Ноктю́рн (от фр. nocturne — «ночной») — распространившееся с начала XIX века название пьес лирического, мечтательного характера. Французское слово nocturne в этом значении впервые применил Джон Филд в 1810-х годах.
Жанр ноктюрна возник ещё в Средневековье. Тогда ноктюрном называли часть религиозной католической службы, исполнявшуюся между полночью и рассветом (как православная заутреня). Из числа сугубо религиозных жанров ноктюрн вышел в XVIII веке, превратившись в камерное произведение, исполняемое в ночное время на открытом воздухе.

В основе ноктюрна лежит обычно широко развитая певучая мелодия, благодаря чему ноктюрн представляет собой своеобразную инструментальную песню. Обычно ноктюрны пишутся для фортепиано, но встречаются подобные сочинения и для других инструментов, а также для ансамблей и оркестров.
Дальнейшего расцвета жанр фортепианного ноктюрна достиг в творчестве Фредерика Шопена.

М.Глинка. Ноктюрн in E-flat major 

Виолонче́ль — смычковый музыкальный инструмент с 4-мя струнами. По высоте звучания занимает промежуточное положение между более высоким альтом и низким контрабасом.
Появление виолончели относится к началу XVI века. Первоначально она применялась как басовый инструмент для сопровождения пения или исполнения на инструменте более высокого регистра. Существовали многочисленные разновидности виолончели, отличавшиеся друг от друга размерами, количеством струн, строем (чаще всего встречалась настройка на тон ниже современной).

Зарождение этого жанра восходит к эпохе Средневековья и неизменно ассоциируется с рыцарями. Доблестный воин, вставший на одно колено, признается в своих чувствах даме сердце – буквально такие картинки рисует воображение при слове «серенада». На самом деле первые серенады исполняли трубадуры или поэты-музыканты, которые стали появляться в Европе в XII-XIII веках.

Культ «прекрасной дамы» был главным в творчестве трубадуров. Не обходилось при этом и без темы куртуазной любви, под которой понимают галантное отношение к представительницам прекрасного пола. А это, в свою очередь, привносило в лирику большое количество любовно-рыцарских сюжетов.

Что такое менуэт?
Это придворный танец, корнями уходящий в народный фольклор. История его теряется в глубине веков. Известно, что французские крестьяне провинции Пуату танцевали его задолго до того, как молодой Людовик XIV ввел моду на менуэт при своем дворе.

Случилось это на одном из балов, когда король, весьма любивший участвовать в разных театрализованных постановках, выступил в роли крестьянина из Пуату. Тогда-то он впервые исполнил медленный танец - бранль - под мелодию народной песни. Чуть позже этот танец назвали "менуэт", то есть "маленький", имея ввиду мелкие шаги, придававшие танцу необыкновенное изящество и грациозность.

Бах. Менуэт и скерцо из сюиты Си минор

Слово анданте (итал. andante - "текущий", "идущий") происходит от итал. глагола andare, который имеет значение "идти". Причина этого в том, что до изобретения метронома andante был равен темпу обычной ходьбы, равняясь ритму 69-84 удара. Это позволяло относить его к умеренно медленному темпу. Скорость анданте была близка к адажио.
Потом, на протяжении веков, использование этого темпа изменялось, пока он не стал таким, каким мы можем наблюдать его сегодня.
Пример музыки в темпе анданте

Анданте - один из самых распространенных, наряду с аллегро, темпов в музыке. Это средние по скорости, лирические по характеру произведения - составляющие сонат, квартетов, целых симфонических циклов. Например:
"Певучее анданте" ("Анданте кантабиле") - медленная часть квартета, сочиненного великим Петром Ильичом Чайковским. Произведение было положено на русскую народную песню "Сидел Ваня".
"Анданте фавори" ("Любимое анданте") Бетховена. История этого произведения интересна: оно было написано как медленная часть всемирно известной сонаты "Аппассионата". Как только работа над всем сочинением была закончена, композитор заметил, что "Любимое анданте" вышло слишком значительным и весомым, отчего его включение в цикл "утяжелило" бы и без того глубокую по содержанию и длинную сонату. Поэтому Бетховен заменил "Анданте фавори"на менее объемной частью. "Любимое анданте" же стало отдельным произведением.

