Полифоничная фактура Рахманинова всегда дышит – она производит впечатление живой, природной субстанции, а не искусственно сплетенной ткани. Музыкальная форма у Рахманинова неизменно направлена на восприятие. 

Читая о Рахманинове, я был просто потрясен, когда узнал, что коллеги вообще не принимали его всерьез как композитора. Считали его гениальным пианистом, который не может удержаться от того, чтобы еще и сочинять, но только вот сочинять-то он не умеет, поэтому пишет нечто старомодное. Дескать, публике нравится, потому что она дура. И он с непреклонным мужеством превозмогал депрессию и отчаяние, вызванные таким отношением, и шел вперед – так, как чувствовал.

Кто-то назвал Рахманинова последним рыцарем прекрасной эпохи. Он оказался не нужен новой России, хотя оставался всегда ее сыном.

Послушаем, что говорили о Рахманинове современные музыканты

Михаил Плетнев. народный артист России, основатель, художественный руководитель и главный дирижер Российского национального оркестра

 

Называть Рахманинова пианистом, композитором, дирижером – мелко. Рахманинов – это бог. Божественный бог. Его одаренность сравнима с Моцартом – чисто музыкальные способности были настолько выдающиеся, память настолько безупречна, что Рахманинов поражал своих современников. Известна история, как однажды Глазунов пришел к Сергею Танееву и принес свою только что написанную симфонию. Танеев уговорил гостя исполнить ее. При этом хозяин запер все двери и попросил Глазунова начинать. Глазунов сыграл, после этого начались разговоры, обсуждение. Через полчаса Танеев сказал: «Ах, я запер все двери, а, может быть, кто-нибудь пришел…» Он вышел и через некоторое время вернулся с Рахманиновым, представил и сказал: «Он тоже только что сочинил симфонию». Рахманинов сел за рояль и сыграл симфонию… Глазунова. Тот был потрясен. «Это же моя симфония… Где вы с ней познакомились, ведь я ее никому не показывал?» Тут Танеев открыл секрет, что Рахманинов сидел в спальне и с первого раза на слух все запомнил.В идеале оркестр должен звучать, как рояль у Рахманинова. Ведь какая бы ни была сложная фактура, Рахманинов играет так, что какой-то элемент звучит, а все остальное убрано. Нет ни одной бессмысленной ноты. В звучании Рахманинова нет этой обыденности. Что-то слышишь, а о чем-то можно только догадываться… В каждой сыгранной им ноте он ни на кого не похожий, в его игре я слышу русскую культуру и историю, Чехова, Толстого, Тургенева; а еще стиль жизни и людей.

Владимир Федосеев, народный артист России, художественный руководитель и главный дирижер БСО им.П.И.Чайковского 

Влияние самого Рахманинова и его музыки огромно, оно превышает границы искусства. Если в школе у нас не воспитывают любовь к родине, то это может восполнить музыка Рахманинова. По-настоящему открыть Рахманинова западному исполнителю, кстати, очень сложно, русские ощущают его музыку иначе, с большей полнотой. Может быть, потому что наши чувства огромные. Или в связи с тем, сколь велики просторы в России. Но есть какая-то загадочность, которая заключена в его музыке, которую русский ощущает иначе. Словами это не объяснишь: когда душа вибрирует, поет, скорбит, плачет. Рахманинов посылает нам вневременные импульсы. Его душа «работает» через его музыку и выполняет великую миссию.

Владимир Юровский, художественный руководитель ГАСО России им. Е.Ф. Светланова, Лондонского филармонического оркестра и Симфонического оркестра Берлинского радио

Рахманинов стал одной из вершин в развитии пианистического искусства всех времен европейской музыки. 

Денис Мацуев, пианист, народный артист России

Рахманинов – это всегда очень родное. Мы чувствовали бы себя сиротами, если бы его не было.

Сергей Рахманинов родился 1 апреля 1873 года в усадьбе Семеново, недалеко от Великого Новгорода. Одним из первых в семье композитора увлекся музыкой его дед — Аркадий Рахманинов. Он выступал на благотворительных концертах, музыкальных салонах и учился у известного ирландского композитора Джона Фильда, среди учеников которого были Михаил Глинка и Александр Дюбюк.

У Сергея Рахманинова, который начал обучаться игре на фортепиано с четырех лет, были не менее выдающиеся учителя. В Московской консерватории, где композитор провел несколько лет, его преподавателем был Николай Зверев, ранее обучавший Александра Скрябина; здесь же молодой музыкант познакомился с Петром Чайковским

Ученики профессора Зверева. 
Второй справа во втором ряду - Сергей Рахманинов

После событий февральской революции Рахманинов вместе с семьей покинул Россию и уехал в Америку. Этот момент можно назвать вторым переломным в жизни композитора, который очень тяжело переживал расставание с родиной. Несмотря на то что он активно выступал и давал концерты в Америке и Европе, его следующая работа как композитора была написана только в 1926 году, спустя почти десять лет после отъезда.

За то время, что Рахманинов прожил за рубежом, он написал всего шесть произведений, самые известные среди которых — Четвертый концерт для фортепиано с оркестром (1927) и три русские песни для хора и оркестра (1927).

Последние годы жизни Сергей Рахманинов жил в Швейцарии, недалеко от Лозанны.

Он умер в 1943 году и был похоронен в Беверли-Хиллз, Калифорния.

Третий фортепианный концерт d-moll ор. 30, написанный Рахманиновым летом 1909 года, представляет собой вершину рахманиновского творчества второй половины 1900-х годов. Он завершает и в известном смысле подытоживает эту сложную полосу творческих исканий композитора. 

 В Третьем концерте безусловное господство принадлежит солисту. Это проявляется не только в том, что проведение всех основных тем (за исключением темы второй части — Intermezzo) в экспозиционных разделах поручено фортепиано, но и в смелом «обнажении» фортепианной звучности в кульминационных моментах развития, когда на длительных отрезках оркестр совсем умолкает, отступая перед напором воли и темперамента солиста. Исполнитель сольной партии не соревнуется с оркестром, а диктаторствует и безраздельно властвует над ним. Самые средства фортепианного изложения в Третьем концерте значительно обогащаются по сравнению с более ранними рахманиновскими произведениями. При этом развивается и мелкая пассажная техника, отличающаяся подчас почти моцартовской классической ясностью рисунка (На моцартовские черты в главной партии первой части концерта обращает внимание Асафьев.), и искусство «многоэтажных» аккордовых наслоений, создающих впечатление одновременного звучания нескольких регистров. Высшей ступени своего развития достигает то, что можно назвать монументальным фортепианным симфонизмом Рахманинова

Впервые я услышал этот концерт в исполнении Вана Клиберна. Это было потрясающе

 

 

Завтра будет играть Валерий Кулешов - один из самых ярких фортепьянных исполнителей. Я писал о нем когдато, поэтому не буду повторяться. Нам он всегда нравился. 

А теперь о втором рыцаре ушедшей эпохи.

Ян Сибелиус

В 1939 году Рахманинов  писал в дневнике: “Я чувствую себя призраком, блуждающим по чуждому миру. Я не могу отказаться от старой манеры письма и не могу принять новую. Я предпринимал напряженные усилия, чтобы почувствовать современную музыкальную манеру, но она мне не подошла…. Я не могу враз изгнать моих музыкальных богов и преклонить колени перед новыми”.

Сибелиус чувствовал ту же боль утраты. Он писал в дневнике: “Не каждому суждено быть гением, изобретающим что-то новое. Как у личности и как у лесного призрака (eine Erscheinung aus dem Waldern) у тебя свое скромное место”.

Они близки были по духу - последние рыцари уходящей эпохи.

