Очередная премьера Русского театра Хьюстона по пьесе А.Н. Островского «На всякого мудреца довольно простоты» вызвала невероятный ажиотаж и оставила самые теплые впечатления у публики. Сразу два автора любезно согласились поделиться впечатлениями об этой постановке с читателями нашей газеты.

НЕСТАРЕЮЩАЯ КЛАССИКА

Русский театр Хьюстона не может пожаловаться на отсутствие внимания зрителей. Каждый его спектакль проходит при полном зале. Так было и в этот раз, когда вниманию публики предложили одну из лучших пьес А.Н. Островского «На всякого мудреца довольно простоты».

Режиссер театра Владимир Штерн известен своим уважительным отношением к тексту. И в этот раз он не стал подвергать его кройке и переделке. Оставаясь в классических рамках, дал возможность каждому актеру создать свой рисунок роли. Пьеса, написанная в 1868 году, звучала на хьюстонской сцене весьма современно. В который раз великий русский драматург показал нам, что меняются только времена, но не нравы.

Спектакль был богат актерскими удачами: Светлана Большакова, Полина Хаскина, Аля Деворкин, Елена Филипс - каждый их выход на сцену сопровождался аплодисментами. Им удалось создать яркие, запоминающиеся образы, внеся в них не только мастерство, но и свое женское обаяние.

Блестяще справился с главной ролью Вячеслав Надворецкий. Отточенность роли, его энергия и обаяние удерживали внимание зала все три с половиной часа. В монологе главного героя, которым завершается спекталь, Вячеславу удалось не сорваться на банальную патетику, найдя какую-то неожиданно человечную нотку в своей обвинительно-оправдательной речи.

Безусловно, успех спектакля - это коллективная работа. Поэтому хочется поздравить всю труппу театра с удачной премьерой.

Нельзя не сказать, что четкий рисунок женских ролей был создан и благодаря работе гримера и мастера причесок: прически, придуманные Эллой Гуревич, стали удачным дополнением к образам, в них как в зеркале отражались черты характера героинь.

Пожалуй, единственное, чего не хватало спектаклю - это музыки. С ее помощью можно было придать действию больше динамики, эмоций. Яркая мелодия - это не только канва, она в силах, переплетаясь с пьесой, и подчеркивать, и отражать мир героев, приоткрывая истинный смысл разворачивающихся сюжетных коллизий.

Татьяна Полякова

«МУДРЕЦ» В ХЬЮСТОНЕ

Старый, затрепанный, даже заигранный спектакль по пьесе полуторавековой давности, от которого я лично не ждала ничего особенного, вдруг захватил, увлек, понесся от интриги к интриге, заставил сидеть с буквально открытым ртом - в первую очередь благодаря цельной, крепко сбитой постановке, уверенности режиссера Владимира Штерна в своем прочтении и замечательно точному актерскому ансамблю.

Первый раз, осмысливая очередной спектакль, мне трудно даже для себя кого-то выделить, такие все молодцы, но если нужно начать с кого-то, я хочу выразить, возможно, общее мнение и непрестанное восхищенное удивление Славой Надворецким.

Слава еще раз ярко и бесстрашно продемонстрировал талант и профессионализм (несмотря на полное отсутствие специального образования), так уверенно и точно проник под хамелеонскую кожу главного героя Глумова, что особенно удивительно после блистательного, благородного и страстного Чацкого, и романтичного Ученого из «Тени» Шварца, которыми он наградил нас в прошлых спектаклях. Слава задал весь тон спектаклю, но от него иного и не ожидали.

Однако мне как зрителю, повезло на неожиданности. Великолепная хищная Мамаева - Света Большакова - стала для меня открытием, несмотря на то, что видела ее в разных ролях: никогда не думала о Мамаевой как о страдающей женщине, которая стареет на глазах, узнав о подлинной сущности возлюбленного, но превращается в тигрицу в своем желании отомстить… Света очень красива в этой роли, играет тонко и иронично, забавляясь вначале, но и влюбляясь всерьез, воспринимается живым человеком, а не штампом. У этой роли бывало много прочтений, но Светино мне понравилось даже больше, чем роль Чуриковой в спектакле Марка Захарова двадцатилетней давности.

Надежда Держи уже привычна в роли мам - но какая здесь она расчетливая, себе на уме мама, тоже не гнушающаяся маской. И как хороша она в своих великолепных костюмах и сложной прическе!.. Кстати, о прическах. На этот раз они сделаны очень профессионально, с пониманием эпохи, что не мудрено - искусство Эллы Гуревич давно почитаемо в Хьюстоне и это здорово, что теперь она официальный стилист театра.

Мамаев - Наум Держи - хоть и не стал откровением, очень четко и правильно провел свою роль, и, хотя вначале и казалось, что его монолог несколько затянут, затем спектакль набрал темп и Мамаев зазвучал естественно и так, как и ожидалось от этого надежного ветерана театра.

Городулин Александра Поминова - бесспорно прекрасен, абсолютное попадание в типаж, естественность, изящество, владение всеми приемами мастерства, которое у него невероятно растет от спектакля к спектаклю в обоих Русских театрах Хьюстона.

Не обманул ожиданий и надутый и хитрый Крутицкий Ефим Вайнер. Блеск и юмор обожаемого всеми Директора театра, и чувство, что он импровизирует на сцене, присущее всем его ролям, здесь заиграли вовсю, особенно в сцене с Турусиной, где подано так много в тексте, а еще больше в подтексте…

Полина Хаскина приятно удивила в острохарактерной роли Турусиной, сыграла ее на одном дыхании, полностью вживаясь в образ, блистательно и гротесково, но не переходя за грань… Жесты, манерность, «истовость» Турусиной, уверенность в своей правоте и неотразимости покоряют.

У Али Деворкин, сыгравшей ее племянницу Машеньку, немного материала в роли, но она совершенно прелестна в своих локонах и нарядах, со скромно опущенными глазками и ехидными репликами-шпильками в адрес благодетельницы тетки.

Курчаев Дмитрия Волкова выглядит не столь легкомысленным бретером, как в пьесе (по крайней мере, по моему ощущению), впечатление, что за фасадом скрывается несколько другая интересная личность.

И вот еще одна фантастическая роль - Елены Филипс, небольшая, но такая заметная! Ее абсолютно оголтелая Манефа в своем лаконичном костюме так и стоит перед глазами. Лена своим комедийным даром украшает любой спектакль, и этот раз не был исключением. Как всегда, и к художественному оформлению спектакля Елена приложила свои умелые руки - созданные ею декорации были весьма впечатляющи.

Eще одну скромную роль Приживалки одушевила Надя Кошкина. Она была очень вовлечена в каждую минуту пребывания на сцене, так самоотверженно преобразилась, и при том, что слов в роли было совсем немного, она запомнилась.

Отлично смотрелся и эпизод с Голутвиным - Анатолием Костеровым. Он мало знакомый мне актер, но явно способный на более серьезные роли. Надо отдать должное и Ивану Алешковичу, и Андрею Шерману: помимо своих небольших ролей они обеспечили плавный ход спектакля, быстро и эффективно разбираясь с декорациями, что нелегко, когда в спектакле столько картин. То, что все прошло практически без накладок, обычных на премьере - их большая заслуга.

Когда-то Станиславский говорил, что актеров надо ругать, это принесет им больше пользы, чем расточаемая похвала. Увы, я не критик, и, при всем уважении к мнению Станиславского, затрудняюсь даже придумать, за что можно ругать этих актеров и этого режиссера, за этот спектакль, разве что за небольшую затянутость, но, очевидно, победила концепция неприкосновенности классического текста.

Спасибо им всем за это, за яркий красивый и умный спектакль-праздник, за горячее неравнодушное прикосновение к культуре, на которой мы все выросли, и которую упорно не хотим потерять. Огромного и заслуженного успеха вам всем, кто творит и одухотворяет феномен Русского театра Хьюстона!

Ваш благодарный зритель
Лариса М.

Приехав из Южной Осетии поступать в Петербургскую консерваторию, никому неизвестная абитуриентка под номером 487 (конкурс на вокальное отделение в 2000-м году был «астрономическим»), мечтала сначала просто поступить, а потом, уже будучи студенткой - жить в России, в Европе и петь в лучших оперных театрах. Так и случилось. Сегодня Вероника Джиоева - солистка Большого театра, приглашённая солистка Мариинского и Новосибирского театров. Эта потрясающе красивая, яркая, эффектная, эмоциональная певица - гость хьюстонской Гранд-оперы, где она исполнит партию Донны Эльвиры в опере В.Моцарта «Дон Жуан».

