МОРИС РАВЕЛЬ

Морис Равель (Maurice Ravel, 1875–1937) —французский композитор.
Ярчайший представитель мировой музыкальной культуры 1-й половины 20 в., Равель продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической звукописи, колористической гармонии и оркестровки, экзотической ритмики. 
Равель исполнял преимущественно свои сочинения (в 20-х гг. совершил концертное турне по странам Европы и Северной Америки). Во время 1-й мировой войны 1914–18 вступил добровольцем в действующую армию. Война вызвала к жизни глубоко драматические произведения Равеля, в т. ч. фортепианный концерт для левой руки, написанный по просьбе австрийского пианиста П. Витгенштейна, потерявшего на фронте правую руку; погибшим друзьям он посвятил фортепианную сюиту «Гробница Куперена» (1917). 
После войны Морис Равель знакомится со знаменитым русским продюсером и постановщиком С.Дягилевым, ставящим в Париже «Русские сезоны» специально по его заказу ставится балет на музыку Равеля «Дафнис и Хлоя», в главной партии — В.Нижинский — великий русский танцовщик. Затем будет поставлен ещё один балет «Вальс». Сочинение после премьеры стало использоваться как отдельное произведение. Наступает время славы Мориса Равеля.

Однако популярность и знаменитость гнетёт композитора и он уезжает из Парижа. Равель много гастролирует; выступает с турами в Италии, Голландии и Англии. И всюду его встречает восторженный приём благодарных почитателей. По заказу русского дирижера С.Кусевицкого Равель выполняет блестящую оркестровку «Картинок с выставки» М. П. Мусоргского. 
Всё это происходит во время работы Мориса над самым его известным произведением «Болеро», в котором композитор попытался соединить классические традиции с ритмами испанской музыки. Замысел этого произведения принадлежит знаменитой балерине Иде Рубинштейн, которая впервые его и станцевала. А знаменитая русская балерина Анна Павлова включила «Болеро» в свой репертуар. 
В 1925 году М.Равель завершил работу над новаторским произведением «Дитя и чудеса (волшебство)». Это произведение было названо оперой-балетом. Наряду с традиционными инструментами впервые прозвучал, при исполнении этого произведения, инструмент композитора -элиофон, искусно имитирующий порывы ветра.

В 1932 году Равель вновь совершает турне по Европе вместе с выдающейся пианисткой Маргаритой Лонг. В это же время он начинает работы над новым произведением — балетом «Жанна Д Арк». Однако попадает в автомобильную катастрофу, и работа прекращается. Начиная с 1933 года Равель страдал от серьёзного неврологического заболевания, ставшего, возможно, последствием черепно-мозговой травмы, которую он получил в автокатастрофе. Последним произведением тяжело больного композитора было «Три песни» к первому звуковому фильму «Дон Кихот». Они были написаны для русского певца Ф. И. Шаляпина.
Композитор умер 28 декабря 1937 года в Париже после неудачно проведённой операции на головном мозге. Похоронен на кладбище парижского пригорода Леваллуа-Перре.

