Вернувшись с триумфальных гастролей в Москве и немного отдохнув, симфоническнй оркестр Хьюстона откроет новый концертный сезон большим гала-концертом, состоящим из произведений Сметаны, Дебюсси, Допплера и Мошковского. По традиции солистами в гала-концерте выступят ведущие музыканты коллектива. А кульминацией вечера станет исполнение «Болеро» Мориса Равеля.

Сразу за этим концертом последует самый крупный проект этого года - трёхнедельный большой брамсовский фестиваль, в программе которого крупнейшие произведения великого композитора - 1, 3 и 4 симфонии, оба фортепианных концерта, «Немецкий Реквием», «Трагическая увертюра» и «Вариации на тему Гайдна». Вдохновитель этого проекта - маэстро Ханс Граф в традиционном интервью «Нашему Техасу» рассказал нашим читателям о дружбе с музыкантами, о компромиссах на гастролях и о воплощении заветной мечты в этот финальный для него год на посту художественного руководителя хьюстонского симфонического.
По окончании брамсовского фестиваля маэстро Граф станет за пульт Далласского симфонического оркестра. При выборе программы для концерта в Далласе возникли сложности:

«Программу, которую я планировал для Далласа, дирекция «постирала» в слишком горячей воде, и она «села». Я думал о «Песне соловья» Стравинского и рахманиновском Четвёртом фортепианном концерте. Они предложили свои условия, с которыми мне пришлось согласиться. Вместо этого мы будем играть Третий фортепианный концерт Рахманинова, где солистом выступит Гаррик Олсон и Третью «Польскую» симфонию Чайковского, которая мне очень мила, вопреки тому что многие о ней нелицеприятно отзываются. Это красивая музыка, написанная с большим вкусом. Несмотря на то что в ней 5 частей, она компактна и не длиннее традиционной четырёхчастной симфонии».

К счастью, с нашим хьюстонским оркестром маэстро сможет сыграть сочинение, о котором он давно мечтал - оперу «Воццек» Альбана Берга. В Хьюстоне её исполняли последний раз в 1983-м году. Оперу ставил знаменитый Гетц Фридрих, а дирижировал Лэрри Фостер. На этот раз на сцене Джонс-холла мы увидим полусценическое действо, похожее на опыт хьюстонского симфонического оркестра с оперой Равеля «Испанский час». Маэстро Граф работает над партитурой более полугода, потихоньку втягивая музыкантов в это нелёгкое дело, «чтобы у них возник интерес и энтузиазм к данному сочинению».

«Я обожаю эту партитуру, - говорит маэстро. - Она для меня, как драгоценный камень. «Воццек» идеально подходит для концертного исполнения: минимум сценической игры, 90 минут музыки. Важную роль на сцене сыграет свет. Например, когда Мари читает главу о Марии Магдалине из Библии, свет будет напоминать пламя свечи, а в кабинете Доктора, который лечит Воццека, свет будет белым, холодным, уничтожающим. А еще мы можем позволить себе то, что невозможно сделать ни в одной оперной оркестровой яме: разделить оркестр на большой и камерный (13 инструментов) в «Сцене ревности» во 2 акте, ведь именно так хотел композитор. Также в сцене в корчме несколько музыкантов - 2 скрипки, кларнет, фисгармония и туба - выйдут с пультами вперёд, изображая оркестрик на танцах».

Маэстро считает, что «Воццек» - очень сложное произведение, даже для самого лучшего оркестра мира. Поэтому он меняет план работы и будет репетировать 2 недели: сначала - с оркестром, потом - с певцами над мизансценами. Данная постановка - уникальна не только для оркестра, но и для самого Ханса Графа, который выступает и в роли дирижёра, и в роли постановщика оперы.

«Я решился на такой шаг, потому что настолько переполнен этой музыкой, что мне не нужны чужие идеи. Мне хочется показать музыку в её натуральном состоянии, чтобы она пошла напрямую в души людей. Костюмы, декорации - всё это лишнее, опера в нашем исполнении будет сыграна просто и хорошо. У нас будут прекрасные исполнители. Мари - Анна Шваневимс, по-моему, лучшая в мире исполнительница этой роли в наше время, в этом я убедился, исполняя с ней «Воццека» во Франции. Воццек - Роман Трекель, который с нами пел соло в симфонии Землинского, - на мой взгляд, идеальный Воццек. Дело в том, что исполнитель этой роли не должен быть этакий плечистый мужчина, а напротив, страдалец - тёмный, бедный», - делится маэстро.

В разговоре с маэстро Графом выяснилось, что со многими из солистов, выступающих с хьюстонским оркестром, его связывает многолетняя дружба.

«Молодой пианист Мартин Хелмхен сыграет с нами концерт Шумана. В этой же программе прозвучит Шестая симфония Брукнера, которую я очень люблю. Мой близкий друг - французский композитор Анри Дютилё написал блестящую Вторую симфонию, которую мы исполним в одном концерте с симфонией «Из Нового света» Дворжака. Леонидас Кавакос - частый гость в Хьюстоне - сыграет с нашим оркестром Первый скрипичный концерт Шостаковича - произведение, которое в советские времена вдруг исчезло из репертуара, потому что играть его запрещалось. Были люди, которые обвиняли Давида Ойстраха в том, что он не играл этот концерт. А как он мог, если ни один оркестр не брался за это сочинение? Святослав Рихтер брал на себя смелость и играл фортепианную музыку Шостаковича, но при этом он имел дело с самим собой - сел за рояль и сыграл. А здесь идёт речь об оркестре как об организации, которая подписала бы себе смертный приговор, согласившись играть Скрипичный концерт даже с самим Ойстрахом. В нашем выступлении музыка Шостаковича дополняется Шестой симфонией Чайковского, и получается красивая русская программа.

Прекрасным концертом обещает быть сочетание «Моря» Дебюсси и раннего концерта Мендельсона для фортепиано и скрипки. «Мои добрые друзья - супружеская пара скрипач Бенджамин Шмид и пианистка Ариан Хэринг сыграют концерт Мендельсона, который композитор написал в возрасте 13 лет. Это милая и чрезвычайно виртуозная музыка».
Скрипичный концерта Стравинского с хьюстонским симфоническим сыграет Евгений Угорский - необыкновенно талантливый молодой скрипач, который запомнился нашим зрителям блестящим исполнением концерта Паганини три года назад. «Никто в мире не играет концерт Стравинского наизусть, а Женя играет!» - заметил Ханс Граф.

«Второй концерт Шопена с нами сыграет Янина Фиалковска - польско-канадская пианистка, которую я знаю уже лет двадцать. Меня потрясает её личная история, в которую трудно поверить. Несколько лет назад пианистке поставили дигноз - саркома левой руки. После успешной операции она в течение двух лет играла правой рукой леворучный репертуар - концерты Прокофьева и Равеля, а это так трудно! Потом была операция по внедрению новой мышцы, и в результате она начала играть двумя руками. Для меня Янина - героиня. В её состоянии играть два концерта Шопена в один вечер - это поступок, достойный уважения. Недавно пианистка получила большую награду от правительства Канады. Я очень горжусь дружбой с ней и рад, что музыкант такого уровня сыграет с нашим оркестром».

Таковы ближайшие планы, а пока приглашаем вас, дорогие читатели, на первый в этом сезоне концерт, который состоится 8 сентября.

Настоящим событием в музыкальной жизни города обещает стать концерт Камерного хора Хьюстона, составленный из шедевров мировой духовной музыки, в котором наряду с «Литургией» Петра Ильича Чайковского прозвучат сочинения польского композитора Хенрика Гурецкого и англичанина Джона Тавенера.

Легенда современной академической музыки, композитор Хенрик Гурецкий родился на Юге Польши. Зрелая музыка Гурецкого - образец сакрального минимализма, направления, которое представляют также Арво Пярт, Гия Канчели, Владимир Мартынов, София Губайдулина, Джон Тавенер и другие композиторы. Его ключевое и наиболее известное сочинение - Третья симфония «Симфония скорбных песнопений» (1976) для сопрано и оркестра.

Запись «Симфонии» с участием сопрано Дон Апшоу и оркестра «London Sinfonietta» стала настоящим хитом на радио Classic FM в 1992 году. Разошедшаяся миллионным тиражом в хит-парадах Великобритании и США, запись обогнала не только все остальные классические диски, но и альбомы поп-исполнителей. Для авангардной музыки это, без сомнений, абсолютный рекорд!

В «Симфонии скорбных песен» используются тексты ренессансных «плачей Богоматери» (”Stabat Mater”), народных плачей и свидетельств жертв нацизма. Слова, которые Гурецкий положил на музыку во второй части симфонии, были написаны на стене камеры гестапо рукой одной девушки во время Второй мировой войны.