Чакона инструментальная пьеса, популярная в эпоху Барокко. Представляет собой полифонические вариации на тему, которая в неизменном виде повторяется в басу; верхние голоса при этом разнообразно варьируются.
Особую популярность приобрела чакона для скрипки с басом, приписываемая композитору Т. Витали, и чакона из партиты ре минор И. С. Баха для скрипки соло. Известны также чаконы для органа И. Пахельбеля. Композиторы XVII—XVIII вв. применяли форму чаконы в оперных финалах.

Первоначально чакона была народным танцем, известным в Испании с конца XVI века. Танец исполнялся в сопровождении пения и игры на кастаньетах, в оживленном темпе, с размером 3/4. Имеются данные о его американском (мексиканском, индейском, мулатском) происхождении. Перейдя в XVII веке в придворный балет Франции, чакона приобрела медленный темп, церемонный характер. С XVIII века слово «чакона» стало применяться к нетанцевальным пьесам в форме полифонических вариаций с неизменным басом. Обычно чаконы проникнуты возвышенно-сосредоточенным, иногда трагическим настроением. В XIX веке композиторы почти не обращаются к чаконе; некоторые черты её претворены в таких глубоких сочинениях, как 32 вариации c-moll для фортепиано Бетховена, финал симфонии No. 4 Брамса. Композиторы XX века обращаются к жанру чаконы сравнительно редко.

  Фантазия - распространённый в 19-20 вв. жанр инструментальной или оркестровой музыки, основанный на свободном использовании тем, заимствованных из собственных сочинений или из сочинений других композиторов, а также из фольклора уже написанных или  в характере народных.

 Экспромт - инструментальная пьеса импровизационного характера. Экспромт, как самостоятельный музыкальный жанр, главным образом фортепианной пьесы, распространился в 19 в. в период становления романтического направления в музыке, в связи с особым значением, придаваемым импровизационности, непосредственности лирического высказывания в эстетике этого направления.

Ф.Шуберт. 4 Экспромта, оп.90

Среди первых произведений в жанре Экспромта - фортепианные экспромты Я. В. Воржишека; к жанру Экспромта обращался также Г. А. Маршнер. Классические образцы жанра Экспромта - это ор. 90 и ор. 142 Шуберта, наряду с его же "Музыкальными моментами" оказавшие большое влияние на дальнейшее развитие романтической фортепианной миниатюры. В экспромтах Шуберта наметились особенности будущих монотематических, поэмных форм с чертами сонатности и собственно миниатюры, своего рода "песни без слов". Вместе с тем в них ощутимы и генетические связи с жанрами и формами, сложившимися в музыке венской классической школы.

Ноктю́рн (от фр. nocturne — «ночной») — распространившееся с начала XIX века название пьес лирического, мечтательного характера. Французское слово nocturne в этом значении впервые применил Джон Филд в 1810-х годах.
Жанр ноктюрна возник ещё в Средневековье. Тогда ноктюрном называли часть религиозной католической службы, исполнявшуюся между полночью и рассветом (как православная заутреня). Из числа сугубо религиозных жанров ноктюрн вышел в XVIII веке, превратившись в камерное произведение, исполняемое в ночное время на открытом воздухе.

В основе ноктюрна лежит обычно широко развитая певучая мелодия, благодаря чему ноктюрн представляет собой своеобразную инструментальную песню. Обычно ноктюрны пишутся для фортепиано, но встречаются подобные сочинения и для других инструментов, а также для ансамблей и оркестров.
Дальнейшего расцвета жанр фортепианного ноктюрна достиг в творчестве Фредерика Шопена.

М.Глинка. Ноктюрн in E-flat major 

Серенада (от итал. serenata, от sera — вечер) — музыкальная композиция, исполняемая в чью-то честь. В истории музыки существует несколько трактовок этого понятия.
В самом старом значении серенада — песня, исполненная для возлюбленной, обычно в вечернее или ночное время и часто под её окном. Такой жанр был распространён в Средневековье и эпоху ренессанса. Истоком такой серенады является вечерняя песня трубадуров. Вокальная серенада была широко распространена в быту южных романских народов. Певец обычно сам аккомпанировал себе на лютне, мандолине или гитаре.