Когда разговариваешь с московскими певцами, сценарий карьеры у них приблизительно одинаковый: консерватория или «Гнесинка», театр им. Станиславского, а потом - свободный профессиональный полёт. Для Вероники Джиоевой «переходным звеном» явился Новосибирский оперный театр. По окончании консерватории она стала лауреатом конкурса Марии Каллас в Афинах в 2005 году. Там её заметил Теодор Курентзис, который был в Новосибирске главным дирижёром, и пригласил в театр, обещая все главные роли. И, надо сказать, обещание сдержал. За годы в новосибирском театре Вероника Джиоева спела Виолетту в «Травиате», Графиню в «Фигаро», Елизавету в «Дон Карлосе», Фьордилиджи в «Так поступают все женщины», Мими и Мюзетту в «Богеме». «Я благодарна Теодору за то, что он поверил в меня и возможности моего голоса. Мы продолжаем наше сотрудничество, и я в предвкушении следующего выступления под руководством Курентзиса - это будет «Requiem» Верди в Мадриде», - рассказывает певица.

Репертуар её сольных концертов - Пуччини, Верди, Доницетти и Моцарт. Но благодаря мужу певицы - дирижёру Алиму Шахмаметьеву, которого Вероника называет «самый главный мой дирижёр», появились интересные тематические программы. Одна из них - романсы Рахманинова, Римского-Корсакова, Чайковского, которые впервые были исполнены в сопровождении оркестра. «Алим - также мой менеджер, он ведёт мои дела, разбирает «бумажную» сторону контрактов. Он очень разумный человек, который периодически возвращает меня к реальности», - говорит певица.

Вероника считает, что современная примадонна, в первую очередь - хорошо поющая, владеющая голосом, дыханием: «Сегодня мне совершенно невозможно представить вторую Кабалье. Чем больше я слушаю её, тем больше убеждаюсь, что эта певица - будто бы иная планета, настолько недостижима высота её таланта. Из современных певиц я никого не могу поставить рядом. Когда начинаешь учить партию, обязательно слушаешь мастеров прошлого, а не современных исполнительниц. Все нынче погнались за внешностью, фигурой. Конечно, к современным певицам предъявляют жёсткие требования. Я и сама слежу за своей внешнестью. Но красивое пение - это главное.

Я много занимаюсь, слушаю записи, ищу возможности поучиться у выдающихся педагогов, дирижёров, концертмейстеров. У меня постоянная потребность учиться. Если ко мне нет замечаний во время репетиции, то я начинаю, буквально, сходить с ума. Надеюсь, что этот процесс поисков в музыке не прекратится».

После телеконкурса «Большая опера», победительницей которого Вероника стала в 2011 году, она снискала похвалу знаменитого оперного педагога Дмитрия Вдовина. «У него удивительное чутьё на певцов, - заметила Вероника. - Каждый из его студентов - талант. У нас сложились тёплые отношения. Я и сама взяла у него несколько уроков и была потрясена его музыкальностью. Каждый раз, когда пою в Москве, я спрашиваю Вдовина, сможет ли он прийти на мой спектакль или концерт. Мне очень важно его мнение, в том числе и в выборе партий».

Как ни странно, от многих партий певица пока отказывается: «Люди смотрят на мою внешность и предлагают спеть Тоску, Мадам Баттерфлай и даже Кармен и Амнерис. Со временем это будет подходить по голосу, а сейчас к чему спешить? Что я буду петь в 45 лет, к примеру? Я считаю, если в голосе есть лирические краски, надо этим пользоваться».

У певицы густой, насыщенный голос, так что некоторые считают, что она меццо-сопрано, но поёт сопрановый репертуар по причине большого диапазона. Конечно, Вероника иногда исполняет партии высокого меццо-сопрано - Кармен, Далилу, но предпочитает петь лирические сопрановые партии - Марфу в «Царской невесте», Виолетту Валери.

«Я считаю, что певец должен красками своего голоса передавать характер музыки, а излишнее кривляние, пение лёжа и подобные «трюки» - не имеют ни малейшей выразительности. Умение своим тембром показать все оттенки партии - вот это искусство. К примеру, у Марии Каллас был далеко несовершенный голос, но в то же время он был настолько богат тембральными красками, что это завораживало и заставляло сопереживать её пению».

Оперные певцы - такой «товар», который нравится не всем. Известен же случай, когда враждовали две партии - «калласисты» и «тебальдисты» - поклонники Марии Каллас и Ренаты Тебальди - двух величайших певиц. В 18 веке таких «околооперных баталий» было и того больше. «Я не стараюсь понравиться всем без исключения, - говорит Вероника Джиоева, - у меня достаточно поклонников и достаточно интересных выступлений с выдающимися дирижёрами, с лучшими оркестрами. Что ещё нужно для счастья?»
О хьюстонской Гранд-опере Вероника слышала давно. Самые лучшие отзывы были от Альбины Шагимуратовой, с которой они пели вместе на премьере «Руслана и Людмилы» в Большом театре (Альбина - в роли Людмилы, Вероника - Гориславы).

«Хотя я пела в Лос-Анджелесе и на фестивале в Гонолулу, считаю Хьюстон моим первым серьёзным американским ангажементом. Подумать только, какое удачное начало моей «американской мечты» - в великолепном театре, в превосходной роли и с таким маститым дирижёром, как маэстро Тревор Пиннок. Партия Донны Эльвиры, по словам Вероники, идеально подходит ей по голосу и темпераменту.

«Меня порадовала хьюстонская постановка - с классической сценографией и красивыми костюмами. Совсем по-другому себя чувствуешь и поёшь в корсете, - сказала Вероника, -Я за классику! Моцарт должен быть Моцартом. Когда я беседую со зрителями после спектаклей, люди часто говорят, что от оперы они ожидают чуда и красоты, а тяжёлые «депрессивные» постановки их расстраивают».

Кстати, хьюстонскому дебюту певицы предшествовало участие в постановке «Дон Жуана» в Большом театре с режиссурой Дмитрия Чернякова. Солисты пели «барочным» звуком - по велению дирижёра (Теодора Курентзиса). «В хьюстонской постановке мне приходится как бы заново настраивать звук своего голоса», - говорит певица.

Со времён Моцарта и Да Понте (не говоря уже о Тирсо де Молина, Мольере и Гольдони) образ севильского обольстителя сильно изменился. Как ни вспомнить «Дон Жуана» Йоханнеса Шаафа с его жестокостью и откровенно «некрофильской» цитатой из фильма Питера Гринуэя «Повар, вор, его жена и её любовник» в финале и более современный «Дон Жуан» а-ля Пазолини Дмитрия Чернякова, где главный герой становится жертвой (!) похотливых родственниц.

В Хьюстоне мы увидим традиционную постановку режиссёра Харри Сильверстайна, ту самую, которую показывали в Хьюстоне в 2006 году (с Мариушем Квеченем и Анной-Марией Мартинез). Вероника Джиоева охарактеризовала Харри Сильверстайна как «замечательного режиссёра с чутким пониманием музыки Моцарта».

Читателям «Нашего Техаса» певица пожелала, чтобы всё неприятное осталось в старом году, а их любовь к оперному искусству росла и передавалась их детям.

Опера «Дон Жуан» с участием Вероники Джиоевой будет показана в хьюстонской Гранд-опере 2, 5 и 8 февраля в 7:30 вечера, а 10 февраля – в 2:00 дня.

До встречи в опере.

Юбилейный, 30-й по счёту Хьюстонский международный фестиваль, открывается 1 февраля в консерватории Moores School of Music.

За всю его 30-летнюю историю на фестивале выступало несколько российских пианистов огромной величины - Алексей Любимов, которого директор фортепианного фестиваля, Алан Остин назвал «человеком эпохи Возрождения» за универсальность его пианистического стиля, Ольга Керн, Станислав Юденич. И этот год - не исключение.

«Мы стараемся держать марку и приглашаем представителей различных мировых школ фортепианной игры, - говорит Алан Остин. - В современом мире разница стилей менее ощутима. 30 лет назал она была гораздо больше, и поэтому мы пытаемся найти носителей той, старой школы. Для нас большой честью было пригласить Ларису Дедову, представительницу великой русской фортепианной традиции».