«Болеро» (исп. Bolero) Мориса Равеля— произведение для оркестра, первоначально задуманное как музыка для балетной постановки, заказанное ему знаменитой танцовщицей дягилевской труппы Ида Рубинштейн, было написано в 1928 и впервые исполнено 20 ноября 1928 года в Гранд-Опера, Париж.
«Болеро» приобрело популярность из-за гипнотического воздействия неизменной множество раз повторяющейся ритмической фигуры, на фоне которой две темы также проводятся много раз, демонстрируя необычайный рост эмоционального напряжения и вводя в звучание все новые и новые инструменты. Оркестровая пьеса «Болеро» длится около 14 минут.
20 ноября 1928 года на сцене парижской "Гранд-Опера" состоялась премьера "Болеро". Хореография - Брониславы Нижинской, а декорации - Александра Бенуа, танцевала Ида Рубинштейн. Сцена изображала один из дешевых трактиров Барселоны, где на огромном столе танцевала женщина, а вокруг теснились охваченные страстью мужчины. 
Триумф был полный. Вот свидетельство одного из очевидцев: «Слабо освещенная комната в испанской таверне; вдоль стен, в темноте, за столами беседуют гуляки; посреди комнаты большой стол, на нем танцовщица начинает танец… Гуляки не обращают на нее внимания, но постепенно начинают прислушиваться, оживляются. Их все больше захватывает наваждение ритма; они поднимаются со своих мест, приближаются к столу; необычайно возбужденные, они окружают танцовщицу, которая с триумфом заканчивает выступление. В тот вечер 1928 года мы сами чувствовали себя этими гуляками. Сначала мы не понимали, что же происходит, и только потом осознали…». 
Надо сказать, что, хотя этот сценарий был согласован с Равелем, сам композитор иначе представлял себе то, что он изобразил звуками. Главнейшим отличием было то, что, по замыслу Равеля, действие должно было проходить на открытом воздухе. Причем, Равель точно знал, где именно — на фоне стены заводского корпуса! Композитор всегда питал пристрастие к индустриальному пейзажу. 
Завод, рисовавшийся Равелю в «Болеро», существовал в действительности и находился неподалеку от того места, где композитор приобрел небольшой дом под Парижем, названный им Бельведером. Гуляя здесь с друзьями, Равель часто говорил, указывая на этот завод: «Завод из «Болеро»». Леон Лейтриц, художник, скульптор и декоратор, близкий друг Равеля, сделал макет декораций к «Болеро». Этот макет был продемонстрирован в Салоне художников-декораторов еще при жизни композитора и получил полное его одобрение. Зная об этом, дирекция Град-Опера, ставя «Болеро» уже после смерти Равеля, поручила Лейтрицу оформление спектакля. Серж Лифар, балетмейстер «Русских сезонов» Дягилева, а на момент этой постановки (1938) бывший главным балетмейстером Оперы, решительно протестовал против этого завода. Но брат композитора Эдуард Равель, хорошо знавший художественные намерения автора, проявил твердость и пригрозил, что не даст разрешения на постановку, если не будет исполнена воля его брата. Воля Равеля была исполнена, и успех был полным.
Жизнь «Болеро» как блестящей именно оркестровой, а не только балетно-сценической пьесы, дал Артуро Тосканини. В 1930 году Тосканини готовил исполнение «Болеро» в Париже. Равель придавал очень большое значение тому, чтобы темп пьесы выдерживался неизменным от начала и до конца. Именно это — при непрерывно нарастающем звучании оркестра и непрерывном отбивании одной и той же ритмической фигуры барабаном — оказывает гипнотическое воздействие на слушателей. И вот, Равель пришел на репетицию Тосканини. Знаменитый дирижер на протяжении всей пьесы делал заметное ускорение темпа. Тогда Равель подошел к эстраде и обратил на это внимание дирижера. Тосканини очень спокойно и сильным итальянским акцентом ответил: «Вы ничего не понимаете в Вашей музыке. Это единственный способ заставить ее слушать». 
После концерта, на котором Тосканини повторил это ускорение, Равель, пожимая руку маэстро, сказал ему: «Так разрешается только Вам! И никому другому!» Он не хотел — и был совершенно прав, — чтобы среди музыкантов утвердилась ложная традиция исполнения. Впрочем, публика слушала «Болеро» и без всякого ускорения темпа, да еще как слушала!
По поводу своего «Болеро» Равель говорил, что это произведение никогда не будет популярным. Между тем, прогнозы авторов относительно своих собственных произведений часто оказываются неверными — как в предсказании успеха, так и в предрекании будущего забвения.
Дирижер, желающий вызвать восторг слушателей, может смело ставить «Болеро» Равеля. А для ударника (барабанщика) оркестра это, кажется, единственный повод выйти для исполнения своей партии на авансцену и занять место, которое обычно занимают солисты инструменталисты — скрипачи, виолончелисты, пианисты, — когда исполняют свои сольные концерты с оркестром