Серенада «Rimpianto» ("Сожаление") Энрико Тозелли

Итальянский пианист и композитор Энрико Тозелли родился 13 марта 1883 года. Его учителями по фортепиано были Джованни Згамбати, Джузеппе Мартуччи и Рехинальдо Грассини. В очень раннем возрасте он заявил о себе, как о блестящем виртуозе, концертируя по Италии, основным европейским столицам и Северной Америке. Позже он обосновался во Флоренции, где преподавал, сочинял и концертировал. Как композитор он создал много песен, из которых Серенада «Rimpianto» Op.6 № 1 была самой популярной. Он также написал две оперетты, La cattiva Francesca and La principessa bizzarra (1913).Успешный исполнитель и композитор, большую известность Тозелли получил из-за международного скандала, связанного с его браком с прежней Наследной принцессой Саксонии Эрцгерцогиней Луизой Принцессой Тосканы в 1907 году (ранее она развелась с Фредериком Августом III Саксонии). Тозелли и Эрцгерцогиня не были счастливыми в браке, и они разошлись в 1912 году.
Серенада "Сожаление" самое известное произведение итальянского пианиста и композитора Энрико Тозелли. Оно было навеяно личной драмой музыканта. Слова Альфредо Сильвестри. Поют эту серенаду если не все, то очень многие выдающиеся певцы.

 Рондо - одна из самых распространённых музыкальных форм, прошедшая длительный путь исторического развития. В её основе лежит принцип чередования главной, неизменяемой темы - рефрена и постоянно обновляемых эпизодов. Термин "рефрен" равнозначен термину припев. Песня типа запев-припев, в тексте которой постоянно обновляемый запев сопоставляется со стабильным припевом. Эта общая схема в каждую эпоху реализуется по-разному.

В старинных, относящихся к доклассической эпохе образцах Рондо эпизоды, как правило, не представляли собой новых тем, а основывались на музыкальном материале рефрена. Поэтому Рондо было тогда однотемным. В различных стилях и национальных культурах существовали свои нормы сопоставления и взаимосвязи отдельных частей Рондо. Французские клавесинисты (Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо и др.) писали в форме Рондо небольшие пьесы с программными заголовками ("Кукушка" Дакена, "Жнецы" Куперена).

Ф.Куперен. Forlane - Rondeau

Наиболее распространено понятие "элегия" в литературе. Но музыкальная элегия также существует. Слово "Элегия" переводится с греческого как "жалоба", поэтому музыкальная элегия - это произведение жалобного, печального, задумчивого характера, исполняется в медленном темпе.

Элегия как инструментальная пьеса, для любого музыкального инструмента или небольшого ансамбля, развивалась преимущественно на рубеже XIX—XX веков в творчестве Ферруччо Бузони, Эдварда Грига, Габриэля Форе, Сергея Рахманинова, Василия Калинникова. Особую популярность приобрела «Элегия» Массне, как в инструментальном варианте, так и в вокальной переработке. К элегии тяготели и отдельные вокальные произведения песенно-романсового жанра — например, «Элегия» из вокального цикла Модеста Мусоргского «Без солнца». Это может быть и вокальное произведение и инструментальное, и вокально-инструментальное, например, романс. У Рахманинова и Калинникова есть фортепианные элегии. Знаменита также Элегия Жюля Массне,которую исполняли Шаляпин, Карузо, Доминго и многие другие. У Листа и Грига также можно найти произведения элегического жанра. Есть произведения,относящиеся к жанру элегии и у современных авторов, например, "Элегия" Арно Бабаджаняна.