Лариса Дедова окончила Московскую консерваторию по классу Л. Н. Оборина в 1974 году, а в 1976-м она завоевала вторую премию на Баховском конкурсе в Лейпциге. Более 20 лет пианистка преподавала в Московской консерватории. Основу её репертуара составляют произведения Гайдна, Бетховена, Брамса, Прокофьева, Метнера, Шумана, Шопена, Чайковского и Дебюсси. Критики отмечают её органичный пианизм, сочность звукового колорита, артистический размах.

В течение многих лет в программе хьюстонского фортепианного фестиваля неизменно присутствует французская музыка. «Мы и сами себя критикуем за то, что слишком уж много музыки французских композиторов выбираем, - смеётся Алан Остин, - но от этого никуда не деться. К примеру, в этом году - 150 лет со дня рождения Клода Дебюсси. А это значит, что для пианистов очень сложно не планировать программу «тематически». Так случилось, что Лариса Дедова выбрала его произведения для своего сольного концерта. Для неё, правда, это очень символично, потому что Дедова - единственная из российских пианистов, записавшая полное собрание сочинений Дебюсси».

Конечно, фестиваль - не фестиваль без участия профессора Эбби Саймона, которого называют «динозавром американской пианистической школы» - организатора первого фортепианного форума в Хьюстоне.
«Самому ему, может быть, этот эпитет и не понравился бы, - говорит Алан Остин, - но он, определённо, - один из последних представителей стиля фортепианной игры, который был популярным в начале ХХ века и который бы я назвал «русским стилем». Саймон получил профессиональную подготовку под руководством таких мастеров, как А. Шнабель и Л. Годовский, Й. Хоффман.

Эбби Саймон - блестящий виртуоз, который покоряет совершенной бисерной техникой, филигранной отточенностью деталей, легкостью, красотой и ясностью подачи музыкального материала. Достоинства пианиста рельефнее всего проявляются в произведениях Шопена, Мендельсона и Равеля, многие из которых записаны им на пластинки. «Эбби Саймон - пианист, которому никогда не изменяет вкус», - писал о нём английский журнал «Records and Recording».

С годами присущие ему качества - поэтичность, музыкальность, отточенная мелкая техника, не поблекли, а наоборот, стали главными отличительными чертами его тонкого и точного стиля. Сейчас Эбби Саймону 91 год, но он продолжает активную исполнительскую и педагогическую деятельность. Программа, которую он представит на хьюстонском фестивале, состоит из сочинений Бетховена, Шумана и Прокофьева.

Третий солист, выступающий на хьюстонском фестивале, Инон Барнатан, родился в Тель-Авиве в 1979 году. Его карьера - типичная история вундеркинда: занятия фортепиано с 3-х лет, первое исполнение с оркестром в 11. Его первым педагогом был ученик Г. Нейгауза Виктор Деревянко. После переезда в Лондон в 1997 году молодой исполнитель учился в Лондонской королевской академии музыки у Марии Курчо (ученицы А.Шнабеля). С 2006 года Инон Барнатан живёт в Нью-Йорке и ведёт активную концертную деятельность.
«Мне особенно интересна его программа «Зримая тьма», - говорит Алан Остин, - по одноименному циклу композитора Томаса Адеса, который играет Барнатан. Программа посвящена тёмным и светлым сторонам бытия. Здесь и «Лунный свет» Дебюсси, и «Вальс» Равеля, и соната Шуберта Ля мажор, и фантазия Стивенсона на темы бриттеновского «Питера Граймса». У него совершенно революционный подход к выбору программы. И это мне нравится». Так что не только «динозаврам», но и совсем молодым исполнителям удаётся поразить своей яркой индивидуальностью.

Кроме сольных концертов, в фестивальной программе - мастер-классы и встречи с музыкантами. Алан Остин обратил внимание на мероприятие, которое он считает одним из интереснейших на фестивале, а именно, на субботнюю ленч-конференцию с пианистами. Мастера рассказывают о себе, делятся своим опытом, отвечают на вопросы публики - и всё в непринуждённой обстановке. Билеты на конференцию доступны любому желающему.

Фортепианный фестиваль в Moores School of Music предваряет премьера оперетты Д. Шостаковича «Москва, Черёмушки».

«Москва, Черёмушки» - единственное сценическое произведение Шостаковича, которое он смог написать после запрета цензурой в 1930-е годы его опер и балетов. Самому Дмитрию Дмитриевичу решиться на написание произведения в «лёгком жанре» было не просто. «Раньше мне казалось странным, как может серьезный музыкант увлекаться музыкой Иоганна Штрауса или Оффенбаха. И только Соллертинский помог мне избавиться от этого снобистского отношения к искусству», - писал композитор в статье «Думы о пройденном пути».

Впервые поставленная в 1959 году, «жилищно-коммунальная» оперетта «Москва, Черёмушки» звучала необыкновенно злободневно. В ней рассказывалось о радостях и проблемах москвичей, переезжающих из ветхих коммуналок в центре города в отдельные квартиры на окраине Москвы - в район Черёмушки.

После экранизации 1962 года, «Москва, Черёмушки» по непонятным причинам надолго пропала из поля зрения, и только сравнительно недавно начала появляться на сценах Австрии, Франции, Германии, Великобритании и США, а следом вернулась и в Россию. Алан Остин сказал, что музыканты консерватории Moores School с огромным интересом и воодушевлением взялись за это редко исполняемое сочинение.

Думаю и вам, наши читатели, будет небезынтересно совершить путешествие из Москвы в Черёмушки, а также встретиться с выдающимися пианистами современности в Хьюстоне.

«Весь мир театр, а люди в нем актеры!»
У. Шекспир

Наверное, каждый из вас в детстве ходил с родителями в театр. Сначала, конечно, в кукольный. В детстве все куклы - твои друзья, и воспринимаешь их, как настоящих. Сказка кажется былью, животные умеют разговаривать, а волшебные предметы существуют на самом деле. Потом были походы в драматический театр, где в детских спектаклях играли уже люди, а не куклы. Все казалось таким удивительным и необыкновенным.

Прошли годы, мы повзрослели, но до сих пор мечтаем вернуться в таинственный и завораживающий мир искусства. Наблюдая за игрой актеров, невозможно думать ни о чем. Мысли уносятся на сцену, и ты уже там, вместе с актерами живешь жизнью героев, переживаешь и радуешься вместе с ними. А когда на сцену выходят совсем юные артисты, ты, мгновенно захваченный волной умиления и восторга, хлопаешь в ладоши и не перестаешь радостно улыбаться. Так случилось и со мной, когда я посетила рождественскую ёлку в Аллене. Видя на сцене маленьких артистов, которые, впрочем, исполняли достаточно серьезные номера - это и волшебник-фокусник, и декламатор, певица, кукольник, танцовщицы… Мне стало интересно, кто же руководит этими милыми и старательными детьми? Кто зажигает эти маленькие звезды?

- Здравствуйте! Вы Тина?
- Да! Так меня зовут в Америке! Так называют меня и дети, это мой псевдоним и название моей школы-студии «Theatre Improvisation-N-Art», а настоящее имя Вера.
Тина - Вера Громова - актриса Центрального театра кукол имени Сергея Образцова. Человек, который и в жизни, и на сцене не изменяет своим правилaм - отдавать себя без остатка своей работе.

Ее родина - Россия, которая по достоинству оценила заслуги Веры в 1999 году, присвоив звание Заслуженной артистки России. Объехав Чехию и Cловакию, Югославию, Швейцарию, Германию, Корею, Японию, Китай, Афганистан и США, работая по приглашению в московских драматических театрах им. Гоголя, театре им. Ермоловой, снявшись у знаменитых режиссеров в кинофильмах «Уральские самоцветы», «Подранки», «Бег», «Следствие», «Восходящее солнце», принимала участие в передачах Центрального телевидения России: «Спокойной ночи малыши», «У Лукоморья», «Сказочный городок», «Куклы», «Клера», «Cезам», приобрела свою любимую работу и здесь, в стране, которая стала ее вторым домом.

Она была приглашена на работу в театр «SLAPPU’S Puppet Play House» и «Le Theatre de Marionette North Park Property Art Center». Кстати, в театре, который ежегодно участвует в большой ярмарке - State Fair, Вера продолжает работать до сих пор.

«Кто плут, кто шут, а кто простак, мудрец или герой.
А потому, а потому оставьте ваши споры-
Ищите в жизни свою роль, лепите образ свой».