 ВЕЛИКИЕ ПИАНИСТЫ

Святослав Рихтер - исключительное явление XX века, как его называли многие выдающиеся музыканты - родился 20 марта 1915 года в Житомире. Вскоре семья переехала в Одессу, где прошли детские и отроческие годы будущего артиста. Его отец — Теофил Данилович — преподавал в консерватории и был известным в городе музыкантом. В свое время он закончил Венскую Академию музыки, и именно он дал своему сыну первые уроки игры на фортепиано, когда мальчику было только пять лет. О матери Рихтера, Анне Павловне, известно, что она была эрудированной любительницей музыки. 

Постоянно заниматься с сыном отец не мог, поскольку был вынужден все свое время отдавать занятиям с учениками. Это была обычная ситуация для семьи музыкантов-профессионалов. Поэтому уже с девяти-десяти лет Святослав был практически предоставлен самому себе. Лишь в течение недолгого времени он брал уроки у пианистки А. Атль, одной из учениц его отца. И эту свободу действий мальчик использовал весьма оригинально он начал играть все ноты, которые были в доме. Особенно его заинтересовали оперные клавиры. Постепенно Рихтер научился играть любую музыку с листа и стал квалифицированным аккомпаниатором. 
С пятнадцати лет он уже помогает отцу, а вскоре начинает работать самостоятельно становится аккомпаниатором в музыкальном кружке при Доме моряка. После окончания школы он несколько лет работал концертмейстером в Одесской филармонии. В это время Святослав разъезжал с концертными бригадами, аккомпанируя различным музыкантам, и набирался опыта. 
В 1932 году он переходит на работу в Одесский оперный театр и становится помощником дирижера С. Столермана. Рихтер помогает ему на репетициях и в работе с певцами, постепенно расширяя собственный репертуар. В мае 1934 года пианист дает первый клавирабенд — сольный концерт — в Одесском доме инженеров, исполняя произведения Ф. Шопена. Концерт прошел с большим успехом, но в то время юноша еще не задумывался о том, чтобы профессионально учиться музыке. 
Только через пять лет, весной 1937 года, Рихтер наконец отправился в Москву, поступать в консерваторию. Это был достаточно смелый шаг, поскольку молодой исполнитель не имел никакого музыкального образования. На приемном экзамене Рихтера услышал выдающийся пианист Г.Г. Нейгауз. С этого дня Рихтер стал его любимым учеником. 
О первой встрече с двадцатидвухлетним музыкантом рассказал сам Генрих Густавович 
«Студенты попросили прослушать молодого человека из Одессы, который хотел бы поступить в консерваторию в мой класс. — Он уже окончил музыкальную школу — спросил я. — Нет, он нигде не учился. 
Признаюсь, ответ этот несколько озадачивал. Человек, не получивший музыкального образования, собирался в консерваторию!.. Интересно было посмотреть на смельчака. 

И вот он пришел. Высокий, худощавый юноша, светловолосый, синеглазый, с живым, удивительно привлекательным лицом. Он сел за рояль, положил на клавиши большие, мягкие, нервные руки и заиграл. 
Играл он очень сдержанно, я бы сказал, даже подчеркнуто просто и строго. Его исполнение сразу захватило меня каким-то удивительным проникновением в музыку. Я шепнул своей ученице «По-моему, он гениальный музыкант». После Двадцать восьмой сонаты Бетховена юноша сыграл несколько своих сочинений, читал с листа. И всем присутствующим хотелось, чтобы он играл еще и еще... С этого дня Святослав Рихтер стал моим учеником». 
Нейгауз принял Рихтера в свой класс, но никогда не учил его в общепринятом смысле этого слова. Как позже писал сам Нейгауз, учить Рихтера было нечему — нужно было только развивать его талант. Рихтер на всю жизнь сохранил благоговейное отношение к своему первому учителю. Интересно, что, переиграв чуть ли не всю мировую фортепианную классику, он никогда не включал в программу Пятый концерт Бетховена, считая, что не сможет сыграть его лучше своего учителя. 