 "Глория"-это одна из частей мессы. Месса как музыкальный жанр – это основные песнопения ординария мессы, положенные на музыку. Основной структурой музыкальной мессы является ординарий — неизменяемый текст латинского католического богослужения, который состоит из следующих частей:

Ординарий мессы составляют следующие песнопения:
1. Kyrie eleison («Господи, [помилуй]»): обращенная к Богу череда прошений о милости в ходе Обряда покаяния, который имеет место в Начальных обрядах мессы.
2. Gloria in excelsis Deo («Слава в вышних Богу»): Великое славословие, восхваляющее Бога, единого в Троице. Звучит в завершающей части Начальных обрядов мессы в праздничные и воскресные дни (за исключением воскресений Адвента и Великого поста).
3. Credo («Верую»): исповедание христианской веры как ответ верующих на слово Божие в конце Литургии слова. (Звучит только в воскресенья, а также в дни торжеств, т.е. великих праздников).
4. Sanctus («Свят»): песнопение, которым верующие выражают благоговейное ликование, соединяясь с ликованием ангелов и святых, предстоящих перед небесным престолом Божиим. Это песнопение непосредственно предшествует евхаристическому освящению даров.
5. Benedictus qui venit («Благословен Грядущий»): выражение благоговения перед живым Христом, приходящим в собрание верующих под видом хлеба и вина. Эти завершающие слова песнопения Sanctus в определенный период церковной истории выделялись в самостоятельное песнопение, которое звучало сразу же после освящения даров.
6. Agnus Dei («Агнец Божий»): троекратное призывание Христа – Агнца Божия, берущего на Себя грехи мира.

Моте́т  (от старофранц. mot — слово) — вокальное многоголосное произведение полифонического склада, один из центральных жанров в музыке западноевропейского Средневековья и Возрождения.

Мотет — универсальный жанр профессионального музыкального искусства. Его культурно-социальное функционирование зависело от содержания распетого в нём текста. Мотеты со стихами духовной тематики звучали как в церкви, так и в светской обстановке (например, при аристократических дворах); мотеты с текстами светской тематики (особенно на «вульгарных» наречиях) в церкви не распевались.

Мысли, чувства, образы окружающего мира передаются в музыке звуками. Но почему определенная последовательность звуков в мелодии создает печальное настроение, а другая, наоборот, звучит светло и весело? Почему одни музыкальные произведения вызывают желание петь, а иные – танцевать? И почему от прослушивания одних возникает чувство легкости и прозрачности, а от других – грусти. Каждое музыкальное произведение отличается определенным набором характеристик. Эти характеристики музыканты называют элементами музыкальной речи. Содержание пьес передается разными элементами музыкальной речи, создающими определенный образ. Главным средством музыкальной выразительности является мелодия. Именно с мелодии начинается музыка как особое искусство: первая услышанная, первая пропетая мелодия становится одновременно и первой музыкой в жизни человека. В мелодии – то светлой и радостной, то тревожной и сумрачной – слышатся нам человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья.  Мелодия – «главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без нее все бледно, мертво…», - писал когда-то замечательный русский музыкант, композитор и критик А.Серов. «Вся прелесть музыки – в мелодии», - говорил И.Гайдн. «Без мелодии музыка немыслима», - слова Р.Вагнера.

Глюк. "Мелодия" из оперы "Орфей и Эвридика"

Например, пьеса немецкого композитора К. Глюка, которая называется «Мелодия».  Она звучит то жалобно, тоскливо, печально, иногда с волнением, мольбой, щемящим чувством отчаяния и грустно. Но мелодия эта льётся как бы на одном дыхании. Поэтому можно сказать, что в пьесе одна часть. В ней нет контрастных, других мелодий. 

 Мелодия – основа музыкального произведения, развитая, законченная музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Это выразительный напев, который может передать различные образы, чувства, настроения. Греческое слово «melodia» означает «пение песни», так как происходит от двух корней: melos (песнь) и ode (пение).  Самой маленькой частью мелодии является мотив - короткая законченная музыкальная мысль. Мотивы объединяются в музыкальные фразы, а фразы - в музыкальные предложения. Несмотря на небольшой размер, мелодия вмещает в себя все составляющие драматургического развития: начало (рождение основного мотива), развитие, кульминация и заключение.