Все, что знаешь, чему учился, что отрабатывал годами и создавал эталон - эталон своего профессионализма, живет внутри тебя. В настоящее время Вера учит детей актерскому мастерству.

«Я обучаю детей сценическому движению, технике импровизации, умению участвовать в театрализованных постановках, а также занимаюсь постановкой речи и движения. На занятиях ребенок раскрепощается и приобретает уверенность в себе. Базой моей системы уроков служит упрощенная, «игровая» программа первого курса театрального института. Каждую встречу с детьми я начинаю со слов: «Ты самый лучший, ты - индивидуальность, личность, ты неповторим на этой земле». Я получаю огромное моральное удовлетворение от своей работы», - рассказывает Вера.

И это правда. На занятиях в театральной школе-студии «ТИНА» (Theatre-Improvisation-N-Art) Вера старается раскрыть возможности каждого ребенка. Даже родители просят разрешения присутствовать и окунуться в эту захватывающую атмосферу работы, где можно увидеть подлинность эмоций, динамику чувств, экспрессивность, игру на контрастах, драму, комедию, лирическую зарисовку.

Хочется сказать огромное спасибо всем детям-актерам, родителям этих юных дарований, а главное, педагогу - Вере Громовой за ее труд и самоотдачу. За то, что благодаря студии ТИНА мы можем любоваться своими маленькими симпатичными артистами и испытывать чувство гордости за них. Ведь они - это мы. А как сказал Б.Брехт: «Все виды искусств служат величайшему из искусств - искусству жить на земле».

Совсем скоро, 24-го февраля возле кинотеатра «Кодак» в Лос-Анджелесе постелят красные ковровые дорожки, и по ним чередой пойдут кинематографисты - получить заветный приз или просто порадоваться чужому успеху. Церемония вручения премий Американской академии киноискусств «Оскар» по праву считается самым главным кинособытием года. Даже традиционно проходящее в январе вручение премий «Золотой глобус» обидно называют «репетицей Оскара», так как большинство призеров «Глобуса» на «Оскаре», как правило, тоже ожидает триумф. А пока ведется активная подготовка к торжеству, можно посмотреть фильмы, попавшие в номинацию, чтобы не задаваться потом вопросом, кто такой Джанго освобожденный, и кто играет Анну Каренину в новой экранизации.

«Линкольн» (Lincoln, режиссер - Стивен Спилберг, в ролях - Дэниел Дей Льюис, Салли Филд)

Фильм, считающийся фаворитом гонки, собрал самое большое количество номинаций, в том числе и номинацию «Лучшая мужская роль». Поначалу актер Дэниел Дей-Льюис не хотел играть легендарного американского президента, так как боялся не справиться с ролью столь значимого исторического персонажа. Однако актер Леонардо ДиКаприо, работавший с Дэниелом на картине Мартина Скорсезе «Банды Нью-Йорка», каким-то образом уговорил его. Что стало большой радостью для Спилберга, который вынашивал идею этого фильма на протяжении 12 лет. За этим многолетним «подготовительным» периодом последовала не менее дотошная работа на съемках: Стивен даже сменил удобные джинсы и футболку на костюм и галстук, чтобы прочувствовать ту эпоху. «Мы воссоздаем исторический период, и мне хотелось быть частью этого эксперимента. Поэтому я выгляжу не как парень из 21-го века в бейсболке, а как актер из нашей труппы», - сказал тогда режиссер.

«Отверженные» (Les Misérables, режиссер - Том Хупер, в ролях - Хью Джекман, Рассел Кроу, Энн Хэтэуэй, Аманда Сейфрид)

Чтобы сыграть героев романа Виктора Гюго, актерам пришлось пойти на некоторые профессиональные жертвы. Хью Джекман и Энн Хэтэуэй худели перед съемками. Джекман, готовившийся к роли узника Жана Вальжана, почти двое суток провел без воды, чтобы лицо его выглядело изможденным и осунувшимся. Энн, сыгравшая Фантину, даже отказалась рассказывать в интервью, с помощью каких методов она сбрасывала вес, сославшись на то, что методы эти слишком опасны для здоровья, и подобные диеты она женщинам ни в коем случае бы не посоветовала. Но это были, конечно же, не главные примеры демонстрации их профессионализма. Особенность экранизации этого мюзикла в том, что музыкальные композиции записывались вживую, непосредственно в процессе съемок (обычно песни записываются заранее, а затем актеры лишь открывают рот под фонограмму). Поэтому петь актерам приходилось в любых обстоятельствах - даже на холоде, во время натурных съемок, как Хью Джекману.

«Жизнь Пи» (Life of Pi, режиссер - Энг Ли, в ролях - Сурадж Шарма, Жерар Депардье)

Экранизация романа Янна Мартела, лауреата Букеровской премии 2002-го года, готовилась несколько лет. Проект сменил множество режиссеров и исполнителей, а когда продюсеры пригласили на съемки режиссера Энга Ли («Крадущийся тигр, затаившийся дракон», «Халк», «Горбатая гора»), последний отверг несколько утвержденных исполнителей и начал поиски актера на главную роль снова - среди 3 тысяч претендентов! В итоге в фильме сыграл 17-летний мальчик из Дели, едва закончивший школу, никогда не снимавшийся в кино, и пришедший на пробы с братом за компанию.

Действие картины по большей части происходит в спасательной шлюпке посреди океана, где вынуждены сосуществовать потерпевшие кораблекрушение мальчик и огромный бенгальский тигр. Поэтому Сураджу для съемок в фильме пришлось срочно учиться плавать и нырять. А консультантом по вопросам, касающихся мореплавания и выживания человека в подобных условиях, выступил Стивен Каллахан, для которого одиночество посреди океана было не в новинку: в 1982 году он принял участие в трансатлантической гонке яхтсменов-одиночек и потерпел крушение. Каллахан 76 дней провел на плоту в Атлантическом океане, о чем рассказал в своей книге «Adrift» («По воле волн»).

«Джанго освобожденный» (Django Unchained, режиссер - Квентин Тарантино, в ролях - Джейми Фокс, Кристофер Вальц, Леонардо Ди Каприо, Сэмюел Л. Джексон)

По словам Тарантино, он всегда мечтал снять кино «про жуткое рабовладельческое прошлое Америки». «Но мне никогда не хотелось, чтобы это был такой исторический фильм с большой буквы И. Я вообще думал, что лучше будет как-то упаковать это все как вестерн». Что режиссер и сделал: в фильме задействованы такие герои, как охотник за головами, освобожденный раб Джанго, злобный плантатор-расист в исполнении Ди Каприо. Как всегда, Тарантино стал и автором сценария, и режиссером, и даже актером, снявшимся в небольшой роли. Он же отвечал и за «атмосферу Дикого запада» в съемочной группе - для поддержания оной он снял небольшой местный кинотеатр в городе Джексон-Хоул штата Вайоминг, в котором проходили съемки, и крутил спагетти-вестерны и фильмы про самураев из своей коллекции. «Мы вообще работали в условиях, максимально приближенных к реальности, - вспоминает Сэмюел Л. Джексон. - Помню самый первый день - я приехал и пошел искать Квентина. Рабы вышли в поле и собирали хлопок. Джейми был в костюме, актер Дон Джонсон стоял с ружьем на пороге огромного дома. А я шел такой с напитком в руке и думал: «Вот черт, кажется, я попал в эпизод сериала «Сумеречная зона»!»

У многих поклонников фильмов Тарантино вызвало огромное недоумение то, что на мужскую роль второго плана на «Оскар» не был выдвинут Ди Каприо, сыгравший такого колоритного злодея. Кстати, злодея актер играл впервые, и столкнулся на площадке с некоторыми трудностями, так как ему предстояло сыграть расиста, а Лео ненавидит расизм. Но, по словам Леонардо, Тарантино заставил его быть жестоким, играя свою роль: «Он сказал, что если я буду изображать сладкого мальчика, то зрители пошлют меня к чертям, что тут мне не «Титаник», и чтобы я не выкаблучивался». Любопытный метод работы с актерами!