Родившийся в 1865 году Сибелиус – не только самый известный финский композитор, но и важнейшая знаменитость страны. Он сыграл символическую, но активную роль в борьбе за независимость Финляндии, которая была получена в 1917 году. Если попросить финнов описать собственную культуру, то среди национальных достояний, к которым принадлежат сауна на берегу озера, ножницы Fiskars и мобильные телефоны Nokia, они непременно упомянут “нашего Сибелиуса”. До появления евро монументальная голова Сибелиуса украшала банкноты в 100 марок. Во многом благодаря ему классическая музыка сохранила центральную роль в финской культуре. Правительство страны вкладывает огромные суммы в оркестры, оперные театры, программы новой музыки и музыкальные школы. В пересчете на душу населения ежегодные расходы Финляндии на искусство примерно в 200 раз больше, чем те суммы, которые американское правительство тратит через Национальный фонд искусств.

Мы уже говорили с вами о музыке Сибелиуса, а потому не буду повторяться. Завтра в концерте будет звучать Пятая симфония Сибелиуса.

Пятая симфония начинается и заканчивается в кристально чистом мажоре, но это ошеломляюще нестандартное сочинение. Сонатная форма рассыпается на глазах, вместо методичного развития внятно определенных тем мы видим постепенную, нарастающую эволюцию музыкального материала через подобное трансу повторение. Музыковед Джеймс Хепокоски в монографии, посвященной симфонии, называет ее “переменной формой”: важнейшие идеи сочинения повторяются снова и снова, каждый раз меняясь. Темы принимают свои истинные очертания лишь в конце цикла изменений, что Хепокоски называет “завершением”, божественной целью.  Музыка становится поиском значения внутри открытой структуры, аналогом духовной жизни.

В начале Пятой духовые играют нежную сияющую тему, первые ноты которой задают симметричный набор интервалов: кварту, большую секунду и снова кварту. Через пятьдесят лет Джон Колтрейн использует эту же конфигурацию в джазовом шедевре A Love Supreme. Тональность Сибелиуса – героический ми-бемоль мажор, но мелодия оказывается летучей, не прикасающейся к земле. Чувство невесомости добавляет ритмический трюк. Сначала звучит стандартный размер 4/4, но после синкопированного шага в сторону он оказывается 12/8. Начинается процесс перемены: мелодический материал разбивается на фрагменты и несколько раз приобретает новые очертания. В четвертом проведении напряжение достигает пика: темп постепенно нарастает, пока музыка внезапно не устремляется вперед. Сибелиус достигает эффекта благодаря исключительному мастерству работы над партитурой. После премьеры первой версии симфонии в 1915 году он решил полностью ее переделать и, в частности, убрал конец первой части, начало второй и сплел обе части воедино. Ускоряющийся пассаж стал кинематографическим “наплывом” одной части на другую.

Вторая часть Пятой чарует покоем, хотя под спокойной поверхностью вызревает новая важная идея – колеблющийся мотив падающих и поднимающихся интервалов, который в финале подхватывают валторны и превращают в величайшую из тем Сибелиуса. Композитор назвал ее “лебединым гимном”, запись об этом в его дневнике соседствует с описанием шестнадцати лебедей, пролетающих над Айнолой: “Одно из самых сильных переживаний! Господи боже, какая красота! Они кружились надо мной очень долго. Исчезли в солнечной дымке, как сияющая серебряная лента… Это должно было случиться со мной, я слишком долго был где-то вне”. Лебеди вернулись три дня спустя: “Я все время думаю об этих лебедях, они придали моей жизни величие. Странно осознавать, что ничто в целом мире – ни в музыке, ни в искусстве, ни в литературе – не способно произвести на меня такое же впечатление как эти лебеди, журавли и дикие гуси. Их голоса и естество”.

Лебединый гимн выходит за пределы описания природы: это духовная сила в животной форме. В сумятице струнных валторны начинают тему так, как будто всегда играли ее, а слушателю только и остается, что начать внимать. Мгновением позже редуцированная версия темы слышна в басовом регистре оркестра, что создает еще один гипнотический эффект многоуровневого времени. Деревянные духовые начинают собственную мелодию, печально кружащуюся фигуру, которая странным образом напоминает “Гимнопедии” Эрика Сати. Здесь нет “маскулинной” героики в духе “Героической симфонии” Бетховена, тоже написанной в тональности ми-бемоль мажор. Как полагает Хепокоски, поздняя музыка Сибелиуса предполагает скорее материнскую, нежели отцовскую, логику – данные свыше темы в симфонической форме. Только исказившись диссонансами, музыка освобождается от инерции своего бесконечного раскачивающегося движения и приходит к финальной каденции. Лебединый гимн, который теперь ведут трубы, переживает конвульсивные изменения и пугающе перерождается. Интервалы раздвигаются, разрушаются и формируются заново. Симфония заканчивается шестью широкими аккордами, в которых с новой энергией пульсирует главная тема. Лебедь становится солнцем.

 

Только что посмотрел фильм Павла Лунгина "Ветка сирени". Трудно сказать, что «восхищает» в этой картине больше - пошлейший сюжет или убожество исполнения. Впрочем, посмотрите, а потом поговорим.

По легенде, после каждого своего концерта Рахманинов получал от незнакомки ветку белой сирени. Так продолжалось до самой его эмиграции в Америку. А через некоторое время и в Штатах опять возникла сирень...

Об этой истории снял фильм Павел Лунгин, режиссер, чьи фильмы Остров, Царь я смотрел с удовольствием. Но вот появился странный фильм, который очень удивил меня. Фильм, по словам одного журналиста с телевидения, напоминает наскоро сляпанную программу, в которой актеры с отклеивающимися в кадре усами изображают исторических персонажей, а сюжетные дыры залепляют кинохроникой.

Режиссёр родился 12.7.1949. В 1971 он окончил отделение математической и прикладной лингвистики МГУ, в 1980 ВСК (мастерская М. Львовского). Автор сценариев более десяти художественных фильмов, выпущенных различными студиями СССР Фильмография (режиссер): Царь (2009) Художественный фильм Ветка сирени (2007) Остров (2006) Художественный фильм Бедные родственники (2005) Художественный фильм Дело о Мертвых душах (2004) Телевизионный фильм Московская высотка (2003) Телевизионный фильм Олигарх (2002) Художественный фильм Свадьба (La Noce) (2000) Художественный фильм Владимир Маяковский (1998) Документальный фильм Ботинок (1997) Художественный фильм Линия жизни (1996) Художественный фильм Эскимосы. Ненужный народ. (1994) Документальный фильм Ницца: маленькая Россия (1993) Документальный фильм Восточный роман (1992) Художественный фильм Луна-парк (1992) Документальный фильм ГУЛАГ: секрет счастья (1991) Документальный фильм Такси-блюз (1990).

Выпадает из этого списка фильм "Ветка сирени" Павля Лунгина

По словам Лунгина, это не картина в жанре "жизнь замечательных людей".  Фильм не про Сергея Васильевича Рахманинова.Он был на много добрее, порядошней, честнее, сильнее и жену свою любил от первого до последнего дня, чем тот человек, которого показал Лунгин.   В фильме фальшивым выглядит все, и игра актера, и сам фильм. Лунгин называет этот фильм, правда, "продюсерским проектом", но что бы это значило?

