святой Иероним?» С.Петров, «Босх». О жизни Босха практически ничего не известно - дата рождения его, и та приблизительна. И вообще Босх - это псевдоним художника, его настоящее имя Иеронимус ван Акен. Но подписывал он свои картины - Босх и под этим псевдонимом прославился. Откуда же взялось это имя? Иеронимус родился приблизительно в 1450 году в городе Хертобенгосе, который в те времена был одним из крупнейших городов герцогства Брабант, относившегося к землям герцогов Бургундских (теперь это Голландия). Вот от названия этого города и пошло сокращенное - «Босх». Для чего же художнику понадобился этот псевдоним? Дело в том, что Иеронимус ван Акен родился в потомственной семье художников. Художниками были еще прадед Босха Томас и его брат Иоганн. Дед Иеронимуса и пять его сыновей так же стали художниками, среди них был и отец Босха. Исследователи считают, что художник взял себе другое имя, чтобы его не путали с его родственниками. К сожалению никаких картин, созданных художниками этой семьи, не дошло до наших времен, да и о самом Босхе мы знаем очень мало. Непонятно почему, но не сохранилось никакие его записи или воспоминания его современников. Более того, ни на одной из своих картин Босх не поставил даты ее создания, да и вообще, подписывал он их очень редко, поэтому проследить его творческий путь по времени очень трудно. Лишь документы, сохранившиеся в архивах Хертогенбоса, дают очень скупое представление о жизни художника.

Читать далее...

Варфоломеевская ночь в живописи



В ночь на 24 августа 1572 года в Париже были убиты тысячи гугенотов, съехавшихся на свадьбу Генриха Наварского и Маргариты де Валуа. В историю эта резня вошла под названием Варфоломеевская ночь.
Варфоломеевская ночь вошла в литературу. Можно вспомнить, например, знаменитый роман Дюма.
Стало интересно, отразилась ли как-то тема Варфоломеевской ночи в живописи.
Пока нашла вот эти картины:

Д. Э. Миллес. Гугенот, отказывающийся в день святого Варфоломея защищать себя от опасности с помощью католического знака

Читать далее

Художник Врублевский Юрий Георгиевич



Врублевский Юрий Георгиевич (1931-2001) - псевдоним художника архитектора Ю.Чистякова.
Творческий метод художника основан на стилистике русской традиции и авангарда.
Разнообразие форм его эстетики достигается благодаря качественному рисунку,
содержательности сюжетных мотивов, чувству ритма цвета и композиции.
Придается значение пластике, привнесенной из архитектуры и скульптуры.
Выразительные средства – акварель, темпера, гуашь, пастель, масло и их сочетания.

http://vrublevski.artnow.ru/

ПЕТЕРБУРГ В ГРАФИКЕ:



Белая ночь.Васильевский остров


Пасмурный день

>>>>>>>

Даниэль Ридвей (Риджуэй) Найт (Daniel Ridgway Knight) и его творения

Даниэль Риджуэй Найт – яркий представитель плеяды западных художников девятнадцатого века в живописи. Его картины выполнены в различных жанрах: пейзаж, портрет, цветочные темы и историческая живопись. В каждой его работе заметно удивительное мастерство художника, которое проявляется в изображениях самых мелких деталей его полотен

Нажмите, чтобы увидеть картины

Казимир Малевич

Казимир Северинович Малевич родился 11 (23) февраля 1878 года в доме на окраине провинциального Киева. До одиннадцати лет деревенскому ребенку и в голову не приходило, что существуют волшебные предметы - карандаш, уголь и бумага, не говоря уже о красках и кисти. Из воспоминаний Малевича с непреложностью следует тот факт, что будущий родоначальник геометрической беспредметности был неистово влюблен в окружающую природу. С 15 лет Малевич не расставался с кистью, в семнадцатилетнем же возрасте ему довелось провести некоторое время в Киевской рисовальной школе Н.И.Марушко. В 1896 году семья Малевичей осела в Курске; с этим провинциалным городом будущий художник был тесно связан более десяти лет Своим ближайшим курским другом Малевич называл безвестного живописца-любителя Льва Квачевского. Вместе с единомышленниками Малевич сумел организовать в Курске художественный кружок. Подражая настоящим школам, энтузиасты рисовали с гипсов, но любимым их занятием была работа с натурой.

Читать далее...

ЧЕРЕП ЧЕЛОВЕКА РАВЕН ВСЕЛЕННОЙ...



Как известно, мастера авангарда изображали преображённый мир и создавали новую реальность. Порой пренебрегая нормами привычной логики, в своём творчестве они зачастую опережали науку и философию.