Как всякий могучий талант. Верди отражает в себе национальность и свою эпоху. Он — цветок своей почвы. Он — голос современной Италии... Италии, взволнованной политическими бурями, Италии, смелой и пылкой до неистовства.
А. Серов

Верди — классик итальянской музыкальной культуры, один из самых значительных композиторов XIX в. Его музыке присуща неугасающая с течением времени искра высокого гражданского пафоса, безошибочная точность в воплощении сложнейших процессов, происходящих в глубинах человеческой души, благородство, красота и неисчерпаемый мелодизм. Перу композитора принадлежат 26 опер, духовные и инструментальные произведения, романсы. Самую значительную часть творческого наследия Верди составляют оперы, многие из которых («Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло») звучат со сцен оперных театров всего мира уже более ста лет. Произведения других жанров, за исключением вдохновенного Реквиема, практически не известны, рукописи большинства из них утеряны.

Увертюра - инструментальная оркестровая пьеса, служащая вступлением к музыкальным (и не только) произведениям. Увертюра может открывать оперу, балет, хоровые выступления, кинофильм, драматическую театральную постановку, инструментальные композиции и др. 

Увертюра к опере "Сила судьбы."

Adagio - итальянское слово, которое переводится как "медленно, спокойно". 
Его переводили с итальянского как "покойно", "вольготно" и даже "удобно". Использовали для указания характера музыки. Словарь Броссара дает следующее толкование слову: "удобно, покойно, всегда медленно, растягивая тему, протяжно".  Энергия сосредоточена в таком ровном и напряженном состоянии, а после переходит в страсть или в активную форму. В определенные времена слово означало "умеренный темп". В конце XVII века такое определение ему дали Перселл, Вольф, Броссар, Коррет. 

В музыке это слово обозначает темп, в котором необходимо исполнять часть симфонии, сонаты, квартета или любого другого произведения. Часто словом Адажио обозначают одну из частей крупного произведения для симфонического оркестра или какого-нибудь инструмента. Оно указывает на достаточно медленный темп, который медленнее анданте, но живее ларго. Если композитор использует в своем сочинении часть "адажио", это является признаком таланта. В нем можно показать весь творческий потенциал. Образцами можно назвать Бетховена и Альбинони, адажио которые знает весь мир. Адажио – это способ сделать контраст между частями с быстрым и бурным темпом. Эту тему можно проследить в разных произведениях других композиторов. Именно эта часть стала самой волнующей и привлекающей внимание миллионов. 

ПРЕЛЮДИИ.

 Слово «прелюдия» в переводе означает «вступление». Сначала этим термином обозначали небольшой вступительный раздел перед главным изложением музыкального произведения. В XIX веке так стали называть маленькую самостоятельную пьесу, в которой воплощается настроение. Разнообразны прелюдии не только по содержанию (меланхоличные, певучие, бурно-стремительные, сосредоточенные, светлые, жизнерадостные), но и по форме. Несмотря на миниатюрность некоторых прелюдий, Ля-мажор, до-минор, эти произведения завершенные и совершенные. Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века. 

Этюды любят и знают любители музыки  и все ,без исключения, пианисты. Жанр этюда известен с XVIII века. Этюд в музыке, инструментальная пьеса, основанная на использовании какого-либо технического приема игры и предназначенная для развития исполнительской техники. Обычно этюды  объединяются в сборники, которые включают пьесы, способствующие приобретению разнообразных технических навыков 

Высокую художественную ценность имеют этюды для фортепьяно. Этюды- одна из наиболее распространенных музыкальных форм, пьесы-миниатюры предназначенные для усовершенствования

техники исполнителя. Этюд - яркая ,кратко выраженная мысль, настроение,картина,
событие и тд.. Трудно порой описать, какой содержательности ,какой выразительности и
глубины можно достичь в такой миниатюрной, да еще "технической"пьесе..
Фортепианные этюды сочиняли  многие композиторы.
Как самостоятельный жанр этюд получил развитие в 19 в. в связи с расцветом виртуозного исполнительства, усовершенствованием музыкальных инструментов. В том же веке получает широкое распространение концертный этюд.