Телеведущую Елену Хангу когда-то знали все, от пионеров до пенсионеров. Поскольку она блестяще вела скандально-сексуальное шоу «Про это» - в стране, где секса еще вроде как и не было. Тогда газета News York Times написала: «Только два человека с негритянскими корнями оказали громадное влияние на Россию: Пушкин - в духовной сфере и Елена Ханга - в телесной». Напоминаю Ханге эту старую цитату - она заразительно смеется. Мол, неплохое соседство.

Потом был долгоиграющее шоу «Принцип домино» для продвинутых и респектабельных домохозяек, потом долгий перерыв. И вот Ханга снова в эфире - с новым проектом “Cross talk” на канале RussiaToday.

Тут - только политика, шаг совсем в другую сторону. Теперь Елена начинает рабочий день с чтения Finanсial Times или New York Times. А когда-то Андрей Лошак, режиссер программы «Про это», заставлял ее по вечерам на студии читать исключительно «Камасутру». И еще кричал злобно в наушник: «Лена, я же просил вас подготовиться, а вы дочитали только до третьей страницы и заснули!»

* * *

Кстати, про Лошака - это тоже большой талант и умница. Лет пятнадцать назад, когда я первый раз встретился с Хангой, был умильный случай. Терпеливо жду звезду у дверей студии «Про это», Ханга сильно занята. Наконец захожу, а Лошак в этот момент кричит: Лен, ну выйди, там тебя какой-то полный идиот из провинции уже четыре часа дожидается, он же совсем отмороженный, никуда не денется! Я немного оторопел, и Андрей тоже. Потом мило улыбнулся: извините, у нас запарка, погорячился…

А «Про это» - был, конечно, для зрителей реальный шок. На экране либерального НТВ появлялись трансвеститы, любители орального и паранормального, престарелые девственники, отъявленные садо-мазохисты, и еще Бог знает кто. (Ну, или черт знает кто). Жуть жуткая, над которой возвышалась она - спокойная, доброжелательная, умная Елена Ханга. Талантливая девочка из интеллигентной московской семьи, строгих правил, спортсменка и красавица, комсомолка и отличница, интеллектуалка, немного сноб и эстет, воспитанная в лучших традициях и проч. Лично мне особенно запомнилась передача, в которой вдумчиво анализировались прелести и последствия орального секса с бананом. Причем получилось вполне интеллигентно. Хотя именно эта программа далась Лене очень тяжело. Она себя долго уговаривала: мол, это не я веду программу, настоящая Лена Ханга сидит себе дома на диване, пьет чай и вышивает крестиком наволочки… А еще была очень смешная программа “Секс по телефону”, где в основном сидела молодежь. Ханга подошла с микрофоном к двум старушкам, таким божьим одуванчикам: что вы на эту тему думаете? Они заойкали: отойдите, мы шли на “Угадай мелодию” и просто ошиблись дверью… А потом говорят: как жаль, что в наше время не было секса по телефону! Но это же за деньги! - удивилась Ханга. Они говорят: какая разница! Доброе слово и за деньги приятно послушать!

* * *

Долгое время Ханга тренировалась с генпродюсером НТВ Парфеновым произносить слово “оргазм”. Парфенов говорил: Лена, вы стесняетесь произносить это слово, и все остальные будут это чувствовать. Вы считаете это явление нормальным? Она говорит, что да. Ну, так и скажите - без глупого хихиканья! Парфенов вытащил Хангу из Нью-Йорка, где она училась в университете. И вот в один прекрасный день звонок из России, предлагают немедленно лететь за океан, чтобы вести какую-то передачу о сексе. Ханга даже сначала подумала, что это розыгрыш. Но когда появляется молодой, образованный, красивый мужчина из России, одетый от Кензо, и ведет ее в роскошный французский ресторан… Как и все советские девушки, Лена была очень падкая до всего красивого. Парфенов заказал бутылку вина того года, когда она уехала из России, и протянул ее со словами: “Возьмите, а через год мы вернемся сюда и закажем вино этого года, потому что я выполню свое обещание сделать из вас за год звезду…” А потом они гуляли по вечернему Нью-Йорку, и Парфенов напевал ей “Старые песни о главном”… Короче говоря, устоять было совершенно невозможно.

* * *

Как-то в ток-шоу «Принцип домино» был приглашен легендарный диктор Кириллов. До эфира несколько минут, Ханга мило общается с редакторами. И вдруг Кириллов говорит: Елена, а почему же вы не готовитесь, а зря болтаете? Ханга отвечает: да все уже готово! Он: и вы вот так, без всякой защиты, выйдете на публику? Ведь это прямой эфир! В зале человек двести, а смотрят вообще миллионы. И кое-кто с недобрыми мыслями и чувствами. Ханга спрашивает: а что же мне делать? Защиту ставьте! - приказывает Кириллов своим непередаваемым голосом. - Вообразите, что надеваете на себя непроницаемый стеклянный колпак, о который разбиваются все враждебные взгляды и помыслы. Ханга послушалась, стала каждый раз надевать этот виртуальный колпак. И с тех пор стала на работе гораздо меньше нервничать и уставать.

* * *

Раньше в школе в классном журнале была страница, где записывали национальность учеников. Про Хангу там было написано: «племя пемба». Поэтому одноклассники говорили: мол, с ней надо поосторожнее, это маленькое, но ужасно воинственное племя.

В детстве интеллигентная Леночка вместе с приемным братом держали в страхе весь район. Это на самом деле трогательная история: Лене и Саше было лет по семь, и они жили на соседних лестничных клетках. Мама Ханги защищала диссертацию, и поэтому девочка в той семье постоянно обитала. Сашу ребята постоянно спрашивали, почему у него сестра такая черная. Он говорил: потому что у нее папа из Африки. Ему возражали: так она уже давно у нас живет, а тут холодно. Давным-давно должна была побелеть. И Саша очень переживал. Подходил к сестре, тер-тер, а она никак не белела. И однажды говорит: “Лена, надо что-то делать, мне надоело оправдываться, что ты черная”. Ханга отвечает: “Знаешь, если кто в следующий раз спросит, мы ему дадим в глаз и все!” И детки стали очень боевые. Лена с собой постоянно ножичек носила. У нее даже есть шрам - дралась расколотой бутылкой. Сашка научил, что главное - напугать. Сделать страшные глаза, бутылку в руки - и все! И сестра ноздри надувала, кричала: “Я не знаю, что сейчас сделаю!” Некоторые верили…

А кроме этого - с трех лет музыка, с пяти - фигурное катание, языки, теннис… Лена занималась у легендарной Анны Дмитриевой и подавала большие надежды. Однажды Дмитриева в шутку сказала маме Ханги, что для Леночки нужно срочно готовить вечернее платье, потому что победителей Уимблдонского турнира принимает английская королева. И бедная мама с помощью американских друзей тут же заказала совершенно умопомрачительное платье со шлейфом. Понятно, Лена его ни разу не надевала - ведь кроме как к королеве, больше в этом платье никуда и не пойдешь.

* * *

А потом Ханга пыталась петь джаз - в гостинице “Космос” и училась в консерватории. Просто однажды она услышала “Травиату” и решила, что должна стать оперной певицей и умереть на сцене. Прорвалась к декану, он стал девочке объяснять, что вообще-то сейчас зима, а поступают летом. На что Ханга гордо заявила ему, что должна умереть на сцене. И видимо, что-то такое блеснуло в ее глазах, потому что декан согласился ее послушать, и более того - Хангу приняли на вечерние курсы! Но через какое-то время она узнала, что для Виолетты из “Травиаты” нужно сопрано, а у нее меццо-сопрано. Ханга очень обиделась и тут же ушла, хотя ее преподаватель уговаривал остаться, уверяя, что она сможет еще спеть и Аиду, и Кармен, и, как запланировано, умереть на сцене… Закончив журфак московского университета, Ханга отправилась работать в популярнейшие тогда “Московские новости”. Там ее все называли Крупской - потому что она всегда одевалась очень строго: черный бант, длинный скромный темный костюм… А потом в «МН» пришло приглашение в Америку, и Ханга стала одной из первых журналисток СССР, которую обменяли.

* * *

Когда Ханга училась в Америке, фонд Рокфеллера предложил ей написать книгу о своей семье. В итоге появилась замечательная и толстая (триста страниц!) книга «Душа в душу», где она проследила историю семьи, начиная с 1862 года. Ее, между прочим, уже переиздали несколько раз, и даже на японский перевели. Спектакль поставили, а сейчас собираются ставить фильм… Доложу вам, в этой книге такие сюжеты, что на две “Санта-Барбары” хватит. Ведь прадед Ханги был рабом - а потом стал одним из богатейших черных людей в Миссисипи. Он был одним из немногих, кто сумел заработать большие деньги, выращивая хлопок. Кроме того, он был еще священником в христианской церкви. Ханга нашла музей, карту, где написано “Земля Хиллерда Голдена”. Причем видно, как у него становилось все больше, больше земли. Но ку-клукс-клановцы все сожгли, они не могли допустить процветания черного человека…

С Леной в Миссисипи забавная история произошла. Возвращается она однажды с этих самых полей, машину останавливает шериф. Он смотрит на Хангу: ты кто такая? Явно не наша! Лена отвечает: я русская, вот паспорт. Надо же, не подозревал, что такие русские бывают! Она говорит: да вы просто правды не знаете, на самом деле все русские черные, только в Америке это скрывается! Он просто обалдел. Потом немного пришел в себя, говорит: а что вы здесь делаете? Ханга говорит: земли скупаю! Японцы Голливуд скупают, а я Миссисипи. Вы разве не слышали, что русские наступают? Больше у него вопросов не было.

Забавно: прадед у Ханги был богатым плантатором, а дед - убежденным коммунистом. Иначе бы не встретился с бабушкой Ханги, дочерью раввина - та тоже увлекалась передовыми идеями. Однажды попала в полицейский участок и там она познакомилась с молодым красивым афроамериканцем. Папа-раввин пришел выкупать непутевую дочь. А она говорит: «Выкупи меня с моим новым другом!». Бедный раввин внимательно посмотрел на друга и сказал: «Значит, оба остаетесь». И вот с тех пор они не разлучались. Конечно, бабушка совершила абсолютно немыслимый для того времени поступок - вышла замуж за черного. Тогда смешанные браки вообще были запрещены. В тридцатые годы они приехали в Россию строить коммунизм, выращивали хлопок в Узбекистане.

* * *

Мама Ханги выросла уже здесь, закончила исторический факультет МГУ, стала видным специалистом по африканскому искусству и культуре. И всегда очень хорошо играла на рояле, даже пела в джазовом трио, в кинотеатре “Ударник” перед фильмами. У нее сценическое имя было - Лолита…

А отец Елены - из Танзании. Он был невероятно образованным человеком, закончил Оксфорд и собирался делать политическую карьеру. Но для этого полагалось быть женатым на культурной, воспитанной, интеллигентной темнокожей женщине. И вот кто-то отцу рассказал, что как раз такая женщина живет в России. Он взял билет, нашел маму Ханги и сказал ей: “Я будущий премьер-министр Танзании и хочу на вас жениться”. Та ему немедленно отказала, и тогда он решил взять ее измором. А чтобы не терять даром время, поступил в Университет Дружбы народов. Потом мама Ханги согласилась выйти за него, он уехал в Танзанию, и действительно стал премьер-министром. Но случился переворот, и когда дочке было три года, отец погиб…

И вот, представьте, Ханга разыскала свою бабушку - его маму, которая жила в Занзибаре! Ей тогда было около ста лет. Она была так потрясена, увидев внучку, весь Занзибар праздновал эту встречу! И главное, внучка с бабушкой даже не понимали друг друга - старушка говорила на суахили, а Ханга на английском. А потом Лена поехала в Америку и разыскала своих белых родственников по маминой линии. Они так и не подозревали, что бабушка вышла когда-то замуж за афроамериканца, это была семейная тайна… Причем старшее поколение не захотело с ней встречаться. А молодые сами перезвонили. Сняли большую гостиницу в Чикаго - около ста человек приехало на семейную встречу, представляете!

* * *

Хангу никогда не сравнивали с Наоми Кэмбелл, что вполне понятно. Хотя она, наверно, втайне об этом мечтала. Зато теперь очень серьезные и интеллектуально искушенные люди пишут о Ханге не иначе, как о новой Агате Кристи. Какой прогресс, однако! И вот почему: в соавторстве со своим университетским однокашником Олегом Вакуловским Ханга не так давно выпустила конспирологический детектив «Третье пришествие». Чтение исключительно занимательное: тут главный герой, который трудится в скромном НИИ, помогает внешней разведке и разъезжает исключительно на «Мазератти». Кроме того, в него отчаянно влюблена принцесса одной из европейских стран. Тут и вполне узнаваемый бизнесмен Евгений Линдерман, владелец модельного агентства, сводящий красавиц с пресыщенными олигархами, и похищение международной преступной группировкой девушки с уникальными способностями. А параллельно - описание одной из самых больших загадок ушедшего века - третьем пророчестве Девы Марии, которая явилась в начале прошлого века жителям небольшой португальской деревни Фатима. Два из трех пророчеств сбылись - о времени окончания Первой мировой войны и долгих безбожных лет жизни России. А вот третье пророчество до сих пор тайна за семью печатями - многие ученые, мистики, публицисты ломают головы. Ханга рискнула предложить свою версию.

Между прочим, у нее есть свой мистический опыт. Мама Елены увлекалась паранормальными явлениями, у нее были друзья-экстрасенсы. Однажды в 80-е годы пошли в гости, и один из присутствующих вдруг говорит маме Ханги: «Я вижу, как убивают вашего мужа. Он умер страшной смертью». И стал описывать все в страшных деталях… Прошло десять лет, Елена поехала в Танзанию, к ней подошел незнакомый мужчина. Спрашивает: ты дочь Ханги? Я присутствовал при последних моментах жизни твоего отца и должен тебе рассказать, как это было. И повторил то, что на московской кухне рассказал человек, которого она видела первый раз в жизни…

* * *

В детстве Ханга ужасно комплексовала из-за своей внешности. Мучилась, считала себя ужасно некрасивой. Однажды лет в четырнадцать решила накраситься, так подруга сказала: “Ой, Ленка, ты щеки чем-то красным испачкала!” Ей даже в голову не могло прийти, что она может накраситься. Мамы Лены, чтобы как-то ей помочь, специально выписала из Америки журналы с моделями-негритянками: смотри, какие красавицы. И ты точно такая же! Правда, это помогало не особо. А в старших классах она еще и растолстела…И потом, когда вокруг появились молодые люди, у Ханги очень долго был такой жуткий комплекс: боялась, что за ней ухаживают из-за экзотики. При этом Лена всегда была очень требовательной девушкой. Как-то с университетской подругой разработала целую таблицу кайфа. Например, пойти поиграть в теннис с подругой - одно количество очков, послушать “Травиату” с парнем, который тебе нравится - столько-то… Кроме того, разработали список из двадцати качеств, которыми обязан обладать потенциальный кандидат на общение. Во-первых, чтобы обязательно спортивный был человек. Во-вторых, чтобы умел танцевать рок-н-ролл. В-третьих, - чувство юмора. В-четвертых, чтобы обязательно с инициативой был… «Хотя несмотря на все системы отсчета, я была очень страшненькая. То есть отдавала себе отчет, что есть пункты, по которым я проигрываю». Ханга честно признается: тогда ей важен был в мужчине внешний блеск - неважно какой, пусть с отрицательным зарядом. А потом она все чаще стала прощать - и занудство, и даже, если он не умел танцевать рок-н-ролл - а раньше бы даже в его сторону не посмотрела! Просто внезапно поняла, что доброта и порядочность важнее.

* * *

Дочку Елизавету-Анну Ханга родила в Нью-Йорке, причем на десять дней раньше. И никого не успела предупредить, поскольку и у мамы в Чикаго, и у мужа телефон был отключен. А тут Ханге звонит ее любимый тренер Анна Владимировна Дмитриева, и молодая мама радостно сообщает: буквально пять минут назад, родила! Дмитриева перезванивает брату, телеведущему Владимиру Молчанову, а тот как раз идет на сцену получать ТЭФИ. Взял статуэтку и объявляет: у меня такая потрясающая новость, Лена Ханга дочку родила! Все зааплодировали - кроме мужа, который сидел в зале и совершенно обалдел. Он перезванивает: «Лен, почему я такие интимные новости должен узнавать последним от посторонних мужчин?!» Потом долго после этого веселились.

Кстати, муж Ханги Игорь Минтусов - известный политтехнолог, председатель совета директоров Центра политического консультирования. Забавный случай: недавно на одном из приемов подошел к Минтусову журналист и спрашивает: вот, вы с Хангой только разговаривали, у вас есть общий проект? Тот ответил мгновенно: да, и этому проекту уже шесть лет!

* * *

Дочку Елена безумно любит, поэтому и загружает по полной программе. Сначала список был вообще грандиозный: английский, музыка, теннис, шахматы, бассейн, рисование, танцы. Правда, по поводу шахмат, рисования и танцев Лиза жестко сказала «нет». Зато мама выиграла войну с теннисом, музыкой и английским. Говорит: это твоя работа, твой долг. Дочка спрашивает: а когда я закончу эту работу? Когда выйдешь замуж! Теперь семилетняя Лиза мечтает выйти замуж - ведь это спасет ее от занятий и тренировок.

Дочка вообще ее постоянно изумляет. Когда Лизе было четыре года, мама решила объяснить ей, что такое сострадание, и рассказала сказку про Золушку, как ее ненавидела злая мачеха. Потом спрашивает: ну что, тебе жалко Золушку? А она говорит: нет, не жалко! Ханга опешила: а почему? Лиза вздохнула и сказала: мама, это жизнь… И в самом деле, почему мачеха должна любить падчерицу?

Удивительно, но факт: наибольшей опасностью для Лизы знаменитая телеведущая считает именно телевизор. Потому давно купила устройство под названием «телевизионный цензор», который блокирует просмотр нежелательных программ. А таких, по мнению Ханги - подавляющее большинство.

* * *

Ханга очень счастлива в семье. Любимый муж, любимая дочка, проказник Джеки - йоркширский терьер. Просторная старинная квартира на Петровке. А каждая прогулка - огромная радость: Ханга обожает эти места. Старинный Новопетровский монастырь, Столешников переулок, где каждый дом - легенда…

Что еще? Иногда Ханга любит путешествовать с мужем по разным экзотическим странам - так чтобы часов двенадцать-пятнадцать лететь. Верит, что ей предстоит сыграть свой Уимблдон - в творчестве. А к жизненным победам и поражениям относится глубоко философски. Ее любимый библейский персонаж - царь Соломон, который в горе исполнялся оптимизма, а в случае большой удачи - грустил. И снова рассматривал свой перстень, на котором была надпись «И это пройдет…»

Для всеx, кому не довелось попасть на замечательный концерт гитариста Григория Горячева в прошлом году, у нас есть хорошие новости. В воскресенье, 11 апреля, состоится ещё одна «испанская ночь» в Русском культурном центре.

Прошлая «ночь» была, как и полагается, жаркой и темпераментной. Зрители пришли в восторг от виртуозного исполнения Григория - они буквально подпрыгивали на своих местах, отбивали ритм руками и ногами, кричали «Оле!».

Ленинградец Григорий Горячев начал свою музыкальную карьеру в девятилетнем возрасте и стал регулярно выступать в самых престижных залах Ленинграда, Москвы, Минска, Риги и других городов Советского Союза. О нём заговорили на страницах газет и журналов, стали транслировать выступления юного музыканта по телевидению.

В 1991 году Горячева пригласили выступить в ООН, в этом же году он получил приглашение от королевской семьи Исландии и совершил турне по скандинавским странам. В 1993 году Гриша представлял свой родной город на фестивале «Дни Санкт-Петербурга в Иерусалиме», а через год Владимир Спиваков пригласил его принять участие в международном фестивале во французском городе Комар, посвященном памяти Андреса Сеговия - выдающегося гитариста XX века, который первым стал выступать с симфоническим оркестром.

Гастролируя по Испании, Горячев был приглашен легендарным исполнителем и композитором музыки фламенко Пако де Лусия. Маэстро настолько понравилась игра Горячева, что он лично принял участие в его судьбе и поддержал его заявление о получении визы на въезд в США как особо одаренного музыканта.

Гриша приехал в Соединенные Штаты в 1997 году и поступил в бостонскую Консерваторию Новой Англии - одну из самых престижных консерваторий Америки. Здесь он продолжил свое занятие фламенко и страстно увлекся классической музыкой.

В мае 2005 года Горячев был удостоен специального приза за лучшее исполнение испанской музыки на VI Международном гитарном фестивале «Julian Arcás» в Алмерии (Испания). После этого музыкант принимал участие во многих престижных фестивалях испанской музыки. В 2006 году он был отмечен среди 30 других приехавших в Америку иммигрантов, достигших выдающихся успехов в своем роде деятельности.

Репертуар гитариста включает в себя классические соло, камерную музыку, гитарные концерты и, конечно же, сочинения в стиле фламенко таких известных композиторов, как Висенте Амиго, Маноло Санлукар и Пако де Лусия. К слову сказать, музыка Пако де Лусия обрела вторую жизнь в репертуаре Горячева. Он - один из немногих, кому подвластно исполнение требующих большой виртуозности произведений Пако де Лусия. Многие из этих сочинений существуют только в записи самого маэстро, которые были сделаны в 60-е гг. Григорий считает необходимым включать эти произведения в свои концерты, чтобы слушатели имели возможность наслаждаться очарованием живого исполнения.

Приглашаем всех поклонников страстного темпераментного стиля фламенко, а также классической и романтической гитарной музыки в Русской культурный центр «Наш Техас» на концерт Григория Горячева. Уверяем, вы получите истинное наслаждение!

Для любителей балета города Хьюстона фестиваль Dance Salad - всегда событие долгожданное. За три дня (1 - 3 апреля) можно увидеть все самое интересное, что происходит в мире современного балета в самых разных его направлениях. Среди танцевальных трупп, представляющих свои программы на фестивале - Королевский балет Фландрии, Норвежский национальный балет, женевский Ballet du Grand Théâtrе, Венгерский национальный балет, Compañia Nacional de Danza из Мексики, Нидерландский театр танца, Английский национальный балет, Texas Ballet Theater, дуэт Jacoby & Pronk (Нью-Йорк/Амстердам) и другие прославленные коллективы.

Королевский балет Фландрии был создан в 1969 и является единственным классическим балетом в Бельгии. Труппа знаменита своими оригинальными постановками балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и многими другими, в том числе «Impressing the Czar» Уильяма Форсайта. В этом году Королевский балет Фландрии получил в Лондоне престижную театральную премию имени Лоуренса Оливье за достижения в области танца «Outstanding achievement in Dance». Фламандцы привозят на Dance Salad балет европейской звезды Кристиана Шпука «Возвращение Улисса» на музыку Генри Пёрселла и Перри Комо, созданный специально по заказу труппы.