Операция «Арго» (Argo, режиссер - Бен Аффлек, в ролях - Бен Аффлек, Алан Аркин)

Фильм основан на реальных событиях - спасении американских дипломатов во время революции в Иране 1979-го года. Чтобы помочь им покинуть страну, главный герой, работник ЦРУ разрабатывает «легенду»: выдает дипломатов за членов несуществующей съемочной группы фантастического фильма «Арго». Картина интересна не только сюжетом, но и необычным сценическим решением. Аффлек использовал специальную технику и методы съемки, чтобы добиться цвета и зернистого изображения фильмов 70-ых годов. К сожалению, Аффлек, получивший «Золотой глобус» за лучшую режиссуру, не был номинирован в этой категории на «Оскар».

«Цель номер один» (Zero Dark Thirty, режиссер - Кэтрин Бигелоу, в главной роли Джессика Честейн)

После выхода этого фильма всех волновали два вопроса: получит ли Бигелоу второго «Оскара» за режиссуру, и правдивы ли факты истории поимки Усамы бен-Ладена, описанные в картине, или это всего лишь домыслы сценаристов?

Первый вопрос отпал сам собой после оглашения списка номинантов: в номинации «Лучшая режиссура» этот фильм не представлен, зато представлен в номинации «Лучший фильм года». А второй вопрос создатели фильма оставили без ответа. Известно лишь, что у сотрудницы спецслужб США Майи, которая проводила спецоперацию по поимке самого опасного террориста в мире, и которую играет Джессика Честейн, есть прототип. Но имя настоящей сотрудницы ЦРУ засекречено. Министерству обороны США фильм показался настолько достоверным, что его сотрудники проводят теперь специальное расследование с целью выяснить, открыли ли представители спецслужб режиссеру и сценаристу все секреты охоты за бен- Ладеном, или же предоставили только уже рассекреченную информацию.

«007: Координаты «Скайфолл» (Skyfall, режиссер - Сэм Мендес, в ролях - Дэниел Крейг, Джуди Денч, Хавьер Бардем)

Пусть номинации очередной серии «бондианы» не главные («Лучший саундтрэк», «Операторская работа» и др.), разве это может повлиять на желание посмотреть фильм об агенте 007, побивший рекорд кассовых сборов среди всех фильмов о Джеймсе Бонде, и обосновавшийся на 11-й строчке «Самых кассовых фильмов в истории кинематографа»? Прекрасный актерский состав: полюбившийся всем Крейг, которого даже бывший Бонд Рождер Мур считает лучшим Бондом за всю 50-летнюю историю этой шпионской саги, строгая начальница Бонда М в исполнении Джуди Денч, которой на этот раз отведена особая роль, и, конечно же, злодей Рауль Сильва, бывший агент разведки и любимчик М, которого играет Хавьер Бардем, и который, по признанию кинокритиков, затмил своей игрой главного героя. Испанский актер, знакомый зрителям по фильмам «Море внутри», «Вики Кристина Барселона», «Призраки Гойи» и «Ешь, молись, люби», со смехом вспоминал в одном интервью, что однажды во время съемок забыл все реплики и сорвал дубль - просто посмотрев на Крейга и Денч и подумав: «Вау! Это же Бонд и М… Я же в фильме про Бонда… Мне же 12 лет было, когда я его первый раз посмотрел!»

«Любовь» (Amour, режиссер - Михаэль Ханеке, в ролях - Жан-Луи Третиньян и Эммануэль Рива)

Фильм по сценарию, специально написанному для Жана-Луи Третиньяна, можно было бы назвать «Мужчина и женщина - много лет спустя». Зрители помнят чудесную историю любви, снятую в 60-е Клодом Лелушем, с молодыми Третиньяном и Анук Эме, с музыкой Франсиса Лея - тогда она стала символом эпохи. В новой же любовной истории нет молодости и романтики: в ней много горечи и боли. Картина рассказывает о паре 80-летних супругов, всю жизнь проживших вместе. Теперь старик заботится о жене, которую разбил паралич, понимая, что она уже никогда не станет прежней. «В своем фильме я хотел показать, что происходит с человеком, который видит страдания любимого», - говорит режиссер. Фильм так потряс членов киноакадемии, что его выдвинули не только на премию в номинации «Лучший фильм на иностранном языке», но и в основных номинациях - «Лучший фильм», «Лучший режиссер», а 85-летняя Эммануэль Рива стала самой пожилой актрисой в истории «Оскара», претендующей на приз в категории «Лучшая женская роль».

«Королевство полной луны» (Moonrise Kingdom, режиссер - Уэс Андерсон, в ролях - Брюс Уиллис, Эдвард Нортон, Фрэнсис Макдорманд, Билл Мюррей)

Трогательную картину о двух влюбленных подростках, сбежавших из-под присмотра взрослых и укрывшихся в маленькой бухте на острове, просто необходимо смотреть вне зависимости от того, получит она приз за «Лучший оригинальный сценарий» или нет. Костюмы и музыка 60-х годов, живописные пейзажи островка в Новой Англии, школьницы, бойскауты, разбившие неподалеку лагерь - просмотр фильма превращается для зрителя в невероятное путешествие, которые невозможно забыть. А для воссоздания той эпохи съемочная группа трудилась всем миром: искали антикварные палатки для бойскаутов, покупали в интернете школьные туфли для девочек тех времен, создавали каноэ и тестировали их в бассейне отеля. «Мы прочесали сотни антикварных магазинов, для съемок брали напрокат вещи у членов съемочной группы или же у знакомых пожилых людей. Уэс искал адекватный реквизит всегда и везде, даже отправляясь на прогулку», - вспоминает декоратор Крис Моран. Не меньше внимания уделялось главным исполнителям - юным актерам Джареду Гилману и Каре Хейуорд. Чтобы они прочувствовали атмосферу 60-х, Уэс дал им посмотреть фильм Клинта Иствуда «Побег из Алькатраса» 1963-го года, а также заставил писать друг другу письма от руки (так делали их герои), пресекая попытки подростков пользоваться электронной почтой. А по-настоящему в 60-х Кара почувствовала себя, по ее словам, тогда, когда увидела пишущую машинку.

«Анна Каренина» (Anna Karenina, режиссер - Джо Райт, в ролях - Кира Найтли, Джуд Лоу)

Каждый раз, когда американский или европейский режиссер берется экранизировать русскую классику, в России подымается волна негодования и споров. Так случилось и теперь, после выхода экранизации романа Льва Толстого. В свое время Анну Каренину играли Грета Гарбо, Вивьен Ли и Софи Марсо. Молодая звезда Кира Найтли стала в один ряд с кинодивами, и вряд ли подозревает, как возмущены по этому поводу российские журналисты. «Адекватным ответом на британскую экранизацию «Анны Карениной» работы Джо Райта со стороны Госдумы могло быть только срочное распоряжение об экранизации какой-нибудь сакральной английской классики - скажем, «Робинзона Крузо» - в исполнении Никиты Михалкова с Евгением Мироновым в роли Робинзона и Чулпан Хаматовой в качестве Пятницы, с балетом, зонгами группы «Любэ» и финальным явлением спасительного полковника-колонизатора, сипящего на титрах «God Save the Queen», - написал журналист и писатель Дмитрий Быков. Фильм, номинированный на «Лучший костюм» и «Лучшее художественное оформление», стоит посмотреть хотя бы для того, чтобы оценить - настолько ли он плох?

В последние годы жизни композитор Сергей Прокофьев переживал последствия грандиозной «формалистической» травли 1948 года, перенес второй инсульт, тяжело принял смерть своего близкого друга, композитора Мясковского и одновременно обрёл нового друга - Мстислава Ростроповича. В этом году исполняется 60 лет со дня смерти Прокофьева. Композитор умер 5 марта 1953 года, в один день со Сталиным.

Весь музыкальный мир отмечает эту дату и многие из музыкантов включают произведения Прокофьева в свой репертуар, отдавая дань великому композитору. Один из таких музыкантов - пианист Джеймс Дик, потомок поселившихся в Америке в середине XIX века русских эмигрантов, который огромное место в своём исполнительском творчестве уделяет русским композиторам.

Джеймс Дик - один из наиболее уважаемых пианистов в Америке. Он прошёл путь от скромного дипломанта конкурса имени Чайковского (1966 года) до члена жюри этого крупнейшего в мире музыкального фестиваля, а также члена жюри конкурса имени Вана Клиберна в Форт-Уэрте и xудожественного руководителя Фестиваля-института в теxасском городке Раунд-Топ.