26 ноября 1940 года в Малом зале Московской консерватории состоялся дебют Рихтера перед столичной аудиторией. В этом первом концерте он выступал вместе со своим учителем. А через несколько дней дал собственный сольный концерт в Большом зале консерватории, и с этого времени началась его долгая жизнь музыканта-исполнителя... 
С 1945 начал выступать, кроме сольных концертов, в ансамбле с певицей Ниной Львовной Дорлиак (1908–1998), которая стала его постоянным музыкальным партнером и спутником жизни.

Выступления Рихтера пользовались огромным успехом (Нейгауз прямо называл своего ученика «гением»; Д.Д.Шостакович говорил о нем как об «экстраординарном явлении» – помимо прочего, пианист обладал «фотографической памятью», мгновенно выучивал новые произведения и великолепно читал с листа оркестровые партитуры, в том числе только что созданные). В 1960 Рихтер выступил с концертами в Хельсинки, Чикаго и Нью-Йорке, и вскоре стал необычайно популярным на Западе. Однако пианист вовсе не был склонен вести жизнь странствующего виртуоза: необычайно серьезный и глубокий музыкант, Рихтер предпочитал постоянную работу над совершенствованием своего мастерства и расширением репертуара.

В течение жизни Рихтер много гастролировал в разных странах мира, но наиболее интересным своим турне считал огромную концертную поездку по России в 1986, когда он, путешествуя на поезде от Москвы до Владивостока, давал по дороге концерты, в том числе в маленьких городах. Последний свой концерт Рихтер сыграл в Любеке (Германия) в марте 1995.

Умер Рихтер в Москве 1 августа 1997.

В воспоминаниях его называют великим, гениальным, выдающимся. Сам Рихтер к подобным эпитетам относился болезненно, если не сказать — негодующе. 

Про него говорили, что он терпеть не мог расстроенных инструментов. Даже написали как-то, что при виде старого фортепиано его лицо исказила такая мука… А сам Рихтер никогда не обращал внимания на то, на каком рояле или фортепиано он играет, — мог приехать в отдаленную деревню и сесть за тот инструмент, который был в местном клубе.

ХОТЯ в его жизни было и то, чего он действительно терпеть не мог. Например, когда…им восхищались

КАК-ТО в гримерку Рихтера зашел поклонник и принялся целовать ему руки. Пианист, по воспоминаниям близких, чуть не завизжал от ужаса. И в ответ бросился целовать руки этому человеку. Он смертельно боялся восхищений. Слыша их, замыкался и лишь вежливо улыбался в ответ. А на друзей, которые падали перед ним на колени и начинали аплодировать, обижался. Ну почему они так себя ведут? — говорил он. — Мне от этого становится так больно!

Когда кто-нибудь из критиков говорил, что концерт прошел гениально, Рихтер отвечал: Гениальным может быть только творец. А исполнитель может быть талантливым и вершины достигает только тогда, когда выполняет задуманное художником
 

 