Театр танца Нидерландов - одна из наиболее широко признанных современных танцевальных компаний. Эта знаменитая труппа родилась в 1959 году. Истинный расцвет и всемирное признание труппа получила под руководством Иржи Килиана, который в 26-летнем возрасте начал ставить в NDT («Viewers», 1973), а через пять лет возглавил труппу и в течение 20 лет (1978-99) был её артистическим директором и главным хореографом. Один из наиболее талантливых балетмейстеров нашего времени, Килиан славится своим неоклассическим стилем - музыкально образным и причудливо текучим. Этот стиль сегодня стал целым направлением в искусстве танца. Вот почему спектакли NDT - это не только незабываемые встречи с интересным, прогрессивным и утонченным танцем, но и взгляд в завтрашний день. Представленная на фестивале «Toss of Dice» (2005 г) - пьеса Иржи Килиана для дюжины танцовщиков: одетые в черное, они формируют загадочные ансамбли и исполняют виртуозные соло под музыку Дирка Хобриша. На сцене царит гармония между картиной, скульптурой, звуком и танцем.

Балет Женевского гранд театра - одна из самых известных компаний в Европе - представит два великолепных примера современной хореографии: па-де-де из «Черного дрозда» («Blackbird») Иржи Килиана, на грузинскую народную музыку и монтаж «Loin» неподражаемого марокканско-фламандского балетмейстера Сиди Ларби Черкаоуи, известного хьюстонцам по прошлому фестивалю Dance Salad.

Фестиваль Dance Salad - одно из официальных мероприятий в рамках празднования 200 лет независимости Мексики, при поддержке Генерального консульства Мексики в Хьюстоне. По этому случаю La Compañia Nacional de Danza - одна из лучших танцевальных трупп Мексики, привозит на фестиваль работу «Miroirs» хореографа Марк Годдена на музыку Мориса Равеля. Причудливый, тонкий и поэтический, «Miroirs», по мнению критиков - один из лучших современных балетов и, без сомнения, лучшая хореография Годдена на сегодняшний день.

Театр техасского балета (Даллас) исполнит замечательное Па-де-де из недавно созданной работы Бена Стивенсона «From the Corner» на музыку Д. Шостаковича (Opus 23 #1). Хьюстонская премьера этого балета состоится именно на фестивале Dance Salad 1апреля.

Британец Бен Стивенсон по праву считается «отцом балета Хьюстона», художественным руководителем которого он был в течение 27 лет, начиная с 1976 г. Благодаря ему труппа Хьюстонского балета из маленького провинциального ансамбля превратилась в одну из крупнейших танцевальных компаний в стране. В 2004 г. Стивенсон принял пост художественного руководителя Театра балета Техаса в Далласе. За свой вклад в международное развитие балета Бен Стивенсон быв удостоен награды и звания Кавалера ордена Британской империи (O.B.E) в декабре 1999. Он известен как замечательный постановщик драматических балетов и также как выдающийся педагог.

Несомненно, самым главным событием фестиваля обещает быть выступление труппы Венгерского национального балета, который покажет очень «русскую» программу: отрывки из балетов «Анна Каренина» (постановка Lilla Pártay) и «Братья Карамазовы» легендарного российского хореографа Бориса Эйфмана.

Бориса Эйфмана называют выдающимся российским хореографом-новатором, продолжателем традиций Михаила Фокина, Фёдора Лопухова и Леонида Якобсона. Он создал уникальный современный балет, переведя условный язык балета на язык драмы. Мастер создал более 50 оригинальных балетов, многие из которых стали жемчужинами русской сцены. В своих спектаклях Эйфман обращается к важнейшим вопросам человеческого бытия, стремится проникнуть в тайны человеческой жизни.

«Братья Карамазовы» - балет на музыку С.Рахманинова, М.Мусоргского, Р.Вагнера по роману Ф.Достоевского, положивший начало тетралогии балетов по мотивам русской классической литературы, в которую также вошли спектакли «Анна Каренина», «Чайка» и «Онегин». Премьера балета прошла 10 октября 1995 года. В следующем, 1996-м за спектакль «Карамазовы» Борис Эйфман был удостоен премии «Золотой софит» в номинации «Лучшая постановка балетмейстера».

Критики отмечали, что автору удалось создать необычное действо - визуально притягательное, изысканное, выразительное по форме, как положено в настоящем балете, и глубокое по содержанию, волнующее так, как и должно волновать истиное искусство.
Эйфман ставит балеты по мотивам произведений литературы, опираясь на традиции, идущие ещё от Новера, великого французского балетмейстера, который двести лет назад ставил балеты по Гёте и Шекспиру

Балетмейстер - противник бессюжетных, абстрактных балетов, которыми в свое время прославился Баланчин. Высокую технику, лишенную содержания, он не признает. «Движение само по себе не значит ничего, - заявляет он в одном из интервью. - Прыгают же лошади, ну и что?» Он уверен, что балет может передавать и тончайшие нюансы человеческой психики, и высочайший накал трагедии, он может быть философским. Что и доказал в «Карамазовых». Для Эйфмана тема романа Достоевского - глубоко личная. «Когда-то я просто бредил Достоевским. Мне всегда очень хотелось найти адекватное воплощение уникального сочетания закрученного сюжета и глубочайшей философии», - признался балетмейстер.

«Братья Карамазовы» недавно стали частью репертуара Будапештского национального балета. Борис Эйфман осуществил постановку спектакля по приглашению директора балета Габора Кевехази. На фестивале Dance Salad мы увидим несколько сцен из спектакля в исполнении ведущих солистов театра - Levente Bajári, Krisztina Pazár, Aleszja Popova, Владимира Архангельского.

С 9 по 18 апреля в Хьюстоне пройдёт традиционный фестиваль независимого кино Worldfest. Среди многочисленных фильмов, представленных на фестивале, возможно, наших читателей заинтересуют следующие: «Сплетенные параллели» (Армения), режиссёр Ованес Галстян, «О, счастливчик!» (Россия), режиссёр Эдуард Парри, «Кислород» (Россия), режиссёр Иван Вырыпаев, «Ой-вэй, мой сын - гей» (США), режиссёр Евгений Афинеевский.

Ованес Галстян родился в 1969 году в Ереване. В 1995 году, окончив отделение кинорежиссуры факультета Культуры Армянского Педагогического института, получил диплом режиссёра художественных фильмов. В 1997 г. его сценарий «Горб и крылья» («Hump and Wings») был награжден премией Министерства культуры Армении.
Дебютом в кино явился короткометражный фильм «Я осмеливаюсь вспомнить» (1993 г.).

В 2003 написал сценарий к художественному фильму «Сплетенные параллели». В прокат фильм вышел только в 2009 году и был представлен на 31-м Московском международном кинофестивале. Среди наград фильма: Вторая премия за лучший художественный фильм на Международном кинофестивале в Торонто (2009 г.) и Приз за лучшую актёрскую игру (Лоранс Риттер за роль Лауры) на Втором Международном фестивале «East & West, Classics and Avant-garde» в Оренбурге (2009 г).

Любовная драма «Сплетенные параллели» связывает во времени судьбы матери и дочери. Действие происходит в Норвегии в конце Второй мировой войны. Ханна, муж которой участвует в Сопротивлении, предоставляет временное убежище сбежавшему военнопленному Аракелу. Появление незнакомца переворачивает жизнь Ханны. Свои противоречивые переживания и сомнения Ханна начинает описывать в дневнике. Далее события перекидываются в Советскую Армению, в 1988 год. Лаура, 42-летняя учительница математики, живёт одинокой и замкнутой жизнью. Кажется, ничто не может изменить устоявшийся порядок до того дня, когда к ней в руки случайно попадает дневник матери. Как только Лаура впервые узнает историю своих родителей, в её жизнь также врывается запретная любовь.

«Главной идеей фильма стала некая предначертанность судьбы, то, что передаётся от родителей детям, порой предопределяя их поступки и действия», - сказал о своём фильме Ованес Галстян.

Галстян поначалу написал сценарий о взаимоотношениях современного старшеклассника и его учительницы математики, замкнутой и одинокой женщины. Сценарий понравился знаменитому польскому режиссёру Кшиштофу Занусси, и тот поддержал проект. Норвежская актриса, Сири Хелене Мюллер исполнила роль Ханны Кнутсен, женщины, которая приютила беглого солдата. «Сири очень талантлива, и я верю, что судьба подарит мне ещё не один повод для встречи с ней на съёмочной площадке, - говорит Ованес Галстян. - Я также надеюсь, что наш фильм послужит для Сири Хелене трамплином для вхождения в европейский и мировой кинематограф».

Лоранс Риттер - исполнительница роли Лауры, журналист и писатель по профессии и француженка по национальности. Она прекрасно говорит по-армянски, и языковой барьер при съёмках фильма не возникал. «Мы снимали норвежские сцены в местечке под названием Фильм Камп Малтсельф. Эти места мне напоминали девственный рай. Чувство влюблённости в Норвегию живо во мне до сих пор», - признаётся режиссёр.

Надеемся, вас заинтересует фильм о параллелях между человеческими судьбами и между двумя далёкими странами - Арменией и Норвегией.

«О, счастливчик!» (2009г.) - авантюрная комедия режиссёра Эдуарда Парри о том, как в один прекрасный день обычному молодому человеку по имени Славик показалось, что жизнь его слишком банальна, непримечательна и лишена всяческого смысла. У него нет ни приличной работы, ни образования, ни девушки… Он решает свести счеты с жизнью, прыгнув с моста. Но неожиданно появляются два экстравагантных пожилых джентльмена, которые убеждают героя в том, что самоубийство - не выход. Вместо этого ему предлагают поменять cвою биографию и начать новую, якобы, благополучную жизнь. Но как только Славик избавляется от своих старых проблем, тут же появляются новые. Игра в «чужую» жизнь превращается в калейдоскоп абсурдных ситуаций и безумных приключений.

Молодой актёр Михаил Тарабукин - исполнитель главной роли - так говорит о своём герое: «Славик - бестолковый «кусок мяса», балбес без высшего образования. Это собирательный образ эдакого современного «прожигателя жизни», который только и занят тем, что валяет дурака. Неожиданная встреча с двумя неординарными «биографами» переворачивает жизнь моего героя. Но, примерив новую судьбу, Славик примерил и новые проблемы. Вокруг него закипает ураган страстей: горцы хотят насильно женить, ему угрожают, его соблазняют, шантажируют, преследуют. Мне было безумно интересно работать, ведь благодаря своему герою я постоянно находился в водовороте невероятных событий».

Всеми любимые актёры Владимир Меньшов и Сергей Шакуров снялись в фильме «О, счастливчик!» в весьма необычном амплуа. Они исполнили роли стариков-волшебников (они же старики-разбойники) Олега Генриховича и Константина Германовича. Не надо иметь семь пядей во лбу, чтобы догадаться, что образ героя Меньшова явно вызывает ассоциации с Элтоном Джоном, а Сергея Шакурова - с Боно, лидером группы U2. Причём Сергей Шакуров сам придумал образ своего героя: «Нас сначала одели в строгие «советские» костюмы, и меня это так возмутило, ведь история очень необычная, что я предложил поменять костюмы, сделать их фантасмагорическими», - признался актёр.
Ещё один блистательный актёр - Армен Джигарханян сыграл маленькую, но очень колоритную роль дедушки-горца.

Третий фильм, представленный на фестивале - «Кислород» (автор сценария и режиссёр Иван Вырыпаев) получил 3 премии российского фестиваля «Кинотавр» в 2009 году - за лучшую режиссуру, лучшую музыку и Премию гильдии киноведов и кинокритиков «Белый слон». «Кислород» - кино нового поколения, рассказанное современным языком. Десять клипов в стиле прозаического рэпа складываются в единую романтическую киноисторию.

Несколько лет назад спектакль «Кислород» Ивана Вырыпаева стал настоящим событием в театральной жизни России. Эта постановка получила множество призов и наград, участвуя как в российских, так и в зарубежных фестивалях. Вокруг спектакля было много шума, пресса и телевидение говорили о рождении нового театра, обладающего нетрадиционными формами и чертами. В 2009 году появился кинематографический вариант пьесы.

Иван Вырыпаев родился в 1974 г. в Иркутске. В 1995 г. окончил Иркутское театральное училище, отделение «Актёр драматического театра». Получил широкую известность и популярность в Европе как театральный драматург, режиссёр и автор оригинальных творческих проектов. По пьесам Вырыпаева поставлены спектакли в театрах 20 стран мира. Он автор фильмов «Кислород» (2009 г.), «Короткое замыкание» (режиссёр-постановщик одной из новелл, 2009 г.), «Эйфория» («Маленький Золотой лев» МКФ в Венеции 2006, Гран-при МКФ в Варшаве 2006, Специальный приз жюри Кинотавра 2006, Гран-при фестиваля восточного и центрально-европейского кино в Висбадене 2006).

Съемки фильма «Кислород» проходили в Москве, Серпухове, Лондоне, на Кубе, в Гонконге, Риме, Дамаске, Париже. В фильме задействованы все известные технологии: анимация, документальный фильм, хроника, художественный фильм, фотосъемка, компьютерная графика.

«Кислород» -это фильм, в котором идет речь о том, как два молодых, «прогрессивных», как сегодня принято говорить, человека пытаются сопоставить десять заповедей со своей собственной жизнью.

Режиссёр считает, что героем этого фильма является текст, и вся задача состоит в том, чтобы этот текст ПРОЗВУЧАЛ. Все остальные компоненты фильма, актеры, декорации, костюмы, страны - все работает на то, чтобы текст «попал в зрителя». Этот текст содержит в себе вопросы, возникающие у определённого поколения - 28-30-летних людей. Эти люди задают вопросы, социальные, политические, религиозные, духовные. Авторы фильма хотели, чтобы текст породил не только интеллектуальный, но и эмоциональный вопрос у зрителя, чтобы человек мог сказать: «Да, меня это волнует, эта история про меня».

«Сегодня 10 заповедей превратились для нас в рутину. Мы больше не воспринимаем их как настоящее. Мы слышим их как риторику… Каждый философ и каждый художник, живущий на этой земле, вынужден каждый раз заново напоминать нам всем, что мы должны снова для себя оживлять эти заповеди», - говорит режиссёр фильма Иван Вырыпаев.

В главных ролях снялись Алексей Филимонов и Каролина Грушка. Каролина родилась в 1980 году в Польше. Участвовала в более чем 30 проектах в кино, театре, ТВ и на радио. В 2003 году окончила Театральную Академию в Варшаве. Играла ведущие роли в театре: «Бесы», «Вишневый сад», (Театральная Академия в Варшаве); «Три сестры» (Театр Полония); «Власть», «Тартюф» (Театр «Народовы»). Награждена премией «Лучшая актриса» на ХХХ Кинофестивале в Польше, г. Гдыня. Среди фильмов: «Inland Empire»/Внутренняя империя» (реж. Д. Линч, 2006 г.), «Русский бунт» (реж. А. Прошкин, 1999 г.), «Момент истины», реж. В.Пташук, 1999 г.).

Алексей Филимонов родился в 1981 году в Иркутске. Окончил Российскую Академию театрального искусства, режиссёрский факультет (актёрская группа). Роли в кино: «Короткое замыкание» (2009г.), «Я» (реж. И. Волошин, 2009г.), «Бумер. Фильм второй» (реж. П. Буслов, 2006 г.).

«Ой-вэй, мой сын - гей» - дебют Евгения Афинеевского в качестве кинорежиссёра. Эта лёгкая, динамичная семейная комедия снята в США. Фильм поднимает вполне серьезный вопрос - кто платит за свадьбу, и чья семья дает приданое, чтобы не нарушить обычаи? Несмотря на все перипетии, любовь всегда остается любовью, а родители продолжают любить своих детей, невзирая ни на что.

В фильме участвуют как известные актёры, например, Сол Рубинек или Кармен Электра, так и дебютанты. Отбор актёров был очень жёстким, и выбраны были лучшие из лучших. По мнению режиссёра, мягкий юмор помогает достичь намного более эффективных результатов в борьбе за лучшее общество, чем многие серьёзные, энергичные протестные выступления.
Расписание показов на фестивале:

«Сплетённые параллели» - среда, 14 апреля, 7:00 вечера; суббота, 17 апреля, 7:00 вечера

«О, счастливчик!» - вторник, 13 апреля, 9:00 вечера

«Кислород» - четверг, 15 апреля, 5:00 вечера; суббота, 17 апреля, 3:00 дня

«Ой-вэй, мой сын - гей» - четверг, 15 апреля, 7:00 вечера; воскресенье, 18 апреля, 3:00 дня.

В Хьюстоне с нетерпением ожидают премьеры оперы П.И. Чайковского «Пиковая дама» в постановке Ричарда Джонса и Роя Ралло на сцене HGO.

Для русскоязычных любителей оперы это событие интересно вдвойне. Помимо факта, что будет показана одна из величайших опер в мировом оперном репертуаре, в постановке примут участие четверо блистательных российских певцов.

В роли Германа выступит Владимир Галузин, для которого эта партия является визитной карточкой его репертуара. Знаменитая российская сопрано Татьяна Моногарова исполнит роль Лизы, меццо-сопрано Мария Маркина - роль Полины, баритон Василий Ладюк -споёт партию князя Елецкого.

Владимир Галузин по праву считается одним из выдающихся российских теноров и одним из лучших оперных артистов современности. Он солист Мариинского театра (1990г.), Лауреат российской оперной премии «CASTA DIVA» за 1999 год (в номинации «Певец года» за роль Германа , «Пиковая дама», Мариинский театр), Народный артист России (2007г.), Почётный доктор Национального университета музыки Бухареста (2007г.).

Владимир Галузин известен как лучший исполнитель партий Отелло и Германа, которые спел на сценах большинства оперных театров Европы и США. В качестве приглашенного артиста Владимир Галузин выступает в Нидерландском оперном театре, Королевском оперном театре Ковент-Гарден, Опера Бастиль, Лирической опере Чикаго, Метрополитен-опера и различных оперных театрах Вены, Флоренции, Милана, Зальцбурга, Мадрида, Амстердама, Дрездена и Нью-Йорка. Он также является частым гостем на международных фестивалях в Брегенце, Зальцбурге (Австрия), Эдинбурге (Шотландия), Мончеррато (Испания), Вероне (Италия) и Оранже (Франция).

В 2008 году Владимир Галузин дал сольный концерт на сцене Карнеги-холл и на сцене оперного театра Нью-Джерси.

Певец принимал участие в записях опер «Хованщина», «Садко», «Огненный ангел» и «Псковитянка», осуществленных оркестром и оперной труппой Мариинского театра (звукозаписывающие компании Philips Сlassics и NHK).
На сцене хьюстонской Гранд-оперы Галузин пел партии Калафа («Турандот», 2002г.), де Грие («Манон Леско», 2006 г. ) и Канио («Паяцы», 2008 г.).

Сопрано Татьяна Моногарова в 1989 году закончила обучение в Российской Академии искусств в классе вокала у Тамары Янко. С 1989 по 1991 была солисткой Геликон Оперы в Москве, а с 1991 по 2001 - солисткой Московского музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко.

Голос и обаятельный облик артистки, будто сошедшей с картин эпохи Возрождения, самой природой предназначены для воплощения характеров романтических героинь, таких, как Татьяна, Лиза, Дездемона, Мими. Певица так же убедительна и технически сильна в партиях моцартовских опер - Графиня, Донна Анна. Её актерский талант восхищает не менее, чем певческий. Естественность и искренность выражения, интонационное богатство и особенная теплота тембра, свойственные ей, трогают слушателя и заставляют его сопереживать.

Т. Моногарова выступала в Wiener Kammeroper (Татьяна в «Евгении Онегине» и Графиня в «Свадьбе Фигаро» ), в Венеции в Teatro La Fenice (Ксения в «Борисе Годунове»), в Латвийской Национальной опере (Татьяна и Мими). В 2000 - 2002 г.г. с успехом исполняла Татьяну в оперном театре Граца, Лизу в l’Opéra de Nantes, в Bayerische Staatsoper München, в Teatro Comunale di Bologna, в оперных театрах Модены и Феррары в Италии. Блистала в партии Донны Анны на оперном фестивале в Глайндборне (2002), в Stadt Theater Bern (2002). Роль Лизы в «Пиковой даме» будет дебютом певицы на сцене хьюстонской Гранд-оперы.

Баритон Василий Ладюк с отличием окончил Московское хоровое училище им. А.В. Свешникова (1997 г.) и Академию хорового искусства им. В.С. Попова (вокальный и дирижерско-хоровой факультеты, 2001 г.). В 2004 г. окончил аспирантуру Академии в классе профессора Д. Вдовина. В дальнейшем совершенствовал вокальную технику и овладевал основами оперного искусства в мастер-классах прославленных специалистов театров Ла Скала, Метрополитен-опера, хьюстон Гранд-опера (2002-2005 гг.). С 2003 года Василий Ладюк - cолист театра Новая Опера, а с 2007 года - приглашенный солист Большого театра России.

Василий Ладюк выступает на таких сценах, как Большой театр, Мариинский театр, театр Лисео в Барселоне, бельгийская Королевская опера Ля Монэ, Опера Гарнье в Париже, Ла Скала в Милане, Театр Ла Фениче в Венеции и Театр Реджио в Турине, Метрополитен-опера и хьюстон Гранд-oпера (США).

Репертуар Василия включает в себя партии Онегина («Евгений Онегин» П.И. Чайковского), Роберта («Иоланта» П.И. Чайковского), Фигаро («Севильский цирюльник» Дж. Россини), Папагено («Волшебная флейта» В.А. Моцарта), Жоржа Жермона («Травиата» Дж. Верди) и многие другие.

В. Ладюк - обладатель Гран-при и приза зрительских симпатий Международного конкурса им. Франсиско Виньяса в Барселоне (Испания, 2005), лауреат Международного конкурса «Operalia» в Мадриде (Испания, 2005, I премия), лауреат молодежной премии «Триумф» в области литературы и искусства (2009).

В этом году Василий Ладюк дебютирует в роли Елецкого в хьюстонской Гранд-опере.

Меццо-сопрано Мария Маркина - солистка московской Новой оперы и выпускница студии HGO. Её карьера в Хьюстоне началась с победы на конкурсе молодых певцов имени Eleanor McCollum в 2006 году. Певица хорошо известна зрителям по ролям Маддалены в «Риголетто» Верди, Лолы в «Сельской чести» Масканьи, Гензеля в «Гензель и Гретель» Хумпердинка и по другим постановкам HGO, включая сценическую кантату Теофанидиса «The Refugee». Сегодня Мария Маркина - солистка Гамбургской Штатс-оперы.