Разобраться в этом нам поможет статья Екатерины Барабаш "Эпитафия Рахманинову" в "Независимой газете" от 25.06.2007 года о фильме:  « Ветка сирени » Павла Лунгина на Московском кинофестивале. Зрители Московского кинофестиваля увидели новый фильм Павла Лунгина « Ветка сирени ». Картина была показана в разделе «Гала-премьеры». Что делают люди, когда у них появляются деньги? Наверное, смотря какие люди и смотря какие деньги. Михаил Дунаев, например, решил снимать кино по собственному сценарию. Кто-то нашептал ему, что он знает, как это делать. (Только не спрашивайте, кто такой Дунаев. Просто это человек, у которого есть деньги.) Выступив автором сценария и продюсером, на роль режиссера пригласили Павла Лунгина . Роль у Лунгина , похоже, оказалась не главной. Впрочем, за Лунгина обидно меньше, чем за действительно главного героя картины « Ветка сирени » – Сергея Рахманинова. Рассказ о жизни композитора и пианиста предъявил нашему взору унылого, не очень умного фигляра, в котором от Рахманинова только внушительный нос и звучащая музыка. Евгений Цыганов, на котором остановил свой поздний мучительный выбор режиссер, – определенно душка. Он обаятелен и сексапилен, даже, наверное, не в меру. Однако мучения великого композитора, источенного творческим бесплодием, для молодого актера – непосильная ноша. Он сразу становится похож на мальчика из самодеятельного спектакля, поставленного восьмым «Б» под руководством школьного учителя пения. Хмурит брови, дергает ртом, суетится и под бдительным оком постановщика совершает нелепые поступки. Жена у него, правда, ангел (Виктория Толстоганова), о чем свидетельствуют ее все время распахнутые глаза, полузастывшая улыбка и тоненький голосок. Даже прекрасные актеры – Лия Ахеджакова, Алексей Петренко – играют здесь словно эпитафии самим себе. Таких Петренко и Ахеждакову мы видели тысячи раз, и собственные шаржи уместны больше на каком-нибудь капустнике, нежели в серьезной работе серьезного вроде бы режиссера. Первую треть фильма проводишь в недоумении – а что, это и правда готовый фильм, не сырой материал, не рекламная нарезка? Правда-правда, фильм. С катастрофически нелепым монтажом, не поддающимся логике, с беспомощными персонажами, актерами, словно умышленно саботирующими. Вот скажет потом кто-нибудь: «Ну что ж ты, братец…», а он в ответ: «Да ты посмотри, я ж понарошку, разве я мог всерьез в этом играть?»      И то верно. Всерьез играть то, что вышло из-под пера начинающего сценариста, нельзя даже при большом желании. Наштампованные персонажи ходят по экрану, как зомби, заученно бубня диалоги, словно вышедшие из какого-то специального драматургического инкубатора, где выращиваются фразы, которыми люди в жизни никогда не говорят. Как хороша и проста была бы наша жизнь, если бы всегда честного и доброго человека можно было распознать по придурковатой нежной улыбке, талантливого – по характерному дерганью ртом и хмуренью глазами, сребролюбца – по идеально белозубой улыбке, призывам завоевать весь мир и неожиданному простецкому хохотку.

Еще краше была бы наша жизнь, если бы каждый занимался своим делом, а режиссеры снимали бы только то, что им самим нравится.

Вот это продюскр Михаил Дунаев. Он же сценарист этого фильма. Перед тем, как звняться кинематографом, Михаил Дунаев был генеральным директором ОАО "Система Масс Медиа", которое подмяло под себя все кабельные сети РоссииЮ а потом и Цифровое телевидение России. Это самоуверенный менеджер от кино, который поставил перед собой задачу -  Интегрировать российское кино в западный мир. Решать эту задачу он предлагает за счет режиссерских имен мирового уровня. На сей раз выбор его пал на Павла Лунгина. Когда Михаила Дунаева спросили, а что, с его точки зрения, мешает нашему кино нормально развиваться? то он ответил:
"90-е годы развратили русский бизнес - он стал относиться к деньгам как к чему-то само собой разумеющемуся. Но многие уже начинают понимать, что деньги должны доставаться трудно и это важный процесс. Продюсер несет огромную ответственность не только перед творцом, но и перед инвесторами.

Поэтому обычные для российского режиссера доводы - я сегодня не готов, я не в том состоянии - в коммерческом кинопроизводстве не проходят. И если съемка назначена на девять утра, она не должна начинаться в два часа дня, как это сплошь да рядом бывает. Кино должно сочетать творчество с индустриальными методами, иначе оно просто не выживет."

В 2003 году Михаил Дунаев основал в Люксембурге ЗАО «Тема Продакшн». Более одной трети съемочных групп «Темы Продакшн» будут составлять приглашенные европейские актеры, режиссеры, сценаристы и операторы.

«Кино будет сниматься и на русском, и на английском языках, — заявляет Михаил Дунаев. — Мы собираемся продавать фильмы западным прокатчикам и нравиться международному зрителю». Пока российские киностудии ищут инвестиции, АФК “Система” решила, что куда выгоднее финансировать производство фильмов за рубежом. Корпорация вложила 10 млн евро в картины с голливудскими звездами, а в следующем году готова потратить вдвое больше. Впрочем, в будущем “Система” собирается организовать в России производство фильмов для зарубежного проката. По словам управляющего директора Thema Production, компания зарегистрирована в Люксембурге, поскольку законодательство европейских стран освобождает от налога на прибыль средства, инвестированные в кинопроизводство в пределах 20% от бюджета фильма. Thema финансирует фильмы с бюджетом до 12 млн евро, вкладывая 30-40% из средств “Системы”. Столько же вносят инвесторы из Люксембурга и Великобритании, заинтересованные в налоговых льготах, остальное берут на себя копродюсеры, говорит Дунаев. Главное в продюсерском фильме - извлечение максимальной прибыли. Искусство уходит на второй план. И для продюсеров нет ничего святого. Можно активно торговать Родиной, что успешно делают

Продюсерский фильм «Ветка сирени», на мой взгляд, оказалась большой неудачей Павла Лунгина, получившего хороший бюджет и плохой сценарий, от которого было невозможно отказаться, поскольку написал его продюсер фильма Михаил Дунаев. Особенно не украшает картину исполняющий главную роль Сергея Рахманинова артист Евгений Цыганов, в течение 30 экранных лет пребывающий в одном возрасте.

Более подробно о моем любимом Рахманинове можете почитать здесь. Два года назад я написал этот пост, А в заключение покажу Вам памятник С.В.Рахманинову, который был создан на народные деньги в 2009 году скульптором А.И Рукавишниковым. Открывала его правнучка С.В.Рахманинова Натали Ванамейкер-Хавьер, вместе с мужем Джеффри и сыном Сергеем живет в Коста Рики.

                

27 февраля 2013 г. в США на 78 году жизни умер Ван Клиберн, выдающийся музыкант. Спасибо ему за то, что он сделал для нас, он был символом своего времени, надеждой и кумиром моего поколения. Это очень сложно — уметь вписаться в течение времени и занять в нем свое место. Незабываемое и очень необходимое. Он не был гениальным пианистом, но сумел быть звездой.

Американцы пытались разгадать феномен Вена Клайберна. Посмотрите документальный фильм (на английском языке) об этом удивительном музыканте.

Своим исполнением 1 концерта Чайковского в 1958 году на 1 конкурсе музыкантов-исполнителей имени П.И.Чайковского Ван Клиберн покорил сердца советских людей. Обаяние, молодость, душевность, дивная улыбка сделали его нашим послом в далекой Америке. То, что сделал Ван Клиберн в 1958 году, всего лишь исполнив концерт Чайковского, не под силу ни одному политику. Он стал Ваней Клиберном для русских и национальным героем в США. Странно, что об этом мало говорят в нашей прессе, что безусловно свидетельствует как о культурной деградации наших СМИ, так и о сознательно выращиваемой в последнее время злобе ко всему американскому.















С детства Ван Клиберн обожал фортепьяно и мечтал быть только музыкантом. Учиться его сподвигла мама, жена инженера-нефтяника и сама одаренная пианистка и преподаватель музыки, услышав, как музицирует ее трехлетний сын. Отец соорудил для сына «студию» в гараже, чтобы тот мог беспрепятственно заниматься.