В марте 1913-го года поэты-футуристы из группы «Гилея» вошли в тесный творческий контакт с художниками-кубистами «Союза молодёжи» — так в поэтических кругах появился термин «кубофутуризм». А среди живописцев кубизм и футуризм первым соединил Казимир Малевич , обозначив в каталоге выставки «Союза молодёжи» в ноябре того же года шесть своих работ как «кубофутуристический реализм». Этому соединению Малевич придал характер открытия, восприняв возникший синтез не как сумму приёмов двух главных направлений современной ему европейской живописи, а как возможный путь вперёд. И один из характернейших примеров русского кубофутуризма — впервые показанный на выставке «Союза молодёжи» 1913–1914 годов в Петербурге «Усовершенствованный портрет Ивана Васильевича Клюнкова», ныне хранящийся в Государственном Русском музее. Впоследствии (возможно, при подготовке к персональной выставке 1929-го года в Третьяковской галерее) Малевич проставил в левом нижнем углу дату «1911 г», сдвигая нижнюю границу столь важного этапа творческой эволюции и отстаивая приоритет художника-реформатора. Первый «Портрет Ивана Васильевича Клюнкова» (другое название — «Православный») был написан в 1912-м году в кубистической манере и утрачен после персональной выставки Малевича в Берлине, состоявшейся в 1927-м, поэтому известен только по репродукциям.
Определяющую роль в творчестве самого Ивана Васильевича Клюнкова сыграла многолетняя дружба с Казимиром Севериновичем Малевичем. Когда в 1906-м году они познакомились в художественном училище Фёдора Ивановича Рерберга, в их судьбах оказалось удивительно много общего: оба они провели детство в деревне, а юность в Малороссии, отцы обоих работали на сахарных заводах, сами они — в железнодорожных конторах. Именно из-за работы Клюнков, начав в 1908-м году выставлять свои творения в Москве, взял псевдоним «Клюнов», поскольку не хотел, чтобы о его творчестве знали либеральные директора Правления Московско-Киевско-Воронежской железной дороги, где он служил в отделе Контроля сборов.
В 1909–1910 годах он написал наивно-реалистичный автопортрет с цветком в петлице, подаренный Георгием Костаки Третьяковской галерее, а 1913-й стал для Клюнкова периодом изучения и освоения кубизма, раскрывшего ему «новые возможности и откровения в искусстве». «Лучшими объектами были машины, инструменты, - писал художник в своих воспоминаниях. - К тому же это вполне отвечало духу времени (торжество техники, инженерии)». Но выступление с кубистическими работами грозило неприятностями по службе — псевдоним «Клюнов» был слишком схож с фамилией, и зимой 1914-1915 года Клюнков решил его сократить, избрав прозвище своего прадеда до освобождения от крепостной зависимости — «Клюн», что по-украински означает «клюв». Под этим псевдонимом он и вошёл в историю русского авангарда. Для собственной кубистической интерпретации И.В. Клюн выбрал мужской портрет — «Пильшика». Его «Автопортреты с пилой» из Астраханской картинной галереи имени Б.М. Кустодиева и Третьяковской галереи имеют явное типологическое сходство с творением К.С. Малевича.
В «Усовершенствованном портрете И.В. Клюна» (другое название — «Усовершенствованный портрет строителя») Малевич «препарирует» иконный прототип — образ Спаса Нерукотворного, придавая особую выразительность огромному рассечённому глазу, становящемуся своеобразным парафразом всевидящего ока. Французский искусствовед Жиль Нере отмечает, что в период ярко выраженного увлечения кубизмом картины Малевича существенно отличаются от работ Жоржа Брака и Пабло Пикассо, которые пожертвовали цветом ради анализа, ограничив свою палитру приглушёнными тонами: охрой, коричневым, серым и чёрным. Малевич же оставался законным наследником красочной славянской традиции народного украинского искусства: взрывающиеся на его полотнах геометрические элементы он насыщает великим многообразием ярких оттенков. Нере называет Малевича единственным художником, которому удалось достичь сияющего, блестящего и поразительного синтеза кубизма и футуризма по пути к полной абстракции, к тому же добавившим своё собственное измерение — измерение «всевидящего ока».

Читаем и удивляемся дальше...

Пейзаж - работы Владимира Панича

Философию своих работ Владимир Игоревич сформулировал довольно-таки оригинально: "Чтобы всем (мою картину)!", а о своей деятельности отозвался просто: "Мои картины висят на стенах, а значит,- выставлены по всему миру".
Рисовать Владимир Панич начал с 2 лет, выставляться - с 7. Его учителем живописи был отец - заслуженный художник Украины Игорь Васильевич Панич. Тематика работ Владимира Игоревича - "любовь к любви".
Девиз по жизни - "еще!".

Читать далее...

Художник Михаил Сатаров

1 часть работ

далее...

Сказочно-прекрасный мир от Томаса Кинкейда

Томас Кинкейд - самый высокооплачиваемый художник в США

Томас Кинкейд, которого называют "мастером света", один из самых популярных современных художников Америки. Через свои работы он доносит радость созерцания казалось бы обычных вещей, искусно наполняя их красками, вкладывая в них всю душу.

С картин Томаса Кинкейда как будто струится живой и теплый свет. Это и свет свечи в окне деревенского домика, и огни городского бульвара, и лучи заходящего солнца

В своих картинах Томас Кинкейд создает свой собственный, пронизанный светом мир.

Читать далее...

Художник Стас Побытов(пейзажи)

 

 

 

 

Художник Станислав Побытов родился в 1969 году. На данный момент  живёт и работает в городе Твери. 

  Основой его творчества являются пейзажи средней полосы России, выполненные в стиле голландских живописцев в сочетании с современными приёмами.

Этот метод как нельзя лучше позволяет передать эффекты световоздушной среды. Примером тому является серия работ под общим названием "Волшебство заката" где сюжету отведено второстепенное значение, а на первом месте эксперименты с цветом и пространством.

"Солнечный день"

Читать далее...