31 марта в Русском культурном центре «Наш Техас» состоялась встреча-презентация оперы «Пиковая дама». В тот вечер зал RCC был полон. Зрители буквально засыпали вопросами молодых певцов Марию Маркину и Василия Ладюка, пришедших на встречу. Певцы с удовольствием рассказали о себе, поделились фактами творческой биографии и сотрудничества с другими солистами, коснулись своего отношения к опере Чайковского и к работе на сцене HGO.

Кроме Марии и Василия, гостем RCC стал драматург HGO Колин Юре. Он вдохновенно рассказал о постановке Ричарда Джонса, которая впервые увидела свет 15 лет назад в театре Национальной оперы Уэльса и была уже поставлена в Болонье, Осло, Брюсселе и Сан-Франциско. Для хьюстонской оперы эта постановка новая. Хочется надеяться, что каждый пришедший в оперу найдёт для себя очарование знакомых музыкальных тем, а также откроет новый взгляд на шедевр Чайковского.

ШКОЛА ОПЕРНОГО ЗЛОСЛОВИЯ
(предисловие авторов)

Дорогие читатели, являясь горячими поклонниками оперного жанра, мы не раз вели споры, обсуждая ту или иную постановку хьюстонской Гранд-оперы. Признаться, наши взляды на многие аспекты оперного театра разнятся, но после просмотра оперы П.И. Чайковского «Пиковая дама» на сцене HGO мы были единодушны в своём мнении о постановке.

«Пиковая дама», на которую мы возлагали большие надежды и которая по всем признакам обещала стать лучшей оперой сезона, оказалась худшей. Вопиющее несоответствие между замыслом композитора, прекрасной работой выдающихся певцов с одной стороны и поистине кошмарной сценографией с другой, даёт нам право высказать наше мнение. Мы не могли остаться равнодушными к факту намеренного издевательства над традициями русской оперы и над здравым смыслом и решили перенести наш диалог на страницы газеты. Мы считаем, что не в праве молчать и открываем совместную рубрику «Школа оперного злословия».

Ольга Вайнер: «Мне страшно» - эта фраза, звучащая в опере Чайковского несколько раз из уст разных персонажей и являющаяся смысловым лейтмотивом оперы, как нельзя точно воспроизводит впечатление о постановке Ричарда Джонса и Роя Ралло. Посудите сами - действие происходит в условиях, схожих с концлагерными. Кругом разруха и темнота. Ни малейшего намёка на время и место действия, массовка одета в серое, равно как и главные герои. Во время дуэта Лизы и Полины барышни-гостьи лениво катаются по полу, как тюлени. Во время арии Лизы «Откуда эти слёзы» Герман проползает по крыше, а после поёт «Прости небесное созданье», высунувшись из окна в потолке. Всё тот же Герман застаёт старуху-графиню полуобнажённой, сидящей в ванной (там же она и умирает). Призрак Графини является главному герою в виде гигантского скелета, выползающего из-под простыни. Лиза совершает самоубийство, не бросившись с моста в реку, а надев на голову полиэтиленовый пакет.

Но верхом эпатажа была сцена в игорном доме, где князь Елецкий пил водку из горлышка бутылки, а граф Томский откровенно тискал и шлёпал по заду некоего субъекта, одетого в женскую одежду. Здесь-то у иных зрителей не выдержали нервы, и они закричали: «ФУУУУУ!». Поистине страшная и нелепая картина. Шедевр мировой оперной музыки превращён в фарс.

Марк Зальцберг: Я был на всех репетициях и имел возможность беседовать с постановщиком и с певцами подолгу, пытаясь понять смысл происходящего. Хористы, которые знают меня не первый год., спрашивали: «А что у вас в России и вправду так всё бедно и серо?». И действительно. Вот вам пример: в комнате Графини, которая в Париже швыряла миллионами - ободранные обои. Да в таких декорациях надо ставить «Богему», но никак не «Пиковую даму»!

О.В. У адекватного зрителя, коим, надеюсь, являемся мы с Вами, возникает чувство, что режиссёр находится во власти скверных стереотипов, а именно, что Россия - это обязательно бедно, серо и грязно, и все русские, невзирая на положение в обществе, пьют водку прямо из бутылок. Возникает вопрос: а знаком ли человек с материалом?

М.З. Неужели Вы думаете, что он не знаком с классическими постановками, которые можно найти в любом музыкальном магазине? Допустим, это и так. Другое дело, существует опера итальянская, французская, немецкая, русская. Чем руководствовались постановщики, которые сделали всё возможное, чтобы из «Пиковой дамы» изъять какую бы то ни было связь с Россией? Русская опера всегда трепетно придерживалась места и времени, к которому относилось действие - костюмно, декоративно, обстановочно. В данном случае постановщики от этого отказались и сделали вместо русской оперы - «никакую», то есть оперу, в которой действие могло происходить в любом месте, начиная с Тимбукту и заканчивая Канадой.

О.В. В то же время всё тот же адекватный зритель жаждет видеть Медного всадника и сцену у Канавки. Увы, вместо одной Канавки на сцене - три скамейки…

М.З. Происходящее на сцене не соответствует тексту, например, Лиза говорит: «Встретимся на набережной», а никакой набережной и нету. И это не единственный пример.

О.В. Но оставим место действия и обратимся ко времени. На время зрителю в опере указывает очень многое, начиная с музыкального материала - многочисленных стилизаций музыки 18 века и заканчивая приветственным гимном царице.

М.З. Более того, мы с Вами знаем, что в опере звучат стихи Державина (в песенке Томского), а в этой постановке она звучит из уст пьяного расхристанного кавалергарда. Ещё пример: царица приезжает во дворец богатого вельможи (Графини или её сыновей и внуков), а там по стенам ползёт плесень, обои ободраны, отсутствуют окна и стоит железная кровать. Вместо спектакля-пасторали на балу гостям показывают кукольный театр, которому там не место. На мой вопрос режиссёру: «Почему так?», я получил ответ «А так интереснее».

О.В. Я считаю, что кукольный театр был не самым худшим моментом в опере. Его-то как раз можно рассматривать, как часть домашнего представления с пением, некий иной род развлечения.

М.З. Смысл этой сцены совсем в другом. Дело в том, что в те времена подобные балы были «выставками невест». Девушки, которым выписывали учителей пения из Италии, потому что русские аристократы были богаче самого царя, демонстрировали своё умение перед будущими женихами. И куклы здесь совершенно ни при чём. Я считаю это нелепым. Владимир Галузин в разговоре со мной признался: «Я спел 100 «Пиковых дам» в Европе. Только одна постановка была классической, все остальные были такие, как здесь».

О.В. Меня не покидала мысль о том, какое унижение, дожно быть, испытывает Владимир - лучший исполнитель роли Германа в мире - вынужденно участвуя в сцене со скелетом. Интересно, что сказал режиссёр по поводу явления скелета в постели?

М.З. Сам факт он никак не прокомментировал, но на вопрос: «Как это Графиня, только вчера похороненная, лишилась всей своей плоти и превратилась в скелет?» - режиссёр ответил: «У Вас странное чувство юмора».

О.В. Зато чувство юмора у зрителей было вполне адекватным: при виде скелета в постели Германа, зал начал покатываться от смеха - и это в одном из самых драматических моментов оперы!

Я считаю ,что певцам не повезло участвовать в этом балагане, за исключением, пожалуй, Марии Маркиной - исполнительницы роли Полины. На долю её героини не выпало ни одной нелепой сцены и от неё не требовали безумств. И поэтому зрители могли по достоинству оценить красоту голоса певицы. Ариозо «Подруги милые» Маркина исполнила превосходно.

М.З. Да, но при этом её заставили танцевать на кровати. А ведь дальше поётся «Барышням вашего круга надо приличия знать». Речь идёт о высшем сословии. Не представляется возможным, чтобы дворяне скакали по кроватям. А как девушки были одеты! Как нищие! Кстати, некоторые певцы, включая Галузина, признаются, что когда они одеты в костюмы, не соответствующие образу, то петь у них получается не так хорошо, как они могли бы.

О.В. Кроме четырех русских солистов, мне бы хотелось отметить пение Томаса Томассона, исполнявшего роль Томского. Голос у певца ровный, сильный, русский язык - безукоризненный.

М.З. У меня есть претензии к трактовке образа. В роли Томского можно продемонстрировать столько оттенков, столько юмора, сарказма! Этого не было.

О.В. Я согласна. Томский получился мрачный, даже где-то демонический, чего в опере у Чайковского в помине нет. Ну и конечно поведение персонажа на сцене было непристойным.

М.З. А вы посмотрите на всех, собравшихся в игорном доме. Разве это знать, разве это кавалергарды и князья? Нет, это ватага грузчиков. Один пьяный Елецкий чего стоит!

О.В. Как бы Василий Ладюк - певец с красивым голосом и прекрасными внешними данными, идеально подходящий для этой роли, сыграл князя Елецкого, если бы не произвол режиссёра! Если бы только ему дали сыграть именно ту роль, которую задумал автор, насколько ярко раскрылся бы певец!

М.З. А Татьяна Моногарова - Лиза, которую заставили прыгать по скамейкам, как девчонку-хулиганку? Разве это образ, который рисует музыка Чайковского? Вот опять-таки несоответствие между тем, что героиня поёт, и тем, как она себя ведёт на сцене.

Я полагаю, что все русские певцы были оскорблены.

О.В. А что касается нерусских? Скажем, Джудит Форст, которая пела Графиню?

М.З. Она была тоже в ужасе - ей поручили роль какого-то ходячего трупа, хотя по репликам Графини можно судить, что эта женщина всё ещё была полна силы и власти. Перед ней трепещут. А вместо этого приживалки силой заталкивают её в ванну, куда ещё и наливают холодную воду. Я спросил режиссёра : «Зачем вода?» Он сказал: «Я хочу, чтобы Герман брызнул воду в лицо Графини, чтобы убедиться, что она мертва». Неужели музыка его в этом не убеждает? В результате уже на третьем ряду зрителям эти брызги видны не были, потому что на сцене было темно, но зато бедная Графиня держала ноги в холодной воде. Такое могли придумать только странно мыслящие постановщики.

О.В. Многовато их для оперы, где должен быть всего один сошедший с ума. Хотя как раз Герман на фоне всего происходящего выглядит не более безумным, чем все остальные персонажи.

М.З. Наш диалог начался с фразы «Мне страшно». От себя лишь скажу: «Мне тоже». Хочется задать вопрос постановщикам: «Кто вы такие, что считаете, что Чайковский хуже вас знал, как ставить его собственную оперу?» Замысел оперы изложен в дневниках и письмах Чайковского досконально. Но вряд ли это хоть как-то заинтересовало тех, кто ответственен за то, что творится на сцене HGO. Представьте себе: зритель приходит на одну-единственную оперу в полной уверенности, что ему показывают типичную постановку оперы Чайковского. И что он видит? Получается, что режиссёр обманывает зрителя, который, как правило, не знаком с русской культурой и принимает всё происходящее на сцене за чистую монету. Я уверен, что зритель, приходящий в театр один раз в жизни, должен видеть оригинал, а не подделку.

О.В. Мы намеренно не коснулись исполнительских аспектов. Владимир Галузин, равного которому в партии Германа нет, Татьяна Моногарова - одна из ведущих российских певиц, блестящие молодые солисты Мария Маркина и Василий Ладюк, именитые Джудит Форст и Томас Томассон - все пели великолепно. Но стоит ли приходить в оперный театр в повязке на глазах, чтобы не портить впечатление от гениальной музыки и полностью игнорировать пошлую постановку? Опера ведь - синтетический жанр. На этот вопрос каждый должен ответить себе сам.

М.З. Мы искренне надеемся, что в нашей опере в будущем не состоится ни одной постановки, которая настолько возмутила бы зрителя.

До встречи в опере.

Чем занимаются юноши в шестнадцать неполных лет? Секс, рок-н-ролл, наркотики, стихи, алкоголь. Желание показать устаревшему и глупому миру, что ты тоже чего-то стоишь и можешь запросто перевернуть его вверх тормашками.

Илья Глазунов абсолютно откровенно сказал мне: в шестнадцать он решил уйти в монастырь. Юноша приехал в послевоенный Ленинград из эвакуации, оставшись круглым сиротой - во время блокады он потерял папу, маму, бабушку, тетю, дядю… И через несколько дней отправился в пустынь. Но старец-монах сказал: к нам приходят люди, которые уже прожили свою мирскую жизнь. У тебя она еще впереди. Иди и возвращайся в мир. Найди в себе силы, чтобы жить.

После первой же выставки Глазунова в ЦДРИ ему влепили тройку за диплом, а саму выставку назвали «ударом ножа в спину соцреализма». Разумеется, о Глазунове тут же заговорили вражеские голоса. А его учитель, Борис Иогансон, вице-президент советской Академии художеств, стал всем объяснять, что Глазунов - это «недоучившийся студент, возомнивший себя новоявленным гением, который является проводником тлетворного влияния Запада». Хотя при этом побывать на самой выставке не удосужился - и, вообще, до этого долгое время считал Глазунова своим самым любимым учеником.

ххх

Глазунов с юной женой Ниной сначала жили в ванной у Лили Яхонтовой, а потом их приютил друг художника, Том Колесниченко. Когда его отец не приходил ночевать, тогда они спали, как короли, на кровати. Но в восемь, перед работой он мог заехать домой, так что приходилось вскакивать в полвосьмого, чтобы замести следы и навести минимальный порядок. А потом супруги перебрались в кладовку два на два. Там помещалась только раскладушка, на которой спала Нина, а Глазунов - на полу, постелив газеты.

Глазунов честно признается, что выглядел тогда, как самый настоящий бомж. Работал грузчиком, нанимался в бойлерную. Получал четыре рубля за ночь… Художник так бы и не получил прописки, если бы за него не заступился Сергей Михалков. Ему для этого пришлось танцевать вальс с Фурцевой в новогоднюю ночь.

ххх

Когда в 1964 году в Риме состоялась выставка Глазунова, куда его пригласили Феллини, Висконти и Джина Лоллобриджида, художнику дали выставиться в Манеже. Каждый день стояли длиннейшие очереди, но уже через пять дней выставку благополучно закрыли - после статьи партбюро МОСХа, в которой разгневанные деятели вопрошали: мол, как же он мыслит свое участие в строительстве коммунизма? Кстати, в Манеж Глазунов попал, только потому что это было единственное место, не находящееся под контролем Союза художников.

Уже через много лет, будучи мэтром, Глазунов, выставляясь в Манеже, отдал половину молодым художникам, своим ученикам. Один журналист говорит: он так сделал, потому что ему самому выставлять нечего. Глазунов это услышал, взял его за локоть, отдернул занавеску хранилища и сказал: смотри, сволочь, здесь моих работ еще на три Манежа! Я добровольно отдал Манеж молодым, которые так долго еще его не получат!

ххх

Глазунова упорно не принимали в Союз художников, не давали заказов, и он перебивался случайными заработками, рисуя иллюстрации к книжному приложению журнала “Огонек” и рискуя запросто загреметь на 101-й километр за тунеядство. В газетах писали, что Глазунов подрывает основы социалистического реализма. А потом вдруг президент Финляндии Урхо Кекконен захотел, чтобы художник нарисовал его портрет. Большому другу Советского Союза отказать не могли. Затем последовали обращения Лоллобриджиды, Висконти, Феллини. Так Глазунов стал ездить заграницу, писать портреты - один, без жены, которую не выпускали. А потом Брежнев собрался в Индию и решил сделать Индире Ганди подарок, поручив народному художнику СССР Дмитрию Налбандяну изобразить индийского лидера. Тот написал, но Ганди картина не понравилась, она вернула ее со словами: «Я не армянка». Тогда в Министерство культуры вызвали Глазунова. Фурцева сказала: «Немедленно собирайтесь в Индию!» Тот ответил, что без жены на этот раз не поедет. Пришлось отпускать с супругой…

Глазунов нарисовал такой портрет, увидев который Ганди зарыдала - на чьем-то чужом плече. Сейчас картина находится в национальном музее в Нью-Дели.

ххх

Когда Брежнев узнал о реакции Индиры Ганди, то сказал: «Почему Глазунов буржуазию пишет, а мне семьдесят лет скоро, я тоже хочу!»

Художника тут же нашли, он говорит: чтобы портрет написать, надо хотя бы четыре раза попозировать. Ему говорят: хорошо, но сначала мы дадим вам фотографию. Глазунов поработал с фото и отдал незаконченный портрет на просмотр. Через три дня звонок: сердечно поздравляем, товарищ Глазунов! Леониду Ильичу очень понравился ваш портрет. Он даже унес его домой.

Глазунов изумился: простите, но он же не закончен! Нет-нет, - отвечают ему, - Леонид Ильич сказал, что больше ничего не надо, иначе Глазунов все испортит. К юбилею Брежнева портрет был опубликован везде, где только можно.

На него сразу друзья набросились: ну расскажи, как тебе Брежнев! А Глазунов-то его так ни разу и не увидел…

ххх

В шестидесятых годах Глазунов был дружен с Евтушенко. Во время первой выставки тот написал Глазунову очень трогательную, восторженную записку. Но однажды Евтушенко пришел в гости к Глазунову со своей второй женой Галиной Лукониной, и художник показал им несколько икон, которыми заколачивали окна в свинарнике. Говорит: нужно срочно создавать общество охраны памятников. Галина была очень раздражена: это попахивает шовинизмом! И их пути разошлись. А через двадцать лет Евтушенко написал о своем «бывшем друге», который всем рисует «одинаковые глаза». Глазунов тогда очень обиделся. И до сих пор цитирует слова Сергея Михалкова: «попробуйте, вставьте глаза князя Мышкина с картины Глазунова в глаза вьетнамского ополченца с картины того же Глазунова. Если совпадут, значит, вы правы». И еще: «по блату можно пригласить написать портрет. Но нельзя написать портрет по блату».

ххх

Одна из самых известных и скандальных картин Глазунова - «Мистерия XX века», написанная в 1976 году. Там среди 54 персонажей изображены Иисус Христос, Ленин, Лев Толстой, Сталин, Хрущёв, Солженицын, Гитлер. Когда художник попытался выставить картину в зале на Кузнецком мосту, приехала огромная комиссия: «Что это такое? Ленин изображён как Сатана, Сталин в луже крови… А если вы не уберёте матёрого врага советской власти Солженицына и не замените его на образ Леонида Ильича Брежнева, картина никогда показана не будет». Глазунов отказался что-либо переделывать. В мировой прессе разразился грандиозный скандал. В Политбюро долго думали, как наказать строптивца. И вот кто-то из идеологов Кремля сказал: «Может, хватит плодить диссидентов? Давайте лучше вышлем Глазунова в Сибирь. Пусть едет на БАМ и рисует портреты строителей. Как долго он там будет в глухой тайге - мы решим». Художника заставили уехать в один день. На БАМе он создал много работ. А «Мистерия ХХ века» была выставлена только в начале перестройки.

ххх

Очень часто Глазунов страдал из-за своей резкости - ведь в выражениях он никогда не стеснялся. Когда Горбачев собрался в Испанию, он хотел подарить королю картину Глазунова. А Илья Сергеевич накануне поездки осмелился публично, с телеэкрана назвать Ульянова-Ленина крупнейшим преступником двадцатого века, чем вызвал страшный гнев. “Он нашего вождя полощет, а мы его картинки дарить будем? Исключено!” Конечно, Горбачев портрет не взял. Ну и что? Глазунов съездил в Мадрид по приглашению Хуана Карлоса и лично передал картину Его Величеству. И еще стал почетным академиком Испанской академии художеств, которую когда-то возглавляли Гойя и Веласкес.

ххх

Еще в советские времена Глазунов работал над картинами в прекрасном костюме от Кардена. Он всегда хотел быть элегантным и ненавидел малейшую расхлябанность. И на мое удивление по этому поводу цитирует Бальзака: «У писателя до бритья и после бритья в голове разные мысли».

ххх

Довоенное детство художника пришлось на мрачные сталинские годы. Одними из самых страшных слов были «Троцкий» и «троцкизм». Глазунов вспоминает, как его отец, придя как-то домой, положил перед ребенком коробок спичек - точно такой же, как тот, что был у них на кухне. И говорит: Илюша, попробуй найти в нарисованном на коробке пламени профиль человека с бородой. Сын повертел и так и сяк, но ничего не увидел. Вошла мама и заинтересовалась: Сережа, в чем смысл твоего ребуса? И отец сказал: а в том, что за эту наклейку директора спичечной фабрики на днях арестовали, как троцкиста…

Перед войной семья Глазуновых снимала дачу под Лугой. И он прекрасно помнит, как однажды ночью в дом пришли черные люди арестовывать хозяйку, обычную крестьянку с приятным некрасовско-русским лицом. Ей дали семь лет лагерей за то, что в глухом лесу накосила мешок травы для козы. Потом, в конце сороковых, Илья Сергеевич снова приезжал в эту деревню и останавливался у той же хозяйки, отсидевшей в ГУЛАГе отмеренный срок. Она никого не ругала за поломанную жизнь, не обвиняла советскую власть…

ххх

Дед Глазунова был почетным гражданином Царского Села, а прапрадед воспитателем императора Николая Первого. По сей день Илья Сергеевич считает Павловск красивейшим местом на свете. Мальчик рос в семье потомственных дворян, два века живших в Петербурге. Мама мечтала, что ее сын станет художником. И пятилетний мальчик пошел в детскую школу искусств «в садике Дзержинского» на берегу Невки, размещённую в бывшей вилле графа Сергея Юльевича Витте. А потом его приняли в первую художественную школу на Красноармейской улице. И мама была счастлива, когда в журнале «Юный художник» похвалили композицию Ильи «Вечер» - за наблюдательность и настроение. Одновременно Глазунов пошёл в школу, находившуюся напротив дома на Большом проспекте Петроградской стороны. Накануне мама проплакала весь вечер, а дядя утешал её: «Что ты так убиваешься, не на смерть же, не в больницу!» Понижая голос, мать возражала: «Они будут обучать его всякой большевистской мерзости. Он такой общительный… Чем это всё кончится? Ильюшиного детства жалко».

Кстати, в эвакуации, в деревенской глуши, где не было карандашей, Глазунов тоже рисовал - угольком, и две работы тех лет чудом сохранились. А все остальное исчезло в Петербурге. Художник тогда скитался, и картины хранились в гараже отца жены Нины. А когда он умер, новые владельцы гаража все картины просто-напросто сожгли.