Камерным хором Хьюстона будет исполнено еще одно из ключевых произведений Гурецкого «Totus Тuus». Фраза «Totus Тuus» в переводе означает «Всецело Твой» - девиз Римского Папы Иоанна Павла II - свидетельство его истинной преданности Пресвятой Деве Марии. В этом красивейшем сочинении Гурецкий отдаёт дань единственному Папе-поляку в истории церкви.
Джон Тавенер - прямой потомок своего тёзки композитора и органиста Джона Тавенера (ок. 1490-1545). Его творчество стоит особняком в современной британской музыке. Практически все оно посвящено религиозной тематике. Тавенер - единственный в Британии композитор, принявший православие. Он обрел художественную опору в древнерусском знаменном распеве, при этом в его музыке прослеживаются не только христианские, но и мусульманские, и индийские мотивы.

«С детства я ощущал метафизический, духовный смысл реальности. Но так и не присоединился ни к одной из западных разновидностей христианства. Однажды я зашел в одну из русских православных церквей в Лондоне и почувствовал себя там, как дома, и я остался в нем. Существуют люди, возможно, избранные Богом (я не хочу себя к ним причислять), но в мире нет ничего случайного», - объяснил композитор в одном из интервью.

«Если бы меня спросили, почему я пишу музыку, я бы ответил, что я хотел бы передать и сделать доступными для других внутреннее видение. Я бы сравнил свой метод сочинения с методом иконописца, пишущего икону. Насколько я вижу музыку - это окно в Божественный мир, который вечен », - говорит Джон Тавенер.

Как ни странно, одним из своих первых успехов Тавенер обязан барабанщику «Битлз» Ринго Старру. Брат Тавенера делал ремонт в доме Ринго и дал ему копию «Кельтского реквиема» Джона. Это произведение настолько понравилось Старру, что он выпустил его под торговой маркой Apple самих «Битлз».

Но истиное признание широкой аудитории музыка Тавенера получила в 1997 году, когда его «Песня для Афины» (”Song for Athene”) была исполнена на похоронах принцессы Дианы в Вестминстерском аббатстве. Эта композиция для смешанного хора a cappella была написана на смерть британской актрисы Афины Ариадес в 1993г. Именно его и исполнит Хьюстонский камерный хор в концерте 18 сентября, который состоится в Co-Cathedral of the Sacred Heart.

***

Номинанты премии «Грэмми», ансамбль старинной музыки Ars Lyrica начинают свой новый сезон программой «Вдвоём» (”It Takes Two”), в которой прозвучат концерты для двух солирующих инструментов. 4-й «Бранденбургский» концерт И.С.Баха «на двоих» исполнят Kathryn Montoya (барочный гобой и блокфлейта) и Paul Leenhouts (блокфлейта), а концерт Й.Гайдна Фа мажор сыграют Marc Destrubé (скрипка) и руководитель Ars Lyrica клавесинист Matthew Dirst.
Общество старинной музыки Ars Lyrica - группа страстных любителей и исполнителей старинной музыки во главе с клавесинистом и дирижёром Мэтью Дёрстом. Ars Lyrica представляет серии концертов музыки барокко и ранней классики - от Монтеверди до Моцарта. Эти концерты - нечто среднее между камерной программой и драматическим действом. Музыканты Ars Lyrica бережно чтут традиции аутентичного пения и исполнения на музыкальных инструментах.

Директор Ars Lyrica - кандидат музыковедения, клавесинист и органист Мэтью Дёрст также служит в качестве профессора в консерватории Moores School of Music (Университет Хьюстона).Он известен своим безукоризненным стилем исполнения музыки барокко. Его недавнее исполнение «Гольдберг-вариаций» Баха было высоко оценено прессой. В частности, «Houston Chronicle» отметила «ослепительную технику и глубокое понимание замысла композитора».

Гобоистка Kathryn Montoya, кроме ансамбля Ars Lyrica, выступает с Бостонским фестивальным оркестром старинной музыки, ансамблями Arion, Aradia, Musica Angelica, симфоническим оркестром Кливленда, Портлендским оркестром барокко и Wiener Akadamie (Австрия). Записи с исполнением Кэтрин неоднократно транслировались на радиостанции NPR в программе «Performance Today». Она сотрудничает со звукозаписывающими фирмами Naxos, CPO и NCA.

Канадский скрипач Marc Destrubé - концертмейстер струнного квартета Axelrod, который является частью Смитсоновского института в Вашингтоне. Члены квартета играют на инструментах работы Страдивари и Амати из коллекции музея. Destrubé также является членом ансамбля современной музыки Turning Point и квартета «Микрокосмос» в Ванкувере. Он постоянный гость на канадском фестивале MusicFest.

Флейтист Paul Leenhouts - основатель Amsterdam Loeki Stardust Quartet. Участники квартета активно занимаются усовершенствованием старинной флейты. Они вдохновили многих современных композиторов и доказали, что тихий голос продольной флейты может сказать нечто очень значительное и сегодня. Звучание ансамбля напоминает то свирели пастухов, то охотничьи манки, то флейту Пана, то орган, то шарманку. В 2001 г. Paul Leenhouts оставил ансамбль и сейчас является директором программы изучения старинной музыки в Университете Северного Техаса.

После концерта «It Takes Two», который состоится 21 сентября в Zilkha Hall (Hobby Center), зрители и участники ансамбля Ars Lyrica соберутся на банкет, чтобы отпраздновать открытие сезона и выпуск долгожданного диска с записями сочинений Доменико Скарлатти. Запись включает в себя редко исполняемые камерные произведения мастера - комическую оперу «La Dirindina» и Сонату для клавира.

***

Балет Хьюстона 20-30 сентября представит программу «Женщины в искусстве», в которую войдут творения женщин-хореографов: мировая премьера композиции Aszure Barton, балет «Брамс. Вариации на тему Гайдна» Twyla Tharp, а также балет «Кетуба» Джулии Адам, написанный специально по заказу Хьюстонского балета и показанный впервые в 2004 году.

Вдохновленный традиционным еврейским свадебным обрядом и картинами Марка Шагала, «Кетуба» Джулии Адам объединяет мир классического и современного балета. В основу легла клезмерская музыка Восточной Европы и еврейские народные танцы.

Бывшая прима-балерина, а ныне хореограф балета Сан-Франциско, Джулия Адам выросла в атмосфере еврейских традиций и танца. Её мать была учительницей танца в Израиле. Создавая «Кетубу», Джулия думала о своей дочери, которой она хотела показать поэтическую атмосферу еврейской свадьбы. «Еврейской свадьба - сама по себе - театрализованное представление», - говорит Джулия Адам.

Балет, в котором участвуют 16 танцоров - восемь женщин и восемь мужчин, является смесью нескольких стилей. «Я училась всю жизнь классическому балету», - поделилась госпожа Адам, - я принадлежу этому миру и говорю на языке классического балета, но для «Кетубы» я добавила современные элементы и элементы еврейского народного танца».

«Ketubah» - в переводе с иврита «брачный контракт», который новобрачные подписывают в день свадьбы. Этот поэтический балет проводит нас через все элементы обряда, кульминацией которого является церемония под хупой - свадебным балдахином. В сценографии Адам использует огромный кусок ткани, который то становится завесой в сцене ритуального омовения невесты (миквы), то превращается в свадебный балдахин, то в простыню на брачном ложе.
Влияние Марка Шагала прослеживается не только в костюмах, но и в самой хореографии. Все мы знаем, что на картинах Шагала люди летают. В балете Джулии Адам жених поднимает невесту над головой, и она словно парит в воздухе.

Музыку к спектаклю вживую исполнит хьюстонский ансамбль «The Best Little Klezmer Band in Texas», в репертуаре которого музыка евреев старосветской Европы с примесью ритмов американского джаза. Джулия Адам ставила свою «Кетубу», опираясь на музыку с диска ансамбля «Schleppin’ West». Она выбрала несколько композиций, которые идеально подошли к её замыслам: «Мечта Эстер», «Не сердись/ Цыганочка», «Bubbe’s Dreidel» («Бабушкин дрейдел»), «Kinder Yorn» («Годы детства»), «L’Shmoa» («Услышь наши молитвы»), «Приглашение к танцу» и «Chusn-Kaleh, Mazeltov!» («Поздравления новобрачным»).

Создатели «Лучшего клезмер-бэнда в Техасе» - скрипачка и певица Марша Стерлинг и альтист и дирижёр Дан Стрба, сыгравшие 6 представлений «Кетубы» в 2004-м году, с нетерпением ждут начала репетиций. «Клейзмер и балет - два совершенно разных жанра, никогда ранее не соприкасавшиеся. Для нас идеи Джулии Адам были настолько новыми и настолько тронули наши души, что мы с радостью согласились сыграть «Кетубу» в Хьюстоне ещё раз», - призналась Марша.