В Джульярдской школе, ставшей альма-матер для практически всех значимых американских музыкантов, учителем Клиберна была легендарная Розина Левина (на фото слева), выпускница еще дореволюционной Московской консерватории. Быть может, именно это помогло ему выиграть конкурс Чайковского: музыкант, безусловно, был воспитан в традициях русской исполнительской школы.
Джульярдская школа (англ. Juilliard School) — одно из крупнейших и престижнейших американских высших учебных заведений в области искусства и музыки. Расположена в нью-йоркском Линкольн-центре.
В 1949 году 15-летний Клиберн дал концерт в Карнеги-холле. После победы в одном из конкурсов звукозаписывающая компания RCA Victor предложила ему контракт на запись диска. Его исполнение Первого концерта Чайковского получило платиновый статус — впервые в истории классической музыки — и принесло музыканту «Грэмми». Так что в 1958 году к нам приехал вовсе не новичок, а вполне состоявшийся у себя в стране молодой музыкант.А вот что написал замечательный пианист и педагог Г. Г. Нейгауз: «Итак, наивность покоряет прежде всего сердца миллионов слушателей Вана Клиберна. К ней надо прибавить все то, что видно невооруженным глазом, вернее, слышно невооруженным слухом в его игре: выразительность, сердечность, грандиозное пианистическое мастерство, предельная мощность, а также мягкость и задушевность звука, способность перевоплощаться, правда, еще не достигшая своего предела (вероятно, по молодости лет), широкое дыхание, „крупный план“. Его музицирование не позволяет ему никогда (не в пример многим молодым пианистам) брать преувеличенно быстрые темпы, „загонять“ произведение. Ясность и пластичность фразы, превосходная полифония, чувство целого — не перечесть всего, что радует в игре Клиберна мне представляется (и думаю, что это не только мое личное ощущение), что он — самый настоящий яркий последователь Рахманинова, испытавший с детских лет все очарование и поистине демоническое влияние игры великого русского пианиста».

Карьера музыканта была высокодоходной хотя и недолговечной. За концертный сезон 1958-59 годов его доход составил 150000 долларов. Его концерт в Карнеги-Холле с участием Кирилла Кондрашина и симфонического оркестра Symphony of the Air, состоявшийся 19 мая 1958 года, стал повтором программы финального тура конкурса, и его передала в эфир нью-йоркская радиостанция классической музыки WQXR. Клиберн подписал контракт с RCA Victor, и за год был продан миллион пластинок с записью первого концерта Чайковского в его исполнении.

Сначала Клиберн не понимал, каковы политические последствия его победы. «Ох, да я совсем и не думал об этом, - вспоминал он в 2008 году, давая интервью New York Times. – Мне так понравились эти прекрасные и дружелюбные люди, столь страстно любящие музыку». «Русские, - добавил он, - напоминали мне техасцев».

В 1978 году, после смерти отца, Клиберн перестал концертировать и появляться на публике — в том, году он дал всего два концерта (правда, в Белом доме и в Карнеги-холле).

Всеобщая любовь принесла Клиберну славу и достойный заработок, но отчасти и навредила, сделав его заложником образа. В глазах американской публики Клиберн был победителем, и раз за разом ему приходилось предъявлять доказательства этой победы. Принесшие музыканту славу концерты Чайковского и Рахманинова стали его «фирменным» номером, который он был вынужден повторять на всех концертных площадках. В 1960-х годах Клиберн начал осваивать новый репертуар — он играл и записывал фортепианные концерты Шумана, Грига, Моцарта, Прокофьева и Бетховена, а также камерные произведения романтиков, в основном Листа, Шопена и Брамса. Критики реагировали на эти исполнения по большей части сдержанно, хотя некоторые из них были признаны удачными. Все ждали, что фортепианный вундеркинд повзрослеет и в его игре в дополнение к певучести и виртузности появятся зрелость и глубина, но в полной мере этого так и не произошло.

Мало кто знает, что после одного успешного концерта, 12-летний Ван настолько сильно настроился на серьезную карьеру, что занимался по 9 часов кряду и... сорвался. Одно упоминание о музыке вызывало дикое раздражение. Ван впал в депрессию, было понятно, что на пианизме ставится жирный крест... Клиберн стал ездить с отцом на нефтяные месторождения, чтобы отвлечься, а потом и вовсе заделался таксистом. Так бы и шоферил по сей день, пока не попал в колоссальную аварию — машина кусками на дороге, Ван провел много времени в больнице и ... перестал выступать совсем.

Год назад Ван Клиберн дал свое последнее интервью. Вот таким мы и запомним этого великого человека.

В наших СМИ смерть Вана Клиберна прошла незамеченной. Путин вчера выразил соболезнование родным и близким Клиберна. Он написал, что что его уход — невосполнимая потеря для поклонников многогранного дарования маэстро, для всех, кто знал этого яркого, удивительно обаятельного и открытого к общению человека. Путин выразил уверенность в том, "что Россия навсегда запомнит Вана Клиберна как искреннего друга российского народа"

Ван Клиберн будет похоронен в субботу, 2 марта, в городе Форт-Уорт в Техасе.

Уходит эпоха, а с ней и ее символы. Он был, пожалуй последним романтиком в музыке, таким он и останется в моем сердце навсегда!

В 2004 году Путин вручил Вану Клиберну орден Дружбы.

 

 

2 марта 2013 года В США  простились с Ваном Клиберном под «Подмосковные вечера»

20 марта по старому стилю (1 апреля по новому стилю) 1873 года родился Сергей Васильевич Рахманинов. И есть повод поговорить о его музыке.

Великий русский музыкант Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943 годы) родился в местечке Семеново под городом Старая Русса Новгородской губернии. Детские годы он провел в семейном имении Онег под Великим Новгородом. Сергей Рахманинов родился в семье генеральской дочери Любови Петровны Бутаковой и отставного гусарского офицера Гродненского полка Василия Аркадьевича Рахманинова. Любовь Петровна получила в приданое пять имений с большими земельными угодьями (одно имение было родовое, другие – получены в награду за службу в кадетском корпусе отцом Петром Ивановичем Бутаковым), которые её муж – «вертопрах», по выражению матери Любови Петровны, Софьи Александровны Бутаковой, менее чем за десять лет промотал. С продажей последнего – Онега, в котором прошло ранее детство Сергея, семья переехала в Петербург, где Сергея отдали в консерваторию; там же, по взаимному согласию, супруги разошлись.

Музыкой Сергей начал заниматься в 4 года. В 9 лет поступает в Петербургскую консерваторию, а в 1885 г. переходит в Московскую, в класс Зверева. На старшем отделении занимается по фортепьяно с Зилотти, по теоретическим предметам – у Танеева и Аренского. В 1891 г. , на год раньше срока, окончил консерваторию по классу фортепьяно. Через год – по композиции. Дипломная работа – опера «Алеко». Поставлена в Большом театре в 1893 г.

 

1892-1894 гг: несколько серий небольших ф-ных пьес, 6 пьес для ф-но в 4 руки, романсов, сочинения для скрипки и виолончели с ф-но, симф. фантазия «Утес», каприччио на цыганские темы для большого оркестра, фантазия для 2-х ф-но (посв. Чайковскому), «Элегическое трио» (Памяти Чайковского).

1900 – 1901 гг. –2-й ф-ный концерт. Одновременно или непосредственно вслед за ним возникают: серия из 12 романсов ор.21 («Сирень», «Здесь хорошо» и т.д.); 2-я сюита для 2-х ф-но, виолончельная соната, 10 ф-ных прелюдий ор.23, кантата «Весна».
1904 г. – «Скупой рыцарь», «Франческа да Римини».

1909 – 1917 гг. – 3-й ф-й концерт, цикл ф-ных прелюдий ор.32, 2 цикла этюдов картин, 2-я соната для ф-но, 2 серии романсов ор34 и ор.38, симфоническая поэма-кантата «Колокола», хоровые духовные композиции «Литургия Иоанна Златоуса», «Всенощное бдение».