ххх

В шестнадцать лет, когда Глазунов учился в средней художественной школе при институте имени Репина, он вместе с одноклассниками участвовал в конкурсе на лучший портрет Сталина. Все изобразили вождя народов в ссылке, на кремлевских приемах, повторяя известные картины. И только Глазунов изобразил Сталина за работой в своем кабинете. Преподаватель очень его хвалила, отметив оригинальность сюжета, удачную режиссуру света, правильную тональность. Вскоре в школу нагрянул в полном составе президиум Академии художеств. Обратили внимание на картину Глазунова, похвалили и отбыли восвояси. А через несколько месяцев одноклассник говорит Илье: поздравляю, ты получил Государственную премию! Что за глупая шутка! - возмутился Глазунов. А тот показывает журнал с репродукцией очередного сталинского лауреата, академика Р., члена Президиума Академии. Картина называется «Сталин в кабинете»…

ххх

За всю свою долгую творческую жизнь Глазунов только несколько раз брался работать на заказ. Вот как-то решили всерьез реконструировать Кремль, избавиться от уродливых казенно-серых обкомовских интерьеров. Устроили конкурс эскизов, отбирала лучший проект комиссия во главе с Ельциным. Тому очень понравились работы Глазунова, и художник делал 14-й корпус и Большой Кремлевский дворец, творение великого Тона. Для Ильи Сергеевича БКД связан с именем Николая I, по чьему заданию строился дворец. «Я люблю Николая - он раздавил декабристов, этих “носителей счастья и свободы”, а по сути детей якобинцев, которые устроили бы в России страшную резню. Государь на сто лет задержал революционеров», - объясняет Глазунов…

ххх

Глазунов твердо убежден, что будущее - исключительно за реалистическим искусством. А вот авангард, формальные изыски - все это давно устарело. «Бог создал человека по своему Божьему подобию, - объясняет Илья Сергеевич. - И тот, кто искажает это подобие, тот бунтарь против Творца. Какое у меня может быть к этому отношение? Когда я вижу на портрете, что у человека ухо на затылке, восемь пальцев, а глаз - на лбу, я считаю это сатанизмом. Разве квадрат - это искусство? Любой ребенок его нарисует, даже без линейки!

«Чёрный квадрат» - это хулиганство, профанация. Не понимаю, как может директор Русского музея Гусев утверждать, что Малевич - чуть ли не лучший художник всех времён и народов?! Можно взять в раму и знак дорожного движения «кирпич», обозначающий «проезда нет», и писать огромные монографии о зове космоса, о том, что красное - это кровь. Словоблудничать, возможно, даже получать премии в разных номинациях… А это просто «кирпич». Король-то гол!»
Авангардистов Глазунов ненавидит пламенно, всей душой. Напоминает, как Маяковский предлагал Эрмитаж отдать под макаронную фабрику, а Малевич - уничтожить все музеи, «гробницы искусства». Дали вообще считает безумцем-шизофреником. А то, что авангард завоевал весь мир, называет свидетельством глубокой душевной болезни общества нашего времени.

ххх

Соцреализм Глазунов тоже терпеть не может. Вспоминает, как нужно было представлять то, чего нет. Ему, еще студенту, говорили: «Если ты в деревне увидишь керосиновые лампы в избах, что будешь рисовать?» «Правду». «Неверно! Ты должен написать лампочку Ильича, потому что через несколько лет наступит электрификация всей страны. А если будешь свои церквушки да всякое старьё рисовать, то ты не советский художник. У нас от завода по производству шарикоподшипников есть заявка на портреты лучших людей. Вот и шпарь по списку ударников труда».

ххх

Илья Сергеевич никогда ни о чем не жалеет. Только печалится, что время очень быстро летит. Вот когда-то Висконти приглашал его сниматься в главной роли в своей картине - но не сложилось. А потом он долго мечтал сделать фильм в качестве режиссера…

Зато Глазунов не так давно стал писателем. Уже вышло несколько томов автобиографии «Россия распятая», и продолжение следует. Пестрая, перченая, удивительная смесь: довоенное детство художника, блокада, оттепель, перестройка, герои - Шульгин, Райкин, Грабарь, которых он лично знал, Сталин, Пушкин, Столыпин. И о себе, и о пути России. Чтение захватывающее и интеллектуально провокационное.

ххх

«Все, чего мне удалось добиться, имею не благодаря, а вопреки», - говорит Глазунов.
Понятное дело: и как человек, и как художник, он бесконечно неоднозначен.
Лично для меня метафорой пути Глазунова является одна из его известных картин: в центре изображен полуобнаженный юноша, поднимающий с призывом к небу в одной руке Новый Завет, а в другой - автомат Калашникова. Ужас!

Объясните мне, прошу вас: ну как это может совмещаться? Бесконечная любовь и милосердие, явленное Христом, - и страшное орудие убийства? Илья Сергеевич наверняка знает. Только не сказал, потому что я спросить как-то постеснялся…

Многие говорят, что жизнь в Америке делает всех нас сухими материалистами и прагматиками. Позвольте не согласиться, есть ещё место романтикам, которые осуществили свою мечту именно в Америке.

Хьюстонский Оркестр докторов (ныне «Оркестр техасского Медицинского центра») - явление уникальное. Подобных коллективов в мире насчитывается единицы.

Основанный в ноябре 2000 года, оркестр находится в постоянном творческом развитии. Коллектив состоит из 75 музыкантов, для которых музыка - всего лишь хобби. Все они - врачи, медсестры, студенты-медики, ученые биохимики и другие работники здравоохранения. Возглавляемый бессменным дирижёром Либи Лебел, оркестр с успехом даёт по нескольку концертов в год. Часть сбора с билетов идёт на поддержку многих медицинских программ.

Идея создания оркестра докторов пришла пианистке и дирижёру Либи Лебел, когда она услышала выступление бостонского докторского оркестра. Либи поняла, что именно такой оркестр, собирающий деньги на медицинские нужды, она и хочет создать.

Либи познакомилась с тогдашними заведующим кафедрой анестезии доктором Джефри Кацем и с деканом медицинского факультета UT доктором Максом Буем. Оба этих человека оказались большими любителями музыки, и Либи сумела заразить их своим энтузиазмом. Оркестру выделили помещение для репетиции и стулья для музыкантов. Были отправлены электронные письма с объявлением о том, что создаётся оркестр, и что среди студентов и медицинских работников объявляется прослушивание. Либи ожидала, что придет 5-6 желающих. Каково же было её удивление, когда пришло 70 человек, и на прослушивание выстроилась очередь. Это было начало коллектива, который с успехом существует уже 10 лет.

Либи Лебел приходится быть не только руководителем оркестра, но и педагогом, ведь музыканты все-таки любители, а не профессионалы. Каждому даётся домашнее задание, и, как правило, все приходят на следующую репетицию подготовленными. Она поддерживает творческую атмосферу на каждой репетиции, ведь люди пришли после тяжелого рабочего дня, пришли, чтобы получить радость от общения с музыкой. «Я ужасно их всех люблю, - признаётся Либи,- и они об этом знают. Я очень им всем благодарна, просто за то, что они поверили в наш оркестр».

Коллектив празднует своё 10-летие серией ярких концертных программ. Заключает сезон одно из самых гениальных произведений ХХ века - Carmina Burana.

Carmina Burana (Ка́рмина Бура́на) - по словам музыковедов, самое загадочное сочинение Карла Орфа, философская сценическая кантата с элементами балета, написанная композитором в 1935-1936 годах. Carmina Burana - это часть музыкального триптиха Орфа, который также включает в себя кантаты «Catulli Carmina» и «Триумф Афродиты».

Работа Орфа основана на двадцати четырёх стихотворениях из сборника средневековой поэзии, названного Carmina Burana, что означает по-латыни «Песни Бойерна». Это связано с тем, что оригинальный манускрипт сборника был найден в 1803 году в бенедиктинском монастыре Бойерн (лат. Buranum; ныне Бенедиктбойерн, Бавария). В сборник вошли сочинения забытых гениев средневековья, а также стихи вагантов, крестьян, ремесленников… Монашеские философские изыскания соседствуют здесь с описанием разухабистых застолий, любовных утех и причудливых образов в стиле картин Хиеронимуса Босха.

Либретто включает стихи как на латинском, так и на средневерхненемецком языке. Песенные и оркестровые номера представляют собой картины многообразной жизни: в одних воспеваются радости жизни, счастье, необузданное веселье, красота весенней природы, любовная страсть, в других - нелёгкая жизнь монахов и бродячих студентов, сатирическое отношение к собственному бытию. Но основным философским стержнем является раздумье о переменчивой и могущественной человеческой судьбе - Фортуне.

Музыка кантаты обладает потрясающей силой воздействия и будоражит чувства слушателей во всём мире.

Оркестр техасского Медицинского центра и хоры Texas Master Chorale и KIPP Sharp Singers приглашают на концерт 16 мая в Wortham Center. Концерт состоится в 5:00 вечера.

16 апреля в хьюстонском Музее Холокоста открылась выставка «Не предавай забвению» («Never Let It Rest!»). Это документальнo-художественный проект современного немецкого художника Ханса Молзбергера. Проект этот посвящён маленькому городку Зальцведелю, расположенному в провинции Саксонии-Анхальт, и истории еврейских граждан этого города во времена нацистского режима.

В 1944 году в Зальцведеле был устроен концентрационный лагерь для женщин, как филиал Нойенгамме - наиболее крупного концентрационного лагеря на северо-западе Германии. В лагере находилось около 1550 женщин, большинство из них еврейки из Венгрии. Женщины попадали в Зальцведель из Аушвица через Берген-Бельсен. Здесь они работали на фабрике по изготовлению военной амуниции.

Выставка очень камeрная. Входом в зал, где демонстрируется экспозиция, служит тоннель с обгорелыми деревянными стенами и полом, выложенным гравием. Посетители сразу же погружаются в обстановку зловещей тишины и полумрака. В экспозицию вошли исторические документы, фотографии, кинохроника, свидетельствующие о событиях того времени и художественные монтажи, созданные под впечатлением увиденного Молзбергером из обломков оружия, частей немецкого самолёта и тoннеля железнодорожной станции.

На выставке можно увидеть окно синагоги в Зальцведеле и художественные работы, выполненные мастером-стеклодувом из Хьюстона Рубином Замелзоном, одним из выживших после Холокоста. Выставка также включает записанные свидетельские показания бывших узниц лагеря, которые теперь живут в Соединенных Штатах и Израиле.

Проект ранее принадлежал музею Дженни Маркс (Jenny Marx Museum) в Зальцведеле (1998 - 2001 гг.)

Художник Ханс Молзбергер родился в Германии и вырос уже после окончания Второй мировой войны. Он начал свою карьеру в 1982 году и устроил первую выставку в 1991 г. Ханс Молзбергер преподаёт в хьюстонском Baptist University и живёт поочерёдно то в Германии, то в Хьюстоне. В Германии художник обосновался неподалёку от города Зальцведель, который продолжает интересовать его своей историей.

Выставка «Не предавай забвению» продлится в Музее Холокоста до 9 августа.

«Ксеркс» Генделя на сцене HGO

«Г.Ф.Гендель, сделавший в Англии блистательную музыкальную карьеру, начал её, однако, с неудачи: его первые выступления не заинтересовали лондонских ценителей музыки…

Раз за разом концерты Генделя проходили в почти пустом зале. Друзья и почитатели композитора очень переживали его неудачу. Сам же Гендель оставался невозмутимым и спокойным: «Не стоит так переживать, друзья мои! Ведь в пустом зале музыка звучит лучше…»

Творчество Георга Фридриха Генделя уникально. Композитор, начав творить в Германии, переехав в Англию стал крупнейшим и значительнейшим композитором Туманного Альбиона. Он всегда нуждался в восхищении публики и для этого умел применить всю мощь виртуозных средств своего огромного таланта. Его одинаково почитают и в Германии, и в Англии.

Генделем написано более 40 оперных опусов. В его операх удачно соединяются глубинный дух немецкого искусства, итальянская оперно-вокальная традиция и английская культурно-эстетическая действительность.

«Ксеркс, или влюбленный царь» - комическая опера (либретто Н.Минато). Её премьера состоялась 15 апреля 1738 г. Эту оперу Гендель писал в период для него самого очень тяжёлый. Его финансовые дела, так же как и здоровье, после перенесенного апоплексического удара, находилось не в лучшем состоянии. Однако это единственная комическая опера, написанная композитором. Ария, открывающая оперу, а именно знаменитое Largo «Ombra mai fu» («Прежде я не знал древа, чья тень была б милей…»), оказалась долгожительницей. К сожалению, несмотря на получившую широкую известность арию и огромное количество иных красот, опера выдержала всего пять представлений. После этого партитура «Ксеркса» пылилась на полках и была воссоздана только в 1924 году. Но с того времени она ставится весьма охотно оперными театрами по всему миру. Хьюстонская Гранд-опера завершает сезон 2009-2010 гг. именно этой оперой.

Опера «Ксеркс» получилась у Генделя живой и весёлой, немного напоминающей по духу и атмосфере «Свадьбу Фигаро» или «Cosi fan Tutte» Моцарта. Такая же суета с подложными письмами, переодеваниями, любовными треугольниками и, конечно же, непременным хэппи-эндом, по существу, натуральный водевиль. В ней рассказывается о персидском царе, однажды понявшем, что воевать легче, нежели любить.

Главный персонаж - царь Персии Ксеркс - военный гений и великий полководец, тот самый, который построил мосты через Геллеспонт и в 480-479 гг. до н. э. возглавил поход персов в Грецию. Но в опере он просто избалованный, капризный мальчишка, не признающий слова «нет». Хочу игрушку - значит, она должна быть моей! И вот Ксеркс Всемогущий захотел новую игрушку - пожелал взять в супруги прекрасную Ромильду, дочь своего генерала. Но Ромильда от этого не пришла в восторг, поскольку была влюблена в брата царя - Арсамена. Арсамен тоже не обрадовался, зато обрадовалась сестра Ромильды - Аталанта, которая сама была тайно влюблена в Арсамена. Поэтому Аталанта решила, что будет замечательно, если удастся выпихнуть сестрицу замуж за царя. Тем более, что на их папу, генерала Ариодата, положиться было никак нельзя. Он, кроме «Рад стараться», других слов, кажется, вообще не знал. Больше всего не обрадовалась происходящему иностранная принцесса Амастра, которая была влюблена в Ксеркса и, более того, давно была за него просватана. Боевая принцесса решила, что так просто не отдаст своё счастье кому попало. Поэтому она надела военный мундир, наклеила фальшивые усы, прицепила саблю и отправилась инкогнито в армию Ксеркса, надеясь понаблюдать за ситуацией изнутри. Так начинаются три с половиной часа веселья, неразберихи и чарующей музыки.

Кстати сказать, для современного зрителя довольно трудно выдержать три с лишним часа невыразимо красивой музыки в чистом виде. Для этого многие современные режиссёры искусственно динамизируют само действие оперы. Трудно себе представить певцов в 18 веке стремительно передвигающимися по сцене (кринолины не позволяли), бьющимися на шпагах, крушащими старинные статуи, читающими газеты и тому подобное. Ещё более странно представить их обыгрывающими фиоритуры в ариях на буффонный манер. Но для современных постановок это характерно - в чём и убедились зрители, пришедшие в HGO.

Оригинально эта сценография «Ксеркса» была создана режиссёром Николасом Хайтнером для Английской Национальной оперы. Постановщик поместил всех в декорации английского «сада наслаждений». Вокруг всё зелено. По саду ходят лысые марионеточнообразные статисты, подстригая кусты, передвигая кадки с кактусами или зелёные шезлонги, и хористы с лицами, выкрашенными в зеленоватый цвет и в зелёной же одежде, похожие на горошины в стручке. На фоне зелёно-жёлтых костюмов героев, синее платье Ромильды кажется одиноким ирисом на клумбе. Великолепные костюмы и декорации, выполненные Дэвидом Филдингом, возвращают нас назад, к галантному веку, к его плавному, неспешному течению.

Все солисты играли и пели превосходно и от всей души, получая искреннее удовольствие от происходящего на сцене. В финальной опере сезона на сцене HGO собрались звёзды первой величины: меццо-сопрано Сюзан Грэм, контр-тенор Дэвид Дэниэлс, сопрано Лора Клэйкомб, контральто Соня Прина.

Сюзан Грэм блистала в заглавной роли. Зрителей поразила её безукоризненная техника и красивый тёплый тембр голоса.

Дэвид Дэниэлс спел роль брата царя Арсамена. Певец уже не первый год считается национальной гордостью в Штатах. Основные сценические герои Дэниэлса - страстные императоры и галантные воители из опер 18 века, которым, по тогдашнему обыкновению, надлежало петь не «банальными» тенорами и басами, а сопрано или меццо. По правде сказать, в роли Арсамена не было ничего героического, тем не менее Дэниэлс исполнил эту партию мужественно благородно, технически безупречно.

Любимица Хьюстона, сопрано Лора Клейкомб - одна их самых разносторонних и глубоких артистов своего поколения - выступила в роли Ромильды. Сценическая грация певицы, её темперамент и полётный лёгкий голос, делают её вечно молодой на сцене.

Сопрано Хайде Стобер была великолепна в партии Аталанты. Она, со своей виртуозностью и артистизмом, могла бы, пожалуй, посоревноваться с самой Лорой Клейкомб. Без сомнений, мы вскоре услышим госпожу Стобер в заглавных ролях.

Итальянская контральто Соня Прина, которая признана одной из лучших исполнительниц музыки барокко, спела партию ревнивой принцессы Амастры страстно и пылко, показав поистине «вулканический» темперамент.
Оркестр под управлением маэстро Уильяма Лэйси был на высоте. Оркестранты играли на аутентичных инструментах эпохи барокко, что вызвало живой интерес зрителей.

Пожалуй, многие согласятся с тем, что опера «Ксеркс» была лучшей постановкой прошлого сезона.

В следующем сезоне хьюстонского зрителя ожидают оперы «Мадам Баттерфлай» Пуччини, «Питер Граймс» Бриттена, «Лючия ди Ламмермур» Доницетти (с Альбиной Шагимуратовой в главной роли), «Свадьба Фигаро» Моцарта и «Ариадна на Наксосе» Р. Штрауса.

До встречи в опере.

Слушать, как Игорь Бутман рассказывает свои замечательные истории, можно часами - проверено на себе. А слушать, как он играет на саксофоне, можно годами и десятилетиями. Тоже проверено - и не только мной, но и, простите за невольный пафос, сотнями тысяч поклонников на всех континентах.

Еще будучи студентом, Бутман попал в ансамбль Давида Голощекина и работал с ним в валютном баре гостиницы «Москва». Это было натурально прорубленное окно в Европу. В баре музыканты запросто знакомились с иностранцами, которые потом присылали им редкие пластинки. Именно там Бутман свел знакомство с очень миленькой финской девушкой и получил от нее в подарок ярко-красную рубашку, которую носил несколько лет. Девушка оказалась необычной: как-то она просидела на концерте четыре часа подряд, а когда Бутман привел ее домой и нежно поцеловал, тут же хлопнулась в обморок. После чего решительно заявила: ты такой же, как все! И музыканта навсегда покинула.

* * *

Помимо ансамбля Голощекина Бутман играл и в «Популярной механике» Курехина. Познакомились они еще при поступлении в музыкальное училище. Курехин пришел со своим другом Владимиром Булычевским, саксофонистом и поэтом. И в ожидании вызова на ковер тренировал друга по сольфеджио, пел аккорды, интервалы, которые тот должен был угадывать. Но бедный Булычевский все время путался. Тогда Бутман, который стоял рядом, стал отвечать вместо него. Курехин спрашивает: ты кто такой? Игорь Бутман, саксофонист. Так и познакомились.

Курехин тогда в основном играл авангардную музыку. Во время его выступлений на сцене творилось невообразимое: вместе играли военный и камерный оркестры, причем без режиссуры,
Все решалось на ходу: ты играй то, а ты - вот это…

Впрочем, Бутмана авангардистские поиски Курехина не очень увлекли. Пока тот отчаянно экспериментировал и читал заумные философские труды, Бутман тупо играл гаммы. Тогда он начал выступать с БГ и Цоем. Ездили на подпольную студию во Дворец пионеров, где в обстановке строжайшей секретности записывали рок. Бутмана предварительно инструктировали: надо выйти на три остановки раньше, пройти дворами и смотреть очень внимательно, нет ли слежки. А во Дворец пионеров пропускали не иначе, как по условному стуку.

На этой подпольной студии они и записали странный альбом под названием «Подземная культура»: БГ играл на гитаре, Курехин на аккордеоне, а Бутман на саксофоне. А после, разумеется, дружно пошли в «Сайгон», чтобы пить крепчайший кофе и обсуждать перспективы будущей мировой славы. По соседству с «Сайгоном» располагалась замечательная столовая по кличке «Тошниловка»: в ней подавали лучшую в городе солянку. Бутман, который терпеть не мог маслины, вылавливал их все до единой и передавал Курехину.

* * *

Бутману повезло: имена великих джазменов Бена Гудмана, Чарли Паркера, Геннадия Гольдштейна он слышал с раннего детства. Отец был неплохим музыкантом: играл на фортепиано и барабанах, пел, участвовал в художественной самодеятельности. Он дружил с композитором Борисом Потемкиным, автором шлягера «Наш сосед играет на кларнете и трубе» и даже первым стал его исполнять. А уже потом Потемкин отдал песню Пьехе и ансамблю «Дружба».

Отца Бутмана приглашали в театр Райкина, но он так и не решился сменить профессию. Зато дедушка по маминой линии был профессиональным музыкантом и служил скрипачом в оркестре Мариинского театра. А потом, увлекшись религией, оставил театр и устроился регентом в церковный хор. Поскольку деду запретили селиться в больших городах, он жил сначала в Омске, а потом в Курске. И маленький Игорь писал ему проникновенные письма, в которых доказывал: джазовые музыканты намного лучше классических! Вот тот же Рихтер - ведь он категорически отказался однажды играть на концерте после джазового музыканта Оскара Питерсона! Бедный дедушка был в шоке…

* * *

Сначала Бутман осваивал фортепиано, потом ему купили кларнет. И мальчик ездил из Веселого поселка в музыкальную школу на Невском. Но не меньше музыки обожал хоккей. Попал в команду СКА и тренировался там шесть лет. Часто приезжал с кларнетом на лед, или наоборот, на концерт со спортивной формой. Когда учителя в музыкальной школе узнали, что Игорь занимается таким травмоопасным видом спорта, они были просто в шоке. Но травмы счастливо обошли Бутмана стороной.

В пятнадцать лет Бутман поступил в музыкальное училище имени Мусоргского по классу саксофона к замечательному педагогу Геннадию Гольдштейну. К тому времени юный музыкант понял: он хочет играть именно джаз.

Учеником Бутман был чрезвычайно прилежным. Его мечтой было играть в двадцать раз лучше, чем все остальные. Занимался с утра до позднего вечера, все время слушал пластинки лучших джазовых музыкантов, стараясь повторить их ходы и приемы.

* * *

После училища Бутман устроился в легендарный оркестр Олега Лундстрема. И по молодости очень любил во время концертов перемигиваться с симпатичными девушками. Заметив это, Лундстрем нарочно старался встать так, чтобы заслонить Бутмана от публики.