СЕЗАРИЯ ЭВОРА

Босоногая дива, она же Мисс Перфумадо, она же африканская Эдит Пиаф, она же Сезария Эвора.На сцену Эвора неизменно выходит босиком — это символическая дань бедности, в которой жили (и продолжают жить) её земляки на Островах Зелёного Мыса.
Сезария Эвора родилась 27 августа 1941 года на самом краю цивилизованного мира - в портовом городке Минделу на острове Сан-Висенти, одном из небольших островов зеленомысского архипелага; исполнительница португальского фолка в сочетании с блюзом и джазом.
Отец певицы умер рано, оставив жену с семью детьми. 
На Кабо-Верде существуют два основных песенно-исполнительских стиля: коладейра - довольно ритмичные песни, заслышав которые, трудно удержаться от того, чтобы не пуститься танцевать, и морна - протяжные, тягучие, исполненные ностальгии баллады. Именно они и принесли Сезарии славу. Морна по-португальски значит «мягкий», «теплый». Это определение в равной степени может относиться к воздуху, воде, прикосновнию, сердцу или душе. А на смеси африканских национальных языков и португальского, чуть приправленного еще и французским, так называемом креольском языке - криуло (на нем, кстати, на Кабо-Верде в основном и говорят) морна означает «слово». Автором первых морнас принято считать выдающегося поэта Эужениу Тавариша, который жил в конце XIX - первой трети XX века. Первоначально это были стихи, главным образом посвященные расставанию с родным домом, прощанию с рыбаками, уходящими в море, тоске по родине. Все это вмещает в себя португальское слово saudade, видоизмененное в креольское sodade. Самое близкое к нему по смыслу русское слово - тоска.
Обладая сильным и эмоциональным голосом, наиболее подходящим для этих стилей, Сезария быстро нашла свою нишу в музыкальной жизни Миндело и благодаря регулярным и запоминающимся выступлениям скоро завоевала титул «королевы морны». С музыкантами она переезжала из клуба в клуб, давая концерты. 
Сезария впервые попала в Европу в 1985 году, когда приехала в Лиссабон по направлению Национальной женской ассоциации Кабо-Верде. Этому предшествовало почти десять лет творческого кризиса, когда она ни разу не вышла на сцену. В Европе продюсеры долго не обращали на нее никакого внимания, пока исполнительницу не приметил ее соотечественник, живущий во Франции, Жузеда-Силва. Сезарии было уже 47 лет, и, когда ее импресарио предложил отправиться в Париж для записи пластинки, она сомневалась недолго. Первые записи певицы помогли ей завоевать популярность только среди земляков, которых во Франции довольно много. Лишь с выходом четвертого диска "Miss Perfumado" творчество Сезарии полюбили и признали не только во Франции, но и по всей Европе. Последовала череда гастролей по миру.
На сегодняшний день Сезария Эвора, босоногая дива, как ее прозвали журналисты, записала полтора десятка дисков, не считая компиляций и концертных записей. Последний компакт-диск, вышедший в прошлом году, - "Sao Visente Di Longe" - был признан британским музыкальным журналом Mojo лучшим в категории «мировая музыка». Несколько раз Эвора номинировалась на премию «Грэмми».
Гастролируя по нескольку месяцев в году, она тем не менее всегда возвращается в родной Минделу, по которому ездит все на том же старом голубом «Форде» - не менее знаменитом, чем ее неизменная сигара. В машину иногда набиваются до десяти человек, представляющих все четыре живущих на этой земле поколения ее родственников. У нее трое взрослых детей от трех разных мужчин. «Я никогда не хотела иметь мужа, - сказала она в одном интервью, - я всегда жила со своей матерью, потому что она меня любит».
Будучи артисткой, Эвора совершенно не стремится нравиться - публике, случайным собеседникам, своим землякам и близким... Ты становишься ее, когда слышишь это пение, этот тихий, непоставленный голос. В нем есть немножко от мудрого совета, который ты не получил в детстве, от колыбельной, которую тебе не спели тогда, когда ты в ней особенно нуждался.