«Кетуба» - это идеальное сотрудничество музыкантов и танцоров. Как правило, музыканты обыкновенного балетного оркестра и не подозревают, что творится на сцене. Они лишь подчиняются дирижёру, который, в свою очередь, следит за танцевальными па. Музыка, которую мы играем, по большинству импровизационная, и в этом случае танцоры должны следовать за нами», - сказал Дан.

Мы надеемся, что наши читатели обязательно найдут в калейдоскопе музыкальных событий Хьюстона что-то себе по душе.

Так сказал один из зрителей под впечатлением концерта хора московского Сретенского монастыря во время их гастролей по Латинской Америке.

«Они выглядят как обычный хор, пока не запоют. Вдруг вас волной накрывает удивительный звук - необыкновенно богатый, мощный, торжественный и при этом чрезвычайно искренний». Это один из многочисленных отзывов на выступление Сретенского хора, который сегодня по праву считается одним из лучших коллективов мира.

После грандиозного успеха мирового гастрольного тура в 2007 году, прославленный хор возвращается к нам, в Соединённые Штаты с новой программой, составленной из песнопений Русской православной церкви и оригинальных аранжировок современных песен.

Один из древнейших московских монастырей, Сретенский расположен на улице Большая Лубянка. Эта часть Москвы в древности называлось Кучковым полем. Более 600 лет назад здесь наши соотечественники встречали икону Владимирской Божьей Матери, избавившую Москву от нашествия Тамерлана. В 1397 году на месте Сретенья - встречи народа и иконы - и был воздвигнут Сретенский монастырь.

Хор при Сретенском монастыре существует уже больше 600 лет, с самого момента основания. Для сравнения, старейший профессиональный коллектив России - нынешняя Капелла им. Глинки, а в старину Хор Государевых певчих дьяков - был основан в 1479 году.

Перерыв в деятельности хора пришёлся только на годы гонений церкви во времена советской власти. В 1990-е годы в возрождающемся монастыре хор постепенно начал приобретать свой современный облик и наряду со службами в монастыре начал работать над записью студийных альбомов и вести активную концертную и гастрольную деятельность.

С 2005 г. Сретенский хор становится главным хором, сопровождающим богослужения Святейшего Патриарха, а так же его визиты в епархии Русской православной церкви в России и заграницей. В 2006 г. музыканты дали концерты в Белграде для Президента Сербии, в зале «Аудиториум» в Папской резиденции в Ватикане, в соборе Парижской Богоматери и в ЮНЕСКО.

Огромным событием в творческой жизни хора стало мировое кругосветное турне, посвящённое объединению Русской православной церкви в 2007 г. Выступления коллектива проходили на лучших концертных площадках Нью-Йорка, Вашингтона, Бостона, Торонто, Мельбурна, Сиднея, Берлина, Лондона и неизменно завершались овациями и выражениями благодарности и восхищения слушателей. В 2008 г. в рамках миссии Русской православной церкви хор Сретенского монастыря участвовал в «Днях России в странах Латинской Америки» и с огромным успехом выступал в Коста-Рике, Гаване, Рио-де-Жанейро, Сан-Паулу, Буэнос-Айресе.

Хор состоит из певцов-профессионалов. Основа хора - семинаристы, студенты Сретенской семинарии и выпускники Московской духовной семинарии и академии. Не менее важная часть состава коллектива - вокалисты из Московской академии хорового искусства, Московской консерватории, Академии музыки им. Гнесиных. Солист хора - Лауреат международного конкурса Алексей Татаринцев выступает на лучших мировых сценах. Другой солист - Дмитрий Белосельский - ведущий артист Большого и многих мировых оперных театров - имеет звание Заслуженного артиста России.

В 2005 году хор возглавил нынешний регент - Никон Жила, выпускник Российской Академии музыки им. Гнесиных. Редкой фамилией он обязан отцу - священнику, родом с Украины, а редкое имя он получил в честь преподобного Никона Радонежского, в день памяти которого родился. Никон Жила с детских лет пел в церковных хорах Троице-Сергиевой лавры, откуда он родом. В 2000 г. он стал певчим в хоре московского Сретенского монастыря, а вскоре и его регентом.

Никон поистине творчески подошёл к деятельности коллектива, реорганизовав его, при этом сохранив его лучшие традиции. Он пригласил к сотрудничеству талантливых солистов, композиторов-аранжировщиков, расширил и переработал репертуар. Впервые в истории монастырский хор начал исполнять песни военных лет а-капелла.

Под руководством Никона Жилы хор Сретенского монастыря записал несколько музыкальных альбомов с духовными песнопениями и лучшими песнями классического и народного репертуара: «Великопостные произведения», «Страстная седмица», «Всенощное бдение», «Вижу чудное приволье», «Любимые песни. Подарок для друзей».

«Русская песня ХХ века очень близка нашим певчим. В этот период, когда православная вера была гонима и насильственно изгонялась из памяти народа, были созданы удивительные произведения, которые чем-то, пусть весьма отдаленно, но заменяли в душах людей неизвестные им молитвенные состояния», - считает регент Сретенского хора.

По словам Никона Жилы, задача хора - связь времен и поколений, осмысление великих песен XX века и общение со слушателями, далекими от Церкви, на понятном для них языке, чтобы призвать их к пониманию русской культуры так, как её понимают певцы.

«Мы не монахи и несколько шире смотрим на певческую культуру не только русскую, но и зарубежную, - объясняет он. - Когда мы были в США, мы исполняли светскую музыку, и даже «Let my people go». Наши программы мы выбираем, в первую очередь, в расчёте на слушательскую аудиторию».

Хор Сретенского монастыря исполняет старинные песни и песни XX века, романсы XIX века и русские народные песни - композиции, которые возвышают человека.

Никон Жил считает, что песни расширяют границы слова. «Мне кажется, что слова, которые мы произносим во время пения, влияют на какие-то глубинные внутренние чувства людей, тем самым оказывая влияние на их жизнь».

На гастрольных концертах коллектива неизменно присутствуют русские иммигранты, для которых песнопения хора - воспоминание о родной стране, в которую они уже не вернутся в силу разных причин. «Люди часто подходят к нам и благодарят со слезами на глазах. Фраза одного из зрителей, что мы привезли часть России, серьезно запала нам в сердце», - вспоминает Никон Жила.

Итак, хор Московского Сретенского монастыря отправляется в гастрольный тур, который обещает стать ярким событием в культурной и духовной жизни России и США. Праздничные богослужения и торжественные концерты пройдут в нескольких крупных городах Америки. Программа концертов состоит из древних православных песнопений, а также русских, украинских, казачьих народных песен, военных песен и песен XX века.

Музыканты не обойдут вниманием и Техас. Хочется надеяться, что наших читателей заинтересует концерт, который в состоится Далласе 19 октября в зале Majestic Theatre.

В этом году гостем нашего 6-го документального кинопоказа в Техасе станет режиссер-документалист Андрей Загданский. Мы познакомились с ним на кинофестивале «Артдокфест» в Москве и приглашали в Техас еще в прошлом году. Но тогда не сложилось… На этот раз техасской публике повезло, Андрей посетит не только Хьюстон, но объедет со своим фильмом «Мой отец Евгений» многие университеты нашего штата.

Вот что пишут о фильме «Мой отец Евгений» другие документалисты.

Джефф Райхерт
«…история отца и сына состоит из нескольких элементов: кинохроника советской эпохи, блестяще снятые кадры Нью-Йорка, сегодняшнего Киева и заброшенной киностудии, семейные кинокадры и фрагменты писем отца к сыну. Все это соединено в приятно «дрейфующий» биографический рассказ, который охватывает десятилетия в жизни Евгения и Андрея. Фильм абсолютно персональный, но, к счастъю, никогда не слезливый. Мне особенно понравилось, как Загданский комментирует каждый новый фрагмент кинохроники: «Здесь мне столько-то лет». Автора нет в кадре, и это не домашние кинофильмы, нет. Его выбор синтаксиса подчеркивает сложное отношениe к кадрам на экране (оба, и покойный отец, и сын, - кинематографисты) и к истории (и взаимоотношения этих кадров с историей) и последовательно проходит через весь фильм. Спокойная эстетика фильма нарочито старомодна, отчего мне еще больше понравился этот погружающий в мечты фильм.

Джордж Робинсон
«Мой отец Евгений» - изысканный импрессионистический документальный фильм об историческом прошлом, о времени, прожитом отцом и сыном. Используя комбинацию архивных материалов, семейной хроники и фильмов, снятых на киностудии отца, вместе с тревожными кадрами теперь уже заброшенной студии, Андрей рассказывает сложную историю своей семьи и своей страны. Работая с различными фактурами, режиссер передает диалектику времени - отец всегда говорит о будущем, сын постоянно обращается к прошлому - и боль разлуки, что одновременно эмоционально и точно.