Однажды на гастролях в день последнего концерта по давней музыкантской традиции устроили обильное застолье. Выпили еще перед концертом, но играли нормально. А когда на сцену вышла Ирина Отиева, в то время солистка у Лундстрема, Бутман выскочил на середину сцены и ударился в пляс. Лундстрем был в шоке - однако номер имел колоссальный успех. И потом, когда они выступали с «Машиной времени», Лундстрем сам подошел и попросил Бутмана, чтобы тот повторил свой зажигательный танец.

А незадолго до ухода из ансамбля Бутман с другом нашли настоящий клад. Вернувшись в гостиницу, увидели бесформенную сумку. А там - бюстгальтер, дезодорант и кошелек, в котором 44 рубля. Но это еще не все! Вскоре в сумке обнаружились два маленьких свертка, в каждом из которых было по шестьсот рублей! Видимо, сумку потеряли советские фарцовщики…

* * *

Со своей будущей женой Бутман познакомился в 1980 году на концерте. Увидел в зале компанию странных барышень в длинных юбках и сразу решил, что они американки. А вы понимаете, чем тогда была Америка для саксофониста, играющего джаз? Ведь все знали, что там самые лучшие джазмены. В советских группах даже существовали определенные градации: «играет, как средний американец», или «играет, как плохой американец».

Бутман подошел к девушкам, познакомился, договорился о свидании. К месту встречи у Александрийского столпа пришла одна Айлин. По-русски она уже немного говорила, поскольку приехала в Питер изучать язык. А Бутман мог чуть-чуть изъясняться по-английски. Прошло совсем немного времени, и он предложил Айлин выйти за него замуж. Она ответила, что должна подумать - и думала ровно пять лет. И как-то, приехав снова в Россию, сама предложила: давай поженимся! К тому времени Бутман был уже довольно известным музыкантом, и в опросах его неизменно называли лучшим саксофонистом страны.

* * *

За океан Бутман уезжал с одной-единственной сумкой, в которой лежали пара трусов, пара носков, и любимые бадминтонные ракетки. Таможенница спрашивает: а что вы свой багаж не оформили? Бутман показывает на свою сумку: а что, это тоже надо оформлять? Женщина была поражена.
- Эта сумка и есть ваш багаж? Вы ведь на постоянное место жительства выезжаете!
- А где подарки жене? Я и сам хороший подарок! - гордо ответил Бутман.
Поселились они с женой в Бостоне, в трехэтажном доме. Соседями на втором этаже были китайцы, и когда Бутман репетировал, они все время просили его играть потише. Бедный Бутман стал завешивать окна в комнате плотными войлочными одеялами. Звук они поглощали хорошо, но сам музыкант очень страдал: на улице тридцать градусов, а он в закупоренной комнате, как в консервной банке, буквально умирал от жары.

Квартиру молодая семья снимала напополам с бывшим бойфрендом Айлин, который оказался очень милым и интеллигентным парнем. Единственный недостаток: держал множество котов, которых Бутман при оказии нещадно бил. Когда те хотели есть, то становились очень ласковыми - а в остальное время нещадно царапались и кусались.

Ностальгия Бутмана стала мучать сразу. Но когда он переехал в новую квартиру, то сразу обнаружил на кухне странную телефонную розетку с незарегистрированным номером. Разумеется, Бутман начал названивать друзьям, разговаривал с ними часами, ставил музыку. Все было прекрасно до тех пор, пока он не услышал в трубке голос незнакомой женщины, которая кому-то горько жаловалась, что ей приходят счета за международные переговоры по десять тысяч долларов. Тогда Бутман розетку замуровал - от греха подальше.

* * *

Когда Бутман уезжал в Америку, его предупреждали многие доброжелатели: мол, великие музыканты, с которыми он познакомился в России, там о нем и не вспомнят. Но, к счастью, этого не произошло. Вскоре после приезда знаменитый джазмен Гровер Вашингтон даже организовал в Филадельфии большую вечеринку в честь Бутмана. А другой великий музыкант, Гарри Бертон помог получить стипендию в школе «Беркли», куда Бутман и поступил благодаря его протекции. И через два года получил диплом концертного саксофониста и композитора.

А в этой школе был очень жесткий устав. Например, к каждому уроку гармонии нужно было написать пьесу. И однажды Бутман прослушал очень плохое произведение, написанное одним из учеников. Он вместе с приятелем, австрийским гитаристом, не выдержал и рассмеялся. Учитель тут же прервал урок и запретил им появляться в классе. Потому что в школе нет звезд, здесь все учатся, и высокомерие по отношению к одноклассникам недопустимо. Пришлось долго и упорно извиняться.

* * *

Со временем Бутман перебрался из Бостона в Нью-Йорк - уже один, без Айлин. Отношения с женой не заладились, она была очень недовольна, что музыканта постоянно нет дома.

Устроился в русский ресторан, где работал три дня в неделю, а остальное время ходил по всевозможным джем-сейшенам, работал в оркестре знаменитого виброфониста Лайема Хэмптона, записал свой сольный альбом. А в 1992 году вернулся в Россию, где и познакомился со своей нынешней женой. Оксана пришла на концерт вместе с другом Бутмана, Сергеем Мазаевым - и сразу произвела не него огромное впечатление. А самой девушке музыкант не очень понравился: она думала, что тот приехал на недельку в Россию и хочет закрутить очередной легкий романчик. А ей, понимаете ли, нужны исключительно серьезные отношения!
Сердце Оксаны дрогнуло только через три года, когда Бутман позвонил ей из Америки, чтобы заранее пригласить на свой концерт в Москве. Он специально написал в ее честь «Вальс для Оксаны». Она поднялась на сцену с букетом, когда Бутман еще не закончил играть, это было очень трогательно…И Бутман перебрался в Москву.

* * *

В Америке у Бутмана осталось множество друзей, и он стал приглашать их на концерты в Россию.
Однажды провожал в Шереметьево чернокожего контрабасиста, и вдруг выяснилось, что у него нет документов на вывоз собственного контрабаса. Таможенники уперлись насмерть: раз инструмент не задекларирован, его нельзя вывозить из страны!

Надо было как-то спасать ситуацию. Бутман говорит: сейчас я буду называть тебя негром (а это ведь в Америке страшное оскорбление!), но ты не обижайся, так надо… Тот закивал головой: делай что хочешь, только помоги! И Бутман подходит к таможенникам и говорит: меня этот негр просто замучил, он ничего не понимает, ни одной бумажки заполнить не может, ума хватает только на то, чтобы на контрабасе пиликать. В таможенниках появилось сочувствие, и они пропустили музыканта, чтобы помочь Бутману… А если бы он сказал правду, что это знаменитый американский джазмен - ничего бы не получилось!

Однажды Бутман летел в Казань с квартетом американских музыкантов. Зашли в самолет, сели, пилоты запускают двигатели - и тут по радио объявляют: уважаемые, мол, граждане, вылет задерживается, потому что у одного из пассажиров убежала кошка. И бедное животное искали по самолету ровно четыре часа! Все кричали «кис-кис», только что сами не мяукали. Решили ищейку запустить, но в тот момент в Домодедово ни одной свободной собаки не оказалось. Бутман говорит летчикам: бог с ней, с кошкой, полетели так! А те отвечают: нельзя, вдруг она куда-нибудь залезет и произойдет короткое замыкание?

Еще был забавный случай, в самолете, на котором Бутман с музыкантами летел из Новосибирска в Краснодар. Какой-то хорошо поддатый гражданин начал приставать к американцам, объясняя, что он их сильно не любит и вообще якобы воевал с ними во Вьетнаме. Особенно досталось двум афроамериканцам. Бутман долго пытался его уговаривать, выпил с ним, душевно поговорил, но тот не унимался. Наконец Бутман не выдержал - и как врежет ему справа в челюсть! Всю ненависть к американцам как рукой сняло.

А как-то американские джазмены собирались лететь на фестиваль, спонсором которого выступали десантные войска. Произошла накладка, и 180 джазистов летели из Москвы в Оренбург на крохотном самолетике для парашютистов. Среди американцев был знаменитый Энди Лаверн, который, с того момента как бросил пить, буквально помешался на чистоте, носил всюду с собой дезинфицирующие спреи и все ими вокруг опрыскивал. Когда Энди увидел самолетик, на котором ему предстояло лететь, он буквально изменился в лице. Но самое страшное оказалось впереди - поскольку в салоне отсутствовало такое важное приспособление гигиены, как туалет. А большинство музыкантов достало водочку, начали выпивать… Потом какая-то предприимчивая негритянка нашла ведро и благополучно справила нужду. Вслед за ней потянулись остальные.

Несчастный любитель чистоты не выпускал из рук свой спрей, опрыскивая им всех подряд. А потом спрей кончился. Бутман ехидно спрашивал: ну как полет, нормально? Лаверн, оскорбленный до глубины души, упрямо молчал…

* * *

Один из самых памятных для Бутмана концертов случился в 1995 году, когда в Москву приехал другой известный саксофонист, Билл Клинтон.

Концерт прошел замечательно: музыканты собирались играть всего одну вещь, а сыграли три, потому что Клинтону очень понравилось, он даже хлопал стоя. После концерта к Бутману подошел помощник Клинтона: с вами хочет поговорить президент. Беседовали без переводчика, Клинтон долго благодарил и очень интересовался, на каком инструменте играет Бутман.

А потом на торжественном ужине, только Бутман сел за столик, к нему подошел официант от полковника Михаила Ивановича Барсукова - был тогда такой помощник у всесильного Коржакова. Перед концертом Барсуков строго предупредил музыканта: мол, если плохо сыграешь, пристрелю. Но Бутман сыграл очень хорошо. Поэтому официант именем Барсукова налил Бутману полный стакан водки. Мол, на саксофоне ты действительно играть умеешь - а как насчет того, чтобы выпить по-нашему, залпом и без закуски?

Обычно Бутман не пьет водку стаканами, но на том президентском ужине пришлось выпить залпом.

Можете мне позавидовать: я попал в гости к любимому писателю Сорокину. Сыграл пару раз в шахматы, напился чаю, познакомился с его женой и двумя дочерьми. После интервью стали выбирать фотографии.

Вот! - говорит Сорокин. - Это именно то, что вам нужно!

И дает мне фотографию, где он лежит на кушетке, во весь свой большой рост, полностью обнаженный. Со всеми, так сказать, атрибутами излюбленного карнавальной культурой телесного низа. И глаза добрые-добрые. Признаться, я несколько оторопел.

- Нет, говорю, извините, у нас такое фото коммерческий директор не пропустит…

Владимир Георгиевич, кажется, обиделся.

* * *

Еще лет семь назад о моем герое писали примерно так:
«Отправить бы Сорокина в Дахау, да не на экскурсию, и не на месяцок…» («Дружба народов»). «Бессмыслица, аморализм, мрачный гротеск, кощунства, болезненная фантазия, патологические сцены, тотальное пародирование всевозможных клише - все то, что принесло Сорокину скандальную известность, в изобилии присутствует на страницах „Голубого сала”…» («Книжное обозрение»). «Если автор болен, пусть лечится. Если здоров, подать на подлеца в суд. Как минимум по трем статьям: порнография с элементами извращения, разжигание межнациональной розни, а также надругательство над конкретными историческими лицами…» («Октябрь»)

А один критик, вообще, сочинил такое: «Сорокину, чтобы стать настоящим писателем, нужно либо посидеть в тюрьме, либо кончить жизнь самоубийством». Но Владимиру Георгиевичу - это я понял сразу - оба варианта активно не нравились. «Только наивный человек может такое посоветовать. Это все равно, как если бы я пожелал ему, как Белинскому, заразиться туберкулезом и харкать кровью - чтобы глубже чувствовать трагизм русской литературы».

* * *

Представьте, моя любимая книга Сорокина - вовсе не «Голубое сало», и не «Лед», а «День опричника», который появился четыре года назад. Действие романа происходит в 2027 году, на Руси воцарился тот же общественный строй, что при Иване Грозном. Сорокин описывает один день из жизни опричника Андрея Даниловича Комяги. По столице на «Мерседесе» с водородным двигателем разъезжает человек в кафтане…

Это, понятно, антиутопия: Сорокин предположил, что будет с Россией, если она решит выстроить Великую русскую стену и отгородиться от остального мира.

«Опричнина - это очень зловещее и очень русское явление, - рассуждает Владимир Георгиевич. - Когда Иван Грозный поделил своих подданных на опричнину и на остальных, дав всю полноту власти опричникам, практически он выделил касту жрецов абсолютной власти, которым все позволено. Парадоксально, что почти никто из классиков об этом не писал. Я думаю, эта тема настолько позорна и страшна для России, настолько кровава и мрачна, что классики просто не знали, как к ней подойти».

Сорокин утверждает, что Иван Васильевич был глубоко больным человеком, параноиком, но в этой болезни было нечто нечеловечески возвышенное. «Они ведь как жили с опричниками в Александровской слободе? В пять часов утра вставали и на молебен. Молебен длился до десяти, причем сам царь выступал в роли игумена. А после шел в пыточную и выходил оттуда такой просветленный… Опричнина оставила глубочайший след в русской душе, и с тех пор в каждом из нас живет маленький опричник».

* * *

Насилие - излюбленная сорокинская тема. Насилие всего его завораживало и одновременно будило самые разные чувства - от отвращения до почти гипнотического возбуждения. В девять лет отец повез его в Крым. Родители там сняли прекрасный домик с персиковым садом. Наутро мальчик вышел в сад, сорвал персик - и услышал из-за забора какие-то странные звуки. И понял: это сосед бьет своего тестя. Старик спросил: «За что ты меня бьешь все время?», а сосед ответил: «Бью, потому что хочется…» Вот такое первое впечатление от Крыма: персик, удары, всхлипы… Насилие всегда вызывало у него желание понять, почему люди не могут обойтись без этого.

Сорокин считает, что насилие связано прежде всего с недостатком любви, сексуальной нереализацией, неудовлетворенностью. Это желание достучаться до человека. Есть такой поэт Иван Жданов. Он регулярно устраивает драки, бьет всех подряд. В чем дело? А он просто чувствует кризис поэзии, и хочет разбудить людей, объяснить, что поэзия - это прекрасная вещь. Так и все люди. Хулиганы, которые мочат всех подряд, - это на самом деле как бы неумение достучаться до человека другими способами.

Уже несколько лет Сорокин - этический вегетарианец. Был некий толчок, когда однажды на пляже ему попался томик Толстого, и Сорокин прочел: зачем нам быть могилами животных? Это очень сильно подействовало. В Японии после занятий он каждый раз проходил мимо одного рыбного ресторана. «А там аквариум, и плавает скат. Я смотрел в его глаза - живое существо! - и думал: какой-нибудь коммивояжер, проходя мимо, ткнет пальцем, скату при нем отрежут голову, зажарят, он его сожрет, потом пойдет домой, ляжет спать, а утром сходит в туалет. Вот и все. И это божественное существо! Живое рождается для того, чтобы жить, а не чтобы перевариваться в желудке у человека. Я надеюсь, что люди через несколько сотен лет перестанут так себя вести, насиловать природу, жрать животных. И убивать друг друга».

* * *

Сорокин любит Германию, ездит туда лет двадцать и говорит, что чувствует ментальность этой страны. Ему там тепло и уютно. И кроме того, немцы его очень любят и переводят: уже двенадцать книг на немецком вышло. А еще Сорокин очень любит Китай, поэтому почти в любом романе можно найти китайские словечки. Даже начал учить китайский, но это у него не сильно получилось. А очарованность Китаем возникла давно и абсолютно случайно. Даже в лубочно-православной России «Дня опричника» ездят на китайских «Мерседесах», летают на китайских «Боингах» и легко мешают «Исполать тебе, добрый молодец!» с «Дяодалань!» (это такое китайское ругательство, переводить не буду). Сорокин говорит, что в Китае его потрясает громадная, чисто физиологическая потенция. Видел, как на электроламповом заводе там работают четырнадцатилетние крестьянские дети: их коллективность - это нечто, что в Европе не чувствуют и не понимают. Поэтому его так завораживает идея китайской гегемонии и алхимического брака между Китаем и Россией. «Из этого, поверьте, может выйти нечто великолепное!» Кстати, когда Сорокин побывал в Китае, ему рассказали очень любопытную вещь: на северо-западе страны живут этнические русские, которые, сообщаясь между собой, пишут китайские слова кириллицей. Так что в «Голубом сале» мало что придумано.

* * *

В профессии, считает Сорокин, надо быть бомбой. Нельзя прилипать к чему-то уже сделанному - нужен взрыв, нужно расчистить себе место и потом уже делать свое, новое. Крупная форма - это двадцать процентов вспышек транса, но восемьдесят процентов - механической лошадиной работы, без этого роман просто не напишешь.

На бумаге для Сорокина нет никаких заповедных мест. Бумага все стерпит, если это не оскорбление живого человека. Он всегда чувствовал, что надо уметь обходиться с материалом, как в туалете. Создать, потом стукнуть об стенку, чтоб разлетелось. И потом опять начать создавать…
Писать надо так, чтобы бумага дымилась…

Один знакомый как-то рассказал Сорокину о девушке, которая сошла с ума на почве романа «Идиот». Она лежала в психиатрической лечебнице в 1930-е годы. Эта бедная девушка, помимо того, что знала текст наизусть и могла продолжить его с любого предложения, еще была как бы дополнительным персонажем и жила в мире этого романа.

* * *

У Сорокина был чудовищный перерыв в сочинительстве. В 91-м году он написал «Сердца четырех» - и после этого семь лет не писал романов, вплоть до «Голубого сала». Он тогда получил грант, поехал в Берлин, где ему дали пятикомнатную квартиру в центре и три тысячи марок ежемесячно на мелкие расходы. Живи и работай! Сорокин так ничего и не написал. «Даже письма было тяжело писать. Произошла некая выработка. Я выработал некий старый ресурс, старую штольню. И что делать дальше, в общем, не знал. А просто повторяться не хотел…» Зато он много и успешно играл в шахматы, общался, ездил по Германии. Были какие-то чтения, какие-то театральные дела. Потом семья приехала…

А потом Владимира Георгиевича занесло в Японию. В 1999 году приехал профессор, который перевел его роман на японский, и сказал, что их университет хочет пойти на эксперимент: пригласить в качестве преподавателя живого писателя. В итоге Сорокин два года преподавал в Токийском университете. «Как на Марсе побывал. Расскажу вам одну историю. Возвращаюсь как-то после занятий к станции. Ломаная улочка идет мимо кладбища, где лежат некоторые японские классики. Смотрю: впереди старушка в кимоно везет детскую коляску. Прохожу мимо, заглядываю в коляску, а там сидят две белые болонки. Это же вещь, которую невозможно объяснить! Почему она везла их в коляске?»

* * *

В детстве маленький Володя очень хотел стать ассенизатором. Семья жила в Быкове, во дворе была канализационная яма, приезжала машина её выгружать, и он чувствовал, что это настоящее, нужное дело. Ведь процесс очистки от чего-то по сути своей благороден… «Вообще, детство у меня было довольно благополучное: нормальные родители, довольно обеспеченная семья. Но я ощущал столкновение с миром, для меня было не очень просто вступать в контакты. В школе было тяжело: парты, доски, голос учительницы. Я не понимал, зачем это все надо, и сам себе что-то устраивал, лепил динозавриков. Потом увлекся литературой, рисованием, историю полюбил… Но что касается точных наук - это давалось с трудом».

Мощный творческий посыл мальчик Володя получил, когда упал со стола. Он лез по батарее на письменный стол - и сорвался, повис на штырьке - он есть на старых батареях, сейчас такие уже не делают. Штырек вошел в шею… Все обошлось, но после этого у мальчика начались видения, и он стал жить как бы в двух мирах - реальном и фантазийном, который был намного ярче… Свой первый рассказ Сорокин написал в тринадцать лет. Он рос в Подмосковье, в охотничьей семье, и однажды написал рассказ о тетереве, о судьбе птицы. Показал родным, им понравилось. А потом написал еще рассказ - крутую эротику. Читал его одноклассникам, которые пришли в дикий восторг. Почему-то постеснялся признаться в своем авторстве: сказал, что перевел с английского… И на время к литературе охладел: ему показалось, что писать, в общем-то, очень просто. Решил стать художником. А еще ужасно любил изображать соседей, друзей, актеров. Но поскольку сильно заикался, это давалось с трудом: разговорился только в студенческие годы. Обожал делать пародии на Брежнева. В нефтяном институте имени Губкина, куда Сорокин поступил, вскоре виртуальную группу образовал ТК - в переводе, «Тормоз коммунизма». Оттягивались ребята по полной программе.

* * *

Первое (и, кажется, последнее) стихотворение Сорокина было напечатано в многотиражке «За кадры нефтяников». Называлось оно «Прощание с летом».

Как много песен спето
про перелетных птиц…
Уходит лето,
Тает лето,
И нет границ…
И жалко с летом расставаться -
всегда друзья,
И даже с летом попрощаться - увы, нельзя…

Такая вот лирическая ерунда.