В 1963 году Дик с отличием окончил Техасский университет, затем учился в Лондоне - у Гордона Грина в Королевской академии музыки и у Клиффорда Керзона частным образом. К моменту участия в конкурсе Чайковского Джеймс Дик был победителем шести национальных соревнований, завоевал звания Лауреата на конкурсах имени Левентритта в Нью-Йорке и имени Бузони в Больцано. Он уже обладал большим опытом и хорошей профессиональной подготовкой, а к тому же и сам вёл класс фортепиано в Техасском университете.

Джеймс Дик закрепил свою репутацию отличного пианиста, педагога, интерпретатора современной музыки. Так в 1975 году в нью-йоркском Карнеги-холл наряду с сочинениями Бетховена, Шуберта и Скрябина он сыграл сонату А. Хинастеры и выученную им ещё в 1966 году к московскому конкурсу «Поэму» A.Бабаджаняна. По мнению критики, игра Джеймса Дика привлекает искренностью, лирической открытостью и проникновенностью.

Для своего традиционного сольного концерта в Раунд-Топ музыкант выбрал сонату № 7 Сергея Прокофьева. Седьмая соната занимает особое место среди фортепианных произведений композитора. Она была впервые исполнена в 1943 г. В музыке первой части возникают зловещие, бездушные образы, чувствуется вторжение враждебного человеку начала. Вторая часть переносит в мир высоких человеческих дум и чувств, картин природы. Финал сонаты своей эпической мощью напоминает о «Богатырской» симфонии Бородина. Первый исполнитель сонаты Святослав Рихтер писал о силах хаоса и глубинного смертоносного зла, к которым прикасается эта соната, а также о том, что она поднимает вопрос о смысле человеческой жизни. Это произведение является одним из любимейших в репертуаре Джеймса Дика. Кроме неё прозвучит «Итальянский концерт» И.С.Баха, «Меланхолия». Ф.Пуленка, сочинения Л.Бетховена.

Посетив Раунд-Топ, вы получите истинное наслаждение не только от сольного концерта Джеймса Дика, но и от самого места. Там вы попадаете в мир красоты и гармонии природы, архитектуры и музыки. Джеймс Дик и его единомышленники создали настоящий музыкальный оазис в Техасе, где музыка гармонирует с природой, куда люди съезжаются из разных уголков, чтобы отвлечься от городской суеты и насладиться этой гармонией. В Фестиваль-институте кроме фортепианных, хоровых и вокальных концертов проходят гитарный фестиваль и фестиваль ударных инструментов, выставки, поэтические чтения и, конечно же, большой летний фестиваль, в котором участвуют молодые музыканты со свего мира. Обо всём, происходящем в Раунд-Топе, вы узнаете на сайте www.festivalhill.org.

(«Москва, Черёмушки» Шостаковича в Moores School of Music)

В этом спектакле всё несерьёзно, всё - сплошная игра. И наверное, это правильно. Опереттта «Москва, Черёмушки» - образец типичного «шостоковичизмa» (а вовсе не соцреализма, как её представляли в 60-х годах). Она написана свежо, ярко, с юмором, полна красивейшиx музыкальныx тем. Жилищно-коммунальные проблемы советского периода, стоящие ребром, были поданы с лёгкостью музыкального изложения. Дмитрий Шостакович явно относился к своей единственной оперетте с долей иронии. Именно так отнеслись к ней и постановщики спектакля на сцене хьюстонской консерватории Moores School of Music.

Создателям спектакля «Москва, Черемушки» во главе с режиссёром Баком Россом (Buck Ross) удалось донести до хьюстонских зрителей в сущности чуждый для них «квартирный вопрос», животрепещущий и вечно актуальный и в СССР, и в России даже по сей день. Дескать иметь отдельную двухкомнатную квартиру - это хорошо, а вот xотеть обманом заполучить отдельную четырехкомнатную - наоборот, плоxо. И оказывается «хрущовка» в Черёмушках - гораздо лучше, чем коммуналка в центре Москвы. С этим можно поспорить, что и делают герои оперетты.

Перепетии сюжета: переживания любовные и бытовые, семейные колизии, перевоспитaние лоботряса, бюрократия, очереди, свидания в парке, походы в музей - всё было показано в духе эпохи. Молодые артисты с энтузиазмом сыграли героев оперетты: роматика-шофёра Сергея и его возлюбленную строгую и «сознательную» Люсю, скромную экскурсоводшу Лидочку и влюбившегося в неё безалаберного Бориса, чету Бубенцовых - Сашу и Машу, грезящих о семейном очаге, высокопоставленного бюрократа Дребеднева и его капризную супругу Ваву (страшно напоминающую Эллочку-людоедку), начальника ЖЭКа Барабашкина и других - энергичных строителей и счастливых новосёлов.

Самым большим достижением зала консерватории Moores School являются «вечные декорации», а попросту - проекция на стене, где картинка меняется в зависимости от ситуации. Такие декорации экономны, эффектны и дают неограниченные возможности для фантазии художника. Совершенно гениально смотрелось путешествие героев на автомобиле из Москвы в Черёмушки, с полным ощущением езды по шоссе с ветерком. Фонтан в «волшебном» парке выглядел, как настоящий, а новостройки, вырастающие, благодаря компьютерной графике, на глазаx зрителей, производили сильное впечатление. Настоящее искусство, плюс компьютеризация всей страны!

Xоxот в зале не умолкал. А началось всё с объявления перед спектаклем с деланным русским акцентом: «Товарищи зрители, кто не выключит мобильнники, будет немедленно отправлен в Сибирь» (вариант во втором отделении - «отправлен в космос на спутнике»).

Во время короткой увертюры на экране стали появляться надписи кириллицей, наподобие «ШЕЛКОМЕ ТО ЧЕRЕМУШКИ». В этом месте громче всех хохотали русскоязычные зрители.

В спектакле множество остроумныx режиссёрскиx наxодок. Был хорошо передан колорит страны и эпохи: имитация партийного собрания, монтаж с гаечными ключами и отбойными молотками а-ля «здесь будет город-сад», помешательство по поводу запуска спутника. Не обошлось и без клише, вернее, без иронизации по их поводу, когда отправляясь в гости, все пришли строго с буханкой хлеба и бутылкой водки. Надписи кириллицей в титраx, на стене в музее, на коробкаx переезжающиx новоселов: «китчен», «бэдрум», русский балет и даже фильм «Я иду-шагаю по Москве» с его сценой дождя - всё стало объектами для смеха.
Ярчайшими были сцены с участием пары Саша-Маша - молодожёнов, которые всё ещё живут порознь и назначают друг другу свидания то в музее, то в парке, то в ГУМе, то в Большом театре. Совершенно уморительной стала сцена в музее, в которой они мечтают о будущей квартире, где будет всё современное и необxодимое. В подтверждение иx слов демонстрируется балет «приборов бытовой техники»: холодильник, стиральная машина, газовая плита и телевизор начинают кружиться по сцене, а потом пляшут канкан.

Шостакович не был бы Шостаковичем, если бы избежал цитат. В оперетте иx предостаточно - «Цыпленок жареный», «Бывали дни весёлые», «Аx вы сени», а также мастерски написанный пародийный рок-н-ролл. С музыкальной частью студенты Moores School справились прекрасно. Они не только хорошо пели, но и продемонстрировали актёрские и танцевальные способности, а ведь выучить все элементы русских танцев и исполнить их не так-то просто.

Удивительно, но оперетта совершенно органично звучала на английском языке. Перевод был блестящим, без несуразностей и с xорошей рифмой. Пели в манере между классической опереттой и Бродвеем - легко, не форсируя звук.

Весь спектакль был радостным, поднимающим настроение и оставил наилучшие впечатления. Его можно смотреть не раз и не два. Постановка, костюмы, декорации и сама атмосфера вспоминаются с огромным удовольствием.

До встречи в опере.

Рецепт предстоящего фестиваля «Dance Salad» существенно изменился. Хьюстонским зрителям предстоит вкусить уже привычной испанской и голландской и попробовать новую - польскую «балетную кухню». Из «остренького» будет балет Сиди Ларби Шеркауи под соусом из ливанско-японской живой музыки.

Впервые на фестивале Dance Salad выступит труппа Польского национального балета.