Впечатлениями от увиденного на фестивале фильма делились многие. Вот одно из них кинокритика Дарьи Борисовой.
Заглянуть в себя, переворошить прошлое, признаться в том, что недодал любви родителю (а теперь его уж и на свете нет) - тут нужно мужество. С основным потоком фильмов -«писем из России» картина Загданского созвучий не находила и фактом своего существования в этой коллекции самого что ни на есть нового, актуального и «реального» наводила на размышления о неизменности соотношения вечного и преходящего. Именно в таких случаях понимаешь, что такое кино большого стиля, а что - домашние радости.

«Мой отец Евгений» - объемная конструкция, в которой жизнь человеческая преломляется в гранях разных эпох, проверяется расставаниями и расстояниями, да и не одна жизнь: автор ведет диалог сквозь время с собственным отцом, смотрит на себя прежнего. Ключевой кадр - когда старик Загданский, уже очень одинокий в своей киевской квартире, отражается в стекле книжной полки, за которым - какая-то афишка, постер с фотографией сына «заокеанского» периода - prosperous film director Andrei Zagdansky. Киев и Манхэттен вспыхивают в картине попеременно и словно качаются на весах.

В Киеве началось все. Там зимой 1919-го, в семье дамского сапожника Петра Загданского (на фото из фамильного архива - черноглазый красавец-фрачник, щеголь а-ля мусье Голохвастов) родился сын Евгений. Суждено ему выучиться, воевать, дойти до Берлина офицером, а в мирной жизни стать кинематографистом - сценаристом, главным редактором студии «Киевнаучфильм», при нем расцветшей, воспитавшей немало талантов (начинал там и сын Андрей). Про ту же бурную киевскую зиму, когда появился Евгений на свет, в «Белой гвардии» сказано: «Тревожно в Городе, туманно, плохо…» Вот это сакральное, с большой буквы, булгаковское «Город» сродни Киеву режиссера Андрея Загданского. Родной, обжитой и вечный, непостижимый, там остались детство, родители, дом. В доме неизменно тикают часы - старинные, купленные родителями в Германии (снова булгаковский блик - часы в столовой Турбиных, которые, как мы помним, «совершенно бессмертны» и в компании с «Саардамским плотником» и голландской печкой хранят киевский дом от вихрей истории). С хрипом и шипением они собираются, бьют, отмеряют очередной час. Время в фильме осязаемо. Вместе с жизнью Евгения Петровича Загданского на экране проходит без малого век. До рубежа 50 - 60-х в распоряжении режиссера традиционный набор: хроника, фотографии, факты семейной истории. «1961 год. Киев встречает Фиделя Кастро. Где-то в этой толпе моя мама. Мне шесть лет. Я ничего не понимаю и счастлив». Золотая пора счастливого неведения не длится долго. Детство сменяется отрочеством. «Отец мечтал: я буду ученым». А дома - разговоры о кино, шумные компании отцовских коллег, и хочется быть режиссером, как, например, завсегдатай дома, блестящий Феликс Соболев.

Время расходится, как речка, на два рукава, у сына пошел свой отсчет - и тут любопытны метки, поставленные памятью в бескрайнем пространстве прошлого. Отец обживает кабинет в новом здании «Киевнаучфильма», готовится к международному конгрессу по проблемам неигрового кино. Сын ловит слухи об аресте украинского поэта Василя Стуса, о мытарствах Параджанова, пытается вычислить стукачей, объявившихся в стенах Института имени Карпенко-Карого. Позже, в письмах к сыну в Америку (в фильме их замечательно прочел за кадром драматург Александр Гельман) Евгений Петрович признается: волновался, что Андрея затянет в диссидентство, со всеми вытекающими. «Мы верили, что высокий интеллектуальный уровень страны предполагает и безупречную нравственность», - оправдывается фронтовик, честный и умный советский человек. В 90-е взяла оторопь от состояния умов и душ граждан некогда единой страны. В утренних газетах пошли отчеты о потерях российских войск в Чечне, а по каналам украинского ТВ - трансляции цирковых представлений в Раде, с клоунами и борцами-тяжеловесами (фрагменты парламентских словесных баталий и потасовок у микрофонов, найденные режиссером для фильма, заставляют вздрогнуть - как недавно и мы это проходили). Мир перевернулся, и нонконформизм сына в пору застоя и агонии режима представлялся единственно возможным тогда образом мышления. С 1992-го сын Андрей проживал уже в Нью-Йорке, общались посредством телефона и почты. «Тебе не утомительно читать все это? Просто я себя уговариваю, что прожил жизнь не совсем напрасно».

Евгения Загданского не стало в 1997-м. К этому моменту выпестованная им студия «Киевнаучфильм» перестала существовать. Жизнь в незалэжной Украiне кардинально менялась. Говоря о своем фильме, Загданский подчеркнул, что ему важно было найти интонацию отца тех лет, «почувствовать и передать точку, когда все уходит». Точка эта - сверху. Камера смотрит с крыш на Город, на перелески вокруг корпусов бывшей студии (панорама над окрестностями «Киевнаучфильма» завершает картину), и грусть прощания с тем, что составляло жизнь, разливается в кадре. А виды заброшенных, захламленных ныне павильонов напоминают призрачные интерьеры затонувшего «Титаника» - это уж прощание Загданского-младшего со студией, на которой вырос и дебютировал. Точка, с которой он смотрит на прошлое и настоящее, обозначена в фильме нью-йоркским перекрестком (еще есть вид на Гудзон с набережной), и грусти там не меньше. Это не то чтобы ностальгия, похоже на тонкую, без надрыва, исповедь перед самим собой, на подведение первого баланса: что было, что есть. Где сейчас семейные часы? Идут ли? Про это в финале фильма ничего не сказано. Есть старшая сестра Нина, которую Андрей Загданский поблагодарил за «разрешение снять фильм о нашем папе», когда вышел получать «Лавровую ветвь» за лучший документальный фильм 2010 года.

По материалам сайта Андрея Загданского

Музыкальное сообщество Сан-Антонио «Musical Bridges Around the World» 7 октября открывает сезон концертом «Слияние миров», в котором примут участие музыканты-исполнители на этнических инструментах из разных стран мира.

«Музыкальные мосты» соединяют разные жанры, стили и исполнителей, среди которых множество представителей русской школы.

В этом сезоне Musical Bridges приглашают тандем музыкантов Игудесман и Джу. Обаятельные, лучшие в мире музыкальные шутники - скрипач Алексей Игудесмана из Питера и пианист Richard Hyung Joo - кореец британского происхождения покажут программу «Маленький музыкальный кошмар» (”A Little Nightmare Music”) - по аналогии с «Маленькой ночной серенадой» Моцарта. Шоу состоит из множества коротких сценок, в которых эта хулиганская парочка поступают с шедеврами мировой музыки, как им заблагорассудится.

Программа «Поколения музыкантов» говорит сама за себя. В концерте выступят представители династии пианистов - Лилия Зильберштейн и два её сына - Антон и Даниил. В их исполнении прозвучат произведения Моцарта и Брамса для ансамбля пианистов.

Концерт, составленный из сочинений И.Брамса, в котором примут участие Марк Шейхет (альт), Елена Портная (фортепиано), Эмануил Борок (скрипка) и меццо-сопрано Carolyn Sproule - часть Брамсовского фестиваля, который охватит все концертные организации Сан-Антонио. Концерт пройдёт в соборе Сан-Фернандо.

Торжественным завершением музыкального сезона станет выступление 19 мая хореографического ансамбля «Барыня» из Нью-Йорка.

Анна Гроховски-Михаэльсон, художественный руководитель, основатель и вдохновитель «Musical Bridges Around the World» рассказала нашему корреспонденту, что поддержка русскоязычной общины играет важнейшую роль в деятельности её организации.

«Я горда тем, что русская община в Сан-Антонио оказывает огромную помощь нашему сообществу. Мы очень благодарны докторам Дмитрию Буянову и Ларисе Гуттенберг (Premier Pain Consultants), доктору Юрию Борщу (Precision Spine & Pain Management) и доктору Стэну Зебровскому из Nothwoods Dental Spa за их постоянную поддержку в течение всего нашего концертного сезона.

Я бесконечно благодарна всем, кто бескорыстно помогал нам на концертах. Таких людей много. Например Светлана Жилкибаева вместе со своим сыном Гари помогает нам на всех без исключения концертах. Для наших помощников мы учредили специальную премию «Доброволец года».

Мария Хьюстон, её мать Светлана и её дочь Ольга - члены нашей организации, которые проделали огромную работу, связанную с компьютерной рассылкой, расселением гостей и координацией проверки билетов на концертах. Кстати, тот факт, что в нашей интернетной рассылке всё больше появляется людей, живущих за пределами Сан-Антонио - полностью их заслуга.

Несколько наших русскоязычных друзей подписались на абонемент Musica Viva ($ 1000 +), они приезжают на наши концерты из Остина.

Русскоязычная публика приходит как на концерты на нашей основной сцене в McAllister Auditorium, так и на бесплатные публичные концерты в соборе Сан-Фернандо.