* * *

Первая книга Сорокина, «Очередь», была издана в Париже, в 1985 году. Сначала появилась рукопись в единственном экземпляре, потом этот текст стал циркулировать в круге художников-концептуалистов. Одна знакомая француженка сказала Сорокину: «Ты не боишься, ведь один экземпляр всего… Давай я сделаю ксерокс и отправлю в Париж, а то, не дай бог - обыск». Сорокин согласился и уже забыл об этом, она уехала. И вдруг получает неожиданно предложение от русскоязычного парижского издательства «Синтаксис». Роман тут же переведен на французский, а потом и еще на девять языков. С этого все и началось.
Кстати, диссидентом Сорокин никогда не был, поскольку сформировался как литератор в московском андерграунде, где хорошим тоном считалась аполитичность. Прекрасно помнит притчу, которая ходила из уст в уста: когда немецкие войска входили в Париж, Пикассо сидел и рисовал яблоко… Такой была и его позиция: сиди и рисуй свое яблоко, независимо от того, что происходит вокруг

* * *

Разумеется, Сорокин абсолютно чужд современной желудочно-кишечной цивилизации, бацилле потребления. «Московский гламур - это новые голодные. Но это не голод по деньгам, а голод по вещам, как абсолюту. 70 лет у нас, по выражению Бердяева, было изобилие идей и дефицит вещей. Сейчас, когда эти идеи умерли, их место заняли идеи вещей, то есть вместо марксизма - Кензо и Дольче и Габбана… В человеке скрыты колоссальные возможности, а люди до сих пор ведут себя, как скоты - непотребно. Во многом моя литература - следствие разочарования современным человеком. Когда люди живут только материальными ценностями, это, конечно, наводит тоску»…

Сам Сорокин живет очень простой, сельской жизнью во Внуково. Две собаки, чтение, природа, прогулки, категорически никаких гламурных вечеринок. Каждое утро зимой ходит по снегу - хоть минус пять, хоть минус тридцать. Слушает и классическую музыку, и этнику, и джаз, и рок. Фонотека очень большая - правда, собачки ее часто подчищают, грызут диски, как любимую косточку, тут уж никто справиться не может. Встает Сорокин довольно рано, около восьми, выпивает стакан воды, приводит себя в порядок - и до часу дня пашет на компьютере. (Правда, стихи почему-то может писать только ручкой). Самое страшное: когда категорически не пишется - тогда высвобождается масса дополнительной энергии. Но он выход нашел: или в шахматы с компьютером играет, или дрова колет, или идет на кухню и что-то долго и тщательно готовит, а потом зовет друзей. У Сорокина ведь есть пьеса «Щи», для которой он собрал тридцать самых изысканных рецептов. «Готовка - тоже творческий процесс», - уверяет Владимир Георгиевич. А как насчет алкоголя? - аккуратно интересуюсь я. Сорокин абсолютно откровенно об этом рассказывает. В восьмидесятых-девяностых годах пил, алкоголь был очень важен - как релаксация. Сорокин как-то поговорил об этом с блестящим русским писателем Юрием Мамлеевым. Тот ему признался, что года три был пьян каждый вечер. Зачем? - спрашивает Сорокин. А это была такая защита от общего кретинизма, - отвечает Мамлеев, - как наркоз… А для Сорокина лучший наркоз - это литература, без нее, честно признается, жизнь станет невыносимой. Просто функция организма, одно из естественных отправлений, как еда, сон, секс. «Если я долго не пишу, мне становится в мире жутко неуютно».

* * *

Жена Сорокина Ира - по его словам, абсолютно не классическая жена писателя, совсем наоборот. Что его безумно радует. А классическая - это Софья Андреевна, или Анна Григорьевна Достоевская. Или все жены шестидесятников, которые лезли в каждую щель, чтобы доказать гениальность мужа… Ирина - его самый близкий друг. Когда поженились, ему было 22, а ей 19. И с тех пор вместе. «Мы с Ириной так долго вместе, что просто страшно».

В быту Сорокин старается не повторяться. Например, иногда он чистит зубы не правой, а левой рукой. «Современный человек города каждый день совершает ряд автоматических движений: чистит зубы, ест, работает. Он автоматически любит, ненавидит, общается с родственниками, с животными. Я не хочу стать такой машиной и борюсь с этим: обязательно совершаю каждый день какой-нибудь зигзаг».

Сорокин - большой, красивый, импозантный, спокойный человек. Говорит медленно, чуть заикается. Имейте в виду: в большой литературе, начиная с Библии, заикаются те, кто видел Бога. Моисей был заикой - это я так, к слову.

* * *

Дочки-близнецы Сорокина читают все, что он пишет. И иногда находят совершенно непростительные ошибки. Например, если вы откроете «Путь Бро» и прочитаете первый абзац, то поймете, что герой родился одновременно в двух местах - в Харьковской губернии и под Санкт-Петербургом. Сорокин просто забыл вычеркнуть одно место, и это пропустили все - и издатель, и редактора, и корректоры, и читатели… А дочка Маша, прочитав «Путь Бро», тут же спросила: «Папа, я так и не поняла, где же он все-таки родился?» Сорокин был в ужасе, но книга уже вышла…

* * *

Однажды Владимир Георгиевич подписывал книги в магазине, и к нему подошел человек, словно материализовавшийся из «Властелина колец»: куртка - как монашеская ряса, изможденное лицо. Говорит: вы выпустили из бездны вампиров и демонов. Настанет час, и они придут за вами! Сорокин отвечает: ну что ж, мы найдем, о чем поговорить! А перед ним лежит «Голубое сало», напечатанная издательством Ad Marginem. Этот человек подчеркнул грязным ногтем слово ad: вот куда пойдете вы!

Напоследок: трагикомическая история. Сорокин на допросе у следователя. Тот спрашивает: вы согласны, что ваши тексты - это порнография?
Сорокин: конечно!
Следователь очень удивляется: это почему?
Сорокин: потому что у меня буквы трахаются…

26 июня в России состоялся 3-й Международный музыкальный фестиваль «Сотворение мира».

Эта идея напрашивалась сама собой, витала в воздухе, но реализовалась только три года назад: идея, которая выражается в желании музыкантов научить всех своих поклонников толерантности и уважению к представителям других стран, культур и религий. Идея, которую почувствовал еще в далеких 80-х Андрей Макаревич, посвятив своим зрителям такие вопросительные строки: «Почему вы друзья лишь во мне одном, но чужие между собой?!»

Действительно, почему люди, слушающие одну и ту же музыку, принимающие одни и те же общечеловеческие понятия, испытывающие совершенно одинаковые эмоции, должны враждовать и не находить точек соприкосновения? Не должны!

Ныне Андрей Макаревич - президент Международного фестиваля «Сотворение мира», который вот уже третий год проводится у стен Казанского Кремля. Пожалуй, это единственный фестиваль, которому удалось собрать не только многонациональный состав участников, не только показать разноплановые музыкальные жанры, но еще и стать одним из самых посещаемых российских музыкальных мероприятий: 26 июня 2010 года на площади Тысячелетия в городе Казани собралось более 250 тысяч зрителей.

Несмотря на то что все предыдущие участники с достаточно звонкими именами, такие, как «Машина времени», «Аквариум», «Земфира», «Мумий Тролль», Юрий Шевчук, Кейт Эмерсон, Патти Смит искренне гордятся участием в этом мероприятии, тем не менее, фестиваль преследует не столько ту цель, чтобы показать публике полюбившихся хэдлайнеров, но, скорее, познакомить ее с молодыми российскими талантами и незнакомыми начинающими зарубежными коллективами. Как рассказал генеральный продюсер и организатор фестиваля Сергей Миров, изначально в список потенциальных участников вошли 120 коллективов, не известных широкой публике. Затем после прослушивания в списке остались 20 групп, 7 из которых выступали на нынешнем «Сотворении мира». Сейчас в так называемом «листе ожидания» своего часа ждут еще более 100 молодых коллективов, которые надеются выступить в Казани на следующих фестивалях.

А Макаревич добавил: «Сотворение мира» никогда не будет состоять только из выступления звезд. Фестиваль каждый год будет давать возможности развиваться новым группам. «Молотов», например, одна из самых известных групп в Латинской Америке, но ее практически не знают у нас! Так пусть знакомятся».

Но пора остановиться и на самой главной, художественной, части фестиваля.

Его открыли президент фестиваля Андрей Макаревич, генеральный продюсер Сергей Миров и арт-директор Александр Чепарухин. После их приветственного слова на сцену вышли представители основных конфессий Казани - православия, ислама и католицизма - первый заместитель председателя Духовного управления мусульман РТ Ильдус хазрат Фаизов, председатель приходского совета Никольского собора отец Иоанн и настоятель прихода «Воздвижение Святого Креста» Римско-католической церкви в Казани отец Диогенес. Меломанов священнослужители призвали к миру и прощению. Как повелось с первого раза, в качестве ведущих выступили Сева Новгородцев и Ксения Стриж.

Первой на сцену вышла группа «Павел Фархртдинов Сотоварищи». Надо отметить, что эта группа выступала и в США, на «Эхо» - нашем местном фестивале русского рока в Америке под открытым небом, ежегодно проводимом в штате Нью-Йорк. К слову, Настя Полева также была участницей обоих фестивалей, но в Казани произошло знаковое событие: впервые после многолетнего перерыва, Настя собрала свой самый первый, старый состав - группу «Трек» и вышла на сцену с ним. А затем, став сюрпризом для зрителей, к Насте и «Треку» присоединился Владимир Шахрин («Чайф»).

Отступив от хронологической последовательности, можно отметить действительное многоцветие представленных исполнителей: огнедышащие перкуссионисты из Буркина-Фасо - группа “Farafina”, группа Morozova - русский фолк в современном видении, виртуознейший Борис Ковач (Сербия) со своим харизматичнейшим гитаристом - «Зачем нам Налич, если есть есть Ковач!» - восхищенно прокомментировал Миров; группы с совершенно неожиданным географическим составом, например «Blast» (Москва - Грузия - Болгария), «Dissidenten» (Германия - Марокко), англичанка французского происхождения, певица Летисия Садье, ну и конечно же, те, чьи имена неизменно вызывают у зрителя бурную реакцию восторга: «Океан Ельзи», «Zdob Si Zdub», «Markscheider Kunst», Глеб Самойлов, «Сплин», «Чайф». Также на сцену вышли исполнители из Киргизии и Узбекистана: киргизская певица Саламат Садыкова и узбекский певец Мансур Ташматов. Они исполнили дуэтом песню на узбекском языке под названием «Иди ко мне». Их совместный номер в очередной раз подтвердил, что музыка может объединять народы. Казань представляли молодые, но очень перспективные группы «Азат», «Дом кукол», «Love- fine» «Jive», а также Государственный Хор РТ.

США представляла группа из Лос-Анджелеса «Run Run Run», которую во время своих гастролей по Америке приметил и настоятельно порекомендовал оргкомитету «Сотворения mира» Илья Лагутенко, лидер группы «Мумий Тролль».

Безусловно, хотелось бы, чтобы от нашей страны выступило больше команд, тем более, что достоверно известно - их, талантливых и креативных, на нашей территории предостаточно.

Завершился концерт ближе к полуночи выступлением группы “Чайф”. А затем к ним подключился и сам Андрей Макаревич, и они вместе исполнили песню Бориса Гребенщикова «Герои рок-н-ролла (Молодая шпана)», вслед за чем прозвучала новая интерпретация на тему ленноновской “Give peace a chance”, когда все участники фестиваля вышли на сцену и под залпы традиционного салюта сыграли короткий джем.

Возможно, моя мысль выглядит как утопия, но мне бы очень хотелось, чтобы в следующем году на фестивале «Сотворение мира» было не только больше американских музыкантов, но еще приехали бы и американские зрители. Уверяю, они бы долго с восторгом вспоминали об этом, как вспоминаю сейчас об этом я!

Екатерину Рындину - пианистку и директора Международной музыкальной академии в Хьюстоне мы знали по её выступлениям в Русском культурном центре на концертах, посвящённных М. Глинке и С. Прокофьеву. Тогда нас поразила музыкальность и высокий уровень её юных учеников.

Новый учебный год не за горами. Несмотря на занятость, Екатерина нашла время встретиться с нашим корреспондентом и рассказала об академии, об успехах её учеников, о программе культурного обмена между американской и российской музыкальными школами.

Расскажите о педагогах, у которых учились Вы в Москве и Хьюстоне.

Училась я у Марии Степановны Гамбарян в Гнесинском институте. Она последняя из оставшихся в живых учениц легендарного пианиста Константина Николаевича Игумнова. Я закончила учиться 8 лет назад. Тогда время для молодых музыкантов было очень непростое. Перед нами стоял выбор: либо оставлять музыку, либо оставлять Россию. Мне пришлось оставить Россию.

Сразу приехала в Хьюстон и попала к потрясающему педагогу - доктору Роберту Рю. Он заведует кафедрой фортепианного отделения в университете Райс. Я специально ехала именно к этому педагогу, потому что знала, что он уникальный музыкант. Мы с ним познакомились в Праге на мастер-классах. Еще до приезда в Америку, на протяжении 5 лет я каждый год с ним встречалась и брала уроки.

Что привлекло Вас в его работе?

Что привлекло меня в докторе Рю, как в педагоге - он точно знает как воплотить ту или иную идею в музыке. Он учит мастерству слышания и воспроизведения. В России было так: «Подумайте о чём-то грустном, и произведение получится грустным». Доктор Рю говорит, чтобы произведение, допустим, Рахманинова, получилось грустным, надо, чтобы басы были тяжёлыми и так далее. То есть он уходит от абстрактных образов и учит конкретному прикосновению к инструменту.

Мария Степановна повлияла на меня в плане глубокого понимания музыкального стиля. Для пианистов старого поколения главная цель - это красота звука и самовыражение. Карьера современных пианистов, к сожалению, завязана на конкурсах и на коммерческой стороне вещей. Чтобы добраться до верха, музыкантам приходится участвовать в конкурсах, подготовка к которым ставит их в нечеловеческие условия.

Это, в некотором роде, уже сродни спорту

Это, к сожалению, тенденция последних лет. Хотя очень многие музыканты выражают недовольство этим фактом, и я думаю, что ситуация должна повернуться обратно, в сторону творчества.
Вообще, настоящие артисты - люди интересные и неровные, а атмосфера конкурсов не очень располагает к самовыражению, поскольку человек сфокусирован на том, чтобы всё сыграть чисто, не зацепить лишнюю ноту, не забыть текст…

И выдать отшлифованный продукт…

Именно. Вторая проблема - это, безусловно, современный бизнес. В России во времена моего студенчества идеи музыкального бизнеса практически не существовало, а в Америке это стало для меня очевидно. Предположим, музыканта нанимает агентство и начинает организовывать ему концерты. Чем больше агентство может на музыканте заработать, тем лучше. Он играет концерты каждый день, совершает бесконечные перелёты - и это превращается в рутину. Это ремесло, но никак не творчество. Получается, что современные пианисты зачастую теряют своё творческое лицо. Если мы послушаем записи пианистов старого поколения, таких как Корто, Падеревский, то мы заметим, что их игра технически далеко не совершенна, но образ, который они создают, неповторим, так же как их стиль.

Как скоро у Вас возникла идея собственной музыкальной школы?

Для пианистов существуют несколько вариантов развития карьеры - соло, камерное исполнительство и, наконец, преподавание. Любой классический музыкант, за редким исключением, начинает преподавать. Я всегда хотела этим заниматься.

Я не прирожденный пианист. Мне ничего не давалось легко, и, я думаю, именно это делает меня лучшим педагогом. Потому что я понимаю, сколько нужно работать и КАК нужно работать, поскольку сама прошла через многие трудности.

Идея школы зародилась, когда я познакомилась со своим мужем, Мэтью, который тоже учился в Райсе у Джона Кимуры Паркера. Мы оба видели, что в Америке не хватает хороших детских педагогов. Как правило, американские музыканты высокого уровня преподают в колледжах и университетах. В России все не так. Почему российская музыкальная школа известна на весь мир? Да потому что 6-летние дети попадают в руки высококвалифицированных музыкантов, которые серьёзно относятся к своей работе. А в Америке порой бывает, что 18- летние студенты в первый раз попадают к профессиональному педагогу. Нам казалось это несправедливым и хотелось такое положение как-то изменить.

В первый год после окончания университета у нас было около 20 учеников, и мы преподавали с Мэтью вдвоём. Через 3 месяца, когда количество учеников выросло до 30-40, мы взяли третьего педагога - Дженни Оливер - тоже выпускницу университета Райс. К концу первого года существования школы мы втроём учили более 90 человек.

Первые занятия проходили в 2-х комнатной квартире, в которой мы сделали звуконепроницаемые двери, потом мы купили квартиру по соседству и ещё один рояль. Два года назад мы переехали в дом на коммерческой улице. В данный момент в нашей школе восемь педагогов и порядка 150 учеников разных возрастов - от четырёх до восьмидесяти лет.

В каком возрасте Вы рекомендуете начинать занятия музыкой?

Хороший возраст для начала 5-6-7 лет. Когда ребёнок начинает читать - это сигнал для того, что его мозг готов и для других видов деятельности. В 4 года тоже можно начинать, но это тяжело для родителей (то есть в этом случае больше учится не ребёнок, а родители).

Вы хотели создать стиль педагогики, который отличался бы от бытующего в Америке и реально помогал детям развиваться как музыкантам. Что Вы для этого делаете?

Первое, что отличает нас от остальных подобных школ - мы делаем акцент на уровне педагогов. Все педагоги в нашей школе - профессионалы. Второе, мы учим тому, что в основе мастерства лежит не мышечная работа, а движение руки, соответствующее звуку, который мы желаем получить. Основная техническая проблема музыкантов - зажатость. Когда нет зажатости, тогда руки, уши, сердце - всё работает в гармонии друг с другом. Зажатость останавливает музыку. Над этим надо работать с самого начала, с 6 лет. Моя задача - раскрепостить ребёнка, чтобы он сам мог развиваться и при этом избежал профессиональных заболеваний.

Сколько Ваших студентов пошли дальше, выбрали музыку своей профессией?

Мне кажется, реальные результаты появятся лет через 30. Ученикам, которые начали с нами заниматься с нуля, сейчас по 12 лет. Своим личным, самым большим достижением я считаю ученицу Мэган Хендли. История с ней такова. Мне предложили позаниматься «с 17-летней «сумасшедшей», которая ничего не умеет, но через 2 года хочет поступать в колледж». В это время мне были очень нужны деньги, я готова была учить кого угодно и согласилась. Когда я услышала, как девушка играет, то пришла в ужас. Она не могла сыграть простую гамму в одну октаву, чтобы руки были скоординированы вместе. Мэган надо отдать должное, она очень хотела научиться и очень упорно работала. Как результат - через 2 года она поступила в University of Houston на фортепианное отделение. Сейчас она преподаёт в нашей школе.

Я могу с гордостью сказать, что многие наши ученики завоевали награды на различных конкурсах. В этом году наш студент Бэн Лиу занял перове место на конкурсе Fidelity Future Stage Competition и сыграл концерт в Miller Outdoor Theater с Симфоническим оркестром Хюстона. Кэннет Ю занял первое место на Texas State Piano Competition в Сан-Маркосе. Томас Джонсон занял второе место на конкурсе Rochelle Kahan Piano Prodigy Competition, также ему дали приз за лучшее исполнение полонеза Шопена на Международном конкурсе Шопена для юных музыкантов в 2009 году.

Три наших ученика - Бэн Лиу, Джессика Ган и Кэрриган Квэнемон были выбраны финалистами конкурса Houston Young Artist Competition и получили звание Houston Raising Stars.

Расскажите о дружбе Вашей школы с российской школой имени Игумнова и о культурном обмене, который осуществляется уже 3 года.

Начну издалека. Когда я училась в музыкальной школе, наша учительница возила нас по разным городам России. Она ездила с лекциями, а мы, её ученики давали концерты, тем самым иллюстрируя её педагогическую работу. Потом мы поехали в Германию и Польшу - случилось это ещё в советские времена, когда контраст между Россией и Европой был просто невероятным. Я попала за границу благодаря музыке, и эти воспоминания стали для меня украшением всей моей жизни. Многие ребята, с которыми я тогда училась, не стали в дальнейшем музыкантами, но когда мы встречаемся, все вспоминают эти поездки, как счастливые моменты жизни. Надо, чтобы у ребёнка от музыки остались яркие положительные воспоминания. Я хочу, чтоб мои ученики, когда им будет 40 лет, рассказывали своим детям, как они ездили с концертами в Россию, как они познакомились с русскими детьми, как посетили русские музеи и церкви.

Поехать в Россию было самым логичным. Организация нашей первой поездки была связана с определённым риском. Родители и дети не знали, куда они едут, что их там ждёт. Но всё получилось хорошо - все были счастливы, концерты прошли «на ура». Ребята играли в Американском посольстве и в музыкальной школе имени Игумнова.

Тогда у нас завязалась дружба с этой школой и его директором Ириной Агажановой. На следующий год мы решили пригласить российских детей в гости. В связи с этим возникли другие трудности. Известно, что россияне отличаются по уровню дохода от американцев, им было тяжело оплатить поездку. Мы целый год занимались сбором средств, нашли спонсоров. Через Сингапурские авиалинии и Exxon Matching Grant Program мы собрали достаточно средств, чтобы оплатить билеты и визы российским детям. Они приехали в Хьюстон в феврале. Мы возили их в Галвестон, на техасское ранчо, на родео.
Мы дали несколько совместных концертов - в частности, в Русском культурном центре «Наш Техас», в Methodist Hospital. Ребята также посетили школу Роджерс для одарённых детей и детей-инвалидов. На них это посещение произвело неизгладимое впечатление.

В общем, моя цель была показать россиянам Америку с хорошей стороны. Когда я навещаю каждый год своих родных и друзей в России, я замечаю негативное отношение к Америке. Только побывав в Америке, понимаешь, что эта страна - совсем не та, какую показывают по телевизору. Америка - это не Бритни Спирс и «Американский пирог», а совершенно другое. Холодная война, конечно, закончилась, но исподволь она всё ещё продолжается в средствах массовой информации, в частности.

При этом русские ребята увидели, что в Америке нет детских домов, что дети-инвалиды здесь получают образование, о них заботятся, их усыновляют, что здесь люди дают деньги в благотворительные фонды помощи. Они увидели отношения в семьях и ощутили техасское гостеприимство. Эти впечатления дети заберут с собой. Америка для них уже не будет страной-монстром, где все помешаны на сексе и дешёвой поп-культуре.

С другой стороны, мне хотелось, чтобы и американцы увидели Россию такой, какая она есть, чтобы они почувствовали гостеприимство, щедрость, открытость русских людей, увидели, как здесь относятся к культуре.

Дети - наше будущее. Сегодня они девочки и мальчики, а завтра они принимают важные решения в Москве и Вашингтоне. Важно, чтобы они увидели правду об обеих странах своими глазами. Я верю, что это возможно через культурный обмен.

Начинается новый учебный год. Что Вы от него ждёте?

Во-первых, мне лично хотелось бы сыграть сольный концерт. В этом учебном году у меня есть новый проект - я хочу начать музыкальные уроки для самых маленьких детей (начиная с 2-х лет), где они учились бы слушать и понимать классическую музыку - через движение и ритм. Человек - существо ритмичное. Наше сердце ритмично бьётся, наша походка ритмична. Ритмические способности надо развивать, что легче делать в детском возрасте. Дети по своей природе очень музыкальны, и для них такие занятия естественны. За основу я взяла программу университета Райс, которую создала Рэйчел Бакман. Эта программа невероятно успешна, и я надеюсь, что в нашей школе она тоже будет популярна.

У нас в школе 2 русских ученика. Надеюсь, что благодаря газете «Наш Техас» их станет больше. Кроме того, что мы объявляем набор новых студентов, мы ищем и новых педагогов, которые бы разделяли нашу философию.

Надеюсь, все наши планы осуществятся в этом году.

Мы, в свою очередь, желаем Вам успехов в Вашем благородном деле.

НАМ ПИШУТ

Департамент культуры г. Москвы решил «распилить» (т.е. уничтожить) еще один объект культуры - Государственный мемориальный музей А.Н.Скрябина. Здание музея-квартиры великого композитора расположено в центре Москвы, в лакомой для многих коммерсантов зоне заповедного Арбата, в московской городской усадьбе конца XIX - нач. XX вв. по адресу Б. Николопесковский пер., дом 11 строения 1, 2. Чиновники разрушают единство архитектурного ансамбля музея, отторгая от музея-квартиры половину усадебного комплекса - памятника истории культуры (строения входят в охранную зону).