1927 г. – 4-й ф-ный концерт g moll, 1932 г. – ф-ные вариации на тему Корелли. 1934 г. – Рапсодия на тему Паганини для ф-но с оркестром 1935-36 гг – 3я симф a moll

Последнее сочинение – «Симфонические танцы» для оркестра – 1940 г.

Рахманинов скончался 28 марта 1943 г. в Лос Анджелесе.

Родители С.В.Рахманинова

Творческий облик Рахманинова-композитора часто определяют словами «самый русский композитор».

При жизни Рахманинова нещадно бранили за три «греха»: старомодность, отсталость, салонность. Музыка Рахманинова очень близка к традициям Чайковского и Римского-Корсакова. Композитор принадлежал к той породе музыкантов, которые считали мелодию важнейшим элементом музыки, наиболее гибко проникающим в глубь явления и наиболее точно воссоздающим самые существенные его черты.

С чего начнем разговор об этом удивительном человеке? Обычно вспоминают 2-й концерт для фортепьяно с оркестром, но о нем чуть позже. А начнем, пожалуй, с его 3-го концерта.Это один из немногих фортепианных концертов, который слушается на одном дыхании - от первых нот первой части до последних аккордов финала.

"Концерт Рахманинова №3 - самый гениальный в истории концерт, который был написан для фортепиано с оркестром. "Им невозможно наиграться. Говорить об этом сложно, музыка сама за себя всё скажет", - сказал однажды один из моих любимых пианистов Денис Мацуев. С него и начнем.

Этот концерт считается одним из самых сложных для исполнения произведений для фортепиано.

 

Знаете ли вы, что означает слово КОНЦЕРТ?  Concertare — от латин. — сражаться, спорить; от итальян. — устраивать, придумывать; concerto — соглашение; di concerto — единогласно. Как вы заметили, Солист соревнуется с оркестром. Человек ищет свое предназначение в жизни.

З  концерт Рахманинова – о вечном поиске необъяснимого и недостижимого, о вечной маяте русской души и, по традиции русской духовности, об укреплении и утверждении победы духа через борьбу и преодоление.

Почему я начал с этого концерта? Он приоткрывает неожиданный взгляд на все творчество Рахманинова - на ярко выраженную религиозность. Для моего поколения колокольный звон не нес в себе ничего такого. кроме "русского исторического колорита", а ведь это неправильно! Ведь всё в этом концерте пропитано религиозным сознанием и любовью к России, многострадальной России, из которой Сергей Васильевич вынужден был уехать. Этот концерт характеризуют как “концерт – исповедь”. Его “заглавная” тема дает настрой на пронзительное лирическое откровение. Без эмоционального сопереживания композитору сыграть его достойно – невозможно.
Третий рахманиновский концерт – произведение очень известное и любимое исполнителями и слушателями. Его называют одной из музыкальных вершин русского искусства “серебряного века”. Музыканты считают этот концерт одним из труднейших в своем жанре и бесконечно богатым по эффектно-виртуозным ресурсам. Концерт рассказывает о таких серьезных вещах как смысл жизни, человеческое достоинство.

Этот концерт мне созвучен с картиной Поля Гогена «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

Гоген задумал покончить жизнь самоубийством после завершения этой картины, что он пытался сделать и ранее. Он указал, что картину нужно читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у её ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов». Голубой идол на заднем плане по-видимому представляет то, что Гоген описал как «потусторонний мир». О полноте картины он сказал следующее: «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее».

Свершаемое непостижимое таинство рождения света из тьмы находит отражение и в душах людей: сумеречное состояние отступает, душа пробуждается, в сознании вспыхивают молнии первых вопросов о своем прошлом и будущем (из пучины бессознательного существования всплывает вместе с этими вопросами крохотный пока островок самосознания). Утреннее сознание человека жаждет знать, откуда, из какого прошлого он пришел в этот мир и куда, в какую будущность устремлена его жизнь. Обладатель просветленной (дневной) души ощущает себя в лучах светозарного божества пульсирующей связью, живым нервом между прошлым и будущим.

Или эта же мысль о несбывшемся звучит у А.Грина: «Переезжая из города в город, из страны в страну, я повиновался силе более повелительной, чем страсть или мания. Рано или поздно, под старость или в расцвете лет, Несбывшееся зовет нас, и мы оглядываемся, стараясь понять, откуда прилетел зов. Тогда, очнувшись среди своего мира, тягостно спохватываясь и дорожа каждым днем, всматриваемся мы в жизнь, всем существом стараясь разглядеть, не начинает ли сбываться несбывшееся? Не ясен ли его образ? Не нужно ли теперь только протянуть руку, чтобы схватить и удержать его слабо мелькающие черты? Между тем, время проходит и мы плывем мимо высоких, туманных берегов Несбывшегося, толкуя о делах дня…».

Я хочу представить вам 3 концерт в исполнении Владимира Горовица. Не нужно сопоставлять Мацуева и Горовица, оба они играют гениально, но сам Рахманинов считал, что Горовиц непревзойденный мастер, а Владимир Самойлович стоит того, чтобы о нем помнили.

Свой концерт №3 Рахманинов начал писать в 1909 году в Ивановке — имении родителей своей кузины Натальи Александровны Сатиной. Там он нашел и свое самое большое счастье...

Ивановка… Провинциальная дворянская усадьба, затерянная в степной части юга Тамбовской губернии. Рядом с имением – одноименная деревня. Так уж сложилось на Руси, что дворянская усадьба и крестьянская деревня, всегда составляли единый, тесно сплетенный организм. Имение не могло прожить без деревни, деревня не могла существовать без имения.

Рахманинов любил ивановские сады, большой тенистый парк, пруды, чистый воздух и аромат прилегавших к усадьбе полей и лугов. Даже вдали от Ивановки он находился под ее очарованием. Она была любимым местом отдыха, частицей великой Родины, воспитавшей его как человека и музыканта.

Верочка Скалон и Наталья Сатина - две юные музы Рахманинова

В период с 1890 года по 1917 год Рахманинов почти каждую весну, лето, а часто и осень проводил в Ивановке. Здесь 17-летний Сережа влюбился в Верочку, дочку генерала Скалона, военного историка и председателя Русского военно-исторического общества. Ей он даже посвятил романс «В молчанье ночи тайной» (на стихи А. Фета). Уехав в Москву, он писал ей трогательные, возвышенные письма, которых было написано более 100 штук. Но Верочка не ответила ему взаимностью.

 

Но уже в 1893 году он увлекся Натальей Александровной Сатиной, в доме родителей которой он жил несколько лет и с которой провел практически все отрочество. Ей 20-летний композитор посвятил изумительный романс «Не пой, красавица, при мне». 29 апреля 1902 года они поженились. 14 марта 1903 года в семье Рахманиновых родилась дочь Ирина, 21 июня 1907 года — дочь Татьяна.

 

Людмила Ростовцова, дальняя родственница Сергея Рахманинова, сестра Верочки Скалон, писала полвека спустя: «Сережа женился на Наташе. Лучшей жены он не мог себе выбрать. Она любила его с детских лет, можно сказать, выстрадала его. Она была умна, музыкальна и очень содержательна. Мы радовались за Сережу, зная, в какие надежные руки он попадает…» Молва приписывает Сергею Рахманинову еще много романов. Высокий, красивый, неизменно элегантный, он имел множество поклонниц. За свою жизнь С.Рахманинов написал более 80 романсов, каждый из которых имел посвящение какой-то женщине. В эмиграции им не было написано ни одного романса. Последние восемнадцать лет Сергея Васильевича в его гастрольных поездках сопровождала его жена, которая делила с ним все тяготы длительных переездов, многочисленных пересадок и утомительных бессонных ночей. Она оберегала его от сквозняков, следила за его отдыхом, едой, после концертов укладывала вещи и, главное, морально поддерживала его. Сергей Васильевич называл свою жену «добрый гений всей моей жизни».