В Советском Союзе, несмотря на все политическиее, социальные и житейские проблемы, музыке уделялось огромное значение. Вот почему все выходцы из бывшего СССР знают, что значит высокое качество исполнения. Я счастлива, что моим соотечественникам по душе наши музыкальные программы. Поддержка русскоязычной общины означает одобрение ею моей профессиональной деятельности.

Благотворительность была феноменом царской России, достаточно вспомнить Строганова, Дягилева и целые династии Мамонтовых, Морозовых, Бахрушиных, Щукиных, Рябушинских,Третьяковых. К счастью, традиции меценатства, умершие в 1917 году, возрождаются в современном мире. Русские в Сан-Антонио гордятся тем, что в городе есть общество Musical Bridges, и поддерживают нас, потому что заинтересованы, чтобы наши музыкальные программы развивались.

Это огромное счастье - быть окруженной прекрасным сообществом земляков, которые разделяют мою любовь к музыке. Мы одна русская музыкальная семья. Спасибо вам огромное!»

Как рождаются профессиональные оркестры? У каждого своя история: одни вырастают из студенческих коллективов, а иногда и из любителей помузицировать, а позже к ним примыкают профессионалы. Случается, что оркестры создаются «под заказ», например, перед фестивалями или записью дисков. Нередко инициатором является дирижёр, мечтающий об инструменте для выражения своих музыкальных идей и нуждающийся в необходимых ресурсах для осуществления своей мечты.

Весной 1991 года швейцарская звукозаписывающая компания “Claves” обратилась к дирижёру Мише Рахлевскому с предложением записать диски из произведений русских и советских композиторов. Рахлевский решил сделать этот проект с музыкантами из России. Так на свет появился Камерный оркестр Kremlin. Успех первых записей и концертов и, одновременно, творческая и дружеская атмосфера, которая сразу возникла в коллективе, привели к тому, что Миша решил сделать оркестр постоянным, а сам переехал обратно в Москву, из которой он эмигрировал в 1973 году. Kremlin объединил в себе молодых российских музыкантов и прочно занял место в ряду ведущих музыкальных коллективов, как в России, так и за рубежом.

Не стоит думать, опираясь на название коллектива, что оркестр обслуживает кремлёвских обитателей, совсем наоборот.

«Когда я сформировал новый оркестр, я не хотел, чтобы нас путали с кем-либо, и решил избегать часто употребляемых слов типа Российский или Московский. В то же время хотелось, чтобы название оркестра ясно указывало, кто мы и откуда. Чтобы наверняка избежать возможных недоразумений, мы слово «Кремль» написали по-aнглийски, а синтаксическое построение названия оркестра точно определяет, что мы не являемся «кремлёвским», - рассказывает Миша Рахлевский.

Основатель и художественный руководитель оркестра Kremlin Миша Рахлевский родился в Москве. Занимался в училище при Московской консерватории и Российской академии музыки им. Гнесиных по классу скрипки. В 1973 году Миша уехал из страны, в течение следующих трёх лет жил и работал в разных странах, а в 1976 году переехал в США, где вскоре основал NACO (Новый Американский камерный оркестр), с которым в качестве художественного руководителя и солиста дал сотни концертов в США и Европе.

В 1980-х господин Рахлевский был приглашен для создания камерного оркестра города Гранада, Испания. Это был длительный проект, при котором NACO работал в Гранаде, а Рахлевский тем временем создавал собственный оркестр для города.

Посетив Москву весной 1991 года, Миша Рахлевский погрузился в водоворот столичной музыкальной жизни, богатой талантами и традициями. В это же время представилась возможность стать частью этого водоворота и основать оркестр Kremlin.

За первые 12 лет существования камерный оркестр Kremlin выпустил более 20 компакт-дисков, 16 из которых записаны швейцарской компанией Claves. Ряд дисков отмечен международными наградами, такими как Diapason d’Or в Париже, Gramaphone Critic’s Choice в Лондоне, New York Times Critic’s Choice и Диск года в Гонконге. В репертуаре оркестра около 1000 произведений, включая 28 специально написанных для коллектива и около 100 - впервые прозвучавших в России.

Концерты камерного оркестра проходят в Большом зале Московской консерватории, в зале Академии им. Гнесиных, в московском международном Доме музыки, в Государственном Музее им. А.С. Пушкина и многих других залах и консерваториях. Основанный оркестром Kremlin в 1996 году ежегодный международный музыкальный фестиваль «Рождество в Кремле» с интересом ожидается столичной публикой и проходит при неизменных аншлагах. В дополнение к насыщенному концертному графику столичных выступлений, камерный оркестр Kremlin много и успешно гастролирует по всему миру, регулярно проводя турне по странам Северной и Южной Америки, Европы и Юго-Восточной Азии.
Музыканты оркестра Kremlin часто выступают в качестве солистов, как в московских концертах, так и во время зарубежных гастролей. Для своих выступлений Kremlin также привлекает известных российских и зарубежных исполнителей.

Оркестр вступает в третье десятилетие своего существования. Миша Рахлевский и его детище продолжают получать удовольствие от совместной работы, расширяют свой репертуар, радуют зрителей новыми интересными программами, пополняют ряды своих поклонников во время гастролей за рубежом и выпускают новые аудио- и видеозаписи.
В 2004 году оркестр сыграл вместе с легендарной группой «Машина времени». Эта акция была частью программы благотворительных концертов, ежегодно проводимых Мишей Рахлевским. Аранжировки, сделанные музыкантами оркестра Рахлевского, добавили красок и нюансов звучанию группы. Запись концерта потребовала решения сложной технической задачи: одновременной звукозаписи негромких акустических инструментов оркестра и мощного драйва рок-группы. Результат оправдал ожидания: Андрей Макаревич считает эту работу лучшей из концертных дисков «Машины времени».

Оркестр Kremlin неоднократно принимал участие в ежегодном столичном проекте «Ночь Музеев», когда множество музеев открыто для посещений в вечернее и ночное время. В рамках «Ночи Музеев» в 2011 г. «кремлёвцы» выступили на станции метро «Кропоткинская» (это поистине феерическое выступление было посвящено также 75-летию метрополитена), а в 2012-ом - в сверхсекретном в прошлом форпосте «Бункер-42» (на глубине 65 м под землёй!). Акустические эксперименты Миши Рахлевского были отмечены живым слушательским интересом, и обе концертные программы стали ярчайшими событиями московской культурной жизни.

Также традиционными в афише оркестра стали ежегодные концерты на теплоходе «Барин». Музыкальный теплоход с «кремлёвцами» и их гостями на борту плавает по Москве-реке от причала на Нагатинской набережной к парку Горького, удивляя горожан.
Что ни говори, творческий подход к выбору концертных площадок - конёк Миши Рахлевского. Не менее творчески дирижёр оркестра Kremlin относится к концертной программе. Например, перед гастролями он внимательно анализирует, что исполняется в данном городе сейчас и в течение сезона, каков размер зала и его акустика. В соответствии с этим подбираются произведения программы.

В одном из интервью господин Рахлевский сказал: «Иногда я сравниваю выбор программы с составлением меню для званого ужина. Нельзя думать о каждом компоненте в отдельности, нужно рассматривать «меню в целом». Определиться с «главным блюдом», и в соответствии с этим выбрать все остальное. Не стоит перебарщивать с «блюдами», которые нравятся всем. Если их будет слишком много, они будут «сражаться» друг с другом, а в итоге все забудутся. Нужно не бояться предлагать что-то новое или неизвестное, если, конечно, знать, как его «вкусно приготовить».

Для своего хьюстонского дебюта камерный оркестр Kremlin выбрал одно из редкостных блюд музыкальной кухни - «Симфониетту» Н.Мясковского. Музыка Мясковского имеет особое значение для Миши Рахлевского - об этом дирижёр рассказывает в документальном фильме о композиторе «Няма». «Главным блюдом» концерта будет сюита Э.Грига «Из времён Хольберга», а вот десерт предстоит выбрать самим зрителям. «Кремлёвцы» предлагают на выбор два блистательных произведения - серенады для струнных Чайковского и Дворжака. Чтобы узнать, каковым будет решение публики, приходите на концерт камерного оркестра Kremlin, который пройдёт 16 октября в концертном зале Stude университета Rice.

«Что такое комедия? Комедия - это искусство смешить людей, не вызывая у них при этом рвотный рефлекс», - сказал как-то популярный комический актёр Стив Мартин.

Смех для нашей души - то же самое, что бег трусцой для тела: он наполняет нашу душу жизнью, счастьем и энергией. Юмор - универсальный способ начала общения, он срабатывает мгновенно и привлекает внимание к шутнику. По всем законам психологии невозможно ненавидеть того, с кем вы вместе смеялись. Согласитесь, мы испытываем какое-то особое доверие к артистам разговорного жанра. В известной степени, эстрадные юмористы заменяют нам психотерапевтов, с той разницей, что «сеансы» с ними проходят прилюдно, открыто и в участии в них не стыдно признаться.