Её руководитель - хореограф и продюсер Кшиштоф Пастор получил международное признание как хореограф, создав почти одновременно 5 балетов, включая шумно известные «Не будь покорным», «Свет и тени», «Курт Вайль» (номинирован на приз Benoisde la Danse, 2002), «Кислотный город», «Дон Жуан», «Тристан», «Опасные связи», а также «Фантастическую симфонию» для Австралийского балета. В 1995 Кшиштоф Пастор награжден Золотым призом за хореографию дуэта «Деталь-IV», медалью Министерства культуры Польши и Призом за хореографию Танцевального фонда в Нидерландах. Его работы «Не будь покорным» и «Курт Вайль» были признаны в Нидерландах значительными художественными событиями. В 2007 он был приглашён в Большой театр России и работал со Светланой Захаровой над дуэтом из «Тристана» и сольным номером из «Голоса». В 2008 он поставил в Шотландском балете собственную версию «Ромео и Джульетты» С. Прокофьева, композицию «Движущиеся комнаты» и «Шехеразаду». Самая последняя его работа «Молчаливые танцы» на музыку И. Стравинского была показана в Амстердаме. Кшиштоф Пастор - блистательный мастер пластического повествования. Польские танцоры покажут три композиции Кшиштофа Пастора и один балет Роберта Бондары.

Одна из композиций Кшиштофа Пастора «И дождь пройдёт», которая будет показана на фестивале, воспринимается самим хореографом как очень личное высказывание. Вернувшись на Родину после долгого пребывания за границей, Пастор увидел в Варшаве множество свидетельств страданий и разрушений - гораздо больше, нежели в любом другом европейском городе. Он был вдохновлен образами литературы и фильмов, рисующими драматические моменты истории Польши. Эпиграфом к балету стали строки стихотворения «Дождь» поэт-фронтовика Камиля Бачинского:

«А дождь как жалость - всё размоет:
и туч беззвучных вопль ужасный,
и след людской, и кровь побоищ…»

Музыкальным сопровождением стали произведения польского композитора Генрика Горецкого «Beatus Vir», «Quasi una fantasia» и «Kleines Requiem für eine Polka».

Композиция «Движущиеся комнаты» была создана Пастором специально для Голландского Национального балета. Хореограф говорит о ней: «Игра света и движения в меняющемся пространстве - суть моего балета. Они влияют на отношения между танцорами, создают эмоции. Это чистая игра настроений и эмоций в динамичном сочетании световых пятен».

В сюите «Курт Вайля» Пастор создаёт мультимедийное шоу в виде коллажа из коротких танцевальных сценок. На музыку немецкого композитора Курта Вайля он пишет балетные фрески - яркие, выразительные, разнообразные по музыкальной форме. На фестивале «Dance Salad» будут исполнены две части этого балета в сопровождении певцов из студии хьюстонской Гранд-оперы и музыкантов консерватории Shepherd School of Music.

В своём балете «Персона» на музыку Арво Пярта, хореограф Роберт Бондара ставит под сомнение социальную автономию человеческого существования. Хореограф объясняет: «Быть человеком значит никогда не быть самим собой. Человеческое существование неразрывно связано с пребыванием в рамках определенных социально-культурных норм, с необходимостью приспосабливаться к существующей модели, которая позволяет людям избежать конфликтов и получить выгоду от чувства, что общество его принимает. Таким образом, люди надевают маски, пытаясь играть разные роли, адаптируясь к тому поведению, которое от них требуется. Юнг называл это явление «персоной».

Любимцы фестиваля - компания Eastman, которой руководит Сиди Ларби Шеркауи представят новейший спектакль под названием «PUZ/ZLE», недавно показанный на балетном фестивале в Авиньоне. Шеркауи создал собственную танцевальную компанию Eastman в 2010 году. Это позволило ему в полной мере воплотить свою мечту - свободно заниматься смешением культур, жанров и традиций. Хореограф работает с танцовщиками и музыкантами совершенно разного происхождения, выросших в разных странах. Среди его артистов - танцоры фламенко, индийские танцовщицы, шаолиньские монахи и музыканты разных направлений.

«PUZ/ZLE» - это странное, мистическое действо в сопровождении живой этнической музыки. Спектакль Сиди Ларби - череда превращений, которые совершаются с людьми и пространством. Тела танцоров почти текучи, детали оформления удивительно подвижны, хотя сначала кажутся массивными - белые плиты легко становятся лабиринтами и античными развалинами, лестницами и постаментами, убежищами для людей и угрозами для них. Все конструкции призрачные и непрочные. Они рушатся, и перед зрителем предстаёт некое существо - бесполое, неестественно белое, похожее на манекен (так часто изображают инопланетян), символизирующее новое божество или новую цивилизацию. Коленопреклонённые актёры воздевают к нему руки. В этом спектакле танцовщики стремятся к гармонии своего тела, но плавных движений здесь почти нет, всё замешано на эмоциях и экстатике. Разнообразие картин, в которые соединяются на сцене предметы и актерские тела, делает «PUZ/ZLE» зрелищным.

Наши зрители смогут насладиться живой музыкой, которая будет сопровождать спектакль. Исполнители - всемирно известная ливанская певица Fadia Tomb El-Hage, японский флейтист и барабанщик Kazunari Abe, скрипачка Ольга Войцеховская и исполнитель на японском инструменте кото Tsubasa Hori. Выбор музыки не случаен и типичен для Сиди Ларби. Это сплав традиций - религиозной и светской, христианской и мусульманской, европейской или восточной.

Итальянцы Spellbound Contemporary Ballet представят на фестивале балет Мауро Астолфи «Опасные связи» («Dangerous Liasons»). Труппа известна и в Италии, и далеко за её пределами. Танцоры балансируют на грани между классическим балетом и современным танцем - атлетическим, экспрессивным, с причудливой геометрией форм, линий и образов.

Руководитель труппы, Мауро Астолфи - один из лучших итальянских хореографов нашего времени. Он впитал опыт различных школ Европы и США и выработал свой неповторимый стиль хореографии.

Астолфи так пишет о своей работе: «Выражение «Опасные связи» неизменно ассоциируется с романом Шодерло де Лакло и, стало быть, надо ожидать распутства и интриг на фоне неистовой и страстной любви. Вместо этого наши «Опасные связи» исследуют, на первый взгляд, спокойные отношения, омрачённые чтением личных писем и сообщений, которые попадают в чужие руки. Spellbound покажет, как отношения между людьми могут стать опасными, когда нет понимания, с кем имеешь дело. Отчаянное желание доверять кому-то увеличивает риск поверхностных отношений, которые, по природе, всегда являются опасными».

В этом году на фестиваль приедет танцовщик из Голландии Руби Пронк. Выступление артиста в паре с Дрю Якоби (дуэт Jacoby & Pronk) несколько лет назад покорило хьюстонцев своим искусством танца, мастерским владением телом, динамикой и пластикой. Руби Пронк приедет один и выступит в качестве солиста в балетах Кшиштофа Пастора. Также он покажет сольный спектакль «L’Effleuré», созданный хореографом Аннабель Лопес Очоа на музыку Антонио Вивальди. «L’Effleuré» был специально создан для Руби Пронка. Название означает «Мягкое касание».

«Руби - художник, известный своей силой и энергией в танце. Я наблюдала за развитием Руби с его 14-летнего возраста. В один прекрасный день я решила поставить для него танец, который раскрывал бы лирическую сторону его таланта», - сказала Аннабель Лопес Очоа.

Продолжение следует.

Трагедия «маленького человека» (Houston Symphony)

Главный дирижёр Хьюстонского симфонического оркестра, маэстро Ханс Граф осуществляет свою давнюю мечту - постановку оперы Берга «Воццек».

Одна из вершин оперного искусства XX в. «Воццек» («Wozzeck») Альбана Берга написана по драме Г. Бюхнера «Войцек» (имя главного героя несколько изменено). Опера «Воццек» была задумана в период Первой мировой войны, сочинение оперы закончилось сразу после этой войны, а первое исполнение состоялось в Берлине в 1925 году. Постановка тогда глубоко взволновала всех в Западной Европе.

В основе незавершенной пьесы немецкого поэта и драматурга Бюхнера лежит нашумевший судебный процесс по уголовному делу рядового солдата, доведённого безжалостными опытами гарнизонного доктора и отупляющим укладом жизни до стойкой мании. На почве ревности он убил свою возлюбленную, за что был казнён в 1824 г. (в опере он бросается в пруд и тонет). Замысел оперы возник у композитора под влиянием венской премьеры драматического спектакля в 1914 г.