После окончания с отличием Московской консерватории, где его имя написано золотыми буквами на памятной мраморной доске, которая до сих пор находится в учебном корпусе и первыми произведениями, имевшими огромный успех, он испытал удар, который заставил потерять веру в себя на долгих три года. В 1895 году Рахманинов заканчивает свою первую симфонию, которая в начале 1897 года была исполнена в одном из «Русских симфонических концертов» под управлением А.К.Глазунова. Симфония потерпела фиаско, ее не поняли. По словам родственницы Рахманинова Л.Д.Ростовцевой-Скалон, Глазунов флегматично стоял у пульта и также флегматично ее провел. Симфония не понравилась ни публике, ни критике. Цезарь Кюи писал, например, в своей рецензии, что автор талантлив, но что, если бы в аду была консерватория, Рахманинов, несомненно, был бы в ней первым учеником. Это до такой степени расстроило Рахманинова, что он впал в депрессию.

Ему даже пришлось лечиться у психиатра. В течение нескольких лет Рахманинов не мог сочинять, и лишь помощь опытного доктора Николая Даля помогла ему выйти из кризиса.

 

 

Провал в 1897 году Первой симфонии Рахманинова сильно отразился на его душевном здоровье. В течение нескольких лет он находился в глубоком творческом кризисе. Лишь к началу 1900-х Рахманинов смог вернуться к активной композиторской деятельности, не в последнюю очередь благодаря лечению у известного врача-гипнотизёра Николая Даля, которому и посвящён 2 концерт. Свои встречи с этим человеком Рахманинов вспоминал до конца жизни и был очень благодарен ему. Второй концерт стал началом нового периода в творчестве Рахманинова.

Впервые Он исполнил этот концерт в Москве в октябре 1901 года.

 

Композитор передаёт упоение жизнью – и музыка льётся бесконечной, широкой рекой. Внимание к музыке приковывается с первых звуков концерта, с его жемчужины – первой темы, сразу пленяющей слушателей. Приведем здесь замечательную характеристику этой темы, данную выдающимся композитором, другом и современником С.В. Рахманинова, Метнером: «Тема его вдохновеннейшего Второго концерта есть не только тема его жизни, но неизменно производит впечатление одной из наиболее ярких тем России и только потому, что душа этой темы русская. Здесь нет ни одного этнографического аксессуара, ни сарафана, ни армяка, ни одного народно-песенного оборота, а между тем каждый раз с первого же колокольного удара чувствуешь, как во весь рост подымается Россия».

В 1904 году впервые была исполнена одноактная опера С,В,Рахманинова "Франческа да Римини"

Если бы Данте писал свою «Божественную комедию» в начале ХХ века, то, несомненно, был бы вдохновлен музыкой Сергея Рахманинова. «Франческа да Римини» - один из самых удивительных и самых непризнанных оперных шедевров начала столетия. Сопровождаемый по аду Вергилием Данте спускается в самое чрево своего ада, где встречается с тенями несчастных влюбленных - Паоло и Франчески, которые вдохновили Рахманинова на одну из лучших его партитур…

Замысел оперы на сюжет эпизода V песни «Ада» из «Божественной комедии» Данте возник в конце 1890-х гг. Тогда М. Чайковский сделал набросок сценария и либретто для Римского-Корсакова и Лядова, но они остались равнодушными к этой теме. На сюжет «Франчески» написан ряд опер (в том числе Э. Направника), но произведение Рахманинова отличается сжатостью, внутренним драматизмом, одухотворенным лиризмом, являясь, наряду с симфоническими произведениями Листа (Данте-симфония) и Чайковского («Франческа да Римини»), лучшим воплощением этой темы. Пролог и эпилог, обрамляющие действие, развертываются в аду. Поэт Данте и сопровождающий его Вергилий спускаются в бездну. Вихрь мчит тени грешников, среди них — Паоло и Франческа. Их рассказ оживает в действии.

Владыка Римини Ланчотто Малатеста, жестокий и уродливый тиран, женат на прекрасной Франческе, которая любит его брата Паоло и любима им. Желая проверить справедливость своих подозрений, Ланчотто объявляет, что отправляется в поход; на самом же деле он следит за влюбленными. Франческа и Паоло, читая книгу о любви рыцаря Ланселота к прекрасной Джиневре, охвачены всепобеждающим чувством. Ланчотто убивает влюбленных. Тени их, неразлучные и в смерти, уносит адский вихрь.

 

Начиная с 1906 года, композитор находился за пределами родины. Сначала – в Италии, затем в Дрездене, Америке, Канаде. Его любовь к Родине всегда ассоциировалась с Ивановкой. Как известно последний раз Рахманинов посетил Ивановку в апреле 1917 года. О том, что произошло с усадьбой в годы революции до сих пор много неясного. Очевидно одно, что все 34 постройки некогда зажиточного имения были разрушены, разграблены, преданы огню. Официальная пропаганда долго утверждала, что это дело рук белых бандитов «антоновцев», которые уничтожили имение вместе с размещавшейся там красной коммуной. Открытие архивов периода знаменитой крестьянской войны на Тамбовской земле под предводительством Антонова позволяет сделать более вероятное предположение об уничтожении имения в период бессмысленных крестьянских бунтов. В Тамбове рассказывают, что первое, что увидел С. Рахманинов во время своего последнего визита в Ивановку, был зверски убитый любимый им пёс Левко. Сердце Рахманинова этого выдержать не могло. Возможно, это легенда, но она недалека от истины.

 

И вот в 1917 году С.В. уехал навсегда из России. И живя за границей он практически перестал писать музыку. И только в 1940 году он написал последнее свое произведение "Симфонические танцы". Это одно из самых ярких сочинений Рахманинова. Оно всегда производит сильное эмоциональное впечатление (и даёт богатую пищу для размышлений). «С потрясающим трагизмом Рахманинов изображает ужас человека перед смертью»- пишет один из исследователей творчества Рахманинова.

Нам представляется, что «Симфонические танцы» — это условное название, скорее, вуалирующее, нежели раскрывающее их содержание. На самом деле,  они оказываются сочинением на религиозную тему,   своеобразным духовным завещанием Рахманинова, зашифрованным в музыкальных образах без привлечения слова. Зачем же Рахманинову понадобилось шифровать содержание «Танецев»?

Теперь мы можем только предполагать мотивы автора. Но с большой долей уверенности можно сказать, что Рахманинов скрыл истинный замысел сочинения, ради того, чтобы донести его до адресата. «Симфонические танцы» посвящены религиозной роли России в Последние времена. Благодаря затенению смысла в названии, композитор получил возможность исполнения «Танцев» на далекой родине уже спустя три года после их написания(5). Он видимо, надеялся, что «Танцы», войдя в музыкальный обиход России с музыкальной стороны, постепенно, с возвращением к вере народа, будут осмыслены и со стороны религиозного содержания(6).

Что же   «закодировано» в «Симфонических танцах»?

Замысел Рахманинова был, по-видимому, всеобъемлющим. Он в симфонической форме воплотил в них образы «Апокалипсиса», «Dies irae», судьбу гибнущего мира и роль России в Последние времена. Кроме того, Рахманинов отразил в них свои собственные переживания и, подобные пророческим, видения.

Свое отношение к происходящему в мире он, обычно скупой на оценки,  раскрывает в письме к С.А. Сатиной от 27 января 1941 г. «Мы живем, поистине, в страшное время — пишет Рахманинов. — Даже то, что мы переживали во время Первой мировой войны, кажется, в сравнении с настоящим, чем-то другим. Тогда были где-то, в каких-то странах, светлые пятна. Сейчас же кажется, что катастрофа распространяется на весь мир и поглотит всех и вся. Не дай, Господи! Советы жить только настоящим днем, по совести говоря, не выдерживают никакой критики. Кто же живет только сегодняшним днем и кто это, кто не думает хотя бы о близком будущем? И как можно о нем не думать! Ведь не звери же мы! Но, думая о будущем, ничего, кроме ужаса, себе не представляешь. Как с этим справиться и как себя вести, скажи мне?». Хотя эти строки написаны год спустя после создания «Танцев», можно с уверенностью предположить, что именно мысли о настоящем и «близком будущем» С.В. Рахманинов воплотил в содержании этого произведения. Каковы конкретно эти идеи и как они воплощены в «Симфонических танцах»?