В 80-х годах прошлого уже века на американской сцене возник Яков Смирнофф - фигура легендарная, юморист с собственным стилем, над «русскими перевертышами» которого потешалось целое поколение.

Яков Смирнофф родился в Одессе. Работал учителем живописи. Эмигрировав в США в 1977 году, он переквалифицировался в комика, выступающего с эстрады, и изобрёл юмористический приём «советско-американской» инверсии. Суть приёма заключается, в основном, в переставлении субъекта и объекта и в противопоставлении американского и советского. Получался каламбур: “In Los Angeles, you can always find a party. In Soviet Russia, the Party can always find YOU!” - «В Лос-Анджелесе ты всегда найдешь товарищей. В Советской России товарищи всегда найдут ТЕБЯ!».

Ещё один из перевертышей Якова “In USA you drive the car. In Soviet Russia the car drives you” надо понимать как игру слов, вроде «В США ты управляешь государством, в Союзе государство управляет тобой». Смирнофф придумал слово «Диссидентленд» - пародия на Диснейленд и очевидный намёк на ГУЛАГ, объяснив, что «Очевидно, там настолько весело, что никто и никогда оттуда не возвращался». Ну и самое гениальное - “In America, your job determines your marks. In Soviet Russia, Marx determines your job!” - «В Америке работа определяет ваш уровень. В Советской России, Маркс определяет вашу работу!». Конечно, данный каламбур воспринимается только на слух, в переводе его соль теряется.
Многие обвиняли Якова в том, что он, якобы, способствовал созданию стереотипов об СССР и вообще нелицеприятно отзывался о бывшей родине. Но проанализировав советские анекдоты того времени, можно увидеть, что они были вполне созвучны тому, что говорил Смирнофф, и самоиронии в них не меньше. Чего стоит шутка:

«Правда ли, что Америка на первом месте в мире по числу автомобилей?
- Правда. Но зато Советский Союз на первом месте по числу мест для стоянки».

А одна из инверсий Якова “In America, you assassinate presidents. In Soviet Russia, presidents assassinate you!” («В Америке убивают президентов, а в Союзе президенты убивают вас») перекликается с советским анекдотом:
В США убили президента!
- Черт возьми, и здесь обскакали!

Как бы то ни было, а в середине 80-х Смирнофф был, можно сказать, мега-популярной фигурой на американском телевидении, а шутки про Советскую Россию стали его коронными номерами.

Но на этом он не остановился и в дальнейшем стал шутить уже про Америку. Его новой темой стала «Ну и страна!» - ироничные размышления иммигранта о жизни в Америке.
Например, Яков рассказывает, как ко время первого посещения им ресторана официант спросил: «Сколько человек в вашей партии?», на что получил ответ: «Нас 600 миллионов». Официант, определённо, имел в виду, на сколько человек зарезервировать столики. Тут используется игра слов: “party”это и партия, и компания. А вот недоумение в продуктовом магазине, где всё подряд порошковое: “Powdered milk, powdered eggs, baby powder … what a country!”

Многие артисты разговорного жанра добавляли лоск своему образу при помощи костюмов, реквизита или прочих театральных премудростей. Яков Смирнофф же извлекал выгоду из того, чем наделила его природа - он всегда говорил с русским акцентом.

Даже в обыденной жизни Яков продолжает потешаться ну буквально над всем. Телефоны его гримёрной таковы: 417-33-YAKOV, 417-33-NO-KGB и 1-800-WHATACOUNTRY.
Яков Смирнофф - профессор двух университетов: Missouri State University и Drury University. В них он преподает предмет «Бизнес смеха». А в мае 2006-го он получил степень магистра «Позитивной психологии» в университете Пенсильвании.
С 1992 года артист постоянно проживает в Бренсоне, штат Миссури, где владеет целым театром на 1800 мест. В этом театре регулярно проходят его юмористические шоу, а также цирковые представления, на темы русской культуры: “Yakov’s Dinner Adventure” и “Yakov’s Branson Show”.

Он попробовал себя в нескольких фильмах - «Москва на Гудзоне» с Робином Уильямсом, «Прорва» (”The Money Pit”) c Томом Хэнксом, «Ревность» (”Heartburn”) с Мерил Стрип и Джеком Николсоном, «Миллионы Брюстера» с Ричардом Прайором и «Бакару Банзай» (”Buckaroo Banzai”). В телевизионной комедии «Ночной суд» (”Night Court”) он сыграл роль некого Якова Короленко.

Яков Смирнофф обладает двумя важными качествами успешного юмориста: стабильностью и направленностью материала. Он способен смешить постоянно и выбирать темы, действительно интересующие публику. Со временем из его репертуара исчезли шутки с политическим оттенком, и он обратился к универсальным темам, понятным всем и каждому - темам взаимоотношений мужчины и женщины, любви и семьи.

Его новую программу “Happily Ever Laughter”, которую на русский можно перевести как «И хохотали они долго и счастливо», скоро можно увидеть в Хьюстоне. Яков утверждает, что если относиться к браку с юмором, то это продлевает «медовый месяц» семейных пар. Не забывайте, что он «Магистр позитивной психологии» и в таких делах разбирается!

Яков Смирнофф выступит 26 октября в хьюстонском Hobby Center.

Посвящение Шостаковичу

«Город славился … своими непрекращающимися концертами, музыку здесь обожали, особой популярностью пользовались местные оркестры из цитр, мандолин и гитар», - писал об Иерусалиме Эдвард Уитмор в книге «Синайский гобелен» - первой части его прославленной тетралогии «Иерусалимский квартет».

Воистину, Земля Обетованная рождает, растит и принимает наиталантливейших музыкантов нашего времени, в том числе и знаменитый Иерусалимский струнный квартет, о котором с восторгом писал один из европейских критиков: «Не хватает превосходных степеней, чтобы описать, как прекрасно играет этот молодой, но уже выдающийся ансамбль!» Иерусалимский квартет существует с 1993 года. Его концерты с нетерпением ждут в самых престижных залах мира.

В 1997 году квартет занял первое место за лучшую интерпретацию современной музыки на конкурсе «Франц Шуберт и музыка 20-го века» в Граце. Также музыканты осуществили в Лондоне, а затем и в других европейских столицах, интереснейший проект Mozart Plus, посвященный квартетам и квинтетам Моцарта, а сейчас готовятся к исполнению всех квартетов Шостаковича.

В течение 17 лет состав коллектива не менялся. Скрипачи Александр Павловский, Сергей Бреслер, альтист Амихай Гросс и виолончелист Кирилл Злотников начали играть вместе, ещё будучи студентами Иерусалимской музыкальной академии. В 2010 г. Амихай Гросс внезапно покинул квартет и занял позицию первого альтиста Берлинского филармонического оркестра. К счастью, Иерусалимский квартет нашел удачного альтиста Ори Кама, который органично влился в ансамбль.

Ори Кам происходит из музыкальной семьи. В отличие от своей старшей сестры, замечательной кларнетистки и коренной израильтянки Шарон Кам, он родился в США, но вырос в Израиле, куда его родители вернулись, поработав в Калифорнии. Чтобы продолжить музыкальное образование, Ори вернулся в США, где занимался в нью-йоркской Манхэттенской школе музыки у Пинхаса Цукермана. А завершил он свое образование в Берлинском университете искусств у Вильфрида Штреля.

Господин Кам был удостоен нескольких наград и премий, включая премию на Международном конкурсе в Женеве и премию им. Паганини на конкурсе Lionel Tertis.
Ори Кам играет на альте работы японского мастера Hiroshi Iizuka 2009 г.

Первый скрипач и один из основателей всемирно известного квартета, Александр Павловский родился в Киеве и репатриировался в Израиль в 1991 году. Он учился в Иерусалимской академии музыки в классе знаменитого профессора Матвея Либермана. Александр - лауреат премии им. Илоны Корнхаузер, обладатель первого приза на Национальном конкурсе Braun-Roger-Ziegel.

Павловский солировал со многими оркестрами, в том числе с Иерусалимским симфоническим, Киевским камерным и Камерным оркестром Израиля. Господин Павловский играет на скрипке J.F.Pressenda 1824 года, предоставленной ему фондом Jerusalem Pressenda Syndicate.

Сергей Бреслер родился в Украине. В 12 лет дал свой первый сольный концерт и в том же году сыграл с симфоническим оркестром Харьковской филармонии Концерт для скрипки № 2 Венявского. В 1991 году Бреслер эмигрировал в Израиль и продолжил учёбу в Иерусалимской консерватории в классе профессора М.Либермана. Сергей получил несколько призов, включая вторую премию на конкурсе молодых скрипачей в Клермонте. Он выступал в качестве солиста со многими оркестрами, в том числе с Иерусалимским симфоническим оркестром и симфоническим оркестром Людвигсбурга.