В последние дни чиновники закусили удила: оказавшая сопротивление их незаконным действиям, приказом руководителя Департамента культуры (С. Худяков) без объяснения причин уволена директор музея Т.В. Рыбакова, в течение 26 лет руководившая музеем (и фактически его создавшая заново). Особенно тревожат заявления недавно назначенного начальника отдела
музейно-выставочной работы Департамента культуры Горянова А.В., который неоднократно предлагал руководству музея, так сказать, по доброй воле сдать музейные помещения под «устройство бара», «платной машинной парковки», а на историческом рояле «фотографировать обнаженных девиц» для последующей коммерческой продажи фотографий. Eще лучше этого чиновника характеризует его ответ на инициативу отечественных музыкантов поставить памятник С. Рахманинову: «Mы предателям родины памятников ставить не будем; и Скрябин такой же предатель, просто он не успел уехать». Имели место даже попытки силового проникновения в здание музея.

Чиновники идут на радикальные меры: за период 2009 г. - и уже начало 2010 года учреждение культуры пережило десятки проверок и ревизий, которые были направлены фактически на приостановку деятельности творческого коллектива. Предписания Росохранкультуры выполняются по согласованному с федеральным органом графиком. Представленный Музеем отзыв на акт Департамента культуры о результатах ревизии принят без замечаний. Претензии Департамента культуры к Музею и его руководству относительно нарушений законодательства сняты.

26 января 2010 г. в здании музея по адресу Бол. Николопесковский пер. 11, (метро Смоленская, Арбатская) в 15.00 пройдет пресс-конференция в защиту музея (при участии Председателя попечительского совета музея, народного артиста России Михаила Плетнева).

В защиту музея и его руководства уже высказались представители самых разных творческих профессий: от легендарной Татьяны Шмыги до директора Института российской истории РАН А.Н. Сахарова, и от Любови Казарновской до Майи Плисецкой. В конце 2009 года в музее прошли несколько концертов в его поддержку. В них приняли участие выдающиеся деятели отечественной культуры, что, однако, чиновников не остановило.

Вся эта ситуация приобретает особенно угрожающий масштаб, учитывая то, что в последние годы (и особенно недели) в Москве были снесены с лица земли многие уникальные исторические здания, и последней из письменных угроз, которые были направлены дирекции музея - была официальная угроза вывода здания из списка охраняемых государством зданий.

Хочется подчеркнуть, что квартиру, а затем и музей не тронули даже большевики (приказ о его основании был подписан в 1918 году, а открылся музей в 1922 году) - и сегодня это единственный музей-квартира, сохранившийся без изменений после смерти его гениального жильца. Музеем учреждена премия им. А. Скрябина (обладатели этой премии сегодня составляют золотой фонд отечественной музыки), ведется активная просветительская и концертная деятельность. Играть в квартире Скрябина считали за честь все великие пианисты мира - от Владимира Горовица до Михаила Плетнева.

Все, кто заинтересован в сохранении русской культуры, откликнитесь и помогите спасти уникальную московскую усадьбу, Музей А.Н.Скрябина, его творческий коллектив и его руководство. Счет идет уже на часы и минуты!

«Тоска» Пуччини в хьюстонской Гранд-опере

Прочитав очередную ругательную статью о себе, Джакомо Пуччини обычно говорил: «Пусть бесятся. Аплодисменты на моих операх весят куда больше, чем ругань всех критиков!» Великий итальянец был прав. Ничто не сможет испортить его музыку: ни злопыхание критики, ни даже…неубедительная постановка. Но всё по порядку…

Опера Джакомо Пуччини «Тоска» украшает репертуар оперных театров мира вот уже 110 лет. Премьера оперы на либретто Луиджи Иллики и Джузеппе Джакозы по одноименной драме Викторьена Сарду состоялась в римском Театро Костанци 14 января 1900 года. Эта опера - рассказ о страстной любви и разрушенных мечтах в мире коварства и жестокости. События, которые происходят в опере, имеют конкретную дату - июнь 1800 года и раскрывают реальный эпизод борьбы за национальное освобождение Италии. Как ни странно, с самого начала судьба «Тоски» складывалась непросто. Одну из самых репертуaрных опер в мире после её премьеры критики и публика обвинили в недостаточной мелодической оригинальности, а также в певческом (сложные вокальные партии) и сценическом садизме (видимо, имелась в виду сцена пыток). Тем не менее опера выстояла, и по сей день её обожают миллионы поклонников бельканто.

22 января состоялась премьера новой постановки «Тоски» на сцене хьюстонской Гранд-оперы. Маэстро Патрик Саммерс, грамотный и опытный дирижёр, логично выстроил темпы оперы, чутко аккомпанируя солистам. Оркестровая партитура прозвучала по-пуччиниевски сочно и ярко. Благодаря сильным голосам певцов, на сцене не было так называемого «немого кино», хотя форсирующие медные духовые иной раз были готовы заполонить собой всё звуковое пространство.

На первый взгляд, постановка казалась вполне традиционной, но по ходу оперы выяснились некоторые странности. Всем известно, что оперный режиссёр и художники по декорациям и костюмам не работают поодиночке. Именно режиссёр диктует сценический антураж и внешний облик героев, а костюмер и декоратор послушно следуют его воле. Воистину режиссёр Джон Кайрд (John Caird) и дизайнер костюмов и декораций Банни Кристи (Bunny Christie) работали «в одной упряжке» и промахи у них были общие.

Во-первых, во всех трёх местах действия (в Церкви Сант-Андреа делла Валле, дворце Фарнезе и тюрьме Сант-Анджело) в потолке зияла огромная дыра (видимо с починкой крыш во времена Римской республики было напряжённо). Во-вторых, картина, которую рисовал Каварадосси (кающаяся Мария Магдалина, она же маркиза Аттаванти) представляла собой пазл из трёх рваных кусков, расставленных на трёх ярусax строительных лесов: на двух были изображены фрагменты носа и глаза (голубые, как полагается), на третьем - рот. Остаётся загадкой, как же в этой «расчленёнке» Флория Тоска могла разглядеть образ своей мнимой соперницы? Кабинет барона Скарпиа режиссёр расположил в подвале. По крайней мере, такое впечатление производила тёмная комнатушка с множеством грубо сколоченных ящиков, пирамидами громоздившихся вдоль стен. И в этом-то антураже принимать оперную диву и по совместительству любимую женщину?

Вообще, то, что действие происходит в Риме, а не в сельской местности, и главные герои - вовсе не зажиточные крестьяне, а представители высшего класса, понять было практически невозможно. В первом действии примадонна оперного театра Флория Тоска предстаёт перед нами в костюме, в котором запросто могла бы петь, допустим, Сантуцца в «Сельской чести», то есть простоволосая, в простеньком платьице с жилеткой а-ля «прачка идёт в церковь». Каварадосси с самого начала оперы ходит грязненький - кровь, пролитая во втором акте, лишь примешивается к многочисленным пятнам краски на его костюме. Полицейские во главе с их шефом Скарпиа все, как один, были лысы, как бильярдные шары и запакованы в одинаковые чёрные сюртуки - кто начальник, кто подчинённые - не разобрать.

Но главное: идея «передраматизировать» драматизм Пуччини, видимо, нешуточно завладела режиссёром. Мало того, что на сцене вешают манекен, изображающий Анджелотти (сходство поразительное), так ещё главная героиня в финале, перед тем как прыгнуть с башни, не забывает полоснуть себя ножом по горлу - так, для усиления эффекта. Кровь на сцене льётся рекой, в буквальном смысле, заливая декорации. Теперь вспомним «садизм», которым заклеймили оперу первые её слушатели… Джону Кайрду показалось маловато. А ведь музыкальный стиль опер Пуччини определяется как «веризм», а не «супер-веризм» или «готический кошмар» - жестокой правды в этой опере и так достаточно.

Для большей острастки режиссёр ввёл дополнительный персонаж - его и в помине не было у Пуччини. Это «Маленькая девочка», которая в первом и во втором актах как приведение бродит по сцене, появляясь то в церкви, то в момент убийства Скарпиа. Но помните - «если в первом акте на стене висит ружьё, то в последнем оно обязательно выстрелит»? В третьем акте Девочка вдруг запела песню пастушка, оттеняющую трагизм сцены в тюрьме. То есть пуччиниевский персонаж, фигурирующий в партитуре, бесследно исчез и был зачем-то заменён на новый, невесть откуда взявшийся. Впрочем к пению двенадцатилетней Элизы Мазевич (Eliza Masewicz) претензий никаких - детский хор HGO растит юные дарования, которые в будущем обязательно раскроются на большой оперной сцене.

Состав солистов, как это всегда бывает на спектаклях HGO, подобрался крепкий и добротный.

Пышная Патрисия Расетт - Тоска блистала «стенобитным» голосом и незаурядным сценическим темпераментом. Её голос, хотя и красивый по тембру, разнообразием красок не отличался. По-настоящему тонко Расетт исполнила лишь центральную арию «Vissi d’arte, vissi d’amore» («Только пела, только любила»).

Настоящим открытием для хьюстонских операманов стал молодой тенор Алексей Долгов, ученик Зураба Соткилавы, ведущий солист московского театра Станиславского и Немировича-Данченко, дебютировавший на сцене Хьюстонской оперы. Певческая манера Долгова была той, которую на Западе называют «русской». Ему несколько не хватало той округлости и красоты тембра, которая присуща итальянцам и испанцам, но партия Каварадосси в его исполнении прозвучала ярко, страстно, эмоционально, технически безукоризненно. Верхнее си-бемоль в арии «Recondita armonia» («Свой лик меняет вечно») певец взял без малейших усилий, а коронная ария «E lucevan le stele» («В небе звёзды горели») вызвала шквал аплодисментов.

Раймонд Асето, частый гость на сцене HGO, в роли Скарпиа был не на своём месте, по нескольким причинам. Во-первых, партия написана для баритона, и утробный бас Асето ни в какую с ней не вязался. Во-вторых, господин Асето, на моей памяти, был хорош только в одной партии - Командора в моцартовском «Дон Жуане», где надо было стоять по стойке смирно и изображать «часы с боем». На большие актёрские изыски певец, увы, не способен. Скарпиа в его исполнении получился этаким карикатурным злодеем эпохи немого кино - шаблонным и топорным до абсурда.

Бас Роберт Глидоу превосходно исполнил небольшую роль Анджелотти и запомнился зрителям.

И конечно, хор хьюстонской оперы, который является одним из лучших оперных хоров в стране, оказался в тот вечер на высоте.

Памятуя слова композитора, приведённые в самом начале, восторженных аплодисментов после хьюстонской премьеры «Тоски» было предостаточно, чтобы начисто испарились и впечатления о несуразностях постановки, и недовольства вашего покорного слуги, а остался только восторг от чарующей музыки Пуччини и вечера, проведённого в опере.

Следующими в репертуаре HGO заявлены шедевр Бенджамина Бриттена «Поворот винта» и бессмертная «Пиковая дама» Петра Ильича Чайковского.

До встречи в опере.

Есть в Хьюстоне таланты!

Сказка для взрослых по мотивам русского фольклора, созданная известным актёром Леонидом Филатовым, появилась в печати в 1986 году и сразу полюбилась за смелость, оригинальность и блестящее остроумие. Меткие фразы цитировались везде, расходились пословицами и поговорками. Каждый стих, каждый образ вызывал восторг, что ни слово - то смех, что ни фраза - то точная блестящая пародия! С тех пор пьеса ставилась множество раз, по ней созданы спектакли, фильмы и даже мультфильм.

И вот, наконец, во всей своей красе сказка дошла до Техаса: в воскресенье 17 января 2010 года Русский театр Хьюстона замечательно сыграл спектакль “Про Федота-стрельца, удалого молодца!” Все, кто побывал на премьере этого яркого и незабываемого представления, получили истинное удовольствие. Среди многих новогодних событий и сюрпризов этот спектакль стал замечательным подарком всем зрителям! БРАВО!

Был аншлаг, зрителей оказалось больше, чем мест в зале, однако это не смущало. И те, что смотрели стоя или сидя на ступенях прохода, были не в силах оторваться от захватывающего зрелища!

У театра много поклонников. Русский театр радует интересным спектаклем не в первый раз. В 2005 году коллектив показал комедию “Самоубийца” в постановке Владимира Штерна. «Федот» - уже пятый спектакль за эти плодотворные пять лет.

Постановкам Штерна присуще уважительное отношение к тексту. Никаких сокращений, переделок и эпатажных сценических измышлений, которыми так грешат современные театры. Кажется, что Штерн не делает скидок на то, что театр любительский и держится исключительно на энтузиазме небольшого коллектива. Режиссер ставит свои спектакли умно и тактично, со знанием дела и уважением как к автору, так и к зрителю.

Пьеса «Про Федота-стрельца», созданная талантливым автором, требует такого же таланта от исполнителей, чуткого и внимательного отношения к слову, изобретательности и мастерства. И коллектив театра оказался на высоте. Станиславский сказал, что театр начинается с вешалки. Вешалки в Хьюстоне не нужны, но театральный праздник, действительно, начинался в фойе, где актрисы в русских праздничных нарядах угощали зрителей вкусными пирожками.

Сцена была довольно скромных размеров, но оформлена изобретательно: живописно задрапированные стены создавали уют, а подвижные ширмы-декорации легко превращались в царскую палату, в простую избу или дремучий лес.

Игралась весёлая поэтическая сказка, с задорным юмором, с шутками и прибаутками, с красной девицей и добрым молодцем, с деспотом-царём да генералом-шутом. А главный добытчик на всех один: Федот-стрелец, которого прекрасно играет Вячеслав Надворецкий - действительно удалой молодец, удалее, пожалуй, и не сыщешь. Федот - бесхитростная натура, сама непосредственность, хотя и понимает, что жизнь его царскими капризами “загубили на корню”, но служит верой и правдой. В отличие от типичного Ивана-дурака наш Федот соображает, что вся ценность его “исключительно в уму”!

Вячеслав Надворецкий, давно ставший любимцем публики, создаёт яркий и динамичный образ, искусно обыгрывая красочный скоморошный стих. Следуя замыслу автора, актёры превращают в общем-то традиционный сюжет русской сказки в искромётную современную комедию, тонкую и изящную пародию.

Все полтора часа, пока идёт спектакль, на сцене не умолкают язвительные баталии и шутливые перебранки. Царь привечает послов, хитро ведёт политику в стране, а заодно воюет с ворчливыми Няньками и строптивой дочкой Царевной. Александр Иерусалимский, очень талантливый актёр, замечателен в образе Царя, который так и разит всех стрелами остроумия, вызывая смех и аплодисменты зала. Царь в его исполнении обаятелен и добродушен, хотя и грозит «оттяпать башку» то Стрельцу, то Генералу, а Няньку - сослать на Соловки, потому как она похоже «засланная к нам», явно гнёт свою дугу и роняет государственный престиж.

Обе Няньки - Елена Филипс и Наталья Иерусалимская - украшают спектакль фольклорным колоритом и очень убедительны в своих доводах. Елена Суворова-Филипс, с её великолепным «суворовским» народным говором и неподражаемыми интонациями, несомненно, одна из лучших Нянек, когда-либо игравших в спектакле. Я думаю, на эту роль её утвердил бы и сам Филатов!

Маруся в исполнении Светланы Большаковой изящна, очаровательна, с нежной напевной речью, словно и впрямь из народной сказки. Она же верная супружница и помощница Стрельцу, стоит такой красавице хлопнуть в ладоши, и тут же являются исполнительные Тит Кузьмич и Фрол Фомич. Кто не восхитится такой парой удальцов, да ещё когда их играют сам Ефим Вайнер и сам Владимир Штерн! Вот уж, действительно, маленьких ролей не бывает!

Один из артистов, Константин Драгомиров, за всё представление сказал только одно слово «yes», но зато три раза, будучи в начале представления «англицким послом». А когда он появился в костюме «посла людоедского племени», на нём, как и положено по сценарию, не было «ничаво, помимо бус».

А во дворце плетутся интриги и строятся козни. Царь да Генерал ломают голову, как извести Федота-Стрельца. Особенно старается Генерал, весь в орденах и медалях, его блестяще играет Наум Держи. Генерал тут же привлекает нечистую силу, и на помощь приходит Баба-Яга. Уже одно её появление на сцене вызывает дружный смех и восхищение. Василий Любченко играет весело и увлечённо. Его изобретательная и недурно поющая Яга, по совместительству “краевед” и “фольклорный элемент”, покорила всех!

Весь спектакль легко и непринуждённо ведёт Скоморох-потешник, в исполнении Василия Ясенева. Это скорее рассказчик, всё знающий и везде присутствующий. К концу спектакля, когда отважный Федот умудрился-таки добыть “То, чаво не может быть” и совсем уж было разобрался с Царём и его помощниками, свои претензии заявляет влюблённая Царевна, которую играет Наталья Галицкая. Её героиня строптива и своенравна, но при этом по-женски мила и очаровательна!

Особую благодарность заслуживает виртуозное музыкальное сопровождение Вадима Ангерова, чутко отражавшего смену действий и настроений героев.

Очень украшают спектакль смешные и нарядные куклы, ожившие с помощью кукловода Натальи Лысенко. Чудо хорош был Олень с золотые рогами. Не будь его, пришлось бы Стрельцу и впрямь добывать живого оленя в Багдаде! А нарисованные декорации со сказочным российским городом на холме, прекрасные птицы с хохломской отделкой каймы, обрамляющие пространство сцены, выдумка с самотканным ковром на всю Рассею - это творческая находка и заслуга художника-постановщика Елены Филипс. Её руками и фантазией созданы куклы, декорации и костюмы, обеспечившие, пожалуй, половину успеха спектакля.

В общем, все постановщики и участники нашего любимого уникального и единственного Русского театра Хьюстона - молодцы-удальцы, и за это им огромная благодарность зрителей и поклонников!

Остаётся добавить, что в финале все коварные интриги терпят поражение, и, как положено в доброй сказке, всё завершает весёлый пир на весь мир!

Вот несколько отзывов зрителей:

«Огромное спасибо за прекрасно проведенный вечер! На мой взгляд, это была не очень простая постановка, так как спектакль идет в стихах, и импровизации ( в случае ошибок) очень затруднительны. Но все отлично справились! Поздравляю! Я, лично, получила огромное удовольствие от вашего представления ! А также, меня очень обрадовала реакция моих соседей и публики в зале: это были озорные лучащиеся улыбки, восхищенные глаза, веселый смех и благодарные аплодисменты ! Отлично! Еще раз, поздравляю!»

Галя Фойтик

«Спектакль, безусловно, удался. Действие развивалось динамично, без затяжек и пауз, актеры уверенно двигались по сцене. С текстом справились все без ислючения, однако особенно хочется отметить Скомороха (Василий Ясенев), Марусю (Светлана Большакова) и Няню (Елена Филипс). Замечательны были яркие, праздничные костюмы и декорации; особый колорит спектаклю придал «живой» баян Вадима Ангерова. Понравились нам и неожиданные визуальные решения -с ковром-картой и кукольным представлениям. Словом, спасибо за чудесный вечер в театре!»

Семья Большаковых-Мессен

Я познакомился с Шемякиным еще сто лет назад, когда он прилетел в Петербург на открытие своего памятника жертвам политических репрессий. Те самые уже привычные два сфинкса на набережной Робеспьера, напротив «Крестов». И честно говоря, оба мы выглядели не очень. Я, озабоченный тогда улучшением собственной внешности, только что сделал сложнейшую пластическую операцию на носу, после которой стал напоминать натурального инопланетянина. Шемякин был уставший после перелета, в своем неизменном десантном камуфляже и армейских ботинках. На лице - глубокие шрамы, выдающие бывшего любителя кулачного боя и многодневных алкогольных загулов. Плюс еще настроение подавленное: на сфинксов внезапно обрушились городские искусствоведы и интеллектуалы, открытие под угрозой. А вокруг сплошной гламур - модельные девушки и томные юноши в роскошных одеждах, надутые банкиры и чиновники, авторитетные бизнесмены в смокингах…

Через много лет я посмотрел чудом сохранившуюся запись той беседы с Шемякиным, оказавшись в Лондоне - зрелище незабываемое и очень забавное.

ххх

Отец Михаила Шемякина, один из лучших кавалеристов Красной Армии, был человеком резким и смелым. Он подписывался титулом князя в партийных документах, и это ему сходило с рук.

Ведь он служил с маршалом Жуковым еще в Гражданскую войну, был награжден орденами Красного Знамени, два из которых были под номерами семь и тринадцать. На коня сел в девять лет, в тринадцать уже командовал взводом, тогда Жуков и вручил ему первый орден. Шемякин-старший однажды спас Жукову жизнь: блестящий конник, он вынес раненого маршала с поля боя.

Отец Шемякина имел благородное происхождение: урожденный князь Карданов, которого усыновил белый офицер Петр Шемякин - того в революционные годы расстреляли.

Род Кардановых очень древний - его упоминает еще Карамзин в «Истории государства Российского». В 16 веке кабардинский князь Кардан послал сыновей вести переговоры с русским царем, и один из них остался на службе у государя. Поэтому отец Шемякина очень гордился своим происхождением, никогда не отрекался от рода и титула, а в графе «социальное происхождение» всегда писал - «князь». За это его шесть раз исключали из партии. А когда еще в двадцатые годы попытались выгнать из армии, за него вступился Буденный.

Отец хотел, чтобы его сын тоже стал военным. И когда тот объявил, что будет художником, практически от него отказался. Как это так, потомственный воин собирается сделаться дрянным интеллигентом? А упорный Михаил Шемякин поступил в среднюю художественную школу при Академии Репина. После этого отец с сыном практически не общались.

К тому времени отец Шемякина уже развелся с его матерью, актрисой Юлией Предтеченской.

У нее тоже была богатая родословная: столбовая русская дворянка. Первым ее мужем был знаменитый актер Борис Блинов, исполнитель роли Фурманова в фильме «Чапаев». Когда Блинов умер от брюшного тифа, она сначала хотела покончить с собой, а потом решила уйти на фронт и погибнуть в бою. В это время ей и встретился отец Шемякина, лихой джигит и прекрасный конник. А Предтеченская обожала лошадей…

ххх

Отец Шемякина был комендантом многих немецких городов, мать работала санинструктором. Учился Миша в Карл-Маркс-штадте, в закрытом интернате для детей военнослужащих, который располагался в уцелевшем после бомбежек здании местного гестапо. Родители посещали его один раз в неделю. Детство было вполне сытое, но мрачное - разрушенный немецкий город, мины, на которых постоянно подрывались товарищи. Отец после гибели близкого друга - генерала Доватора стал сильно пить.