 Суммируя впечатление от прослушивания «Танцев», их смысл от лица Рахманинова можно было бы сформулировать в следующих словах: «Родина моя! В эти страшные времена всадники Апокалипсиса уже разносят кару Господню по земле. Сатана правит бал в родном Отечестве. А ядовитая саранча  скачет по  миру,  вредя людям. Близок уже день Страшного суда и Второго пришествия. О, Святая Русь, как ты была прекрасна в своем идеальном обличье! Но что же с тобой стало?.. Во что ты превратилась? Это не может быть навсегда. Я верю, что покаянная молитва возродится на родной земле. И тогда Господь помилует Россию и весь мир. Иначе — конец всему и пустота. Время людей на исходе. Мрак покрывает землю».

 

Скончался Рахманинов 28 марта 1943 года. Перед смертью на его имя пришла телеграмма от советских композиторов, поздравлявших его с семидесятилетием. Великий русский композитор умер, а музыка его осталась с нами. По счастью, не только в нотах, но и на грампластинках, запечатлевших его собственное, неповторимо прекрасное исполнение.

Сергей Рахманинов: «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя…»

Годы жизни С. В. Рахманинова совпали с периодом величайших исторических потрясений, сказавшихся и на его собственном жизненном и творческом пути, одновременно блистательном и трагическом. Он был свидетелем двух мировых войн и трёх русских революций. Он приветствовал крушение русского самодержавия, но не принял Октябрь. Прожив почти половину жизни за рубежом, Рахманинов до конца дней чувствовал себя русским человеком. Его миссию в истории мирового искусства нельзя определить и оценить иначе как миссию певца России.

И еще мне нравятся его произведения на религиозную тему Всенощное бдение и Колокола.

И конечно нельзя не упомянуть Прелюдии Рахманинова. Всего он их написал 24, но самая знаменитая - соль-минорная была написана одной из первых и стала столь популярной, что ее знают все.

Прелюдия (от лат. prae… — перед и ludus — игра) — короткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы. В период зарождения прелюдия всегда предшествовала более длинному, сложному и строго оформленному произведению (отсюда название), но впоследствии композиторы стали писать прелюдии и как самостоятельные произведения. В прелюдиях часто встречается остинато, в целом прелюдии по стилю похожи на импровизацию.

Прелюдия - жанр старинный и в то же время необыкновенно чуткий к новейшим требованиям времени, допускающий множество авторских решений и трактовок. Необычна его судьба: возникнув в XV в., само слово «прелюдия» неоднократно меняло свой смысл. Первоначально так обозначалось небольшое инструментальное вступление к какому-либо сочинению, иногда написанное заранее, но чаще всего импровизируемое непосредственно во время исполнения. Не скованное строгими рамками правил, оно подготавливало настроение будущей пьесы и одновременно позволяло исполнителю продемонстрировать изобретательность и виртуозное мастерство.

Мир шопеновских прелюдий поражает богатством поэтических переживаний, неожиданностью эмоциональных контрастов, неповторимостью и целостностью каждого запечатленного в них образа. Прелюдии Рахманинова уже давно стали музыкальными шлягерами. Их играют и в музыкальных школах, и на академических площадках. Особая эмоциональность, «открытость» и вместе с тем огромная внутренняя сила и жёсткое волевое начало рахманиновской музыки требуют от исполнителя соответствующих качеств.

Послушайте соль-минорную Прелюдию Рахманинова в исполнении С.Рихтера

А закончим мы это эссе одним из самых любимых мной произведений, которое я когда-то играл на виолончели, Вокализом в исполнении Галины Вишневской. За роялем Мстислав Растропович.

От музыки Рахманинова никогда не устаёшь, она всегда трогает душу.

Похоронен С.В.Рахманинов вместе с женой и дочерью на русском кладбище в Кенсико, недалеко от Нью-Йорка.

 

Слова А. Белого – «Ударил серебряный колокол» – можно было бы поставить эпиграфом ко всему творчеству С.В. Рахманинова, который был одним из «колоколов» «серебряного века».

 

---

 

 

9 февраля, вторник, 18:00

Концертный зал Мариинского театра
ул. Декабристов, дом 37

Модест Мусоргский
«Рассвет на Москве-реке» (вступление к опере «Хованщина»)
Симфоническая поэма «Ночь на Лысой горе»
Переложение для брасс-ансамбля

Сергей Рахманинов. Концерт для фортепиано с оркестром
(Симфония № 2 Сергея Рахманинова в переложении
для фортепиано с оркестром Александра Варенберга)

Игорь Стравинский. Каприччио для фортепиано с оркестром

Симфонический оркестр Мариинского театра
Брасс-ансамбль Мариинского театра
Солист – Денис Мацуев (фортепиано)
Дирижер – Валерий Гергиев

 Музыку можно слушать здесь

Новый год для Большого зала петербургской филармонии им. Д.Д. Шостаковича начинается с юбилея – 19 января главному дирижёру Академического симфонического оркестра, лауреату Государственной премии, А. С. Дмитриеву исполняется 75 лет.

12 января состоялся концерт Академического симфонического оркестра филармонии – солировала Наталья Гутман, за дирижёрским пультом – Александр Дмитриев. В первом отделении звучали «Симфонические танцы» Рахманинова. а во втором – музыка французских композиторов – виолончельные концерты К. Сен-Санса и Д. Мийо и «Испанская рапсодия» Равеля,

Мы с удовольствием послушали эту музыку

---

Симфонические танцы -  одно из самых ярких сочинений Рахманинова. Оно всегда производит сильное эмоциональное впечатление (и даёт богатую пищу для размышлений). 

Когда слушаю, Симфонические танцы, то всегда возникают мысли о том, как страдал оторванный от Родины СВР… Впрочем почти вся его музыка написанная на чужбине, об этом. Но «Симфонические танцы», по-моему, вызывают особенно сильное сочувствие к судьбе Рахманинова.

Почитайте письма Рахманинова этого периода, воспоминания о композиторе. Может быть это поможет настроиться на "волну" Танцев?. Может ссылочка вот эта поможет http://www.bestreferat.ru/referat-3753.html

Прежде, чем слушать Танцы, я решил посмотреть, что люди говорят в виртуальной сети о них. Приведу некоторые выдержки из Ин-та со своими комментариями.

Эта музыка настолько проста, естественна, что очень немногие дирижёры могут сделать её так, чтобы заинтересовать тех, кто слушает Симфонические Танцы в свой первый раз. Это именно тот редкий случай, когда всё зависит на 90% от дирижёра - полный провал или ошеломляющий успех.

Поэтому то, что Дмитриев выбрал Танцы для своего бенефиса - очень хорошая характеристика юбиляра. Я слышал Танцы в разных исполнениях, больше всего мне нравится Кароян. У Дмитриева это было неплохо, но не так эмоционально. Оркестр звучал великолепно.

Танцы - немыслимо сложный по смыслу опус. Есть термин "смысловая полифония"; Танцы - целый небоскреб смысловых "голосов"-пластов-этажей. В Танцах все - загадка, тайна, в этом пространстве не работают никакие привычные языковые аналогии. Черная дыра 20 века.

Парадоксальность доведена в Танцах до мыслимого предела: "Благословен еси Господи" в джазовой аранжировке, неотличимой от музыки к диснеевским мультфильмам; лирический вальс, пропитанный дымом кабаре; 12 ударов колокола - и русские литургические песнопения в ритме румбы. Архаика - и современный Запад, Русь - и урбанизм, сакральное - и банальное; и все эти полярные крайности - в единстве, в синтезе. Есть противоположности, которые нельзя сочетать; Рахманинов - сочетает.