Сезария Эвора известна в Восточной Европе, быть может, даже больше, чем в Португалии - где ее открыли, или во Франции - где продано больше всего ее дисков, или в США - где ей платят самые большие гонорары. И все потому, что здесь впервые узнали о певице из Кабо-Верде благодаря кинофильму «Подполье» Эмира Кустурицы, в котором звучит ее песня Ausencia. Вполне закономерно, что певицу, одинаково легко поющую и на литературном португальском языке, и на испанском, и на кабо-вердском наречии (криуло), вскоре пригласили в Голливуд - озвучивать очередную экранизацию романа Диккенса «Большие надежды» (1998). Там она спела, казалось бы, уже окончательно заигранный хит Besame Mucho, и спела так, как будто до автора этой песенки, мексиканки Консуэло Веласкес, слова «целуй меня крепче» никто не перекладывал на музыку.
Сезария Эвора не могла не появиться там, где появилась, - в забытом богом крошечном островном государстве. Такова логика всей истории современной поп-музыки: очередной новый стиль приходит оттуда, где медленно, но верно происходит смешение двунадесяти языков, рас и наречий (вроде того же криуло). Одновременно рождается и очередной музыкальный «эсперанто» - только не в тиши кабинета, как творение доктора Заменхофа, а в гуще самой жизни, все больше в портовых городах. Вслед за кубинской хабанерой, аргентинским танго, новоорлеанским джазом, бразильской босоногой и ямайскими регги приходит черед кабо-вердской морны. Причем каждый из этих «колониальных» стилей и жанров тихо-мирно ждет у себя на родине, пока его «откроет» международная мода. И народные музыканты при этом продолжают играть и петь так, как подсказывают им традиции - пусть не такие древние, как в метрополиях, но зато много успевшие впитать в себя. (Хотя то, что позднее назовут морной, появилось тогда же, когда и первые танго, - в начале XX века.) В репертуаре Сезарии Эворы, между прочим, немало песен, которые сочинял и пел ее дядя, известный под псевдонимом В. Leza.
Морна, впрочем, принципиально отличается и от знойно-ночного танго, и от по-утреннему легкой боса-новы; это тягучие и минорные напевы, чем-то удивительно похожие на цыганские романсы, румынские дойны и медленное вступление к венгерскому чардашу. Но если чардаш и босанова - это танцы, то морна, хотя и бывает похожей на танго, как та же Ausencia из «Подполья», - в первую очередь лирическая песня. И лирика эта, как шансон Эдит Пиаф, лучше передает горечь безвозвратных утрат, чем блюзовый «смех сквозь слезы». Помните, в какой момент в фильме Кустурицы впервые отчетливо проступает мотив Ausencia (что значит «Отсутствие») - еще без голоса Сезарии? Когда герои выбираются из своего «подполья» и обнаруживают, что от той страны, за которую они боролись, остались только безлюдные на первый взгляд островки.
После того как в дискотеках конца 80-х стали танцевать под утилитарно-компьютерное техно, необходимость вводить моду на очередной музыкальный стиль посредством нового танца отпала. Именно тогда, в 1988 году, и обратили внимание на Сезарию Эвору.
Но понадобилось почти пять лет, в течение которых Эвора выпускала по одному диску в год, чтобы западноевропейская публика оценила четвертый ее альбом - "Miss Perfumado". 

 

 Дело было в 1992 году. Изобретатель Интернета Тим Бернерс-Ли попросил коллегу дать ему фотографию с девушками с недавно прошедшей выставки в CERN (Европейская организация по ядерным исследованиям, отличившаяся построением БАК). Он собирался загрузить это фото на FTP и опубликовать в совсем недавно созданной информационной системе World Wide Web. Именно так в Интернете появилось первое фото.

Не мудрено, что такой замечательный художник прожил долгую жизнь, при этом ему удалось своими глазами увидеть множество художественных событий, которые коренным образом изменили структуру русского изобразительного искусства. Но такой процесс не был бы полон без новаторского взгляда и трудной работы самого Поленова.
Поленов, Василий Дмитриевич был рожден 20 мая (1 июня по новому календарю) 1844 года в Петербурге. Отец Поленова, Дмитрий Васильевич, был и археологом, и историком, а также библиографом, но помимо этого он вел активную политическую деятельность, а именно принимал участие в подготовке специальных реформ, которые помогли освободить крестьян. Мать юного Поленова, Мария Алексеевна, являлась внучкой известного на тот момент архитектора Н. Львова, еще в молодости мать Поленова занималась портретом, помогал ей в этом один из учеников Карла Брюллова – К. Молдавский, а также писала детские книги. Атмосфера, которая пронизывала весь родительский дом, так и подталкивала юного Поленова к увлечению науками и живописью. Елена Поленова, сестра замечательного живописца тоже стала довольно известной художницей, после она занялась активным творчеством, а также участвовала в становлении нового русского искусства XX века.