По своему содержанию и по музыкальному языку «Воццек» носит ярко выраженный экспрессионистский характер. Трагедия «маленького человека» - социально беззащитного и к тому же одержимого навязчивой идеей, воплощена средствами новой по тому времени атональной музыки, которая подчёркивает сумеречность и эмоциональную напряженность содержания. «Воццек» - произведение, захватывающее сферу подсознания (здесь не обошлось без влияния З.Фрейда) и напоминающее по духу мрачные страницы Ф.Кафки. Человек - ничто! Он всего лишь жалкий винтик во всепожирающей машине жизни. С необыкновенной силой воплощена в музыке атмосфера трагических предчувствий, отчужденности. В то же время в опере звучит и протест против торжествующего зла, и сострадание к его бессильным жертвам.

Напомним, что «Воццек» последний раз звучал в Хьюстоне в 1983-м году на оперной сцене (режиссёр Гетц Фридрих, дирижёр Лэрри Фостер). На этот раз на сцене Джонс-холла мы увидим концертную версию в постановке Ханса Графа. «Я решился на такой рискованный шаг, потому что был переполнен этой партитурой, которую обожаю. «Воццек» для меня, как драгоценный камень. Мне хочется показать музыку Берга в минимальном сценическом воплощении - в её натуральном состоянии, чтобы она вошла напрямую в души людей», - сказал маэстро Граф в интервью нашему корреспонденту.

По словам Ханса Графа, «Воццек» идеально подходит для концертного исполнения: минимум сценической игры, 90 минут музыки. Важную роль на сцене сыграет свет, который будет меняться в зависимости от ситуации и настроения героев. В главной роли выступит баритон Роман Трекель - один из лучших современных исполнителей Воццека.

Премьера оперы сотоится 1 и 2 марта.

На лоне природы (ARS LYRICA)

Ансамбль старинной музыки Ars Lyrica осуществляет концертную постановку пасторальной оперы Генделя «Ацис и Галатея».

Опера-оратория «Ацис и Галатея» была сочинена Г.Ф. Генделем в 1718 году для Лондонского театра. Это стало его первым произведением, целиком написанным на английском языке, без дублирования на итальянский.

Сюжет, написанный «на троих» либреттистами - Драйденом, Попом и Хьюзом (Dryden, Pope, Hughes) по мотивам 13 книги «Метаморфоз» Овидия, представляет собой, по существу, античную «мыльную оперу». В опере сочетаются комический, трагический и развлекательный элементы. Это история о юном пастушке Ацисе, прелестной нимфе Галатее и злодее-циклопе Полифеме. Нимфа прельщается молодым, выросшим в экологической обстановке, пастушком и соблазняет его. Несмотря на предостережения доброго полубога Дамона: «Держись, Ацис, подальше от этой нимфы, доведёт она тебя до беды», зов плоти оказывается сильнее, и юноша, очертя голову, пускается во все тяжкие. В свою очередь циклопа Полифема раздражают непристойное поведение молодой парочки на лужайке. А всё потому, что он тоже не против приударить за хорошенькой нимфеткой. Полифем пытается добиться Галатеи силой, но получает решительный отпор. Чуть не лишившись единственного глаза, циклоп в ярости убивает Ациса огромным камнем.

Галатея, которой становится жалко простого деревенского парня, используя свои связи «в высоких божественных кругах», превращает кровь бывшего возлюбленного в струящийся водный поток - на долгую память о страстной любви.

Текст оперы «Ацис и Галатея» нуждается в отдельном рассмотрении. В нём есть как поэтические, яркие образы и отличные находки, так и довольно забавные пассажи. Например, слова из хора, описывающего прелести здорового деревенского образа жизни - этакий самопародийный modus vivendi.

«Harmless, merry, free and gay,
Dance and sport the hours away».
Что-то вроде:
«Смех, веселье без забот
Спорт и танцы круглый год».

Божественная музыка Генделя гениально обыгрывает как «жаргонизмы», так и «поэтизмы». Удачно, что исполнение ансамбля Ars Lyrica включает элементы театрализации, так что зрителям, стараниями режиссёра Tara Faircloth и превосходных солистов, предстоит насладиться театром эпохи барокко в полной мере.

Опера состоится 10 марта на сцене Zilka Hall (Hobby Center).

Все краски Болливуда (Houston Ballet)

Труппа Хьюстонского балета познакомит зрителей с одним из самых зрелищных балетов в их репертуаре и одним из любимейших для русской публики - «Баядеркой» Л.Минкуса в постановке художественного руководителя театра Стэнтона Велча. Идея балета «Баядерка» привлекла в 1876 году балетмейстера Мариуса Петипа.

Музыку написал плодовитый композитор Л. Минкус. Музыка Минкуса, упругая и мелодичная, удобная для танцев и пантомимы, послушно следует за хореографической драматургией Петипа. Композитор, наверное, был очень жизнелюбивым человеком, у него даже в драматических моментах музыка далека от стопроцентно трагической.

Либретто «Баядерки» сочетает в себе сюжетные ходы мелодрамы и драматургические приёмы романтического балета. Тема самоотверженной любви как высшего смысла жизни, принадлежит к популярным темам музыкального театра XIX века.

Премьера состоялась 23 января 1877 года в петербургском Большом Каменном театре. Балет, относящийся к высшим достижениям хореографа, быстро завоевал признание и более 125 лет идет на сценах мира.

«Баядерка» в постановке Стэнтона Велча идёт с костюмами знаменитого английского дизайнера Питера Фармера. Творчество Питера Фармера тесно связано с балетом Хьюстона, с которым он начал сотрудничать в 1972 году. Фармер родился в британском Лютоне в 1941 г. Его плодотворная творческая карьера театрального художника включает сценическое оформление более 300 драматических и балетных постановок, в том числе работу в Мариинском и Большом театрах. По словам лондонской «Sunday Telegraph»: «Питер Фармер - несомненно самый превосходный театральный художник, работающий в балете, и его сценическое оформление спектаклей будет служить однажды ностальгической летописью высшего признания в балете».

Роскошные текстуры тканей, мистические пейзажи и изобретательный стиль декораций - таковы критерии качества сценических работ Питера Фармера. Для спектакля «Баядерка» Фармер изготовил изумительные по красоте костюмы в стиле индийского Болливуда.

В балете огромное количество сольных, ансамблевых классических и характерных танцев, величественных шествий и игровых пантомимных эпизодов, среди которых особой популярностью пользуется знаменитая «сцена ревности двух соперниц» - Никии и Гамзатти. В знаменитой финальной сцене «В царстве теней» эстетическим стержнем хореографии становится большой ансамбль. Выход 24 танцовщиц в белых одеждах, построенный на завораживающем повторении одного и того же па, гипнотизирует, погружая зрителей в состояние восторженного созерцания красоты.

Спектакль «Баядерка» пройдёт до 3 марта в Wortham Center.

Приключения французов в Венеции (Da Camera)

Музыкальное сообщество Da Camera сделало настоящий подарок хьюстонским любителям старинной музыки, пригласив ансамбль Le Poeme Harmonique. Французский ансамбль Le Poeme Harmonique - весьма примечательный коллектив, обладатель множества престижных премий, в том числе «Шок года» от Le Monde de la Musique. Он был основан в 1997 году Винсаном Дюместром. Программы Le Poeme Harmonique мало похожи на традиционный концерт. Как правило, это синтетические представления (а по-нашему - «перформансы»), где инструментальная музыка, пение, декламация, пантомима и хореография соединены в единое целое - полностью в контексте барочного «синтеза искусств». Одна из их знаменитых постановок «Мещанин во дворянстве» для театра «Le Trianon» и «Кадм и Гермиона» Ж.Б.Люлли.

Музыканты играют на старинных инструментах - корнете, корнамузее, лироне, теорбино, барочной арфе - о существовании которых многие из нас и не подозревали. Музыку они тоже выбирают редкую, выискивая диковинные, незаслуженно забытые партитуры.

Как следует из названия коллектива, особое внимание Le Poeme Harmonique уделяет соединению текста и музыки, поиску гармонии между ними. Скрупулезность, необходимая для воссоздания прошлого, соединяется с искренним желанием вжиться в старинную музыку, а все вместе получается необычным, ярким и интересным.

Предстоящий концерт будет посвящен Золотому веку Венецианской республики. Le Poeme Harmonique перенесут зрителей к дворцам и каналам Венеции. В свете свечей вас ожидает театральное действо с оригинальными костюмами, инструментами и хореографией под музыку Монтеверди, Манелли, Феррари - композиторов с именами которых связана музыкальная слава «Царицы Адриатики».

Концерт состоится 9 марта в Cullen Hall (Wortham Center).