Музыкант играет на скрипке Lorenzo Storioni 1770г., предоставленной Американско-Израильским фондом культуры. Эта скрипка была пожертвована в фонд Исааком Штерном.

Виолончелист Иерусалимского квартета Кирилл Злотников - неизменный гость крупнейших фестивалей камерной музыки в Ванкувере, Шлезвиг-Гольштейне и Иерусалиме. Начиная с 1991 г. Кирилл Злотников стал призером многочисленных международных музыкальных конкурсов, в том числе - в Клермонте, конкурсов им. Брауна-Роджер Зигля и Пьера Таркаля.

Кирилл Злотников выступал в качестве солиста в таких всемирно известных оркестрах, как Израильский Филармонический оркестр, the Gulbenkian Orchestra, cимфонический оркестр Людвигсбурга и оркестр «Камерата Иерусалим». Он также часто принимает участие в гастролях Берлинского оркестра Staatscapella в качестве ведущего виолончелиста. В апреле 2006 года на фирме EMI вышел двойной диск с записями полного собрания фортепианных трио Моцарта в исполнении Кирилла Злотникова, Даниэля Баренбойма и Николая Цнайдера.

Кирилл Злотников играет на редкостном инструменте Giovanni Battista Ruggieri 1710 г., который был предоставлен ему частным коллекционером.
Все музыканты квартета - стипендианты Американо- Израильского фонда культуры.

В марте 2013 года Иерусалимскому квартету предстоит сыграть полный цикл квартетов Д.Д.Шостаковича в Нью-Йоркском Линкольн-центре. Часть этого грандиозного проекта вскоре смогут услышать и хьюстонские любители музыки.

Шостакович написал 15 квартетов. К этому жанру он обратился не сразу: свой первый квартет композитор завершил в 1938 году, к тому времени уже создав пять симфоний, две оперы, три балета. С тех пор струнный квартет стал одним из ведущих жанров творчества Шостаковича и обогатил лирико-философскую сторону его стиля. Им написаны камерный и симфонизированный, драматический, лирический, мемориальный, автобиографический квартеты, а также квартет-посвящение.

По приглашению общества Da Camera Иерусалимский квартет даст два концерта, в программе которых ранние квартеты великого русского композитора. Квартеты No.No. 1-3 прозвучат в концерте 15 октября, а No.No. 4-6 - 16 октября. Концерты пройдут в музее Menil Collection.

Неистовый «ROLAND» Яны Резник

Лауреат международных конкурсов пианистка Яна Резник, обладающая званием «Yamaha Artist», активно выступает в престижных залах мира. Она единственная классическая пианистка, представляющая американскую марку роялей Roland. Яна вскоре даст сольный концерт и мастер-класс в Houston Piano Company.

Яна молодой, но уже именитый музыкант. Она выросла в Москве, училась в Рахманиновской школе. Вспоминая своё первое сценическое выступление в 12 лет, Яна рассказала: «Для дебюта в Большом зале московской Консерватории моя учительница, Раиса Беккерман выбрала очень виртуозное произведение Копленда «Кошка и мышка» и не ошиблась. Она знала, что я по по характеру очень азартная и сумею сохранить бешеный темп и проявить актёрское мастерство. Тогда я впервые почувствовала, что мне очень нравится быть на сцене, что здесь мое место!»

Иммигрировав в США в 1995 г., Яна продолжила образование в Manhattan School of Music, Университете Южной Каролины и консерватории Colburn, где обучалась у таких «зубров» педагогики, как Phillip Kawin и John Perry.

В 2000 году она стала ассистентом дирижёра Glen Cortese и выступала в качестве пианистки, клавесинистки, органистки с Международным симфоническим оркестром «Восток-Запад», а также работала в Академии в Альтенбурге (Германия), где под её руководством был исполнен цикл Бранденбургских концертов Баха.

После победы на конкурсе Artists International Competition в Нью-Йорке в 2004 г., Яна с огромным успехом выступила на сцене Карнеги-холла. Ей тогда было 22 года.

Яна Резник не только концертирующий пианист и педагог, но и прекрасный организатор. В 2008 году она основала Фестиваль Иоганнеса Брамса в Южной Калифорнии, в рамках которого исполнила полное собрание камерных сочинений композитора.

Несколько лет назад Яна начала сотрудничать с компанией Roland Corporation, знаменитой своими электронными инструментами. Пианистка и не подозревала, что на инструментах Roland возможно играть серьёзную классическую музыку, ведь её педагоги называли подобные инструменты не иначе, как «игрушками». Но с первой же ноты, сыгранной на рояле V-Piano Grand, Яна поняла, что обязана поменять своё мнение по поводу «игрушки», которая звучала ничем не хуже, чем Steinway. «Я попала в чарующий мир музыки. Безупречная отдача инструмента, его богатый и прекрасный звук и огромный динамический диапазон позволяют передать все переживания моей души. Это невероятный инструмент будущего», - призналась она. Идеальная механика и красота звука помогают молодой пианистке в реализации музыкальных идей. Поскольку Яна часто играет сочинения композиторов эпохи Барокко - Баха и Скарлатти, возможности V-Piano Grand пришлись как нельзя кстати. В 2011 году Roland Corporation назвала Яну Резник «Артисткой года», а в марте того же года Яна представила мировую премьеру концертов на инструменте V-Piano Grand в Зиппер-холле (Лос-Анджелес) и Линкольн-центре (Нью-Йорк).

Свой хьюстонский дебютный концерт Яна Резник также сыграет на рояле фирмы Roland, предоставленном Houston Piano Company. Концерт состоится 23 октября, а на следующий день Яна приглашает хьюстонских пианистов - педагогов и студентов на открытый урок. Оба мероприятия состоятся в зале Houston Piano Company.

Так получилось, что в этом году значительная часть нашего Фестиваля документального кино посвящена современным художникам - легендам и «непризнанным гениям», столичным и провинциальным, их взглядам на мир, на свободу и на искусство. Мы покажем два совершенно разных по жанру фильма - фильм-путешествие «Художники Одессы» Дмитрия Хавина и историю советского художественного нонкомформизма - «Пальто Одноралова» Нины Зарецкой.

Художника Михаила Одноралова называют одним из главных «подпольщиков» 70-х годов прошлого столетия. Редкий «квартирный» вернисаж проходил без него. Участвовал он и в знаменитой «бульдозерной» выставке. Именно благодаря Михаилу в советское время неофициальные художники перестали считаться тунеядцами.

Михаил Одноралов вырос в семье арбатских интеллектуалов, учился живописному мастерству у своей матери Майи Левидовой и у её учителя Роберта Фалька, общался с Эренбургом, Шкловским, Рихтером, Габричевским.

Борец за легализацию неофициального искусства, в середине 1970-х Одноралов устроил ряд крупных квартирных, как их тогда называли, «просмотров». По его собственным подсчётам, на каждый такой просмотр, проходивший одновременно в нескольких мастерских, приходило порядка 50 тыс. человек.

Михаил Одноралов «пробил» пару официально разрешенных выставок, в том числе и легендарную в Доме культуры ВДНХ осенью 1975-го.

Сам он выставил в павильоне «Пчеловодство» один из первых арт-объектов в истории советского авангарда - инсталляцию под названием «Пальто Одноралова». Это было обычное тёмное пальто с грозной табличкой на груди «Руками не трогать!» (для уборщицы, видимо), из кармана которого торчала бутылка (кефира, водки?). Кстати, в СССР было ещё одно «знаменательное» пальто, которое тщательно хранили - ленинское. Оно было на Ильиче, когда в него стреляла эсерка Каплан. Вот так Михаил Одноралов намекал на то, что художники-неформалы находятся на мушке у власти.

Там же в ВДНХ широкая публика впервые столкнулась с настоящим перформансом: группа «Гнездо» сосредоточенно высиживала яйца в огромном гнездовище, высмеивая абсурдность ситуации, когда неофициальных художников загнали на сельскохозяйственную выставку.

Эта акция, а потом и вернисаж в выставочном зале на Беговой имели такой резонанс, что руководителям Союза художников ничего не оставалось, как создать профсоюз художников-графиков. Он объединил неформальных художников, которые не были членами официального Союза художников, но уже не могли преследоваться как тунеядцы.

В 1980 году Михаил Одноралов эмигрировал в Америку. Спустя тридцать лет он вернулся и устроил большую персональную выставку в Инженерном корпусе Третьяковской галереи. В одном из интервью художник сказал, что по его мнению 21 век в искусстве ещё по-настоящему не начался. «Пока у нас эпоха пост-модернизма, который уже находится в кризисном состоянии. Мы собираем среду из обломков модернизма, и из этой эклектики, может быть, вырастет искусство 21 века. Я считаю себя русским художником, но у меня есть идеи, которые я могу воплощать где угодно - в Нью-Йорке, в Москве, на Луне».