С начала 1859 года Поленов становится учеников мастера П. Чистякова, тогда он еще являлся студентом Академии художеств. Стоит отметить, что сам Чистяков является значимой фигурой в русском искусстве второй половины XIX века, он преподавал живопись многим известным русским художникам того времени, после того, как стал профессором Академии. Многие его ученики вспоминали его с теплотой и благодарностью. Еще в то время, Чистяков часто говорил о необыкновенном таланте Поленова, его замечательном умении составлять тона так, что сам Чистяков не смог бы.

Когда Поленову было около 10 лет, родители приняли решение отвезти сына в имениеИмоченцы в Олонецкой губернии, это место можно назвать местом встречи маленького Поленова и природы. С этого момента, Поленов становиться преданным служителем и обожателем природы на всю оставшуюся жизнь. Именно отсюда Поленов отправился учиться в Петрозаводск, а после окончания учебы направился в Петербург.

Отец, который все-таки относился к живописи сына благожелательно, считал, что лучше было бы получить профессию получше, чем художник. В результате чего, Поленов поступает на физико-математический факультет Петербургского университета, но при этом отправляется на занятия в Академию художеств. Год поступления Поленова в Университет также стал знаменательным и для русской живописи, именно в этом году знаменитый И. Крамской со своими учениками покинул стены Академии в знак протеста против академизма. Эту выходку можно назвать рождением новой русской живописи. Поленов как-то писал одному из своих друзей: «Перебирая в памяти минувшие годы, с каким-то чувством удивления я останавливаюсь на светлых, полных упоительных надежд 60-х годах...»

Позже Поленову удалось посещать натурный класс Академии уже как штатному студенту. Университет Поленову тоже удалось закончить, но только поюридическому направлению. В 1871 году Поленов защитил Диссертацию на тему «О значении искусства в его применении к ремеслам», после чего получил кандидатскую степень. Втом же году ему удается получить и Большую золотую медаль в Академии художеств, которой его наградили за победу в конкурсе. Поленов представил одну из своих работ - «Воскрешение дочери Иаира», позже такой же медали был удостоен и знаменитый Илья Репин. Помимо медали они получали право на стажировку заграницей.

С 1872 по 1876 года Поленов провел заграницей, он побывал и в Германии, и в Италии, и во Франции. Для молодого художника это было временем самоопределения. Здесь ему, наконец-то, удалось познакомиться с творчеством своего любимого живописца - Паоло Веронезе, познакомиться с искусством импрессионистов и барбизонцев. Для Поленова особо продуктивным оказалось время пребывания в Нормандии, ведь именно там были написаны картины, на которых уже ощущалась кисть будущего живописца. В Париже Поленов сдружился с Репиным.

Стоит вернуться назад в 1870 – е годы. Как только Поленов вернулся в Россию в 1876 году, его дорога лежала прямо на войну. Сначала ему удалось побывать на сербско-черногорско-турецкой, потом — на русско-турецкой. На протяжении последней, Поленов числился художником-корреспондентом при главной квартире наследника-цесаревича, который более известен, как Александр III. Будущий император заинтересовался творчеством Поленова, каталог императора, которые был опубликован, содержал в себе огромное количество работ Поленова. Увы, многие из картин были утеряны после 1930 – х годов.

В 1877 году Поленов меняет место жительства и переезжает жить в Москву. Следующий год стал рубежным для художника. Именно в этом году Поленов наряду с Репиным стал членом Товарищества передвижных выставок. В этом же году, Поленову удалось показать свою работу «Московский дворик» на VI передвижной выставке. Это принесло художнику огромную ...