В 1957 году, когда Жуков попал в опалу, отец с четырьмя офицерами приехал к нему на подмосковную дачу, чтобы выразить маршалу свою преданность. Через несколько дней ему предложили уйти в запас.

ххх

Семья переехала в Лениград, и Михаил поступил в художественную школу при Академии имени Репина. При Академии была замечательная библиотека, где Шемякин просиживал часами. Представьте себе: в те времена студентам запрещалось выдавать книги по современному искусству. Все экземпляры были помечены разными наклейками - кружками, квадратами, треугольниками. Кружок обозначал особо опасные труды - их выдавали только тем, кто долго состоял в партии. Профессора могли позариться даже на книгу с квадратиками. А особо изощренным студентам оставалось уламывать сотрудниц библиотеки. И поскольку она работала до двух ночи, уже после двенадцати можно было получить заветную книжку.

Интерес студентов к запретным трудам считался признаком начинающегося психического заболевания. Однажды ночью к интернату, где жили многие приятели-сокурсники Шемякина, подъехала машина скорой помощи, и ребят начали по списку выволакивать из кроватей. Их отправили на принудительное лечение за то, что они слишком много копировали старых мастеров и изучали русские иконы.

И Шемякин тоже не избежал психбольницы - попал в клинику Осипова, спецбольницу закрытого типа, где над пациентами проводили эксперименты. Спасся он только благодаря маме, которая взяла его на поруки. Но психотропных препаратов получил по полной программе. Шемякин утверждает, что «в нашей психушке собрались сливки всего Ленинграда». Лежал он в так называемом беспокойном, буйном отделении. Попадались очень агрессивные субъекты. Один бывший боцман по прозвищу Крыса как-то стал рассказывать Шемякину про его прошлые жизни, так при этом распалился, что в итоге сломал ему челюсть одним ударом. Но были и другие персонажи. Привезли как-то обычного деревенского мужика, больного шизофренией. И вот Шемякин на прогулке его спрашивает: какая разница между Леонардо и Питером Брейгелем? Мужик тут же отвечает: разница простая, Леонардо был великим, а Брейгель - гениальным. С этой оценкой Шемякин до сих пор согласен.

ххх

Выйдя из психушки, Шемякин сдал экзамен в среднюю художественную школу на Таврической. И в первый же учебный день его вызвали в кабинет директора. А там - два сотрудника КГБ, которые его пасли в школе при Академии Репина. Говорят: «Мы же вас предупредили, что учиться рисованию и лепке вы не будете». И тут же вычеркнули его из списка учащихся. Тогда Шемякин решил поступать в Ленинградскую духовную семинарию. Вместе с другом, тоже художником, поступил, а на чуть ли не через день их вызвал митрополит: оказывается, к нему приехали сотрудники райкома партии и сказали, что если эти двое будут у вас учиться, ожидайте неприятностей.

Несколько лет Шемякин работал почтальоном, потом устроился такелажником в Эрмитаж. Он понимал, что образование необходимо, а получить его можно только у старых мастеров, изучая их технику и копируя их картины. В то время это стоило очень дорого - три рубля в час, а зарплата такелажника - двадцать восемь рублей пятьдесят копеек. Но сотрудникам Эрмитажа разрешалось копировать картины бесплатно. Вся бригада в основном состояла из художников и поэтов. Шемякин грузил скульптуры, убирал снег, колол лед. А после работы, вымыв руки, брал холст и копировал старых голландцев, Пуссена и Делакруа. И так - в течение пяти лет!

ххх

Жил Шемякин в огромной коммуналке. Как там у Высоцкого - на тридцать восемь комнаток всего одна уборная. С друзьями устраивал первые отечественные хепенинги, наряжался во фрак и цилиндр. При этом с потолка часто свисала баранья туша, которую покрывали специальным лаком. А купить ее было не просто: по полгода копили деньги, а потом покупали барана. Но соседи обычно не возмущались, поскольку среди них преобладали хронические алкоголики и шоферы-дальнобойщики. Правда, на товарищеский суд, столь популярный тогда, Шемякина с товарищами вызывали не раз.

ххх

В советские годы, как вы помните, рабочий класс, будучи гегемоном, пользовался всеобщим почетом и уважением. И когда в 1964 году в Эрмитаже готовилась выставка, посвященная двухсотлетию, руководство музея пожелало, чтобы на ней появились работы такелажника Шемякина. Увы: когда работы внимательно рассмотрели, случился грандиозный скандал. Союз художников объявил выставку идеологической диверсией, директора Эрмитажа сняли. Шемякину стали предлагать выставляться в клубах, институтах, но каждый раз приходили люди в штатском и все заворачивали.

Некоторые работы Шемякина отправлялись на Запад в качестве подарков. И однажды их увидела крупная французская галерейщица Дина Верни. Она так заинтересовалась, что приехала в Ленинград, увезла через дипломатов много картин Шемякина и в 1971 году устроила его персональную выставку в Париже. Успех был грандиозным. Шемякин тогда отдыхал в Сухуми. Его тут же арестовали, заставили сесть на самолет и прилететь на переговоры в Большой Дом. И генерал госбезопасности предложил художнику богатый выбор: психушка, Сибирь или мгновенная и бесшумная эмиграция. Шемякин выбрал последнее - и не прогадал. Кстати, генерал оказался знатоком живописи и коллекционером работ Шемякина. Он попросил художника подарить несколько гравюр и оформленную им книжку «Испанская классическая эпиграмма». А на прощание сказал: «Мы с дочкой - ваши поклонники, и хотим, чтобы вы как художник выжили и развивались на Западе». Такой вот попался генерал, почти с ангельскими крылышками над погонами.

ххх

Адаптировался Шемякин на Западе довольно трудно. Конечно, сначала его приезд стал сенсацией, о нем писали в газетах, говорили по телевизору. Но Дина Верни предложила очень суровый контракт - отбросить все метафизические поиски и работать на ее условиях, выполняя коммерческие заказы. В ее галерее прекрасно продавались натюрморты, и Дина требовала их от Шемякина. Обещала золотые горы, даже небольшой замок подарила. Но он не захотел оставаться в золотой клетке - и ушел в свободное плавание. Разумеется, у Шемякина с Верни был роман, но он оказался непродолжительным. Поссорившись с ней, художник буквально оказался на улице - с шестилетней дочкой, собакой и котом. По счастью, он случайно встретился с давней питерской знакомой Сюзан Масси, писательницей, женой знаменитого историка. Она помогла найти жилье - заброшенный биллиардный клуб, без отопления, кухни и туалета. Было тяжело и голодно, но Шемякин на судьбу не жаловался. А потом его заметил молодой галерейщик Жан Клод Габер, художник стал работать у него по контракту и снял первую более-менее нормальную квартиру.

ххх

Отец Шемякина так и не узнал, что сына выгоняют из страны: ему сказали, что тот поехал продолжать образование. Шемякин до сих пор помнит их последнюю встречу: отец ни о чем не догадывается, а сын знает, что больше никогда он его не увидит. Вот отец садится в машину, лихо запахивая длинную кавалерийскую шинель - и все. Больше они не встречались. Когда в 1976 году отец скончался в результате несчастного случая, на похороны Шемякина не пустили. А мама все понимала и очень переживала. Но в 1977 году ей удалось покинуть СССР, она уехала во Францию и основала в Париже кукольный театр «Матрешка».

ххх

Отношения Шемякина с Высоцким - это, конечно, песня. Помните, у Владимира Семеновича: «А друг мой, гений всех времен, бродяга и повеса. Когда бывал в сознаньи он, седлал хромого беса…» Познакомились они в семидесятых годах во Франции, благодаря Михаилу Барышникову. Вот тогда на вечере у сестры Марины Влади, Татьяны Шемякин впервые услышал песни Высоцкого. И с первого же вечера понял: это его человек. А вот отношения с Влади не сложились, она даже ревновала Высоцкого к своему другу. Ее выводило из себя, что из аэропорта Высоцкий ехал к Шемякину, а не в ее дом на Мэзон де Лафит. Шемякин купил специальную аппаратуру, нанял оператора, и шесть лет они с Высоцким трудились над записью пластинок. При этом Влади часто врывалась в студию и увозила Высоцкого: хватит распевать, поехали домой!

Шемякину повезло: он знал абсолютно другого Высоцкого, не тот образ рубахи-парня, горлопана с гитарой под мышкой. Ранимого человека, который обожал тишину и очень боялся больших пространств. Оставаясь у Шемякина, всегда отгораживал часть комнаты столиками и стульями и в этом закутке работал.

В последние годы Высоцкий довольно плохо видел, и Шемякин часто заставал его лежащим на диване в очках, обложившимся книгами по искусству. Высоцкий очень интересовался живописью, собирал автографы - у Шемякина даже остался принадлежавший ему автограф Ганнибала.

ххх

Формально Шемякин сейчас живет в Америке, а на самом деле - в самолете, где и отсыпается.

Десять лет он обитал в Нью-Йорке, в Сохо. А потом это оказалось не по карману, поскольку район стал очень дорогим. И Шемякин уехал на север, к Канаде - пять часов езды на машине от границы, около двух с половиной часов от Нью-Йорка. Катскилльские горы, очень красивое место. Городок Клаверак триста с лишним лет назад основали голландцы. У Шемякина там много домиков, где подолгу живут его знакомые, друзья, а также многочисленные и очень любимые собаки и кошки.

ххх

С Сарой, верной спутницей Шемякина, его когда-то познакомил Высоцкий. Его уже не стало, а Сара работала переводчиком в американском фильме о Высоцком. Ей сообщили, что близкий друг актера живет в Нью-Йорке, она приехала взять интервью - и осталась надолго. По-русски говорит очень неплохо. И обладает решительным характером. Когда Шемякин решил поехать в Афганистан, она не колебалась ни минуты - и отправилась с ним. В итоге вместе переходили границу, побывали в лагере Хекматияра, самого известного тогда афганского фундаменталиста. Походили под пулями - и остались живы.

ххх

Спрашиваю напоследок: скажите, только честно, вам надо, чтобы ваше искусство понимали самые обыкновенные, простые люди? Еще как, я этим горжусь! - отвечает Шемякин. Помню, однажды ехал по ночному Парижу и завернул в автомастерскую. И там на стене, рядом с картинками из «Плейбоя», вижу свою старую композицию «Метафизическая голова».

У меня дома этой афиши не было, и я решил, что за пару франков пополню коллекцию. Но не тут-то было! Я предложил рабочим очень приличные деньги, а они отказались. Предложил еще больше - снова отказ. «Мы не можем ее продать, месье, она висит здесь уже пять лет и всем так нравится». Вот это было очень приятно.

Головокружительная карьера Александра Мутузкина началась в США, когда он, 19-летний юноша, получил Специальный приз «За артистический потенциал» на 11 Международном конкурсе Вана Клиберна. Газета The Dallas Morning News тогда написала: «Мутузкин сыграл цикл «Интермеццо», Op. 117 Брамса невероятно красиво и волнующе - одновременно печально, нежно и благородно. Это была музыка, идущая из самого сердца».

Александр Мутузкин окончил музыкальную школу в Нижнем Новгороде и затем продолжил учебу в Hochschule für Musik в Ганновере, где он занимался у выдающегося пианиста Владимира Крайнева и в Manhattan School of Music в Нью-Йорке в классе Соломона Миковского.

В возрасте 14 лет Александр стал лауреатом Междунаролного конкурса пианистов в Санкт-Петербурге.

Он также лауреат ряда престижных международных конкурсов , в Кливленде и Новом Орлеане (США), Тиволи (Дания), конкурсе им.Хосе Итурби (Валенсия, Испания), в Шанхае (Китай), Монреале (Канада) и других.

В 2003 году Александр Мутузкин стал победителем 9-го Международного конкурса пианистов Фонда Герреро, который проходил в Мадриде. Мутузкин получил приз в 15 тыс. евро, а также право сделать записи для программы “Радио Классика” Национального радио Испании.

Сегодня Александр - один из самых востребованных молодых пианистов в мире. Американский композитор Джон Корильяно выбрал Александра для своего проекта по исполнению всех фортепианных композиций.

Пианист сыграл ряд концертов с крупнейшими оркестрами мира: Оркестром радио и телевидения Испании, Кливлендским симфоническим оркестром, Национальным симфоническим оркестром Кубы, филармоническим оркестром Брно и многими другими. Александр часто выступает с концертами в Далласе.

27 февраля Александр Мутузкин примет участие в камерном концерте общества Chamber Music International. В программе прозвучит «Вальс» Мориса Равеля и фортепианный квинтет Дмитрия Шостаковича.

Далласское сообщество Chamber Music International является некоммерческой организацией, которая фокусируется исключительно на классической музыке. Сообщество представляет концерты камерной музыки и музыкально-образовательные программы для молодежи на высоком художественном уровне широкому спектру зрителей в Ричардсоне и Большом Далласе.

Фотофестиваль в Хьюстоне - старейший из фотографических форумов Нового Света. FotoFest — платформа для искусства и идей — платформа, на которой можно строить новые контакты, создавать новые возможности для художников и фотографов, откуда могут стартовать новые проекты, имеющие как мировую, так, что не менее важно подчас, национальную или региональную значимость. И если в горле начинает першить при взгляде на фотографии выставок FotoFest или во время погружения в одну из инсталляций актуального искусства, выстроенных в рамках фестивальной программы, то это означает, что тема фестиваля такова, что проблемы, которых касается фотограф или художник, столь серьезны, а взгляд — искренен, что восприятие рациональное и эмоциональное идут рука об руку, подпитывая и усиливая друг друга. За эти открытия, за эти мгновения катарсиса FotoFest уважают во всем мире. Приехать сюда в дни фестиваля означает повидать буквально всех, кто занимается современной фотографией, инновационными программами, связанными с ее развитием и использованием в современном мире.

О FotoFest пишут много — их программы популярны и заметны, но особенно много становится публикаций весной раз в два года, когда в Хьюстоне и проходит биеннале. FotoFest — фестиваль почтенного возраста, первый биеннале состоялся еще в 1986 году. Но FotoFest из тех институций, тех событий, которые не останавливаются на достигнутом, им не интересно репродуцировать собственный опыт и собственный успех. Современный мир видоизменяется, меняется роль и значение фотографии в нем, формы, в которых фотография существует и распространяется, и FotoFest отражает эти перемены, рефлексирует над ними, прогнозирует их и представляет новые тенденции, каждые два года немножко опережая привычный ход событий. В начале 1990-х фестиваль показывал латиноамериканскую фотографию; помните, в середине 1990-х во всем мире был бум латиноамериканского искусства, особенно фотографии; в 2002 в Хьюстон фестиваль привез выставку русского пикториализма, тогда всеми забытого и отнюдь не известного, и посмотрите, сейчас в Москве, в Лондоне на основе той, показанной четыре года назад коллекции, делают новые проекты — «открытие русского пикториализма». До старых русских фотографов были современные авторы из Кореи, Восточной Европы. В 2006 году в фокусе китайская фотография. Глядя на выставки FotoFest, можно уверенно строить прогнозы геополитического и геокультурного предпочтения крупнейших исследовательских и выставочных институций в области визуальной культуры на ближайшие годы.

Но FotoFest знаменит не только этим. Фестиваль 2002 года проходил под девизом «от классического взгляда к новым технологиям», FotoFest одним из первых не только признал цифровую фотографию наследницей аналоговой оптической фотографии, но стал привлекать кураторов изучать ее, представлять в своих выставочных проектах; на фестивале присутствовало видео, мультимедиа. Если сегодня мы говорим, что фотография — основа всех технологических искусств и экспериментов в области визуальной культуры современности, и это уже стало общим местом, то еще несколько лет назад это звучало, как ересь.

Основатели FotoFest’а понимают, что фотография (если это современная фотография), может быть определена как «concerned photography» — вовлеченная, неравнодушная, обладающая достаточным запасом внутренней силы убеждения, чтобы ввязываться в острые дискуссии, обращаться к проблемам общества. И делать это не только средствами документальной фотографии, фоторепортажа, но и средствами арт-фотографии. Отталкиваясь от этого понимания, фестиваль в 2004 году выбрал основной темой выставок и видеопрограммы «Воду» как основной глобальный ресурс и рассматривал эту тему под различными ракурсами, начиная от природных, ландшафтных, поэтических и вплоть до ее политических, геополитических и научных аспектов. Тогда же фестиваль провел в своих рамках первый глобальный форум, посвященный теме воды. Сейчас встречи ученых, политиков, общественных деятелей, обсуждающих проблемы сохранения и развития этого мирового ресурса, проходят в разных странах мира; сопровождающие их фотографические выставки стали событиями внутри культурной программы более важного начинания — глобального форума о воде, но инициатива форума была заложена фотографическим фестивалем и впервые репрезентирована обществу, его представителям с решающим правом голоса именно средствами фотографии.

В этом году с 12 марта по 25 апреля в Хьюстоне пройдет 13-й фотофестиваль. Темой фестиваля стала современная фотография США. В более чем 200 местах откроются экспозиции фотографии, все основные музеи города, а также множество больших и малых галерей станут частью большого биеннале.

Как обычно, одним из самых ярких светских событий фестиваля станет аукцион фотографии, который пройдет 23 марта в Doubletree Hotel в даунтауне.

Благотворительный аукцион FotoFest’a проводится при участии аукционного дома Sotheby’s и является одним из известнейших благотворительных событий такого рода: деньги от него идут на развитие детской постоянно действующей программы FotoFest «Грамотность через фотографию». Эта методика школьных уроков, система подготовки учителей и ежегодные выставки, публикации позволяют детям из неблагополучных районов Хьюстона, в основном заселенных эмигрантами, изучать английский язык, учиться общаться в игровой ситуации и чувствовать себя в фокусе общественного внимания, интегрированной частью хьюстонского общества.

Восемьдесят один фотограф, масштабный охват всех направлений прямой фотографии и современного искусства, произведения со всего мира – так выглядит программа аукциона 2010 года. Перед каждым фестивалем его директора обращаются к нескольким десяткам фотографов во всем мире с просьбой передать одно произведение для аукциона. Как правило, обращаются к художникам, принимавшим участие в выставках предыдущего форума, а также к тем, кто был замечен кураторами на Meeting Place.

Meeting Place — место встреч кураторов, галеристов, издателей и фотографов. Это просмотр портфолио, на который стремятся попасть авторы со всего мира, поскольку на этом четко структурированном и хорошо организованном мероприятии есть возможность в течение четырех-шести дней показать свои произведения ведущим фотографическим экспертам со всего мира. К этому показу готовятся годами, зная, что поездка сюда означает новые перспективы в карьере. Как правило, сюда не стремятся новички, но люди, уже создавшие корпус работ, нуждающихся в их дальнейшем продвижении в виде выставок, публикаций, книг, помещения в частные и институциональные коллекции. Для кураторов участие в Meeting Place означает мощнейшее информационное насыщение новыми идеями, контактами с интересными, ранее неизвестными авторами.

Уже в течение пяти фестивалей в качестве экспертов на Meeting Place фестиваль приглашает заместителя директора Музейно-выставочного центра РОСИЗО Министерства культуры России, возглавляющего фотографическое направление центра Евгения Березнера. Показать ему работы стремятся многие, поскольку Россия, Москва остаются желанным местом выставки своих работ для огромного числа фотографов; Россия — мекка, куда фотографы стремятся попасть не только в ожидании новой фактуры, сюжетов, но и для того чтобы прикоснуться к русской культуре, к музеям, коллекциям икон, старой живописи, своими глазами увидеть ландшафт, подаривший имена, которые, как заклинание, повторяют фотографы всего мира: Тарковский, Родченко, Чехов. Это набор, обозначающий не столько широту познания фотографов разных стран, сколько приоритеты их поисков в культурном пространстве, поисков настоящих ответов на строгие вопросы выживания планеты, препятствия распространению насилия, сохранения гармонии мира.

В Русском культурном центре в Caviart gallery в рамках фотофестиваля откроется выставка Андрея Чежина

Чежин высказывается с той исчерпывающей полнотой, которая от следующих за ним авторов требует нового отстранения, которое только и дает силы творить после всех, кто был в искусстве до тебя.

Художник и фотограф Андрей Чежин родился в Ленинграде в 1960 году.

Художник и фотограф – сочетание, вошедшее в обиход культурологического словаря в России совсем недавно после нескольких десятков лет забвения; это сочетание вызывает в памяти Родченко, немногих концептуальных художников начала 1970-х, очень точно указывая на биполярность творчества автора – художник и фотограф: творец новых образов, одновременно фактографирующий, создающий документ этих образов. В течение последнего двадцатилетия в России бытовало определение «фотохудожник»: фотография неизвестным образом вплеталась в действия художника, срасталась с его работой, превращаясь то ли в особую технологию искусства, то ли в претензию на создание «художественной» (приближенной к традиционным формам изобразительного искусства) фотографии. Впрочем, и это определение «фотохудожник» было прогрессом после многолетнего, – с конца тридцатых до восьмидесятых – официального представления о фотографии как о документе, архивации истории, стоящей вне контекста культуры и искусства.

Итак, фотограф и художник родился в Ленинграде.

Этот город имеет трехсотлетнюю историю, фантастичность которой превосходит истории Венеции и Рима: город, построенный на болоте на промерзшей земле, вобрал в себя все стили европейского искусства и стал памятником и императору Петру, по чьей воле он был заложен, и всем своим создателям: от зодчего XVIII века Кваренги до современного музыканта Шевчука.

Андрей Чежин родился в 1960 году.

Его детство прошло на фоне брежневского застоя, не предполагавшего знакомство с современным западным искусством и знание неофициального свободного искусства в России. Но ленинградская школа современного искусства и кино продолжала развиваться, и самая жизнь ленинградцев продолжалась в интерьерах эпохи модерна, приобретших специфический запах коммуналок. В которых еще бродили тени Зощенко, Хармса, Ахматовой, удивительно не соответствующие советскому строю, и абсолютно воплощающие самый дух города и времени.

Андрей Чежин окончил Ленинградский институт киноинженеров в 1982 году.

Ленинградский институт киноинженеров наследовал Высшему Институту фотографии и фототехнике (1918), организованному как первое фотографическое высшее учебное заведение в истории России. Поэтому вольно или невольно, не осознавая этой традиции, Чежин начал снимать именно в годы обучения в этом институте.

В 1985 году Андрей Чежин стал членом фотоклуба «Зеркало»; через два года образовалась группа «ТАК», в которую вошли Чежин, Шнеерсон и Матвеев.

В 1990-х к Чежину пришло официальное признание и в России — благодаря этому он смог начать работать как свободный фотограф.

Серии работ, которые будут показаны в Хьюстоне в этом году, – многослойные портреты городов Вашингтона, Нью-Йорка, а также Хьюстона и Санкт-Петербурга, сбывшиеся сны о внутреннем геометрическом единстве географически разбросанных точек.