Литургический хорал в ритме свинга, "расцвеченный" оркестровым нарядом по последней голливудской моде - древний храм, переоборудованный под мюзик-холл; в алтаре - неоновые рекламы с грудастыми гёрлс. И встает во весь рост великая вавилонская блудница, у ног к-рой "безумный, безумный, безумный мир" оголтело пляшет румбу-Черную Мессу во имя Князя мира сего. Диес Ирэ - Судный день, Армагеддон; только в Танцах он - не событие, а процесс.
Хорошо сказал Пелевин: "Суть конца света - в том, что он уже давно наступил, а все, что с нами происходит - детали следственного эксперимента".

А самое, может быть, страшное, что сквозь неслыханную пошлость кабаре словно прорисовывается роспись самого Рахманинова: "это - Я". Танцы - проклятие не только миру, но и себе; не знаю опуса более достоевского, более страшного в мазохистическом покаянии.

Рахманинов разделяет с миром грех Черной Мессы, и не находит оправдания ни миру, ни себе. В этой страшной самообреченности на вечные муки есть родство с Леверкюном из Доктора Фаустуса (не случайно эти опусы писались примерно в одно время - "в воздухе носилось").
Есть, правда, надежда на прощение: в конце среднего эпизода финала Диес Ирэ звучит в светлом Des-dur`е. Только лишь надежда: после неё - Черная Месса Повседневности.

Финал Танцев - единовременно адский шабаш, "карамазовские" тайны русского нац. характера и современный американскийгород. Очень созвучно с Мастером и Маргаритой.

Кстати, наш перевод "Симфонические танцы" не вполне точен: слово "Dances" переводится ещё и как "пляски". Ну, а здесь сразу возникает ассоциация с "пляской смерти"

Послушайте:  www.youtube.com/watch

Код троичности, кстати, пронизывает этот опус по всем измерениям его структуры: от макро- до микро-уровня (вся структурная логика Танцев - как дерево, разветвляющееся везде на три). Три части, три раздела в каждой из частей, три подраздела в каждом из разделов... трехзвучные мотивы, образующие трехмотивные предложения; три стелевых/смысловых яруса, и т.д.

Есть над чем поразмыслить .

---

 Во втором отделении концерта звучала французская музыка Сен-Санса, Мийо и Равеля.

МИЙО, ДАРИУС (Milhaud, Darius) (1892–1974), французский композитор. Смелый новатор, Мийо широко разработал технику политонального письма, т.е. одновременного сочетания в произведении двух и более тональностей. Знаменит своими экспериментами с необычными инструментальными составами и оригинальными ритмическими находками, связанными с обращением к нетрадиционным источникам (американский джаз и бразильский фольклор).

Мийо считается одним из самых плодовитых композиторов XX века — ему принадлежат 443 сочинения, не считая неизданных.

 

Послушайте начало 1 виолончельного Концерта Мийо

 

---

Камиль Сен-Санс (Camille Saint-Saëns, 1835–1921) — французский композитор, пианист, органист, дирижёр, музыкальный критик и писатель, педагог, музыкально-общественный деятель. Наиболее яркая область творчества Сен-Санса — симфоническая и инструментально-ансамблевая музыка: симфония с органом (памяти Ф. Листа, 1886), симфонические поэмы (в т. ч. «Пляска смерти», 1874), концерты, «Интродукция и рондо-каприччиозо» для скрипки и оркестра (1863). В сочинениях Сен-Санса господствуют светлая поэтическая лирика, радостные настроения, сочная жанровость, умиротворённая созерцательность, благородная патетика, сдержанный драматизм. Из опер Сен-Санса выделяется «Самсон и Далила» (1876), отмеченная чертами ориентализма. Её отличают эпическая ораториальность, проникновенная лирика и драматизм.

Мы хорошо знакомы с его творчеством, благодаря умирающему Лебедю Плисецкой.

Послушайте начало финала 1 концерта для виолончели с оркестром Сен-Санса

 

  

---

 Наталья Гутман

С оркестром сыграла 1 концерт Сан-Санса и 1-й концерт Мийо великая виолончелистка Наталья Григорьевна (Альфредовна) Гутман. Наталия Гутман принадлежит к числу выдающихся российских музыкантов, признанных во всем мире.

«Цветок с корнями дуба» - так однажды сказал о ней Святослав Рихтер. 14 ноября 2009 года , ей исполнилось 67 лет, но выглядит она очень неплохо, Живая виолончель в ее руках звучала божественно.

 

Родилась Наталья Григорьевна Гутман 14 ноября 1942 года в Казани в музыкальной семье. Отец – Берлин Альфред Анисимович (1912–2002), будучи химиком, прекрасно играл на пианино.

.Мать – Гутман Мира Яковлевна (1914–1982). по профессии пианистка, окончила Московскую консерваторию (кафедра Г.Г. Нейгауза) Супруг – Каган Олег Моисеевич (1946–1990), скрипач, заслуженный артист России. Сыновья: Мороз Святослав, скрипач; Каган Александр, скрипач, студент консерватории. Дочь – Каган Мария, скрипачка, работает в оркестре в Португалии.

Первые уроки музыки 5-летняя Наташа получила у своего отчима – Романа Ефимовича Сапожникова, музыканта-виолончелиста, автора учебника «Школа игры на виолончели», по которому и сейчас учится юное поколение музыкантов. И я учился играть на виолончели по этому учебнику.

В 16 лет Гутман поступила в Московскую государственную консерваторию, в класс профессора Г.С. Козолуповой, а в 1964 году – в заочную аспирантуру при Ленинградской консерватории под руководством М.Л. Ростроповича, которую окончила в 1968 году.
Будучи студенткой, принимала участие в музыкальных конкурсах: 1959 год – 7-й молодежный фестиваль молодежи и студентов в Вене (лауреат, золотая медаль), 1961 год – Москва, Всесоюзный конкурс (лауреат), 1961 год – Прага, конкурс имени Дворжака (лауреат, I премия), 1962 год – Москва, конкурс имени П.И. Чайковского (лауреат, III место), 1967 год – Мюнхен, конкурс камерных ансамблей (I премия).

---

Морис Равель (Maurice Ravel, 1875–1937) — французский композитор.

«Я всегда смотрел на Равеля как на величайшего мастера французской музыки», — писал Ромен Роллан.

Равель был очень оригинальной личностью. В его сознании причудливо связывались музыка и механика. Он собрал коллекцию механических игрушек – точность их движений восхищала композитора. Неудачи, связанные с Римской премией, наложили отпечаток на всю его дальнейшую жизнь, и когда Равелю был предложен орден Почетного легиона, он отказался от награды, сочтя ее оскорблением. Однако степень почетного доктора музыки Оксфордского университета он принял как дань уважения.

 

Существенное место в его творчестве занимает испанская тематика (мать Равеля — испано-баскского происхождения; его педагог Берио был почитателем испанского искусства).

В 1907 году им были созданы «Испанская рапсодия», впервые заявившая о нем как о величайшем мастере оркестра, и опера «Испанский час».

В "Испанской рапсодии" Равель ищет точности ритмической акцентуации специфического материала, для чего использует расширенную ударную группу (литавры, треугольник, кастаньеты, бубен, малый барабан, тарелки, большой барабан, ксилофон). В партитуру введен также саррюзофон .

Четыре части сочинения — «Прелюдия ночи», «Малагенья», «Хабанера», «Ферия». Две средние части — небольшие жанровые зарисовки; две крайние более масштабны и объединены небольшим четырехзвучным мотивом. Он определяет облик первой части (вся она построена как фактурно-гармонические вариации на неизменный мотив), он же оттеняет второе появление темы хоты в финале.