А еще можно почитать и посмотреть ВОТ ЗДЕСЬ http://vasily-polenov.ru/

цена и громкая вывеска еще не гарантируют качества.!!!
На что нужно обратить внимание:
1.КОЖА
Мягкие приятные на ощупь сапожки не будут долговечными. Обувная кожа не бывает тонкой и мягкой. Если все края запрятаны, и нигде невозможно увидеть край мездры, то, скорее всего это вовсе и не кожа, несмотря на то, что говорит продавец. Часто на самом видном месте пришит кусок настоящей кожи. Это может быть клапан под замком или какое-то украшение.
Бывает кожа прессованная. Но от такой лучше отказаться сразу. Производится такая кожа из мелких отходов с огромным количеством клея. Видели оргалит или ДСП? Точно такая же по своим вредным качествам и эта кожа. Через поры на наших ногах в организм попадет куча химии, и можно заработать неприятные заболевания ног, такие как варикоз, грибок и много других.
2.ПОДОШВА
Для зимы немаловажен производитель подошвы. Обувь, сделанная в Европе, не подходит по температурному режиму для нашей зимы. При -20-25 такая подошва может лопнуть. Лучше выбирать мягкую и эластичную подошву. Такая не будет скользить. Если продавец на улице говорит, что она просто застыла, то вы очень рискуете, покупая такую обувь. На скользкой дороге она будет вам заменять лыжи или коньки.
3.КАБЛУК
Если берете обувь на каблуке, обратите внимание на устойчивость. Пройдите несколько шагов. Часто бывает, что идешь как на носочках или, наоборот, на пятки заваливаешься. Это производственный брак. Каблук неправильно подобран к колодке. От такой обуви ноги будут уставать ужасно.
4.ПОЛНОТА
Немаловажно подобрать сапожки по своей полноте. Бывает, ногу сдавило, а продавец твердит что разносится. Не верьте. Разносится только обувь, сделанная из дорогой эластичной кожи, да и то если сапог был плотный, но не давил. В остальных случаях она, скорее всего, порвется, и нужно будет делать заплаты.

Первое, на что обратите внимание, это на материал!
Чем выше процент натуральных волокон, тем полезнее для здоровья. Носки, которые содержат 2-5% лайкры, лучше держат форму и дольше не рвутся.
На лето выбирайте носки из тонкого хлопка в сочетание со льном, на осень и зиму покупайте шерстяные (это и тепло и вентиляция одновременно).

Качество. Чем тоньше отдельные нити, тем выше качество носков (материал сам по себе должен быть прочный). Если нити у носка разной толщины, то эти носки никуда не годятся. Износятся сразу же.

Мысок. А Вы знаете, что у хороших носков мысок изготавливают отдельно и пришивают к носку «петля в петлю»? Швы должны быть очень тонкими, тогда носок не натрет ногу.

Пятка. У хороших носков пятка будет сделана из материала, который уплотнен еще дополнительно.

Резинка. Хорошая резинка не пережимает сосуды и после растягивания возвращается в обычное положение. Из резинки не должны торчать нитки, торчащие нити говорят о плохом качестве носков. Лучше всего покупать носки с пометкой «анатомическая резинка». У таких носков резинка широкая, двойная, не оставляет следа на коже и надежно удерживает носок на ноге. В спортивных магазинах такие носки Вы с легкостью найдете на любой вкус и цвет. Правда они стоят дороже обычных, но на здоровье любимых не экономят!

Стирка Правильная стирка продлевает жизнь носок . Прежде, чем бросить носки в стиральную машину, рассортируйте их. Можно пользоваться при стирке специальной прищепкой, которая облегчит Ваш труд (не придется носки перебирать, чтобы найти одинаковые).
Очень грязные носки предварительно застирайте и оставьте на некоторое время в тазике без воды. После такой процедуры они точно отстираются. Так можно поступать и с белыми носками и детскими колготками.

 ЦЕЛЕБНОЕ ВОЗДЕЙСТВИЕ МУЗЫКИ