В 2010 году режиссёр Нина Зарецкая сняла документальный фильм «Пальто Одноралова» - фильм-рассказ о судьбе художника в тоталитарном государстве, о его противостоянии этому обществу, о его эмиграции.

«Пальто Одноралова» начинается с высказывания заместителя директора по научной работе Третьяковской галереи Лидии Иовлевой о том, что подобно русской литературе 19-го века, которая вышла из «Шинели» Гоголя, русское нонконформистское искусство в какой-то мере вышло из пальто Михаила Одноралова.

***

Фильм Дмитрия Хавина переносит нас в современную Одессу. Это ностальгический взгляд молодого режиссёра на родину его предков. Персонажи фильма - художники, артисты и поэты с одесским юмором рассказывают о своем любимом городе. Неистребимый жизнеутверждающий дух помогает им выживать и творить в нелёгких социальных условиях.

Зрителю предстоит проникнуть в заповедные места творческих людей, посетить их мастерские в старых, потрескавшихся от времени, дышащих на ладан квартирах, расположенных в глубине знаменитых дворов и улочек Молдаванки, встретиться с колоритными персонажами, обсудить портреты известных людей Украины - спортсменов, политиков, выполненные в разных жанрах живописи - от абстрактной до авангардной, зайти в антикварные магазины, кафешки, забегаловки, прогуляться по улицам и насладиться неожиданными ракурсами известных зданий, площадей, памятников.

«Меня интересовала низовая культура города, то, что в начале прошлого века замечательно описал Бабель и придал этому явлению художественную форму, - объяснил режиссёр фильма. - В одесской культуре очень сильно влияние «низа». Мне всегда хотелось туда попасть, потому что, по слухам, Молдаванка доживает последние годы или месяцы. Принят генеральный план, согласно которому её должны снести. Многие из героев фильма живут на Молдаванке. Поэтому столь много внимания я уделил этому району, легендарному Привозу и другим старым кварталам города».

Может сложиться впечатление, что одесские художники живут бедно и даже бомжевато. Оно и понятно - те, которые поднимаются, становятся известными, в большинстве случаев уезжают из Одессы в Киев и Москву. Но Дмитрию Хавину был важен юмор, помогающий художникам выживать. Этого в фильме предостаточно: рассказ о приключениях Игоря Гусева в похоронном бюро, где они с приятелем решили арендовать гроб, чтобы засыпать его апельсинами, а потом через три дня его вернуть; картины-шарады этого же самого Гусева (собственные и сделанные совместно с Сергеем Зарвой) - поэт Тарас Шевченко, он же футболист Шевченко, Юлия Тимошенко, обрезающая свою косу и тому подобное.

Реагировали художники нa предложение сняться в фильме по-разному. Кто-то с воодушевлением, желанием познакомить публику со своими картинами и стихами. Другие отнеслись спокойно, даже безучастно. А вот одному из них, Александру Ройтбурду, показать свои работы не удалось. Его мастерскую затопило.
Дмитрий признался, что снимал картину о художниках в расчёте на американского зрителя. Но всё-таки она будет любопытна всем, кто интересуется культурным феноменом Одессы.

Не так давно на общенациональном радио NPR в одной из передач прозвучала теория, что нью-йоркский юмор вырос и развился на основе одесского. Вспоминали американских комиков конца 19-го - начала 20-го века, многие из которых эмигранты, приехавшие из Одессы и высказали предположение, о том что, может, Одесса и Нью-Йорк снова будут соперничать по части юмора. В любом случае, по фильму Хавина понятно, что Одесса хочет возродиться, и все таланты, герои и мифы прошлого остаются на слуху.

Кстати, город снят Дмитрием так, как может снять только влюбленный в него человек, знающий и понимающий его жизнь. Мы приглашаем наших читателей к просмотру фильма и путешествию по старому городу, пока там ещё живут его художники, пока не снесли Молдаванку и всё остальное, что делает Одессу Одессой.

Оба фильма можно будет увидеть 27 октября в Русском культурном центре «Наш Техас». «Художники Одессы» - в 4:00 вечера, «Пальто Одноралова» - в 6:00 вечера.

Музыканты Ars Lyrica представляют программу «Magnificat», в которой исполнят выдающиеся произведения эпохи Барокко вместе с Даласским камерным хором «Orpheus Chamber Singers» (художественный руководитель Donald Krehbiel). Ансамбль, состоящий из 24 певцов (многие из которых признанные солисты), был основан в 1995 году и с тех пор радует техасских зрителей своими концертами, составленными из хоровой музыки последних шести веков.

Это второй случай сотрудничества между двумя музыкальными коллективами. Их исполнение «Вечерни» К. Монтеверди в 2010 году вошло в десятку «лучших классических интерпретаций года». Даласский критик Скотт Кантрелл («Dallas Morning News») написал, что этот шедевр раннего барокко в исполнении «Orpheus Chamber Singers» и Ars Lyrica «прозвучал смело, ярко и свежо, будто бы современная композиция».

Концерт Ars Lyrica «Magnificat» назван так по произведению И.С.Баха, кроме которого в программе прозвучат «Коронационные антемы» Г.Ф.Генделя, а также сочинения А.Габриели и Г.Ф.Телемана.

«Magnificat» стал одним из первых сочинений Иоганна Себастьяна Баха в должности кантора церкви Святого Фомы в Лейпциге. Произведение было создано, предположительно, в конце мая 1723 г. и исполнено в канун Рождества того же года.

«Магнификат» - «Величит душа моя Господа» - славословие Девы Марии из Евангелия от Луки (Лк.1:46-55), часть католической рождественской службы. В православном богослужении тот же текст называется «Песнью Богородицы» и поётся на утрене с прибавлением к каждому стиху припева «Честнейшую херувим и славнейшую без сравнения серафим…» (откуда и получил наиболее употребительное название «Честнейшая»).

В баховском «Magnificat» 12 номеров - пять хоров, пять арий, дуэт и терцет. Музыка отличается возвышенным характером, общим радостным настроением.
Евангельские истории в музыке Баха предстают перед нами живыми, предельно близкими и понятными. Когда слушаешь баховский «Магнификат», ощущаешь, что эта музыка -воплощение чистой радости. И это касается не только первой части с её ликованием труб и радостными восклицаниями хора, но и всей композиции.

Сочинение построено на контрастах бурного ликования хора и тихой радости лирических частей, таких как ария сопрано, которую знаток творчества Баха А. Швейцер назвал «подлинным образом Мадонны в музыке». Также к лирической сфере относится дуэт альта и тенора (№6), пасторальная ария альта (№9) и задумчивый терцет (№10).

Бах с большим вниманием относился к религиозным сюжетам своих кантат, пытаясь выразить в музыке смысл текста. «Magnificat», музыкальные номера которого напоминают как оперные арии, так и народные песни и светские танцы - прекрасный тому пример.

Свои «Коронационные антемы», в которых прославляется дух старой Англии, Георг Фридрих Гендель сочинил в 1727 году, вскоре после того как он принял английское подданство.

Антемы, написанные композитором по случаю коронации английского короля Георга II, были с восторгом приняты не только монархом, но и широкой публикой. «Молчите, пачкуны искусства! Здесь вам ни к чему милостивое отношение лордов. Здесь царь - Гендель», - писала английская пресса того времени.

Самый знаменитый антем из этого цикла «Садок-священник» («Zadok the Priest»). Это торжественное произведение на библейскую тему. События, описанные в Библии (3-я книга Царств, главы 1 и 2) повествуют о восшествии царя Соломона на престол Израиля и Иудеи. Садок-священник, соратник царя Давида, помазавший Соломона на царство. Интересно, что в современном мире эта музыка является основой для гимна Лиги чемпионов УЕФА.

Зная мастерство музыкантов сообщества Ars Lyrica и их умение радоваться и радовать зрителей, следует предвкушать прекрасный концерт.

Концерт «Magnificat» состоится в Хьюстоне 10 ноября (Zilkha Hall, Hobby Center for the Performing Arts), а в Далласе - 11 ноября (Preston Hollow Presbyterian Church).

ВСТРЕЧАЙТЕ «РАССВЕТ»!

ФОТОРАССКАЗЫ «О ВРЕМЕНИ И О СЕБЕ»

ОБНИМАЮ ТУМАН

ЦИРК, ДА И ТОЛЬКО

АРТ-ИНКУБАТОР ДЖОНА ДИЛА И ЕГО ЦЫПЛЯТА

ПРОГРАММА «ВРЕМЯ»ПОГОВОРИМ О КИНО

АМЕРИКАНСКИЕ СТУДЕНТЫ И КОМБАЙНЕРША ТОСЯ

С ЮБИЛЕЕМ!

ВСЕ СТИХИИ В ГОСТИ К НАМ